Create Beautiful Line and Wash Flowers: A Beginner-Friendly Guide

1. Lignes et fleurs lavis 1: Aimez-vous absolument le look des fleurs à stylo et à l'aquarelle, mais vous vous demandez peut-être en tant que débutant, quel est le meilleur point de départ ? Vous vous demandez peut-être quelles sont les informations incontournables sur le stylo et l'encre, sur l'aquarelle et sur la combinaison de ces deux supports ? Vous pouvez donc construire une base solide pour sauter. De plus, comment arrivez-vous à un point où vous êtes facilement et rapidement capable de créer ce type d' œuvre entièrement seul, complètement à partir de zéro quand vous le souhaitez, chaque fois que vous en avez cartes de vœux à fabriquer, quelques marque-pages que vous voulez donner , pièces personnelles, etc. Si vous êtes un artiste débutant, commencez simplement à développer vos compétences en dessin et commencez tout juste à sauter dans le monde du stylo et du lavage à l' aquarelle ou vous êtes un artiste intermédiaire, qui commence tout juste combiner ces deux supports dans votre travail. Ce cours est fait pour vous. m'appelle Erica et je suis artiste médiatique traditionnelle et éducatrice en ligne. J'ai plus de 15 ans d' expérience dans des domaines créatifs et artistiques. d'abord, j'étais graphiste qui travaillait dans des agences de publicité. Ensuite, j'ai passé de nombreuses années à travailler comme professeur d'art en chef dans un environnement scolaire. Au cours des quatre dernières années, je travaille à plein temps sur ma propre entreprise artistique en tant qu'artiste professionnel. Mes journées tournent autour de créer de l' art, de vendre de l'art localement et d'aider les aspirants artistes du monde entier à développer leurs compétences artistiques et leur voix créative via mon site Web, ma chaîne YouTube, mes réseaux sociaux médias en général, ainsi que mon site d'adhésion. saute dans ce que vous allez apprendre dans ce cours. Je vais vous apprendre à dessiner trois fleurs différentes, une fleur de cône, une rose sauvage et une jonquille sous deux angles différents. D'une vue de dessus et aussi d'une vue latérale ou de profil pour que vous puissiez vraiment comprendre la structure de ces fleurs et leurs particularités. Pour que vous soyez alors mieux en mesure de les tirer de l'imagination et du point de vue que vous voulez. Au fur et à mesure que nous dessinons, nous allons nous concentrer sur la simplification de ces fleurs en formes basiques. Ce qui est une compétence qui va vous aider à l'avenir, peu importe ce que vous essayez de dessiner. Ce cours est destiné aux débutants. Je vais vous guider à travers ma méthode dans laquelle je crée d' abord mon dessin au crayon graphite afin de pouvoir effacer toutes les erreurs que je dois effacer. Nous parcourons ensuite notre travail au crayon pour définir les bords et ajouter plus de détails à l'aide d'un stylo et de l'encre Enfin, nous apportons nos lavages colorés vibrants à l'aquarelle. J'ai inclus des cours dans ce cours dans lesquels je partage les informations essentielles que vous devriez connaître en tant que débutant, commencer avec le stylo et l'encre, commencer avec le stylo et l'encre, commencer avec de l'aquarelle, et commencer à combiner ces deux médiums pour que vous puissiez atteindre le succès beaucoup plus tôt. Avant de commencer avec les trois dernières pièces sur lesquelles nous allons travailler ensemble, je partage également un cours complet dans lequel je vous long de mon processus de sélection des couleurs et comment je testez mes différentes couleurs pour que je sache exactement quelles couleurs je vais utiliser pour mes pièces finales. Enfin, nous travaillons ensemble sur nos trois dernières pièces, une pour chaque fleur. Un morceau de fleur de cône, un morceau de rose sauvage et un morceau de jonquille. Tout au long de ce processus, je saupoudrez également quelques informations incontournables sur la composition qui vont vous aider à créer des compositions harmonieuses, équilibrées et intéressantes à regarder. En tant qu'éducatrice artistique, je suis un grand fan non seulement de partager tout mon processus avec vous et mes techniques, mais aussi de me familiariser avec les fondamentaux de l' art et des choses que j'ai toujours Gardez à l'esprit que je continue de me poser des questions tout au long du processus créatif afin que vous puissiez atteindre un point où vous créez des œuvres d'art originales à partir de zéro. C'est ce que je veux pour vous. Tout cela étant dit, j'espère que vous vous joindrez à moi pour ce cours. Je suis très enthousiaste à l'idée de travailler ensemble sur ces exercices et ces projets. 2. Lignes et fleurs lavis 2: Allons de l'avant et commençons avec classe numéro 1 dans ce cours dans lequel je vais expliquer informations incontournables sur les fournitures qui sont vraiment importantes que vous comprenez pour un processus plus fluide et meilleurs résultats lorsqu'il s'agit de ce type de pièce dans laquelle nous combinons stylo et encre avec des lavages à l'aquarelle. Je tiens à vous rappeler que chaque cours de ce cours possède un fichier téléchargeable que vous pourrez trouver dans l'onglet Projets et Ressources. Pour ce premier cours, j'ai inclus une liste de contrôle des approvisionnements afin que vous puissiez être sûr avoir tout ce dont vous avez besoin pour obtenir les meilleurs résultats. Pour les autres cours, vous allez pouvoir trouver des modèles téléchargeables, photos de référence que j'ai utilisées et, bien sûr, vous pourrez également trouver mes croquis de plan téléchargeables pour tous les ces différentes études de fleurs et pièces que je vais créer pour ce cours. De cette façon, vous pouvez les télécharger et les imprimer et les avoir à portée de main comme référence lors main comme référence création de vos esquisses à main levée. Si vous voulez sauter la phase d' esquisse à main libre et sauter directement dans le stylo et encre, puis l' aquarelle se lave et ne pas vous concentrer autant sur votre dessin à main libre, vous pouvez toujours transférer mes esquisses de contour sur votre feuille de papier aquarelle à l'aide de papier calque ou de toute autre méthode de transfert vous et passez directement aux cours sur le stylo, l'encre et l'aquarelle. Avec tout ce qui est dit, allons de l'avant et sautons directement dans les fournitures que vous allez me voir utiliser dans ces cours. Pour commencer, ce sont les fournitures de dessin que vous allez me voir utiliser dans la classe dans laquelle je vais partager avec vous comment dessiner un coneflower, une rose sauvage et une jonquille. Même si ce cours porte sur les lavages au stylo, à l' encre et à l'aquarelle et que nos pièces finales seront des pièces mixtes utilisant du stylo, de l'encre et de l'aquarelle, je ne peux pas souligner l'importance de en pratiquant votre dessin avec des crayons graphite ordinaires abord ou en même temps que le développement de vos compétences en stylo, à l'encre et à l' aquarelle. Pour moi, il est toujours très important comprendre la structure de ce que je vais dessiner et de pouvoir simplifier ce que je regarde en formes ou formes simples. Il est beaucoup plus facile et moins intimidant d'étudier d' abord l' objet ou le sujet via un simple croquis graphite car nous sommes facilement capables de dessiner à la légère pour effacer erreurs et toutes ces choses. Si nous devions sauter directement dans le dessin au stylo et à l'encre sans avoir fait de pratique antérieure ou étudier avec des crayons graphite, cela peut être très intimidant car le stylo et l'encre est un support permanent, et vous ne pourrez pas effacer vos erreurs. Sans oublier que si vous n'utilisez pas une photo de référence ou quelque chose que vous avez devant vous dans la vraie vie et vous ne prenez jamais le temps d'étudier ou d'observer votre objet ou votre sujet comprenez-le au moins un peu plus profondément avant de sauter dans votre dessin, alors il sera très difficile d'arriver à un niveau de réalisme moyen ou supérieur car vous devez comprendre, encore une fois, la structure de ce que vous essayez de dessiner et les caractéristiques qui distinguent cette fleur particulière des autres types de fleurs. Un carnet de croquis de dessin régulier et des outils de dessin de base vont nous permettre de faire cette pratique et de préparer le travail avant de commencer nos dernières pièces afin que le processus final soit beaucoup plus fluide. les résultats finaux vont être beaucoup plus fructueux. Après un certain temps, vous vous entraînez avec le dessin et la pratique spécifiquement avec avec le dessin et la pratique spécifiquement avec du stylo et de l'encre après avoir développé vos compétences un peu plus et que vous vous sentez beaucoup plus confiant, puis par tous. signifie que vous pouvez vous lancer directement dans le dessin au stylo et encre sans commencer par pratiquer le graphite ou faire un croquis préliminaire à l'aide de crayons graphite. Mais je voulais faire ce cours pour le débutant qui vient de commencer, et c'est pourquoi je vais partager avec vous comment dessiner d'abord avec un crayon, puis retracer ça avec un stylo. Honnêtement, à ce jour, même après toutes ces années à dessiner et à créer de l'art, je crée encore pour la plupart des esquisses préliminaires avec du graphite avant d'entrer au stylo. Je vais travailler dans ce carnet de croquis de Strathmore, dont le papier a une surface fine, ce qui signifie qu'il est assez lisse et que ce papier mesure ce carnet de croquis de Strathmore, dont le papier a une surface fine, qui signifie qu'il est assez lisse 60 livres ou 89 g/m². épaisseur ou poids. Ce carnet de croquis est de 9 pouces sur 12 pouces, mais vous pouvez utiliser n'importe quelle taille de carnet de croquis que vous souhaitez. Je vais utiliser un crayon de grade B de Faber-Castell. Habituellement, lorsque je crée une esquisse préliminaire que je vais passer au stylo et à l'encre avec ou à l'aquarelle, j'aime utiliser un crayon à dessin HB parce qu'un crayon à dessin HB est juste claquer au milieu entre les crayon plus douces et les nuances de crayon plus dures. Le graphite qu' ils contiennent dans leur noyau n'est ni trop dur ni trop mou, ce qui me permet de créer un croquis ou un croquis en graphite très léger que je vais pouvoir effacez facilement et que vous ne pourrez pas voir à travers cela une aquarelle translucide. Cependant, parce que je veux que vous puissiez voir ce que je fais, je vais devenir un peu plus doux que le HB, et je vais utiliser un crayon B. Parce que le graphite au cœur du crayon B est légèrement plus doux que le graphite du crayon HB, il va paraître un peu sombre et vous allez pouvoir voir mon travail beaucoup plus. clairement. Cependant, je vous recommande d'utiliser un HB ou au moins de m'assurer que vous dessinez le plus légèrement possible afin que vous puissiez facilement effacer erreurs au fur et à mesure afin de ne pas vous gratter ou endommager votre papier et de sorte que votre travail de crayon ne soit pas visible à travers votre peinture à la fin. Personnellement, je ne suis pas un grand fan des crayons plus durs. Tout ce qui est plus difficile qu'un 2H est un peu trop grattant pour moi. Même si les nuances de crayon plus dures vous aideront à créer des croquis très légers et propres, ce graphite est un peu trop dur et je n' aime pas gratter ou endommager mon papier aquarelle car ces petites bosses et égratignures que vous créez, elles ne pourront pas être effacées, enlevées ou réparées. En dehors de ces fournitures, j'ai également deux types de gommes à effacer à portée de main. J'ai une gomme à effacer doux en graphite ordinaire. Il s'agit également d'une gomme sans poussière de Faber-Castell, et j'ai une gomme malaxée, qui est cette gomme à bulles bleues mâchées que vous pouvez voir maintenant à l'écran. Avoir une gomme malaxée à portée de main est très utile car au fur et à mesure que vous dessinez, vous pouvez changer de forme et effacer petites zones dans lesquelles vous ne pourriez pas entrer avec une gomme ordinaire. Mais souvent, la façon dont j'aime les utiliser est qu' après avoir terminé mon croquis préliminaire, j'utilise ma gomme malaxée pour faire mouvements de tapotement doux sur mon croquis pour le rendre encore léger et me débarrasser de tout excès de graphite qui pourrait flotter sur la surface de mon papier, ce qui peut certainement bouer ou salir mes couleurs vives et je vais l'utiliser plus tard. Ce dessin que je partage actuellement à l'écran n'est pas une esquisse de contour que j'allais ensuite passer à la peinture. Il s'agit d'une étude d'ombrage alternative au graphite, mais je voulais vous montrer la quantité de graphite une gomme malaxée peut collecter si vous tapotez sur votre dessin, ce qui peut être incroyablement utile lorsque vous créez votre esquisse de contour à peindre à l'aquarelle. De cette façon, non seulement nous ne pourrons pas voir notre crayon travailler ou notre ligne travailler à travers la peinture à la fin, mais nous allons également éviter de salir graphite que nous avons laissé sur notre papier, ce qui peut certainement affecter le dynamisme de notre aquarelle. Enfin, en ce qui concerne mon aiguiseur, j'utilise un petit taille-crayon métallique basique. Passons au stylo, à l' encre et à l' aquarelle que je recommande d'avoir sous la main pour ce processus. Je vais utiliser du papier presse à froid de Primrosia. Ce papier a une épaisseur ou un poids de 140 livres ou 300 g/m². Parce qu'il est pressé à froid, il est texturé. Bon, je vais effectuer un zoom avant pour que vous puissiez avoir une meilleure idée du niveau de texture sur lequel je vais travailler. Dans mon précédent cours Skillshare, il y a un cours dans lequel je partage tout sur les différents types de papier aquarelle que vous allez pouvoir découvrir là-bas ; la presse à chaud, la presse à froid et le rugueux. Si vous voulez une finition plus lisse et que vous craignez de une finition plus lisse et que vous devoir lutter contre la dent ou le grain de votre papier avec la pointe de votre crayon et la pointe de votre stylo à dessin, alors Je vous recommande fortement de vous procurer papier aquarelle à chaud. Chaque fois que je travaille sur une pièce qui ne sera qu'un stylo et de l'encre, donc je n'apporterai pas de peinture, j'utilise une sorte de papier à dessin lisse ou j'utilise du papier aquarelle à chaud. Mais parce que je vais apporter lavages à l'aquarelle aujourd'hui, j'aime beaucoup la façon dont l'aquarelle ressemble sur du papier aquarelle presse à froid. Cependant, si vous craignez la pointe de votre crayon ou la pointe de votre stylo saute un peu trop sur dent rugueuse ou le grain la dent rugueuse ou le grain de votre papier, ou si vous êtes inquiet vous ne pouvez pas créer de lignes lisses lorsque vous travaillez avec du stylo et de l'encre, ou si vous craignez d'endommager la plume de votre stylo à cause de cette texture sur le papier, je vous recommande papier aquarelle presse à chaud pour les projets de ce cours. ne me dérange pas vraiment d' avoir une certaine texture sur mon papier aquarelle, car le numéro un va m'aider à développer variation du poids de la ligne dans mon travail de stylo et d'encre, ce qui est quelque chose que je suis en parleront plus tard dans la classe sur les pointes de dessin au stylo et à l'encre. ne me dérange pas que sauter sur cette dent de mon papier et mes lignes se sur cette dent de mon papier et mes lignes brisent ici et là parce que cela m'aide à créer une variation de poids de ligne et m'aide à rester loin de l'épaisseur, look audacieux, cohérent et lourd qui est souvent présent dans pages de livres de coloriage et les dessins animés. J'en parlerai plus tard. En dehors de cela, j'ai déjà suffisamment de compétences développées avec le stylo et l'encre pour ne pas ressentir le besoin appuyer très fort avec mon stylo, ce qui est souvent la même chose que les pointes de vos stylos sont endommagés parce que vous appuyez trop fort sur cette texture. Encore une fois, si l'une de ces choses vous inquiète, optez pour la presse à chaud, qui est le papier aquarelle le moins texturé que vous allez pouvoir trouver. Cela vous sera particulièrement utile si vous recherchez des lignes plus lisses et homogènes, mais aussi si vous craignez d' endommager la pointe de votre stylo. ce qui est de mon stylo à dessin, je vais utiliser une doublure pigmentée de Staedtler, et ce stylo que je vais utiliser a une taille de 0,1 pointe. Ces doublures pigmentaires de Staedtler sont très bonnes à utiliser en combinaison avec aquarelle car elles sont permanentes et imperméables et ne se tachent pas et ne saignent pas. Chaque fois que vous allez combiner stylo et encre avec de l'aquarelle, il est très important que vous utilisiez un stylo contenant de l'encre imperméable et anti-bavures. J'aime aussi beaucoup les stylos Micron. Ils fonctionnent également très bien en combinaison avec l'aquarelle. Pour ce qui est de mes aquarelles que je vais utiliser, je vais utiliser mon ensemble de Daniel Smith. Je vais vous faire savoir exactement quelles couleurs j' utiliserai dans la classe dans laquelle je vais vous expliquer comment choisir les couleurs de vos différentes fleurs et comment créer vos mélanges de couleurs. Passons aux autres fournitures de peinture à l' aquarelle, je vous recommande de disposer d'un ou deux récipients contenant l'eau propre pour cette dernière phase de ce processus dans lequel nous allons utiliser aquarelle, une sorte de serviette absorbante. J'aime beaucoup ces serviettes bleues Scott qui sont destinées à être utilisées sur voitures car je peux les réutiliser encore et encore avant de devoir les jeter, mais même les essuie-tout ordinaires feront affaire. d'avoir une serviette absorbante ou deux Il est très important d'avoir une serviette absorbante ou deux à portée de main, car elles vous aideront à rester au contrôle de l'eau et à effectuer tout le levage que vous pourriez avoir à faire tout au long du processus de peinture. ce qui est de mon pinceau, je vais en utiliser un pour tous ces morceaux de fleurs, et il s'agit d'un pinceau rond taille 10 de la ligne Aqua Elite de Princeton. Je vous recommande de garder choses simples et de les limiter lorsqu'il s'agit choisir vos pinceaux pour ces pièces car nous allons aller dans agréables, rapides et minimales. Une taille 10 est ce que je considérerais comme un pinceau de taille moyenne, comme je l'ai expliqué dans ce cours Watercolor 101. Je recommande vivement de le vérifier. N'importe quoi d' un 8, d'un 10 ou d'un 12, je pense, va très bien tant que la pointe est belle et pointue, surtout pour les tiges et les feuilles dans des zones plus petites. C'est tout pour cette première classe dans ce cours. Allez-y et assurez-vous que toutes vos fournitures sont prêtes à être utilisées. Je suis très enthousiaste à l'idée de partager classe numéro 2 avec vous dans laquelle je vais expliquer tous les projets sur lesquels nous allons travailler ensemble dans ce cours, et je sais que nous allons Amusez-vous tellement avec et vous allez faire du bien. On se voit là-bas. 3. Lignes et fleurs lavis 3: Salut, et bienvenue en classe 2. Il s'agira d'une vidéo d' orientation dans laquelle je vais expliquer les différents exercices que je vais vous guider, ainsi que les projets finaux que nous sommes nous allons travailler ensemble, dans lequel nous allons apporter toutes les connaissances et les compétences que nous avons acquises, et nous avons pratiqué dans les cours de ce cours. Les exercices que je partage dans tous les cours inclus dans ce cours sont destinés à être travaillés dans un ordre séquentiel. Je ne recommanderais pas de sauter par-dessus aucun d'entre eux, et si vous voulez passer plus de temps sur l'un et si vous voulez passer plus de temps des exercices avant d'aller de l'avant, je le recommande vivement. Vous pouvez passer au cours suivant dès que vous vous sentez prêt, et passer du temps à faire tous ces exercices va vraiment vous aider à progresser dans le processus de votre projet final beaucoup plus doucement et arrivent à de meilleurs résultats. Allons de l'avant et sautons tout de suite. Les premières classes de ce cours, les classes 3, 4 et 5, sont remplies d'informations essentielles sur le dessin au stylo et à l'encre, sur la peinture à l'aquarelle et sur la combinaison du stylo et encre avec des lavages à l'aquarelle. Dans ces cours, je vais partager de nombreux exemples de mon propre travail, et je vais partager mes conseils incontournables et mes informations essentielles que j'aurais aimé connaître lorsque je commençais ces médiums et avec la combinaison de ces supports, cela m'aurait aidé à m'améliorer beaucoup plus rapidement. Même si ces premiers cours n'incluent pas d'exercices pratiques, j'ai inclus des feuilles de calcul téléchargeables, que vous pouvez télécharger, imprimer et remplir au fur et à mesure que nous parcourons la classe, afin que cette information ait de meilleures chances de rester en vigueur. classes 6 et 7 sont des exercices pratiques qui serviront de pratique et de travail de préparation avant de commencer nos projets finaux. En classe 6, je