Créer des effets artistiques 3D sur l'iPad Pro - Procreate Painting Series 3

1. Intro à l'art 3D: m'appelle Jane et je suis illustrateur et designer, rejoignez-moi aujourd'hui pendant que nous créons de l'art 3D. Mon objectif est de rendre l'art simple et facile pour tout le monde. J' aime chercher les modèles et tout et trouver des raccourcis amusants pour obtenir de beaux résultats. Dans ce cours, je vais vous montrer comment je crée effets tridimensionnels sur l'iPad à l'aide de l'application Procreate. Il y a quelque chose pour tout le monde dans cette classe. Je commence par des techniques débutants et je me base sur celles-ci dans chaque leçon en introduisant une technique plus avancée que nous allons. Nous allons apprendre à prendre une forme simple et en utilisant les concepts de base des lumières et des ombres, nous allons lui donner des dimensions de profondeur et des textures réalistes qui le feront sortir de la page. Je vais discuter de la façon dont j'utilise les calques, les modes de fusion , les masques d' écrêtage et tant d'autres outils exceptionnels offerts dans Procreate. Ce cours est livré avec un guide PDF à suivre avec les leçons et je vous fournit également quelques images pour que vous puissiez suivre avec moi. L' iPad a changé la façon dont je fais de l'art. C' est comme une grande boîte à outils avec toutes les peintures, stylos et pinceaux que vous pourriez souhaiter, mais portable et sans la masse. Il vous donne cette sensation satisfaisante de dessin ou de peinture sur une toile, mais le bonus supplémentaire outils et de techniques numériques pour créer facilement des effets détaillés et passionnants. À la fin de ce cours, vous verrez votre monde à travers de nouveaux yeux et réinventer votre art avec de nouvelles idées, textures fines et des effets de lumière, vous serez en mesure de recréer quelques-unes de vos textures réalistes préférées et en imaginant probablement de nouveaux fantastiques. Ce cours vous inspirera et vous fournira les techniques pour faire passer votre art au niveau supérieur, que vous créiez dans vos loisirs ou dans votre vie professionnelle. Cette classe vous mettra sur votre chemin pour les réimaginer belles œuvres d'art que vous pouvez créer sur l'iPad dans Procreate, rejoignez-moi dans cette classe, et nous aurons du plaisir à imaginer et à créer beaux yeux popping l'art tridimensionnel. Je te verrai là-bas. 2. Préparons nous: Commençons par examiner ce dont vous aurez besoin pour suivre ce cours. J' utilise un iPad Pro, taille d'écran 12,9 pouces de première génération avec un Apple Pencil. Vous n'avez pas besoin de l'Apple Pencil pour pouvoir encore faire la plupart de ces techniques. Cependant, je le recommande fortement pour tirer le meilleur parti de cette classe. Comme le crayon permet beaucoup plus de détails, la précision et les réglages de pression permettent le toucher léger nécessaire pour créer la dynamique des textures. Vous aurez également besoin de l'application Procreate , disponible dans iTunes sur l'App Store. Cette classe se fait en utilisant la version actuelle de ce temps, qui est 4.2. Je fournit certaines des images sur lesquelles travailler pour cette classe. Vous pouvez les trouver sous l'onglet de votre projet dans la section des pièces jointes. Vous pouvez y accéder sur votre iPad en ouvrant une application de navigateur Web et en ouvrant cette page de cours sur le site Web Skillshare. De là, vous pouvez télécharger directement les fichiers à utiliser sur votre iPad. Certaines des leçons que je vous encourage à utiliser vos propres dessins au trait ou dessins faits en procréation, tant que vous avez un fond transparent, ce qui est facile à faire si nous dessinons dans l'application elle-même. Je veux que vous découvriez à quel point c'est facile de s'appliquer à votre propre art. J' ai également inclus dans les pièces jointes une référence PDF de 12 pages pour compléter les leçons. Vous trouverez ici une image du modèle de calque pour chaque leçon, ainsi que toutes les valeurs de couleur hexadécimale importantes. Ces numéros de code hexadécimal peuvent être saisis dans la section de la palette sous l'onglet Valeur. J' ai également inclus les pinceaux que j'ai utilisés pour les démos de texture. Tous les pinceaux que j'utilise sont natifs pour procréer, donc vous n'avez pas besoin d'aller les trouver ailleurs. Chaque leçon s'appuiera sur celle qui l'a précédé. Pour vous accompagner dans toutes les possibilités, vous pouvez utiliser ces techniques pour. Une étape à la fois, vous découvrirez à quel point il est facile d' ajouter une petite dimension à votre art et de le faire sortir de la page. Nous commencerons par explorer l'idée de base de ce qui fait apparaître une forme tridimensionnelle. Ensuite, nous mettrons ces idées en action avec la forme de base d'un cercle. De là, je vais vous montrer comment prendre une œuvre d' art et y ajouter de la lumière et des ombres simples. Ensuite, nous allons passer à une forme plus complexe, d'un mandala. Celle-ci que je vous fournirai. Je vais marcher à travers comment créer les lumières et les ombres, puis nous allons passer à ajouter un peu de texture à elle. Une fois que nous aurons les bases, nous allons jouer avec les pièces et voir ce que nous pouvons trouver. Je vais vous montrer la puissance de simplement utiliser l'ombre portée par lui-même , puis comment ajouter une petite zone de texte et créer l'aspect du verre gravé. Chaque leçon est mise en place avec un projet pour explorer les différentes façons d'utiliser les techniques, et chaque technique s'appuiera sur celle qui l'a précédé. Une fois que nous aurons fini avec le verre gravé, nous allons nous amuser un peu à explorer comment créer des paillettes brillantes. Tout le plaisir sans le désordre. Ensuite, nous allons explorer comment ajouter le look 3D à la doublure elle-même, et comment nous pouvons l'utiliser dans d'autres peintures de procréation que nous avons créées. Rester avec un look d'art monochromatique. Ensuite, nous explorerons l'aspect du gaufrage en ajoutant de la texture à notre doublure dimensionnelle. Nous allons explorer l'utilisation du lettrage et créer un monogramme qui peut être utilisé dans les notes de remerciement ou les invitations. Je veux vous montrer que vous pouvez l'utiliser sur l'art ou le lettrage. Vous trouverez que les techniques sont très polyvalentes. Que se passe-t-il si vous avez un look spécifique que vous aimeriez recréer ? C' est à ce moment qu'une photo de référence fera un long chemin. Nous allons explorer comment utiliser une image d'une texture dont vous avez peut-être pris une photo ou trouvé en ligne et créer une palette à partir de celle-ci et essayer de recréer la texture sur notre œuvre d'art. Enfin, je vais finir avec quelques idées avancées. Nous allons expérimenter différents types de métaux tels que l'argent et l'acier. Il y a tellement d'endroits où vous pouvez prendre ces idées. Une fois que vous avez les techniques de base, le ciel est la limite. Votre image iPad ne sera jamais la même. Es-tu excité ? Eh bien, allons-y. Téléchargez vos pièces jointes et retrouvez moi dans la première leçon. Je te verrai là-bas. 3. Ombre et lumière: Qu' est-ce qui fait apparaître un objet en trois dimensions ? J' ai abordé mon art d'un point de vue du cerveau très gauche. J' aime travailler avec la géométrie et les mathématiques, et j'ai une approche très logique de mon art. J' aime déconstruire une idée et la remettre en forme comme un puzzle. Les objets apparaissent à nos yeux comme tridimensionnels en raison du jeu de la lumière et ombre et de la façon dont cet objet réfléchit en arrière ou ne reflète pas la source lumineuse. J' ai pensé pourquoi ne puis-je pas utiliser la forme elle-même pour les créer sur la toile ? Allons briser ça. abord, nous avons besoin de notre source de lumière, que je vais placer dans le coin supérieur droit. C' est là que je vais garder notre source de lumière tout au long de cette classe pour que nous soyons cohérents. Je ne vais pas forcément le mettre sur l'écran, mais vous pouvez prendre pour acquis qu'il y a toujours une source de lumière venant du coin supérieur droit de notre toile. Maintenant, la lumière va briller sur notre objet à un angle de sorte que notre objet va refléter une partie de la lumière en arrière. Du côté de la source de lumière, vous allez obtenir un point culminant qui sera défini par la forme elle-même. La taille de cette mise en évidence dépendra également du look que nous recherchons. l'autre côté de l'objet, il y aura une ombre. Elle jette une ombre sur elle-même, et nous appelons cela l'ombre centrale. Vous pouvez être habitué à une terminologie différente, mais j'utilise juste une terminologie qui m'est familière et ensuite j'utiliserai tout au long de cette classe. Cette ombre, encore une fois, est définie par la forme de l'objet. Et enfin, en dessous, on va avoir ce qu'on appelle une ombre portée ou une ombre coulée. Cela donne l'illusion que la forme est assise sur une surface. Ce n'est plus qu'une simple forme plate sur une simple surface plane. Vous avez maintenant l'apparence d'un objet tridimensionnel. Maintenant que vous savez quelles sont les parties, dans la leçon suivante, prenons un cercle simple et transformons-le en un bouton. 4. Les étapes de base - Forme simple: La meilleure façon d'apprendre quelque chose est de le mettre en pratique. Comment faire de ce cercle un bouton ? Utilisons les idées que nous avons apprises dans la dernière leçon pour créer ce cercle plat de base qui se trouve sur notre Canvas et transformer en ce qui semble être un bouton tridimensionnel. Passons à l'iPad et commençons. Ici, j'ai un Canvas carré déjà configuré et procréer et c'est une fonctionnalité soignée. Si vous avez déjà ouvert un Canvas mais que vous vouliez en changer la taille, vous pouvez le faire dans Procreate maintenant. Vous pouvez le faire glisser à la taille que vous voulez, ou vous pouvez poinçonner dans les chiffres ci-dessous. Mon incontournable est toujours une Toile de 2400 carrés, c'est ce que j'aime. C' est une fonctionnalité vraiment soignée que vous pouvez également utiliser si vous êtes déjà dans le Canvas et que vous voulez le changer. Donc maintenant, revenons à la création de notre bouton. Je vais commencer par dessiner un cercle, donc je vais juste utiliser le noir pour commencer et un stylo de base et je vais dessiner mon cercle. Voici une autre chose vraiment cool que vous pouvez faire dans la procréation. Si vous le tenez avec votre stylo, il lisse cela et si vous maintenez avec votre doigt, il le transforme en un cercle parfait, alors je peux le remplir et maintenant j'ai un cercle parfait au milieu de ma toile. Ensuite, nous allons configurer nos couches. Nous allons dans la section des calques et nous commençons à les dupliquer et à les renommer afin que nous soyons prêts à les utiliser tout le chemin dont nous avons discuté dans la leçon précédente. Je vais avoir cette configuration disponible dans le téléchargement sous forme PDF afin que vous puissiez avoir une meilleure idée de ce que j'ai fait ici. Mais je vais juste accélérer cette partie et vous montrer rapidement ce que je fais, dupliquer et renommer tout. Il est très important que vous renommez tout correctement car une fois que vous travaillez avec ces couches, il est très facile de se confondre avec ce que la couche est réellement. Une fois que je les ai tous nommés, je les éteins tous et je retourne en arrière et recolore ceux, un à la fois. Je vais commencer par le bouton et je vais choisir un beau rouge vif et ce sera la couleur de mon bouton. Je vais ici et je choisis l'option de recolor. Cette petite