Comprendre la théorie des couleurs : exercices de peinture impactants à l'aquarelle avec des couleurs secondaires.

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston, et aujourd'hui nous poursuivons notre voyage dans domaine de la théorie des couleurs en intéressant à la magie des couleurs secondaires orange, vert et violet Dans ce cours, nous verrons comment utiliser ces trois teintes expressives pour découvrir ces trois teintes expressives approches passionnantes de l'aquarelle, devenant ainsi la base de peintures expressives et harmonieuses peintures expressives et harmonieuses À travers une série d' échantillons et d'exercices, nous découvrirons l'intérêt de limiter notre palette tout en élargissant nos possibilités La démonstration finale sera une peinture rose saisissante, entièrement créée avec des couleurs secondaires pour montrer à quel point la profondeur, contraste et l'atmosphère peuvent être obtenus. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton «   Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et découvrons comment l'adoption couleurs secondaires peut libérer nouveaux niveaux de créativité dans votre travail à l'aquarelle 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Je suis heureuse de vous guider dans cette exploration de l' harmonie des couleurs secondaires à l'aquarelle Nous travaillerons exclusivement avec le vert, l'orange et le violet, en étudiant la façon dont ils sont liés les uns aux autres, comment ils se mélangent, comment ils peuvent se démarquer, pour créer des œuvres expressives accrocheuses. Nous allons créer des échantillons en utilisant différentes combinaisons de pigments Nous explorerons un triangle chromatique et une roue chromatique secondaire pour visualiser, équilibrer et contraster. Nous appliquerons ensuite ces techniques dans une peinture finale. C'est une excellente occasion de stimuler votre créativité et de renforcer votre confiance dans le mélange des couleurs. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer l' exercice et les peintures, passons en revue tous les matériaux et fournitures que j'utilise généralement pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau EscodaPurl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une astuce nocturne qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, vous empêchant Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce que j' utilise même au-delà de ce cours. Alors allons-y et commençons les exercices. 4. Préparer la rose: Commençons par dessiner ces exercices. Je vais juste deviner ou estimer approximativement où se trouve le milieu. Il n'est pas nécessaire que ce soit aussi précis. Juste quelques légères marques de crayon. Et puis, sur le côté gauche, je vais dessiner mes rangées, commençant par des lignes tourbillonnantes, un cercle indiquant où se trouve cette tête de rose, puis remarquer comment je change la poignée de mon crayon pour obtenir un mouvement souple et gestuel avec mouvement souple Juste pour retoucher légèrement la forme de la rose. Bien entendu, j'ai inclus le plan que vous pouvez utiliser pour le tracer sur votre papier si vous souhaitez accélérer le processus. De même, avec les modèles de l'autre côté. J'ai choisi de peindre la rose sur la gauche parce que je ne veux pas la maculer avec ma main de l'autre côté parce que je suis droitier, mais si vous êtes gaucher, vous pouvez bien sûr la peindre dans l'autre sens. Ma main ne touche même pas le papier, donc je le garde bien en place, libre et souple. Cela dépend également de la taille que vous peignez. Si vous peignez de petites dimensions, vous devrez peut-être utiliser davantage l'action du poignet que celle du bras. Ou si vous peignez en grand format, vous devez utiliser l' ensemble de votre épaule pour bouger et créer ces jolies marques lâches, car c'est là que l'énergie Nous commençons par ces lignes libres pour créer l'énergie, puis nous procédons ensuite avec un peu plus de définition. Je commence souvent par cette mine épaisse sur la droite, que vous pouvez voir à côté du papier. Mais je me suis dit que c'était bon. Nous le faisons juste pour faire de l'exercice. Ce ne sera pas une peinture séparée. Je veux dire, vous pouvez, bien sûr, le faire sur une feuille de papier séparée, mais lorsque je travaille avec une palette limitée comme celle-ci, j'aime créer mes échantillons et mes roues chromatiques sur la même feuille, juste pour pouvoir l'observer et l'avoir comme référence Parce que c'est un voyage au final, et je suis en fait plus intéressée par l' apprentissage aquarelle et par le développement mes propres compétences que par la création de chefs-d'œuvre Je trouve donc ce type d' exercice plus intéressant que des peintures séparées. J'aime explorer et voir les profondeurs de ce que l'aquarelle peut faire, son potentiel Alors maintenant, je vais juste revenir en arrière avec une ligne plus dure. 5. Préparer les exercices: Alors maintenant, nous avons cette rose à peu près dessinée. Nous pourrons y revenir plus tard si nous voulons y remédier un peu plus. Nous pouvons dessiner une petite bordure autour de celui-ci. J'utiliserai ma règle. Juste pour créer une belle bordure propre, une belle ligne droite. Et nous utiliserons du ruban adhésif en plus de cela, mais je voudrais juste tout cartographier pour m'assurer que tout est bien espacé Mais je ne mesure pas vraiment quoi que ce soit avec précision. J'utilise juste mon œil pour deviner. Je veux laisser un peu d'espace pour le ruban adhésif Je ne veux pas qu'il soit trop près du bord et qu'il corresponde à la distance entre le bas et le haut. Et, bien sûr, sur les côtés. Je suis donc en train d' ajouter une petite boîte ici. On peut donc y mettre du ruban adhésif. Et je voudrais ajouter un petit écart entre le côté gauche et les petits exercices du côté droit. Nous avons donc deux moitiés maintenant. Et maintenant, dans cette seconde moitié sur la droite, nous pouvons réfléchir à la manière de le dessiner. Je vais utiliser un modèle. J'ai utilisé du ruban adhésif pour m'aider à utiliser le cercle chromatique. Je n'ai pas dessiné le cercle à main levée. Vous pouvez utiliser un verre, une tasse, quelle que soit la taille que vous souhaitez. Ensuite, comme il s'agit d'une roue, nous devons créer un cercle intérieur. Heureusement, la longueur de ce ruban de masquage et son épaisseur correspondent assez bien à l'épaisseur de la roue que je souhaite Donc, pour moi, c'était assez simple à faire. Vous devrez peut-être trouver quelques tasses ou verres de tailles différentes si vous voulez le faire. Et puis, encore une fois, j'estime où je veux que le triangle soit. Je regarde donc tout en haut c'est environ un centimètre plus bas, puis, bien sûr, comme un triangle est divisé en tiers, j'essaie de le faire correspondre à gauche et à droite Vous pouvez bien sûr commencer par être très léger avec votre crayon, juste pour vous assurer qu' il a l'air correct. Encore une fois, j'ai le plan que je télécharge dans la section des ressources. Cela va donc être très précis et vous pouvez l'utiliser pour tracer si vous ne voulez pas vous balader comme ça 6. Les