Comment créer une super illustration de feuillage dans Procreate

1. Bande-annonce du cours: Bienvenue dans mon premier cours de Skillshare. Bonjour, je suis Francesca, une artiste et illustratrice basée à Milan. Mon travail s'inspire de la nature, de la force et de la beauté. Je crois que la nature est elle-même une artiste. Dans ce cours, vous me suivrez dans mon processus créatif. Vous apprendrez à créer une belle illustration de feuillage succulente. Tout en acquérant les compétences de base, vous devez commencer à travailler avec Procreate. Nous discuterons ensemble de l'importance de créer et de participer à l'illustration et de la façon d'y parvenir. La théorie et la pratique vont de pair. La classe est ouverte à tous les niveaux. Je vais travailler sur un iPad dans le Procreate mais si ce n'est pas disponible pour vous, vous pouvez utiliser n'importe quel autre logiciel de peinture numérique. Rendez-vous dans la classe et n'oubliez pas de vous amuser. 2. Description du projet: Votre tâche est d'illustrer votre jardin préféré. Il peut s'agir d'une forêt tropicale, votre parc urbain, de votre jardin, d'un jardin imaginaire. Ça n'a pas d'importance. Il suffit de le rendre intéressant, joyeux, pulpeuse, en utilisant les compétences que vous venez d'acquérir dans cette classe. À faire, à la fin de la classe, vous allez télécharger votre illustration dans la section Projet et ressources en JPEG ou PNG. Aussi, j'adorerai voir comment votre travail prendra vie, alors publiez vos photos de référence, vos croquis, et aussi la vidéo de processus si vous le souhaitez. Donner des commentaires sur les projets d'autres étudiants. N' oubliez pas que Skillshare est une question d'apprentissage ensemble Vous êtes donc invités à commenter le travail des autres élèves. Aussi, n'oubliez pas de poster l'illustration finie sur les réseaux sociaux et de me marquer. Je suis chez Francesca_inart sur Instagram. J' ai hâte de voir ton travail. Dans la section Ressources, vous trouverez mes images de référence, mon croquis final et ma palette. Si vous avez des questions, hésitez pas à les poser dans la section de discussion. Je ferai de mon mieux pour y répondre. 3. Procreate basic: Comme je l'ai dit, ce cours est ouvert à tous les niveaux. J' ai présenté cette section sur Procreate basic uniquement pour les débutants. Si vous connaissez déjà Procreate, n'hésitez pas à passer à la vidéo suivante. Je vais le rendre court et couvrir seulement les choses de base parce que je ne veux pas vous submerger avec les informations inutiles. Si vous êtes intéressé par d'autres cours sur Procreate pour vous aider à démarrer, consultez les liens dans la section Ressources. Pour créer un nouveau Canvas, appuyez sur l'icône plus. Il s'agit d'une sélection de préréglages et de toiles précédentes que j'ai utilisées, mais nous allons créer un nouveau canevas ensemble. Vous pouvez définir la dimension en pixels, pouces, centimètres ou millimètres. Je vais choisir des millimètres. Assurez-vous de créer une toile aussi grande que vous voulez que votre pièce finale soit, qu'elle soit reproduite sur un format numérique ou qu'elle soit imprimée. Par exemple, si vous créez votre illustration au format A4, et que vous en avez besoin dans une taille A3, qui est plus grande, vous perdrez la qualité dans le processus. Alors que si c'est l'inverse, vous ne perdrez aucune qualité du tout. Je vais créer une toile de taille A3, qui est 420 largeur et 297 hauteur. Trois cents, c'est un bon DPI. Vous pouvez même aller plus haut, comme 600 DPI, mais vous verrez que si je mets 600, Procreate dit que le fichier est trop grand, donc je vais le garder à 300. Le nombre maximal de couches disponibles dépend de la dimension et du PPP sur le canevas. Ensuite, définissons le profil de couleur. Si votre illustration ne se reproduit que numériquement, vous pouvez la définir en mode RVB. Parce que je veux imprimer mon illustration, je vais la définir comme un profil CMJN. J' impression à la maison, et j'ai obtenu le meilleur résultat lorsque mon illustration est dans un profil CMJN. Je vais titre mon nouveau projet en tant que Classe SkillShare. Appuyez sur « Créer ». C' est notre nouveau Canvas. Pour ouvrir la section du calque, appuyez sur cette icône dans le coin supérieur droit. Bien sûr, si vous allez appuyer sur le bouton « Plus », vous allez créer un nouveau calque. Vous pouvez décocher le calque pour le masquer. Si vous effectuez un balayage vers la gauche, vous pouvez