croix ici recolorera tout ce qui est sur cette couche. Maintenant, revenant dans mon menu de calque, j'ai fait le bouton et je laisse mes ombres en noir, mais je veux que mon point culminant soit blanc. Allez et choisissez le blanc parfait. J' en ai un dans ma palette, et encore une fois, recolor. Où que ce soit croisé, il couvrira tout ce qui se trouve sur cette couche. Mes pochoirs, je devrais leur faire quelque chose complètement différent pour que tu ne les confondes pas avec mon design. Je suis en train de recolorer pourquoi les pochoirs sont jaunes et j'en ai besoin deux. Je pense que tout le monde est en place là-bas. Donc remarquez que je dois déposer des ombres un peu et le long, je vais vous montrer comment cela fonctionne aussi bien. C' est ma mise en page standard pour une forme de base. Vous me verrez l'utiliser encore et encore, donc vous vous familiariserez avec ça. Il y a deux pochoirs, un pour le point culminant et un pour l'ombre de base. Ils seront supprimés une fois que je les ai utilisés, donc ils devraient être placés juste au-dessus de chacune des couches avec lesquelles ils vont être utilisés. Revenons brièvement ce qui va se passer ici. Tout comme nous l'avons discuté dans la leçon précédente, je vais garder ma source lumineuse dans mon coin supérieur droit. Je vais juste le dessiner ici sur un calque séparé pour vous donner un visuel. La lumière brillera vers le bas et créera une ombre dans le coin inférieur gauche de mes objets. Encore une fois, une idée de la façon dont tout ce processus fonctionne. Vous pouvez expérimenter avec déplacer votre source lumineuse sur n'importe quelle partie du Canvas que vous voulez. Alors allons-y. Nous allons choisir notre pochoir au-dessus notre ombre et comme nous voulons l'ombre en bas à gauche, nous allons déplacer cette traction en haut à droite. Je le fais en tapant juste sur l'écran dans ce coin supérieur droit exact, juste passé où la marque de sélection est. Une fois que je suis satisfait, je vais au pochoir et je sélectionne, puis je suis passé au calque d'ombre de base et je choisis Effacer. Maintenant, il a tout enlevé, sauf une très petite partie de mon ombre. Je supprime ce pochoir pour le sortir de mon chemin. Maintenant, nous allons faire la même chose avec le surlignement, mais dans la direction opposée. Maintenant encore, je suis sur le calque de pochoir et je tape dans le coin inférieur gauche jusqu'à ce que je vois assez de blanc. J' ai essayé de taper le même numéro sur les deux coins. Allez dans vos pochoirs, sélectionnez, et allez sur votre point culminant et effacez. Maintenant, nous avons un point culminant net et une ombre de noyau nette, et nous voulons les mélanger un peu. Sur le calque de surbrillance, nous allons dans les réglages et nous choisissons le flou gaussien, et nous faisons glisser notre crayon sur l'écran, et cela utilise notre flou. Je vais aller quelque part entre 15 et 20 pour cent, pas beaucoup, mais juste assez pour mélanger le point culminant dans mon bouton. Tout cela viendra avec la pratique. Vous apprendrez ce que vous aimez l'apparence et ce qui vous semble réaliste. Maintenant, nous allons faire la même chose à l'ombre de base, nous assurant que nous sommes sur la couche d'ombre principale, nous allons faire le même flou gaussien et j'utilise peu près le même pourcentage pour qu'il soit équilibré et égal. Nous allons aller de l'avant et faire l'ombre portée et ne vous inquiétez pas, nous utilisons la même méthode dans chaque projet. Ça aura plus de sens à chaque fois que nous le faisons. L' ombre portée que nous sommes sur le calque d'ombre portée réel. Nous voulons le déplacer dans le coin inférieur gauche. Il n'y a pas de pochoir cette fois et vous ne voulez pas le déplacer trop loin parce que vous essayez juste de créer une belle petite ombre nette en dessous. Vous allez le flou gaussien de la même façon que vous l' avez fait pour le point culminant et l'ombre principale, et c'est une préférence personnelle, probablement autour de 20 pour cent à nouveau. Ensuite, nous pouvons travailler avec l'opacité si nous trouvons trop sombre, vous pouvez réduire l'opacité un peu aussi. Parfois, je travaille avec une ombre portée et parfois je fais deux. Je l'appelle un long et un court ou un croustillant et le long d'un. Nous allons travailler sur la deuxième ombre portée juste pour voir si ça fait une différence. Ce que je fais avec celui-ci, c'est que je tire un peu plus loin parce que je l'appelle ma longue ombre, mais ça va être une ombre plus claire. Je vais flotter un peu plus que le premier. Va ici à mes ajustements et j'utilise le flou gaussien et c'est vraiment à propos de regarder ça. Vous pouvez mettre plus de flou dedans, mais vous ne pouvez pas l'enlever. Si quelque chose d'erreur sur le côté inférieur, puis à nouveau, vous voulez déplacer l'opacité vers le haut et vers le bas, puis assurez-vous que vous êtes sur le bon calque là. Je pense que je suis sur la mauvaise couche, je suis sur ma couche courte là-bas. Allumez-les et éteignez-les, voyez à quoi ils ressemblent. Peut-être que vous ne voulez même pas deux ombres portées. Il s'agit de préférences personnelles et de ce qui est logique pour vous. Maintenant, si ça semble aller un peu vite, c'est bon. Nous allons continuer à le faire dans chaque projet et vous allez vraiment prendre le coup de ça. La prochaine que je vais faire va avoir un point culminant plus grand et une ombre plus grande. Donc je vais mettre tout ça dans un groupe. D' abord, je vais dupliquer ma base et le faire glisser vers le haut pour qu'il soit hors du chemin. Je vais sélectionner toutes les autres couches et les mettre dans un groupe et de cette façon je peux désactiver ce groupe, mais je ne perds pas ce projet particulier. Maintenant, nous allons le faire à nouveau et je vais créer toutes mes couches comme je les avais avant. Je vais changer ma couleur de base pour qu' on travaille quelque chose de différent. Je vais devenir bleu cette fois. Maintenant, je vais juste aller plus vite et sauter toute cette duplication et renommage et j'ai déjà mon groupe tout prêt à partir. Encore ici, j'ai mon pochoir et cette fois au lieu de taper, je vais faire glisser. Voyez comment j'ai l'aimanté sur cette ligne bleue m'a gardé en ligne et je veux une ombre beaucoup plus grande cette fois. C' est pour ça que j'ai tapé parce que taper pouvait prendre beaucoup de temps. Encore une fois, j'ai sélectionné mon pochoir et je l'ai effacé de mon calque d'ombre. Encore une fois, je vais le faire avec le point culminant sur mon pochoir. Je vais le faire glisser vers le bas vers le bas à gauche et je le regarde à peu près de la même chose. Ce n'est pas exact, mais le globe oculaire est dedans. Tu devrais te rapprocher. Vous allez sélectionner sur le calque, effacer de votre surbrillance, puis supprimer vos gabarits. Voyez combien j'en ai plus ici que dans la dernière. Ça va créer un look différent à mon bouton. Encore une fois, sur mon calque de surbrillance, je passe dans mon flou gaussien et je le floue un peu plus parce que j'ai beaucoup plus de surbrillance à travailler ici, puis jusqu'à mon ombre principale. Prenez note de ce que vous avez floué sur le dessus parce que c'est une bonne idée de les brouiller tous les deux de la même façon, mais parfois l'ombre principale a besoin d'un peu plus floue parce qu'il fait si sombre. Voyez comment j'ai beaucoup plus d'un aspect arrondi à mon bouton maintenant parce que j'ai utilisé des sections plus grandes. Vous pouvez utiliser le mode de fusion pour modifier les couleurs. Overlay est vraiment bon à utiliser car il fonctionne vraiment bien avec la couleur ci-dessous. Il se fond uniquement avec le bouton lui-même, sorte que vous ne verrez aucune des mises en surbrillance ou l'ombrage en dehors des bords du bouton. Maintenant, on va aller avec l'ombre portée. Encore une fois, je le fais glisser et puis je le floue parce que c'est un bouton plus grand, donc j'ai besoin d'un peu plus d'ombre portée pour que tout reste en proportion l'un par rapport à l'autre. Est-ce que ça doit être exact mais assez proche ? Maintenant, nous pouvons utiliser l'opacité pour faire tomber l'ombre portée un peu. Si je veux une seconde ombre portée, elle est là, il faut juste allumer, et ensuite je peux faire glisser celle-ci. Donc, un je fais glisser une courte distance et un je traîne le long de la distance. Le plus court sera plus sombre. Encore une fois, je le floue jusqu'à ce que j'aime son apparence. Encore une fois, ne pas trop flou, vous pouvez compenser en réduisant l'opacité et si vous avez vraiment besoin de revenir en arrière et de flou un peu plus. Maintenant, vous avez vu deux versions différentes sur la façon de faire ce bouton. Un peu plus plat et un peu plus arrondi. Jouez avec vos calques, que vous souhaitiez déposer des ombres ou non, jouez avec vos opacités et jouez avec vos modes de fusion. Il ne s'agit pas vraiment de bien ou de mal, c'est ce qui vous semble bien. Vous pouvez y aller et les changer encore et encore. Assurez-vous que vous êtes à l'aise et familier avec tout ce processus , car c'est ce que nous allons utiliser dans toutes les leçons à venir. Chacune des leçons va s'appuyer sur cette technique. À la fin de ce cours, vous aurez toutes sortes d'idées sur le genre d'art tridimensionnel que vous aimeriez créer. Dans la leçon suivante, nous allons utiliser une œuvre d'art qui a plusieurs formes en elle. Donc quand tu seras prêt, je te rejoindrai là-bas. 5. Utiliser votre art - Formes multiples: Maintenant que nous avons obtenu un aspect tridimensionnel sur une seule forme, voyons ce que nous pouvons faire avec plusieurs formes sur la même toile. Prenons un tableau que nous avons déjà fait dans la procréation et créons un look tridimensionnel en utilisant nos reflets et nos ombres. Vous pouvez reconnaître cette pièce en transformant vos croquis en cours d'art fantaisiste. C' est fait avec beaucoup de pinceau aquarelle. Vous pouvez voir si je change l'arrière-plan, cela affecte la couleur de mon art. Je vais également vous montrer comment créer un fond solide derrière juste les pièces sur lesquelles vous voulez créer les ombres et les reflets. Nous allons commencer par utiliser notre outil de sélection et nous allons sélectionner l'illustration avec laquelle nous voulons travailler. Vous pouvez commencer par essayer de sélectionner chacun des objets avec lesquels vous souhaitez travailler. Mais lorsque vous travaillez avec une œuvre d'art comme celle-ci avec beaucoup de formes différentes, une façon plus simple de le faire est simplement de sélectionner l'arrière-plan. Lorsque votre outil de sélection est activé, assurez-vous qu'il est activé automatiquement et sélectionnez simplement l'arrière-plan. Maintenant, vous verrez que mon illustration n'est pas parfaitement opaque, une partie de la sélection d'arrière-plan se glisse dans l'illustration. Utilisez votre curseur, faites simplement glisser votre crayon d'avant en arrière jusqu'à ce que vous soyez satisfait de la quantité d'arrière-plan sélectionnée et qu'il n'empiète pas trop sur votre illustration. Une fois que vous êtes satisfait de votre sélection, nous devons choisir l'inverse car nous voulons que l'illustration soit sélectionnée, et non l'arrière-plan. Nous le faisons en descendant ici et en choisissant inverser et maintenant nous avons juste l'œuvre sélectionnée. Ensuite, vous allez créer un nouveau calque et vous allez remplir ce calque. Maintenant, vous avez une version complètement opaque de votre œuvre. Toutes les formes sont remplies d'une couleur unie et maintenant nous pouvons travailler avec elles pour créer une version tridimensionnelle de votre