Comment peindre : des fleurs déliées à l'aquarelle

1. Intro NOUVEAU: Peindre librement semble être un concept effrayant parce que vous n'esquissez pas toujours ou n'avez pas de plan. Mais la peinture de cette façon m'aide à me libérer de mon perfectionnisme et à développer mon propre style. Salut, je m'appelle Audrey. Je suis aquarelliste, calligraphe et éducatrice dans la région de Chicagoland, et j'enseigne sur Skillshare depuis 2017. Mon voyage avec les aquarelles a commencé en 2016, et les fleurs en vrac ont été mon premier amour. Dans ce cours, je veux vous apprendre tout ce dont vous avez besoin pour commencer votre propre voyage floral en vrac. Nous allons apprendre les bases de l'aquarelle telles que les techniques, la théorie des couleurs et les éléments floraux faciles, puis nous appliquerons ces connaissances à peindre trois arrangements floraux uniques. Ce cours est parfait pour les débutants qui commencent tout juste leur voyage. À la fin de la classe, vous serez en mesure de peindre toutes sortes d'arrangements floraux, qu'ils soient inspirés de photos ou de votre propre imagination. Prenez vos fournitures et plongons dans le monde des fleurs en vrac à l' aquarelle. Je te verrai là-bas. 2. Qu'est-ce que le style floral libre: Que signifie un style floral lâche ? Tout en peignant librement peut sembler différent d'un artiste à l'autre. Pour moi, peindre librement signifie que vous ne coloriez pas dans les lignes et qu'il n'y a pas de lignes pour commencer. Habituellement, il n'y a pas beaucoup de croquis en jeu. Il peut y avoir des croquis comme dans la planification d'une composition, mais pas de croquis d'éléments floraux réels sur votre papier aquarelle. Puisque vous ne coloriez pas à l'intérieur des limites, vous pouvez compter sur les coups de pinceau et les gestes que vous peignez. Au lieu d'utiliser votre pinceau comme un outil de coloriage où vous le tenez comme un stylo, ajustez votre poignée de sorte que vous le tenez plus comme un outil de peinture où vous aurez plus de mouvement avec votre poignet. Tout style de peinture est toujours fondé sur des techniques de base telles que l'observation, esquisse et la théorie des couleurs, que nous discuterons plus tard dans cette classe. Maintenant, je ne couvrirai aucune observation ou esquisse dans cette classe particulière, mais plus vous serez capable d'étudier la fleur, mieux vous serez en mesure de déconstruire en simples coups de pinceau. J' espère sortir avec un autre cours qui vous aidera à faire ça. Enfin, peindre librement signifie que vous capturez l'essence du sujet. Le but n'est pas de peindre de façon réaliste ou précise, au lieu de cela, vous espérez simplement capturer l'impression, sorte que certains détails peuvent être laissés de côté et que seuls les détails les plus cruciaux sont conservés. Si ça ressemble à votre confiture, regardons les fournitures que nous allons utiliser et faisons peindre. 3. Présentation des fournitures: Dans cette vidéo, parlons des fournitures dont vous aurez besoin. D' abord, parlons de pinceaux. Maintenant, les brosses sont disponibles dans tous les types de formes et de tailles, et même la qualité peut différer selon si vous avez de vrais poils d'animaux ou synthétiques. J' aime utiliser les brosses synthétiques parce qu'elles sont plus abordables. La forme dont vous aurez besoin pour cette classe est la forme ronde. Je trouve que c'est le plus polyvalent et idéal pour les débutants. En termes de tailles, commencez par une taille 2, et une taille 6 ou huit. Les deux seront parfaits pour les petits détails, et les six ou les huit seront parfaits pour les traits larges, ainsi que les détails fins. Les pinceaux ronds ont tendance à avoir un beau corps complet ici au milieu, puis ils arrivent à un point qui vous aidera à obtenir des ridules vraiment fines si vous en avez besoin. La marque que j'utilise est le Creative Mark et il peut être trouvé chez Jerry's Artarama, mais vraiment n'importe quelle marque de bonne réputation est bonne. D' autres marques que je possède sont la série Winsor& Newton Cotman, les pinceaux Princeton Heritage et Grumbacher. Une fois que vous avez vos brosses, assurez-vous d'en prendre soin, de les laver fréquemment, ne pas laisser vos brosses dans votre tasse d'eau et de temps en temps, lavez-les à l'eau douce savonneuse. Le papier que je vais utiliser pour cette classe est l'aquarelle Canson XL, et j'ai un grand tampon de 11 pouces par 15 pouces ici. Ces coussinets sont agréables parce qu'ils viennent juste comme des feuilles simples et donc vous pouvez simplement arracher et le couper à la taille si vous avez besoin, ou juste peindre ici si vous le souhaitez. Le papier aquarelle est pressé à froid, pressé à chaud ou rugueux. Personnellement, je n'ai jamais utilisé un type grossier, donc je ne peux pas en parler. Tout ce que je sais, c'est qu'il a beaucoup plus de texture que le papier de presse à froid. Le papier de presse chaud a une texture très lisse, il est donc idéal pour un type de travail très détaillé comme la peinture botanique. Mais à des fins générales et pour l'aquarelliste débutant je pense que la presse froide est le meilleur endroit pour commencer. Certaines des marques que j'ai utilisées auparavant sont Canson, Strathmore, Arches et les revues Moleskine. papier joue vraiment un rôle dans l' aspect de vos peintures , car selon la qualité du papier, il va affecter l'absorption de l'eau et des peintures. Bien que le Canson soit abordable, je ne l'utilise généralement pas pour les pièces finales ou pour les pièces de commande, pour cela, j'utilise habituellement les Arches. Le papier aquarelle est généralement de 140 livres et 300 grammes par mètre carré, et c'est assez standard. Si vous allez plus bas que cela, vous remarquerez que votre papier commence à flamber et à se déformer parce qu'il y a trop d'eau. Si vous pouvez aller un peu plus épais, ce sera encore plus grand, mais 140 livres est assez standard. Parlons de peintures. La marque que j'utilise est la marque Lucas, et vous pouvez le trouver chez Jerry's Artarama aussi. Les peintures peuvent être trouvées en qualité d'étudiant ou d'artiste. Grade étudiant signifie simplement qu'il a moins de pigments et plus d'éléments de remplissage, sorte qu'il peut être moins cher. Qualité artiste, même si elles peuvent être livrées dans des paquets plus petits, elles ont beaucoup plus de pigments, donc vous en utilisez moins. J' ai trouvé que la marque Lucas est un bon médium. Il est de qualité artiste, mais il est abordable. Les peintures peuvent venir sous forme de pan comme dans ma palette ici, elles peuvent aussi venir sous forme de tubes ou de liquide. Si vous êtes un débutant en regardant ce cours, je vous recommande peut-être d'acheter une palette de 12 couleurs ou plus. Toutes les couleurs d'eau vous diront que moins c'est plus, alors n'avez pas l'impression d'avoir à acheter chaque couleur de l'arc-en-ciel. Commencez par les couleurs de base, comme les primaires, peut-être un vert ou deux. J' aime avoir un brun, comme une umber brûlée ou une sienne brûlée et avoir un noir est aussi agréable que vous n'avez pas à continuer à mélanger le noir. Certaines de mes couleurs préférées dans cette palette que j'utilise assez souvent sont le rouge carmin, jaune gamboge, le vert oxyde de chrome, bleu céruléen, l'ombre brûlée, rouge permanent et le noir ivoire. Comme vous pouvez le voir sur ma palette, j'ai le plus utilisé ces couleurs. J' ai cette palette spécifique depuis plus d'un an. Je ne peins pas tous les jours, mais je peins assez souvent plus que la personne moyenne, et ça a toujours duré et je n'ai pas encore eu à remplir mes casseroles, mais je suis certainement à court sur certaines de ces couleurs, donc Bientôt, je vais devoir acheter un peu plus, soit deux peintures ou les peintures individuelles pour que je puisse les remplir. Le type de palette que vous avez peut varier du plastique au métal à la céramique. Celui-ci est une palette de métal. Vous