Cours accéléré sur la conception de personnages : Concevoir des personnages animaux | Melissa Lee | Skillshare
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Cours accéléré sur la conception de personnages : Concevoir des personnages animaux

teacher avatar Melissa Lee, allow yourself to fail before you succeed

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      0:44

    • 2.

      Inspiration et références

      9:15

    • 3.

      Les bases de la conception de personnages

      6:00

    • 4.

      Utiliser une référence

      2:52

    • 5.

      Exercice pratique

      0:48

    • 6.

      Croquer et concevoir votre personnage

      3:18

    • 7.

      Bloquer la couleur à l'aide de l'outil plume et de l'outil dégradé radial

      11:14

    • 8.

      Créer dans Photoshop

      15:15

    • 9.

      Dernières réflexions

      0:53

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

8 667

apprenants

50

projets

À propos de ce cours

J'ai le plaisir de vous présenter ce cours intensif sur la conception de personnages, composé d'une série de cours d'illustration conçus pour les illustrateurs amateurs ou les dessinateurs de personnages de niveau intermédiaire souhaitant actualiser leurs connaissances. Dans ce cours, je vous expliquerai tout au long de mon processus de conception et d'illustration d'un animal, en commençant par trouver l'inspiration et la référence, puis passer à l'esquisse et au développement de votre concept, et enfin le rendu dans Adobe Photoshop. Je parlerai également des bases de la conception de personnages, et l'importance de l'utiliser pour l'utilisation de références et des leçons d'autres artistes.

Ce que vous apprendrez

  • Trouver l'inspiration et les apprendre de la manière des autres artistes. Je parlerai de l'étude des styles des autres artistes, comment cela vous aide à développer votre polyvalence et l'importance de l'influence de plus qu'un seul artiste.
  • Utiliser des références et les raisons de l'utilisation des éléments essentiels pour améliorer vos compétences en dessin, les meilleures façons de l'utiliser pour bénéficier de vous-même et les raisons pour que c'est particulièrement essentiel dans la conception de personnages d'animaux.
  • Développer votre personnage : des croquis bruts aux concepts plus développés
  • Rende dans Photoshop : le blocage des couleurs de base et l'outil Plume, en utilisant l'outil Dégradé pour les ombres et les éclairages, en utilisant les voies de l'impression de la manière et comment les tracés et l'outil Plume.
  • Ajustement et texture : comment utiliser les outils de réglage des couleurs et de texture pour ajouter de l'intérêt à votre dessin

Ce que vous ferez

Une fois terminé, vous aurez un personnage d'animal entièrement illustré à ajouter à votre portfolio. Une fois terminé. Une fois terminé. Une fois terminée :D

***

Adobe et Adobe Photoshop sont des marques déposées ou des marques d'Adobe aux États-Unis et dans d'autres pays.

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Melissa Lee

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Top Teacher

Hi! My name's Melissa Lee, and I'm an illustrator and surface pattern designer living in the hilly forests of Northern California. Alongside doing freelance and art licensing work (I am a proud Riley Blake Designs fabric designer), I've spent much of my time cultivating my love of sharing what I know and encouraging others to nourish their creative side through teaching online art courses here on Skillshare. I love making patterns, character art, and watercolor paintings. I'm endlessly inspired by animals and nature (whether living today or extinct), science fiction and fantasy, space and astrology, witchy things, and bees.

Always bees.

The classes that I teach on Skillshare focus primarily on surface pattern design, watercolor techniques, and character design. Voir le profil complet

Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Bonjour, et bienvenue à Character Design Crash Course : Designing Animal Characters. m'appelle Melissa et je suis designer et illustrateur basé en Californie du Nord. Dans ce cours, je vais vous emmener à travers mon processus de conception et d'illustration d'un personnage animal. Commencez par trouver de l'inspiration et de la référence, puis passez à l'esquisse et au développement votre concept et enfin le rendre dans Photoshop. Je vais également parler des principes fondamentaux de la conception de personnages et de l'importance d'utiliser les références et d'apprendre d'autres artistes, et montrer quelques exercices que je trouve utiles. Une fois terminé, vous aurez un personnage animal entièrement illustré à ajouter à votre portfolio. J' ai hâte de voir ce que vous créez ! 2. Inspiration et références: Inspiration et référence et pourquoi il est essentiel de grandir en tant qu'artiste. « Si vous voulez apprendre à jouer d'un instrument, vous devez apprendre à jouer la chanson d'un autre musicien. Si vous voulez apprendre à dessiner, vous devez dessiner une image d'un autre artiste. » Stephen Silver. J' ai suivi des cours de création de personnages de Silver sur Schoolism.com, un site qui, contrairement à Skillshare, se concentre vraiment sur l'art visuel. Toutes les classes sont sur diverses formes d'art visuel. Quoi qu'il en soit, beaucoup de ce dont je vais parler dans cette classe a été appris par Silver et Daniel Arriaga et certains des autres professeurs vraiment merveilleux sur l'école. Ce sont tous des professionnels de l'industrie. Ils savent de quoi ils parlent. Avant de parler plus à ce sujet , cependant, je veux recommander quelques livres vraiment utiles. Le premier est L'Art du Dessin Animal. Construction, analyse d'action, caricature par Ken Hultgren. J' aime tellement ce livre. Non seulement il a des conseils de dessin réalistes, une perspective, proportion, toutes ces bonnes choses, mais il parle aussi des animaux caricaturés. Fondamentalement, la conception de personnages animaux. Ouais, il passe juste sur tant d'animaux, et c'est juste une ressource merveilleuse à avoir. Le prochain est Animals in Motion de Eadweard Muybridge. Ce n'est qu'une série de plans d'action d'une tonne d'animaux différents. Ceux-ci sont vraiment utiles si vous êtes un animateur. Mais même si vous ne l'êtes pas, c'est vraiment cool d'avoir toutes ces différentes poses pour référence. Il suffit d'avoir quelques exemples. Je pensais que celui-là était soigné. J' aime comment ils tiennent leur queue comme ça. Quelque chose à laquelle tu ne penses pas. Le dernier livre est The Silver Way : Techniques, Conseils et Tutorials for Effective Character Design par Stephen Silver. Ce livre ne se concentre pas uniquement sur les personnages d'animaux. Il se concentre sur tout, les humains, et toutes ces bonnes choses. Il a juste une mine de connaissances. Il travaille dans cette industrie depuis longtemps, donc il sait vraiment de quoi il parle. C' est tout simplement merveilleux. Il y a tellement de choses que vous pouvez apprendre, et il a beaucoup de bons conseils. Je voulais vous montrer quelques-uns des personnages animaliers de Stephen Silver ainsi que les œuvres d'art d'autres artistes que j'admire vraiment juste pour vous inspirer et vous préparer à concevoir. Essentiellement, ce que j'ai appris de Silver et des autres professeurs, c'est que vous ne voulez pas connaître une seule façon de dessiner. Il est important d'étudier les styles d'autres artistes et de développer votre polyvalence, et il est important d'être influencé par plus d'un artiste. C' était quelque chose qui a été répété maintes et maintes fois. Avoir votre propre style unique est, bien sûr, important, mais il n'y a rien de mal à regarder d'autres artistes et à s'inspirer d'eux. De plus, en particulier, si vous voulez travailler dans l'animation, vous devez être en mesure de vous adapter à différents styles. Ce sont juste plus de personnages de Silver. Il a ce personnage dans un tas de styles différents. Beaucoup de variations de forme. Je ne pense pas que tout cela soit particulièrement dans son style de signature, mais il les a dans son portefeuille pour montrer sa polyvalence. Voici un autre exemple avec des loups. J' aime qu'il y ait des loups réalistes ici, ainsi que des dessins vraiment exagérés et poussés. Il n'a pas peur d'utiliser vraiment formes exagérées et de trouver ces configurations vraiment intéressantes. J' aime aussi le haut à gauche parce que c'est un exemple de lui utilise un acteur pour baser un personnage, ce qui, dit-il, l'aide parfois à trouver un personnage. Je pense que c'est cool. Un autre artiste dont je voulais parler est Milt Kahl. C' était l'un des grands Disney. Je regardais son travail et, fondamentalement, me suis rendu compte qu'il dessinait tant de personnages animaliers préférés des films Disney. J' aime vraiment Shere Khan, et j'ai toujours pensé que Shere Khan était si cool et expressif. Oui, son travail est fabuleux. Il y a des tonnes et des tonnes de dessins en ligne que vous pourriez regarder et regarder à travers. Un autre artiste est Heinrich Kley, et il est célèbre pour les éléphants dansants. J' adore ses dessins. Ses animaux sont en quelque sorte réalistes mais anthropomorphes. Ils sont si expressifs et si humains. Je pense juste que c'est tellement cool qu'ils gardent encore fondamentalement la forme et l'anatomie de l'animal. Oui, j'adore ses affaires. Un autre artiste que j'aime est David Colman, qui se concentre sur les personnages d'animaux. J' adore à quel point ils sont expressifs. Il a ces ours incroyables. Leurs expressions sont si cool. Je pourrais juste fouiller son portefeuille pour toujours et regarder avec admiration. [rires] Quoi qu'il en soit. Ensuite, Mary Blair. Mary est surtout célèbre pour ses illustrations d'enfants, probablement, et certainement pour avoir conçu It's a Small World à Disneyland. Mais j'aime vraiment ses personnages d'animaux aussi. J' adore les formes qu'elle a utilisées, et les choix de couleurs sont vraiment agréables. En outre, la texture dans son travail est vraiment agréable aussi. Regardez ce cheval, j'aime la courbure de son dos et la forme de sa tête, et comment elle a dessiné la crinière et la queue avec la belle texture de l'encre. Le renard est vraiment cool aussi bien qu'il ait cette forme bizarre, cette petite taille et les jambes, et une grosse tête. Il y a juste un rythme et un flux dans son travail que j'aime vraiment. Et