vais vous montrer comment dessiner une fleur de cône, une rose sauvage et une jonquille. Je vais expliquer exactement comment simplifier ces fleurs en formes de base en utilisant des informations clés que nous pouvons prendre à partir de photos de référence et comment commencer à développer vos compétences en visualisation en tant qu'artiste afin que vous puissiez commencer à dessiner ces fleurs sous différents angles et perspectives d'imagination. Parce que je veux que ce cours soit 100% adapté aux débutants, nous allons d'abord dessiner ces fleurs à l'aide de crayons graphite ordinaires, et nous allons ensuite apporter un stylo et encre pour tracer notre travail en graphite, définir des arêtes et ajouter d'autres détails. Une fois que nous aurons terminé notre pratique du dessin, je vais vous guider mon processus de sélection des couleurs, afin que nous puissions savoir exactement quelles couleurs nous allons atteindre et comment nous allons va créer nos différents mélanges de couleurs pour nos pièces finales. Nous allons planifier et préparer les différentes couleurs que nous allons apporter pour notre pièce de fleur de cône, notre pièce de rose sauvage et notre morceau de jonquille, et vous n'avez nullement besoin d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que je vais utiliser. Vous pouvez utiliser tout ce que vous avez sous la main qui ressemble à ces couleurs que je vais observer, ou même changer entièrement les couleurs de vos fleurs pour quelque chose que vous aimez le plus. Mais il est très important planifier et de préparer les couleurs que vous allez utiliser afin de ne pas avoir de surprises en cours de route et de rester à l' écart de la création humeur et couleurs indésirables. Enfin, dans les classes 8,9 et 10, nous allons travailler ensemble sur nos dernières pièces. classe 8 est la fleur de cône dans laquelle nous allons dessiner trois fleurs coniques angles et des perspectives légèrement différents. Cela va se faire en utilisant abord un crayon graphite ordinaire, que nous allons passer à la définition des bords et à ajouter des détails à l'aide d'un stylo et de l'encre, puis nous allons faire nos lavages à l'aquarelle. . Dans la classe 9, nous allons créer notre pièce de rose sauvage, et nous allons faire exactement la même chose. Nous allons d'abord dessiner trois roses sauvages à l'aide de crayons graphite ordinaires. Nous allons ensuite faire notre travail de stylo et d'encre, puis nous allons faire nos lavages à l'aquarelle. Enfin, la classe 10 sera la jonquille. Comme les jonquilles sont plus grandes, nous allons simplement dessiner deux jonquilles angles et des perspectives légèrement différents. utilisons d'abord des crayons graphite, puis un stylo et de l'encre , puis, enfin, nous allons ajouter notre couleur vive à l'aquarelle. En cours de route, je vais fournir des tonnes de conseils pour que vous puissiez les garder lâches, amusantes, expressives et fraîches. Je vais également vous fournir quelques conseils clés sur la composition et sur la façon d'arriver à une harmonie visuelle et à une pièce d'apparence équilibrée. Dans l'onglet Projets et ressources, vous allez pouvoir trouver vos feuilles de calcul remplissables, vos modèles téléchargeables, mes esquisses de plan au cas où vous voudriez les utiliser comme référence, ou pour transférer sur vos feuilles de papier aquarelle à l'aide de papier calque, ou vous transférez la méthode de votre choix. Les photos de référence que j'ai utilisées et les photos de mes pièces finies. Cela va le faire pour cette petite classe d'orientation oblique d'introduction. J'ai hâte de sauter dans le prochain cours avec vous dans lequel je vais partager tous mes conseils et informations incontournables pour savoir quand il s'agit de dessiner avec un stylo et encre. On se voit là-bas. 4. Lignes et fleurs lavis en vrac 4: Hey, et bienvenue ce cours dans lequel je vais partager les principales informations que j'aurais aimé connaître quand je commençais avec le dessin au stylo et à l' encre, qui m'auraient aidé à atteindre de meilleurs résultats que j'ai aimés beaucoup plus vite. Même s'il ne s'agit pas d'un cours complet sur le dessin au stylo et à l'encre. Je voulais partager les conseils clés avec vous afin que vous puissiez les garder à l'esprit, progresser dans votre parcours avec ce support, continuer à vous appuyer sur ces blocs fondamentaux et même si ces informations ces conseils seront incroyablement utiles, peu importe dessin ou le dessin à l' encre sur lequel vous choisissez de travailler. Je mettrai l'accent sur les points clés qui vous aideront à trouver de superbes œuvres d'art lorsque vous combinez stylo et encre avec des lavages à l' aquarelle, sur quoi nous travaillons dans ce cours. Je vais relier tous les points clés que je partage à ce type d'œuvres d'art mixtes. Cela dit, allons de l'avant et sautons directement au point clé numéro 1. La première chose que je veux partager avec vous, c'est de ne pas avoir peur de commencer avec des crayons graphite d'abord, je vous encouragerais à le faire. Cela s'applique de deux manières différentes. La première étant qu'en général, lorsque vous commencez votre voyage avec le dessin, je vous recommande de commencer avec crayons à dessin en graphite habituels et de commencer à construire ces compétences essentielles telles que vos compétences d'observation, votre coordination œil-main, votre contrôle sur vos outils de dessin, vos compétences de mesure visuelle, peut-être vous et votre capacité à recréer efficacement des formes et commencez par développer vos connaissances et vos compétences en dessinant une perspective l'aide de crayons de dessin ordinaires avant de sauter dans le stylo et l'encre. La raison en est que dessiner avec des crayons graphite ordinaires est beaucoup moins intimidant car vous pouvez effacer les erreurs. Lorsque vous dessinez avec du stylo et de l'encre, l'encre est permanente et vous ne pourrez pas l'effacer. Lorsque j'ai commencé avec le dessin au stylo et à l'encre, j'ai pu développer mes compétences relativement rapidement car je savais déjà dessiner avec un crayon ordinaire. Mes compétences de base en dessin étaient déjà là. J'ai compris ces fondamentaux artistiques essentiels comme la forme 3D et la perspective et, dans l'ensemble, j'avais déjà développé une qualité de ligne assez décente. La qualité des lignes est énorme et très essentielle lorsqu'il s'agit de dessiner et d'esquisser au stylo et à l'encre car il s'agit d'un travail au trait. Nous sommes en train de poser des lignes et des marques. Assurez-vous que lorsque vous commencez à dessiner pour la première fois, vous commencez par des crayons graphite ordinaires ou que vous travailliez à développer vos compétences avec des crayons graphite ordinaires à côté de votre dessin au stylo et à l'encre. Maintenant, la deuxième façon de commencer avec le crayon est, comme vous pouvez le voir maintenant à l'écran, je retrace une esquisse en graphite préliminaire que j'ai créée avant de passer à mon stylo et encre, vous ne devriez jamais avoir honte avant de créer d' abord un croquis préliminaire en graphite , puis de passer à votre stylo et à votre encre. Une fois que vous vous entraînez davantage et que vous êtes de plus en plus à l'aise avec un stylo à dessin, vous pouvez ajouter moins de détails à l'aide crayon à dessin ordinaire dans cette esquisse préliminaire et créer davantage de ce dessin. utiliser du stylo et de l'encre dès la chauve-souris sans avoir posé de graphite en dessous. Finalement, vous allez simplement poser des formes générales simples avec un crayon et vous allez tout de suite passer à votre stylo à dessin et vous allez créer toutes ces tailles moyennes. des formes et des détails immédiatement à l'aide de votre stylo à dessin. Vous allez avoir créé uniquement vos os nus, votre squelette avec du graphite, et vous allez tout faire avec du stylo et de l'encre. Ensuite, vous pourrez éventuellement vous préparer à tout faire immédiatement avec du stylo et de l'encre. Mais le stylo et l'encre peuvent certainement être délicats et frustrants pour les débutants et la plupart du temps, c'est parce qu'ils n'ont pas acquis ces compétences de base en dessin et leur contrôle sur leur support de dessin. par crayon d'abord. C'est pourquoi, dans ce cours, destiné aux débutants, je vais commencer par dessiner les fleurs au crayon , puis nous allons définir les bords et ajouter plus de détails avec un stylo et de l'encre, puis nous allons effacer notre travail au crayon. C'est la stratégie que j'utilise quotidiennement pour mes pièces de stylo et de lavage, surtout lorsque je dessine un sujet un peu plus complexe ou quelque chose que je n'ai pas dessiné. beaucoup dans le passé. Passons à la pointe clé du succès Numéro 2, et tout cela est lié à la variation du poids de la ligne. La variation du poids des lignes est essentielle pour comprendre lorsque vous essayez de développer vos compétences avec un stylo et de l'encre et qu'elle est directement liée à la qualité des lignes. variation linguistique se réfère essentiellement à la variation des poids ou des épaisseurs des lignes et des repères que vous créez. Lorsque nous dessinons avec du stylo et de l'encre, si le look que nous recherchons est dynamique et fluide, nous voulons que nos dessins soient intéressants et qu'ils aient une dimension, nous devons utiliser le poids des lignes. variation, ce qui signifie que nous voulons que certaines lignes ou certaines marques soient plus légères et que le poids visuel et les autres remarques de lignes soient plus lourds en poids visuel. Ou même à l'intérieur d'une même ligne ou d'une même marque, nous voulons que certaines sections de cette marque soient plus légères et que d'autres sections de cette marque soient plus lourdes. Lorsque nous serons en mesure de contrôler notre outil de dessin et de changer et de modifier les différentes choses dont je vais parler ensuite, attentivement, intentionnellement, afin d'arriver aux résultats et au et l'effet que nous recherchons, on peut dire que nous avons un certain niveau de maîtrise de notre outil de dessin. Grâce à cette maîtrise de notre outil de dessin, nous sommes en mesure de créer une variation de poids de trait grâce à laquelle nous sommes en mesure d'obtenir une excellente qualité de trait dans notre travail. La raison pour laquelle il est si important d' avoir une variété de poids de ligne dans un dessin ou une esquisse est que si vous avez déjà vu un dessin animé ou même une page de livre à colorier dans laquelle toutes les différentes les sections , les éléments et les parties de l'image sont délimités par une ligne noire épaisse, épaisse épaisse d' une épaisseur ou d'un poids uniforme sur tous les contours impliqués, conduit à beaucoup de planéité. L'une des principales choses avec lesquelles je vois beaucoup de débutants aux prises avec c'est que leurs dessins semblent trop lourds, trop rigides, trop rigides, trop bruts, même, et la plupart des parfois, c'est parce qu'ils essaient avoir beaucoup trop de contrôle sur leur stylo à dessin, ils s'agrippent trop serrés, peut-être même trop pressés, ils hésitent alors qu'ils s'allongent ces lignes et ces marques fonctionnent trop lentement. C'est l' intention de rendre tout parfait, mais à la fin, les choses semblent un peu trop rigides et trop lourdes, trop rigides, trop fortes. Lorsque vous travaillez avec du stylo et de l'encre, il est souvent préférable d' avoir un léger vacillement, légères irrégularités et des imperfections dans vos lignes, mais qu'elles soient dynamiques et fluides. Et quelque chose qui peut être incroyablement utile, c'est prendre le temps de remplir des pages entières de carnets de croquis avec différents types de lignes et marques et de simples gribouillages afin que vous puissiez vous sentir plus à l'aise avec votre stylo à dessin d'une manière moins écrasante. Il y a quatre éléments clés à rechercher et commencer analyser de première main lorsque vous dessinez avec du stylo et de l'encre. Cela, seul ou en combinaison, entraîne une variation du poids de la ligne dans votre travail de stylo et d'encre. Si vous modifiez et utilisez stratégiquement ces quatre éléments clés de votre stylo et de votre encre pour développer poids visuel moindre ou plus lourd dans vos lignes et vos marques, à la fin, votre dessin va être beaucoup plus dynamique et intéressant à regarder et cela va probablement communiquer un plus grand sens de la dimension. Et au début, lorsque vous commencez, vous voulez vraiment avoir ces quatre choses en tête. Mais plus vous vous entraînez intentionnellement à avoir ces quatre choses en tête, plus vous arriverez rapidement à un point où vous changez et changez intuitivement ces choses pour arriver à des pièces plus belles. Ces quatre éléments qui affectent grandement variation du poids de votre ligne et la qualité de votre trait sont la taille de votre pointe de stylo, l'angle auquel vous utilisez votre stylo, la vitesse à laquelle vous déplacez votre main ou bras lorsque vous utilisez votre stylo, et la pression que vous exercez sur votre stylo. Plus la pointe du stylo que vous utilisez est grande, évidemment, plus les lignes et les marques que vous allez créer sont lourdes et épaisses. Plus la taille de la pointe du stylo que vous utilisez est petite, plus vos lignes seront fines et légères. Une fois que vous avez un excellent contrôle sur votre outil de dessin, vous pouvez vraiment utiliser une même taille de pointe de stylo et contrôler les trois autres variables tout en obtenant un excellent poids de trait . variation tout au long de votre dessin. La deuxième variable que vous pouvez utiliser à votre avantage pour créer une variation de poids de ligne tout au long de votre dessin est l'angle auquel vous utilisez votre stylet. Si vous utilisez votre stylo à un angle plus de 90 degrés depuis votre table plate ou la surface sur laquelle vous dessinez, plus grande partie de cette encre va s'écouler vers le bas de cette plume, ce qui alourdit vos lignes et vos marques. poids visuel. Alors que si vous essayez d' utiliser votre stylo à un angle supérieur à 45 degrés par rapport à votre surface horizontale plane sur laquelle vous travaillez, ou encore moins, un angle de 30 degrés ou à un angle de 25 degrés, moins d'encre va couler vers le bas de cette plume lorsque vous dessinez et vos lignes apparaîtront plus légères et plus minces. La troisième chose que vous pouvez utiliser à votre avantage pour arriver à un dessin présentant une belle variation de poids de trait tout au long est changer et de modifier la vitesse à laquelle vous utilisez votre dessin. stylo. Si vous déplacez votre stylo plus lentement sur cette page, encore une fois, plus d'encre aura l'occasion de couler vers le bas et de créer des lignes plus épaisses et plus lourdes. Alors que si vous bougez votre main et votre bras plus rapidement, moins d'encre aura l' occasion de couler vers le bas pour atteindre ce papier et vous obtiendrez des lignes plus minces et plus légères. La dernière variable que vous pouvez utiliser à votre avantage et commencer à contrôler pour obtenir une meilleure variation du poids de la ligne est la pression que vous exercez sur votre papier. Je n'exerce jamais trop de pression sur mon stylo car je ne veux jamais endommager le papier sur lequel je travaille. Mais en plus de déplacer votre stylo plus rapidement et de varier l'angle, vous pouvez également appliquer un peu plus de pression sur votre stylo pour permettre à une plus grande partie de cette encre de s' écouler vers le bas et de créer une pointe plus lourde. Des lignes plus audacieuses partout où vous voulez une ligne plus épaisse. Alors que vous travaillez sur vos exercices d'entraînement dans ce cours et que vous travaillez sur vos projets finaux, lorsque nous travaillons sur nos phases de stylo et d'encre, demandez-vous où est-ce que je veux plus audacieux, plus lourd des lignes et des marques ? Et où est-ce que je veux des lignes et des marques plus minces et plus légères ? Que dois-je faire, changer ou changer pour obtenir ces résultats ? La dernière chose que je souhaite partager en tant qu'astuce clé dans cette classe, c'est que lorsque nous travaillons avec du stylo et de l'encre, nous développons simultanément de la valeur ou du ton et de la texture. C'est parce que nous utilisons lignes et des marques plutôt que lorsque nous dessinons avec un crayon graphite à travers lesquels nous sommes capables de couvrir uniformément et en douceur une grande quantité de papier avec notre pointe notre crayon et nous sommes en mesure de développer facilement des transitions et des dégradés en douceur. Lorsque nous dessinons avec du stylo et de l'encre, nous développons simultanément différents tons ou valeurs, ce qui signifie des zones claires, zones de tons moyens et des zones sombres et textures les plus sombres simultanément via la répétition des lignes et des repères . Si vous souhaitez développer davantage vos compétences avec le stylo et l'encre, il vaut vraiment la peine d'envisager d'autres techniques d'ombrage et de fabrication de marques telles que l' hachure, le croisement, le griffonnage, le pointillage, Les lignes de contour, etc. Pour les projets de ce cours, nous utilisons principalement stylo et une encre pour définir les contours extérieurs, définir des arêtes et ajouter une petite quantité de détails. Nous ne cherchons pas vraiment à faire beaucoup d'ombrage ou de développer des valeurs avec notre stylo, peut-être très peu. Mais parce que nous allons apporter de l'aquarelle et que nous allons combiner deux supports différents, nous ne cherchons pas vraiment à décrire excessivement avec l'un ou l'autre d'entre eux. Parce que si c'est le cas, notre pièce va paraître trop décrite et exagérée. Je vais en parler davantage dans la classe numéro cinq. Mais il est important que vous sachiez que chaque fois que vous répétez une ligne ou une marque encore et encore, vous allez créer une texture visuelle. Il est important que vous le sachiez, car souvent, lorsque vous travaillez avec du stylo et de l'encre, parce que nous posons des lignes et des marques, nous pouvons accidentellement créer une texture visuelle que nous n'avions pas l'intention de le faire. à créer. Ou d'autre part, vous pouvez simplement commencer à rendre les choses un peu trop désordonnées parce que vous commencez à poser trop de lignes et de marques et il n'y a pas de cohérence dans votre groupes. Gardez un œil sur cela parce que vous ne voulez pas commencer à donner un aspect poilu à l'une de vos fleurs parce que vous répétez une réplique encore et encore. Réfléchissez simplement aux types spécifiques de lignes et de repères que vous créez avec votre stylo avant de les poser et à la quantité que vous définissez qu'ils puissent communiquez la texture et les détails que vous cherchez réellement à décrire. Vous pouvez rester loin d'ajouter plus que ce qui est vraiment nécessaire. C'est tout pour cette classe. Si vous avez réussi, félicitations. J'ai hâte de vous voir dans le prochain cours, qui portera sur des conseils essentiels pour la peinture à l'aquarelle pour savoir que non seulement vous aideront à réussir avec les pièces que nous ont travaillé ensemble dans ce cours, mais ils vont vous aider à obtenir d'excellents résultats avec d'autres pièces aquarelles sur lesquelles vous pourriez choisir de travailler à l'avenir. On se voit là-bas. 5. Lignes et fleurs lavis: Bonjour et bienvenue dans cette classe où je vais partager quelques conseils incontournables sur la peinture à l'aquarelle. Ils vont vous aider à réussir avec vos derniers morceaux sur lesquels nous allons travailler ensemble dans ce cours, mais ils vous seront également utiles si vous commencez avec ce support, car ils s'appliquent vraiment à n'importe quel type d' aquarelle sur lequel vous pourriez décider de travailler à l'avenir et ils vous aideront à commencer à bâtir une base solide de connaissances dont sauter. commencez à bâtir sur. Allons de l'avant et sautons tout droit. La première chose à comprendre est que l'aquarelle est un milieu translucide ou transparent, par opposition aux supports de peinture opaques tels que l'acrylique ou les huiles. Nous ne cherchons vraiment pas à couvrir notre substrat, qui dans ce cas, notre substrat est du papier sur lequel nous peignons avec d'épaisses couches de peinture. Lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, nous cherchons à intégrer cette luminosité de ce papier sous la peinture dans le cadre de la peinture. Tout au long du processus de peinture, nous continuons à modifier la consistance de la peinture en ajoutant plus ou moins d'eau selon que nous voulons utiliser cette peinture de manière plus foncée, en recouvrant plus de papier ou si nous voulons utiliser la peinture de manière plus légère et plus translucide, ce qui couvre moins de papier. Si nous voulons utiliser nos couleurs manière plus foncée et couvrir plus de papier, nous ajoutons simplement plus de peinture et moins d'eau dans nos mélanges de couleurs. Si nous voulons créer des couleurs plus claires ou plus translucides, nous ajoutons plus d'eau à nos mélanges