verrez qu'il ne tache pas au fil du temps. C' est juste de la peinture sèche, mais même si je devais l'essuyer, vous verrez un peu de couleur dessus. La céramique est vraiment génial si vous ne voulez pas de coloration. La céramique est également excellente si vous utilisez deux peintures. De cette façon, vous pouvez presser la peinture fraîche directement sur la plaque et ensuite la mélanger juste là. Vous pouvez également utiliser un plateau en émail, un plateau de boucher, ou vraiment n'importe quelle plaque en céramique que vous avez couchée autour de la maison. Ne l'utilise pas pour la nourriture plus tard. Pour mes types de peintures de tous les jours, j'aime utiliser mes peintures de pan juste parce qu'elles sont faciles et pratiques, mais si je fais un projet vraiment spécial où je dois avoir couleurs très fraîches ou j'ai besoin de plus de cette couleur spécifique, ou j'ai besoin de créer un mélange, mais j'en ai besoin beaucoup, alors je vais probablement utiliser deux peintures afin que je puisse mélanger les couleurs sur mesure et ensuite le faire sur une grande plaque en céramique ou un plateau de boucher afin que j'ai plus d'espace pour mélanger. En général, essayez de garder vos peintures aussi vierges et intactes que possible. Je sais au fil du temps que ça va arriver et c'est bon, et c'est pourquoi beaucoup d'artistes utiliseront deux peintures pour d'autres projets spéciaux qui ont besoin de couleurs fraîches et propres. Continuons. J'ai aussi deux pots d'eau, et j'ai tendance à utiliser de plus grands pots d'eau parce que je n' aime pas me remplir trop souvent parce qu'une fois que vous commencez à peindre, vous entrez dans un flux, et puis si je dois faire une pause et ensuite jeter mon eau, alors il interrompt ce flux, donc j'aime utiliser de gros bocaux afin que je n'ai pas à le vider souvent. Ensuite, j'utilise un petit flacon pulvérisateur rempli d'eau pour pouvoir pulvériser mes peintures et les garder humides. De cette façon, je n'ai pas besoin de toujours utiliser mon pinceau pour y mettre de l'eau parce que parfois, si je le fais, je pourrais devoir laver mon pinceau et ensuite je perds ma peinture. J' ai aussi une serviette en papier pour effacer mon pinceau. Je pense que l'une des erreurs les plus courantes que les débutants ont est qu'ils ont trop d'eau sur leur brosse ou pas assez, donc la serviette en papier vous aidera à résoudre ces problèmes. Si vous avez trop d'eau, donnez-lui un coup rapide, puis si vous pensez que vous n'avez pas assez d'eau, alors donnez-lui un coup rapide et voyez si de l'humidité sort. Enfin, il suffit d'avoir un crayon et une gomme main au cas où vous vouliez prendre des notes ou croquis. Eh bien, ce sont toutes les fournitures dont vous aurez besoin pour ce cours, alors allez-y et prenez-les et regardons quelques techniques de peinture de base. 4. Six techniques d'aquarelle de base: Dans cette vidéo, nous allons parler de six techniques de base de l'aquarelle. Il y a certainement plus de techniques que ces six. Mais en tant que débutant, il est bon de commencer par les bases puis de développer vos connaissances et compétences à partir de là. D' abord, je vais arracher une feuille propre de mon tampon aquarelle. Maintenant, pour cet exercice, vous n'avez pas à vous soucier de la couleur que vous utilisez. Je suggère d'utiliser une couleur légèrement plus foncée, alors ne faites pas un jaune ou un blanc très clair. Choisissez un bleu, un vert ou un rouge. La première technique que nous examinerons est mouillée sur sèche. Pour préparer mes peintures, je vais utiliser mon flacon pulvérisateur. Ensuite, choisissez n'importe quelle couleur. Je vais utiliser un type de couleur rouge-orange, de sorte que vous pouvez le voir sur votre écran. Ensuite, je commence par utiliser mon pinceau taille six. Allez-y et mouillez votre brosse. Ensuite, vous remarquerez qu'il y a une grosse goutte d'eau qui se forme au bout de la brosse. Ça veut dire que vous avez trop d'eau, donc elle est saturée. Allez-y et touchez-la sur votre serviette en papier, puis regardez l'eau laisser la brosse et tremper dans la serviette en papier. Maintenant, une fois que ma peinture est assez humide, je vais prendre mon pinceau humide et ensuite le frotter dans la palette ou dans la casserole, puis enduire mon pinceau avec elle. Maintenant, mouillé sur sec signifie que nous allons appliquer de la peinture humide sur du papier sec. Avec cette brosse humide, allez-y et peignez un carré d'un pouce. C' est ça. Mouiller sur sec. Assez simple. Maintenant, nous allons faire une autre technique appelée lavage de gradient. Fondamentalement un lavage. Nous avons commencé avec une couleur assez épaisse et sombre. Ce que je veux que vous fassiez à partir de là, c'est laver votre pinceau petit effacer, puis peindre un autre carré. Voici comment ça marche. Voilà mon eau. Ma brosse n'a pas changé. Je vais le faire tourbillonner dans l'eau juste une seconde et ensuite effacer. Laisse-moi apporter ma serviette en papier, alors tourbillon juste une seconde. Tu as vu qu'une partie de la peinture vient de laisser mon pinceau dans l'eau. Quand je blot juste une seconde, juste pour enlever l'excès d'eau et peindre, maintenant peindre un autre carré et vous allez remarquer que c'est visiblement plus léger. Juste en changeant le rapport entre l'eau et la peinture sur votre pinceau, vous avez changé la couleur. Refaisons-le. Tourbillon juste une seconde. Blot une autre place. Maintenant, si vous ne voyez pas beaucoup de différence, c'est bon. Il pourrait juste être une couleur très pigmentée ou peut-être que vous avez besoin de le laver juste un peu plus. Vous remarquerez peut-être que lorsque vous retirez la peinture, mais que vous ajoutez de l'eau à votre pinceau, la consistance de la peinture sur le papier peut être plus lisse, elle peut être aqueuse. C' est pourquoi nous allons effacer pour que nous n'ayons pas trop d'eau ou trop d'une consistance de nos peintures. Peut-être que vous devrez éponger juste un cheveu d'une seconde de plus. Pour que quand vous peignez ces carrés, ils ne s'écoulent pas aussi. Continuez à le faire jusqu'à ce que vous manquiez de couleur, et que vous ayez la couleur la plus claire possible. Si tu n'as fait que quelques carrés et que tu n'as plus de couleur, c'est bon parce qu'on va recommencer. Encore une fois, pour commencer avec la couleur la plus foncée possible, commencez avec une brosse assez sèche, alors épongez-la vraiment bien. Ensuite, dans votre poêle, j'espère qu'il n'a pas trop séché, mais juste mouiller un peu. Ensuite, enrosez votre brosse avec elle. Essayons encore. C'est un autre carré. Ce devrait être une couleur assez épaisse. Tourbillon, éponge, peinture. Cet exercice vous aide également à déterminer la quantité d'eau que vous devriez avoir sur votre pinceau par rapport à la quantité de peinture. Il vous aidera également à obtenir rapidement une certaine couleur, parce que vous comprenez maintenant combien d'eau par rapport à la peinture dont vous avez besoin. Un autre terme que je veux que vous soyez au courant est la valeur. Fondamentalement, nous sommes passés de la valeur la plus sombre ici à gauche à la valeur la plus légère. Valeur signifie essentiellement la légèreté relative et l'obscurité d'une seule couleur. La grande chose à propos de l'aquarelle est sa transparence. Si vous avez commencé avec une valeur plus légère, vous pouvez mettre une valeur plus foncée dessus et voir encore un peu la valeur plus légère en dessous. Ou lorsque vous calque une lumière et un sombre ou une lumière et un calque légèrement plus sombre au-dessus d'un calque, la zone qui se chevauche sera encore plus sombre à cause de cette transparence. On a appris beaucoup de choses dans cette seule leçon. Laissons ça sécher et on parlera un peu de superposition plus tard. Mais pour l'instant, passons à notre prochaine technique, qui est mouillée sur mouillée. Je vais rester avec ma brosse de taille six, laver complètement et ensuite