peintures que j'utilise Using: J'ai donc tout enregistré maintenant. Vous pouvez peindre ces exercices sur une feuille de papier séparée de la rose. Sinon, je suggère de coller d'abord la rose avec du ruban adhésif, puis de placer ces échantillons de couleur sur le dessus du ruban adhésif afin que nous puissions décoller le ruban après l'avoir peint et avoir encore du ruban adhésif pour Je suggère également d'utiliser un crayon juste pour écrire dans les coins supérieur gauche et inférieur de ces échantillons, la couleur que vous allez utiliser avant même ajouter la peinture, afin de ne pas vous perdre dans la précipitation et pour que nous ayons une belle mise en page correspondante J'utilise donc des couleurs spécifiques pour cela. Ils sont tous Daniel Smith. Mais ce qui est intéressant dans cet exercice, c'est que les violets et les violets se déclinent dans de nombreuses gammes différentes et de subtiles variations Vous n'avez donc pas besoin d'utiliser la même chose et vous pouvez voir comment les différentes teintes et couleurs affectent les résultats. Mais je vais vous dire précisément quelles couleurs j'utilise. Cette couleur violet-violet est de Daniel Smith appelée Cobalt Violet Deep. Et j'adore ça. Je vais utiliser violet et le violet de manière interchangeable parce que ce sont deux termes assez similaires et cela facilitera les choses car vous pouvez facilement utiliser un violet ou un violet Ce n'est pas si strict. Et puis l'orange que j'ai est l' orange Pyl de Daniel Smith, qui est une jolie orange éclatante Il s'incline vers le rouge plutôt que vers le jaune. Et j'expliquerai plus en détail comment ces couleurs secondaires sont influencées par les couleurs primaires et sur la question de savoir si, par exemple, elles passent au jaune ou au rouge pour cette orange Et puis pour le turquoise, le vert que je vais utiliser, c'est le bleu sarcelle cobalt de Daniel Smith J'adore ça parce que c'est comme une couleur turquoise. Ce n'est pas nécessairement une idée définitive de ce qu'est un vert, mais c'est ce qui est passionnant dans la théorie des couleurs. Il nous enseigne comment enfreindre les règles ou les manipuler. 7. Violet et orange: Nous sommes donc bien avancés dans ce premier échantillon. Mais pendant que je passais en revue les couleurs que j'utilisais, je n'ai pas vraiment expliqué comment j'abordais cette question. Mais il en sera de même pour chaque échantillon. Je l'utilise directement depuis le tube. J'injecte un peu de pigment pur dans les coins supérieur et inférieur du côté gauche, et je le mélange progressivement jusqu'à ce qu'ils se rejoignent au milieu Et je garde le pigment fort sur la gauche, puis passe légèrement au blanc du papier à droite Encore une fois, je presse davantage ce pigment parce que je veux qu'il soit si riche sur le côté gauche Je veux voir à quoi cela ressemble dans sa pigmentation pure par opposition à la façon dont il se dégrade et nous pouvons voir une partie de la transparence de l'autre côté. Parce que la nature de ces pigments est tout à fait unique. Certaines d'entre elles deviennent très foncées lorsqu'elles sont sèches, comme celle-ci très foncées lorsqu'elles sont sèches, comme celle-ci Pourtant, cette couleur orange, même lorsqu'elle est la plus épaisse, n'est pas du tout si foncée C'est très vivant et opaque. Alors, lorsque ces deux couleurs se mélangent au milieu, comment réagissent-elles ? C'est ce que nous essayons de faire ici pour nous entendre. Et ce sont ces exercices qui vont au-delà de mes conseils et de mes paroles. En fait, vous l'apprenez vous-même en le faisant, en le ressentant , en le voyant et en l' expérimentant. Et c'est le principal moyen d'en apprendre davantage sur l'aquarelle en faisant ces exercices J'avais du mal à mélanger un pigment aussi pur au centre. Donc, sur le ruban adhésif à côté, je mets du pigment pur et je le mélange sur le ruban de masquage pour qu' il reste épais, mais je n'ai pas à en perdre contrôle lorsqu'il touche réellement le papier Et je tiens à souligner un phénomène très intéressant qui se produit ici, car généralement les couleurs secondaires, le nom complet suggère qu'elles sont fabriquées à partir de couleurs primaires parce qu'elles sont secondaires. L'orange est donc fait de rouge et jaune et le violet est fait de rouge et de bleu. Alors pourquoi, pour une raison ou une autre, en mélangeant ces deux couleurs, cela crée un rouge au milieu. Cela va à l'encontre des règles habituelles. Et c'est ce genre de choses qui nous ouvre vraiment les yeux et qui brise nos idées préconçues sur la façon dont les couleurs réagissent Et pour être honnête, c'est quelque chose dont je ne m'étais pas rendu compte avant de faire cet exercice. 8. Vert et violet: Je pense donc que nous en avons fini avec cet échantillon. Il n'est pas nécessaire que ce soit beau et propre. Il suffit de démontrer et de montrer une belle gamme de toutes les épaisseurs et le mélange progressif des couleurs L'avantage du ruban adhésif est qu'il permet de garder une bordure bien nette J'ai collé cette turquoise très fortement parce que, par expérience, je sais que sa puissance n'est pas aussi forte que celle du violet que nous utiliserons ci-dessous Je dois donc en ajouter plus que prévu pour cela. J'ai donc commencé par le vert, juste pour me faire une idée de ce que c'est puis j'ai nettoyé complètement mon pinceau et j'ai simplement tout le blanc du papier, tout en le gardant épais sur le côté gauche, mélangeant progressivement. Et comme sur l'échantillon précédent, où nous avons créé un rouge d'une manière ou d'une autre, remarquez comment cela crée un bleu, qui est, encore une fois, une couleur primaire. Il est très étrange de voir où nous avons créé un rouge d'une manière ou d'une autre, remarquez comment cela crée un bleu, qui est, encore une fois, une couleur primaire comment nous pouvons utiliser couleurs secondaires pour créer des couleurs primaires Nous n'avons même pas besoin d'un bleu. On peut juste avoir du violet et du vert. D'après ce que nous voyons actuellement, c'est une possibilité très réelle, et je vais utiliser ces informations pour le tableau que nous allons peindre plus tard avec la rose. Maintenant que je sais que ces couleurs peuvent le faire, je vais m'en servir pour faire ressortir ce bleu. Et ce qui est magique dans la création de ce bleu, c' est qu'il ne s'agit pas d'un bleu générique issu d'un tube. C'est un bleu organique que nous mélangeons nous-mêmes. Il y a donc cette harmonie et ce lien avec le reste du tableau. C'est une palette limitée, mais au sein de cette palette limitée de couleurs libres, nous créons un spectre complet. Donc, sur cet échantillon précédent, nous avons créé ce type de rouge rouille, presque comme un pourpre isarin Et sur celui-ci, sans ajouter de bleu, nous avons cette sorte de bleu cobalt. Je dirais que c'est peut-être un peu serein là-dedans. Même si nous n'avons pas ajouté cette couleur, c'est la couleur qui a été créée. C'est à cause des pigments que j'ai utilisés, et si vous utilisez exactement ces pigments, c'est ce que vous obtiendrez. Mais je serais curieuse de voir si vous n' avez pas