enfin, Charles Harper. Il s'est spécialisé dans les animaux, et je pense qu'ils sont si cool et si uniques. J' aime comment ils sont géométriques et les textures qu'il a utilisées. Un exercice Silver m'a fait faire était de choisir un artiste et d'essayer de dessiner un animal dans le style de cet artiste. La raison pour laquelle je soulève cela maintenant est que je vais montrer cet exercice en utilisant le travail de Charles Harper comme inspiration. Quoi qu'il en soit, cela ne signifie pas que vous devriez alors continuer à dessiner dans ce style exact et copier chaque élément du style de cet artiste et ensuite le revendiquer comme le vôtre. Mais cela vous aide vraiment à trouver des moyens créatifs de dessiner différents éléments. Il vous aide à construire votre propre style et polyvalence. Toute pratique est une bonne pratique. Surtout si vous voulez travailler à la télévision ou au cinéma, où vous devrez certainement être capable d'imiter le style d'un autre artiste. En parlant de style, je pense que beaucoup de gens s'inquiètent trop à ce sujet. Personnellement, je pense que si vous mettez le travail et le dévouement et que vous pratiquez tout le temps, et que vous prenez l'inspiration d'autres artistes et que vous dessinez autant que vous le pouvez, vous tomberez naturellement dans votre style. Ça va arriver organiquement. Essayez de ne pas insister à ce sujet si c'est quelque chose dont vous vous inquiétez. Personnellement, je n'ai pas l'impression d'avoir tout à fait trouvé mon propre style de design de personnage unique. J' y arrive, je suis proche, mais je ne pense pas être là. Mais je crois vraiment que c'est seulement parce que design de personnages n'est pas mon principal objectif en matière d'art visuel. Je ne l'ai pas assez pratiquée pour vraiment atteindre ce point. J' adore ça, mais je ne veux pas nécessairement être un créateur de personnages professionnel, donc c'est plutôt un passe-temps pour moi. Mais cela dit, j'ai beaucoup appris, et je voulais vraiment partager ce que j'ai appris avec plus de gens. Alors oui, il suffit de regarder les artistes que vous admirez et de chercher des concepts visuels de base que vous pouvez adapter à votre propre travail. Comme comment ils dessinent certains éléments, les yeux, les pieds, ce genre de choses. Il y a tellement de choses dont vous pouvez vous inspirer. J' ai une tonne de planches Pinterest pour m'inspirer. Mais je voulais vous montrer ce personnage référence série de tableaux. C' est un que je n'ai pas fait. C' est juste un que j'ai trouvé. Ils l'ont organisé avec ce qui se sent comme des catégories infinies. Tout a à voir avec la conception de personnages. Ils ont tous ces tableaux d'anatomie et de figures humaines, et ensuite ils ont une tonne d'animaux aussi. Ils ont l'anatomie des créatures, différents types spécifiques d'anatomie des créatures. Ensuite, ils ont des animaux anthropomorphés, des animaux non anthropomorphés. On dirait que chaque animal a une catégorie. Dites que vous vouliez faire un personnage de raton laveur, regardez dans ce tableau toutes ces étonnantes façons différentes que les gens ont conçu des ratons laveurs. C' est tellement inspirant et vraiment cool. Ça m'aide vraiment à sortir des ornières artistiques dans lesquelles je suis. J' ai aussi une tonne de planches Pinterest, personnelles, que j'ai faites pour l'inspiration. Si vous ne faites pas quelque chose comme ça déjà, je vous encourage fortement à faire de même. Je trouve que même en regardant quelques pièces pour m' exciter au sujet de la conception va beaucoup de chemin. Ne sautez pas la partie de l'inspiration. L' inspiration est la clé. Ça aide vraiment. Bref, je passe à autre chose. 3. Les bases de la conception de personnages: Avant de passer à la partie de démonstration de cette classe, j'ai voulu passer brièvement en revue les principes fondamentaux de la conception de personnages. Les quatre grandes choses que vous devez considérer, sont la forme, la silhouette, le rythme et la construction. Tout le reste entre dans ces quatre catégories. Une chose que vous devez essayer d'entrer dans l'habitude de faire est de juxtaposer des lignes droites dures contre des courbes. Ce dessin Border Collie n'est pas le mien, c'est celui de Stephen Silvers. Je pense juste que c'est un très bon exemple de ça. Comment les droites et les courbes peuvent travailler en tandem pour créer un design vraiment attrayant. Ça n'a pas toujours à être aussi exagéré. Il peut être plus subtil que cela, mais c'est juste un bel exemple clair de ce qui fonctionne vraiment bien. La variation de forme est vraiment importante. Vous voulez éviter l'échelle éviter la boule de bowling. Essayez d'incorporer le petit et le moyen-grand et d'éviter l'uniformité. Ce ne sont que des exemples simples de la façon dont la variation votre taille et de votre forme peut créer plus d'intérêt visuel. L' échelle est fondamentalement tout étant parallèle et tout est équidistant et exactement de la même taille. C' est juste un peu ennuyeux. L' effet boule de bowling s'applique principalement au visage et cela arrive lorsque les yeux et le nez, ou dire les yeux et les oreilles, ont la même taille exacte et la même forme exacte et il n'est pas très intéressant à regarder. Vous voulez également éviter les formes monotones et l'uniformité lorsque vous le pouvez. Voici quelques exemples d'éviter la boule de bowling. Mickey Mouse a son nez de taille moyenne et ses yeux de taille moyenne, mais ils ont une forme différente et puis il y a les grosses oreilles pour les contraster. Ensuite, vous avez le personnage Red Panda en bas à droite avec son petit nez et grands yeux et creusé avec le contraire avec ses petits yeux et son gros nez. Puis il y a les petits lémuriens de souris en haut à gauche avec leurs petits nez et leurs grands yeux. Une partie de la raison pour laquelle je pense que les gens sont si attirés par les animaux comme celui-ci est parce que leurs visages sont si intéressants et mignons et que c'est la variation de forme qui les rend intéressants. Quand il s'agit de silhouette, vous voulez surveiller votre espace positif et négatif et comprendre que la clarté est la clé. La silhouette à droite n'est pas claire. Ce n'est pas tout à fait clair ce qu'elle fait. Ses jambes et ses bras sont assemblés et ce n'est pas aussi attrayant à regarder que la silhouette à gauche, ce qui est super clair. Il y a beaucoup de place pour respirer l'espace négatif, ce qui est tout aussi important que l'espace positif. Tu sais exactement ce qu'elle