l'effacer. Alors je vais prendre de l'eau propre. Je vais utiliser cette eau propre et « peindre » un carré d'un pouce. Maintenant, la clé mouillée sur mouillé est que votre papier n'est pas trop humide. Cela signifie juste que nous appliquons de la peinture humide sur du papier humide. Afin de vous assurer que votre papier n'est pas trop humide, vous pouvez tenir votre papier et l'incliner vers une source lumineuse. Ensuite, si vous voyez la texture du papier briller à travers et que vous voyez juste une fine brillance d'eau, c'est parfait. Si vous voyez un dôme d'eau se produire, c'est trop d'eau. Dans ce cas, si vous êtes patient, vous pouvez juste attendre qu'il sèche. Ou, vous avez deux options, vous pouvez utiliser une autre brosse sèche et ensuite tremper cette eau ou vous pouvez utiliser votre serviette en papier pour l'imprégner aussi. Dans mon cas, depuis que je parlais, ça commençait à se dessécher un peu, donc je vais juste déplacer cette eau pour qu'il y ait une belle couche. Joli, mince couche uniforme. Maintenant éponge votre pinceau, assèchez-le aussi sec que possible, ramassez cette peinture humide. N'importe quelle couleur. Tu n'as pas besoin de trop. Nous allons juste laisser tomber un peu à la fois, puis juste le déposer dans ce carré et ensuite regarder comment la peinture se propage. Maintenant, c'est tout à fait un contrôle humide sur humide parce que parfois si vous avez de la peinture très humide, consistance très écoulement de la peinture, de sorte que vous avez beaucoup d'eau et que vous mettez cela sur du papier humide, alors vous allez remarquer que la peinture a tendance à étalé très rapidement. Lorsque vous avez de la peinture plus épaisse, vous remarquerez qu'elle ne se propage pas aussi rapidement. C' est génial si vous voulez toujours une belle peinture douce, aspect plume, mais vous voulez contrôler la valeur de la couleur. J' utilise la technique humide sur sec probablement le plus souvent. Ensuite, j'utilise le mouillé sur mouillé parfois après que j'ai déjà fait le mouillé sur sec. Peut-être que j'ai appliqué une valeur plus claire d'une couleur, et alors que cette couleur était encore humide, puis j'ai chuté dans d'autres couleurs de peinture. C' est assez commun aussi. Wet-on-Wet peut signifier de la peinture humide sur papier humide ou de la peinture humide sur peinture humide. J' aime utiliser le mouillé sur mouillé même pour les animaux. Il a tendance à donner ce look aux bords doux qui est idéal pour peindre des animaux. La technique suivante est appelée brosse sèche. La brosse sèche est exactement ce que vous pensez qu'elle pourrait être. Encore une fois, séchez votre brosse autant que possible. Je reste toujours avec ma taille 6. Ensuite, je vais utiliser la pointe de mon pinceau pour ramasser la peinture cette fois. Je ne veux pas trop de peinture et je veux de la peinture très épaisse, alors ne mouillez pas votre peinture. Essentiellement, ce que vous voulez c'est que nous allons créer ces stries. Vous voulez être en mesure de voir la texture du papier montrer à travers. C' est pourquoi le papier presse à froid est parfait pour cet exercice. Je fais juste ces stries rapides et regarde comment je vois déjà la texture du papier à travers. Cette technique est idéale pour ajouter tous les détails finaux. Si vous avez besoin d'ajouter un aspect rustique à la brique ou à la pierre, ou si vous ajoutez des moustaches ou de la fourrure de cheveux, si vous ajoutez de l'herbe à un paysage. Nous allons regarder deux autres techniques, le lavage panaché et la superposition. Maintenant, pour le lavage panaché, nous allons commencer comme le lavage dégradé ci-dessus. Mais comme nous peignons cette couleur, nous allons rapidement passer à une nouvelle couleur, et là où les deux couleurs se rencontrent, il va y avoir ce beau mélange, beau mélange qui se passe. Pensez aux deux couleurs que vous souhaitez utiliser. Je vais utiliser mon rouge permanent. Je vais commencer par ça et ensuite utiliser mon gamboge jaune. Allez-y et rafraîchissez vos peintures si vous en avez besoin. Votre brosse devrait être semi-sèche ou plus. Ramasse cette couleur. Tu n'as pas besoin de trop. Mais commençons par peindre comme ça. C' est une valeur assez sombre. Je vais laver un peu mon pinceau juste pour me débarrasser d'une partie de la peinture et ensuite en faire une valeur plus légère, donc on dirait que nous faisons un lavage gradué. Maintenant, je vais le laver complètement. Ramassez mon gamboge jaune, puis remontez droit contre ça, puis mélangez ça bien, puis continuez. Ensuite, je ramasse un peu plus de jaune gamboge pour obtenir une valeur plus foncée. Cette technique est idéale pour peindre le ciel et les paysages. Essayons encore. Si vous voulez continuer à expérimenter, essayez d'utiliser plusieurs couleurs au lieu de seulement deux. Ensuite, parlons de superposition. Je vais retourner sur mes places en haut. Je vais ajouter des superpositions. Je ne pouvais pas utiliser une des valeurs plus légères. Je vais prendre une couleur bleue parce que si je couche un bleu clair sur ce rouge clair, alors je devrais obtenir un violet clair où les deux couleurs se chevauchent. Si vous avez peint une couleur bleue, vous pourriez mettre un rouge sur le dessus et cela pourrait être un peu plus difficile à voir, mais c'est toujours possible. Si vous avez fait une couleur verte, peut-être couche un violet ou orange ou rouge et juste voir ce qui se passe dans la section qui se chevauche. Je ramasse mon bleu civil et j'essaie de faire une valeur plus légère aussi. Assez incohérence qui coule. Je vais juste peindre un petit cercle juste ici dans le coin, juste pour que vous puissiez voir le chevauchement et la couleur pure. La couleur sèche encore un peu, mais vous pouvez déjà dire qu'il y a ce bleu ici sur la droite. Mais dans la zone où il se chevauche, il est légèrement violet, juste légèrement. La clé de la superposition est que la couche suivante ne devrait pas être trop humide parce que si elle est trop humide, cette eau pourrait gâcher la sous-peinture à moins que vous vouliez mélanger la sous-peinture avec la nouvelle couche, sinon, gardez vos nouvelles couches assez mince incohérence, il peut être coulant, ne vous trompez pas. Il peut couler, mais assurez-vous que vous ne peignez qu'une très fine couche de celui-ci et que vous ne frottez pas votre pinceau dedans parce que c'est comme ça que vous allez gâcher avec la sous-peinture. Ce sont les six techniques que nous avons examinées, le lavage humide sur sec, la brosse sèche humide sur humide, le lavage gradué ou dégradé, le lavage panaché et la superposition. Dans la vidéo suivante, nous allons utiliser principalement la technique humide sur sec et parler de théorie des couleurs et peindre une couleur que nous avons tous ensemble. 