verrouiller le calque afin de ne pas le modifier tant qu'il n'est pas déverrouillé. Vous pouvez dupliquer et supprimer le calque. Vous pouvez modifier l'opacité du calque. Laisse-moi te montrer. Appuyez avec deux doigts sur le calque, et vous verrez que vous pouvez faire glisser l'opacité jusqu'au bas. Je vous montre comment fusionner des calques ensemble. Vous pincez les couches, juste comme ça. Vous pouvez déplacer les calques, bien sûr, le sélectionner et le maintenir, et vous serez en mesure de les déplacer. Si vous le déposez au-dessus d'un autre calque, vous allez créer un groupe. Vous pouvez le garder ouvert, et vous pourrez voir tous ces calques, ou vous pouvez le fermer. Vous pouvez également cacher l'ensemble du groupe. Vous ouvrez le menu Calque en sélectionnant le calque. Il y a beaucoup d'options. Vous pouvez le renommer, le sélectionner, le copier, effacer, mais je pense que celui que je veux vous montrer est le verrou Alpha. C' est une fonctionnalité très cool, et je vais vous montrer comment ça marche. Alpha Lock vous permet de dessiner à l'intérieur de la forme et des limites du calque. Pour accéder rapidement à Alpha Lock, prenez deux doigts et faites glisser votre doigt vers la droite vers un calque spécifique. Alpha Lock est extrêmement utile pour changer rapidement les calques, les couleurs de remplissage, et vous pouvez dire qu'il est activé car la vignette du calque aura un arrière-plan à carreaux. Dans la barre de menus supérieure, vous voyez cette flèche, est le bouton Transformer. Lorsque vous appuyez dessus, il sélectionnera le calque de couleur et apportera une barre d'outils de transformation. C' est un outil très utile que j'utilise beaucoup. Vous pouvez utiliser une méthode de transformation différente, comme uniforme, qui préserve la ration de l'image, ou forme libre, qui s'étire et s'écrase sans maintenir le rapport d'origine, puis les déformer. distorsion est probablement mon favori, et vous verrez comment je les utilise plus tard dans la classe. Ils créent des formes très intéressantes. Ensuite, l'icône à côté de la flèche est l'outil ellipse, qui vous permet de sélectionner une partie du calque et de la déplacer par lui-même sans changer le calque. Vous pouvez également copier la sélection et la coller dans un autre calque. Parlons des palettes de couleurs. Si vous appuyez sur l'icône de couleur, vous allez ouvrir votre sélecteur de couleurs. Vous pouvez choisir celui que vous préférez, le disque ou le classique. Je ne vais pas parler de l'harmonie et de la valeur aujourd'hui. Ensuite, vous avez votre bibliothèque de palette. Procreate est livré avec de nombreuses palettes prêtes à l'emploi, mais vous pouvez créer les vôtres à partir d'un appareil photo, d'un fichier ou de photos. Celui que vous choisissez par défaut apparaîtra sous les sélecteurs de couleurs et l'historique. L' iPad vous permet de diviser l'écran et d'utiliser deux applications en même temps. Ouvrez d'abord une application, dans ce cas est l'application Photo, puis déposez la deuxième application sur le côté. Dans ce cas, Procreate. Sélectionnez et maintenez l'image que vous avez choisie, faites-la glisser et déposez-la dans la bibliothèque. Procreate vous donnera tous les échantillons de cette image. Je vais vous montrer deux raccourcis rapides. Si vous souhaitez remplir une zone avec de la couleur, vous pouvez appuyer sur le cercle de couleur en haut à droite et la faire glisser endroit où vous voulez ajouter ou modifier la couleur. Assurez-vous que la forme que vous souhaitez remplir est fermée, car si elle est ouverte, elle coloriera l'ensemble du calque. En outre, vous pouvez basculer entre la couleur actuelle et la couleur précédente en appuyant et en maintenant le cercle de couleur. Parlons des pinceaux. Dans le coin supérieur droit, vous trouverez le mélange de pinceaux et les nouvelles icônes d'effacement. Vous verrez que lorsque vous les frappez, la même bibliothèque de pinceaux s'ouvrira car vous pouvez faire toutes ces trois choses avec la même brosse, ce qui est vraiment utile lorsque vous voulez effacer votre mélange et maintenir le même texture que vous avez utilisé pour peindre. Si vous appuyez longuement sur l'icône d'effacement, elle s'effacera à l'aide du pinceau actuel. Comme vous pouvez le voir ici, je peux effacer en gardant la texture du pinceau gesso. Sur la gauche, il y a deux curseurs. Celui en bas contrôle l'opacité de votre pinceau. Abaissons l'opacité. Voir cela est, bien sûr, aussi