ces couleurs et si vous voulez explorer votre propre vert, peut-être plutôt un jaune-vert, comment cela l'affecte Cela se produit parce que mon vert se rapproche un peu plus du bleu, et que mon violet, mon violet, tourne un peu vers le bleu. Ce n'est pas le bleu en lui-même, mais en termes de roue chromatique, vous avez des couleurs plus chaudes et des couleurs plus froides. Ainsi, un violet peut être un peu plus rougeâtre ou un peu plus bleuté 9. Orange et vert Green: De même, avec les verts, nous pouvons regarder la roue chromatique et voir ce qui se trouve à côté, et cela peut être d'un vert jaunâtre ou d'un vert bleuâtre Soyez toujours vert, mais cela a une influence sur ce qui se trouve à côté. De même, si nous sommes orange, nous pouvons avoir, comme nous l'avons dit, un orange plus jaune à un orange plus rouge. Et si nous avons réussi à créer du rouge, c'est parce que l'orange est très proche du rouge plutôt que du jaune. Et le vert que nous avons utilisé est plus proche du bleu que du jaune. C'est ainsi que la nature bleue en sort. Ce ne serait pas pareil s'il s' agissait plutôt d'un jaune-vert. Alors, que se passera-t-il ici si nous mélangeons ce vert à l'orange ? Découvrons-le. Si cela devient trop salissant, vous pouvez toujours nettoyer votre pinceau et retirer la peinture avec un pinceau propre et mettre petite serviette ou une éponge comme je l'ai fait ici ou la nettoyer à l'eau Cela crée en fait une sorte de couleur monotone, une couleur grise, qu'il est très utile de connaître car nous ne voulons pas toujours du dynamisme dans nos peintures Même à l'intérieur d'une scène, il pleut peut-être, et nous voulons des lampadaires éclatants, mais le reste du tableau peut être plus gris, et nous savons maintenant comment y parvenir Si nous mélangeons ces deux couleurs, nous obtenons ce genre de couleur sourde intéressante C'est sans doute plus intéressant qu'une simple couleur noire que nous diluons pour obtenir du gris. En mélangeant un gris comme celui-ci, nous avons en fait deux pigments différents à l'intérieur. Nous avons l'orange et le vert. Ainsi, lorsque vous regardez un tableau dans la vraie vie, vous verrez de près l' orange et le vert. Et puis, quand tu prendras du recul, ça aura juste l'air gris. Il a donc cet effet magique qui ne peut être obtenu qu'avec de tels effets. Lorsque vous mélangez les couleurs sur le papier de masquage, veillez à ne pas toucher accidentellement l'échantillon précédent le constater, j'étais sur le point Comme vous pouvez le constater, j'étais sur le point de toucher cet échantillon précédent N'ayez pas peur de trop épaissir avec vos pigments sur le côté gauche. Et même s'il est mouillé de plus en plus, vous pouvez simplement le tamponner progressivement Il n'est pas toujours nécessaire de faire tourner le pinceau sur le papier. Vous pouvez simplement ajouter de petites gouttes sur le pinceau. 10. Créer des primaires: Je vais juste revenir à l'échantillon du milieu car sur le côté gauche, il ne semble pas assez sombre Et je vais en fait mélanger ces deux couleurs dans la palette, mélanger le vert et le violet parce que je veux que ce soit vraiment épais et je ne veux pas trop agiter ce qui s'y trouve déjà Et le violet que j' ai dans mon tube est exactement le même violet que celui que j'ai dans ma poêle, alors je l'ai pris à partir de là. Et regardez comme c'est bleu. Vous pouvez également utiliser une palette ou une assiette si vous préférez mélanger séparément , puis l'ajouter aux échantillons Vous n'êtes pas non plus nécessairement limité à un seul pigment. Si vous souhaitez mélanger plusieurs légumes verts, vous pouvez le faire. Si vous avez différents rouges dans votre collection, vous voudrez peut-être mélanger le rouge Caban avec le rouge cramoisi Elazar pour cramoisi Elazar C'est parfaitement bien. Nous avons donc simplement utilisé trois pigments et les avons mélangés dans toutes les combinaisons possibles. Et ce faisant, nous avons en fait six couleurs maintenant. Bien sûr, nous avons le violet, l'orange et le vert, mais nous avons aussi le rouge, le bleu et le gris. Je suis juste en train de nettoyer ma palette ici parce que cette orange est très tachée. Ça tache ma palette ainsi que le papier, donc tu dois faire attention à ce dynamisme 11. Le triangle sur: Commençons donc par ce triangle. Un processus similaire aux échantillons ci-dessus, mais bien sûr, il s'agit d'une approche à trois angles. Et je dirais que c' est le plus difficile des trois exercices , car au moins avec la bague, transition d' une couleur à l'autre est nette. Avec celui-ci, nous pensons à trois choses différentes en même temps. Mais c'est la même approche. Nous utilisons un pigment épais provenant du tube, orange en haut, vert à gauche et violet à droite. Et au lieu de choisir toutes les couleurs Brook of the Colors tout de suite, je vais activer chacune d'elles individuellement et les assembler de manière quelque peu contrôlée. mélangeant pour voir la couleur générale la palette, c'est le vert que j'ai tendance à utiliser du viridien, mais ce n'est pas le vert que je vais utiliser dans cette étude Mais vous pouvez voir qu'ils sont tous les deux de couleur verte, mais ils ont une nature différente. Le vert viridien ma palette est en fait légèrement viré vers le jaune, même si vous ne voyez pas le jaune directement là-dedans, il dégage plus de chaleur ou de lueur que le type de fraîcheur du vert que j'ai choisi d' utiliser dans Mais revenons rapidement à l'essentiel. Que sont les couleurs secondaires et en quoi diffèrent-elles des couleurs primaires ? Nous avons donc établi les couleurs secondaires le vert, l'orange et le violet, et elles sont généralement mélangées par deux couleurs primaires. Mais contrairement aux couleurs primaires, qui ont tendance à être audacieuses, directes et dominantes, les couleurs secondaires sont un peu plus subtiles et complexes. Ils portent en eux une sorte de souvenir de leurs orangins. exemple, ils incarnent la relation entre les couleurs plutôt que d'être seuls. Cela les rend plus nuancés et expressifs et ouvre un champ émotionnel plus large lorsque nous peignons avec eux. C'est donc une chose utile. 