fait, elle marche avec dessein. Donc c'est quelque chose à digérer, toutes ces informations sont des informations dont vous avez besoin pour digérer et au fil du temps, vous n'aurez même pas à penser à toutes ces choses. Juste plus vous pratiquez et plus vous considérez ces choses, plus cela deviendra une seconde nature pour vous. Apprendre la construction et la proportion de figures, humains et animaux est super important avant de passer à la conception d'un personnage basé sur eux. Vous devez faire attention à briser les animaux en sections et vous assurer de rester avec ces proportions de base afin qu'ils lisent toujours comme cet animal. Même si vous exagérez les choses, vous devez exagérer les bonnes choses. Par exemple, ce petit animal squat que j'ai dessiné en haut ne ressemble pas vraiment à un cheval parce que son corps est plus épais et ses jambes sont courtes, il ne serait pas tout à fait lu comme un cheval. Je veux dire, ça pourrait. Il y a des façons de le tricher et d'être super créatif, mais en général, c'est une chose vraiment utile à considérer. Une autre chose que vous voulez vraiment essayer de faire est d'éviter les tangentes. tangentes sont ce qui arrive lorsque deux ou plusieurs formes se touchent d'une manière qui est visuellement gênante. L' exemple que j'ai à droite, son coup descend et on dirait qu'il est presque collé à son nez, ses lèvres et son menton. Ce qui se passe dans le dessin n'est pas clair. Si le coup était tiré plus loin de son visage, il serait plus facile de lire comme étant derrière son visage et ne pas être coincé à elle d'une manière maladroite. Ces choses ne sont que des petites choses que vous devez essayer de surveiller et il deviendra plus facile de les attraper plus vous pratiquez. Le rapport d'or ou la moyenne d'or, est utilisé non seulement dans les beaux-arts, mais aussi dans conception de personnages, l'architecture et toutes sortes de choses. La principale chose à laquelle vous devez penser, essayez de ne pas insister autant sur la spirale et tous ces trucs. Je pense que la chose principale à considérer est le rapport 1-1,61 et l'utilisation de ce ratio dans vos conceptions les aidera automatiquement à être plus attrayant. Je ne sais pas pourquoi c'est, c'est juste, et beaucoup de designers le font, parfois même pas consciemment, mais cela peut être utile. Par exemple, si nous revenons à ces dessins, du haut de la tête de Dug à son cou, c'est environ 1 et de son cou aux pieds c'est environ 1,6 et je pense que c'est la même chose pour le personnage Red Panda aussi. Si nous revenons ici, les chevaux en sont un parfait exemple. Du cheval à son estomac et de son estomac à ses sabots, c'est environ 1:1 .6. Cela ne se produit pas seulement dans l'architecture et le design fait par l'homme. Cela arrive aussi dans la nature et voici quelques exemples de ce ratio utilisé dans mon propre travail. Je ne me souviens pas y avoir pensé quand je dessinais, mais c'est comme ça que ça s'est avéré et ça rend beaucoup plus intéressants et attrayants designs. Vous pouvez aller plus loin et l'utiliser dans l'espacement de tous les éléments dans le corps principal. C' est juste une autre chose à considérer lorsque vous concevez. 4. Utiliser une référence: Tout d'abord, utiliser la référence n'est pas tricher. Je tiens à souligner cela beaucoup parce qu'il semble y avoir une sorte d' attitude beaucoup d'endroits en ligne, que l'utilisation de référence ou d'utiliser trop de référence ou quoi que ce soit est trompeur, mais c'est incorrect. La plupart des grands artistes l'utilisent et vous ne grandissez pas en tant qu'artiste sans elle. Vous devez utiliser la référence pour chaque animal que vous dessinez, sauf si vous avez déjà dessiné un certain animal encore et encore parce que comment allez-vous apprendre à dessiner l'animal ? Vous devez regarder des images d'un animal ou aller dans un zoo pour apprendre à le dessiner. Vous devez apprendre à dessiner la figure de chaque animal, tout comme vous devez apprendre à dessiner la figure humaine. Non seulement vous pouvez dessiner à partir de la référence, mais vous pouvez dessiner directement dessus. Je ne dis pas que vous devriez le tracer exactement, le rendre complètement, puis le revendiquer comme une œuvre originale, moins que ce soit une photo que vous avez prise vous-même et que votre but est de dessiner de façon réaliste, bien sûr, mais c'est une autre chose tout à fait. Quoi qu'il en soit, ce que vous devriez faire est de l'utiliser comme un outil de pratique. Dessinez à travers vos formes, apprenez les proportions... Essentiellement, en analysant vos photos de référence et en faisant croquis après croquis de celles-ci et en dessinant directement dessus, vous prenez des notes et apprenez à votre main les mouvements et gagnez la mémoire musculaire. C' est alors que vous commencez à pousser et à exagérer vos designs. Comme vous pouvez le voir ici, je dessinais directement sur le rhinocéros encore et encore, juste l'apprendre. Puis j'ai dessiné un rhinocéros réaliste en regardant la référence, puis j'ai abaissé l'opacité, créé une autre couche et dessiné juste au-dessus de celui-ci et cette fois je me suis concentré plus sur la poussée de mon design et l'exagération de mes formes. Je l'ai fait jusqu'à ce que je trouve un design que j'ai aimé. Je trouve qu'avoir le premier croquis brut initial, le croquis réaliste, m'aide juste à avoir une base pour ma conception. Cela m'aide à m'en tenir à ces formes de base, mais à partir de cette ligne directrice, je peux exagérer, ou je trouve cela plus facile à au moins. Si vous n'utilisez pas la référence pour apprendre les proportions et la construction d'un animal, comment il s'assied et se déplace, etc., alors vous ne serez pas en mesure de pousser vos dessins d'une manière satisfaisante qui a du sens. En d'autres termes, il est plus difficile d' exagérer quand on ne comprend pas déjà la construction de l'animal. Une fois que vous comprenez la construction d'un animal, il est plus facile de le caricature. C' est ce que j'ai fini avec. Je ne suis pas sûr si j'aurais pu atteindre ce point si ce n'était pas pour l'utilisation de la référence. Utilisez-le pour vous aider dans votre conception. n'y a rien de mal à ça. 5. Exercice pratique: Un autre exercice que je fais est, comme je l'ai déjà dit, de choisir un artiste et d'essayer de dessiner un animal dans le style de cet artiste. J' ai choisi Charles Harper, et je vais essayer de dessiner ce buffle dans son style, ou le visage de buffle au moins. J' utilise des formes géométriques et je prends des indices de la façon dont il a texturé son travail, toutes les petites lignes qu'il a utilisées, et de toutes ces bonnes choses. C' est un exercice vraiment amusant et une bonne façon de vous défier. 