de couleurs. Nous pouvons également approfondir et assombrir certaines zones en travaillant dans des calques et superposant davantage de couleurs dans les zones que nous voulons assombrir ou en faisant tomber plus de couleurs avant calque précédent. commence à sécher. Pour résumer ce point, tout au long du processus de peinture à l'aquarelle, nous changeons et modifions constamment les rapports entre la peinture et l'eau dans nos mélanges de couleurs en fonction des effets que nous en sommes à ce moment-là. point clé numéro deux que je veux partager avec vous en ce qui concerne le travail avec l'aquarelle, c'est qu'il est généralement préférable de travailler des lumières aux sombres. Comme je l'ai déjà dit, lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, nous incorporons cette luminosité du papier dans notre pièce. Lorsque vous travaillez avec de l'aquarelle, la blancheur de ce papier va nous aider à créer nos points forts. Il est en place pour nos zones de valeur les plus légères, nos points forts les plus lumineux. C'est pourquoi il est très important de planifier des formes en surbrillance et de garder ces zones protégées et découvertes de peinture tout au long du processus de peinture. Beaucoup d'artistes aquarelles trouvent le fluide de masquage un outil très utile car il leur permet de protéger leurs reflets tout en étant capables de travailler un peu plus librement, et ils n'avez pas à vous soucier de masquer ces points forts. Lorsque je travaille sur des calques, c' est-à-dire généralement lorsque je cherche des niveaux de réalisme plus élevés avec des pièces d'aquarelle, au départ, j'ai des couleurs très claires, pâles, translucides et ébahies, et je me dirige progressivement vers des couleurs plus sombres plus saturées ou des mélanges de couleurs qui contiennent moins d'eau et plus de peinture dedans. Cela me donne plus de contrôle, car rappelez-vous qu'il sera toujours plus facile d'entrer et s' assombrir que d' entrer et d'éclaircir. Lorsque vous travaillez avec de l'aquarelle, les erreurs sont très difficiles à corriger car une fois que ce pigment est absorbé par ce papier, il n'y a pas de retour à la blancheur que le papier avait autrefois. Pour les pièces sur lesquelles nous allons travailler ensemble dans ce cours, nous ne ferons vraiment qu'une seule couche d'aquarelle. C'est parce que nous gardons les choses lâches et expressives avec ces pièces florales, et nous allons également combiner l'aquarelle avec le stylo et l'encre. Nous ne voulons pas en faire trop avec l'un ou l'autre des moyens. Nous voulons créer un bon équilibre avec les deux médiums, et je vais vous donner des conseils sur façon de le faire lors du prochain cours. Cependant, tout cela s'applique toujours, et je vais vous montrer comment le faire même en morceaux plus rapides et plus expressifs en préparant deux mélanges de couleurs différents pour chaque section de notre fleur, un mélange de couleurs plus clair et un mélange de couleurs plus foncées, et tombant dans cette deuxième couleur plus foncée alors que cette couche initiale plus claire est encore humide. astuce clé d'aquarelle numéro trois va être, pour faire attention à ne pas surcharger votre pièce. Lorsque vous peignez avec ce support, il est incroyablement facile de commencer à surtravailler votre peinture. Ce mot « surmenage » signifie des choses différentes pour différents artistes. Pour certains artistes, en particulier ceux qui travaillent avec des styles plus expressifs et plus lâches, le surmenage peut signifier simplement trop de décrire un sujet. Pour un artiste qui travaille avec une seule couche, qui garde toujours les choses minimales très expressives et lâches, travaillant en cinq ou six couches différentes et essayant de décrire chaque peu de détails pour atteindre les plus hauts niveaux de réalisme peuvent être qualifiés de surmenage. Dans ce cas, c'est simplement trop décrivant, mais le surmenage peut également faire référence au début d' endommager votre papier. Lorsque nous commençons tout juste à utiliser ce milieu et que nous commençons tout juste à développer notre contrôle de l'eau, et que nous n'avons pas compris comment travailler correctement en couches si nous le souhaitons, cela peut être très, Il est très facile de commencer à endommager notre papier et même de faire des trous dedans, surtout si nous travaillons sur du papier aquarelle plus fin. éviter d'endommager votre papier aquarelle, c'est simplement en pratiquant votre contrôle de l'eau, dont je vais parler plus tard, et aussi en appliquant de la peinture en toute confiance, qui ne vient vraiment qu' avec le temps et la pratique, et qui englobe les effets irréguliers organiques que crée la peinture aquarelle. L'une des beautés de ce médium est qu'il n'y a qu'une certaine quantité que vous pouvez contrôler. aquarelle a un esprit propre, et il y aura toujours certaines choses que vous n'avez pas anticipées ou qui vous surprendront. Bien souvent, il est préférable d' embrasser ce qui se passe sur le papier, de permettre à cette peinture de faire sa propre chose et de la laisser autant que possible. Plus vous essayez de vous battre avec la peinture ou de « corriger ou parfaire » chaque chose qui se passe, plus il est probable que vous obtiendrez des résultats surmenés. Rappelez-vous toujours que si vous travaillez sur des calques, il est très important de laisser sécher complètement cette couche précédente avant de commencer par la suivante. Astuce clé pour réussir lorsque vous travaillez avec l'aquarelle numéro quatre, c'est-à-dire commencez à développer votre contrôle de l'eau. Tout au long du processus de peinture à l'aquarelle, nous devons constamment rester attentifs et continuer à vérifier la quantité d' eau que nous avons dans nos mélanges de couleurs sur notre palette afin de appliquez notre peinture dans un état plus translucide ou plus saturé, en fonction du ton et de la valeur que nous recherchons. Cependant, nous devons également faire attention à la quantité d'eau que nous avons dans nos poils de pinceau, car chaque fois que nous entrons dans notre réservoir d'eau, nous absorbons la teneur en eau que nous sommes en apportant sur notre papier ou dans nos mélanges de couleurs, les arrosant encore plus. Si nous n'y prêtons pas attention, nous pouvons facilement créer des arrière-plans dans nos peintures et éclaboussements parce que trop d'eau s'écoule de nos poils de pinceau, dérangeant cette peinture qui se dépose sur ce papier, et cela pourrait déjà être au milieu du processus de séchage. Nous pouvons également très rapidement et sans le savoir, commencer à rendre nos mélanges de couleurs sur notre palette extrêmement aqueux, en nous faisant utiliser plus de peinture que nécessaire car nous allons constamment trouver la nécessité de faire ressortir plus de peinture de notre palette dans le mélange de couleurs. Enfin, en plus de remarquer la quantité d'eau que nous avons dans nos mélanges de couleurs sur notre palette et dans nos poils de pinceau, il est également essentiel que nous commencions à faire attention à l' humidité de notre papier. aquarelle va toujours se développer sur du papier mouillé, et plus nous voulons qu'il y ait de mouvements, le papier doit être humide. Nous devons commencer à développer cette compétence pour remarquer les différents degrés d'humidité qu' un papier peut avoir afin d'obtenir les effets que nous voulons lorsque nous commençons à placer cette peinture sur du papier. Nous devons également remarquer quand le papier est arrivé à cet état semi sec maladroit, car quand c'est le cas, nous ne devrions vraiment plus travailler du tout. C'est une façon infaillible de revenir, en arrivant à des résultats surmenés. N'oubliez pas de continuer à vérifier et à faire attention à la quantité d'eau que vous avez dans trois zones ou objets différents tout au long de votre processus de peinture. L'un d'entre eux est vos mélanges de couleurs eux-mêmes, un autre est vos poils de pinceau et un autre est votre papier. Assurez-vous que la teneur en eau de ces trois zones est celle dont vous avez besoin pour que le processus de peinture atteigne les résultats que vous recherchez. Dans mon cours Watercolor 101 que j'ai déjà partagé ici sur Skillshare, j' approfondis ce sujet et je propose de nombreux exercices incontournables. Ils vont vous aider à commencer développer votre contrôle de l'eau. Je recommande vivement de le vérifier. La dernière astuce qui va vraiment vous aider à avancer avec l' aquarelle est de garder les choses propres et organisées. Vous voulez vous assurer que vous gardez les choses organisées votre palette de mixage, par exemple, quelque chose qui pourrait aider à garder couleurs chaudes séparés des mélanges de couleurs froides ou en gardant les neutres loin des couleurs vives et en veillant simplement à ce que vos mélanges de couleurs ne se mélangent pas, car cela peut entraîner des couleurs discrètes désaturées, et si vous recherchez le couleurs saturées, et ce n'est absolument pas un problème. Mais par exemple, pour nos pièces florales pour ce cours, nous voulons vraiment utiliser des couleurs saturées vives. Mais une autre chose est que vous voulez vous assurer que vous rincez complètement les poils de votre pinceau entre vos couleurs, surtout lorsque vous finissez de travailler avec une seule couleur et que vous êtes sur le point pour commencer à travailler avec une couleur très différente. Vous pouvez très facilement commencer à créer boue ou une couleur indésirable si vous avez encore une couleur antérieure dans les poils de votre pinceau et que vous entrez dans une couleur, c'est-à-dire que c'est gratuit, ce qui signifie qu'il est opposé dans la roue chromatique ou si vous avez un brun dans vos mélanges de couleurs et que vous entrez dans une couleur vibrante, vous pouvez également le couper accidentellement. Soyez très prudent et assurez-vous rincer complètement ces poils avant de commencer avec une nouvelle couleur. Enfin, la dernière chose que vous voulez vous assurer rester propre, c'est votre eau dans votre récipient. Vous voulez vous assurer de garder un œil dessus que lorsqu'elle commence à devenir trouble, vous la changez immédiatement parce que cette peinture et cette obscurité dans votre eau peuvent également affecter votre couleur. Certains artistes aiment utiliser deux contenants et même trois contenants pour que vous puissiez utiliser l'un d'entre eux pour rincer poils de votre pinceau entre les couleurs , de sorte que la majorité de cela le trouble reste dans cette eau, et vous pouvez utiliser votre autre récipient d'eau pour faire pénétrer de l'eau propre dans vos mélanges de couleurs, et pour toute autre technique nécessitant que vous utilisiez de l'eau propre. Mais quel que soit le cas, vous décidiez de travailler avec un conteneur, deux conteneurs, trois conteneurs ou plus, assurez-vous que votre eau est propre. Garder les choses propres et organisées vous aidera à obtenir couleurs plus vives dans vos pièces finales. Très bien, mon ami, félicitations si vous avez suivi ce cours, je suis ravi de vous voir dans le prochain cours dans lequel je vais vous expliquer quelques conseils clés et des informations qui sont vous aidera à combiner plus efficacement les lavages au stylo et à l'encre et à l'aquarelle et à obtenir résultats équilibrés qui ne sont pas surmenés. On se voit dans le prochain. 6. Lignes et fleurs lavis 6: Salut, mon ami. ce cours dans lequel je vais partager des conseils incontournables qui vous aideront à partager des conseils incontournables créer des pièces de lavage à stylo et à l'encre et à l'aquarelle à l'aspect génial et bien équilibré. Ce sont quatre éléments clés que j'ai toujours en tête lorsque je travaille sur ce type d'œuvres d'art qui ont aidé mon processus de création artistique à se dérouler beaucoup plus facilement et m' ont vraiment aidé à obtenir les meilleurs résultats. Avant de sauter dans les conseils, je veux expliquer pourquoi le stylo, l'encre et l'aquarelle sont une excellente combinaison de médiums artistiques. Tout au long de mon parcours artistique, j'ai exploré de nombreux supports de dessin et de peinture différents, et j'ai également combiné de nombreux supports différents pour créer des pièces mixtes. Je peux honnêtement dire que parmi toutes les combinaisons de médiums que j'ai essayées, mon préféré est le stylo, l'encre et l'aquarelle. La principale raison pour laquelle c' est parce que ces deux médiums se complètent incroyablement bien. Nous pouvons utiliser les forces des deux supports en combinaison pour créer des pièces bien équilibrées qui sont intéressantes et qui contiennent beaucoup de nous-mêmes car il y a tellement de choix différents et les façons de travailler, mais il y a beaucoup d' occasions d' intégrer davantage de nous-mêmes et de nos façons de faire les choses dans notre travail. Lorsque nous appliquons de l'encre sur du papier à l'aide d'un stylo à dessin, nous utilisons un support de dessin. Un stylo de dessin permet une plus grande précision, un meilleur contrôle, la possibilité de définir des arêtes, d'ajouter des détails et d' utiliser des lignes et des marques de différentes manières. Même si nous pouvons vraiment utiliser n'importe quelle couleur d'encre, nous utilisons souvent de l'encre noire en combinaison avec de l'aquarelle, ce qui permet à l' aquarelle de briller. L'aquarelle, en revanche, est un support de peinture, et l'une des beautés de l' aquarelle est qu'elle a son propre esprit parce que nous utilisons beaucoup d'eau. Nous sommes en mesure de créer ces effets magnifiques, organiques et moins contrôlés grâce à des lavages rapides de couleurs. En d'autres termes, nous utilisons notre support de dessin. Dans ce cas, il s'agit de nos stylos à dessin utilisant des lignes et des marques, et nous utilisons de l'aquarelle pour peindre plus grandes surfaces et des formes via des lavages. Cela dit, je vais partager mes quatre conseils principaux avec vous sur la combinaison du stylo et de l' encre avec de l'aquarelle. astuce numéro 1 consiste à vous assurer que vous choisissez les bons outils. J' en ai parlé un peu lors de la première classe dans laquelle je partage avec vous mes fournitures que je vais utiliser tout au long de ce cours. Mais il est extrêmement important que, si vous alliez un stylo, de l'encre et de l'aquarelle, vous utilisez un stylo contenant de l'encre imperméable qui ne se tachera pas lorsque vous ajoutez de la peinture et de l'eau sur le dessus. Lorsque vous travaillez sur n'importe quel type d'œuvres artistiques mixtes, vous voulez vous assurer que vos matériaux et fournitures réagiront bien les uns avec les autres tout au long du processus. En même temps, vous voulez vous assurer que votre œuvre d'art, surtout si vous y consacrez beaucoup de temps, est capable de résister à l'épreuve du temps. Si vous ne réfléchissez pas à façon dont ces différents supports vont réagir les uns avec les autres lorsque vous dessinez ou peignez, vous aurez probablement l'impression de devoir vous battre contre le substrat sur lequel vous dessinez votre peinture sur ou contre l'un des matériaux, et l'ensemble du processus peut s'avérer beaucoup plus frustrant. En même temps, si nous ne réfléchissons pas à la façon dont ces matériaux auront un impact l'un sur l' autre au fil du temps, fois que nous aurons terminé, ils peuvent certainement avoir un effet défavorable. réagir les uns avec les autres au fil du temps et faire en sorte que la pièce se détériore beaucoup plus rapidement. Passons à mon deuxième conseil, qui va vous aider à créer de belles pièces de lavage au stylo , à l'encre et à l'aquarelle, et celle-ci est pour réfléchir à la façon dont vous allez équilibrer les deux médiums avant de commencer. Comme je l'ai mentionné lors d'un cours précédent, lorsque nous allons créer une pièce mixte dans laquelle nous allons introduire deux ou plusieurs types de supports de dessin ou de peinture différents pour créer une même pièce, nous ne voulons vraiment pas trop décrire avec aucun d'entre eux. Nous voulons réfléchir à ce que nous allons faire et à la quantité de détails que nous allons ajouter à chacun car si nous n'y réfléchissons pas, il est extrêmement facile de continuer à ajouter et en ajoutant et en ajoutant tous vos différents médiums, et à la fin, vous pouvez arriver à une paix qui est trop décrite et exagérée et peut-être même écrasante à regarder. Ce que je recommanderais aux débutants commencent leur voyage avec des œuvres d'art mixtes est toujours cinq minutes avant de commencer et de se demander combien de travail et même quelles sont les techniques que vous envisagez d'utiliser avec tous vos différents supports que vous envisagez d'apporter. Dans ce cas, par exemple, si nous utilisons un stylo, de l' encre et de l'aquarelle, et que ce sont les deux supports avec lesquels nous créons notre pièce mixte, quel pourcentage de travail suis-je Je vais faire avec mon stylo et encre et quel pourcentage de travail vais-je faire avec l'aquarelle ? Est-ce que ça va être 50-50 ? 30-70 ? 60 à 40 ans ? Répondre à cette question et décider au moins d'une manière générale, combien vous allez faire avec chaque support et vous assurer garder cela à l'esprit tout au long la processus de dessin et/ou de peinture, il y a beaucoup plus de chances que vous obtiendriez un résultat équilibré, frais , expressif et que le spectateur voudra continuer à regarder. Prendre un moment avant de commencer avec n'importe quelle œuvre d'art pour vous poser ce type de question et faire vraiment attention à ce qui se passe dans le processus créatif et à savoir si cela vous aide. ne pas vous aider à obtenir les résultats que vous voulez, va vraiment vous aider à commencer vous découvrir en tant qu'artiste, et cela va vraiment vous aider à commencer développer le vôtre. processus créatif, qui est extrêmement excitant. Passons à l'embout clé numéro 3 pour avoir à l'esprit lorsque vous combinez un stylo, de l' encre et de l'aquarelle, et celui-ci est pour réfléchir à la question de savoir si vous allez faire votre stylo et votre encre. travaillez d'abord ou faites d'abord votre aquarelle. deux méthodes sont d'excellentes options, et elles dépendront finalement de ce que vous appréciez plus et de ce qui conduit aux effets que vous aimez le plus. Pour moi personnellement, j' aime commencer par un dessin qui contient déjà une certaine quantité de détails, en fonction de la quantité de travail que je vais faire avec l'aquarelle, je décidez si je vais ajouter plus ou moins de détails avec mon stylo et mon encre. Mais pour moi, il est juste logique de créer cette structure initiale en utilisant mon stylo et mon encre, puis d'y aller avec mon aquarelle. Cela m'aide à apporter un certain niveau de réalisme dans mon travail que j'aime, car je suis capable de passer plus longtemps d' abord à créer mon croquis préliminaire au crayon, puis à faire mon stylo et l'encre travaille sur cette esquisse préliminaire au crayon, et je suis capable de dessiner mes formes, d' obtenir mes proportions en bonne perspective et tout cela, ce qui est très important pour créer des niveaux de réalisme moyens à supérieurs. Une fois que je l'ai fait, je peux être plus lâche et plus expressif quand il s'agit d' utiliser ma peinture. Mais d'autres artistes aiment vraiment faire leurs lavages à l'aquarelle et leurs formes d'abord, puis ils apportent leur stylo et leur encre. C'est également génial. Habituellement, ce sont les artistes qui recherchent un look plus abstrait, un look très expressif, et ils recherchent moins de contrôle au départ, et ils recherchent la peinture à faire la majorité des personnes qui parlent. C'est vraiment un processus passionnant de jouer avec la peinture, voir ce qui se passe sur papier, puis, en fonction de ce qui s'est passé, vous pouvez prendre des décisions sur ce que vous allez faire dans les termes de votre travail de ligne et la création de votre marque au stylo et à l'encre. Je dirais qu'il s'agit d'un processus plus intuitif dans l'ensemble. Il peut s'agir d'un processus très excitant à explorer à coup sûr. Vous pouvez vous demander si vous aimez dessiner davantage, si vous aimez peindre davantage, ou si vous appréciez davantage un aspect contrôlé ou moins contrôlé. Créez ensuite une stratégie pour vous-même en fonction de cela. C'est très, très important. Peu importe le support que vous utilisez en premier, que ce soit au stylo et à l' encre ou à l'aquarelle. Assurez-vous de le laisser sécher complètement avant de commencer à complètement avant de commencer utiliser le support suivant. Si vous utilisez un stylo étanche à l'épreuve des taches et que vous le laissez sécher complètement avant entrer avec votre aquarelle, vous ne devriez pas avoir de bavures ou de bavures. Travaillez en couches et laissez-les sécher entre les deux. Passons à la dernière astuce que je veux partager avec vous dans cette classe, et c'est d'aller avec au moins une stratégie de base. Celui-ci va vraiment de pair avec les deux derniers conseils. Une fois que vous aurez décidé quantité de travail que vous allez faire avec chaque support, et quel support sera premier et quel support sera le deuxième, allez juste un peu plus profondément et demandez-vous quelles techniques spécifiques allez-vous utiliser avec chaque support, et dans quel ordre pensez-vous aborder chaque domaine ? Allez-vous ajouter en arrière-plan ? Allez-vous faire des superpositions ? Allez-vous utiliser des techniques alternatives d'ombrage ou de marquage au stylo et à l'encre alternatives d'ombrage ou de marquage telles que l' hachure, le croisement, le griffonnage, le pointillage, etc. ? Allez-vous utiliser des techniques humides sur mouillées ou humides sur sec lorsque vous peignez à l'aquarelle ? Pensez également aux couleurs spécifiques dont vous aurez besoin pour votre pièce. Prendre le temps de sélectionner et d'effacer vos couleurs et même les mélangeurs de couleurs que vous allez utiliser est très important car la couleur, comme je vais l'expliquer dans la classe numéro 7, va vous aider nous créons une pièce bien intégrée et harmonieuse . Mais ce que j'aime faire avant commencer avec une nouvelle pièce sur laquelle je vais passer un peu de temps, c'est que je me suis posé ces questions que je viens partager avec vous et j'en prends quelques note, et j'écris même des étapes pour moi-même, 1, 2, 3, 1, 2, 5. Ce que je vais commencer et comment je pense avancer dans mon processus, et tout cela m' aide énormément. Cela aide mon processus à se dérouler beaucoup plus facilement, et il est beaucoup plus probable que j'arrive à des résultats que j'adore. Prendre 5 à 10 minutes pour effectuer des travaux de planification et de préparation fait toute la différence dans le monde. Très bien, mon ami. Si vous avez réussi ce cours, félicitations. Je suis très enthousiaste à l'idée de passer à la prochaine classe dans laquelle nous allons dessiner des fleurs ensemble. Je vais expliquer comment simplifier trois fleurs différentes, une fleur de cône, une rose sauvage et une jonquille en formes simples, et comment commencer à travailler sur votre compétences de visualisation que vous pourrez ensuite les tirer de l'imagination, sous différents angles et perspectives. J'ai hâte de travailler ensemble sur notre dessin. On se voit dans le prochain. 