12. Palette limitée: Donc, ce que nous faisons avec cette classe, c'est en fait utiliser une palette limitée, et c'est précisément une palette limitée de couleurs secondaires. Et comment cela améliore-t-il notre créativité au lieu de la limiter , comme indiqué dans le titre ? Il est ironique que cela fasse le contraire car utiliser uniquement des couleurs secondaires peut sembler une restriction, mais en aquarelle, c'est en fait le En nous limitant au vert, à orange, au violet, cela devient une sorte d'étincelle créative. Cela nous pousse à arrêter de penser aussi littéralement et à commencer à interpréter de manière plus expressive Donc, au lieu de simplement copier ce que nous voyons, nous commençons à nous demander : que puis-je utiliser ici ? Comment puis-je modifier cette couleur pour l'adapter à la peinture ? De cette façon, nous augmentons le potentiel de chaque teinte. Et par teinte, je veux dire le titre de la couleur. Et comment le mélange, la superposition et le réglage des valeurs affectent le résultat la suite de cela, nous développons notre compréhension du contraste, des relations entre les couleurs et de l'harmonie générale. Ces montres à dégradés, le triangle que nous peignons et la roue chromatique que nous allons peindre ensuite ne sont pas que de simples exercices Nous les créons pour des cartes visuelles illustrant réellement le comportement des couleurs. En mélangeant le violet à l'orange, vert au violet, etc., nous assistons à cette sorte de danse entre chaleur et fraîcheur, lumière et obscurité, intensité et calme Et ces transitions sont rarement prévisibles. Et c'est ce qui les rend si puissants. En les observant de près, nous apprenons à utiliser ces changements avec intention dans nos peintures pour créer du mouvement, du mouvement et du contraste. Le tout en utilisant une palette très limitée. Chaque couleur secondaire hérite des traits de ses deux parents, sorte que la chaleur ou la fraîcheur des primaires choisies influenceront le Par exemple, si vous mélangez un rouge chaud avec un jaune chaud, votre orange sera ardente et intense, par exemple 13. La roue chromatique: Je me suis juste assuré que tout était complètement sec avant de retirer le ruban adhésif, car il ne fallait pas laisser de traces, et nous avons dû retirer le ruban adhésif pour peindre cette dernière roue chromatique Faisons un bref rappel de la théorie des couleurs, en revenant directement aux principes fondamentaux des termes, des noms des objets Nous sommes donc en train de créer la roue chromatique. Il s'agit d'une roue chromatique limitée, mais une roue chromatique typique permet généralement de cartographier 12 teintes. Trois couleurs primaires, trois couleurs secondaires et six couleurs tertiaires entre les deux Et cela nous aide à voir comment toutes ces couleurs sont liées les unes aux autres, en gros. Nous parlons souvent de couleur en termes de teinte, et c'est le nom même de couleur, comme le vert ou le violet. Alors nous avons de la valeur. Cela peut être considéré comme distinct de la couleur, mais c'est un trait de la couleur elle-même, du qu'elle soit claire ou foncée, teintes si nous ajoutons du blanc et des nuances si nous ajoutons Ensuite, nous avons la saturation ou la chrominance, l'intensité ou la pureté de la couleur Donc, si nous voulons peindre de l'éclat au néon, la saturation augmentera, mais si nous voulons peindre une journée brumeuse, la saturation diminuera Ensuite, nous avons la température, qu'une couleur soit chaude comme l'orange ou le rouge ou froide comme le bleu ou le violet. Et puis il y a les relations entre les couleurs. Des couleurs complémentaires sont placées l'une en face de l'autre sur le volant comme le bleu et l'orange ou le rouge et le vert. Et ils sont parfaits pour un contraste élevé. Ensuite, nous avons les couleurs ogurus, et elles sont voisines comme le vert et le vert, le bleu, le turquoise, puis Ils créent des harmonies plus douces et plus cohérentes. Ensuite, nous avons des couleurs triadiques, et elles sont plus régulièrement espacées. Et c'est ce que c'est. Nous peignons maintenant avec des couleurs triadiques, orange, le vert, le violet, mais vous pouvez également utiliser les couleurs primaires, le jaune, rouge, le bleu, mais peu importe où vous vous trouvez sur la roue chromatique Vous pouvez le diviser en trois n'importe où et faire correspondre les trois. Mais regardons de plus près une par une les couleurs secondaires. Nous avons l'orange, qui est vraiment la couleur de l' énergie et de la chaleur. Il provient du rouge et du jaune, qui sont tous deux des teintes chaudes Il n'est donc pas surprenant que l'orange elle-même soit extrêmement chaude, éclatante et attire l'attention Toutes ces couleurs ont une histoire et beaucoup de symbolisme. L'orange symbolise la créativité, l'enthousiasme, le moment de la récolte et même l'appétit. Pensez aux marchés aux épices lumière dorée du soleil ou aux feuilles d'automne. 14. Variations de couleurs: Ensuite, il y a aussi des variations d'orange. Vous avez une orange rouge qui semble audacieuse, dramatique et ressemble plus à du feu. Ensuite, vous avez le jaune orange, qui est plus ensoleillé et plus accueillant L'orange est idéale pour suggérer la proximité, la chaleur et l'intimité, en particulier lorsqu'elle est placée à côté du bleu, qui est sa couleur complémentaire Passons au vert. Le vert est le résultat du jaune et du bleu. Cela signifie que sa température peut varier dans deux sens, en fonction du mélange. Ainsi, un jaune-vert donne une sensation de fraîcheur, d'agrumes, comme au printemps. Un bleu-vert est plus profond, plus sophistiqué, comme ça, c'est une couleur sarcelle, une sorte de couleur marine profonde Le vert est généralement apaisant, ancré. Il est utilisé pour représenter la santé, la croissance, la stabilité. C'est pourquoi une grande partie de la devise est utilisée comme verte, car elle a cette connotation avec la croissance En peinture, les verts plus froids ont tendance à reculer en arrière-plan tandis que les verts plus chauds ont tendance à apparaître. Ainsi, lorsque vous mélangez le vert avec le rouge, c'est gratuit. Vous pouvez le neutraliser pour obtenir magnifiques gris terreux et des tons naturels, un peu comme cet échantillon que nous avons fait sur la gauche Passons ensuite au violet, qui est une couleur très mystérieuse, qui est évidemment composée de rouge et de bleu. est généralement une couleur froide, mais elle peut être modifiée en fonction de votre mix. Si vous avez un violet rougeâtre, il penche vers le magenta et la passion, tandis qu'un bleu-violet, un bleu-violet, est un peu plus mélancolique Nous pouvons utiliser le violet pour exprimer un ciel crépusculaire, scènes imaginatives, car c'est une couleur assez artificielle Cela peut transmettre beaucoup d'humeur. Et il se marie bien avec le jaune, qui est sa couleur complémentaire, et qui peut également atténuer l'intensité ou créer des tons terreux doux Si nous revenons aux livres d'histoire, les empereurs romains avaient l'habitude de porter du violet dans leurs robes parce que c' était si rare et luxueux Aujourd'hui encore, il est associé à la royauté. 