6. Croquer et concevoir votre personnage: Enfin, nous sommes arrivés à la partie principale de démonstration de la classe. Votre projet est de concevoir et d'illustrer un personnage animal de votre choix. Tu n'as pas à faire une hyène à moins que tu ne le veuilles. En fin de compte, c'est votre choix quel que soit l'animal que vous décidez de concevoir. abord, vous voudrez recueillir des références pour votre animal et faire des croquis miniatures pratiques. Répartissez la taille et l'espace entre chaque section et respectez ces proportions de base. Ceux-ci devraient être simples, des études de proportion et de construction rapides. Cela vous donne les informations dont vous avez besoin pour passer à des conceptions développées plus détaillées. Une fois que vous avez fait cela, passez à des conceptions moins génériques et créez autant de variété que vous le pouvez. Vous voudrez peut-être vous en tenir au premier dessin que vous dessinez, mais je vous encourage vraiment à explorer autant de possibilités différentes pour un personnage que vous le pouvez. Vous pourriez trouver quelque chose de surprenant que vous aimez. Une chose que vous pouvez faire avant de commencer qui peut être utile, est de noter les traits du personnage que vous voulez créer. Quelle est sa personnalité ? Quelle est l'attitude que vous voulez dépeindre ? Etc. Tout cela expliquera comment vous décidez de donner l'expression à votre personnage et le langage corporel que votre personnage aura. Ce sont tous les designs que j'ai fini avec. J' en aime plus que d'autres. Ce type va bien. Je ne déteste pas ça, mais il est un peu générique, je suppose. Pas très poussé ou exagéré de quelque façon que ce soit, donc je vais aller avec l'un des autres modèles plus bizarres, si vous voulez. J' aime ces gars parce qu'ils sont bizarres. Je pourrais finir par les colorier à l'avenir. Pour ce type ici, j'essayais consciemment de concevoir avec le moyen d'or à l'esprit. J' aime bien ce type en bas à droite. Il a une expression vraiment cool. Mais, en fin de compte, je vais aller avec ce gars sur le dessus. Et c'était le dernier que j'ai fait. Essayez vraiment de pousser vos designs et en faire plus d'un, parce que si je n'avais pas continué, je n'aurais pas eu mon choix ultime. De plus, vos conceptions n'ont pas été aussi détaillées et développées à ce stade. C' est comme ça que je travaille. Je ne peux pas m'empêcher d'éditer pendant que je vais et affiner les choses au fur et à mesure que je vais, même lorsque je suis dans la phase de développement initiale. Mais si vous avez tendance à faire des croquis plus rapides et plus rugueux et que vous ne voulez pas affiner vos dessins tant que vous n'en avez pas choisi un qui vous plaît vraiment, faites cela s'il vous plaît. C' est juste comme ça que je travaille, alors ne vous sentez pas obligé être aussi détaillé que tous mes designs le sont à ce stade. Parce que je ne devrais probablement pas faire ça. Je me gagnerais beaucoup de temps. Mais que pouvez-vous faire ? 7. Bloquer la couleur à l'aide de l'outil plume et de l'outil dégradé radial: Avant de passer au rendu de la hyène, je veux vous montrer une autre méthode de coloration que j'aime utiliser, qui est de construire mes formes initiales avec l'outil Plume. L' outil Plume et les formes et tracés créés avec l'outil Plume sont beaucoup plus faciles à utiliser et modifier dans Illustrator que dans Photoshop, car il n'y a que quelques outils supplémentaires que vous pouvez utiliser pour faciliter les choses. Mais je vais montrer dans Photoshop comment je fais cela juste pour vous montrer une autre façon que vous pouvez le faire, mais si vous préférez travailler dans Illustrator, vous pouvez toujours vous assurer que tous vos chemins sont séparés , puis exportez-le en tant que document Photoshop, puis utilisez ces formes propres dans Photoshop. Juste pour que vous sachiez que c'est une option que vous avez. Matt Kaufenberg, excuses si je prononce ça mal. Quoi qu'il en soit, il le démontre merveilleusement dans sa classe, « Character Illustration from Concept to Final Artwork » sur Skillshare, donc vous devriez certainement vérifier cela. J' y ai déjà lié sous l'onglet Projets et ressources. Vous devez utiliser l'outil Plume, qui se trouve dans la barre d'outils au-dessus de l'outil Texte. Ensuite, vous voulez aller dans votre panneau Calques, puis juste à côté il y a Canaux et Chemins, et vous voulez cliquer sur Chemins d'accès. Vous allez créer un nouveau calque de tracé comme vous en créez un nouveau calque dans le panneau Calques, qui devient Chemin 1. Je vais commencer par dessiner la partie principale du corps des rhinocéros. L' outil Plume est un peu difficile, en particulier dans Photoshop. Il faut juste un peu s'y habituer vraiment. Plus vous l'utilisez, plus vous comprenez comment manipuler les choses. Je saute la corne parce que ça va être une forme distincte. En raison de la façon dont cela est déjà incliné, il sort bizarre et nous ne voulons pas cela, donc je vais juste à la commande Z pour revenir en arrière, puis pour briser ce point, tout ceque puis pour briser ce point, tout ce vous faites est de maintenir Alt (ou Opt) enfoncée et de cliquer dessus. Cela fait apparaître l'outil de conversion point d'ancrage. Une petite flèche s'affiche pour l'indiquer juste à côté de l'outil Plume. Vous pouvez également maintenir la touche Alt enfoncée pour éditer les barres individuelles. Parfois, l'angle du chemin fonctionne de sorte que vous n'avez pas besoin de le casser à chaque fois. Encore une fois, maintenez la touche Alt enfoncée et cliquez pour la casser Maintenez la touche Alt enfoncée et cliquez pour le décomposer Juste au cas où ce n'est pas clair, lorsque je clique pour créer un nouveau point, je clique, maintenez enfoncé et faites glisser pour créer les barres d'ancrage ou tout ce qu'elles sont appelées. [rires] Je ne me souviens pas comment l'outil s'appelle. Peu importe, ces barres qui vous aident à changer la forme du chemin. Wow, c'est parfait. Ça ne marche pas toujours. Je vais juste aller jusqu'ici parce que je ne veux pas que ce pied soit dans la première forme que je fais. Une fois que vous arrivez au point final, un petit cercle apparaît et vous cliquez simplement, ou cliquez et faites glisser pour changer la forme si vous