œuvre. Maintenant, nous sommes prêts à suivre les mêmes étapes que celles que nous avons utilisées dans la leçon précédente qui nous a amenés d'un cercle plane sur la toile à un bouton tridimensionnel. Vous allez dupliquer et récupérer le calque pour obtenir votre calque de surbrillance, votre ombre principale, votre ombre portée dans deux pochoirs, et en plus de cela cette fois, je vais également avoir un calque d'arrière-plan pour l'art qui est un blanc de couleur unie qui va se trouver directement derrière mon art aquarelle. Ce que cela va faire est de s'assurer que mes aquarelles restent la même couleur quelle que soit la couleur d'arrière-plan que je choisis de changer. Ce sera le même peu importe ce que les pinceaux, n'a pas besoin d'être pinceau aquarelle. Il y a beaucoup de pinceaux et de procréer qui ont un aspect semi-translucide pour eux. Vous voudrez le faire avec n'importe quelle illustration que vous utilisez un pinceau comme ça. Je couvre plus à ce sujet dans la classe, transformant vos croquis en art fantaisiste afin que vous puissiez vérifier celui-ci si vous voulez en savoir plus à ce sujet. Allons juste sauter devant. J' ai toutes mes couches prêtes à aller, les éteignant toutes sauf pour le dos de fleur et de fleur. Ensuite, je vais à mon arrière-plan et je peux changer la couleur de mon arrière-plan maintenant et cela n'affecte pas directement les couleurs de mes fleurs parce que j'ai ce support en place et maintenant nous sommes prêts à travailler avec le reste de nos couches. Activez votre menu Calque et nous allons accéder aux calques avec lesquels nous travaillons sont ce gabarit et la mise en surbrillance active les deux. Sélectionnez le calque de gabarit en haut, puis l'outil de transformation. Votre lumière est à nouveau en haut à droite, nous voulons en haut en bas à gauche. Nous ne parviendrons pas au sommet beaucoup de fois, peut-être cinq ou six fois parce que votre œuvre est beaucoup plus petite maintenant. Vous ne pouvez pas le dépasser avec trop de surbrillance. Sélectionnez le pochoir aller à votre surbrillance, puis vous allez choisir l'option Effacer, puis n'oubliez pas de supprimer votre pochoir. Lorsque vous commencez à commencer, il peut être plus facile de changer la couleur de votre arrière-plan pendant que vous effectuez la mise en surbrillance, car il est blanc et votre arrière-plan est blanc. Mais une fois qu'il en aura une idée, ça aura plus de sens. Passons à notre pochoir pour notre ombre principale, maintenant nous voulons taper en haut à droite. Encore une fois, je ne fais que taper cinq ou six fois la même chose que pour le surlignement, puis je vais aller dans et sélectionner ce pochoir, et je vais aller dans mon calque d'ombre de base et choisir clair. Encore une fois, n'oubliez pas de supprimer votre pochoir en le faisant glisser vers la gauche, puis en choisissant Supprimer. Notre prochaine étape est de faire le flou gaussien. Choisissez votre calque de surbrillance, ajustements dans le flou gaussien, et faites glisser légèrement vos crayons vers la droite et peut-être 10 %, vous pouvez toujours faire plus tard. Revenez en arrière et choisissez votre ombre principale et votre flou gaussien à nouveau, et faites glisser votre crayon légèrement vers la droite environ 10 pour cent à nouveau. Ces pourcentages ne seront pas toujours les mêmes pour la mise en évidence dans l'ombre du cœur. Vous utiliserez votre jugement au fur et à mesure. Mais encore une fois, vous pouvez toujours faire plus, mais vous ne pouvez pas l'enlever. Essayons maintenant quelques modes de fusion. Dans le surlignement, je vais essayer la superposition, puis dans l'ombre du cœur, je pense que je vais essayer la superposition aussi. Superpose agréable car il reprend les couleurs de l'art en dessous et crée l'ombre comme une version plus sombre de la couleur qui est déjà sur l'écran. zoom avant sur votre illustration pendant que vous le faites, car il est beaucoup plus facile de voir quand vous l'avez rapprochée, puis une fois que vous avez choisi votre mode de fusion, vous pouvez jouer avec l'opacité et cela change l'intensité de la mise en évidence et l'ombre. Maintenant, on va travailler avec l'ombre portée et je vais te montrer. Dans ce cas, je n'aime pas l'ombre portée avec cette œuvre d'art, mais je vais vous montrer pourquoi. En choisissant notre ombre portée, nous allons taper dans le coin inférieur gauche et la déplacer peut-être trois fois, quatre fois au maximum, je ne veux pas beaucoup d'ombre portée sur mes très petits objets. Maintenant, je vais utiliser le flou et le flou gaussien juste un peu et voir comment cela s'éloigne de la définition de mon art. Ce qui se passe dans cette pièce particulière, c'est qu'il y a beaucoup de petites formes qui sont divisées par des espaces. Les espaces sont là où se trouvait le liner quand je l'ai dessiné initialement, et j'ai enlevé l'art au trait. L' ombre portée remplit ces espaces avec ce flou gris. Dans ce cas, je vais laisser l'ombre portée. Vous verrez parfois que vous ne voulez pas l'utiliser. Il y a tellement de choses sur ma toile déjà avec toutes les petites formes et les belles couleurs que je pense que le point culminant dans l'ombre de base fait l'affaire en créant un beau look dimensionnel à cette œuvre d'art. Encore une fois, utilisez votre propre jugement quant à ce que vous vous sentez bien avec votre art et dans la leçon suivante, essayons une Mandela géométrique tridimensionnelle. Je te verrai là-bas. 6. Mandala en 3D - Partie 1 - Formes complexes: Maintenant, nous allons utiliser ces techniques pour créer un Mandala tridimensionnel. Juste un rappel, dans la section Pièces jointes, vous trouverez le PDF qui contient chacun de ces projets plus tard avec les calques que j'utilise et les couleurs que j'utilise. J' ai également inclus une image PNG de ce Mandela afin que vous puissiez suivre avec moi dans cette leçon. Il suffit de créer un nouveau Canvas, d'importer l'image dedans, elle entrera sur son propre calque, puis nous pourrons commencer. Je suis allé de l'avant et j'ai la mienne. J' ai l'original ici déjà verrouillé afin que je ne le change pas, et ensuite j'ai toutes mes couches configurées dans un groupe. J' aime que tout ça soit arrangé en groupe. Ensuite, je peux dupliquer le groupe et en garder un sur le côté afin que j' toujours un nouveau avec lequel jouer et créer de nouvelles idées avec. En nous assurant qu'un calque de base est le seul à être activé, choisissons une couleur. Je vais aller avec le vert cette fois, alors on va à nos ajustements, choisit la re-couleur, et on déplace ce petit X sur notre Mandela. Il va devenir vert. C' est la couleur avec laquelle nous allons travailler cette fois. Maintenant, je vais prendre mon pochoir et je ne les ai pas encore colorés, je vais déplacer un pochoir au-dessus du Highlight, et je vais y aller et en faire un beau rose, un rose saumon. Je veux toujours choisir quelque chose que je n'utilise pas dans mes projets pour que je sache que c'est le pochoir. L' autre pochoir, je vais me déplacer au-dessus l'ombre du noyau et ensuite je vais colorer celui-ci aussi. Je pourrais avoir ces pré-colorés aussi bien, mais je ne sais jamais très quelle couleur je vais utiliser comme base, donc j'aime choisir quelque chose de complètement différent de la couleur de base. Maintenant, nous allons commencer par le surlignement, mais cette fois je vais changer un peu ma couleur d'arrière-plan pour que vous puissiez faire la différence. Vous pouvez y voir le point culminant blanc. Il est souvent bon de changer la couleur de votre arrière-plan lorsque vous travaillez avec une mise en surbrillance, car il est plus facile de la voir. Mais encore une fois, comme je l'ai dit, une fois que vous vous y habituerez, vous ne sentirez peut-être pas besoin de changer la couleur de votre fond. Ici, nous avons le pochoir, nous sommes sur la couche de pochoir et je le déplace en bas à gauche parce que rappelez-vous que notre source de lumière est en haut à droite. Je fais environ 20 robinets ici dans le coin inférieur gauche, donc j'ai une belle bande blanche mince de point culminant. J' y vais et je sélectionne mon pochoir, puis j'y vais et j'efface de mon calque de surbrillance. Ensuite, je vais de l'avant et je fais glisser et supprimer mon calque de pochoir, et je reste avec cette belle bande mince de surbrillance. Maintenant, je vais entrer et allumer ce pochoir et couches d'ombre de base et faire la même chose à l'envers. Je prends ma couche de pochoir et dans le coin supérieur droit, je vais taper 20 fois à nouveau, sorte que j'obtiens une belle bande mince sombre pour mon ombre de noyau en bas à gauche. Maintenant, je vais dans et je sélectionne mon pochoir, et je vais dans et je vire de l'ombre principale et supprime ce calque de pochoir. Maintenant, j'ai à la fois une ombre et un point culminant. Je retourne à mon calque de surbrillance et nous faisons le flou gaussien, allons dans les ajustements, choisissez le flou gaussien, et je vais le flouter autour de 10-15 pour cent, puis je vais revenir dans mes calques, choisir mon ombre de base, revenir dans les ajustements et le flou gaussien, et glisser mon crayon à travers à nouveau généralement environ 10 pour cent sur celui-là. Maintenant, j'ai un surlignement et j'ai une ombre de cœur, et je vais changer mes modes de fusion en superposition. J' aime les passer à la superposition, il donne une ombre plus nette. Il le mélange dans la couleur qui est déjà là. Vous pouvez expérimenter d'autres modes de fusion. Je vais souvent utiliser la lumière douce ou parfois je vais laisser comme d'habitude et puis juste jouer avec l'opacité. Je vais changer mon arrière-plan en blanc. Je l'ai ajouté comme un gris cassé pour que je puisse voir le surlignement blanc, et maintenant je veux travailler avec mon ombre portée, donc je veux qu'elle soit blanche à nouveau. Allez à votre couche d'ombre portée, allumez-le, utilisez l'outil de transformation et appuyez sur le coin inférieur gauche, environ cinq fois, puis utilisez votre flou gaussien et flou, il peut être d'environ 10-15 pour cent, puis je vais abaisser l'opacité. Je trouve avec une ombre portée, je dois toujours baisser l'opacité un peu, et donc je veux une ombre vraiment sombre et nette. Tout comme avec le bouton, c'est un point culminant très étroit et une ombre étroite. Maintenant, je vais vous montrer celui qui a un point culminant plus grand dans une ombre plus grande, donc il lui donne un aspect tridimensionnel beaucoup plus arrondi et plus profond. J' ai réinitialisé ça maintenant. J' ai gardé l'ombre portée la même, vous pouvez le voir là-bas, mais j'ai réinitialisé les pochoirs et les surlignements comme neufs. Je vais à ce pochoir sur le calque de surbrillance, et je veux pouvoir le déplacer ici, et je vais juste le déplacer cette fois sans taper parce que je veux une mise en évidence beaucoup plus grande. Je veux une zone beaucoup plus grande là-bas, vous pouvez le voir un peu mieux quand j'éteins l'arrière-plan. Je veux une belle mise en évidence épaisse dans le coin supérieur droit, je sélectionne le pochoir et je l'efface de mon calque de surbrillance, puis supprime mon pochoir. Maintenant, je vais descendre et faire la même chose avec l'ombre du noyau. Encore une fois, je suis juste en train de bouger les yeux. Je n'ai pas d'outils de mesure lorsque je le glisse comme ça, je vais juste sélectionner ce pochoir pour l'ombre du cœur, et ils vont le déplacer en haut à droite. A peu près de la même chose, je veux une belle ombre de noyau sombre épais là-bas en bas à gauche, sélectionnez ce pochoir et effacer de l'ombre de noyau, puis supprimez votre