15. Sous-couche de rose: Nous allons commencer avec quelques sous-couches légères pour cette rose et voir comment j'utilise le jaune pour mélanger mon propre vert ici Avec le recul, j'ai découvert que c'était une erreur. J'aurais vraiment aimé le laisser avec le vert que nous avons utilisé pour l'exercice et le garder pur et conforme à la palette de couleurs et aux exercices que nous avons déjà établis. Mais malgré tout, cela n' enfreint pas nécessairement les règles, car c'est toujours un vert. Nous utilisons toujours une couleur secondaire, même si nous utilisons du jaune pour la mélanger. Mais vous verrez vous-même comment le choix d'utiliser cette couleur la fait ressortir plutôt que de rester alignée et de rester en harmonie avec le reste de la palette. Mais c'est une leçon en soi. L'essentiel de cette peinture est la façon dont chacune de ces couleurs joue un rôle spécifique et expressif. Nous allons utiliser leurs personnages pour amplifier et tirer le meilleur parti de ce qu'ils sont, car l'orange agit comme une source de lumière et de chaleur Et, bien sûr, c'est ce que nous allons utiliser pour la rose ajoute de l'éclat et de l'énergie, même sans utiliser le jaune. Et puis le violet devient notre sorte d'ancre. Cela le met dans l' ombre, le mystère. En profondeur. Et nous allons utiliser une grande partie de ce bleu dans l'échantillon central que nous avons créé, où nous avons mélangé du violet et vert pour créer ce type de violet bleuté Cela nous permet d'atteindre des valeurs sombres sans avoir à passer au noir ou au blanc car vous pouvez voir que le violet que nous avons utilisé est le pigment le plus foncé que nous ayons C'est donc le plus sombre que nous puissions atteindre, ce qui est en fait assez sombre Quand c'est si concentré comme ça, ça a l'air noir. Et puis nous avons le vert, que nous associons naturellement déjà aux feuilles et à la tige. Mais ici, nous allons aller plus loin. Nous allons faire en sorte qu' il fasse plus que car il agit comme une force d'équilibre, neutralise les zones, crée du contraste et à l'arrière-plan sensation d'ancrage et d'atmosphère, en particulier lorsque nous le mélangeons aux autres teintes Nous pouvons également l'utiliser pour faire du gris avec de l'orange. Il est donc intéressant de voir comment nous allons utiliser ces couleurs, non seulement en tant que telles, mais aussi en tant que relations avec d'autres couleurs, en raison l'interaction et possibilités de mélange surprenantes qui en découlent L'un des aspects les plus intéressants de la peinture avec des élèves secondaires est la façon dont ils peuvent à nouveau se comporter comme des élèves du primaire C'est presque comme s'ils revenaient sur la roue chromatique. les compétences et la prise de conscience que nous développons dans ce cours ne s'appliquent pas Cependant, les compétences et la prise de conscience que nous développons dans ce cours ne s'appliquent pas uniquement aux roses. Nous ne prenons cela qu'à titre d'exemple. Cette approche qui consiste à travailler avec des élèves du secondaire et à apprendre à créer de l'harmonie à partir d'une palette limitée peut être appliquée à de nombreux sujets différents, non seulement aux fleurs, mais aussi aux paysages, aux résumés, aux natures mortes Cela nous donne confiance dans le mixage et nous aide à comprendre la valeur de manière plus intuitive, à faire des choix expressifs audacieux en matière de couleur 16. Contrôle de bords: Remarquez comment je me suis référé à l'échantillon en haut à gauche pour mélanger un rouge en utilisant essentiellement cette couleur orange et violette Les échantillons et les exercices que nous avons effectués nous ont permis d'être très libres et nous les avons encouragés à repousser leurs limites sans trop de contrôle Mais la peinture de cette rose y ajoute un autre élément car nous devons être un peu plus conscients. Et c'est un autre élément du processus de peinture. Nous ne nous contentons pas de peindre des choses au hasard à la fin de la journée. Nous devons donc prendre ce que nous avons appris au cours de ces exercices, le concentrer et travailler sur la partie de notre cerveau, le type de muscle du cerveau qui réfléchit un peu plus à la manière s'appliquer, à nos décisions personnelles et à ce que nous voulons exprimer. L'un des moyens d'y parvenir consiste à contrôler les contours et à utiliser non seulement la vivacité des couleurs, mais aussi à utiliser des couleurs neutres pour modifier l'éclat afin de faire ressortir certaines zones Nous voulons donc qu'il soit un peu plus neutralisé en arrière-plan pour faire vraiment ressortir les feuilles et la rose Parce que nous ne pensons pas uniquement à la couleur lorsqu'il s'agit de peinture. Je sais que c'est un cours de théorie des couleurs, mais en fait, la couleur n'est pas autonome. Il est affecté par tous les autres éléments. Ils sont liés au ton, façon dont il interagit avec la forme et aux contours de l'espace Et les bords jouent en fait un rôle important dans cette peinture. Les bords nets et définis des pétales. C'est ce qui attire l'attention du spectateur, tandis que les bords de l'arrière-plan sont légèrement estompés pour que tout le reste s'estompe doucement. Ainsi, le contraste entre le net et le doux est tout aussi puissant que le contraste entre la lumière et l'obscurité. Et nous pouvons utiliser la couleur pour passer au niveau supérieur. Vous pouvez voir que nous sommes déjà en train d'expérimenter avec le ton au bas de cette rose 17. Commencer l'arrière-plan ground: Maintenant, tout est à peu près sec, surtout les feuilles et la tige. Nous allons les peindre négativement. Nous avons donc peint le contour un peu plus loin que prévu, juste pour atteindre le bord, et maintenant je vais revenir à une couleur foncée et neutre pour peindre négativement cette tige. Ce sera donc une sorte de lumière sur un sujet sombre. Mélangez une belle couleur neutre avec du vert et du violet. Et on peut même y ajouter un peu d'orange. Comme au centre de notre triangle, c'est très neutralisé et gris à cet endroit Lorsque vous mélangez des couleurs secondaires dans les bons ratios, vous pouvez obtenir ces magnifiques tons gris, comme le bleu fumé, le gris, l'effet éthéré, le violet sourd ou même vous pouvez obtenir ces magnifiques tons gris, comme le bleu fumé, le gris, le brun terreux Et ce sont ces couleurs subtiles qui créent un équilibre dans la peinture, car elles sont toutes fabriquées les unes à partir des autres. Ils n'ont pas la même génétique, mais ils ont le même héritage, ils travaillent donc ensemble au sein de la même famille. Je vais utiliser cet arrière-plan pour être très expressif et tirer le meilleur parti de la partie la plus imprévisible de l'aquarelle, en particulier lorsque nous les mélangeons toutes les trois et que nous essayons d'obtenir un ton sourd C'est donc le moment idéal pour être un peu sauvage et surtout se laisser aller à l'aquarelle Je veux dire, vous pouvez faire ces choses à l'acrylique et à l'huile, mais ce que j' aime dans l'aquarelle, c'est la nature expressive de l'eau et du pigment et la façon dont ils peuvent se déplacer d'une manière incontrôlable Nous ne contrôlons pas toujours l'action du pigment. Parfois ça coule, ça fleurit. Crée ces petites explosions tranchantes. Cela nous surprend. Ainsi, plutôt que de le forcer dans ce domaine, nous pouvons apprendre à réagir, à pratique cet aspect des choses, là où cela n'a pas vraiment d'importance. Nous pouvons apprendre à l' écouter, à expérimenter. Il s'agit moins d'y imposer notre volonté que de collaborer avec la peinture. Cet état d'esprit qui consiste à travailler avec le médium plutôt que contre lui. Et c'est quelque chose qui nous tient à cœur en dehors de la peinture, en fait. Je m'amuse à expérimenter avec de petits changements graduels de couleur Vous pouvez donc voir qu'il fait un peu plus sombre en bas, peut-être un peu plus bleu, plus frais Et au fur et à mesure que nous montons, c'est presque du violet pur dans cette section. Et puis ajoutons-y à nouveau un peu de vert pour le varier un