7. Lignes et fleurs lavis en vrac 7: Bonjour et bienvenue dans la classe numéro 6 dans laquelle je vais partager comment simplifier les fleurs en formes basiques. Nous allons nous concentrer sur l'étude et la pratique des trois fleurs spécifiques que nous allons apporter dans notre projet final. Nous allons d'abord dessiner ces fleurs avec du graphite, puis nous allons les retracer avec du stylo et de l'encre afin que nous puissions nous entraîner avec nos stylos à dessin. J'ai recueilli quelques photos de référence différentes pour chacune des fleurs que nous devons pratiquer afin que nous puissions réellement étudier et observer leur structure et leurs principales caractéristiques. Je me suis assuré de compiler différentes photos pour chaque fleur afin que nous puissions les voir sous différents angles et perspectives. C'est important car nous allons pouvoir mieux comprendre la structure tridimensionnelle de chaque fleur et ses caractéristiques spécifiques. Vous allez pouvoir trouver toutes ces photos de référence que j'ai compilées pour vous dans l'onglet Projets et ressources de ce cours. Ces exercices sur lesquels nous allons travailler ensemble dans ce cours sont incroyables car ils vous aident développer votre capacité à simplifier ce que vous essayez de dessiner et que vous allez y aller pour pouvoir visualiser plus facilement ces fleurs que vous allez esquisser de l'imagination lorsque vous créez vos pièces finales. Allons de l'avant et sautons tout droit. Comme vous pouvez le constater, j'ai divisé l'une des pages mon carnet de croquis en trois sections. Je vais utiliser un de ces tiers pour mon coneflower, un autre tiers pour la rose sauvage et un autre tiers pour la jonquille. Je vais m'entraîner à dessiner chaque fleur en deux vues. La première vue sera une vue du haut comme si nous regardions la fleur vers le bas et la seconde sera la vue de profil comme si nous regardions cette fleur du côté exactement au niveau des yeux. N'oubliez pas que pour cet exercice, il s'agit vraiment de simplifier et de visualiser des formes simples. Ces deux capacités vont vous aider énormément fur et à mesure que vous progressez dans vos voyages de dessin et même de peinture. Allons de l'avant et commençons avec le coneflower. abord, je veux partager quelques photos avec vous et je voudrais souligner certaines caractéristiques majeures et comment je visualiserais cette fleur en particulier. Au niveau macro, lorsque je vois différentes images de cette fleur, j'ai l'impression que si je voyais cette fleur d' une vue de dessus en regardant la fleur, les pétales créeraient une forme de cercle. Ensuite, la partie centrale de la fleur est un autre cercle plus petit à l'intérieur de ce cercle plus grand. que je remarque, est que cette partie centrale de la fleur a beaucoup de volume. Vous pouvez voir comment ça surgit vraiment. Il a une hauteur qui monte vers le haut, bien au-delà des pétales. Pour que les proportions soient crédibles dans mon croquis, je tiens également à noter la différence de taille entre le cercle plus petit créé par la partie centrale de la fleur et le cercle plus grand créé par les pétales. Il y a certaines fleurs comme par exemple le tournesol, il a une énorme section centrale. Il existe d'autres types de fleurs dans lesquelles cette section centrale est relativement petite. Pour les coneflowers, je constate que ce cercle central est assez grand comparé aux pétales. Vous voulez remarquer comment la circonférence du cercle plus grand créé par les pétales se compare au cercle plus petit créé par la section centrale de la fleur. Cela vous aidera à obtenir des proportions correctes dans vos croquis. Mais il y a une gamme sur les photos que je vois, chez certains coneflowers, ces pétales sont plus longs, ce qui crée un cercle extérieur plus grand. Dans les autres coneflowers, les pétales sont plus courts, ce qui crée un cercle extérieur plus petit. Une autre chose que je remarque à propos de cette fleur est la façon dont les pétales tombent bas, créant cet effet parapluie. D'autres choses que j' aime vraiment remarquer, car ce sont des caractéristiques essentielles qui varient fleur à l'autre ou d'une plante à l'autre, sont les pétales des fleurs et le feuilles de fleurs. J'aime bien remarquer la forme, la taille et le nombre approximatif de pétales de cette fleur, et le nombre approximatif de pétales ainsi la forme et la taille de ses feuilles. Je dirais que les pétales de coneflower ont une taille moyenne pour eux. Ils ne sont ni trop courts ni trop longs, et ils ont des pointes assez arrondies. Quant au nombre de pétales, parfois je vais de l' avant et compte les pétales sur la photo de référence, d'autres fois je prends le temps faire un peu de recherches. Dans ce cas, je l' ai regardé et les coneflowers ont entre 15 et 20 pétales. Ce que j'ai remarqué à propos des feuilles de coneflower, c'est qu'elles ont une extrémité pointue et qu'elles ne sont ni trop courtes ni trop longues. Ils sont de taille moyenne, je dirais, et ils ont également tendance à se situer dans une fourchette. Ce qui signifie que sur certaines photos que j'ai vues, les feuilles semblaient un peu plus courtes et sur d'autres photos que j'ai vues, elles ont l'air un peu plus longues. Maintenant que nous avons pris le temps d'observer quelques photos de référence de coneflowers sous différents angles et perspectives, commençons par nos croquis. N'oubliez pas qu'il s'agit de simplifier, alors accordez tous les détails de taille moyenne et plus petite et concentrez-vous sur les plus grandes formes générales. La première esquisse sera la vue de dessus de la fleur coneflower. D'après ce que nous avons vu sur ces photos, nous pouvons avoir une très bonne idée que les pétales créeraient visuellement un cercle, et à l'intérieur de ce cercle plus grand, nous aurions un cercle plus petit créé par la partie médiane de cette fleur. Remarquez comment je fais de mon mieux pour garder mes croquis légers. C'est parce que je vais effacer ces formes initiales plus tard. Maintenant, si vous avez du mal à dessiner des cercles, ne vous inquiétez pas, c'est une question de pratique. Mes cercles ne sont toujours pas parfaits et je pratique depuis de nombreuses années, alors ne vous découragez pas. Continuez simplement à vous entraîner et ça viendra à vous. Le but de ces formes est simplement d'obtenir des proportions adéquates pour ces différentes parties de cette fleur. Il nous aide également à visualiser les zones dans lesquelles nous allons dessiner. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits et nous allons les effacer plus tard. Après avoir terminé cette esquisse de base pour cette vue de dessus du coneflower, je travaille maintenant sur la vue de profil de la fleur coneflower. Faites quelques visualisations. Fermez les yeux s'il le faut et imaginez à quoi ressemblerait cette fleur si vous deviez en tenir une devant votre visage et que nous en regardons une depuis une vue latérale ou de profil. Comme nous l'avons vu sur ces photos de référence, les pétales sont tombés dans ce type de fleur créant une forme de parapluie ou un demi-cercle. Nous avons également observé que cette section centrale située au milieu des pétales a un peu de hauteur. Nous pouvons également visualiser cette section centrale de la fleur sous la forme d'un deuxième demi-cercle ou d'un demi-cercle plus petit. Vous pouvez voir comment je l' ai empilé juste au-dessus de ce demi-cercle plus grand au milieu. Maintenant que j'ai mis en place ces formes de base qui vont vraiment m' aider avec les proportions et visualiser où tout va se trouver dans cette fleur, je vais maintenant obtenir a commencé par dessiner les pétales et d'autres détails. Dans cette partie du processus, je rappelle ce que j'ai observé dans ces photos de référence en ce qui concerne la forme de ces pédales, la quantité approximative de pétales dans ce type de fleur, ainsi que la longueur des pétales. Il n'y a pas beaucoup de réflexion sur la longueur des pétales parce que si nous avons déjà créé ce cercle central et le cercle extérieur, cet espace va me dire combien de temps Faites les pétales. En dessinant ces pétales, je rappelle les formes de pétales que j'ai vues sur ces photos de référence. Quelque chose que j'aime aussi faire est de sauter autour toute cette section de pétales et de créer des pétales qui se chevauchent. Au lieu de travailler dans le sens inverse ou antihoraire et de remplir mes pétales de cette façon, je saute autour du cercle entier. Cela m'aide à créer plus d'irrégularité dans l'ensemble des pétales, ce qui est si important parce que je ne veux pas que ces formes soient trop organisées ou trop structurées. En sautant autour du cercle entier, cela m'aide également à créer un aspect plus crédible de pétales qui se chevauchent et se regroupent. Ce sont des objets naturels organiques que nous dessinons et il devrait toujours y irrégularités et des imperfections. J'ai ajouté des détails mineurs dans la partie centrale de la fleur et c'est suffisant pour mon croquis au crayon. Il est maintenant temps de passer à la vue de profil. Comme vous pouvez le constater, je dessine les pétales à l'intérieur de ce demi-cercle plus grand. Pour celle-ci, je vais ajouter quelques pétales supplémentaires de chaque côté à l'extérieur du demi-cercle. Lorsque vous travaillez sur les vues latérales, rappelez-vous comment tous les pétales poussent à partir de cette section centrale. Lorsque vous les dessinez, n'oubliez pas qu'ils devraient avoir l' air d'être tous attachés à cette zone centrale. Ces pétales tombent vers le bas quand il s'agit de la fleur coneflower. En me dirigeant vers la gauche et la droite, les bords extérieurs des pétales sont de plus plus courbés lorsque je me dirige vers les deux côtés. Vous pouvez voir comment j'ai ajouté quelques pétales supplémentaires en dehors de ce demi-cercle. Je me suis assuré que ces deux pétales étaient différents et que, dans l'ensemble, il n'y a pas trop de symétrie présente tout au long de cette esquisse. Si vous faites paraître quelque chose de très parfait, ou très symétrique lorsqu'il s'agit d'objets organiques naturels, cela pourrait ressembler davantage à un dessin animé et ce n'est pas le style que je suis avec ces pièces. Après avoir terminé avec les pétales dans la vue latérale coneflower, j'ai ensuite ajouté dans la tige. Lorsque nous dessinons des fleurs sous différentes perspectives, il est important de se rappeler que la tige doit être alignée sur la partie centrale de la fleur. Une fois que j'ai fini mes croquis au crayon, il était temps de m' entraîner avec mon stylo. Il est super intelligent de s'entraîner et d'effectuer un travail d'échauffement avec les outils que vous allez utiliser pour les pièces finales. Ce que je fais ici, c'est que je suis un peu tracé sur mon travail de crayon. J'aime plutôt penser à ce processus comme une définition des bords plutôt que de décrire. De manière générale, nous voulons rester à l'écart des contours épais, audacieux et lourds. La raison en est que ces types de contours conduisent à la lourdeur et à la planéité. Encore une fois vers un look plus dessiné. Afin de rester à l'écart de cette lourdeur et de cette planéité, je le garde en mouvement. Je saute de pétale en pétale. Si je fais un zoom avant, vous remarquerez probablement que dans certaines sections, mes lignes ne se connectent même pas. Vous remarquerez qu'une fois que j'ai fini avec les pétales, lorsque je dessine ce cercle intérieur pour la partie centrale de la fleur, je crée un bord très irrégulier pour ce cercle. Cela va m' aider à communiquer cette texture dans la partie centrale de la fleur. Enfin, j'y vais et j' ajoute un peu de marquage pour décrire plus en détail la texture dans la partie centrale. Comme je fais tout mon travail de stylo et d'encre, je n'appuie pas trop fort et je n'hésite pas. vous bougez votre main lentement et plus vous hésitez, plus cette encre va couler le long de la plume de votre stylo, ce qui entraînera des lignes plus lourdes et plus rigides. Si j'ai de légères imperfections, et même des vacillations, c'est tout à fait correct. Je les laisse tomber, je ne m'inquiète pas trop à ce sujet. Il est préférable honnêtement d'avoir un peu d'imperfection et de vaciller, mais d'avoir des lignes plus fines, plus fluides et plus dynamiques qui ont une variation de poids de ligne plutôt que de ont un travail de ligne très lourd, très rude et très parfait. N'oubliez pas qu'il s'agit d'objets naturels organiques après tout. Nous avons besoin de cette irrégularité et de cette imperfection. Après avoir fini avec mon stylo et mon encre, j'ai laissé tout sécher complètement pendant environ 10 à 15 minutes, puis j'ai effacé tout mon travail au crayon l'aide de ma gomme à graphite douce. Comme vous pouvez le constater, j'ai pu très bien effacer tout mon travail de crayon. C'est parce que je me suis assuré de dessiner très légèrement. Très bien, amis, il est temps de passer à nos études sur la rose sauvage. Encore une fois, tout comme ce que nous avons fait avec cette première fleur, examinons quelques photos de référence que j'ai collectées, dont la rose sauvage ou les roses sauvages sont montrées de différents angles et perspectives, afin que nous puissions mieux comprendre la structure tridimensionnelle et les principales caractéristiques de ce type de fleur, afin que nous puissions mieux éclairer nos travaux et être capable de les puiser dans l'imagination. Je vais donc passer en revue tous les points que j'ai passés auparavant avec le coneflower. La première chose est que si je regardais cette fleur vers le bas , directement au-dessus de la fleur, j'ai l'impression que les pétales créeraient une fois de plus, une forme circulaire. Ensuite, nous avons cette partie intérieure de la fleur, juste au centre de ces pétales. Même si cette fleur n' a pas de structure très volumineuse dans cette section centrale, elle possède un pistolet long et une longue étamine qui pousse à partir d'un point plus petit pousse à partir d'un point plus petit situé juste au centre de La fleur. Je visualiserais donc une fois cette fleur au départ sous la forme de deux cercles, un cercle plus petit à l'intérieur d'un cercle plus grand, créé par les pétales. Ce que je remarque à propos des fleurs sauvages, c'est que certaines d'entre elles ont plus d'une couleur dans leurs pétales. Comme par exemple, celle que je partage actuellement à l'écran, cette section centrale est entourée d'une teinte jaunâtre. Alors que la majorité des pétales sont roses. Cela ne signifie pas que toute la zone entourée cet anneau qui a une teinte jaune est la partie centrale de la fleur. Parce que ce jaune est simplement la partie interne des pétales eux-mêmes. Si nous voyons d'autres fleurs sauvages comme celle-ci ici, qui n'ont qu'une seule teinte rosâtre dans leurs pétales. Vous pouvez voir comment cette section centrale et la structure sont plutôt petites par rapport à la taille des pétales eux-mêmes. Les pétales de la rose sauvage, je vois, sont différents, ils ont des bords très irréguliers, surtout le long des parties extérieures de ces pétales. Mis à part cette irrégularité le long des bords extérieurs des pétales de rose sauvage, une autre chose qui les rend très différents des pétales de coneflower, c'est que ces pétales sont beaucoup plus gros et ils ne sont que cinq par rapport aux 15-20 pétales présents dans les coneflowers. qui différencie également ces pétales des pétales de coneflower, c'est qu'ils sont en fait courbés vers le haut. Lorsque les pétales de coneflower sont courbés vers le bas. Ils étaient tombés vers le bas pour créer cet effet de parapluie. Dans ce cas, ces pétales créent davantage une forme de parapluie inversée. Enfin, en regardant les feuilles de roses sauvages, nous remarquons que les bords de ces feuilles sont ce qu'on appelle des dents. Vous pouvez voir à quel point leurs bords sont épineux et non lisses. Ils ont une forme d'amande pour eux. Ils sont pointus à la pointe. Ils sont de taille moyenne, ni trop courts, ni trop longs. Ce que je remarque également, c'est qu'il y a plusieurs feuilles qui sortent d'une seule tige. Avec ces informations à l'esprit, continuons et travaillons sur nos croquis. Commençons d'abord par le travail au crayon. En ce moment, je pose ce premier cercle plus grand, puis je vais ajouter le cercle plus petit pour cette partie centrale de la fleur. Ici, vous pouvez voir comment j'ai rendu ce cercle plus petit que le plus petit cercle du coneflower parce que j'essaie obtenir ces proportions correctes pour les fleurs sauvages. C'est la vue de dessus simplifiée très basique. Travaillons maintenant sur la vue latérale ou la vue de profil. Ce que nous avons appris en regardant ces photos, c'est que les pétales créent cette forme de parapluie inversée. Selon l' ouverture de la fleur, elle peut ressembler davantage un demi-cercle complet ou à une forme de bol. Comme ce que je montre ici. Ce petit cercle que j'ai ajouté au milieu de cette forme de bol n'est qu'une indication de la partie centrale de la fleur où le pistolet et l'étamine vont pousser. Il est maintenant temps de décomposer ces grandes formes en formes de taille moyenne. commençant par la vue de dessus ici, nous remarquons que les fleurs sauvages ont cinq pétales. Ce que je fais, c'est que j'ajoute cinq ovales ou cercles à l'intérieur de ce cercle plus grand afin de pouvoir diviser ce cercle plus grand en sections et visualiser où je vais dessiner mes différents pétales. En ajoutant ces ovales ou ces cercles, je peux être sûr que plus tard, quand viendra le temps de dessiner mes véritables pétales, ils auront la taille que j'ai besoin d'eux, ils seront là où j'ai besoin qu'ils soient situés, et ils auront juste le bon niveau de chevauchement entre eux. Ensuite, j'ai fait exactement la même chose pour la vue latérale. Bien sûr, pour la vue latérale, nous ne voyons certains pétales et certaines parties d'autres pétales. Mais tout comme ce que nous avons fait avec la vue latérale des coneflowers, il est très important de garder à l'esprit que tous les pétales se développent hors de cette section centrale. Assurez-vous donc qu'au fur et à mesure que vous dessinez ces formes, elles semblent toutes sortir de cette section centrale et ont l'air de se connecter dans cette section centrale. Notez que les pétales extérieurs du bord gauche et du bord droit sont des ellipses plus longues ou plus plates, et que le bord externe est plus courbe, alors que le pétale central est plutôt un ovale régulier écrasé. forme. Ensuite, je viens d'ajouter quelques petites formes de pétales qui regardent derrière ces pétales avant que nous puissions voir davantage. Enfin, avec ces formes moyennes ajoutées, il était temps de passer à mon stylo. Je vais faire exactement la même chose que lors de la précédente étude sur les fleurs. Je suis en train de définir les bords, mais comme vous allez le remarquer, j'ajoute plus de détails, ce qui rend les choses un peu plus