pochoir. Maintenant, j'ai une section de surbrillance plus grande et une section d'ombre de noyau plus grande. Encore une fois, je vais utiliser le flou gaussien sur ces deux calques, donc je commence par le surlignement et je le floue, puis je vais à l'ombre principale et je floue celle-ci aussi. Cette fois, je vais un peu plus haut parce que ces sections sont un peu plus grandes. Maintenant, je vais réactiver mon arrière-plan, puis je vais changer mes modes de fusion en superposition. Alors je vais réduire un peu mon opacité sur les deux. Lorsque vous utilisez la superposition, c'est comme augmenter votre contraste, vos sombres deviennent plus foncés, vos lumières deviennent plus claires, vos couleurs vont être un peu plus intenses. Dans ce cas, il y a un vert plus intense lorsque vous utilisez la superposition sombre, j'aimerais réduire l'opacité sur cela. Maintenant, lorsque vous utilisez le flou gaussien sur votre surbrillance et votre ombre principale, ils vont flou sur les bords de votre dessin. Parfois, c'est à ça que vous voulez qu'il ressemble, mais si pour une raison quelconque, vous ne le faites pas, et je vais juste changer la couleur d'arrière-plan ici afin que vous puissiez voir comment la mise en évidence se reflète sur la surface d'arrière-plan, si vous ne voulez pas cet effet, voici comment vous en débarrasser. Sélectionnez votre calque de base, puis inversez la sélection, puis accédez à votre surbrillance et choisissez Effacer. Maintenant, il s'est débarrassé de tout ce qui est passé sur le bord du design. Parfois, vous voulez qu'il ressemble à un reflet sur l'arrière-plan, mais d'autres fois, en fonction de votre couleur de fond, cela ne sera pas vraiment trop réaliste. Selon la couleur de votre fond et la couleur que vous avez choisie pour votre base, tout va répondre un peu différent et vous allez le voir un peu différent. Il est bon de connaître toutes ces petites astuces pour que vous puissiez créer le design et le look que vous cherchez. La meilleure façon d'apprendre quelque chose est par la répétition et la pratique. C' est une troisième forme différente pour laquelle nous avons utilisé cette technique, et nous continuons à suivre le même processus avec quelques ajustements ici et là, mais vous apprenez au fur et à mesure. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à explorer la texture. En ajoutant de la texture à nos formes tridimensionnelles, nous pouvons apporter du réalisme photo, ou nous pouvons jouer avec des effets spéciaux vraiment uniques. Pratiquez avec ces techniques, assurez-vous que vous êtes à l'aise avec elles. Essayez-les sur vos propres formes et testez-les sur votre propre art, et voyez comment cela fonctionne pour vous. Quand vous serez à l'aise avec les techniques et que vous prêt à aller de l'avant dans la texture, je vous verrai dans la prochaine leçon. 7. Mandala en 3D Partie 2 - Ajouter de la texture: Maintenant que nous avons appris à créer une forme dimensionnelle en utilisant des reflets, des ombres et des ombres portées, passons au niveau supérieur et commençons à ajouter de la texture pour le photoréalisme et quelques effets spéciaux. Reprenons là où on s'est arrêté dans la dernière leçon avec notre mandala vert. J' ai toutes les couches encore ici avec les ombres et les reflets. Je vais ajouter deux couches de plus, je vais les étiqueter comme je le fais. L' un va être texture légère et l'autre va être texture foncée. Ils vont tous les deux s'asseoir juste au-dessus de la couche nommée couche de base, qui est là où mon mandala vert original est assis. La raison pour laquelle je les veux juste au-dessus de ceci est parce que je vais les transformer en masques d' écrêtage qui vont s'accrocher au calque de base. Ici, tout ce que vous avez à faire est de les toucher, et de choisir le masque d'écrêtage sur le côté gauche. La petite flèche vers le bas apparaîtra pour vous montrer qu'elle est coupée au calque situé en dessous. Je vais en expliquer plus à ce sujet au fur et à mesure que nous les utilisons. Commençons par notre texture. J' ai choisi un gris clair, et je choisis la pourriture rouillée du dossier de brosse industrielle qui vient avec la procréation. Encore une fois, vous pouvez trouver tout cela dans le PDF dans la section des pièces jointes. Commençons maintenant à peindre une texture légère dans notre design. Je suis sur la couche de texture légère, comme vous pouvez le voir ici dans la section du calque. J' aime jouer avec les modes de fusion pendant que je peins, car chaque mode de fusion va réagir différemment avec la couleur en dessous. Vous pouvez obtenir autant de styles différents avec la même texture simplement en changeant les modes de fusion. Continuer à peindre à l'aide d'un toucher léger. La bonne chose à propos son propre calque est que si vous n'aimez vraiment pas ce que vous avez fait, vous pouvez toujours le supprimer, ou effacer le calque et recommencer. J' ai modifié l'arrière-plan afin que vous puissiez voir comment fonctionne le masque d'écrêtage. Le masque d'écrêtage permet à tout ce que je peins sur ce calque de ne prendre effet que sur le calque en dessous. Cette texture n'apparaît que sur le mandala lui-même et pas n'importe où en dessous. Techniquement, il est coupé à ce calque, et vous ne verrez apparaître que sur tout ce qui se trouve sur ce calque spécifique. C' est très pratique quand je peins de la texture sur mon mandala. Maintenant, je vais aller de l'avant et faire la texture sombre de la même manière, il est également coupé à la couche de mandala. J' ai choisi un gris foncé et la même brosse qu'avant. Vous pouvez mélanger différentes couleurs, vous n'avez pas besoin d'utiliser les gris. Vous pouvez utiliser une version plus foncée ou une version contrastée pour accompagner votre design. J' aime utiliser les gris, puis jouer avec les modes de fusion, parce qu'ils se sont mélangés dans la couleur avec laquelle je travaille déjà. Vous verrez dans quelques leçons à venir comment nous utilisons des couleurs contrastées pour créer des effets vraiment spéciaux. Allez-y et continuez à peindre et utilisez simplement une touche légère, trop sombre là-bas. Il suffit d'utiliser une belle touche légère parce que vous essayez juste d'améliorer le look, et vous essayez de compléter la texture légère que vous avez déjà là-dedans. J' ai actuellement mes couches de texture avec la plus sombre sur le dessus et la plus légère en dessous, mais ils sont tous les deux coupés à la base. Vous pouvez les déplacer et ajouter plus de couches de texture si vous le souhaitez, juste pour voir si cela fait une différence. Souvent, ce n'est pas le cas, mais vous ne savez jamais avec les modes de fusion ce que vous allez obtenir. En outre, j'ai l'ombre de base et le point culminant sur le dessus. En fait, ils se fondent dans ma texture aussi, et tiennent ce look tridimensionnel. Vous pouvez modifier votre arrière-plan car parfois l'arrière-plan peut améliorer votre conception. Vous n'allez pas nécessairement affecter la texture et la couleur parce que vous avez une belle base mandala solide entre votre fond et toute votre texture et vos reflets. Mais parfois, changer cet arrière-plan peut vraiment aider à définir l'aspect de votre design. J' aime aussi jouer avec les modes de fusion sur chacune des couches. Je peux le faire pendant des heures à la fois. La chose avec les modes de fusion est que plus vous les utilisez, mieux vous les comprenez. Mais ils vous surprendront parfois lorsque vous mélangez et associez les différents modes de fusion avec les différents calques. Je finis habituellement avec les dessins les plus cool par accident. Vous pouvez également changer la couche de base de votre mandala, ce qui peut changer complètement votre look. Parce que les modes de fusion réagissent différemment aux couleurs sombres et aux couleurs claires. Si je vais ici et que je choisis, disons, une jolie turquoise au lieu du vert, et je la recolore. Utilisez mon petit X là pour le déplacer à la base, en vous assurant que j'étais sur ma couche de base. Maintenant, j'ai un design complètement différent et la texture réagit un peu différemment. C' est l'une des raisons pour lesquelles j'aime rester dans la famille grise. Pour ma texture sombre, j'ai fait un gris plus foncé, et la texture lumière j'ai fait un gris plus clair. Si j'étais allé avec les verts, un vert clair et vert foncé, alors je change ma couleur de base, et maintenant j'ai des textures vertes se mélangeant dans le bleu. Ce qui peut créer un effet agréable, mais les gris restent dans la famille de couleurs, et ils vous donnent plus d'options pour changer votre couleur de base. Enfin, il est amusant de mettre un peu de texture dans votre arrière-plan aussi. Je vais ajouter un calque ici en bas en dehors du groupe. Je vais commencer par choisir, disons, un gris moyen. Je vais y aller et choisir la brosse en métal lourd, qui est également dans le dossier de brosse industrielle qui vient avec la procréation. Je vais commencer à peindre sur toute ma toile. Maintenant, comme cette couche se trouve sous le groupe, elle n'affectera rien de ce qui se trouve dans le groupe. Ça va marcher sous le groupe. Il ne va réagir qu'avec n'importe quoi en dessous, ce qui n'est que le calque d'arrière-plan. Je peux passer par et changer ma couleur d'arrière-plan. Je peux passer par et changer les modes de fusion de la texture que je viens de mettre, et voir si je peux trouver le look que je veux. Je vais chercher une dalle de fente ici, et une fois que j'ai trouvé la combinaison que je cherche, je peux commencer à peindre avec plus de texture. La beauté de travailler en couches est que vous pouvez obtenir tant de regards différents à partir d'une seule œuvre d'art. Jouez avec cela, changez vos couleurs, changez vos pinceaux de texture, changez vos modes de fusion et voyez combien de variations différentes vous pouvez trouver. Quand vous vous sentez à l'aise avec ça, vous pouvez me rencontrer dans la prochaine leçon où nous allons en apprendre plus sur ce que l'ombre portée peut faire. Je te verrai là-bas. 8. Gravure sur verre - Le pouvoir de l'ombre projetée: Maintenant, nous comprenons comment utiliser nos outils, les reflets, les ombres profondes, les ombres portées et nous savons aussi comment ajouter de la texture. Maintenant, nous pouvons commencer à jouer avec la création d'effets spécifiques. Dans cette leçon, nous allons commencer par regarder l'ombre portée et ce que nous pouvons obtenir en utilisant simplement cela. Ensuite, nous allons passer plus à l'utilisation de textures et obtenir l'aspect du verre gravé. Passons à l'iPad et nous allons commencer avec ce design. Celui-ci est juste une doublure avec des lignes plus épaisses, pas de gros remplissages dessus. Je n'ai pas inclus celui-ci dans les pièces jointes parce que je veux que vous utilisiez un de vos dessins au trait. Il peut s'agir de n'importe quoi, d'une simple fleur, à un design complexe comme celui-ci. La configuration de celui-ci est très simple. J' ai mon mandala original, que je vais appeler, original. Je vais garder une copie verrouillée en dessous, puis j'ai un calque que j'appelle l'ombre portée, qui est exactement la même image, juste nommée ombre portée. n'y a pas de surbrillance, pas d'ombre de noyau, et pas de pochoirs sur celui-ci, une configuration très simple. Je vais vous montrer une technique très simple et vous donne un effet très simple en utilisant seulement l'ombre portée. Sélectionnez votre calque d'ombres portées et accédez à l'outil de transformation et appuyez sur dans le coin inférieur gauche, peut-être environ cinq ou six fois au maximum. Ensuite, vous allez aller dans vos ajustements et