peu plus. Je dois faire en sorte qu'il fasse particulièrement sombre parce que je ne veux pas voir la sous-couche de la tige et de la feuille Vous devriez avoir votre dessin au crayon assez clairement dessiné afin de savoir quelles parties laisser. Il est toujours important d'expérimenter avec vos pigments avant de les travailler sur une pièce finale, car il y aura défis et des embûches que nous ne connaîtrons pas tant que nous n'aurons pas réellement interagi avec Bien que nous puissions mélanger couleurs secondaires avec des couleurs primaires pures, ce n'est pas ce que nous faisons aujourd'hui Obtenir des vierges propres et éclatantes n'est pas toujours 18. Biais de pigment: Il existe ce que l' on appelle le biais pigmentaire, ce qui signifie que si nous voulons créer ou mélanger des couleurs vives à partir d'autres couleurs, ce n'est pas nécessairement comme le dit la théorie. Par exemple, si vous voulez créer un joli violet éclatant, vous pouvez théoriquement mélanger le rouge et le bleu, mais ce ne sera pas toujours le cas Si vous mélangez un rouge chaud avec un bleu froid, le violet deviendra boueux ou terne Si vous voulez un vert brillant, il est généralement préférable d' utiliser un bleu froid et un jaune froid plutôt que d'utiliser un bleu froid et un jaune chaud ou un bleu chaud et un jaune froid. Il est donc crucial de comprendre vos pigments individuels, pas seulement le nom des couleurs, pas seulement le nom des couleurs, mais aussi leur comportement. Et parfois, vous pouvez le déterminer. Comme je l'ai dit, si vous voyez une couleur comme le vert et que vous décidez et observez s' il s'agit d' un vert chaud ou d'un vert froid et de même, s' il s'agit d'un pigment, qu'il s'agisse d'un rouge chaud ou d'un rouge froid, d'un jaune chaud ou d'un jaune froid, vous pouvez regarder une roue chromatique et la distinguer, savoir avec quoi vous le mélangez, et vous pouvez en quelque sorte en prédire les résultats. Mais si vous voulez le faire de manière intuitive, c' est essentiellement ainsi que nous le faisons par essais et erreurs Parfois, la théorie peut nous submerger parce qu'elle contient tellement d'informations, et ce ne sont que des règles, gros, des règles qui semblent être des limites Il est donc facile de se laisser submerger, mais bien sûr, nous sommes attirés par la théorie, et nous nous intéressons à la théorie, aux règles de composition et toutes les connaissances techniques, car cela nous donne quelque chose à quoi nous accrocher, quelque chose que nous pouvons saisir mentalement. C'est donc rassurant, de cette façon. C'est clair, c'est logique, et cela nous donne un cadre qui nous rend ou qui impression que le processus de création est plus structuré et gérable Et à bien des égards, c'est une bonne chose, car il faut connaître la nature et la façon dont les techniques sont utilisées. Comme le dit le célèbre dicton, il faut apprendre les règles avant de pouvoir les enfreindre. Il est rassurant d' apprendre les règles, et il est satisfaisant de comprendre pourquoi certaines couleurs se marient bien ou pourquoi une composition semble équilibrée. Et cette compréhension intellectuelle nous donne une impression de progrès et nous donne le sentiment de bien faire les choses. Mais il y a un petit paradoxe car il m'a fallu beaucoup de temps pour rendre compte récemment que ce qui nous aide à nous sentir plus en contrôle peut aussi devenir ce qui nous freine. Lorsque nous nous concentrons trop sur la théorie, trop obsédés par l'idée de la corriger, nous commençons à remplir notre esprit d'attentes et listes de contrôle mentales au lieu de réagir à la peinture à chaque instant 19. Transgresser les règles: Lorsque nous ne réagissons pas au tableau sur le moment, nous commençons à le juger et analyser chaque mouvement que nous resserrons, nous remettons en question. Et puis cette énergie expressive naturelle, cette étincelle qui donne impression qu' une peinture est vivante, commence à s'estomper. Nous passons peut-être des heures à réfléchir aux rapports de contraste entre la température et la couleur, mais nous perdons le contact avec la voix intuitive qui sait simplement ce dont le tableau a besoin. Nous avons peut-être mémorisé toutes les règles, mais nous nous sentons toujours bloqués parce que nous n'avons pas pratiqué ce côté expressif plus intuitif Parce que le véritable art, pour ainsi dire, celui qui nous touche, celui qui nous touche, ne provient pas du respect parfait des règles Cela vient d'un endroit plus profond, d'une volonté de lâcher prise, d'écouter, de ressentir, de s'abandonner, contrôler et de réagir au moment présent. Honnêtement, et ça a l' air un peu fée et parce que c'est le cas. Cela vient d'un domaine qui ne peut pas être écrit dans les manuels scolaires, et c'est le domaine dans lequel j'ai du mal à me débarrasser de la théorie parfois ou du moins à arrêter de m'y accrocher Et c'est là que la magie commence à opérer une fois que vous avez en quelque sorte intériorisé la théorie pour l'abandonner un peu Et nous cessons de trop réfléchir, nous commençons à nous frayer un chemin dans le travail, à avoir confiance en nous, pas seulement en nos compétences, mais aussi en notre instinct Nous commençons à peindre à partir de la présence, de l'émotion, de quelque chose de plus brut et vivant, quelque chose qui, encore une fois, ne peut pas être écrit dans les manuels scolaires, quelque chose de réel Et souvent, ce qui émerge dans ces moments-là, ce sont les coups de pinceau spontanés, le mélange de couleurs inattendu, la touche douce que nous n'avions pas prévue. C'est quelque chose de bien plus puissant que tout ce que nous aurions pu calculer, parce que c'est réel, c'est humain et ça a une âme. La théorie n'est donc pas l'ennemi. C'est un outil, et c'est de cela qu'il s'agit, et nous devons connaître nos outils. C'est une langue, une structure de soutien, mais ce n'est pas la destination. Nous apprenons les règles afin pouvoir les parcourir et, éventuellement, peindre en toute liberté, clarté et confiance. Parce qu'en fin de compte, nous cherchons ce qui nous pousse vraiment à peindre. Il ne s'agit pas simplement de bien faire les choses. C'est ressentir quelque chose et exprimer ce sentiment avec honnêteté. Cependant, imparfaitement, c' est de là que vient le véritable art Et cela peut demander beaucoup de courage. Mais c'est pourquoi nous le décomposons et expérimentons avec des palettes de couleurs limitées. Expérimentez avec les couleurs primaires, expérimentez avec les couleurs secondaires, entraînez-vous avec les orteils, entraînez-vous avec les bords. Toujours en travaillant sur le fond, vous constaterez que la majeure partie de cette peinture est en fait une peinture négative. Donc, une fois que nous avons peint le fond, la rose est réellement apparue. En peignant le fond, nous peignons la rose. 20. Couleurs complémentaires: Nous n'utilisons pas réellement les couleurs complémentaires des couleurs secondaires de cette peinture. est pourquoi il s'agit d'une palette de couleurs limitée, mais nous devrions quand même en parler, car lorsque nous les utilisons, elles peuvent être