irrégulières, surtout le long des bords extérieurs de ces pétales, et aussi le long des bords extérieurs de ce cercle central plus petit. Pour cette fleur, vous pouvez voir comment j'ai ajouté quelques techniques de marquage pour décrire la grande étamine qui pousse à partir de cette section centrale. Mais je fais de mon mieux pour que cela reste relativement simple. Remarquez comment, dans la vue de profil, j'ai veillé à ce que la tige soit alignée sur la partie centrale de la fleur. C'est très important. Enfin, comme pour la première, j'ai laissé tout sécher pendant environ 10 à 15 minutes, je suis entré avec ma gomme à graphite douce pour effacer tout mon travail au crayon. Parce que je me suis assuré de dessiner à la légère, j'ai pu tout effacer très bien. Enfin, je passe à la jonquille. Je vais partager quatre photos de jonquilles avec vous afin que nous puissions les observer et étudier leur structure avant lancer dans notre pratique de croquis. Comme vous pouvez le constater, cette fleur a une structure très différente de celle des deux précédentes. Cette fleur a ce qu'on appelle une forme de trompette ou de cône au milieu, ou ce que j'aime appeler une forme de mégaphone. Cette structure conique ou mégaphonique protège le pistil et l'étamine dans la partie centrale de la fleur. Il a également un peu de hauteur, même plus que la hauteur de cette structure centrale dans le coneflower. C'est presque comme s'il s'agissait de deux fleurs en une, deux structures distinctes qui sont attachées. Ce que je remarque également à propos des jonquilles, qui les rend très différents des autres types de fleurs, c'est qu'elles ne sont pas orientées vers le haut, comme la plupart des fleurs, ou comme la plupart des fleurs, ou légèrement inclinées d' un côté ou du autres. La partie supérieure de la tige se penche de façon à ce que la partie pétale de la fleur soit complètement orientée vers un côté ou vers un autre côté. La fleur n'est pas orientée vers le haut comme les deux autres. Cependant, si cette fleur était orientée haut et que nous regardions cette structure vers le bas, nous verrions encore un cercle plus grand créé par les plus grands pétales et un cercle plus petit créé par cette forme de trompette ou de mégaphone. Les pétales de cette fleur sont très différents des deux autres , même si nous y voyons six pétales. Ce sont certainement des pétales plus gros mais pas aussi ronds que les pétales de la rose sauvage. Ils n'ont pas beaucoup d'irrégularité sur les bords extérieurs, comme le fait la rose sauvage. Cependant, les bords de la forme de la trompette ou du mégaphone sont très, très irréguliers. Vous pouvez voir comment les bords extérieurs de cette forme de trompette sont courbés vers l'extérieur. Enfin, en termes de feuilles, elles sont également très différentes des feuilles des fleurs précédentes. Ces feuilles sont très longues et étroites. Alors, en gardant toutes ces informations à l'esprit, commençons par notre pratique d'esquisse pour la jonquille. En commençant par la vue de dessus, je crée mes deux cercles. Le cercle plus grand créé par les pétales et le cercle plus petit créé par la circonférence de la forme de trompette ou de mégaphone au milieu. En dessinant ces deux cercles, j'ai essayé de garder en tête les proportions que j'observais. Alors, comment la circonférence du cercle plus petit se compare-t-elle à la circonférence du cercle extérieur ? Il était alors temps de passer à la version simplifiée de la vue latérale de la jonquille. La première chose que j' ai faite a été de visualiser à quoi ressembleraient les pétales les plus plats d' une vue latérale ou de profil. J'ai donc d'abord dessiné cet ovale aplati. Une fois que j'ai créé cette base ovale aplatie, j'ai ensuite ajouté cette forme conique ou mégaphone juste au centre. Je me suis assuré que cette forme de cône ou de mégaphone avait une bonne hauteur, et que lorsque je compare la taille de ces deux parties de la fleur l'une à l'autre, les proportions ont du sens. Il est maintenant temps de diviser cette forme générale plus large en formes de taille moyenne. Comme nous l'avons vu, les jonquilles ont six pétales assez gros mais pas aussi ronds ni larges que les pétales de la rose sauvage. Ici, vous allez me voir ajouter six formes ovales à l'intérieur de ce cercle. Je veux m'assurer que mes pétales se chevauchent légèrement, alors je m'assure que ces ovales sont légèrement touchants. Vous allez également me voir ajouter une ligne irrégulière supplémentaire à l'intérieur de ce cercle plus petit et c'est pour que je puisse commencer à visualiser où le bord supérieur ou la lèvre supérieure de cette trompette la forme courbée se déplace vers la vue latérale ou la vue de profil. Encore une fois, il s'agit d'un exercice de visualisation. Compte tenu de tout ce que j'ai appris sur les jonquilles, je visualise à quoi ressemblerait cette fleur lorsqu'elle est vue de côté. Comme pour les autres fleurs, il y a certains pétales et certaines parties de la structure que nous ne pouvons pas voir depuis cette vue de profil. Que pouvez-vous voir de cette vue latérale ? Comment les formes de ces différents pétales et la structure centrale changent-elles de ce point de vue ? Avec celui-ci, je peux voir au moins trois pétales et j'ai ajouté une petite partie supplémentaire des deux pétales à l'arrière regardent derrière ces pétales à l'avant. Avec mes croquis au crayon prêts, il est temps de passer à mon travail de stylo et d'encre. Je commence avec la vue de dessus et toutes les mêmes choses entrent en jeu que j'ai partagées jusqu'à présent avec les deux autres fleurs, je m'assure de la garder fluide, maintenir en mouvement, vous pouvez voir comment je pense vraiment créer cette variation de poids de ligne, il y a certaines sections dans lesquelles mes lignes ne se connectent même pas. J'embrasse ces légères imperfections et vacillations qui se produisent et je commence aussi à ajouter un peu plus de détails, surtout dans cette partie centrale de la fleur. commence à penser aux petites lignes et marques que je vais utiliser dans mes dernières pièces pour décrire le pistil, l'étamine, la texture et les caractéristiques de cette section centrale. Avec la vue latérale, j'ai veillé à ajouter la tige en alignement avec la partie centrale de la fleur. J'ai ensuite laissé tout sécher et j'ai tout effacé avec ma gomme à graphite douce. Juste pour terminer ces études, je vais ajouter très rapidement quelques feuilles pour chaque fleur, car je veux absolument ajouter quelques feuilles dans mes derniers morceaux. Je veux donc faire entrer cette pratique aussi. Vous allez me voir faire un premier croquis dans ces feuilles crayon et une fois que je les ai esquissées au crayon, je vais définir mes bords avec mon stylo et mon encre. Je pense à ce que je me souviens être vrai à propos des feuilles de coneflower. Je me souviens qu'ils ont une longueur moyenne, je me souviens que les pointes sont relativement pointues et que les bords sont lisses. Vous allez me voir ajouter la plus grande veine centrale de ces feuilles. Dans cette feuille que vous me voyez dessiner en ce moment, j'ai ajouté une ligne supplémentaire et c'est juste pour que je puisse créer l'illusion de cette partie de cette feuille qui s'incline, ou que cette feuille se trouve dans une perspective légèrement différente de celle de l'autre feuille. Nous sommes donc en mesure de voir un peu le dessous de cette feuille. C'est quelque chose que vous pouvez faire lorsque vous voulez créer ce type d'illusion avec n'importe quelle autre feuille. Passer aux feuilles de la fleur sauvage. Comme je l'ai déjà mentionné, la fleur sauvage a des feuilles plus petites qui sont toutes attachées à une même tige. Nous remarquons également que les bords extérieurs des feuilles de la fleur sauvage ont une dent à elles. C'est quelque chose dont je vais vraiment devoir me souvenir lorsque j' encrerai ça. Ce bord pointu et denté de ces feuilles est très particulier à cette fleur et il est également présent dans les roses ordinaires. J'aime penser à ce bord de dent comme un zigzag modifié. Il est très utile avant de commencer à remarquer où se dirige le point de cette dent afin que vous puissiez garder cette direction cohérente dans toutes vos feuilles. Ces « dents » ou petites extrémités pointues ne vont pas vers la fleur ou vers la tige principale, mais elles pointent vers l' extérieur de la fleur. Ici, je vais ajouter une autre de ces sections supplémentaires dans cette feuille la plus basse afin que je puisse avoir un peu de diversité en perspective ici. En ajoutant certaines de ces feuilles dans des perspectives différentes, nous pouvons, encore une fois, rester loin d'un aspect plat. Enfin, je dessine les feuilles de la jonquille, qui sont longues et étroites. Ceux-ci, j'imagine plutôt des serpents aux extrémités pointues. Alors que je dessine ces formes longues, je m'assure qu' il y a beaucoup de variété en termes de longueur, de façon à ce qu'elles courbent, et j'ai également ajouté dans ce feuille plus courte qui se plie différemment. Cette variété va aider ce croquis à paraître plus naturel et plus intéressant. Mon ami, si vous avez réussi ce cours, félicitations. Si vous avez travaillé sur ces exercices, vous serez maintenant bien mieux équipé et prêt à travailler sur vos dernières pièces. Je suis très enthousiaste à l'idée de passer au prochain cours avec vous au duquel nous allons parler, choisissant les différentes couleurs que nous allons utiliser pour nos différents morceaux de fleurs, et je vais également parler de la façon dont nous allons mélanger les couleurs dans nos pièces finales afin que le processus final soit plus fluide et que nous puissions obtenir de meilleurs résultats. Excellent travail et j'ai hâte de vous voir dans le prochain. 8. Lignes et fleurs lavis en vrac 8: Hey, et bienvenue dans cette classe dans laquelle nous allons travailler sur le choix des couleurs que nous allons utiliser dans nos pièces finales. Je vais également fournir des informations clés qui sont très importantes en termes de consistance et de quantité de mélanges de couleurs. Vous voulez maintenant vous assurer de vous préparer pour vous-même afin que le processus vos pièces finales puisse se dérouler beaucoup plus facilement et que vous puissiez obtenir de meilleurs résultats. Je suis un grand fan de planifier les couleurs que je vais utiliser pour une nouvelle pièce, et de garder ma palette de couleurs limitée. Il y a deux raisons différentes à cela. La première est que la couleur est un élément d'art incroyablement important et qu' elle joue un rôle important dans la création d'une composition visuelle ou d'une œuvre d'art harmonieuse et cohérente. Si nous choisissons des couleurs au hasard tout au long du processus de peinture, en particulier en tant que débutants, alors que nous commençons tout juste apprendre la roue chromatique et la théorie des couleurs, il y a une forte probabilité que nos œuvres d'art vont manquer d'intégration. La deuxième raison pour laquelle je pense qu' il est extrêmement important, surtout pour les débutants de planifier leurs couleurs s' ils veulent utiliser pour une nouvelle pièce, c'est qu'en planifiant et en regardant différentes couleurs et mélanges de couleurs que nous allons utiliser, il est beaucoup plus probable que nous puissions rester à écart de la boue et des couleurs indésirables. Pour ces dernières pièces en particulier sur lesquelles nous travaillons dans ce cours, nous voulons nous assurer que nous cueillons des couleurs qui vont de pair avec ce à quoi ces fleurs ressemblent réellement, et nous voulons également nous assurer que nos couleurs sont vives, vives et vives. Pour ces pièces de ce cours, je vais utiliser mon kit aquarelle Daniel Smith. Je vais commencer par le travail de planification et de préparation de mes couleurs que je vais utiliser dans ma pièce de fleurs de coneflower. J'ai décidé d'aller avec des pétales jaunes pour celui-là. J'utilise mon pinceau rond taille 10, ce qui est confortable pour moi lorsque je crée ces mélanges de couleurs, et je prends un peu d'eau à la fois dans mon contenant, faisant pivoter mon pinceau humide dans ma peinture et fait ressortir un peu de peinture à la fois dans cette zone de mélange de ma palette. Ce que je veux faire, c'est de préparer deux couleurs différentes pour les pétales de chaque fleur afin d'avoir une belle variation de couleur et aussi une variation de ton sur ces pétales. Et avec le ton, vraiment, tout ce que je veux dire, c'est que je veux que certaines sections de mes pétales soient plus claires et que d'autres sections soient plus foncées, et cela vaut également pour toutes les différentes parties de la fleur. Si la fleur a une zone centrale qui a une couleur différente de celle des pétales, comme le coneflower et la rose sauvage, je vais également préparer deux couleurs différentes pour cette zone centrale afin que je puisse également avoir cette variation couleur et de ton dans cette zone. Enfin, quand il s'agit de la tige et des feuilles, je souhaite également me préparer deux mélanges de couleurs vertes différentes. Je veux avoir un vert plus foncé et un vert plus clair. En me préparant à différentes couleurs pour chaque zone, cela va me permettre de donner à toutes ces différentes parties pour ces trois fleurs une dimension ou une sensation de lumière et d'ombre. Même si je cherche un look ample et expressif, qui n'a pas de très hauts niveaux de réalisme en préparant simplement quelques couleurs différentes ou variations de la même couleur pour chaque zone, cela va m'aider à créer ce sentiment de dimension dans la fleur. Je vais aussi pouvoir jouer un peu plus avec la couleur et apporter ces effets intéressants que l'aquarelle permet, ces saignements, ces fleurs, ces transitions entre différentes couleurs. Je vais maintenant vous faire savoir exactement quelles couleurs j'ai choisies pour mes mélanges de couleurs pour cette première fleur. Comme je l'ai déjà dit, il n' est pas nécessaire d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que j'utilise. Vous pouvez utiliser toutes les couleurs que vous avez les plus similaires à celles-ci, ou si vous voulez faire de vos pétales de coneflower une couleur complètement différente de la mienne, vous pouvez également le faire. Ce premier mélange de couleurs orange sur ma palette en haut est un mélange de nouveau gamboge et d'écarlate profond. Jaune et un peu de rouge car je voulais créer une couleur orange. La couleur en dessous est juste un nouveau gamboge, qui est mon jaune que j'ai utilisé pour mon mélange de couleurs précédent, plus un peu d'eau. Juste en dessous, j'ai mon mélange vert foncé, vert uni sous-marin de Daniel Smith, qui est un vert olive très foncé, profond et riche. C'est vrai, j'ai créé mon mélange de couleur vert clair, qui est un mélange de vert sous-marin et de lumière jaune hansa. En ajoutant ce jaune dans ce vert foncé, j'ai pu créer un vert plus clair. Enfin, pour cette partie centrale de mes coneflowers, j'ai préparé quelques bruns différents, et j'ai créé ces petites flaques d'eau brune dans une section séparée de ma palette de mélange de couleurs parce que je Je ne voulais pas que ces bruns commencent à se mélanger avec mes autres couleurs parce que cela désaturerait mes autres couleurs, ou les mettrait en sourdine, et comme je l'ai dit, je veux que ma couleur reste belle, brillante et vibrante pour ces fleurs. Mon premier brun clair, qui est un brun rougeâtre, est simplement une sienne brulée avec un peu d'eau ajoutée, et la sienne brune plus foncée est brûlée et la sienne brune plus foncée est brûlée, plus une petite teinte neutre est ajoutée, qui ressemble à un brun plus foncé et chocolaté. La teinte neutre est un gris foncé qui peut être ajouté aux couleurs pour les assombrir. Si vous n'avez pas cette couleur, une excellente option pour la remplacer serait un gris Payne. Vous pouvez même utiliser un noir comme le noir ivoire ou le noir de lampe si vous n'en avez qu'un seul. Ici, je ne fais que étiqueter les différentes couleurs que j' ai choisies afin de pouvoir m' assurer d' utiliser les bonnes couleurs quand vient enfin le temps de créer ces dernières pièces. Il est temps de choisir les couleurs que nous allons utiliser pour notre pièce de roses sauvages. La même chose que j'ai mentionnée pour les mélanges de couleurs coneflower, allez-y aussi. Nous voulons nous assurer créer deux couleurs différentes ou deux versions différentes de notre couleur pour chaque partie de la fleur. Remarquez à quel point les mélanges de couleurs que je me prépare sur ma palette sont juteux . Il y a une bonne quantité de pigments et de saturation des couleurs, mais ils contiennent également une bonne quantité d'eau. Vous pouvez voir le mouvement et le flux créés par cette teneur en eau dans ces flaques d'eau sur ma palette. C'est la cohérence que vous recherchez. Dans mon premier cours Skillshare intitulé Watercolor 101, je parle des différentes consistances que vous pouvez utiliser de la peinture aquarelle que vous devez absolument connaître. Vous pouvez consulter ce cours si vous souhaitez en savoir plus sur la consistance de la peinture à l'aquarelle. Mais il y a la consistance du thé, la consistance du café, la consistance du lait et la consistance du beurre. C'est essentiellement leur ordre qui va de la plus liquide ou de la plus aqueuse à la plus épaisse et la plus saturée. raison pour laquelle nous allons utiliser ces mélanges de couleurs est quelque chose comme une couleur à 50 % d'eau à 50 %, donc quelque part entre le café lait comme une consistance, c'est ce que vous recherchez. Il n'est pas nécessaire d'être très précis à ce sujet, mais vous voulez vous assurer que les mélanges de couleurs sur votre palais, petites flaques d'eau que vous créez pour vous-même, contiennent une bonne quantité de couleur en eux, sorte que vous n' avez vraiment besoin que d' une couche de couleur et d'un lavage rapide. Rappelez-vous que s'il y a trop d'eau dans vos mélanges de couleurs, il est fort probable que votre couleur apparaîtra assez pâle sur le papier. Vous allez ressentir le besoin d' utiliser une deuxième ou une troisième couche pour rendre cette couleur plus saturée et plus vibrante dans votre peinture, et nous essayons vraiment d'y aller avec cette couleur plus saturée et plus vibrante dans votre peinture, et nous essayons vraiment d'y aller avec un lavage rapide de la couleur après avoir fait notre travail de stylo et d'encre. Il est très important qu'il y ait une bonne saturation des couleurs, mais en même temps, nous voulons aussi de l'eau dans votre mélange de couleurs. Pourquoi ? Parce que si vous n' avez pas une bonne quantité d'eau, vous ne serez pas en mesure de charger efficacement vos poils de pinceau et de peindre rapidement. La dernière chose que je veux vous fournir en tant que conseil qui vous aidera à travailler plus efficacement sur votre pièce finale, c'est que vous voulez vous assurer que vous avez assez de vos différentes couleurs sur votre couleur. palette de mixage avant de commencer avec une nouvelle pièce, ou du moins avant de commencer avec une nouvelle zone de votre pièce. La raison en est que notre peinture va sécher rapidement, et si vous n'avez pas assez de mélange de couleurs prêt pour vous sur votre palette de mélange de couleurs, et vous devez créer plus de ce mélange de couleurs lorsque vous êtes au milieu de la peinture d'une zone spécifique de votre fleur, très probablement qu'autrement, vous restera un bord net défini autour la précédente la forme que vous avez peinte, et ce n'est pas forcément ce que nous voulons. Nous voulons pouvoir charger un pinceau et travailler rapidement, prendre plus de peinture dans notre palette et ramasser exactement là où nous nous sommes arrêtés afin que nous ne soyons pas restés avec ces marques étranges, ces lignes et textures. Les couleurs spécifiques que j'ai choisies pour la pièce de roses sauvages sont pour les pétales, je vais utiliser la rose quinacridone et l'outremer français. La première petite flaque de ma palette de mélange est une rose de quinacridone unie avec un peu d'eau. Le mélange de couleur violette est de la rose quinacridone un peu d'outremer français et un peu d'eau. Les bruns que j'ai préparés pour moi-même pour la zone centrale de la fleur, je l'ai sur l'autre partie de ma palette de mélange de couleurs pour la même raison que celle que j'ai mentionnée précédemment, je ne veux pas ces bruns pour entrer en contact avec mes autres couleurs parce que ça va les étouffer. Mais je vais utiliser ocre jaune uni comme brun doré plus clair et mon brun plus foncé va être une sienne brûlée. Enfin, mes verts seront exactement les mêmes pour les trois morceaux de fleurs. Je vais utiliser vert sous-marin plus la lumière jaune hansa pour mon vert clair et mon vert sous-marin uni comme vert foncé. Ici, je prends une fois de plus une petite seconde pour étiqueter toutes ces couleurs afin de savoir exactement ce qu'il faut atteindre quand vient le temps de travailler sur mes pièces finales. Passons à la sélection de couleurs de notre dernière pièce, qui sera la jonquille. Comme