opaque. Ensuite, ramenons-le à 100 opacité, tandis que celui sur la taille supérieure de la brosse. Alors jouons avec la taille. C' est vraiment petit. Puis ici, la plus grande taille. Procreate est livré avec de nombreux ensembles de pinceaux prêts. Mais vous pouvez toujours acheter et télécharger beaucoup plus ou créer le vôtre aussi. Je vais vous suggérer de jouer et de les essayer afin que vous puissiez trouver ceux que vous aimez le plus. Mes deux préférés et ceux que j'utilise le plus sont ces Copic Marker, qui est très lisse et me permet de jouer avec l'opacité et les couches, et le Narinder Pencil, qui fait partie de l'ensemble de croquis. Je l'aime parce qu'il ressemble à un crayon de couleur très douce, et il crée un joli contraste avec le pinceau Copic Marker plus lisse. Vous pouvez utiliser deux brosses sur leurs côtés, et cela créera un type différent de marque, comme si vous étiez en ombrage. Vous avez un contrôle complet sur les caractéristiques de vos brosses. Vous pouvez ajouter des paramètres dans un pinceau individuel dans Brush Studio. Sélectionnez « Pinceau » et cliquez à nouveau dessus, et le Brush Studio s'ouvrira. Je ne vais pas vous montrer tout ici. Mais par exemple, ici vous pouvez modifier le tracé et ses propriétés, comme l'espacement et la rationalisation. Plus de rationalisation signifie plus de stabilisation des coups, et il coulera plus car il réduit toute vacance qui se passe. Je vous encourage à essayer. Est très utile lors de la calligraphie ou de la procédure de dessin. Si vous souhaitez apporter des modifications, il est préférable de créer un doublon d'abord en tant que sauvegarde, puis de modifier le doublon. Ensuite, le contrôle de la pression est un autre excellent outil. La courbe de pression permet à votre crayon Apple de répondre à la pression. Vous constaterez qu'avec certains pinceaux, les coups seront plus grands en taille plus vous appliquez de pression, ou d'autres pinceaux deviendront plus opaques avec la pression. Last but not least dans cette section, les gestes rapides. Ils sont très utiles lorsque vous travaillez dans Procreate. Ils sont beaucoup d'entre eux, et ils rendent votre processus beaucoup plus rapide. Je vais vous en montrer quelques-unes. Pour annuler, appuyez avec deux doigts. Ensuite, vous refaites, en tapant avec trois doigts. Si vous frotter avec trois doigts, vous effacerez la couche. Vous pincez et tordez pour faire pivoter. Ensuite, si vous faites un pincement rapide, ajustez à l'écran, et un toucher de quatre doigts ouvrira le plein écran. Touchez à quatre doigts pour revenir en arrière. 4. Brainstorming et recherche d'inspiration: Qu' est-ce que la pulpeuse signifie pour vous ? Pour moi, est quelque chose de riche, luxueux, joyeux, excessivement orné. Dans mon esprit, c'est une illustration pleine page riche en couleurs, textures, formes et détails. Quelque chose qui me donne envie d'être transporté dedans. Tu sais, comme dans le film Mary Poppins, quand ils sautent dans les tableaux sur le trottoir, c'est exactement ce que je veux réaliser. Je vais vous montrer un de mes livres préférés que je possède, qui est Painting The Modern Garden : Monet à Matisse. Nous allons regarder beaucoup de mes autres livres, et je vais vous montrer le travail de mon artiste préféré, et je vais expliquer ce que nous pouvons apprendre d'eux et pourquoi. Je vous encourage à chercher de l'inspiration et à trouver le sujet de votre illustration avec moi pendant que je cherche la mienne. Vous avez un jardin botanique ou un parc de la ville à proximité, il suffit de sortir et de leur rendre visite ou tout simplement regarder de près vos plantes d'intérieur. Je fais ça tout le temps. Ce livre a été publié pour la première fois à l'occasion de l'exposition Painting The Modern Garden : Monet to Matisse. Il est bien connu qu'en Europe, les impressionnistes ont été les premiers à dépeindre les jardins de la vie. Ils se concentrent sur leurs couleurs et leur forme plutôt que de les utiliser uniquement comme arrière-plans. Les jardins revêtaient une grande importance esthétique pour ces artistes. Eh bien, nous pouvons dire que les jardins et la nature ont été une source d'inspiration créative depuis des siècles. Les jardins sont généralement des sujets très occupés à peindre et à illustrer en raison de leur nature. Ils sont pleins de vie, de couleurs, de formes, de détails, donc simplifier le sujet et créer une composition attrayante peut aider beaucoup. Je veux vous