5. La théorie des couleurs: Parlons maintenant de notre roue de couleur. Peindre cela ensemble va vraiment vous aider à apprendre à mélanger vos couleurs et vous allez vraiment vous familiariser avec vos couleurs. Cette impression est disponible dans les téléchargements de classe, et vous pouvez soit imprimer directement sur votre papier aquarelle si votre imprimante peut le manipuler, soit l'imprimer sur du papier ordinaire, placer un papier aquarelle sur le dessus, et ensuite esquisser, de toute façon, allez-y et préparez votre roue de couleur vierge et parlons des couleurs que nous allons utiliser. Maintenant, j'ai une palette légèrement différente de ce que j'ai utilisé plus tôt. C' est la même marque, mais il a 48 couleurs au lieu de la 20 ou environ que j'ai sur ma plus petite palette. J' ai eu cette palette tout récemment et la raison pour laquelle j'ai sorti cette palette est parce que j'ai créé cette grande grille d'échantillons et que je voulais juste montrer ou simplement vous montrer à quel point les jaunes, les bleus et les rouges peuvent être différents. Ce sont nos couleurs primaires, et ce sont les trois seules couleurs que nous allons utiliser pour peindre toute notre roue de couleur. Si vous regardez cette grille d'échantillon et les jaunes, il y a toute une gamme, mais je veux juste me concentrer sur ces trois, donc nous avons du jaune citron, jaune cadmium et de la lumière jaune permanente. Chaque couleur ou teinte a une température à elle, ils sont soit chauds ou frais. Si vous regardez le jaune citron et la lumière jaune cadmium, le jaune citron est certainement du côté plus frais et la lumière jaune cadmium est du côté plus chaud et parce que je veux que ma roue de couleur soit aussi neutre que possible et pas vraiment virer vers chaud ou frais, je vais rester avec ma lumière jaune permanente. Jetons un coup d'oeil au blues ici. Si vous regardez aussi les bleus, certains d'entre eux sont plusieurs couleurs de pigment et ce n'est pas toujours une mauvaise chose, mais généralement quand vous avez un seul pigment, généralement la couleur est plus, est plus riche et plus dynamique. Par exemple, la couleur indigo ici, c'est très similaire à la peinture grise ici, mais il a trois pigments différents dedans. Cela signifie que si je devais mélanger cette couleur avec une autre couleur de pigment multiple, alors c'est beaucoup de pigment dans un mélange et généralement, plus vous avez de pigments, la couleur sera boueuse. Je ne veux certainement pas utiliser indigo plus ce n'est pas tout à fait le bleu que nous recherchons. Nous cherchons un vrai bleu, donc ça nous amène à l'outre-mer bleu. C' est un profond et c'est une couleur claire mais j'ai aussi un bleu phthalo ici. Mais pour les besoins de la roue de couleur d'aujourd'hui, je vais aller avec le bleu outremer profond. Maintenant, regardons les rouges, j'ai un rouge permanent ici, qui est une couleur que j'ai utilisée dans notre pratique antérieure et vous pouvez dire qu'il a une chaleur à elle. Il a l'air presque rouge-orange qu'un rouge. Le rouge cadmium profond a presque une chaleur brun foncé à elle. Le rouge cinabre est plus sur le côté cool, donc je vais aller avec la couleur cramoisie alizarine. Ce sont les trois couleurs que j'utiliserai. Si vous n'avez pas ces couleurs exactes, c'est bon, mais regardez les noms des pigments. Par exemple, la lumière jaune permanente est PY155, même si dans ma palette on l'appelle la lumière jaune permanente. Dans votre palette, vous pouvez avoir le même nom de pigment, PY155, mais il peut avoir un nom de couleur différent si cela est logique. Ne vous inquiétez pas tant de non, je n' ai qu'un jaune froid ou je n'ai qu'un jaune chaud, c'est bon de coller avec tout le jaune que vous avez pour l'instant mais juste être conscient qu'il y a nuances dans les peintures et les variétés qui sont disponible. Une fois que vous avez votre roue de couleur prête, allons simplement les étiqueter pour que nous ne nous perdions pas. Je vais commencer par le rouge ici, si vous regardez ça comme une horloge, ce sera l'espace entre 12 heures et 13 heures. Ensuite, je vais sauter trois, puis le jaune sera en bas entre 4 heures et 5 heures, puis sautez trois heures, et puis le bleu sera là-bas. Maintenant, la raison pour les multiples sections dans une petite tranche de tarte est que nous allons montrer les différentes valeurs. Nous allons commencer par la valeur la plus sombre à la section la plus extérieure du cercle, puis laver progressivement notre pinceau et ensuite atteindre la valeur la plus légère vers le centre. Commençons. Je vais commencer par le bleu et juste bouger mon chemin parce que je suis droitier, si vous êtes gaucher si vous voulez commencer avec le jaune et faire le tour, c'est bon aussi ou vous pouvez toujours tourner votre papier sans soucis. J' utilise le bleu outremer et je veux un mélange assez épais donc ma brosse est comme semi-humide, je travaille vraiment ma brosse là-dedans dans la casserole et je suis juste en déplaçant une partie dans une zone de mélange différente parce que je vais l'utiliser pour mélanger plus tard. Je fais un double devoir. Commençons par le bleu ou quelle que soit la couleur que vous voulez et ne vous inquiétez pas de le peindre complètement à la ligne n'a pas besoin d'être parfait. Après avoir fait cela, il suffit de laver un peu votre pinceau, faire la section suivante. Je vais passer à mon rouge, qui est l'alizarine cramoisi et encore une fois, je vais bouger juste une partie de ça. Notre dernière couleur primaire sera jaune, et j'utilise la lumière jaune permanente. De là, nous allons mélanger nos couleurs secondaires. Celles-ci sont faites en mélangeant deux couleurs primaires. Si vous mélangez le rouge et le jaune, vous obtenez orange, jaune et bleu fera vert, puis le bleu et le rouge feront le violet. Nous allons mettre nos couleurs secondaires juste entre les couleurs primaires. Si vous avez vos deux couleurs toutes disposées comme ça, allez-y et mélangez-les ensemble. Tout simplement complètement. Vous devrez peut-être ajuster juste un peu. Peut-être que vous avez besoin d'ajouter un peu plus de bleu pour obtenir un violet plus vrai. J' ai l'impression que c'est plutôt bon au milieu, donc je vais travailler avec ça. Ça va aller à l'extrême, ici. Assurez-vous de laver votre brosse à chaque fois, afin que vous ayez une brosse propre. Je vais de l'avant et commence à mélanger le vert. C' est une belle couleur. Encore une fois, vos couleurs peuvent sembler un peu différentes selon les couleurs primaires avec lesquelles vous avez commencé. Ne vous inquiétez pas tant d'essayer de faire correspondre la couleur. La dernière couleur primaire sera cette orange. Celui-ci, j'ai certainement trop de rouge. Je vais laver ma brosse, ramasser un peu plus de jaune, et le travail qui s'y trouve. Comment allons-nous jusqu'à présent ? Avec les parties restantes de notre roue de couleur, nous allons les remplir avec des couleurs tertiaires. couleurs tertiaires se produisent lorsque vous mélangez une couleur primaire avec une couleur secondaire. Si nous mélangeons le rouge et l'orange ici, ici va être la couleur rouge orange, et le nom de la couleur primaire va être le premier. Ici, il ne va pas être jaune orange, il va être jaune orange. Ce sera jaune vert, bleu vert, bleu violet et rouge violet. On va prendre le mélange, c'est qu'on vient de faire ici. Si tu dois en faire plus, c'est bon. Mais de chaque côté, c'est là que je vais ajouter cette couleur primaire. À ce violet ici, je vais ajouter un peu de bleu d' un côté dans ce violet, puis peindre ça ici. Ensuite, j'ajoute ce même bleu à ce vert ici. air super jusqu'à présent. Je vais ajouter du jaune à ce vert ici. Ensuite, faisons l'orange jaune. Je vais ajouter du rouge à cette orange. Last but not least, ajoutez un peu de rouge à notre violet. 6. Les schémas de couleurs: Génial. Excellent travail de peinture de cette roue de couleur. Parlons maintenant des schémas de couleurs, parce que lorsque nous peignons un arrangement floral, les schémas de couleurs vont vraiment vous aider à comprendre quelles couleurs vous avez réellement besoin, et quelles couleurs vont bien ensemble, et quelles couleurs devrait être plus dominante. Tout d'abord, commençons par un schéma de couleurs monochromatiques. C' est assez basique. C' est juste une couleur, une teinte, et vous pouvez utiliser les différentes valeurs de cette couleur. Gratuit est lorsque vous utilisez des couleurs sur les extrémités opposées de la roue de couleur. Si vous utilisez ce rouge pur ici, vous pourriez utiliser ce vert pur. L' orange et le bleu sont des couleurs complémentaires. Maintenant, lorsque vous utilisez des couleurs complémentaires, il est important que seule une des couleurs soit plus dominante. Par exemple, dans ce tableau où j'ai utilisé à la fois l'orange et le bleu, j'ai utilisé les fleurs orange mais j'ai utilisé toutes sortes de valeurs du bleu et il occupe plus de la zone du récif, donc ce n'est pas aussi dur à l'œil. Un excellent exemple d'utilisation du rouge et du vert est dans n'importe quel type de récif de Noël ou d'hiver. Vous pouvez utiliser