le souhaitez, puis vous avez votre courbe. Ici, vous pouvez renommer votre chemin. Je nomme mon corps RHINO. Et tu auras toujours ce chemin. Ce que vous pouvez faire avec cela plus tard est avec le bouton droit de la souris > Faire la sélection et cliquez simplement sur OK. Il a maintenant cette sélection là, donc vous pouvez toujours le faire et le remplir plus tard. C' est juste une chose vraiment utile de savoir comment faire en général. Je vais juste continuer à faire quelques formes avec l'outil Stylo, y compris l'autre pied, les cornes, les oreilles, la narine et l'œil. C' est probablement tout ce dont j'aurai besoin. Ensuite, je vais vous montrer ce que je fais avec tous ces chemins et toutes les sélections que j'ai faites. Maintenant, j'ai tous mes chemins créés, et vous voulez vous assurer de mettre chaque nouveau chemin sur une nouvelle couche de chemin. Ce que je vais faire est de sélectionner le corps du rhinocéros, et vous pouvez soit cliquer sur ce petit menu déroulant et appuyer sur Faire la sélection, ou simplement cliquer avec le bouton droit dessus et appuyer sur Faire la sélection. Vous pouvez modifier les paramètres, mais je n'ai pas besoin de le faire à ce stade, donc je vais juste cliquer sur OK. Maintenant, vous pouvez aller dans le panneau Calques, créer un nouveau calque et obtenir l'outil Seau de peinture, qui se trouve sous l'outil Gomme, ou vous pouvez appuyer sur G sur votre clavier. J' ai quelques couleurs ici que j'ai déjà sélectionnées parmi ces photos, donc je vais juste obtenir ma pipette, sélectionner ma tonalité moyenne, sélectionner l'outil Seau de peinture et remplir cette sélection. Maintenant, je vais faire une autre sélection, appuyez sur le calque FOOT, cliquez avec le bouton droit de la souris > Faire la sélection > appuyez sur OK. Assurez-vous que j'ai un autre calque dans le panneau Calques, sélectionnez ma couleur, appuyez à nouveau sur G pour l'outil Seau de peinture et remplissez-le. Puisque je veux que son pied soit derrière le corps principal, je vais juste le déplacer vers le bas. Ensuite, vous pouvez appuyer sur Commande ou Contrôle D pour désélectionner votre sélection et continuer à remplir les éléments jusqu'à ce que vous ayez vos couleurs principales. Il est probablement utile de les nommer au fur et à mesure que vous allez. Une fois que vous avez fait cela et que vous avez toutes vos formes, j'aime mettre le calque d'esquisse sur le dessus pour voir tous les détails que je veux incorporer et vous pouvez baisser un peu l'opacité. J' ai juste une technique amusante à te montrer et c'est une technique d'ombrage que j'utilise. Je vais sélectionner la couche de corps de rhinocéros et je vais la verrouiller. Lorsque vous le verrouillez, cela signifie que vous ne pouvez colorier que les pixels qui ont de la couleur sur eux. Ensuite, je vais prendre l'outil Lasso et je vais ombrager l'estomac. Je vais dessiner à main levée où je veux que ça aille. Là où ça sort du dessin, ça n'a pas vraiment d'importance parce que, encore une fois, je ne peux pas dessiner au-dessus de cette partie parce que mon calque est verrouillé. Ensuite, je vais utiliser l'outil Dégradé radial pour colorer ceci. J' ai montré comment vous pouvez configurer votre outil de gradient radial dans un autre tutoriel que j'ai fait pour que je vais aller de l'avant et jouer ça. Ainsi, l'outil Dégradé linéaire peut être trouvé en cliquant sur G sur votre clavier ou en descendant à l'endroit où se trouve habituellement l'outil Seau de peinture. D' habitude, ça ressemble à ça. suffit de cliquer et de maintenir et puis il fait apparaître petit menu déroulant et vous cliquez sur l'outil dégradé. Ensuite, il a toutes ces options ici en haut gauche dont la plupart sont assez inutiles. Je ne les utilise certainement pas moi-même. Il y a le dégradé linéaire qui est la valeur par défaut , puis le dégradé radial qui est ce que nous allons utiliser pour cela. J' ai déjà cette configuration pour moi-même. Ce dont nous avons besoin, c'est d'un dégradé de premier plan à transparent, et dans vos valeurs par défaut, il ne l'a pas donc je vais vous montrer comment vous pouvez le faire. Ce que vous devez faire est de double-cliquer sur la boîte elle-même et il affiche l'éditeur de dégradé, et il y a tous ces éléments ici. Tu vas vouloir en faire un nouveau. Je l'ai nommé Premier plan à Transparent, mais je vais juste cliquer sur l'un de ces autres pour vous montrer comment en faire un. Vous aurez quelque chose comme ça et fondamentalement ce que vous devez faire est, changer le titre : Premier plan en Transparent. Nous voulons que ce soit un gradient solide, puis la douceur à 100. Les curseurs en haut contrôlent l'opacité tandis que les curseurs en bas contrôlent la couleur, sorte que vous cliquez simplement sur le premier et vous pouvez le garder à 100, cliquez sur le second et le déposer à zéro pour cent d'opacité. Nous avons cette couleur lisse à dégradé transparent. Ensuite, vous allez vouloir cliquer sur cette case et changer la couleur, mettre le menu déroulant au premier plan, qui signifie qu'il sera toujours quelle que soit la couleur est au premier plan de votre sélecteur de couleurs. Ensuite, vous ne pouvez pas vraiment le voir ici, mais il y a un peu de vert qui se passe parce que cette couleur est toujours définie sur le vert, donc ce que vous voulez faire avec celui-ci est également changer la couleur de premier plan et alors il va juste aller en douceur de quelle que soit la couleur de premier plan est à 100 pour cent jusqu'à zéro pour cent d'opacité. Oh et ça a changé mon nom, alors assure-toi d'avoir ce nom là où tu veux. Aussi, si vous voulez juste supprimer certains d'entre eux, je pense que vous venez de cliquer sur Option, oui. Vous cliquez sur Option, et vous pouvez simplement cliquer sur eux et se débarrasser d'eux. Puisque je ne les utilise jamais, je vais juste aller de l'avant et les supprimer, puis cliquez sur OK. Maintenant, vous avez cela dans vos gradients, qui est exactement ce dont vous avez besoin. J' ai sélectionné une couleur plus foncée et mon dégradé radial est sélectionné. Il crée un cercle. Voici un exemple. On va juste annuler ça. Comment je l'utilise ici, c'est que je vais de l'extérieur de la sélection et dessine une ligne vers le haut dans cette sélection, et cela fait ce beau gradient lisse. J' ai cliqué sur la commande H pour désactiver la ligne de sélection. Je désactive également le calque d'esquisse afin de le voir un peu mieux. J' aime vraiment utiliser l'outil Dégradé radial. Je pense que c'est vraiment agréable pour les pièces plus atmosphériques, et vous pouvez l'utiliser pour un éclairage frais et autres. Si vous vouliez que la sélection que vous avez faite soit plus parfaite et plus propre, vous pouvez toujours aller dans vos Chemins et faire un chemin avec l'outil Plume, et ainsi la sélection ne serait pas du tout désordonnée. Je ne vais pas vous montrer toutes les étapes de la façon dont j'ai rendu ce rhinocéros, parce que beaucoup de choses ressemblent à ce que je vais vous montrer dans la prochaine vidéo avec le personnage de hyène. 