utilisées pour l'harmonie et le contraste. Chacune des couleurs secondaires possède une couleur primaire complémentaire qu'elle ne contient pas. L'orange ne contient donc pas bleu car elle est composée de jaune et de rouge. Le vert ne contient pas de rouge parce qu' il est fait de jaune et de bleu, et le violet ne contient pas de jaune. Ces combinaisons créent donc un contraste maximal. Parfait lorsque vous allez de l'avant avec cette palette en dehors des palettes limitées et que vous souhaitez créer un point focal fort ou un moment émotionnel à fort impact dans votre peinture. Lorsque vous avez ces deux couleurs côte à côte, pas mélangées, car lorsqu'elles sont mélangées, c'est à ce moment-là que nous créons les gris les bruns ou les tons neutres dont nous avons parlé Cela nous aide à contrôler le dynamisme, apporter l'équilibre et les tonalités Ces couleurs secondaires fonctionnent également bien avec les combinaisons d'anoglus. Par exemple, le vert, le bleu, le vert et le violet. Cela crée une sorte de palette douce et naturaliste R. Maintenant, mélangez une autre combinaison de couleurs sombres en bas. Il va donc faire beaucoup plus sombre en bas et passer à un mélange plus clair en haut. Regarde comme c'est gris. L'une des hypothèses les plus courantes en peinture, particulier pour ceux qui débutent, est que nous avons besoin du noir ou même bleu pour créer des ombres fortes ou des valeurs sombres. Il semble naturel d' utiliser ces pigments profonds lorsque nous voulons ajouter ce contraste ou cette structure forts. Mais ce que montre ce cours, c'est que la vérité est que nous n'en avons pas besoin. Même avec une palette limitée, nous pouvons toujours obtenir une gamme complète de valeurs expressives , des tons les plus doux et les plus clairs aux ombres profondes et dramatiques, tons les plus doux et les plus clairs aux ombres profondes et dramatiques sans même toucher le noir ou le bleu Il s'agit de comprendre le fonctionnement de la valeur et d'apprendre à faire confiance au pouvoir de nos couleurs, même lorsque nous travaillons avec des combinaisons inattendues. Au début, il peut sembler un peu faux d'utiliser un pigment foncé aussi épais à l'aquarelle, car nous l'associons généralement à des lavis ou à des illustrations destinées uniquement à des croquis plutôt qu' peintures finales finies nécessitant une profondeur tonale complète 21. Ton sans noir: Nous pouvons toujours manipuler le ton et le drame sans utiliser le noir ou le bleu, comme je l'ai dit, et obtenir la gamme tonale complète Nous pouvons toujours façonner la forme avec la lumière et l'ombre. Et nous utilisons la superposition pour y parvenir en grande partie. Disons que nous voulons créer des ombres sur un côté de la rose. Au lieu de choisir le bleu ou le noir, nous pouvons utiliser le violet, qui a cette qualité froide et maussade Et en l'ajoutant progressivement à une fine couche translucide, nous pouvons lui couche translucide, donner une valeur de plus en plus foncée tout en conservant cette transparence subtile propre à l'aquarelle De même, si nous travaillons sur la tige ou sur l'arrière-plan, nous pouvons approfondir le vert. Un vert qui peut commencer par être doux et frais peut devenir riche et terreux lorsqu'il est superposé Avec ce vert que nous utilisons aujourd'hui, ce bleu sarcelle cobalt, il ne fait pas trop noir. Nous pouvons le voir sur nos échantillons. Mais si vous regardez ma poêle, ce vert viridien, qui devient très, très foncé qui devient très, très Cela a une large gamme tonale. Ensuite, nous voulons y mélanger de l' orange ou du violet Cela ne nous donnera peut-être pas un noir uni, mais cela nous donnera quelque chose de mieux et cela le rendra plus atmosphérique. Il ajoute de la complexité aux ombres plutôt qu' un noir terne et immobile Cette approche nous enseigne donc quelque chose d'important l'obscurité ne doit pas nécessairement être synonyme d'ennui Les ombres ne doivent pas nécessairement être plates ou incolores. Lorsque nous créons nos tons foncés à partir de la palette, nous les avons déjà créés, ils ont l'impression d'être liés au reste de la peinture Ils s'harmonisent avec les zones claires. Ils ont la même énergie et ambiance car ils sont fabriqués à partir des mêmes couleurs. Et d'une certaine manière, c'est plus honnête, plus unifié. L'ensemble du tableau a l'impression d' appartenir au même monde. Ainsi, au lieu de nous fier aux noirs ou aux bleus comme raccourcis, même en dehors de cette catégorie, nous pouvons commencer à considérer la valeur comme quelque chose que nous créons, et non comme quelque chose que nous ajoutons. C'est un processus d'observation, superposition de changements subtils Maintenant que nous avons terminé l'arrière-plan, vous pouvez voir à quel point il est bleu, même si vous n'utilisez pas du tout de bleu, en utilisant le bleu sarcelle au cobalt et le violet Une fois que vous avez découvert la profondeur et la richesse que vous pouvez obtenir avec seulement quelques couleurs, vous réalisez que vous n'avez pas besoin de ces pigments supplémentaires. C'est incroyablement stimulant. Et nous irons toujours à la boutique d'art pour nous inspirer d'un nouveau pigment et nous l'achèterons quand même. Mais ce n'est pas grave non plus, car ils ont des qualités différentes à part la teinte et la couleur. Et nous pourrons en parler dans la prochaine leçon. Il ne s'agit pas d'avoir plus de couleurs, en fin de compte. Il s'agit d'utiliser ce que vous avez avec clarté et confiance. Et lorsque vous apprenez à le faire, vous pouvez créer de la valeur dans une palette limitée, et toute votre approche de la peinture commence à changer, et vous savez alors que vous avez encore plus de pouvoir avec les pigments frais que vous achetez. Commencez donc à vous faire confiance et à voir la couleur comme quelque chose de fluide et d'expressif. Et puis vous constaterez que votre travail gagne en unité, en subtilité, en profondeur émotionnelle sans même avoir besoin d'une goutte de noir. 22. La nature des pigments: Prenons un moment pour nous concentrer directement sur la théorie des couleurs et réfléchir à quelque chose d'un peu plus subtil dans cet élément pigmentaire. Quelque chose qui est facile à oublier, mais qui joue un rôle important dans le choix de nos couleurs et dans la façon dont nos peintures prennent vie. Plus précisément en aquarelle et le comportement des pigments dans l'eau Parce que nous parlons souvent de couleur en termes de teinte, d' orange, de vert, de violet, et de la façon de mélanger ou de superposer les peintures. Mais à l'aquarelle, les pigments ne sont pas que des couleurs. Ce sont en fait des substances réactives vivantes, en particulier ces pigments de Daniel Smith Vous pouvez voir qu'ils utilisent de vraies roches et des minéraux provenant d'éléments réels. Et ils ont tous leur propre personnalité. Et apprendre à travailler avec eux comme vraiment avec eux peut transformer notre façon de peindre. Certains pigments sont audacieux. Ils se chargent sur le papier au moment où ils touchent du papier mouillé, comme si l'orange qu' il contient était très facile à étaler. Il