vous pouvez le constater, j'ai pris une petite seconde pour changer mon eau avant de commencer le processus de commutation car le jaune peut se salir très facilement avec de l'eau trouble car il est très léger. et des couleurs vives, et je veux m'assurer que les couleurs que je jure sont en fait ce à quoi elles vont ressembler dans la dernière pièce. Tout ce que j'ai partagé avec vous sur le mixage des couleurs jusqu'à présent, va aussi pour celui-ci. Je m'assure de préparer deux couleurs différentes pour chaque zone de la fleur. Beaucoup de fleurs de jonquilles que j'ai vues ont deux jaunes différentes ou deux couleurs différentes dans leurs pétales. La structure conique au centre est parfois d'un jaune plus foncé ou même d'un orange ou d'un rouge orangé sur certaines images que j'ai vues. Je voulais préparer un jaune et un orange jaune. Cependant, avec les jonquilles, elles n'ont pas de section centrale brunâtre ou même noire, comme le font les autres fleurs. Pour celui-là, je ne vais pas vraiment préparer de bruns. Enfin, les deux verts que je crée vont être exactement les mêmes que les deux autres fleurs. Pour les couleurs de mes pétales, je suis allé avec une lumière jaune hansa unie pour mon jaune plus clair, mon orange jaunâtre plus foncé va être hansa jaune lumière plus un peu de nouveau gamboge, et pour les verts de mes feuilles, je vais utiliser le vert sous-marin plus la lumière jaune hansa comme clair et vert sous-marin uni pour mon vert plus foncé. Avec cela, nous avons fini de sélectionner les couleurs que nous allons utiliser pour nos trois dernières pièces. Rappelez-vous tous les conseils que j'ai fournis dans ce cours lorsque vous mélangez vos couleurs et que vous avancez dans votre processus de peinture pour vos trois dernières pièces. Je suis très enthousiaste à l'idée de commencer enfin avec la première de nos trois dernières pièces, qui sera notre pièce de coneflower. Si vous êtes prêt à commencer votre première pièce finale et que vous êtes prêt à utiliser toutes les informations que vous avez acquises et les compétences que vous avez pratiquées jusqu'à présent, rejoignez-vous moi dans le cours suivant. Voir Voir là. 9. Lignes et fleurs lavis en vrac 9: Salut tout le monde, bienvenue dans la classe numéro 8. Nous commençons enfin avec la toute première de nos trois dernières pièces florales au stylo et à l' aquarelle. Ce premier sera le morceau de fleur de cône. Toutes les informations que j'ai partagées avec vous lors des cours précédents dans ce cours, et les compétences que nous avons pratiquées dans les cours pratiques seront mises à profit dans ces trois articles. En plus de cela, je vais partager quelques conseils sur la composition. Je vais expliquer certaines choses que j'ai toujours en tête lorsque je crée mon croquis préliminaire au crayon afin que mes pièces soient asymétriquement équilibrées et intéressantes à regarder. Sans plus tarder, allons-y et sautons tout droit. Commençons par la phase numéro 1, et nous allons passer par les mêmes trois phases pour toutes nos pièces finales. Pour la phase numéro 1, nous nous concentrons sur la création d'une esquisse au crayon préliminaire efficace qui essentiellement les os et la base des deux phases suivantes. Non seulement nous voulons dessiner la fleur du cône, en utilisant les techniques de simplification et de visualisation que je partageais avec vous auparavant, mais nous voulons également nous assurer que nous utilisons notre espace de dessin efficace et que la taille des éléments que nous dessinons, ainsi que leur disposition dans l'espace, conduiront à une composition bien équilibrée et intéressante . Je tiens à vous rappeler de dessiner le plus légèrement possible dans cette phase initiale afin que vous puissiez effacer les erreurs en cours de route afin que votre crayon ne soit pas visible à travers votre stylo, votre encre et votre aquarelle. se lave à l'extrémité et évite de rayer ou d'endommager votre papier. Donc, avant de commencer mon croquis préliminaire au crayon, je visualise ce à quoi je veux ressembler dans ma dernière pièce. Je savais donc déjà que j'ajouterais des fleurs à trois cônes dans cette pièce. Je savais également que je voulais que toutes mes fleurs coniques aient un angle ou une orientation légèrement différents dans l'espace. Je voulais que mes fleurs à trois cônes aient des angles ou des perspectives légèrement différents. Cela aurait non seulement l'air plus réaliste à la fin, mais aussi plus intéressant. rappelant les informations visuelles que j'ai recueillies à partir de ces photos de référence que j'ai partagées avec vous lors du cours précédent sur le dessin ces trois fleurs et en rappelant également le simple les formes qui m' ont aidé à visualiser cette fleur particulière dans cette classe et la méthode globale que je partage avec vous, je commence avec ce processus. Maintenant, comme vous vous en souvenez probablement dans la classe numéro 6, nous nous entraînons à dessiner ces trois fleurs partir de deux vues différentes ; regardant la fleur d'en haut, ainsi que d'une vue latérale ou de profil, aucune de ces trois fleurs coniques ne sera vue directement d'en haut. Cependant, en comprenant à quoi ressemble cette fleur de ce point de vue, je suis maintenant capable de déformer ce cercle initial. Je suis capable de l'écraser et de le transformer davantage en forme ovale ou en forme d'ellipse et incliner cette forme en fonction la perspective et de l'orientation que je veux réaliser. Ces simples dessins de vue de dessus et de vue de profil que nous avons créés au début nous ont permis de comprendre la structure de la fleur à partir de ces deux points de vue. Maintenant que nous avons compris cette structure et les principales caractéristiques de la fleur, nous pouvons aller plus loin et visualiser à quoi ressembleraient ces mêmes formes si la fleur avait un orientation légèrement différente dans l'espace, ou était plus orientée d' un côté que de l'autre côté, ou regardait un peu plus vers le bas ou vers le haut. Habituellement, ce que nous voyons des fleurs dans la vraie vie, qu'il s'agisse d'un bouquet ou d'un arrangement floral , ou que nous voyions des fleurs dans la nature, elles auront diverses orientations. Ils ne vont pas tous se tourner vers la même direction. Ils vont avoir des inclinaisons différentes, etc. Je veux vraiment jouer avec ces orientations car cela va aider ma pièce à paraître un peu plus naturelle et réaliste. Je veux également rester loin de la raideur et de la planéité. Selon l'orientation de la fleur que je voulais réaliser, je suis allé avec le cercle, j'ai appris lors de que j'ai appris lors de la première pratique dans laquelle nous regardions la fleur vers le bas. Si je voulais créer davantage une vue latérale, j'ai choisi le parapluie ou la forme en demi-cercle. La fleur en bas, comme vous pouvez le voir, est une combinaison des deux, j'ai ajouté dans les sections centrales des fleurs, la façon dont nous avons pratiqué là où cela avait du sens avec cette orientation. Avec cela, j'en avais fini de poser mes formes de base. En plus de poser ces formes de base qui vont me permettre de passer plus efficacement à la prochaine partie de ce processus préliminaire, qui va commencer à dessiner mes pétales, mes tiges et mes feuilles. Je me suis également assuré que ces formes de base avaient un arrangement intéressant et que les tailles n'étaient ni trop grandes ni trop petites pour la taille du papier aquarelle sur lequel je travaille. Comme vous pouvez le constater, je les ai placés dans un arrangement un peu triangulaire. Cela va m'aider à créer un équilibre asymétrique dans ma pièce et cela va le rendre plus intéressant à regarder. Je ne voulais pas placer mes fleurs en ligne droite ou en avoir une seule au centre. Je sais que cela entraînerait beaucoup de symétrie et que l'asymétrie est souvent ennuyeuse dans une œuvre d'art. Il est toujours utile de chercher des moyens de créer un équilibre asymétrique pour que la pièce soit intéressante à regarder. De plus, cela aidera les yeux des spectateurs à continuer de bouger et de circuler dans la pièce. Maintenant que notre arrangement de composition a été trié et que ces formes initiales ont été définies. Je commence à dessiner les pétales. Je continue à dessiner le plus légèrement possible, ce qui permet à cette forme ovale de me guider en ce qui concerne la durée de fabrication de ces pétales. Je rappelle tout ce que j'ai partagé dans cette classe passée, souvenant des particularités des pétales de fleurs coniques, de leur forme, leur nombre approximatif, de leur chevauchement, et aussi m'assurer que j'engendre beaucoup d' irrégularités car il s'agit d'un objet organique et naturel après tout. Tout comme ce que j'ai fait avec mon croquis d'entraînement, je saute autour l'ovale ici et je n'ajoute pas vraiment mes pétales dans le sens des aiguilles d'une montre ou dans le sens inverse des aiguilles d'une montre, mais je saute autour de l'ovale. Encore une fois, cela va m' aider à créer un chevauchement naturel des pétales et à rester à l'écart du motif que vous regardez, je veux regrouper les pétales de différentes manières et peut-être font même paraître certaines sections un peu plus clairsemées que d'autres. Cette vue latérale, j'ai commencé par le pétale au centre. Une fois que le pétale central est à l'intérieur, qui tombe vers le bas dans une position plus verticale, il est plus facile d' ajouter les pétales de chaque côté qui deviennent de plus en plus courbés au fur et à mesure qu'ils forment leur chemin vers les bords gauche et droit. Avec cette fleur en bas, je vois vraiment à quoi ressembleraient cette fleur et ses pétales cette perspective particulière. quoi ressembleraient ces pétales qui tombent, tous reliés à la section centrale sous cet angle ? Nous voyons beaucoup moins de pétales à l'arrière que les pétales à l'avant. cette raison, les formes que je crée pour ces pétales à l'arrière sont très différentes de celles que je crée pour les pétales à l'avant. Vous pouvez également voir comment j'ai ajouté dans cette partie centrale de la fleur plus proche du bord supérieur de cette ellipse initiale que du bord inférieur, car cela a plus de sens pour cette perspective. Enfin, il était temps d'ajouter les tiges et les feuilles. N'oubliez pas que lorsque vous ajoutez vos tiges, elles doivent avoir l'air d'être attachées à la partie centrale de la fleur. Imaginez qu'ils soient en alignement. Cependant, comme vous pouvez le constater, j'ai veillé à ajouter courbes subtiles à ces tiges au lieu de créer simplement des lignes verticales parfaites qui entraîneraient beaucoup de rigidité. Encore une fois, cela n' aurait pas l'air naturel. Quand est venu le temps de dessiner les feuilles, j'ai également rappelé toutes les caractéristiques particulières des feuilles de cette fleur. Je me suis souvenu que les feuilles de fleurs de cône ne sont ni trop longues ni trop courtes. Ils sont pointus à l'extrémité et ils ont des bords lisses. C'est une composition complète que nous créons avec ces trois fleurs. Vous pouvez voir les zones pétales comme étant les éléments principaux ou les points focaux de cette pièce, puis les feuilles peuvent être considérées comme des éléments secondaires. Les feuilles sont des éléments de soutien secondaires, donc même si je voulais m' assurer d'en ajouter, je ne voulais pas aller par-dessus bord avec le montant ou les placer d'une manière trop distrayante. Je me suis également assuré de jouer avec l'orientation des feuilles. Je voulais une certaine variété dans les angles qu'ils ont créés et leur forme. Très bien, passez à la phase numéro deux, qui sera la phase stylo et encre. L'objectif de cette phase sera de définir les arêtes extérieures et d'ajouter un peu plus de détails. Vous allez me voir ajouter un peu plus de détails que je ne l'ai fait pour mes premières esquisses d' entraînement, mais je veux tout de même rester minime. Je ne veux pas passer par-dessus bord avec la quantité de travail que je fais avec mon stylo et encre car je vais apporter aquarelle et nous voulons un look ample et expressif pour ces pièces. N'oubliez pas de faire de votre mieux pour le maintenir en mouvement, maintenir fluide, essayer de ne pas rester coincé à un seul endroit et rappelez-vous que la variation du poids de la ligne est essentielle. Gardez à l'esprit ces quatre choses dont je parlais auparavant qui contribuent à développer cette variation de poids de ligne. Le premier est de la taille de la pointe du stylo. Vous pouvez apporter une deuxième pointe de stylo, ce qui vous aidera à développer des plus épaisses et des lignes plus fines. Le second est l'angle auquel vous utilisez votre stylo. Vous pouvez l'utiliser plus de 90 degrés ou en position verticale pour obtenir des lignes plus épaisses et plus audacieuses et plus d' un angle de 45 à 35 degrés pour des lignes plus minces et plus légères. La troisième variable est la vitesse à laquelle vous bougez votre main et votre bras. Plus vous le déplacez rapidement, les lignes sont fines et légères, et plus vous bougez lentement, épaisses et audacieuses et plus vous bougez lentement, plus vos lignes seront car plus d'encre va augmenter. descendez la plume du stylo. Enfin, il y a aussi la pression que vous exercez sur le papier. Plus la , plus la conduite est audacieuse , moins la conduite sera fine et légère. Essayez de combiner ces variables de différentes manières ou de les explorer individuellement. Ici, j'ajoute des marques dans la partie centrale de la fleur. Je me suis souvenu de la texture que j'ai vue sur ces photos de référence pour les fleurs en cône et je viens de choisir un type de marque qui, je pensais, m' aiderait à décrire cela. J'ai opté pour des formes de goutte inversées et je me suis juste assuré d'ajouter ces marques de manière très irrégulière, en vraiment de mon mieux pour rester loin de n'importe quel look ou look organisé, en faisant en sorte que certains soient plus grands, d'autres plus petits et en les pêchant de différentes manières. J'ai aussi très rapidement ajouté quelques détails dans les pétales eux-mêmes. Ce ne sont que des lignes courbes plus longues que j'ai créées très rapidement et très rapidement à l'intérieur de ces formes. On peut probablement voir comment ces lignes sont très fines par rapport aux lignes de contour de ces pétales. Je ne voulais pas que ces deux lignes soient concurrentielles, alors je me suis assuré de créer un poids visuel moindre dans les lignes intérieures et les marques que j'ai ajoutées pour les textures à l'intérieur des pétales. Je m'assure de bouger mon bras et mon poignet beaucoup plus rapidement et je touche à peine la pointe de mon stylo sur mon papier lorsque j'ajoute les lignes que je veux rendre plus légères en poids visuel. Alors que le contour l' extérieur le long des bords des pétales, je m'approche un peu plus lentement et j'exerce juste un peu plus de pression. En contrôlant ces deux variables, c'est-à-dire la vitesse et la pression, vous pouvez voir comment ces lignes que je crée à l'intérieur des pétales semblent plus légères et plus minces et les lignes. que je crée à l'extérieur, contour extérieur pour ces pétales paraissent plus épais et plus foncés. C'est un exemple de la façon dont je fais attention à la variation du poids de la ligne. Je continue soigneusement mais rapidement à tracer mon travail au crayon et j' embrasse vraiment toutes les imperfections, les vacillances, les irrégularités qui pourraient se produire en cours de route. Je fais attention à ne pas tracer certaines sections de tige, surtout dans d'autres petites parties de feuilles ou de pétales qui seraient en fait couvertes par un autre élément qui se trouve devant eux. Par exemple, cette fleur en bas se trouve devant la tige de cette fleur derrière elle, donc je dois faire attention à ne pas tracer cette section de la tige de la fleur derrière si je veux créer l'illusion de cette fleur en bas devant la fleur derrière elle. Il couvre partiellement cette tige. Nous devons faire attention à ce genre de choses car encre est permanente et nous ne pourrons pas l'effacer. Je viens de finir avec cette fleur en bas et j'ai veillé à ce que ma ligne fonctionne et mes types de marques que j'utilise de façon cohérente dans toutes ces fleurs coniques. J'en ai fini avec le stylo et l'encre. J'ai laissé tout sécher pendant environ 15 à 20 minutes et je prends maintenant ma gomme à graphite douce et j'efface tout le travail au crayon. Vous remarquerez également que je dépoussiérerai ces embouts de gomme avec ma serviette absorbante complètement sèche à ce stade parce que je ne veux pas utiliser mes mains pour dépoussiérer cela. Nous pouvons avoir des huiles entre les mains qui, si elles arrivent sur notre papier aquarelle, elles peuvent créer de l' éclaboussure lorsque nous peignons. Ici, j'ai remarqué que j'ai manqué une petite section de la tige pour la fleur centrale , alors je m'assure l' ajouter avant d' avancer. Enfin, nous passons à la phase numéro 3, qui sera la phase de lavage à l' aquarelle. Nous avons déjà sélectionné les couleurs spécifiques que nous allons utiliser pour chaque pièce. Il s'agit maintenant de s'assurer que nous avons une bonne quantité de ces jolis mélanges de couleurs juteux préparés pour nous sur notre palette avant de commencer. N'oubliez pas qu'il est très important que la consistance de vos différents mélanges de couleurs soit utile pour ce que nous essayons de faire aujourd'hui, c' est-à-dire bien charger nos poils de pinceau, et nous voulons être en mesure de travailler correctement et rapidement, et aussi que vous voulez vous assurer que vous avez assez de vos différents mélanges de couleurs prêts pour vous en bouche. La consistance de votre peinture et la quantité de peinture doivent avoir un sens pour ce que vous essayez de faire. Je travaille sur la préparation jolis mélanges de couleurs juteux pour moi-même sur ma zone de mélange. La première étape, la partie supérieure, est l'orange que j'ai créée en mélangeant le nouveau gamboge et l'écarlate profond. Juste en dessous, j'ai un nouveau gamboge avec de l'eau dedans. Ensuite, j'ai mes deux verts, mon vert foncé et mon vert plus clair. Le vert foncé est vert sous-marin uni, et le vert plus clair est un mélange de vert sous-marin et de lumière jaune hansa. Ensuite, de l'autre côté de ma zone de mélange, j'ai mes deux bruns. Le brun clair est la sienne brûlée avec un peu d'eau, et la sienne brune plus foncée est brûlée plus un peu de teinte neutre. Je vais utiliser ma brosse ronde taille 10 pour tout. La première chose que je peins est la partie centrale des fleurs. Comme vous le savez, nous avons préparé deux couleurs différentes pour ces zones centrales, le brun clair et le brun foncé. Pour toutes ces différentes parties de la fleur, je travaille d'abord dans la couleur la plus claire que j'ai préparée, puis je tombe dans la couleur plus foncée alors que cette couche initiale plus claire est encore mouillée. Cela va créer de jolies transitions douces entre mes couleurs plus claires et plus foncées. Parce que je tombe dans cette couleur plus foncée alors que cette couleur plus claire initiale est encore humide, cette couleur plus foncée se dilate et pénètre dans ce calque plus clair créant beaux effets doux et diffus. Pour que cela se produise, il faut travailler relativement rapidement car cette peinture va commencer à sécher immédiatement lorsque vous la placez sur du papier. Si la peinture et cette première couche sèchent avant de tomber dans la couleur plus foncée, cette deuxième couleur ne va pas se développer dans cette humidité. Ce sont de petites formes que nous peignons , donc nous devons rester au top du contrôle de l'eau. Si vous entrez avec beaucoup trop d'eau dans les poils de vos pinceaux ou si vous tombez trop de l' une de vos couleurs dans laquelle vous tombez, vous pouvez commencer à perdre le contrôle. Chaque fois que vous entrez dans votre récipient d'eau , assurez-vous de gratter délicatement les poils de votre pinceau le long du haut de votre contenant afin que l'excès d'eau puisse s'écouler. Assurez-vous que la taille du pinceau que vous utilisez convient aux tailles de ces formes que nous peignons. Continuez également à vous aider avec votre serviette absorbante. En cours de route, vous remarquerez que je touche constamment le bout de mon pinceau sur ma serviette absorbante pour assurer que je n'y vais pas trop d'eau. Ici, vous me voyez faire un peu de soulèvement. Le levage est une technique très utile. Chaque fois que vous sentez que vous avez trop de couleur saturée dans n'importe quelle zone, ou que la couleur plus foncée que vous tombez dans votre couleur plus claire se développe trop rapidement et en couvrant complètement cette couleur plus claire précédente, vous pouvez immédiatement éliminer cette douleur de vos poils de pinceau, enlever l'excès d'eau en touchant le bout de vos poils sur votre serviette absorbante et y entrer pour soulever cet excès de couleur en utilisant vos poils de pinceau comme une petite éponge absorbante. Vous pouvez également y aller avec leur serviette absorbante. Tant que vous le faites