vous allez au flou gaussien. Maintenant, il semble que cela assombrit les lignes, mais si vous pouvez le voir de près, vous allez voir qu'il crée une ombre derrière votre dessin au trait. Si vous avez déjà peint sur du verre, que ce soit sur une fenêtre ou un objet en verre, cela crée un peu d'ombre derrière la peinture. J' ai commencé à le faire tôt quand je faisais mon art au trait et je voulais jouer avec la création d'une ombre portée derrière elle et j'ai eu beaucoup de commentaires sur la façon dont elle ressemblait à une peinture sur verre. C' est un moyen très facile de créer un effet vraiment cool. Tout ce que tu fais, c'est utiliser une ombre portée. Où peut-on prendre ça ? Eh bien, si vous avez déjà vu graver sur le verre, parfois ça ressemble à quelqu'un peint dessus, mais parfois il y a de la texture en jeu. Je ne fais pas de gravure sur verre moi-même, mais j'adore son apparence. Voyons ce qu'on peut faire avec ça. Je peux changer ma couche d'origine en une couleur crémeuse, donc je vais aller ici et faire une re-couleur. J' ai dupliqué le calque parce que je voulais laisser mon noir seul et je viens de recolorer le calque en blanc cassé. Maintenant, mon ombre portée est toujours là, je peux changer ma couleur de fond parce que je voulais contraster un peu avec le blanc et vous pouvez le voir un peu mieux. Voici l'art au trait tout fait dans une légère couleur blanc cassé et mon ombre portée est toujours juste derrière elle. Maintenant que nous avons le blanc cassé, nous pourrions le laisser juste comme ça et ce serait comme une bordure lisse, mais je veux ajouter un peu de texture alors ajoutons un autre calque au-dessus de l' original blanc cassé et je vais le clipser à l'original couche. Tout ce que vous voulez être découpé doit se trouver juste au-dessus du calque sur lequel vous allez le découper. Nous allons l'étiqueter la texture et ensuite nous allons y aller et choisir juste une couleur légèrement plus foncée que ce que j'utilise déjà pour le mandala. Pas beaucoup, je ne veux pas que la texture soit prononcée. Je veux que ce soit très subtil. Ensuite, je vais aller dans ma bibliothèque de pinceaux et je vais faire des retouches et choisir ma brosse de bruit. Il y a beaucoup de pinceaux différents que vous pourriez utiliser pour cela, mais c'est celui que je vais essayer maintenant. Maintenant que je suis sur ma couche qui est coupée à mon mandala, je vais ajouter une texture très subtile et douce juste pour donner à cette peinture un peu de texture. C' est si subtil que vous pourriez ne pas le ramasser à travers la caméra, mais expérimentez vous-même. Vous pouvez même rendre la couleur de texture un peu plus foncée si nécessaire, puis utiliser les modes de fusion. Il y a beaucoup de façons de le faire, mais vous cherchez une texture très subtile que vous ajoutez et tout ce que vous avez en dessous est votre ombre portée. Je vais y aller et je vais expérimenter les différents modes de fusion. Encore une fois, vous ne savez jamais vraiment ce que vous allez obtenir lorsque vous prenez deux couleurs et les mélangez avec les modes de fusion, vous pouvez obtenir des effets vraiment sympas, mais vous devez vraiment aller jouer avec eux. Je vais aussi ajouter une autre couche de texture parce que je veux voir si je peux obtenir une dimension ici avec deux textures différentes. Je vais aller dans les peintures en aérosol et je vais choisir cette éclaboussure, c'est une très belle éclaboussure. Je vais utiliser la même couleur mais je suis sur un calque différent maintenant, et il est également coupé au mandala. Maintenant, vous pouvez en voir un peu plus parce que la texture sur celui-ci est un peu plus grande. Jouez avec cela, essayez différents pinceaux avec des textures très subtiles et essayez de changer un peu votre couleur et vous pouvez trouver des effets vraiment cool. Vous cherchez un look très subtil de gravure sur verre. Vous serez peut-être surpris de voir combien de directions vous pouvez prendre celui-ci et dans la classe suivante nous allons aller un peu plus loin et nous allons réellement créer des paillettes sur notre mandala. Quand vous serez à l'aise avec ça, rejoignez-moi à la prochaine leçon et nous aurons notre éclat. 9. Paillettes - Texture avec les modes de mélange: Maintenant, vous avez fait tout le travail pour apprendre les techniques. Utilisons-le pour s'amuser. Dans cette leçon, nous allons utiliser la texture et les modes de fusion pour créer l'apparence de paillettes argentées. Donc nous allons commencer avec ce mandala pour lequel je vous ai donné l'image dans les pièces jointes et que nous avons utilisé auparavant. J' ai mes projets précédents au-dessus et je vais juste faire quelques couches ici. Je vais faire une ombre portée et une couche de texture. Nous n'allons pas faire la mise en évidence dans l'ombre principale dans cette leçon parce que je veux vraiment me concentrer sur la texture et les modes de fusion. abord, je vais juste créer cette ombre portée, parce que je veux vous montrer de nombreuses façons différentes que vous pouvez créer un objet tridimensionnel ou réaliste que vous n'avez pas toujours à utiliser toutes les différentes techniques en même temps le temps. Donc, ma couche d'origine, maintenant située au-dessus de mon ombre portée, je veux recolorer ça en gris clair. Je rentre et je recolore et traîne mon petit x au mandala et j'obtiens mon mandala gris clair. Maintenant, je vais créer un nouveau calque vide. Je vais le nommer texture, et c' est là que nous allons commencer à créer la texture. Sous les pinceaux, je suis dans les dossiers de retouche, et j'ai choisi ma brosse à éclaboussures. J' ai également besoin de faire de ce calque un masque d'écrêtage, donc je le touche, choisissez le masque d'écrêtage, et maintenant il est coupé à mon original. Je veux aller et choisir juste un gris légèrement plus foncé que celui que j'utilise pour le mandala de base, et je peux commencer à peindre. Je suis sur ma couche de texture de masque d'écrêtage et vous pouvez voir que je pourrais avoir besoin d'aller un peu plus sombre. Donc j'efface juste ce que j'ai fait là-bas et je vais utiliser un peu plus sombre gris, là vous pouvez voir, pas beaucoup plus sombre, juste un peu. Maintenant, je peux voir un autre vert. Encore une fois, je travaille sur ma couche de masque d'écrêtage de texture avec la brosse à éclaboussures. Juste assez de lumière à nouveau, vous voulez juste en voir une partie. Si je fais un zoom avant, vous verrez des éclaboussures. Vous pouvez expérimenter avec différentes brosses de texture. J' aime bien la brosse à araignée pour celle-là. Ensuite, je vais créer un nouveau calque et je vais en faire un masque d'écrêtage, et je vais également l'étiqueter la texture. Celui-ci, je vais choisir le mode de fusion d'aller alléger et je vais choisir Ajouter. Maintenant, je vais utiliser la même couleur, la même brosse, mais je suis sur ma nouvelle couche avec le nouveau mode de fusion, et je vais juste mettre légèrement plus de texture sur mon mandala. Cela peut être un peu difficile à voir ici parce que mon fond est blanc, mais il ajoute un peu de lumière dans le design. Je pense que je vais revenir et modifier un peu mon mandala. Je vais baisser l'opacité de mon ombre portée, donc je vais juste aller ici et faire tomber ça un peu, rendre un peu moins intense, et je vais recolorer mon original, je pense qu'il est trop léger. Je vais entrer et utiliser un gris moyen, rentrer et recolorer. Maintenant, il est en train de recolorer mes antécédents, je le veux sur le mandala. Utilisez la petite croix pour le mettre sur votre mandala. Maintenant, c'est une couleur gris moyen qui montre les paillettes beaucoup mieux. Encore une fois, la bonne chose d'avoir les calques est que vous pouvez recolorer chaque couche pour obtenir le look que vous cherchez, parce que parfois les couleurs ne fonctionnent pas la première fois, ne signifie pas que vous devez tout recommencer, ça veut juste dire que vous recoloriez. Nous allons ajouter un peu de texture de couleur foncée maintenant. J' ai aimé ce que j'avais là, c'était plutôt scintillant, mais maintenant je peux ajouter encore plus de dimension si j'ajoute un peu plus de gris foncé dans ma texture de calque normale, pas ma texture Ajouter un calque. Ma couche d'ajout va s'égayer. Presque n'importe quelle couleur que j'utilise va juste égayer, c'est ce que fait le mode Blend Add. Vous ne pouvez pas obtenir une couleur foncée pour travailler là-dessus, il suffit de la transformer en une couleur vive, qui est ce que nous recherchons pour l'éclat. Continuez à jouer avec ça. Je peux changer mes antécédents pour qu'il se démarque vraiment. Expérimentez avec différentes couleurs. Vous pouvez essayer d'obtenir un paillettes d'or avec des jaunes et des couleurs d'or, ou quelques paillettes de cuivre avec des bronzes et des couleurs de cuivre. Voyez ce que vous pouvez trouver. Vous avez maintenant l'idée de créer cet effet de paillettes. Une fois que vous aurez eu beaucoup de plaisir avec ça, je vous verrai dans la leçon suivante où nous allons essayer d' autres effets peints en trois dimensions. 10. Contours peints - Travailler avec l'art linéaire: Dans cette leçon, nous allons créer de l'art au trait en trois dimensions. Nous allons utiliser seulement un dessin au trait pour créer une œuvre d'art. Ce look a été inspiré par la peinture que vous pouvez utiliser qui se trouve sur la surface. C' est soit vous utilisez sur tissu pour écrire vos noms soit vous pouvez l'utiliser pour décrire votre art comme je l'ai fait ici. Cette technique fonctionne également très bien pour une pièce d'art monochromatique. Si vous souhaitez accentuer l'art gestuel en utilisant une seule couleur. Dans cette leçon, je vais vous demander d'utiliser une de vos propres œuvres d'art. Tout morceau d'art au trait fonctionnerait que vous avez dessiné dans Procreate ou Scandium en PNG, je vais utiliser un de mes Mandala les plus complexes parce que je veux que vous voyez que cela fonctionne sur l'art au trait simple ainsi que sur des travaux plus détaillés. Pour commencer. J'ai tout mis en place comme je le fais habituellement dans mes groupes avec tous mes points forts, ombres et pochoirs. Encore une fois, vous pouvez trouver toutes ces informations dans le PDF qui se trouve dans la section Pièces jointes. Je vais commencer par sélectionner ma basse ou mon original, et je vais la recolorer en une belle couleur beige crémeuse. Maintenant se fond avec mes antécédents. Peut-être que pour mieux voir cela, nous allons changer la couleur de fond pour l' instant pour le rendre plus facile à travailler avec le design. Je vais le changer en quelque chose de plus sombre. Il y a un beau gris moyen fera l'affaire, et maintenant nous allons commencer sur notre couche. Tout comme nous l'avons fait pour notre bouton 3D, nous allons commencer avec notre pochoir et notre point culminant. Sur notre calque Stencil, nous allons taper sur le coin inférieur gauche, sorte que les surlignements apparaissent en haut à droite. Seulement deux ou trois robinets, peut-être quatre au maximum, cela dépend de l'épaisseur de votre art au trait. Je n'en ai probablement que trois ici parce que mon art de ligne est assez mince et vous ne voulez pas en faire trop. J' y vais, puis je sélectionne mon pochoir et j'efface de mon point culminant. Ensuite, je supprime mon pochoir. Passant maintenant au pochoir et à l'ombre du cœur, je choisis mon calque de pochoir et je vais maintenant taper en haut à droite pour que l'ombre du cœur apparaisse en bas à gauche. Encore une fois, peut-être 2, 3 fois la même chose que je l'ai fait pour le Highlight. Sélectionnez votre