principalement des légumes verts pour le houx et les pins, puis déposer juste un peu de rouge pour les baies. Cet équilibre quand une couleur est plus dominante aidera en fait à améliorer l'autre couleur et vice versa. Un schéma de couleurs triadiques est lorsque vous utilisez trois couleurs espacées uniformément. Si vous regardez toutes les couleurs primaires, elles sont uniformément espacées ainsi que toutes les couleurs secondaires. Maintenant, tout comme les couleurs complémentaires, même les couleurs dans un triadique, vous voulez un peu d'équilibre. Peut-être qu'une couleur est plus importante que les deux autres, ce soit en valeur ou juste en quantité pure. Un schéma de couleurs rectangulaire est lorsque vous avez deux couleurs qui sont juste à côté l'une de l' autre et deux couleurs qui sont complètement opposées aux deux premiers, ce qui fait une sorte de forme rectangulaire. Ensuite, un carré, ce serait quatre couleurs qui sont uniformément espacées sur la roue de couleur. Le dernier schéma de couleurs est l'analogue, et ce sont trois couleurs qui sont juste à côté l'une de l'autre sur la roue de couleur. Par exemple, le rouge, l'orange rouge et l'orange. Utiliser des couleurs analogues est vraiment cool parce que vous pouvez passer d'une couleur à l'autre en toute transparence, peu comme ce que nous avons fait pour le lavage panaché. Nous reviendrons aux couleurs quand il s'agit de peindre nos arrangements floraux. Dans les prochaines vidéos, pratiquons la peinture des feuilles et des fleurs. 7. Peindre des feuilles: Une de mes choses préférées à peindre chaque fois que je reçois une nouvelle couleur rose ou un pinceau ou même du papier est de peindre des feuilles. Je pourrais sérieusement peindre des feuilles toute la journée. Laissez-moi vous montrer quelques façons différentes que vous pouvez peindre des feuilles que vous pourrez utiliser dans votre arrangement floral plus tard. Je vais utiliser ma taille 6 pinceau principalement et vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur que vous avez. N' hésitez pas à utiliser toutes les peintures que vous avez dans vos zones de mélange ou à utiliser une couleur que vous n'utilisez pas normalement. Quant à moi, j'utiliserai une couleur verte juste parce que c'est approprié. Nous allons commencer par créer quelques petites feuilles maigres. Commencez avec votre pinceau taille 6 avec une pointe sur le papier, puis peignez une ligne courte très fine. Ce sera essentiellement notre tige. Ensuite, à partir de là, vous allez plier votre brosse vers le bas, puis l'aérer, faire glisser un peu, puis commencer à soulever jusqu'à un autre point. Essayons encore ça. Juste la pointe de la brosse sur votre papier, faites glisser un peu, puis appuyez vers le bas, pliez ou évanouissez les poils de votre brosse, puis faites glisser et commencez à soulever. Faites-le quelques fois jusqu'à ce que le mouvement devienne un peu plus fluide, sans y penser trop. Observez comment vous tenez votre brosse. Ensuite, une fois que vous en faites une poignée, essayez de manipuler à quel point il a l'air ondulé ou à quel point il est sinueux. Essayons d'en assembler deux. Le premier va sembler très similaire. Mais maintenant, faisons semblant que ce n'est que la moitié de la feuille. Nous allons peindre l'autre moitié, mais comme nous le faisons, je veux laisser juste un morceau d'espace blanc entre les deux et ça va dire au spectateur que c'est la veine de la feuille. Ensuite, je vais commencer mon deuxième coup juste ici et c'est peu près le point où j'ai commencé à appuyer sur mon pinceau dans le premier coup. Je vais juste venir sur le côté, laisser ce morceau d'espace blanc, puis me retrouver au milieu. Encore une fois, ce premier coup et un second, je vais commencer juste ici, laisser un peu d'espace blanc, se réunir. Maintenant, c'est bon si votre espace blanc n'est pas parfaitement dans toute la feuille, c'est bon. Même un soupçon est tout ce dont nous avons besoin. Sans cet espace blanc, cette feuille va ressembler un peu à un blob. On n'aime pas les blobs ici. Encore une fois, après avoir fait un couple et que vous vous sentez à l'aise, essayez de manipuler leur apparence parce que si vous faites un qui ressemble à ceci, il semble que nous regardons la feuille au profil. Ça veut dire que l'autre côté de la feuille va être assez maigre, et c'est ça. Jusqu' à présent, nous n'avons peint que des feuilles simples. Ensuite, nous allons peindre une tige avec plusieurs feuilles. Je vais commencer par peindre juste la longue tige d'abord. J' utilise juste une pointe de mon pinceau pour créer une longue tige puis peindre une feuille à la fin. En descendant sur la feuille, vous pouvez les faire se chevaucher. Essayez de faire varier la direction de vos feuilles. Si je veux faire en sorte qu'une de ces feuilles ait l'air de se cacher derrière ou devant, alors je pourrais l'avoir courbée comme ça. Essayons encore. Encore une fois, longue tige. Vous pouvez même avoir une petite feuille de bébé juste là. Faisons encore une fois. Maintenant, si vous êtes gaucher, vos feuilles pourraient être en face de l'autre côté. Ça tourne peut-être vers la gauche et c'est tout à fait correct. J'ai oublié de le mentionner. Je suis droitier, c'est pourquoi toutes mes feuilles sont penchées vers la droite. Ensuite, faisons quelques courbes C. Ce sont des feuilles arrondies. Encore une fois, même comme vous le faites, essayez de laisser cet espace blanc entre les deux. Tout ce que je fais est juste de créer un joli coup rond épais et de le remplir comme j'en ai besoin. J' utilise comme un très rond, la forme de lettre C. Maintenant, je vais l'utiliser et peindre une tige d'eucalyptus. Maintenant quelques feuilles d'eucalyptus, surtout quand on le regarde de profil, ça ressemble à une ligne. Je vais en avoir certains comme si on le regardait de profil comme ça. Ensuite, j'ai quelques feuilles qui sortent. Maintenant, certaines feuilles ont comme un bord déchiqueté pour elles. Pour ceux que j'aime faire est d'utiliser plusieurs traits pour créer un côté de la feuille. Si j'ai cette ligne mince agissant comme la veine ou le centre, alors je vais utiliser plusieurs traits vraiment courts comme ça et ensuite essayer de les faire se chevaucher légèrement pour créer ce bord dentelé, ou même une feuille de rose est légèrement plus arrondi et pointu mais encore déchiqueté. Si je pense à ça, alors je dois réfléchir à la façon de faire que mes coups suivent la même veine. Rendez ce côté un peu plus large, puis arrivez à un point. En général, lorsque vous peignez des feuilles, essayez vraiment de penser au coup de pinceau ou au geste que vous faites au lieu d'essayer de créer un type spécifique de feuille. Parce que lorsque nous peignons de manière lâche, nous ne sommes pas vraiment concentrés sur l'anatomie de la fleur ou des plantes, nous sommes vraiment concentrés sur la création d'harmonie des couleurs et d'harmonie de composition, et donc ce que vous voulez vous concentrer sur plus est dans la technique des coups de pinceau et vos gestes. Enfin, regardons quelques aiguilles de pin et ce sera très similaire à ces feuilles déchiquetées, mais nous allons utiliser des traits encore plus maigres. C' est là que vous pouvez utiliser votre pinceau taille 2 si vous le souhaitez, mais je vais rester avec ma taille 6 et juste utiliser des coups encore plus maigres, très courts et les espacer un peu plus loin. Ils sont tous confrontés généralement de la même manière, mais j'en ai quelques-uns qui sont tordus et face à l'inverse. Cela donne juste un peu plus de vie aux aiguilles de pin et ça semble plus naturel. Ils ne sont pas tous de la même longueur, remarque. Les aiguilles de pin est amusant parce que c'est là que vous pouvez mélanger avec différentes couleurs. Si vous avez peint quelques aiguilles de pin et ensuite vous avez ajouté un peu de brun à la pointe de votre pinceau, alors ce brun puis le vert qui est déjà sur votre pinceau va se mélanger spontanément et ensuite sortir sur le papier aussi. N' hésitez pas à vous amuser avec cela et à explorer. N' hésitez pas à faire une autre fiche pratique avant de passer aux fleurs. Mais si vous êtes prêt, peignons quelques fleurs dans la vidéo suivante. 