rapidement et que cette peinture soit encore humide, vous allez pouvoir soulever partie de cette couleur excédentaire, révélant un peu plus de cette couleur plus claire. en dessous et en éclaircissant certaines sections que vous avez peut-être trop assombries accidentellement. levage peut vraiment vous aider à redonner de la dimension dans des zones qui semblent peut-être un peu trop lourdes ou trop plates. À la fin de la journée, l'essentiel sera de créer une variété de couleurs et de valeur dans toutes ces différentes parties de la fleur. Après avoir fini avec la partie centrale de ces fleurs, je commence à peindre dans les pétales. Au moment où j'ai commencé à peindre les pétales, ces sections centrales étaient déjà sèches. Si vos bruns ne sont pas complètement secs et que vous commencez à peindre dans les pétales, ces bruns peuvent commencer à saigner dans vos pétales jaunes et orange. Si vous ne voulez pas que cela se produise, attendez un peu plus longtemps les sections centrales des marques sèchent certains artistes comme l' apparence de ce saignement. C'est entièrement à vous et à vos goûts. Je me suis assuré d'enlever tout le brun de mes poils de pinceau avant d'utiliser mon jaune et mon orange. Parce que encore une fois, si vous avez des poils bruns dans votre pinceau que vous n'avez pas enlevés, ce brun va commencer à s' infiltrer avec ces couleurs plus vives et il va les couper en sourdine ou les désaturer. Nous recherchons des couleurs vives et vives, surtout pour les pétales. Mais la méthode que j'utilise pour peindre les pétales et toutes ces différentes zones de la fleur est exactement la même. J'y vais d'abord avec une couleur plus claire des deux. Dans ce cas, c'est le jaune. Alors que cette couche de couleur plus claire initiale est encore humide, je tombe un peu dans la couleur plus foncée, qui est dans ce cas l'orange. Je suis très irrégulier quant à l' endroit où je tombe dans mon orange, mais il est utile de reconnaître au moins quelles parties de ces pétales seraient les plus sombres. Vous pouvez déposer la deuxième couleur dans ces zones. Peut-être que lorsque vous avez des pétales se chevauchent les uns sur les autres, créant des ombres les uns sur les autres, ou simplement en tenant compte la courbe et de la structure des pétales, vous pouvez décider où déposer votre couleur plus foncée. Maintenant, si vous constatez que votre peinture sèche trop rapidement avant de tomber dans votre deuxième couleur, quelque chose qui pourrait vous aider à faire passer vos poils de pinceau sur toute cette zone 2-3 fois avec cette première couleur avant de passer à la couleur suivante. Cela aidera cette couche initiale rester plus humide un peu plus longtemps et nous rendrons beaucoup plus probable que vous arriviez à ces dégradés doux et diffus. En d'autres termes, prenez un peu plus à peindre dans la première couleur la plus claire. Passez les poils de votre pinceau sur cette forme 2 à 3 fois, puis allez-y et laissez tomber votre deuxième couleur. Au fur et à mesure que vous progressez dans votre processus de peinture, assurez-vous de continuer à remarquer la consistance de vos mélanges de couleurs sur votre palais. Rappelez-vous que vous voulez une bonne quantité de couleur, mais aussi une bonne quantité d'eau. Vous voulez vraiment jouer avec la translucidité du médium. Si l'une de ces sections de vos fleurs que vous avez peintes jusqu'ici semble très lourde, très plate ou peut-être même très sombre. Cela signifie probablement que vous devez utiliser un peu plus d'eau. J'en ai presque fini avec la peinture dans les pétales ici. Après avoir fini avec les pétales, je vais continuer à peindre dans les tiges et les feuilles. en va de même pour les tiges et les feuilles. Je vais enlever tout ce jaune et orange pour mes poils de pinceau, puis je vais commencer avec le vert le plus clair. Alors que ce vert le plus clair initial est encore mouillé, je vais aller de l'avant et tomber dans mon vert le plus sombre. Parce que les tiges sont si étroites, je veux m' assurer de les peindre en utilisant uniquement la pointe de mon pinceau. Quand il s'agit des feuilles elles-mêmes, car ce sont des formes plus grandes, je peux appuyer un peu plus sur le ventre de mon pinceau. chose que vous allez remarquer c'est comment je laisse une petite minuscule forme en surbrillance non peinte dans mes feuilles. Ces formes phares que je n'avais pas vraiment prévu pour qu'elles se produisent simplement façon organique, car je déplace mon pinceau rapidement et de différentes manières. Tout revient à cette idée que je partageais avec vous dans une autre classe dans laquelle nous travaillons avec l'aquarelle, il est très important de voir comment nous pouvons intégrer cela. la luminosité du papier sous la peinture en tant que partie de la pièce. J'utilise ce papier pour me tenir en place pour mes points forts. Cela va m' aider non seulement à élargir cette gamme de valeurs que j'essaie de développer en utilisant différentes couleurs et translucidité, c'est parce que rappelez-vous que c'est cette plage de des valeurs intégrant les zones lumineuses les plus claires , les zones de tons moyens et les zones les plus sombres qui vont nous aider à développer dimension et un certain niveau de réalisme dans cette pièce lâche. Mais en incorporant cette luminosité du papier, je vais aussi arriver à ce beau look lumineux et lumineux qui est particulier à ce support. Je viens de finir avec les dernières touches avec mon vert le plus foncé ici. Avec cela, je vais avoir fini avec cette pièce florale à l'encre et à l' aquarelle. Je suis très enthousiaste à l'idée de commencer avec notre deuxième pièce florale mixte, qui sera la pièce Wild Roses. Les techniques et le processus global de ces trois dernières pièces seront exactement les mêmes, qui est génial car cela nous donne vraiment l'occasion d' affiner le processus, de vraiment pratiquez et repassez toutes les petites choses avec lesquelles vous pourriez avoir du mal et même faire de ce processus votre propre processus. Mon ami, une fois que vous êtes prêt, vous verrai au cours suivant. 10. Lignes et fleurs lavis 10: Salut mon ami, bon retour. Il s'agit de la classe numéro 9 de ce cours. Nous allons travailler sur le stylo Wild Roses et la pièce de lavage aquarelle. Comme je l'ai mentionné dans notre dernier cours, les techniques et le processus global seront exactement les mêmes que pour le morceau de fleur de cône. Bien sûr, le séchage des fleurs, les couleurs que nous allons utiliser et la composition elle-même vont être différentes. Sans plus tarder, allons de l'avant et sautons directement dans la phase numéro 1, qui sera la phase préliminaire d' esquisse au crayon . Vous voulez dessiner à la légère afin de pouvoir effacer vos erreurs en cours de route, afin de ne pas voir votre crayon travailler à travers votre stylo encre et votre peinture à la fin de ce processus. De plus, vous ne grattez pas ou n'endommagez pas votre papier. N'oubliez pas l'objectif de cette phase initiale. Nous jetons les os et les fondations de tout ce qui se passera à venir. Nous nous concentrons sur l'utilisation efficace de notre espace de dessin. Nous voulons nous assurer que les formes que nous posons ne sont pas trop grandes, qu'elles paraissent étroites dans cet espace et pas trop petites que nous avons un tas d' espace négatif vide autour d'elles. Il est également important que, dans cette partie du processus, nous envisageons d'obtenir les bonnes proportions de fleurs. En d'autres termes, la taille de ces différentes parties de ces fleurs doit avoir un sens les unes par rapport aux autres. En tenant compte, bien sûr, tout ce que nous avons appris pour les roses sauvages. Nous voulons également nous assurer de rappeler les formes de base que nous avons pratiquées dans la classe numéro 6 pour cette fleur particulière. Qu'ils présentent des perspectives ou des variations légèrement différentes des fleurs, sorte que notre pièce semble intéressante et qu'elle ait un aspect naturel. Nous voulons également réfléchir à l'arrangement compositionnel. C'est pourquoi je ne veux pas dessiner ces fleurs en ligne droite. Je ne veux pas placer fleur en particulier au centre. Je vais essayer d'utiliser un autre arrangement triangulaire ici, sorte que je puisse créer un équilibre asymétrique et faire circuler les yeux du spectateur dans la pièce. Une fois de plus, j'ai rappelé les formes de base que j'ai utilisées pour simplifier et visualiser cette fleur particulière lorsque nous nous entraînions à dessiner ces fleurs initialement dans la classe numéro 6. Encore une fois, pour la rose sauvage, nous avons un cercle à l'intérieur d' autre cercle et nous avons une forme de parapluie ou d'un demi-cercle. Tout comme avec la fleur de cône sur laquelle nous venons de travailler auparavant, j'ai légèrement déformé ou incliné ces formes de base. Pour la fleur supérieure, j'ai écrasé ce cercle et je le transforme en forme plus ovale ou ellipse. Mais quand il s'agit de la fleur au milieu, j'ai un peu incliné cette forme de parapluie. C'est pour que ces fleurs puissent paraître un peu plus naturelles et que je puisse rester loin de la rigidité ou des formes un peu trop organisées pour paraître réalistes. J'ai ajouté une nouvelle variante de ces fleurs en bas. Vous pouvez voir comment j'ai ajouté une forme ovale plus petite. C'est la forme de base que je vais transformer en un petit bulbe de rose sauvage. J'ai pensé que ce serait un excellent ajout à la pièce qui ajouterait de la variété et de l'intérêt à cette composition. J'ai juste pensé à quoi ressemblent les ampoules de rose, puis choisi une forme de base pour que je puisse passer à la prochaine partie de ce processus. Une fois que ces formes de base ont été placées dans ma zone de dessin, il était temps de les diviser en formes de taille moyenne. Je vais diviser cet ovale plus grand en cinq petits ovales qui vont se tenir en place pour les pétales que je vais essayer ensuite. Je me souviens de toutes les caractéristiques des roses sauvages que j'ai apprises lorsque j' observais ces photos de référence. Je me souviens de la forme de ces pétales, la taille de ces pétales et de leur nombre approximatif. Les roses sauvages ont cinq pétales plus grands et très arrondis qui ont des bords irréguliers le long du sommet. En ce moment, je garde les choses super simples. Je ne vais pas créer ces bords irréguliers avant plus tard. Ici, je commence à ajouter un peu plus de détails dans le Rose Bowl. J'ai ajouté dans une ligne courbe que ceux-ci peuvent ressembler à des pétales séparés et à quelques feuilles. Il était alors temps de commencer à ajouter les tiges et les feuilles. Rappelez-vous que les tiges doivent sembler attachées à la partie centrale de la fleur. Mais en même temps, vous voulez ajouter légères courbes que vous pouvez rester à l'écart de la rigidité. Quand est venu le temps d'ajouter les feuilles, j'ai rappelé ce que j'ai appris à être vrai sur les feuilles de rose sauvage. Je me souviens qu'elles sont légèrement plus courtes, qu'elles sont pointues à la fin, qu'elles ont des bords dentaires et qu'il y a plusieurs feuilles qui sortent d'une même tige. Je vais créer ces bords irréguliers des dents plus tard avec mon stylo et mon encre. Je garde les choses simples ici. Encore une fois, vous pouvez considérer ces feuilles comme des éléments secondaires de soutien. Les zones des pétales elles-mêmes sont les principaux points focaux de cette pièce. Même si nous voulons vraiment ajouter quelques feuilles, nous ne voulons pas passer par-dessus bord avec la quantité. Lorsque vous ajoutez les tiges et les feuilles, remarquez quels éléments vont se chevaucher ou couvrir d'autres éléments derrière eux. De cette façon, lorsque vous encrez des choses, il y a moins de chances que vous puissiez tracer certaines sections qui ne devraient pas être visibles à la fin. Mes amis. Passons à la phase numéro 2, qui est la phase stylo et encre. N'oubliez pas les objectifs de cette phase. Nous sommes en train de tracer notre travail au crayon, définir des arêtes et d'ajouter détails que nous n'avons pas ajoutés. Vous remarquerez, par exemple, que j'ajoute les bords irréguliers des sections extérieures de ces pétales. J'ajoute également plus de détails dans la partie centrale de la fleur où je veux décrire cette texture. Je me souviens comment les roses sauvages ont le pistolet et l'étamine dans cette section centrale. Je pense aux types de marques spécifiques qui peuvent m'aider à décrire ces éléments rapidement, facilement et de manière minimale. Je suis allé avec de courtes lignes avec une boucle en haut. Je viens de m'assurer que ces petites marques que j'ai ajoutées présentaient beaucoup de variations de tailles dans les orientations. Parfois, la boucle était vers la droite, d'autres fois la boucle était vers la gauche. Certains d'entre eux pointaient vers le côté, certains pointaient vers le bas, etc. Une fois que j'ai ajouté ce détail, je me suis frayé un chemin vers le bas de la pièce. Tout comme pour la pièce de fleur de cône précédente, je me suis assuré de garder en tête la variation du poids de la ligne. Je veux rester loin de l'apparence des contours lourds, épais et audacieux et ce type de dessin animé de page de coloriage. Je le fais bouger et je le maintiens. Toutes les imperfections, les vacillances, les irrégularités qui se produisent en cours de route, je m'embrasse et je continue. Vous pouvez voir comment certaines sections de mes lignes ne se connectent même pas. Je rappelle ces quatre variables qui vont m' aider à obtenir une variation de poids de ligne tout au long de mon travail. Je n'utilise qu'un même stylo pour toutes ces pièces, mais je change et je modifie la pression que j' exerce sur mon stylo, l'angle auquel j'utilise mon stylo et la vitesse à laquelle je me déplace ma main et mon bras. Ici, vous pouvez me voir ajouter le bord de la dent dans ces feuilles. Je fais très attention et je m'assure que ces petites extrémités pointues sont toutes cohérentes et pointent vers la même direction qu'elles devraient pointer vers laquelle se trouve loin de la fleur. C'est un détail difficile à ajouter personnellement pour moi. Quand il s'agit de ce type de détail, je me retrouve toujours à regarder en arrière mes photos de référence juste pour m' assurer que j'ajoute les détails correctement. Donc, si, à un moment donné , vous trouvez utile de regarder à nouveau ces photos de référence, ou même des photos supplémentaires que vous trouvez vous-même, prenez temps pour cela avant de dessiner ces détails. J'ajoute enfin cette veine centrale dans les feuilles. J'ai essayé de rendre cette veine centrale un peu plus légère que les contours extérieurs de ces feuilles. Donc, une fois que j'ai fini, j'ai laissé tout sécher complètement. Je recommande de laisser passer 10-15 minutes avant d'effacer votre graphite parce qu'il peut entrer avec ma gomme à graphite douce pour effacer tout mon travail de crayon très soigneusement, puis au lieu d'utiliser ma main pour dépoussiérer ces embouts de gomme, je suis allé de l'avant et j'ai utilisé ma serviette absorbante sèche que je vais utiliser pour mon processus d'aquarelle. De cette façon, je n'ai pas d'huile pour les mains sur mon papier et ici, avant d'aller de l'avant, mon papier et ici, avant d'aller de l'avant, j'ai décidé d'ajouter quelques lignes et marques supplémentaires dans ces pétales pour communiquer un peu de dimension et texture dans ces pétales. Vous pouvez voir comment j'ai fait la même chose que celle que j'ai faite avec la fleur de cône pour ces lignes. Je me suis assuré de bouger rapidement et d'exercer une très petite pression sur mon papier avec mon stylo afin que ces lignes et marques soient beaucoup plus légères que les lignes créant les contours extérieurs de ces formes de pétales. Avec ça, j'en avais fini avec ma phase stylo et encre. Il est maintenant temps de passer à la phase numéro trois, qui est la phase de lavage à l'aquarelle. Nous avons déjà sélectionné les couleurs spécifiques que nous allons utiliser pour cette pièce, et nous voulons nous assurer que nous préparons suffisamment de nos différents mélanges de couleurs en bouche et que le les cohérences avec lesquelles nous les créons seront adéquates pour le type de travail que nous effectuons aujourd'hui. Nous voulons donc une bonne quantité de mélanges de couleurs jolis et juteux pour toutes ces différentes couleurs dont nous avons besoin. Nous recherchons environ 50 % d'eau 50 % de pigments dans ces mélanges afin de pouvoir bien charger ou peindre et faire notre travail de couleur en une seule couche. Au sommet de ma zone de mélange, je prépare mes deux verts différents, mon vert plus clair et mon vert plus foncé. Le vert clair est encore une fois un mélange de vert sous-marin et donne une lumière jaune. Le vert foncé est vert sous-marin uni avec un peu d'eau. Dans la partie inférieure, j'ai préparé mon violet et mon rose. Mon violet est de la rose quinacridone avec un peu d' outremer français dedans et le mélange rose est rose de quinacridone unie avec un peu d'eau. Pour mes bruns, que j'ai préparés l'autre côté de ma zone de mélange. J'utilise de l' ocre jaune clair avec un peu d'eau et de la sienne brûlée avec un peu d'eau dedans. fini de travailler sur ces mélanges de couleurs ici et une fois que je suis prêt avec toutes les couleurs dont j'ai besoin, il est temps de commencer le processus de peinture. Je vais utiliser ma brosse ronde taille 10 pour tout. Je vais recommencer avec la partie centrale de cette fleur que l' on voit en haut, qui fonctionne toujours de la lumière aux sombres. Comme vous pouvez le voir, j'ai commencé avec mon ocre jaune, qui est mon brun doré plus clair. J'ai peint cette partie centrale à l'intérieur, puis alors que ce brun clair initial était encore humide, je suis tombé dans un peu de mon brun plus foncé. C'est donc la seule fleur qui montre cette zone centrale. Je suis donc allé de l'avant et j'ai enlevé tout ce brun de mes poils de pinceau et j'ai commencé à peindre cette rose sauvage en dessous. La raison pour laquelle j'ai commencé à travailler sur cette rose sauvage plutôt que de peindre dans les pétales du haut, c'est parce que si j'avais commencé à peindre dans les pétales roses du haut, Les bruns de cette section centrale que je viens de peindre sont encore mouillés. Je pourrais risquer que ces bruns saignent dans mes roses et mes violets. Donc, si vous ne voulez pas que ce saignement se produise, assurez-vous de laisser sécher complètement cette section centrale avant de peindre les pétales. Ce que je fais ici, c'est que je suis entré pour la première fois avec ma rose de quinacridone plane, ma couleur rose, qui est la plus claire des deux que j'utiliserais pour les pétales et alors que cette couche initiale plus légère est encore mouillé, je suis tombé dans un peu de violet ici et là pour assombrir certaines sections à l'intérieur. Parce que je tombe dans le violet alors que ce rose initial est encore mouillé, je reçois ces jolies transitions douces et floues entre mes couleurs. Encore une fois, si vous constatez que votre couche initiale sèche un peu trop rapidement et que vous n'obtenez pas ces belles transitions entre vos couleurs lorsque vous tombez dans votre couleur plus foncée, passez simplement un Un peu plus longtemps dans cette couche initiale. Passez les poils de votre pinceau sur toute cette forme en utilisant votre couleur plus claire deux à trois fois, ce qui fera en sorte que cette couche initiale prenne un peu plus de temps à sécher. Donc, la partie centrale la fleur du haut était déjà assez sèche et j'ai pu y aller et peindre dans les pétales du haut. Donc, le même processus ici. Je peins d'abord en rose, puis je tombe dans le violet pour créer une belle variation de couleur et de valeur. Je continue à peindre facilement et rapidement et à utiliser une seule couche. Je permets à cette peinture de faire son travail et d'embrasser les effets irréguliers organiques qui se produisent lors de la peinture avec ce support. Je ne retournerai dans aucun domaine et j' essaie de perfectionner quoi que ce soit parce que va probablement tout aplatir et il est beaucoup plus probable que j'arrive à des résultats surmenés. Je tombe dans ma couleur plus foncée, qui est mon violet de manière très irrégulière, en m' assurant de ne pas créer motifs ou de formes aux allures vives avec mon violet. Bien sûr, il est utile de visualiser où les pétales se chevauchent les uns sur les autres et de créer légères ombres les uns sur les autres et de rappeler les courbes et la structure de les pétales eux-mêmes afin que vous puissiez tomber dans cette couleur plus foncée dans les sections où il serait logique que vous ayez une certaine ombre. Cela dit, il ne faut pas seulement appliquer le violet dans ces zones d'ombre, car lorsqu'il s'agit de fleurs, il y a beaucoup de variations naturelles de couleur et de valeur sur l'ensemble de leurs pétales. Aussi longtemps que vous garderez les choses irrégulières, vous obtiendrez d'excellents résultats, en particulier pour le style d' art recherché. Parce que la consistance de mes mélanges de