gabarit, puis effacez l'ombre de base, puis assurez-vous de supprimer mon gabarit. Mon ombre principale et mon Highlight sont maintenant en place. La prochaine chose que je vais faire est que je vais faire un flou gaussien sur mon point culminant, choisir mon calque de surbrillance. Maintenant, je dois faire attention ici parce que je n'ai pas beaucoup de travail avec. Le flou gaussien sera minime. Je pense que je vais le prendre, voir si je vais trop loin, ça disparaît. Je vais prendre environ cinq pour cent et maintenant passer dans les modes Blend et je vais choisir Contraste et Overlay. Juste après ça, je vais juste mettre en marche le mode Blend. Maintenant, je vais à Gaussian Blur, mon Ombre Core. Assurez-vous que vous êtes sur votre calque Ombre de base, et je ne le suis pas, donc sur mon calque Ombre de base je vais et maintenant je vais à Guassian Flou it. On y va. Vous devez toujours vous assurer que vous êtes sur le bon calque. Encore une fois, environ cinq pour cent. Jouez avec. Peut-être que vous pourriez avoir besoin d'un peu plus parce qu'il fait plus sombre et ensuite je peux baisser l'opacité si j'en ai besoin. Mais si j'allais trop loin avec le Flou, il le brouille tout de suite, il disparaît. Je vais y aller et jouer avec les modes Blend. J' utilise généralement Overlay et mon onglet Contraste, mais je joue ici. Je pourrais le laisser à la normale. Je pourrais aussi remettre mon Highlight à la normale. Le truc avec un mode Blend, c'est que je travaille dans une couleur. Ils affectent différemment lorsque vous travaillez dans des tons monochromatiques, mais vous ne le saurez qu'en expérimentant. Maintenant, nous allons travailler avec notre Ombre portée. Dans ce cas, j'ai deux Ombres Drop. L' un est mon Drop Shadow régulier et c'est celui que je fais en ce moment, et je vais taper peut-être deux, trois fois, peut-être quatre dans le coin inférieur gauche, puis je vais faire flou gaussien comme je le fais normalement et pas beaucoup. J' essaie juste de le diffuser et puis je peux aussi utiliser l'opacité plus tard si je trouve que c'est trop fort. La deuxième Ombre portée avec laquelle je travaille est une Ombre Drop Crisp. Celui-ci, je veux définir l'art au trait. Parce que vous travaillez dans une seule couleur, vous devez faire ressortir l'art au trait de la base. Si vous travaillez avec une ligne tridimensionnelle, vous n'avez pas besoin de la toucher très loin. En fait, peut-être une fois, deux fois au maximum, et puis vous allez le brouiller. Ce qui va arriver, c'est que ça va apparaître des deux côtés de votre esprit parce que vous avez besoin de cette définition contre la même couleur. Vous pouvez ajouter autant d'ombres portées que vous le souhaitez car vous pourriez trouver que vous en avez besoin pour être plus graduel et cela ne fait pas l'affaire pour vous. Je vais emmener mon Ombre Drop Crisp vers le bas très loin. Je voulais juste définir les bords de mon art au trait. Encore une fois, lorsque vous travaillez avec une couleur monochromatique, l'Ombre portée était très importante. C' est pour ça que j'en ai deux ici. Ensuite, je vais revenir à mon Shadow et jouer à nouveau avec les modes Blend. Parce que ça se fond avec tout ce qui est en dessous, y compris mes Ombres Portes. Cela changera en fonction de ce que j'ai dessous et du nombre d'ombres portées en jeu. Il s'agit d'une constante d'aller-retour qui se poursuit entre les calques, les modes de fusion, les couleurs que vous utilisez. Vous devez être conscient que lorsque vous mélangez, il se fond avec tout ce qui est visible sous ce calque. Ensuite, je vais revenir en arrière et changer mon arrière-plan et vous pouvez jouer avec quelques couleurs de fond ici. J' essaie de rester aussi près que possible de ma couleur originale de mon Mandala, mais vous voudrez peut-être aller plus sombre. Vous ne saurez qu'en jouant avec eux et en voyant ce que vous aimez. Expérimentez avec des couleurs claires, expérimentez avec des couleurs moyennes, beiges moyens ou des gris moyens, puis expérimentez avec la re-coloration de votre base ainsi que pour correspondre à ce que vous avez choisi pour votre arrière-plan. Vous devrez peut-être modifier certains modes de fusion et certaines opacités selon que vous travaillez avec une couleur claire ou foncée. Tout cela est un peu de peaufinage qui se poursuit et finalement vous atterrissez sur un design que vous aimez. Maintenant que vous savez comment travailler avec l'art au trait en trois dimensions, nous allons trouver une autre façon d'intégrer cela dans notre travail d'art. C' est une pièce que j'ai créée sur Procreate et j'ai fait les remplissages comme un aspect aquarelle parchemin. Je voulais apporter l'art au trait dans la pièce avec un aspect peint en trois dimensions. Celle-ci est déjà terminée, mais je vais vous accompagner à travers les couches juste pour vous montrer ce que j'ai fait ici. Si je reviens à l'art au trait, c'est l'art au trait original que j'ai créé. Puis je vais dans mon groupe où je l'ai peint. Ce groupe est juste les remplissages peints que j'ai créés à nouveau dans Procreate. Mon dernier groupe est mon art de ligne. C' est en haut. Si j'allume ça, vous pouvez le voir là-bas. C' est ce qu'on a fait avec l'autre mandala. C' est un aspect tridimensionnel de mon art au trait. Ensuite, j'ai ajouté cette couche de texture, que vous ne pouvez pas voir pour le moment parce que mon fond est blanc. Je vais aller voir un peu plus sombre gris et voir si ça va apparaître. Toujours pas vraiment là, oh, mieux vaut l'allumer. Là. Si je l'allume et ne montre toujours pas. On ne le voit pas vraiment sur la caméra. Je vais juste le remettre à la normale, et vous pouvez voir que j'ai créé une texture d'arrière-plan pour cela aussi. Si je vais un peu gris plus foncé, vous pouvez le voir mieux dans la caméra. Maintenant, si je retourne le mode de fusion à Ajouter qui est là où je le veux, cela crée l'effet que je cherche. Je vais chercher une dalle de ciment sur laquelle j'ai peint ce dessin, et ce gris que j'ai ici, cette couche, qui est censée protéger l'aquarelle de l'art au trait de la texture en dessous. Vous pouvez le faire dans n'importe quelle couleur, le gris fonctionne pour moi, et j'aime l'égayer un peu avec l'un de ces modes de fusion. Le Lighten fait l'affaire. Normal est un peu sombre, donc Lighten fonctionne. Encore une fois, la couleur unie entre celle de ma texture protège mon travail peint du fond de texture. C' est ainsi que la pièce finie s'est avérée. Vous pouvez voir que c'est un excellent pour mettre en valeur l'art sur lequel vous travaillez, et il fonctionne aussi très bien avec des œuvres d'art monochromatiques. Amusez-vous avec ça, ressentez ça, pratiquez-le , et dans la leçon suivante, nous allons faire un peu plus d'art monochromatique avec le gaufrage du papier. Je te verrai là-bas. 11. Gaufrage - Techniques monochromatiques: Maintenant, nous allons construire sur ce que nous avons fait dans la dernière leçon, restant avec un look d'art monochromatique, et nous allons ajouter un peu de texture cette fois. Voyons si on peut avoir l'apparence du gaufrage du papier. Celui-ci est vraiment amusant à utiliser avec le lettrage. Si vous vouliez créer un monogramme pour des invitations de mariage ou des notes de remerciement, celui-ci fonctionne très bien. Allons sur l'iPad. J' ai apporté une image PNG des lettres M et R pour un look de type monogramme. Vous pouvez le faire pour votre propre lettrage à la main si vous voulez écrire un vous-même dans Procreate, ou vous pouvez utiliser n'importe quel programme ou application dans lequel vous pouvez faire du texte tant que vous l'enregistrez en PNG avec un arrière-plan transparent. J' ai inclus cette image en tant que PNG dans les pièces jointes, si vous souhaitez l'utiliser pour suivre. Commençons par changer la couleur d'arrière-plan. Actuellement, je l'ai en blanc et j'aimerais choisir quelque chose qui est comme un ivoire ou un blanc cassé, que j'utiliserais et une invitation avec un lettrage monogramme dessus. Maintenant, j'ai mon groupe tout configuré déjà avec toutes mes couches. Encore une fois, vous verrez cela dans le PDF qui accompagne cette leçon, et je vais recolorer ma base. Je vais le recolorer quelque chose d'un peu plus sombre que mes antécédents. Il y a beaucoup de similitudes ici avec la dernière leçon, sauf maintenant que nous utilisons le lettrage. Ensuite, je retourne dans mes couches et je vois que je manque mes pochoirs. Je vais rapidement créer ces pochoirs. Maintenant, j'ai les pochoirs prêts à aller et je les ai colorés dans quelque chose de différent du reste de mon design. Nous allons commencer avec notre pochoir d'ombres de base aujourd'hui. Je vais frapper le Transform. Je veux taper dans le coin supérieur droit parce que je veux que l'ombre du noyau apparaisse en bas à gauche. Maintenant, je sélectionne mon pochoir et je vire de mon ombre principale. Ensuite, je supprime mon pochoir et maintenant je vais revenir en arrière et faire le surlignement. Parfois, je mets en évidence d'abord, parfois je fais l'ombre principale d'abord. Je suis l'un de ces gens mélangés. Je choisis le pochoir au-dessus de mon point culminant, maintenant je tape en bas à gauche parce que je veux que le surlignement s'affiche en haut à droite. Sélectionnez mon pochoir, effacer de mon surlignement. Dans mon exemple ici, je pense que je l'ai tapé environ cinq ou six fois, donc vous ne voulez pas taper beaucoup parce que vous travaillez avec des lettres très étroites, et vous n'avez pas besoin de beaucoup de surbrillance ou d'ombre principale ou cela va dépasser la lettre lui-même. Maintenant, je fais le flou gaussien sur le point culminant, et je ne fais qu'environ 7%. Si tu es trop floue, tout va disparaître. Je vais aller de l'avant et choisir mon mode de fusion de superposition pour le surlignement, puis passer à mon ombre principale, puis à nouveau dans les ajustements, flou gaussien, glisser sur peut-être sept pour cent au maximum, et puis je reviens ici et je vais choisir la superposition pour celle-ci aussi, et cela semble fonctionner assez bien avec ces couleurs. Je vais jouer avec mon opacité, la faire tomber un peu. Je cherche un look très subtil, c'est ce qu'est le gaufrage, c'est une différence très subtile entre vos lettres et votre arrière-plan. Passons à l'ombre portée. J' ai une couche ici de ma texture, je ne vais pas l'utiliser encore. Ici, je l'appelle mon ombre. Maintenant, une ombre portée est souvent hors d'un côté, mais l'ombre sous est ce que je l'ai appelé, et je l'utilise comme une ombre qui se trouve sous la lettre entière. Cette ombre définira les lettres de sorte qu'elles semblent avoir été soulevées de la surface. Je retourne dans mon original et je le sélectionne et retourne dans mon ombre et je l'efface. Ce que j'essaie de faire est de me débarrasser de l'ombre qui se trouve directement derrière les lettres et ne lui permet que de définir autour des bords des lettres. J' aime faire ce nettoyage quand je travaille avec des couleurs monochromatiques parce que j' aime contrôler quelles sont mes couleurs quand j'entre dans les modes de fusion. Cela crée un joli aspect de gaufrage lisse, mais je veux de la texture dans mon gaufrage. Allons au calque de texture, puis je vais choisir la même couleur que pour mon arrière-plan, puis je vais entrer et choisir hors du dossier de retouches dans le menu Pinceau, je vais choisir Brosse, celui-ci vient avec la procréation. Ensuite, revenez dans la texture là, assurez-vous qu'elle est activée et je vais changer le mode de fusion pour se multiplier. Cela me donne une texture très subtile parce que la couleur se multiplie