8. Peindre des fleurs: J' espère que tu es excité. On va peindre des fleurs dans le style lâche. Commençons par un tournesol, qui peut également être légèrement ajusté pour ressembler à une marguerite ou à une fleur de cône. Commençons par le tournesol. J' utilise ma brosse de taille 6, ramasse un peu d'ombre brûlée et parsemant juste au milieu. C' est là que seront nos graines de tournesol ou la tête. Je vais laver ma brosse, ramasser un peu de jaune, mélanger avec juste un peu d'orange, jaune gamboge, ocre jaune, quelque chose comme ça. Juste pour que ce ne soit pas comme un jaune vif pur, mais je veux aussi un peu de jaune vif pur juste pour montrer une certaine variété dans les couleurs en utilisant ces couleurs analogues, si vous voulez. Je vais utiliser la même technique de pinceau que nous avons utilisée pour les feuilles où nous commençons maigres, aller large et puis revenir maigres. Juste comme ça. Alors allez juste l'un à côté de l'autre. Au fur et à mesure que vous allez, jouez avec la valeur, ajoutez quelques couleurs là-dedans. C' est une forme de fleur assez basique où tous les pétales sont juste face à une direction. Je vais ramasser un peu plus de cette umber brûlée et juste assombrir ce centre, c'est tout. Si tu voulais faire une Susan aux yeux noirs ou même une fleur de cône, j'utiliserai la même couleur jaune. Mais disons que nous avons la section du milieu comme ça. Les pétales qui vont être au premier plan vont être plus longs et plus tombants. Les pétales qui vont être en arrière-plan comme ici vont être vraiment courts et incurvés. J' utilise la même couleur jaunâtre, mais j'ai les longs pétales comme ça. Au fur et à mesure que j'arrive au sommet, ils vont être beaucoup plus courts. Puis juste un peu courbé soit à gauche, soit à droite. Si vous avez fait la fleur pourpre ou le cône rose, c'est le même concept, mais utilisez juste une couleur différente. J' adore peindre des tulipes. Je vais utiliser une couleur rouge orangée pour ça. Si vous pensez aux tulipes, surtout si vous regardez tout droit. J' ai une grande section sur le côté comme ça. Alors juste parce que je veux montrer un peu de valeur ou de différence de valeur, je vais laver mon pinceau un peu, faire de l'autre côté, puis me rencontrer au milieu, puis peut-être juste avoir un autre pétale juste là au milieu. Si vous voulez qu'il soit encore plus lâche, vous pouvez simplement donner l'impression de la forme des pétales et ensuite remplir une partie de cet espace avec une valeur plus légère. Mais le moyen le plus simple est juste de créer cette demi-forme et l'autre moitié forme. Les dahlias ont également la même forme que le tournesol. J' utilise une couleur pourpre pour ça. Pour les dahlias, il y a tellement de couches. Je vais commencer par la formation Starburst. Puis en sortant, je vais laver périodiquement mon pinceau et ensuite peindre les pétales entre les deux. sortant, je commence à faire des pétales plus pointus. Je joue aussi avec la valeur. Tous les pétales n'ont pas la même valeur. Certains vont être un peu plus légers que d'autres. Je vais juste ajouter du vert foncé juste au centre. Ensuite, nous avons des coquelicots. Je vais commencer par le centre noir sombre. Ramasse ma couleur rouge orangée. Selon la façon dont vous regardez le coquelicot, les pétales seront toujours un peu différents. Mais commençons par une forme assez basique. On a deux grands pétales de chaque côté, comme ça. On a généralement le pétale qui sort vers toi, et peut-être des pétales qui se chevauchent comme dans le dos. Si vous le regardez d'une manière différente, vous pourriez avoir un gros pétale comme ça. J' utilise juste ces courbes C dès le début. Vous pouvez avoir un pétale plus léger qui sort de l'autre côté. Peut-être que vous avez d'autres pétales qui sortent comme ça. Cela dépend vraiment de la façon dont vous regardez la fleur. Il est vraiment important d'observer les fleurs que vous voulez peindre, et de peindre simplement les formes que vous voyez. Regardons l'anémone. J' utiliserai encore cette même couleur pourpre. Donc anémone, je vais revenir et faire ce centre noir à la fin. Les anémones ont également des pétales très légers. J' utilise juste ces courbes C pour remplir ça. Peindre une série de quatre à cinq pétales, puis je reviendrai à la fin pour peindre le centre. J' ai d'autres fleurs dans mes autres classes comme la lavande, lilas, le magnolia et les fleurs de cerisier. Mais dans cette classe, je veux juste aller à plus de fleurs, qui sont la rose et la pivoine. Pour la rose, je veux commencer par les valeurs les plus sombres. Je vais effacer mon pinceau autant que possible, puis ramasser ma peinture. Vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur pour cela, mais je vais faire cette couleur rouge-orange que j'ai utilisé. On va commencer par le centre de la rose comme si on y regardait. Faites quelques coups courts juste ici au milieu, puis faites une courbe C comme ça, et peut-être une autre, puis lavez votre pinceau petit à petit en peignant la prochaine série de pétales. Comme nous peignons la couche suivante de pétales, assurez-vous de les chevaucher avec la couche précédente et non pas seulement peindre les pétales les uns à côté des autres. Tu vois comment ça se chevauche là ? Ensuite, lavez régulièrement votre pinceau juste pour montrer différentes valeurs de vos rangées. Au fur et à mesure que je vais plus loin, remarquez comment mes pétales deviennent plus longs et plus légers. N' hésitez pas à retourner votre journal comme je viens de le faire. Comme j'ai l'impression que la rose est en train d'être complète, je vais rendre mes lignes vraiment maigre, fondamentalement comme des lignes minces juste pour aider à le remplir. Ce n'est pas nécessairement un cercle parfait en soi, mais les lignes minces donnent l'impression que toutes ces couches minces sont des pétales. Essayons encore. Commencez par la valeur la plus sombre, juste là au centre, quelques courbes C, puis commencez à travailler votre chemin, puis lavez votre brosse. Comme vous chevauchez ces pétales, gardez également à l'esprit de laisser des espaces. Ensuite, nous allons peindre notre pivoine. La pivoine peut être assez compliquée, mais nous allons peindre une pivoine plus simple. Je vais avoir trois couches de pétales. Deux couches vont constituer la partie supérieure de la pivoine, puis la troisième couche sera à la partie inférieure. La partie supérieure va avoir cette forme de coupe à elle, et donc tous mes pétales doivent se rapprocher de ce point central imaginaire. Remarquez comment mes pétales pointent vers ce centre imaginaire juste ici, et même ce pétale central va descendre et le rencontrer, même chose avec ce pétale latéral. Maintenant, je vais rattraper l'autre côté de la pivoine. Maintenant, la partie inférieure de la pivoine, je vais juste faire éclater les pétales comme ça. Mais encore une fois, remarquez comment cela vient encore à ce point médian. Je vais en faire un autre où je laisse l'espace entre les deux. Maintenant, ajoutons quelques détails que nous devons ajouter à notre anémone et cette pivoine ici. Pour cette anémone, je vais utiliser ma couleur noire et juste la pointer au milieu, mais j'ai quelques lignes très fines qui sortent du centre, puis parsemant la fin de celui-ci. Pour la pivoine, je vais utiliser mon gamboge jaune. Vous pouvez utiliser un ocre jaune ou quelque chose aussi et ensuite utiliser mon pinceau de taille 2 pour peindre quelques lignes droites courtes, puis pointer la fin de celui-ci. Si ce n'est pas vraiment là, c'est bon. Peut-être ajouter juste un peu d' ombre noire ou même brûlée pour qu'il se démarque juste un peu. Très bien, vous l'avez. Ce sont quelques-unes des fleurs avec lesquelles nous allons travailler dans nos arrangements floraux. Maintenant, commençons à les assembler. 