8. Créer dans Photoshop: Maintenant, j'ai mon design final tout nettoyé et prêt à partir. J' ai une palette de couleurs ici, juste une palette de couleurs de base. Je finirai probablement par le changer ou l'ajouter, mais c' est ce que j'ai pour le moment, et vous voulez faire un nouveau calque pour la couleur. Une façon rapide de remplir la couleur de base que j'aime parfois faire est de sélectionner votre calque d'esquisse, sélectionner l'extérieur avec l' outil de baguette magique et de sélectionner l'Inverse en cliquant sur Maj Commande I, ou en allant dans Sélectionner et Inverse et assurez-vous de revenir à la nouvelle couche que vous venez de créer. Sélectionnez le Seau de peinture en cliquant sur G, ou il se trouve juste ici dans la barre d'outils sous le bouton Gomme. Ensuite, vous voudrez remplir votre sélection. J' aime éteindre le calque d'esquisse, puis passer en revue cela. Il s'avère toujours un peu pixélisé et tranchant agité, donc j'aime passer sur les taches rugueuses et les lisser, et choisir une belle brosse avec un bon bord. Depuis que je veux que cette pièce soit dessinée à la main, j'ai choisi l'un de mes pinceaux de style crayon. Parfois, je rallume le calque d'esquisse puis je baisse l'opacité, puis je le lisse. Cela prend encore moins de temps que de le colorer à la main, au moins pour moi. C'est pour ça que je le fais de cette façon. J' ai quelques photos de hyènes sur mon iPad et je les regarde pour référence de coloriage. Juste pour que tu saches que je ne vire pas complètement de la mémoire ici. Je ne voulais pas les mettre à l' écran pour que je puisse avoir suffisamment de place pour dessiner. Ouais, je regarde des images comme ça pour la qualité tachetée et la référence de couleur et autres. Je nomme ce calque BASE COLOR. Je vais juste très vite bloquer dans quelques couleurs. Je ne vais pas y réfléchir trop fort, ou je vais essayer de ne pas y réfléchir trop fort. Je vais cliquer sur ce bouton parce que cela verrouille le calque, qui le rend de sorte que fondamentalement vous ne pouvez colorer que quelque chose qui a déjà été coloré. Vous ne pouvez pas colorier sur la transparence. De cette façon, je n'ai pas à m'inquiéter de la coloration en dehors des lignes. Une chose cool que vous pouvez faire est de sélectionner l'outil Lasso en appuyant sur L ou en cliquant ici et dessiner là où vous voulez ajouter de la couleur. Ensuite, vous pouvez maintenir la touche Maj enfoncée et dessiner à nouveau pour ajouter à votre sélection Lasso. Ensuite, je peux colorier dans ces sélections sans me soucier de la coloration sur la partie du bras que je ne veux pas colorer. Pour la plupart de l'ombrage dans ce, j'utilise ce pinceau de texture personnalisé vraiment génial que j'ai trouvé, et j'ai utilisé sur pratiquement tout. J' y ai lié sous l'onglet Projets et ressources. C' est cette brosse à hachures croisées douce, et je pense que c'est gratuit, mais vous pouvez faire un don et je vous recommande de le faire parce que le créateur mérite une compensation pour un pinceau aussi impressionnant. Je l'utilise tout le temps et c'est merveilleux. Ce que je fais ici, c'est que j'ai d'abord verrouillé le calque d'esquisse, puis j'ai cliqué sur le brun foncé et l'ai recolored pour qu'il se gèle mieux avec mes autres couleurs. J' aime aussi dessiner n'importe quel élément de forme avec l'outil Lasso. Ici, j'ai dessiné la fourrure sur sa poitrine, et cela me force à ne pas être si précieux avec mon dessin, d'une certaine manière. Parce que quand je n'y pense pas trop dur, je trouve souvent de bonnes formes. Parfois, tu sais, mais c'est la beauté de l'art numérique. C' est vraiment facile de revenir en arrière et de le refaire. Pour soustraire de votre sélection, maintenez la touche Alt (ou Opter) enfoncée. C' est Shift à ajouter et Alt/Opt pour en soustraire. Je lisses ce bord en l'effaçant avec un pinceau de texture à bords doux à une opacité inférieure, puis en le coloriant avec le même pinceau de texture. J' ai eu beaucoup de plaisir à dessiner les taches comme ça. Je n'avais pas l'intention de le faire comme ça, mais je pense que ça a marché. J' ai mis les taches sur un calque séparé parce que je voulais pouvoir les éditer facilement. Je voulais assombrir les taches, donc je viens de dupliquer le calque en appuyant sur Command J. J'ai oublié de mentionner avant que lorsque j'utilise l'outil Gradient radial, je l'ai généralement à une opacité inférieure, n'importe où entre 10% à 30 %. 30% est généralement ce que je l'ai réglé. Vous pouvez en fait simplement vraiment facilement changer l'opacité en appuyant sur 3 sur votre clavier, ce qui l'amènera à 30 et 2 l'amènera à 20, etc. Donc, j'ai remarqué en regardant cette référence que les hyènes tachetées ont des sourcils, ou au moins ils ont de petites taches de blanc au-dessus de leurs yeux. Donc, j'ajoute juste cet élément. Ici, j'ai verrouillé ma couche de couleur de base, puis j'ai choisi une brosse à bords doux. Je mets juste en évidence les bords des oreilles. J' appuie sur les touches de crochet gauche et droite [] pour changer la taille du pinceau. À ce stade, je commence à ajouter quelques détails. J' aime dupliquer et enregistrer mes calques périodiquement. Donc, je peux toujours revenir aux versions antérieures si j'en ai besoin. J' ai fait un dossier de groupe plus tôt et juste intitulé COPIES, donc je vais juste faire glisser ce calque dupliqué dans ce dossier. Ici, je fais cette sélection, puis appuie sur Sélectionner et Inverse, de sorte que je ne suis en mesure d'ajouter de la couleur à tout sauf la queue. J' ai remarqué que j'avais une partie du gradient sur la queue avant, donc je l'ai fait essentiellement que je n'ai pas à faire une sélection autour du corps entier. Je sélectionne juste autour de la queue, puis cliquez sur Inverse. Si vous voulez faire un chemin à partir d'une sélection, au lieu de faire une sélection à partir d'un chemin... Donc, si vous venez de dessiner avec le lasso comme ceci, vous