suffit de le toucher et il devient puissant presque avec impatience. Et ça tache ma palette. C'est comme s'ils voulaient prendre le plus de place possible parce que les pigments sont si fins qu'ils voyagent simplement avec l'eau. Pourtant, le vert, ce bleu sarcelle, est plutôt calme. Ils ont besoin d'un peu plus d'encouragement. Ils s'installent très doucement. Ils restent là où ils sont. Ils bougent à peine s'ils ne sont pas encouragés. Et puis, comme ce vert, il est très granulé. Ils aiment granuler. Ils se décomposent en petits points et s'installent dans la texture du papier ou dans les dents du papier, comme on l'appelle généralement Il crée un effet doux, sableux et magique. Contrairement, encore une fois, à l'orange , qui est fine, lisse et homogène. Ça coule comme de la soie, en gros. Le problème avec cette orange, aussi éclatante soit-elle, comme je l'ai dit, elle tache. Une fois qu'ils ont touché le papier, ils sont là pour de bon. Je veux dire, vous pouvez en retirer l' épaisseur, mais ce sera du papier orange quoi qu'il arrive. Oui, d'autres le soulèvent très facilement, et nous pouvons l'utiliser pour le remodeler, l' adoucir ou même le supprimer complètement en cas d'erreur Et si vous regardez dans le tube de peinture à l'aquarelle, les tubes d'aquarelle ou les peintures, ils ont de petits logos qui vous indiquent la nature du pigment C'est comme un petit monde caché d'aquarelle. Il ne s'agit pas seulement de ce que nous peignons, mais du comportement de nos matériaux. Et mieux nous le comprenons, plus nous pouvons abandonner le contrôle et peindre en harmonie avec le médium plutôt que de battre constamment contre celui-ci 23. Vert difficile: Et puis il y a le vert, une couleur qui peut être fabriquée à partir d'une grande variété de combinaisons de pigments. Certains légumes verts sont lisses et transparents, parfaits pour la pose, comme le viridian D'autres ont une belle granulation comme celle que nous utilisons aujourd'hui Je pense que nous devrions approfondir le vert et sa nature, car s'il y a une couleur qui cause plus de givre qu'une autre, surtout pour les débutants, c'est bien surtout pour les débutants, c'est C'est logique car le vert apparaît partout dans les paysages, les fleurs, les natures mortes, mais ce n'est pas vraiment simple À l'aquarelle, le vert n'est pas une seule couleur. C'est comme un spectre entier en lui-même. Le vert est souvent délicat parce que nos attentes à son égard sont très fortes. Nous voyons du vert dans la nature tout le temps, l'herbe, des arbres, des plantes, de la mousse. Mais en réalité, les verts les plus naturels sont sobres, complexes et changent constamment au lieu d'avoir la même teinte Elles sont pleines d'ombres, de variations de température et de variations subtiles. Mais la plupart des légumes verts que nous obtenons dans un tube, en particulier les légumes synthétiques, sont incroyablement résistants, artificiels et puissants. Ainsi, lorsque nous les utilisons directement du moule ou du tube sans aucune modification, les résultats peuvent paraître anormaux, plats ou choquants et presque caricaturaux C'est donc là que le combat commence. En fait, il existe plus de variations de vert que presque toutes les autres couleurs de la palette. Et chacun se comporte différemment. Certaines sont chaudes, tendent vers le jaune, comme le vert sève, l'or vert ou l'olive. Et puis nous avons des légumes verts frais qui penchent vers le bleu, comme le vert palo, viridien ou le vert cobalt Et en fait, certains légumes secs sont beaucoup plus froids qu'ils n'en ont l'air mouillés. Donc, bien sûr, dans le contexte de cette peinture, nous pouvons réchauffer un vert froid en ajoutant une touche d'orange et nous pouvons le refroidir, refroidir le vert jaunâtre en mélangeant un peu de violet Et avec ces petits changements, nous pouvons passer d'un vert artificiel à un vert plutôt terreux Le vert de cette peinture est très artificiel, en fait, mais comme il se trouve dans une palette limitée, il fonctionne en quelque sorte. C'est tout simplement logique. Mais si nous essayions de créer une scène plus naturelle et réaliste, scène plus naturelle et réaliste, il faudrait en être un peu plus conscients. Si nous travaillions en dehors d' une palette limitée avec n'importe quelle couleur, nous pourrions utiliser le rouge. C'est une couleur complémentaire. Nous ne l'utilisons pas dans ce casting, bien sûr, mais nous pouvons créer des effets similaires en l' ajoutant en fonction du vert que nous utilisons. 24. Observer la Nature: L'idée principale des légumes verts est de ne les utiliser que dans des mélanges, et non de manière isolée. Au lieu de considérer le vert comme une couleur autonome, cela devrait simplement être la base Vous devez toujours le mélanger avec du violet, de l'orange ou du rouge, ou n'importe quelle couleur, vous pouvez simplement expérimenter. Vous pouvez consulter mes nuanciers et constater la polyvalence de tout cela. Et une bonne pratique que vous pouvez faire dans votre vie de tous les jours est d' observer la nature de plus près, car la nature n'utilise jamais un seul vert. Même une seule petite feuille peut contenir un peu de vert jaune pour les reflets ou un vert froid pour les tons moyens et un vert violacé plus foncé pour les ombres ou même comme des tiges orange et rouge Donc, être attentif et évaluer s' il s'agit d'un vert froid ou d'un vert chaud dans la vraie vie pourrait simplement vous aider à le comprendre, ce qui est utile. J'ajoute quelques reflets à cette rose pour le moment, en utilisant simplement du blanc. C'est donc toujours autorisé parce que c'est blanc. Cela n'a rien à voir avec la teinte. C'est une question de ton. Mais étant si subtile , je ne veux pas en faire trop Quelques petites indications points forts ne font que le faire ressortir. Il est très facile d'en faire trop avec les points forts. Je l'ai fait de nombreuses fois. Mais c'est cette retenue, cette petite indication où il est toujours visible, mais qui ajoute simplement un peu de clarté, de précision, de finesse, lui donne un aspect un peu plus sophistiqué que si nous en ajoutions simplement de grandes taches. Comme cette petite feuille. Je ne suis pas sûr que cela s'appelle une feuille qui vient du bas des rangées, une petite ligne fine. Nous savons que c'est un point fort, mais il a cette netteté. 25. Réflexions finales: Bienvenue à nouveau et félicitations pour avoir terminé ce cours sur le décryptage de la théorie des couleurs à l'aide de couleurs secondaires J'espère que vous avez aimé jouer avec l'orange, le vert et le violet autant que moi. Qu'il s'agisse d'échantillons, de théories ou de notre peinture florale finale, nous avons vu comment une palette restreinte peut réellement ouvrir de nouvelles possibilités d' expression, améliorant ainsi notre compréhension de l'harmonie des couleurs, de la température et du contraste N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous quitterez ce cours avec l'envie d' utiliser ces techniques dans vos propres aquarelles et d'utiliser l'aquarelle de nouvelles manières intéressantes. D'ici là, bonne peinture. Au revoir pour