9. Inspiration: Parlons un peu de l'inspiration. Certains de mes endroits préférés pour obtenir des images d'actions libres de droits sont Unsplash et Pixabay. Sur ces sites, vous pouvez taper presque n'importe quoi, bouquet de mariage, ou vous pouvez rechercher quelque chose de vraiment spécifique, comme un bouquet de lavande, tournesols, coquelicots, etc Les images libres de droits n'ont généralement aucune restriction sur la façon dont vous pouvez utiliser ces photos. Donc si vous étiez photographe, vous pouvez les manipuler, les éditer, et c'est tout à fait correct. Vous avez tous les droits de le faire. Même si vous deviez peindre à partir de la source et ensuite le faire vôtre, vous pouvez toujours le vendre comme votre propre œuvre originale. Maintenant, il devient un peu poilu quand vous n' utilisez pas d'images libres de droits et recherchez simplement quelque chose sur Google. Lorsque vous utilisez Google ou Pinterest ou d'autres moteurs de recherche comme celui-ci, vous devez faire attention à ne pas peindre exactement ce que vous voyez. Vous pouvez vous en inspirer, par exemple, il suffit de choisir quelques fleurs de celui-ci ou quelques autres éléments d'un autre, puis de les mettre tous ensemble pour créer votre propre arrangement unique. Alors que vous pouvez créer un tableau Pinterest pour l'inspiration, faites juste attention de ne pas peindre exactement ce que vous voyez, surtout si vous allez l'utiliser à des fins commerciales où vous en tirez profit. Pour les arrangements floraux que nous allons peindre aujourd'hui, je vais utiliser mon tableau Pinterest comme inspiration, mais je vais vous montrer comment je prends certains des éléments, ce soit des couleurs ou des éléments floraux spécifiques pour créer quelque chose d'unique dans mon propre style. Alors commençons. 10. Projet 1 : couleurs complémentaires: Le premier arrangement floral que nous allons faire est cette belle couronne d'oreilles d'agneau avec des pivoines brillantes. Comme vous pouvez le voir dans cette couronne, nous avons essentiellement des couleurs complémentaires. L' oreille de l'agneau a une variété de légumes verts, quelque part entre le bleu-vert et un vert régulier, puis les pivoines sont cette belle couleur rouge-orange, presque corail. Ils sont fondamentalement opposés sur la roue de couleur. J' aime comment dans cette couronne, l'oreille de l'agneau prend la majorité de la couronne, mais alors les pivoines sont si brillantes. C' est ce que je vais prendre. Même s'il y a plus de verdure, c'est plus d'une couleur sourdine. Je veux m'assurer que mes feuilles sont plus douces ou plus légères, et que les pivoines ont vraiment de l'espace pour briller. Commençons. Je vais utiliser mon pot d'eau, et je ne vais pas tracer tout le cercle. Je vais juste tracer peut-être juste des parties du cercle, juste pour me donner une idée de l'apparence du cercle, mais je ne vais pas esquisser tout ça. J' ai juste esquissé quelques petites lignes autour, et j'ai définitivement laissé cette zone vide pour que je puisse ajouter les pivoines juste là. Maintenant, puisque mon papier est assez petit, je vais utiliser principalement un pinceau Taille 2. Si votre papier est beaucoup plus grand, n'hésitez pas à utiliser votre pinceau Taille 6. Comme je ne veux pas peindre exactement ce que je vois, je vais peindre juste les trois pivoines, l'oreille de l'agneau, et ensuite je vais juste ajouter quelques branches qui sortent juste au hasard, juste pour que je puisse la varier et la faire mienne. Commençons par les pivoines. Je vais avoir cette couleur rouge-orange vif. Pour moi, c'est mon rouge permanent. Ensuite, je vais avoir une vraie rose sur le côté parce que je veux que cette couleur coralement passe aussi. Je vais mettre cette vraie rose de ce côté. Je vais aussi pratiquer un peu de jaune, parce que je vois dans cette pivoine centrale ou cette pivoine moyenne, il y a un peu de reflets jaunes là-dedans. Je vais juste préparer ça. Maintenant, ces pivoines vont être un peu différentes de celles qu'on a peintes. Encore une fois, vous pouvez peindre ceux que vous voyez ici, ou vous pouvez peindre n'importe quelle pivoine est confortable pour vous. Je vais faire une variété. Je vais commencer par la pivoine centrale. J' ai un peu de cette teinte jaune là-dedans, et maintenant je vais ajouter un peu de ce rose. Ça ressemble plus à une rose, mais c'est bon. Maintenant, l'autre pivoine, je veux qu'elle ressemble plus à la pivoine qu'on a fait avant. Je vais le faire face de cette façon. L' autre pivoine ici aussi, apportant un peu de ce rose ici aussi. D' accord. Maintenant, je vais faire un peu de ce vert. Ça va être un mélange d'un vert régulier plus un bleu-vert. Allons faire quelques feuilles simples, toutes allant dans une direction. Je vais commencer par une seule feuille pour l'instant. Au fur et à mesure, je vais mélanger un peu de ce vert régulier et régulier, et je vais me mélanger avec le bleu-vert, et cela m'aide juste à établir une forme. Je sais qu'il va y avoir des taches chauves, et c'est tout à fait correct. J' essaie aussi de garder à l'esprit, en essayant de rendre un peu plus de couleur muette, donc légèrement plus léger. Mais en même temps, je ne veux pas qu'ils soient tous trop légers. Toujours jouer avec la valeur un peu. Je continue à faire le tour et à ajouter d'autres feuilles. vous vous sentez à l'aise, si la couche est déjà sèche, n'hésitez pas à superposer vos feuilles les unes sur les autres. Je vais commencer à combler certaines de ces lacunes, et je vais aussi ajouter quelques feuilles entre mes pivoines, et je vais ajouter juste une couche de feuilles de plus, un peu plus maigre cette fois, juste pour aider à remplir certains des espaces les plus vides, et j'ai quelques feuilles qui piquent dans le centre de la couronne. Cela rend la couronne juste un peu plus organique. Enfin, je vais utiliser un peu d'herbe brûlée et peindre quelques branches. Je vais tisser les branches entre les feuilles et avoir un peu de fouille aussi. J' utilise juste la pointe de mon pinceau, pour que le brun ne ressemble pas vraiment à quoi que ce soit. Je veux juste que les branches se fondent avec les feuilles. Vous pouvez également utiliser la couleur marron pour couvrir vos lignes de crayon si vous le souhaitez. Il y a notre premier arrangement de fleurs en utilisant des couleurs gratuites. 11. Projet 2 : couleurs analogues: Le prochain arrangement floral que nous ferons est cette belle présentation de coquelicot. Ce que j'aime le plus à ce sujet, ce sont les couleurs analogues. Nous avons cette couleur rouge orange qui s'estompe en un Quirrell clair en jaune, en des oranges pures. On a même des fleurs blanches et jaunes. Vous n'avez pas à faire toutes ces fleurs, mais je veux que vous utilisiez ce schéma de couleurs analogue dans votre tableau. Je vais commencer par établir le centre de mon arrangement. Je vais utiliser cette couleur noire. Arrosez-le juste un peu, donc ce n'est pas si dur parce que je veux vraiment que les fleurs brillent. Puis peignez le vase ici. De là, je vais d'abord ajouter mes fleurs rouges jaunes. Pendant que je fais cela, je m'assure de laisser de la place pour le centre des fleurs. Maintenant, ici, je vois ces fleurs d'orange comme je peins ça juste là. Puis je peins certaines des autres fleurs oranges que je vois. Maintenant, nous avons quelques fleurs de corail par ici. Fleur au hasard jusqu'ici. Puis il y a des fleurs jaunes sur le côté. Parce que je veux que ce soit un peu plus d'équilibre, je vais ajouter un peu plus de fleurs jaunes, orange juste ici au centre. Maintenant, je vais ajouter les feuilles et les tiges. Assurez-vous d'ajouter quelques feuilles entre les fleurs qui aideront également à briser là où se trouvent les fleurs. Je vais commencer à ajouter le centre des fleurs. Commençons par un anneau de jaune vert. De là, je vais utiliser mon gamboge jaune, qui est similaire à un ocre jaune, et ajouter un autre anneau au milieu et juste à l'extérieur de celui-ci. Ensuite, je vais ajouter juste un anneau très mince d' umber brûlé juste entre ce jaune vert et la section jaune. C' est une ligne très mince. C' est bon si ce n'est pas un cercle parfait. C' est vraiment juste pour montrer la distinction entre les deux couleurs, et juste rendre ce centre de la fleur beaucoup plus distinct. 