pouvez aller dans vos chemins et cliquer sur ce bouton ici, et cela en fait une nouvelle sélection de chemin. De cette façon, vous avez ce chemin enregistré pour plus tard si vous voulez le revoir à l'avenir. Vous ne savez jamais ce que vous voudrez revoir. J' aurais aimé l'avoir fait avec la fourrure de poitrine et les sourcils juste parce que cela rendrait un peu plus facile à éditer à l'avenir si je pouvais re-sélectionner ce chemin exact. Juste pour que tu saches, c'est une option pour toi. Ici, j'ajoute un peu de chaleur tout au long parce que mes couleurs se sentaient un peu hors. C' est dur à voir. C' est un changement très subtil, mais ça fait une différence. J' utilise un pinceau de texture ici pour ajouter plus de taches. J' ai décidé de mettre la texture supplémentaire sur un calque séparé afin qu'il soit plus facile à éditer. Il y a tous ces trucs en excès le long du bord. Un moyen facile de s'en débarrasser est d'aller à votre calque BASE COLOR, utiliser l'outil Baguette magique et de sélectionner l'extérieur et de cliquer sur Supprimer. J' ai cette texture de papier que je veux mettre sur le dessus. Je vais juste le faire glisser dans mon doc principal et le faire pivoter. Vous voulez vous assurer qu'il se trouve en haut de votre panneau Calques, lequel est le mien. Ajustez l'échelle pour qu'elle couvre l'ensemble du dessin. Ensuite, au-dessus des calques, il y a ce menu déroulant avec les modes de fusion. Tu veux juste expérimenter avec ça. Mes préférés à utiliser sont Multiply, Overlay et Soft Light, mais ils valent tous la peine d'explorer et de voir ce qui fonctionne le mieux. J' aime abaisser l'opacité assez faible parce que je veux que la texture soit vraiment subtile. C' est une différence très infime, mais je pense que cela aide à lier toute la palette de couleurs ensemble. Ce que j'aime toujours faire avec les peintures numériques, c'est ajouter des calques d'ajustement. Vos calques d'ajustement se trouvent au-dessus de votre panneau Calques. Il y a un petit bouton en bas ici aussi, qui est ce que j'utilise la plupart du temps. J' utilise le plus souvent Niveaux, Luminosité et Contraste Teinte/Saturation , et parfois Vibrance. Mais comme avec les modes de fusion, il est vraiment utile d' explorer tous les différents réglages et de voir ce que vous aimez le plus. n'y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de le faire. Vous venez de jouer avec les paramètres et de voir ce qui fonctionne. J' utilise Brightness/Contraste pour remonter un peu le contraste. Si vous souhaitez ajouter un calque d'ajustement à un seul calque, vous suffit de sélectionner ce calque et d'ajouter un ajustement, et il l'ajoutera automatiquement au-dessus de ce calque. Ensuite, maintenez la touche Alt ou Opt enfoncée et cliquez entre les deux calques et une petite flèche pointant vers le bas apparaîtra. Ensuite, cela n'affectera que cette couche. Comme vous pouvez le voir, ça n'affecte que les taches ici. Maintenant, je joue avec Teinte/Saturation. Vous pouvez obtenir des couleurs vraiment sauvages avec cela. Si je voulais faire une série d'hyènes Andy Warhol-esque, ce sont les outils à utiliser. Mais comme je ne veux pas forcément faire ça, je l'ajuste légèrement pour le rendre un peu plus chaud. Encore une fois, c'est un ajustement vraiment, vraiment léger, mais ça fait une différence pour moi au moins. Donc c'est à ça que ça ressemble sans les couches de réglage et avec eux. C' est une différence assez dramatique. Je ne saute jamais cette étape parce qu'il peut sérieusement juste faire ou casser votre dessin. Je souhaite vraiment qu'il y ait quelque chose de couche d'ajustement magique que vous pourriez appliquer aux dessins traditionnels. Mais hélas il n'y en a pas. [rires] Si vous voulez l'enregistrer en PNG avec un arrière-plan transparent, mais que vous avez apporté des textures et les manipulé avec les modes de fusion, les textures apparaîtront si vous vous débarrassez du calque de couleur d'arrière-plan. Mais il y a une solution très simple à cela. Tout ce que vous avez à faire est d'aller à vos lignes, ou votre BASE COLOR fonctionnerait probablement mieux, et sélectionnez l'extérieur avec la baguette magique, cliquez de nouveau sur le calque TEXTURE, puis supprimez. Puisqu'ils sont si subtils, on peut à peine les voir. Vous pouvez vérifier vos bords, mais je n'ai jamais vraiment eu de problème avec leur apparition, donc cela fonctionne généralement pour moi à chaque fois. Une dernière chose que j'ai fait que j'ai oublié de filmer, c'est que j'ai verrouillé mon calque de lignes ou mon calque SKETCH, puis j'ai dessiné toutes les lignes avec des couleurs différentes. Les lignes sont plus légères par les oreilles et elles sont plus légères ici par le blanc sur la queue. Ensuite, ils sont un peu plus bruyants partout ailleurs qu'avant, un peu plus légers. Je pense que c'est juste ajouter une très belle qualité si vous utilisez des lignes. C' est juste une petite touche supplémentaire qui ajoute à cela que j'aime faire. Alors, voilà. J'espère vraiment que vous avez trouvé ce tutoriel utile. J' ai essayé d'inclure des choses aléatoires que je n'ai pas vues dans un tas de tutoriels. Espérons que ces choses fonctionnent pour vous et sont aussi utiles que je les trouve. Merci beaucoup d'avoir regardé et j'espère que vous avez beaucoup de plaisir avec vos propres designs. 9. Dernières réflexions: Cette classe ne touche vraiment que la surface de ce que vous pouvez apprendre en matière de design de personnages, c'est pourquoi j'ai appelé ça un cours de crash. Si vous voulez en savoir plus, je recommande fortement de consulter classe de Daniel Arriaga « Personnages pour le film d'animation et les classes de Stephen Silver, « Fondamentaux de la conception des caractères » et « Advanced Character Design » sur Schoolism.com et SilverdrawingAcademy.com, auxquels j'ai lié sous l'onglet Projets et ressources. Et bien sûr, toutes les merveilleuses classes de design de personnages sur Skillshare. J' en ai pris beaucoup moi-même et je n'ai jamais eu de malchance avec eux. Je veux vous laisser avec une autre pépite de sagesse que j'ai apprise, à savoir que dorénavant, quand vous pratiquez et vous vous sentez frustré, demandez-vous ce que j'ai gagné aujourd'hui ? Au lieu de vous concentrer sur ce que vous pourriez avoir détesté dans vos dessins, concentrez-vous sur le fait que vous avez pratiqué et que vous en avez tiré quelque chose. Sur cette note, je vous souhaite bonne chance, et j'ai hâte de voir quels personnages d'animaux vous créez !