seulement là où la texture et atterrit sur la toile. C' est un fond texturé très subtil. Je vais m'assurer que tout le Canvas est recouvert de lui. Maintenant, c'est si subtil que la caméra n'est peut-être pas en train de prendre ça, mais je vais vous faire un gros plan. Maintenant, la texture est seulement sur le fond le moment et les lettres sont belles et lisses. Je vais faire glisser cette texture jusqu'au sommet. Maintenant, en multipliant, cela affecte tout sur le Canvas. Il y a beaucoup de styles différents que vous pouvez aller avec un monochromatique, vous pouvez utiliser une nuance plus claire pour les lettres et une teinte plus foncée pour l'arrière-plan. Vous pouvez utiliser une texture plus prononcée en arrière-plan, ou vous pouvez utiliser une texture très subtile comme nous l'avons fait. Vous n'avez pas à aller avec un blanc cassé, vous pouvez le faire dans n'importe quelle couleur. Jouez avec ça dans l'expérience. Nous pouvons l'utiliser avec n'importe quelle doublure que nous faisons. Je vais vous montrer un exemple que j'ai déjà fait ici. J' ai pris cette fenêtre en noir et blanc que j'ai dessinée procréer et la transformer en une œuvre d'art en papier gaufré. Laissez-moi éteindre ces couches et vous expliquer ce que j'ai fait ici. J' ai pris cet original qui est un fond transparent parce que je ai dessiné dans la procréation et je l'ai rempli. J' ai une couche ici qui s'appelle l'échec beige. Toute la doublure est remplie d'une couleur beige très clair. C' est quelque chose que je couvre dans ma classe de doublure de coloriage, vous pouvez en voir plus là-bas. La prochaine chose que j'ai ici est mon point culminant et mon ombre coulée. J' ai normalement mon point culminant sur le dessus, n'a pas vraiment d'importance, c'est une préférence personnelle. J' ai ces deux-là plus le remplissage beige pour vous donner un look tridimensionnel basique. Ensuite, la prochaine chose que je veux vous montrer est en fait ici, j'ai ma texture de fond, cette texture ne s'applique qu'à l'arrière-plan et rien au-dessus. Ensuite, j'ai traité l'art au trait séparément en haut ici. J' ai créé un liner beige qui est séparé du remplissage beige, et j'ai également créé une texture de doublure qui est allé au-dessus de l'art de la ligne beige. Dans ce cas, mon liner et mes remplissages sont traités séparément pour créer encore plus de dimension dans mon aspect de gaufrage. Fondamentalement, les remplissages sortent de la texture de fond et la doublure est pressée dans la texture de fond. Ma texture de doublure et mon liner beige en haut ici, ils sont tous les deux superposés, donc ils prennent en fait la texture de la texture de fond. Vous pouvez voir combien de plaisir vous pouvez avoir avec cela dans conceptions encore plus complexes en travaillant à la fois avec les remplissages et la doublure pour créer encore plus de dimension. Allez-y et amusez-vous avec ça, expérimentez , jouez avec, et quand vous vous sentez à l'aise avec ça, vous pouvez me joindre à la prochaine leçon où nous allons utiliser une photo de référence pour créer une texture spécifique que nous recherchons dans notre art tridimensionnel. Je te verrai là-bas. 12. Patine du cuivre - Photo de référence: Maintenant, et si vous avez une texture spécifique que vous aimeriez recréer sur l'art en trois dimensions. J' aime le cuivre et j'adore ce look de patine de cuivre cette belle turquoise qui apparaît avec l'âge. Je vais te montrer dans cette leçon. Comment utiliser une photo de référence pour recréer certaines de nos textures préférées. Donc ici, j'ai apporté notre photo de référence dans mon projet procreate, je l'ai placée sur le côté afin de pouvoir l'utiliser à titre référence et dans ma section de calque, c'est vers le bas. Donc, la première chose que je veux faire est de créer une palette pour ma photo de référence, sorte que j'ai des couleurs avec lesquelles travailler. Si je maintiens mon doigt vers le bas, j'obtiens mon sélecteur de couleurs et je vais y aller et créer une nouvelle palette avec ce signe plus et je vais le nommer patine pour savoir à quoi ce pilote a été fait. Ensuite, je vais devoir faire est de taper un carré et la couleur va tomber dans. Encore une fois, je vais utiliser mon sélecteur de couleurs pour trouver une autre couleur et la déposer avec mon crayon. Lorsque j'utilise le sélecteur de couleurs, vous pouvez voir la couleur changer sur la moitié supérieure du cercle qui est la couleur qu'il trouve. Donc je veux avoir une gamme de légumes verts, je veux avoir une gamme de cuivre. Vous pouvez utiliser autant de couleurs que vous le souhaitez, ou aussi peu que vous le souhaitez, tant que vous obtenez quelques couleurs de votre photo de référence, vous pouvez réellement travailler avec ces couleurs et créer nuances plus foncées et plus claires dans ces gammes. Une fois que vous êtes satisfait de votre palette, nous pouvons commencer à travailler sur notre projet. Ici, j'ai déjà mon groupe mis en place avec tous mes calques pour aller. Vous êtes probablement très familier avec cette configuration, maintenant après tous les projets sur lesquels nous avons travaillé. Donc, la première chose que je vais faire est de recolorer ma base. Sur mon calque de base, je vais choisir la re-couleur, et j'ai choisi une belle turquoise brillante pour commencer, mais je peux toujours changer cela plus tard. Maintenant, je vais nous amener un pochoir au-dessus mon point culminant, et un pochoir au-dessus de mon ombre supérieure. Ensuite, je recolore les pochoirs, je vais choisir un joli violet vif. Le violet se démarque vraiment, donc je sais que ça ne fera pas partie du design. Donc les deux pochoirs doivent être recolorés et ensuite je peux commencer sur mon point culminant. Je choisis mon pochoir au-dessus de mon point culminant, je choisis l'outil de transformation pas besoin de faire tomber cela afin que je puisse atteindre tous les côtés et désactiver tout ce que je ne veux pas. Je vais désactiver mon arrière-plan pour voir le blanc de mon point culminant. En déplaçant cela, je ne tape pas cette fois, je vais le faire glisser parce que je veux une grande section de surbrillance et je vais sélectionner les pochoirs et effacer mon calque de surbrillance puis je supprime mon pochoir. Je vais faire la même chose avec mon ombre supérieure, mon ombre centrale, je les nommais un peu différent parfois. Je vais faire glisser ce pochoir un peu vers le haut à droite, juste à la fois comme ce que j'ai fait avant, je suis juste en train de le regarder, sélectionner ce pochoir, puis aller dans l'ombre supérieure et clair. Supprimez ce pochoir et maintenant j'ai mon surlignement et mon ombre supérieure, je vais les flouter tous les deux, tous les deux la même quantité. Encore une fois, je vais autour de 15 pour cent, peut-être un peu moins et je vais aller directement et changer le mode de fusion en superposition. Cela devient probablement très familier pour vous maintenant, et c'est bien. Pratiques, comment nous apprenons à le faire, ça devrait devenir une seconde nature si vous allez commencer à jouer avec eux et en faire beaucoup. Vous comprendrez les faits saillants, les ombres de base, comment utiliser les pochoirs, et nous obtenons notre objet tridimensionnel. Enfin, je vais travailler sur l'ombre portée, la dernière partie de la première étape et je vais taper sur celui-ci parce que je ne veux pas qu'il sorte trop loin et puis je vais à gaussien flou probablement environ 15 pour cent et je vais baisser légèrement l'opacité. Souviens-toi que je n'ai pas d'expérience en ce moment. La prochaine chose, je veux travailler sur ma texture. partie la plus importante ici, est que je choisis le masque d'écrêtage pour ces deux couches, ils doivent être découpés sur la couche de base. que la texture apparaisse seulement sur mon Mandela, je vais y aller et choisir probablement ces couleur olive et je suis tout de suite, vous allez aller dans et choisir mon mode de mélange pour se multiplier, je vais dans mes pinceaux, je veux le dossier industriel avec la pourriture rouillée, puis je commence à peindre ma texture. Donc cette couche de texture, j'appelle ma couche de texture foncée, j'ai choisi le mélange, multiplier, qui est un mélange assombrissant et je veux toutes les couleurs sur celui-ci trop sombre dans les zones de mon Mandela. Je peux utiliser toutes les couleurs que je veux, sur ce calque juste pour le mélanger un peu pour que le multiplier prenne son effet et je peux utiliser un assortiment de couleurs pour créer mon look rouillé. Maintenant, vous dites probablement, mais vous le faites à l'envers parce que le cuivre commence par une couleur cuivre et ensuite la patine passe sur le dessus. Mais pour obtenir le look que je veux, je dois commencer par la couleur turquoise, puis placer le cuivre sur le dessus. Je veux un peu d'une nuance plus claire pour cette turquoise alors je vais aller de l'avant et jouer avec mes curseurs pour obtenir un peu plus lumineux turquoise que j'avais avant. En entrant dans ma couche de texture légère maintenant, je vais utiliser le même pinceau et mettre légèrement un peu plus de texture sur. Maintenant, je joue avec un mode de mélange comme je vais, si je laisse celui-ci sur la normale, vous pouvez voir la vraie turquoise vive qui se passe. J' aime la façon dont les photos de référence m'aident, mais il me manque une couleur de cuivre maintenant. Je vais revenir en arrière et choisir le cuivre, je vais rester sur ma couche de texture légère, vous pouvez créer plus de couches de texture si vous voulez travailler avec des couleurs individuellement. Mais je vais le mettre avec le turquoise clair pour l'instant. Si jamais vous mettez une couleur et que vous décidez que vous n'aimez pas combien vous mettez, vous pouvez aller dans l'outil Gomme et utiliser le même pinceau pour la retirer avec la même texture. C' est une bonne chose et la procréation est que tous les pinceaux sont disponibles pour vous dans l'outil Gomme également. Alors voyons, nous allons passer par ici, je vais activer et désactiver les calques et jouer avec les modes de fusion pour voir si je peux obtenir le look que je veux. Ce qui fonctionne pour une pièce ne fonctionne pas toujours pour une autre. La superposition semble être un peu du côté lumineux, elle améliore les couleurs un peu trop pour moi. Vous trouverez que ce que vous faites, il ne semble pas y avoir de formule fixe. Les modes de fusion réagiront différemment, en fonction des variations de couleurs que vous utilisez, ordre dans lequel vous les mettez et de l'ordre dans lequel vous laissez les calques. Mais ce que je trouve la partie amusante est, c'est comme une expérience différente chaque fois que vous le faites et vous pouvez jouer avec elle pendant des heures et finir avec des pièces vraiment belles. Le plaisir de ceci est que rien ne sort jamais la même façon deux fois chaque fois que vous allez faire ça, vous allez avoir un look différent et une expérience différente. Comprendre comment les modes de fusion fonctionnent et comment les textures fonctionnent les unes avec les autres vient juste avec la pratique. Alors ne soyez pas frustré et ne parvenez pas à définir ce à quoi vous aviez besoin de ressembler. Parce que parfois tu peux finir avec quelque chose d'encore plus beau que tu ne l'aurais imaginé. Retrouvez-moi dans la prochaine leçon où je vais vous montrer quelques trucs et astuces que j'ai à travailler avec des textures métalliques. 