12. Projet 3 : monochrome: Le dernier arrangement floral qui fera est de peindre des fleurs dans une forme de cercle. Ce n'est pas vraiment un arrangement en soi, mais c'est juste une façon unique de capturer votre peinture dans un cadre spécifique. J' ai mon sous-verre aléatoire ici. Je vais juste l'utiliser pour tracer un cercle. J' ai vraiment aimé la fleur d'anémone. Je veux faire surtout les blancs. Ça a l'air difficile, mais je te promets que tu peux le faire. La façon la plus simple de faire une fleur blanche est juste de peindre les ombres. Je vais juste utiliser une couleur noire très, très édulcorée et l'utiliser pour peindre les anémones. Je dois garder une trace de l'endroit où ils sont tous parce que je dois créer ce centre. Une fois que vous avez créé ce centre de l'anémone, c'est là que ça va vraiment éclater. Maintenant, je vais ajouter quelques feuilles là pour, encore une fois, juste aider à remplir cette forme, mais pour la plupart, ce sera principalement l'anémone. Nous allons utiliser principalement un schéma de couleurs monochromes. C' est vraiment dilué, ce noir. Maintenant, il peut être difficile de le voir ici sur l'écran, mais je vais essayer de rendre le mien juste un peu plus sombre juste pour que vous puissiez voir. Mais l'astuce est évidemment de ne pas aller au-delà de ce cadre de cercle. Je pourrais ajouter juste un peu de vert juste au centre de ceux-ci juste pour que vous puissiez dire que c'est une fleur juste un peu. J' utilise un peu de la technique humide sur mouillé pour le faire. Une partie de ça va être couverte par le centre noir de toute façon. Mais au moins pour l'instant, je peux dire où sont les fleurs. En ce moment, je suis juste en train d'établir où vont être mes plus grandes fleurs. Je vais en avoir trois assez grandes. Alors peut-être que le reste du cadre de cercle, je remplirai de feuilles. Je viens là-dedans avec de grandes feuilles ici. Ajouter juste une autre anémone ici, une plus petite, comme s'ils regardaient derrière la feuille ici. Ajouter une deuxième couche d'anémones. Ajouter quelques feuilles plus petites. Il suffit de remplir cette forme. Maintenant, si vos fleurs sont sèches, allons-y avec votre petite brosse. Assurez-vous que c'est une brosse très sèche et la valeur la plus sombre de votre noir. Je vais commencer par le centre et ensuite commencer à parsemer l'autre extrémité de cette ligne droite. J' ai encore un centre d'anémone à peindre. D' accord. Je vais simplement remplir les espaces avec un peu plus de verdure juste pour que lorsque j'efface la ligne de crayon, vous puissiez clairement voir la forme du cercle, et juste parce que je veux remplir certains de ces espaces vides un peu plus. Mais j'utilise aussi la lumière d'une valeur que je peux. C' est ça. Effacez la ligne et vous avez fini. 13. Votre projet: Maintenant que vous en avez peint deux avec moi, j'aimerais voir vos propres arrangements floraux. Pour votre projet, je veux que vous créez trois arrangements floraux en utilisant différents schémas de couleurs. En fait, il est correct si vous faites les trois peintures en utilisant des couleurs complémentaires, mais ensuite utiliser différentes couleurs complémentaires. La même chose vaut pour les monochromes. Toutes vos peintures peuvent être monochromatiques, mais ensuite utiliser des couleurs différentes. Le but principal est pour vous juste d'obtenir à l'aise en utilisant différentes couleurs et également être stratégique sur la façon dont vous les utilisez. N' hésitez pas à poster les peintures que nous avons peintes ensemble et à créer les vôtres aussi. J' ai hâte de voir ce que vous créez. 14. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé cette classe sur les fleurs en vrac. Ce cours a été publié pour la première fois en 2017, septembre, puis il a été refait en mai 2021. La principale raison de cela, était qu'en 2017, c'était vraiment au début de mon voyage à l'aquarelle, et depuis lors, j'ai tellement grandi en tant qu'artiste. Je voulais refaire cette classe, partager plus de trucs et astuces que j'ai appris, et plus de mes connaissances, plus de mes conseils de peinture de fleurs, afin que vous puissiez être le meilleur artiste que vous pouvez être. Je pense que connaître la théorie des couleurs est un énorme avantage. est important de vous permettre d'explorer et de vous amuser. Je vais te laisser avec quelques conseils. Numéro 1, sois d'accord pour tout gâcher. Je pense que c'est l'une des premières leçons que chaque artiste a vraiment besoin d'apprendre et de conquérir. C' est tout à fait correct si vous avez plus de papier finissant dans la poubelle, assurez-vous de le recycler. Chaque coup de pinceau, chaque papier jeté, c'est vraiment juste une leçon de votre croissance en tant qu'artiste et c'est une étape de votre amélioration. La meilleure façon de reformuler votre erreur est de les considérer comme des opportunités d'apprentissage. Si vous avez foiré ou que vous n'aimez pas ça, essayez de comprendre pourquoi. Est-ce parce que les couleurs ne se rassemblent pas ? Est-ce parce que la qualité de votre peinture n'est pas suffisante ? Est-ce parce que votre papier se décolle et qu'il est trop mince ? Essayez de résoudre les problèmes et de comprendre pourquoi quelque chose s'est mal passé. Numéro 2, prendre beaucoup et beaucoup de photos. Comme je l'ai déjà mentionné, il est normal d'utiliser des photos de référence et des images libres de droits. Mais votre inspiration vient vraiment de l'intérieur de vous. vous vous promenez dans votre quartier, dans les jardins, dans la réserve forestière, où que vous soyez, il suffit de prendre beaucoup et beaucoup de photos. Remarquez comment les couleurs se rassemblent. Créez même une petite grille d'échantillon de cette photo particulière. Peut-être que vous pouvez commencer à créer des palettes de couleurs pour différentes saisons de l'année. Vous pouvez les utiliser à n'importe quel but que vous voulez, ce soit personnel ou commercial. Enfin, il suffit de pratiquer. Pour s'améliorer, pour s'améliorer, il faut vraiment de la pratique. Tu te souviens des feuilles qu'on a faites plus tôt ? J' ai mentionné comment j'aime peindre les feuilles. J' ai probablement peint comme un million de feuilles maintenant et pourtant j'aime toujours les peindre. Vous pourriez avoir une sorte de sujet ou une couleur que vous aimez, et c'est tout à fait correct. Cela pourrait aussi être juste un signe de la façon dont vous êtes en train de perfectionner vos préférences et peut-être même votre style. Si vous avez pratiqué l'un de ces jeux de couleurs ou l'une de ces fleurs, essayez-le dans une couleur différente, essayez-le avec un pinceau différent. Lorsque vous modifiez un facteur à la fois, vous pouvez obtenir des résultats complètement différents. Pour revenir à la pointe numéro 1, quand vous tenez compte de ces différentes variables et que vous gâchez, c'est bon. Tu dois juste être d'accord avec ça parce que tu vois ça comme de l'entraînement. La prochaine fois, ce sera mieux. N' oubliez pas de télécharger votre projet. Si vous êtes sur Instagram ou Facebook, n' hésitez pas à me marquer @Audreyradesign, et utilisez le hashtag : peindre avec Audrey. Peindre avec des fleurs lâches a vraiment changé ma vie et m'a fait devenir plus libre en tant qu'artiste. J' espère que cela fera la même chose pour vous que vous commencez ou continuez dans votre voyage à l'aquarelle. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. J' ai hâte de voir ton travail. Je te verrai la prochaine fois. Au revoir.