couleurs sur ma palette contient une bonne quantité de pigment, je suis en mesure d'appliquer suffisamment de couleurs vives sur mon papier pour ne pas ressentir le besoin d'entrer avec un deuxième couche. Cependant, il y a aussi une bonne quantité d'eau dans ces mélanges sorte que ma peinture ne soit pas appliquée de manière très épaisse, ce qui peut entraîner beaucoup de lourdeur et de planéité dans un tableau. Nous voulons toujours nous assurer d'apporter la translucidité des aquarelles pour créer des peintures lumineuses et éclatantes. Assurez-vous donc d' utiliser suffisamment d'eau. Si vous appliquez votre peinture trop saturée et trop épaisse, cela entraînera souvent de lourdeur et de la planéité. N'oubliez pas d' intégrer cette luminosité du papier dans la pièce et la façon dont nous procédons consiste à utiliser les médiums translucidité et en déplaçant les rapports peinture-eau dans notre mélanges de couleurs. Une autre façon de le faire consiste à incorporer des points forts là où le papier est laissé briller à travers cette peinture découverte ou non peinte. J'ai donc fini de peindre les sections de pétales de toutes ces fleurs et vous pouvez probablement dire comment j'ai laissé de minuscules sections de papier brillantes et petites formes ici et là. Ces petites formes surlignées se produisent naturellement alors que je peignais dans ces pétales et que je changeais la façon dont j'utilisais mon pinceau en cours de route. Je les ai laissés arriver et je les ai laissés là parce que je savais qu'ils ressembleraient à de petits moments forts. Vous allez voir cela se produire aussi dans les feuilles. Après avoir fini avec les pétales, il était temps de rincer toutes ces couleurs pour mes poils de pinceau et de commencer avec mes verts. Comme vous pouvez le voir, j'utilise le même procédé que celui que j' utilise pour la fleur de cône, d'abord peindre dans le vert clair, puis tomber dans mon vert plus foncé dans certaines sections que je voulais assombrir. dans cette forme plus grande lumière et verte. Je suis en train de finir avec les feuilles ici. Vous allez remarquer que dans cette partie inférieure, où j'ai beaucoup de tiges et de feuilles qui se chevauchent, je fais attention à l'ordre dans lequel j' aborde ces formes parce que je sais que le mouillé la peinture peut commencer à saigner dans de nouvelles formes que je peins à côté d'elles ou à côté d'elles. Vous pouvez donc toujours sauter pour laisser sécher cette forme précédente , puis revenir à zone que vous devez peindre juste à côté. Ces formes sont également relativement petites, donc je m'aide toujours avec ma serviette absorbante, les poils de mon pinceau dessus et je m'assure de ne pas trop en sortir . de l'eau de mon conteneur. N'oubliez pas que vous pouvez également utiliser les poils propres de votre pinceau comme une petite éponge absorbante chaque fois que vous sortez trop d'eau sur votre papier. Avec ça, j'en ai fini avec cette pièce de roses sauvages. J'espère vraiment que vous avez aimé travailler sur celui-ci et je suis ravi de passer à la dernière pièce sur laquelle nous allons travailler ensemble, qui sera la jonquille. Prenez votre temps à terminer celle-ci et à pratiquer ce que vous devez pratiquer et je vous verrai dans le prochain. 11. Lignes et fleurs lavis 11: Bonjour, mon ami. Bienvenue dans cette dernière classe que nous allons travailler ensemble sur notre toute dernière pièce, qui sera la pièce de stylo et de lavage de jonquilles. J'espère que vous êtes déjà bien familiarisé avec le processus et les techniques que nous allons utiliser. Toute la stratégie et les phases seront les mêmes que pour les deux dernières pièces seulement, bien sûr, cette fois, nous dessinons des jonquilles. C'est comme nous l'avons vu dans cette classe dans laquelle je vous ai montré comment dessiner les trois types de fleurs différents, une structure très différente. Cette fleur possède des caractéristiques très particulières qui la différencient des autres fleurs que nous avons dessinées jusqu'ici. Le dessin va être différent, les couleurs seront différentes et, dans l'ensemble, la composition sera différente. Rappelez-vous les particularités, les caractéristiques, tout ce que nous avons appris pour ce type de fleur dans classe numéro 6 lorsque j'ai partagé ces photos de référence avec vous. Parce que même si nous cherchons un type de pièce relativement simple, nous voulons quand même les faire ressembler à des jonquilles. Rappelez-vous leur structure globale, souvenez-vous de leur forme et de leur taille, et du nombre approximatif de leurs pétales, rappelez-vous que la structure très particulière du cône de trompette ou du mégaphone qu' ils ont à leur centres, et rappelez-vous le type de feuille qu'ils ont. Passons directement à la phase numéro 1, qui est notre esquisse préliminaire au crayon. Dans cette phase, nous nous concentrons sur quelques points différents. Nous nous concentrons sur la pose de ces formes de base qui vont nous permettre de simplifier et visualiser les fleurs que nous allons dessiner. Nous nous concentrons également sur la création d' une grande proportion de ces fleurs, afin de nous assurer que les tailles et l'emplacement de ses différentes parties ont un sens les unes par rapport aux autres. L'un des objectifs de cette phase est également d'utiliser efficacement notre espace de dessin. Nous voulons nous assurer que ces formes préliminaires que nous créons pour nous-mêmes sont d'une grande taille. Ils ne sont ni trop petits ni trop grands pour ne pas paraître trop étroits dans cette zone de dessin ou flotter dans beaucoup d'espace vide négatif autour d'eux. Nous voulons également réfléchir à ce stade de notre arrangement de composition. Nous voulons nous assurer que l'emplacement de ces différents éléments dans l'espace sera intéressant et équilibré. Je veux m'assurer que je dessine légèrement afin de pouvoir effacer les erreurs afin que mon travail de graphite ne soit pas visible à travers mon stylo et mon encre dans mon aquarelle à la fin, et pour que je ne le fasse pas endommager ou gratter mon papier. Maintenant, pour ce morceau de jonquille, parce que ces fleurs ont une structure plus grande et plus complexe pour elles, j'ai décidé d' en apporter deux au lieu de trois. Parce que je viens d'en amener deux, je n'ai pas vraiment pu créer un autre arrangement triangulaire. J'ai décidé de suivre une courbe. Tout comme pour les deux autres fleurs cette version simplifiée dans laquelle nous voyions cette fleur directement d'en haut, nous l' avons également simplifiée en deux cercles de base, un cercle plus petit à l'intérieur d'un cercle plus grand. Quand on le voit d'un point de vue latéral ou de profil, nous avons vu cette structure conique ou mégaphonique, et nous avions une forme ovale très plate en dessous. En comprenant à quoi ressemble cette structure lorsqu'elle est vue directement d'en haut et d'un point de vue latéral ou de profil, je peux plus facilement visualiser à quoi ressemblerait cette fleur en particulier comme quand on le voit sous d' autres perspectives. Comme vous pouvez le constater, ces deux jonquilles trop simplifiées que j'ai créées se situent entre les deux perspectives que nous avons pratiquées dans ce premier cours de dessin. Ils se situent entre la vue de dessus et la vue de profil. J'ai déformé ces cercles, je les ai légèrement écrasés et je les ai transformés en forme plus ovale ou ellipse, et je les ai aussi inclinés pour que je puisse créer cet arrangement incurvé. Parce que dans ce cas, ces jonquilles sont légèrement inclinées vers nous, j'ai dû ouvrir un peu plus l'ovale supérieur de cette structure conique. En d'autres termes, nous pouvons voir dans ce cône un peu plus de ce point de vue. J'ai également veillé à ce que la jonquille en haut soit légèrement plus grande que la jonquille située en dessous. Cela m'aiderait à rendre la composition plus intéressante et plus asymétrique. Une fois qu'ils ont eu mes formes de base, il était temps de commencer à diviser ces ovales en formes moyennes. Nous avons commencé à dessiner les pétales. Je me suis souvenu que les jonquilles avaient six pétales, et je me suis également souvenu de leur taille et de leur forme. Je me suis souvenu qu'ils étaient ronds et un peu plus pointus à la fin. Ils ont des bords relativement lisses, donc aucune irrégularité dentelée n'importe où. Vous pouvez me voir travailler à diviser cette forme ovale ou ellipse plus grande en six formes plus petites. En dessinant ces pétales simplifiés, je visualise vraiment quels pétales je pourrais voir si je voyais cette jonquille de ce point de vue et quelles sont ces formes pour ces pétales. Je me demanderais si je voyais cette fleur de ce point de vue, comment cette structure conique située au centre de la fleur couvrirait-elle au centre de la fleur couvrirait-elle ces pétales plus éloignés loin de moi derrière cette petite structure. Quelle forme pourrais-je voir pour les pétales qui sont plus éloignés et qui sont couverts par d'autres pétales ou par cette structure centrale ? Rappelez-vous comment ces pétales courbent et comment ils sont tous reliés à la partie centrale de la fleur. Je suis plutôt content des formes que j'ai créées pour ces pétales. J'ai ajouté un peu plus de détails au sommet de ces cônes dans les deux fleurs. C'est pour que je puisse savoir où se trouve la lèvre supérieure de cette structure conique. C'est quelque chose que je veux vraiment détailler lorsque je fais mon travail de stylo et d'encre. L'ajouter d'abord au crayon va faciliter ce processus pour moi. Si vous souhaitez ajouter plus de détails avec votre crayon avant de commencer avec une phase de stylo et d'encre, vous pouvez tout de même aller de l'avant et le faire, assurez-vous simplement de continuer à dessiner légèrement. vous pouvez ensuite effacer votre travail en graphite. Après l'avoir ajouté, il était temps de dessiner les tiges de mes fleurs. Pour les tiges, j'ai une fois de plus veillé à ce qu'elles aient l' air d'être attachées à la base de cette section de pétales. Je veux m'assurer que je commence cette tige juste en dessous de la partie centrale de la fleur. Mais vous pouvez voir comment j'ai incorporé, encore une fois, beaucoup de courbes à ces tiges afin qu'elles puissent paraître beaucoup plus naturelles. Je ne voulais pas créer de lignes parfaitement verticales ou quoi que ce soit de ce genre entraînerait beaucoup de rigidité. Enfin, il était temps d'ajouter ces feuilles longues et étroites pour ces jonquilles. Je viens d'ajouter trois feuilles et je me suis assuré que certaines d'entre elles étaient plus grandes et que certaines d'entre elles étaient plus courtes et qu' elles courbaient légèrement de différentes manières. La variété et l'irrégularité sont essentielles. Il est temps de commencer avec la phase numéro 2, qui est la phase du stylo et de l'encre. N'oubliez pas l'objectif de cette phase. Il s'agissait de définir des arêtes et d'ajouter des détails. Tout comme pour les deux dernières pièces, vous voulez vraiment créer une variation de poids de ligne dans votre travail et vous assurer que vous le maintenez mouvement tout en le gardant fluide. Embrassez tous les vacillances, toutes les imperfections, toutes les irrégularités qui se produisent cours de route lorsque vous tracez votre travail de crayon. Vous pouvez aller de l'avant et ajouter plus d'irrégularité et de travail détaillé. Par exemple, ici, vous pouvez me voir ajouter des bords plus irréguliers le long de cette structure conique ou mégaphonique. J'ajoute également dans le pistil et l'étamine, les types de lignes ou marques que j'ajoute pour le pistil et l'étamine sont très similaires à ceux que j'ai utilisés pour la rose sauvage. Ce sont des lignes avec une petite boucle en haut. Ici même, je décide d' ajouter un peu plus de détails à l'intérieur des pétales en ajoutant des lignes très irrégulières. Tout comme ce que j'ai fait avec les deux dernières fleurs. Les lignes que j' ajoute pour la texture et la dimension à l'intérieur des pétales ont un poids visuel beaucoup plus léger que les lignes que j'ai créées pour les contours extérieurs de ces pétales. Je les ai rendus beaucoup plus légers et fins en bougeant simplement ma main et mon bras beaucoup plus vite et en exerçant moins de pression sur mon stylo lorsque je dessinais ces lignes et ces marques. Ici, vous allez me voir faire pivoter mon papier aquarelle pour que je puisse mieux faire mon travail d'encre dans cette jonquille inférieure. Remarquez comment je maintiens ma ligne et mon marquage cohérents tout au long de cette pièce. est-à-dire que si je me suis engagé des types spécifiques de lignes ou de marques, je m'assure d'utiliser ces lignes et marques spécifiques pour les deux fleurs. C'est important pour que toutes ces différentes sections de cette pièce soient bien intégrées. Je fais juste mes traces sur ces feuilles longues et étroites. Avec ça, je vais avoir fini avec mon travail de stylo et d'encre. Enfin, il était temps de tout laisser sécher complètement pour que je puisse ensuite effacer tout mon travail au crayon. Je vous recommande de laisser sécher votre encre pendant environ 15 à 20 minutes avant de procéder à l'effacement. Essayez également de ne pas dépoussiérer ces embouts de gomme avec votre main. Je suggère d'utiliser un essuie-tout ordinaire ou si votre serviette absorbante que vous utilisez pour votre peinture à l'aquarelle est sèche, vous pouvez également l'utiliser. Si vous utilisez votre main, les huiles que vous avez sur votre peau peuvent pénétrer sur votre papier aquarelle, ce qui peut créer des éclaboussements plus tard lorsque vous peignez. Soyez donc prudent avec ça. Il est enfin temps de faire notre aquarelle pour cette dernière jonquille. Nous avons déjà sélectionné les couleurs que nous allons utiliser pour celle-ci. Comme pour les deux dernières pièces, il est très important de créer une bonne quantité de mélanges de couleurs juteux pour nous-mêmes avant de commencer le processus de peinture. N'oubliez pas que la consistance et la quantité de vos mélanges de couleurs sur votre palais doivent être juste avant de commencer à peindre afin que vous puissiez bien charger votre pinceau et travailler rapidement. Toujours en utilisant mon pinceau rond taille 10, je prépare ces mélanges de couleurs pour moi-même. Je vais juste avoir besoin quatre mélanges de couleurs différents pour ce morceau de jonquilles. Ici, en commençant par le bas, cette couleur orange est Hansa jaune clair et un peu de nouveau gamboge. Juste au-dessus, j'ai une lumière jaune Hansa avec un peu d'eau dedans. Les deux verts en haut sont les deux verts que j'utilise depuis le début. Mon vert foncé est vert sous-marin uni avec un peu d'eau. Le vert plus clair est vert sous-marin un peu de lumière jaune Hansa est ajoutée. Ces jonquilles n'ont pas de couleur brunâtre pour cette zone centrale. Cette structure conique centrale, je vais peindre avec une couleur jaune et orange. Les pétales qui l'entourent vont d'abord être peints avec le jaune, puis je vais tomber dans un peu de jaune orange. Après avoir peint cette section centrale ici, je fais un peu de levage. J'ai enlevé toute cette orange pour mes poils de pinceau. J'ai enlevé l'excès d'eau en tamponnant les poils avec mon pinceau sur ma serviette absorbante. Je suis entré et j'ai utilisé mes poils comme une petite éponge absorbante pour ramasser un excès de pigment. Je le fais ici aussi. Le levage est une excellente technique lorsque vous sentez que vous avez trop obscurci une section ou que vous souhaitez développer des valeurs plus légères et plus translucides dans une zone. Vous pouvez toujours entrer et faire votre levage avec des poils propres et légèrement humides de votre pinceau ou même entrer avec votre serviette absorbante et soulever une partie de cet excès de peinture pour révèlent un peu plus de ce papier en dessous. Cela ajoutera de la dimension à cette zone. Après avoir peint dans ces sections centrales plus orangées pour ces jonquilles, je peins maintenant dans les pétales qui les entourent. Tout comme pour les dernières fleurs, je vais d'abord avec ma couleur plus claire, créant cette couche initiale plus claire. Alors que cette couche plus légère initiale est encore humide, je tombe dans ma deuxième couleur plus foncée pour assombrir les sections plus petites dans cette forme plus grande et plus claire. Je suis de nouveau en train de visualiser où ces pétales créeraient un peu d'ombre l' un sur l' autre et feraient tomber cette couleur plus foncée dans ces zones. Assurez-vous de laisser tomber votre deuxième couleur de manière très irrégulière. Si cette couche de briquet initiale commence à sécher trop vite, n'oubliez pas de passer un peu plus peindre dans cette première couche plus légère. Passez les poils de votre pinceau sur toute cette forme deux à trois fois. Cela rendra cette couche initiale sèche un peu plus lentement, de sorte qu'au moment où vous tombez dans votre deuxième couleur, cette deuxième couleur se dissipe doucement dans le jaune en dessous, créant des transitions agréables, douces et floues. Si cette couleur initiale sèche sur vous, ces effets ne se produiront pas. Faites de votre mieux pour laisser tomber cette deuxième couleur en toute confiance et n' entrez pas et commencez à déplacer la peinture après avoir été placée sur du papier. Essayez d'embrasser les effets organiques irréguliers que crée l'aquarelle et ne bougez pas votre peinture à moins que vous ne le fassiez vraiment. Chaque fois que je fais un peu de mouvement et d' adoucissement de la couleur que j'ai placée sur du papier, je le fais très doucement et très peu. Je suis en train de finir par peindre les pétales ici. Enfin, je peins dans les feuilles avec mes verts. Je suis d'abord entré avec un vert plus clair et alors que ce vert clair initial était encore mouillé, je suis tombé dans un peu de vert plus foncé où je voulais créer un peu d'effet d'ombre. Par exemple, juste en dessous cette grosse structure pétale, de cette grosse structure pétale, j'ajoute un peu de vert foncé et aussi là où les tiges et les feuilles chevauchent les unes sur les autres. Je suis très prudent de me contenter d' aller avec la pointe de mon pinceau dans ces zones très étroites. Même lorsque je peins les feuilles, je m'assure de passer les poils de mon pinceau sur ces formes deux à trois fois avant tomber dans mon vert foncé afin de pouvoir m'assurer que le un vert plus foncé va se dissiper et s'estomper et créer des dégradés dans ce vert plus clair. Mais il est également très important de travailler rapidement. C'est quelque chose que je promets que vous viendrez vous voir avec la pratique au fil du temps. Avec ça, j'en ai fini avec ce stylo jonquille et cette pièce de lavage aquarelle. J'espère vraiment que vous avez aimé travailler sur ces trois pièces avec moi et aussi faire les études que nous avons faites auparavant. J'espère que vous apprendrez quelque chose de nouveau et que vous utiliserez ces connaissances et ces compétences que vous avez acquises pour créer vous-même de superbes œuvres d'art. Si vous avez travaillé sur ces études et ces pièces à mes côtés, assurez-vous de partager votre travail ici dans la communauté. J'aimerais bien le voir. Félicitations d' avoir réussi ce cours et de vous voir dans la dernière vidéo. 12. Lignes et fleurs lavis 12: Merci beaucoup de vous être joints à moi dans ce cours. J'espère vraiment que vous avez aimé travailler sur ces exercices et ces projets avec moi et j' espère que vous avez appris des trucs spéciaux que vous pourrez garder dans votre sac à outils, appliquer et réfléchir à l'avenir avec n'importe quel type d'illustration sur lequel vous pouvez choisir de travailler. N'oubliez pas de partager le travail que vous avez effectué pour ce cours dans l' onglet Projets ici sur Skillshare. J'ai hâte de voir votre travail. Écouter moi-même et continuer à prendre du temps pour mes passions et mes intérêts est une chose extrêmement importante pour moi. Je veux vous encourager à poursuivre votre parcours artistique, à continuer à développer vos compétences artistiques et votre voix artistique. Je crois vraiment que si vous êtes appelé à l'art, c'est pour une raison. Ne mettez jamais cette grande partie de vous-même de côté et ignorez cela. Continuez à poursuivre ces intérêts de toutes les manières possibles, je vous promets que vous ne le regretterez pas. Si vous avez apprécié ce cours, n'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare car j'ai beaucoup de nouveaux cours à venir que je suis très enthousiaste à l'idée de partager. Si vous êtes sur les réseaux sociaux, vous pouvez me suivre sur Instagram où je partage des messages inspirants et utiles, ainsi que des photos et des nouvelles en coulisses, et bien sûr, me suivre sur YouTube. Vous allez pouvoir trouver des tonnes de vidéos utiles sur ma chaîne, y compris des tutoriels, y compris des astuces, des vidéos et beaucoup d'autres choses. Je vous remercie encore une fois de vous être joint à moi dans ce cours. Je vous souhaite beaucoup de progrès et aussi de plaisir dans votre voyage artistique et à bientôt. Au revoir.