13. Argent et acier - Techniques avancées: L' une des choses sur ma liste que j'aimais apprendre est la forge de métal. Voir est que ce ne va probablement pas arriver de bientôt, j'aime le faire sur l'iPad à la place. Dernière leçon, je vous ai montré comment je fais la patine de cuivre et dans cette leçon, je veux vous montrer comment je crée l'apparence de l'argent et de l'acier. Ceux-ci fonctionnent vraiment bien comme un cadre Mendela et ils seraient également beaux si vous les faisiez avec un design de lettrage. Revenons sur l'iPad et je vais utiliser l'un de mes dessins de ligne Mendela. Mais je veux que vous utilisiez n'importe lequel de vos propres modèles de doublure. Ou peut-être aimeriez-vous essayer ceci sur le lettrage. Apporter votre design sur son propre calque sous forme d'image PNG. Jusqu' à présent, nous avons un format défini que nous suivons. Mais dans cette leçon, je vais vous montrer quelques techniques différentes pour réaliser certains de ces looks. Je suis allé de l'avant et j'ai mis en place ça. Encore une fois, vous pouvez trouver cela dans le PDF pour cette leçon, mais j'ai une illustration en ligne blanche sur le calque supérieur, un gris clair et le calque intermédiaire, puis je mets un nouveau calque au milieu et je vais l'appeler aérographe. Il n'y a rien sur cette couche. J' ai temporairement changé mon arrière-plan pour que vous puissiez voir la doublure blanche assez clairement. Ce revêtement blanc est simplement recouvert de couleur. C' est tout ce que c'est. Je n'ai encore rien fait. Je vais renommer le calque, la superposition blanche, et je vais en fait changer le mode de fusion en superposition. Encore une fois, je n'ai rien fait d'autre que de le recolorer à partir de la doublure originale et de la ligne grise recolorée. Je vais juste appeler ce paquebot gris. C' est à peu près la même chose que ma base. Je vais dupliquer la doublure une fois de plus de l'original. C' est la doublure noire. Je le place au-dessus de ma ligne grise et sous mon calque aérographe et je vais le nommer ombrage. Ce que nous allons faire avec cela, allumer et utiliser l'outil de transformation. On va taper trois fois dans le coin supérieur droit. Ensuite, ils vont aller dans les ajustements en utilisant mon flou gaussien, je vais juste le flouter légèrement autour de 5 pour cent fonctionnerait bien. Dans les autres leçons, nous supposons que notre source lumineuse venait toujours de l'angle supérieur droit. Dans cette leçon, je vais travailler plus à partir d'une source de lumière directe, une source qui est plus aérienne. Le but du calque d'ombrage est de simplement définir mon dessin au trait à partir de l'arrière-plan. Il aurait pu facilement le taper en bas à gauche aussi facilement qu'en haut à droite, c'est seulement trois onglets. Si je change ma superposition blanche en un mélange normal, vous pouvez réellement voir ce petit bout d'un bord. Cela fait partie de ce que fait cette couche d'ombrage. Maintenant, on va aller à la couche aérographe et il n'y a rien là-dessus en ce moment, je vais aller dans mon dossier aérographe et choisir l'aérographe moyen. Ensuite, je vais dans le calque aérographe lui-même et dans les modes de fusion je vais choisir la superposition, j'utilise la même couleur grise que le calque d'art de trait gris original et maintenant je vais vous montrer ici comme j'ai commencé à peindre [inaudible] c'est partout sur la toile. Je vais retourner dans mes couches. Je ne peux pas faire de masque d'écrêtage ici parce que j'ai besoin de cette couche d'ombrage entre les deux. Je vais juste changer mon expérience ici pour voir si ça aide à la visibilité. Mais j'ai besoin de cette couche d'ombrage entre les deux. Je vais devoir le faire à l'ancienne parce que je ne peux pas accrocher la couche de brosse à air sur la doublure grise. Je dois aller dans le liner gris sélectionnez-le, remonter à la couche aérographe et avec la sélection toujours allumée, je commence à peindre. Je veux qu'elle réagisse avec cette couche d'ombrage, mais je voulais peindre où se trouve la doublure grise. C' est comme ça que tu le fais. C' est comme ça que je faisais. Vous sélectionnez le calque, laissez la sélection activée, puis ouvrez un nouveau calque et peignez dessus. C' est ce qu'on fait ici avec cet aérographe. La brosse à air est très sensible avec le crayon. Ne deviens pas fou avec ça. Touchez-le dans certaines zones que vous voulez cette belle lueur argentée. Vous avez cette belle lueur d'argent apparaît, dans certaines régions et j'en ai trop fait. Tu ne veux pas en faire trop et finir avec de l'argent blanc. Tu veux attraper la lumière sur l'argent. C' est là que votre [inaudible] entre en jeu et que vous utilisez juste une agréable touche de lumière. Maintenant, si je le laisse comme ça, je vais avoir un look argenté très blanc et lisse. Je vais ajouter une nouvelle couche au-dessus de la couche aérographe et je vais l'appeler texture. Si je le laisse beau et lisse, c'est joli, mais ça ressemble presque plus à de l'acier inoxydable. Je vais aller dans mon dossier de retouche et utiliser ma brosse à éclaboussures. Je vais à ma couche de texture et avec ma sélection toujours allumée parce que je ne veux que la texture sur le dessus de la doublure. Disons que vous avez perdu votre sélection, voici comment vous la récupérez. Vous venez de maintenir littéralement la sélection vers le bas dans votre dernière sélection apparaîtra automatiquement. Maintenant, je peux revenir avec mon aérographe texte, et j'utilise le même gris moyen que je l'ai fait avant parce que cela va au-dessus de l'aérographe. Il ajoute de la texture à votre design. C' est briser la lumière que l'aérographe a mis sur l'argent pour commencer. Cela lui donne un peu d'aspect de tic-tac fin. Si vous voulez beaucoup de tic-tac fin, vous voulez probablement changer la couleur de votre pinceau de texture. C' est un autre cas où une photo de référence serait probablement utile si vous avez un look spécifique que vous essayez d'obtenir. Vous pouvez garder cette petite photo dans le coin supérieur et utiliser les couleurs et l'utiliser comme inspiration pour l'endroit où vous mettez votre texturation. Même si je vous donne beaucoup de raccourcis sur la façon de créer le réalisme photo. Cela prend du temps et il faut une main douce pour créer certaines de ces belles textures. Vous remarquerez dans celui-ci que c'était différent dans le fait que nous n'avons pas créé de mise en évidence et d'ombre de base comme nous l'avons fait et tous les autres projets. Votre point culminant est votre couche de superposition blanche supérieure et elle est pleine sur la doublure. Ensuite, votre ombrage est également plein d'art en ligne, légèrement floue, mais il doit aller entre vos textures, votre aérographe et votre liner. Un peu d'une configuration différente et vous pouvez toujours obtenir de beaux effets avec elle, apportant quelques photos de référence et qui vous aidera à obtenir le look que vous recherchez de multiples métaux. C' était juste un argent que je t'ai montré. Mais vous pouvez également jouer avec différents métaux et différents, regard de tic-tic-fin. Vous pouvez voir dans cet exemple, j'ai utilisé le même cadre que j'ai fait pour cet argent sterling, mais je l'ai fait plus d'un aspect d'acier oxydé. Je ne vais pas passer par la démo de celui-ci, mais je vais vous montrer les couches que j'utilise. Tout ce que j'ai utilisé dans ce que nous avons couvert dans le cours. Vous pouvez voir ici, ma couche supérieure, au lieu d'une superposition blanche, j'ai fait une superposition d'art beige clair, tout comme nous l'avons fait pour l'argent sterling, mais en beige. Ensuite, j'ai mes deux couches de texture, les deux avec un mode de fusion activé. Ensuite, j'ai ma couche d'ombre que nous venons d'utiliser dans l'exemple d'argent, puis en dessous, j'ai une ombre portée nette, que nous avons utilisée dans les leçons précédentes. Vous voyez que vous pouvez mélanger et assortir ces techniques et trouver des designs vraiment amusants. Une fois que vous travaillez sur le cadre, vous pouvez également travailler sur l'arrière-plan dans les remplissages dans la moitié inférieure de la section du calque, vous pouvez voir dans un groupe que j'ai également créé des arrière-plans de couleur unie pour le Mendela elle-même. J' ai également créé un fond texturé pour le Mendela. Cet arrière-plan texturé est dans un mode de fusion multiplier de sorte que lorsque j'allume la couleur unie, je peux ajouter un peu de texture et la mélanger dans la couleur. Il y a tellement de dimensions que vous pouvez ajouter à votre illustration, et il y a tellement de combinaisons que vous pouvez utiliser. C' est sans fin, infini, créatif, amusant. Rejoignez-moi à la dernière leçon et nous finirons. Je vais partager quelques idées inspirantes et des exemples de la façon dont vous aimeriez utiliser ces techniques dans votre art créatif. Je te verrai là-bas. 14. Laissez-vous inspirer - partagez votre projet: Maintenant, vous avez tous les outils et techniques dont vous avez besoin pour créer un bel art en trois dimensions. Symbole de démarrage, utilisez des formes de base pour commencer. Essayez quelques dessins de ligne simples et essayez travailler avec certains de l'art que vous avez déjà créé et procréer, soyez prêt à faire beaucoup d'erreurs. Souvent, mes designs les plus préférés, sont venus par accident. Toujours dans une direction et ils ont fini ailleurs. Choisissez une technique, jouez avec elle, apprenez-la à l'avant, à l'arrière, à l'intérieur, à l' extérieur, et vous serez étonné de voir combien vous pouvez en faire. N' essayez pas de tout faire en même temps. Votre ami sera découragé si vous ne le faites pas un pas à la fois. Souvent, nous sommes excités, nous voulons y entrer, nous voulons tout essayer et voir si cela fonctionne pour nous. Mais si nous allons lentement et avons de la patience et de la pratique, de la pratique, de la pratique, vous serez récompensé par de beaux designs. Vous allez commencer à observer le monde qui vous entoure différemment maintenant, vous verrez ce qui fait éclater les choses, vous verrez comment la lumière joue sur les textures et les formes. Dans votre vie réelle, vous apprendrez beaucoup sur ce qui rend quelque chose trois dimensions simplement en observant les choses qui vous entourent. Utilisez vos photos de référence. Si vous voyez une texture que vous aimez vraiment ou quelque chose d'autre autour de vous, prenez une photo de celle-ci ou trouvez une en ligne. Demandez-vous vraiment, ce que c'est à propos de ça qui a attiré votre attention ? Choisissez les couleurs hors de celui-ci, regardez comment les ombres tombent, vous commencerez à observer les choses différemment. Maintenant, c'est à votre tour de créer un projet. Choisissez une technique sur laquelle vous souhaitez travailler, trouvez la conception sur laquelle vous souhaitez l'utiliser et partagez avec nous dans la section projet comment elle s'est déroulée pour vous. Partagez avec nous la façon dont vous utilisez cette conception. Il y a tellement de façons d'utiliser vos designs maintenant. Vous pouvez les utiliser comme mur, vous pouvez les mettre sur une toile, ou vous pouvez créer une affiche à partir d'eux, vous pouvez les mettre sur des produits, sur impression, sur demande, vous pouvez créer vos propres notes de remerciement ou invitations de mariage, et vous pouvez même créer vos propres pinceaux de procréation en trois dimensions. Il y a tellement de choses que vous pouvez mettre ces magnifiques designs en trois dimensions pour votre propre plaisir ou pour ceux de vos amis et de votre famille. Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. Amuse-toi un peu avec ça. Si vous voulez me marquer sur les réseaux sociaux, c'est JSP create. J' adorerais voir sur quoi tu travailles. Amusez-vous créer et je vous verrai la prochaine fois.