montrer rapidement comment des peintres comme Monet, Renoir et Nolde s'approchent de peindre un jardin. Ici, dans Femme dans un jardin de Renoir, la composition suit la règle standard des tiers. L' image est divisée en troisième, à la fois horizontalement et verticalement. Ensuite, le point focal, la dame, est placé à l'intersection de ces lignes de division. Ensuite, il y a ce chemin qui nous mène vers elle et ces deux lignes d'arbres renforcent la composition. Je peux dire que nous avons ici une composition très forte, aussi une composition tout à fait standard. Dans le jardin de l'artiste à la troisième, Monet nous donne un arrangement très différent. Le premier plan est vide et nous guide vers le milieu de la peinture et vers le bas dans les escaliers, et ces enfants sont au milieu de la peinture et ils sont bien sûr, le point focal de l'œuvre d'art. Parfois, il n'y a pas de point focal du tout, comme dans ce tableau, Grands Coquelicots d'un Emil Nolde. Quand le spectateur regarde ce tableau, ses yeux peuvent se promener sans rien attirer leur attention. Ce type de composition est une option que vous pouvez envisager pour votre illustration. C' est un peu plus difficile à composer, peut-être, mais ce qui peut vous aider si vous suivez ces options est une bonne palette de couleurs, et n'oubliez pas de créer une zone avec moins de détails si votre travail peut reposer ses yeux sur. Si vous voulez regarder de près certains de ces chefs-d'œuvre mais vous n'avez pas de livres d'art à votre disposition, ou vous ne pouvez pas aller au musée, je vous suggère de regarder Google Arts & Culture. Vous pouvez également zoomer beaucoup sur les peintures. Pas même dans la vraie vie, on peut être aussi proche d'un tableau. Les livres sur les plantes d'intérieur et le jardinage sont parfaits pour trouver des références. Vous vous perdrez dans le monde étonnant des plantes. Il est difficile de ne pas s'inspirer en regardant ce beau feuillage. Vous pouvez rechercher des photos sur le jardin afin que vous puissiez copier l'arrangement, mais alors vous pouvez dessiner des plantes complètement différentes, comme celles qui ont attiré votre attention en raison de leurs formes et motifs. Regardez-les, ça me rappelle un Monet ou un tableau de Renoir que nous venons de voir. Je n'essaie pas de créer une illustration qui soit crédible sur le plan botanique, donc probablement, je vais rassembler des espèces qui n'appartiennent pas au même habitat ou qui fleurissent dans une saison différente, mais ça ne me dérange pas vraiment. J' aime vraiment les cactus et les feuilles tropicales, et je suppose que ma dernière illustration sera sorte de jardin tropical ou même un aperçu d'une forêt tropicale. Unsplash est un autre excellent outil dans vos mains. C' est un site Web où vous pouvez trouver des images utilisables gratuitement. Je vais créer une collection appelée classe Skillshare, et je vais la lier dans la section des ressources afin que vous puissiez facilement trouver mes images de référence. 5. Créer une illustration attrayante: Lorsque vous créez votre illustration, vous voulez fasciner et interagir avec les spectateurs. Vous voulez attirer et retenir leur attention. Je suis là pour vous donner les outils pour améliorer votre composition artistique. Je vais vous aider à les utiliser consciemment. Quel est l'aspect le plus important que vous devez garder à l'esprit lors de la création d'une œuvre ? Pour moi, c'est la composition, les couleurs, les valeurs et les textures. Ceux-ci peuvent être appliqués à n'importe quel moyen et style. Chacun de ces sujets sera discuté en profondeur dans la section suivante, lorsque nous allons esquisser et peindre ensemble. Donc, cette théorie et cette pratique vont de pair, et il sera plus facile pour vous de comprendre, et pour moi d'expliquer. Je vais quand même vous donner un aperçu rapide, afin que vous sachiez ce que vous devez garder à l'esprit, lorsque vous regardez les prochaines leçons. Les lignes, les points focaux, les arêtes , le contraste et l'équilibre sont les éléments de la composition. eux, le contraste est celui qui compte le plus pour moi. Le contraste donne de l'énergie à une œuvre d'art et rend une composition plus attrayante. Alors que les couleurs racontent une histoire. Quelle heure de la journée c'est. Il fait froid ? C' est chaud ? Il provoque des sentiments chez le spectateur. Bonne palette de couleurs, peut faire des merveilles pour obtenir un excellent résultat. Les valeurs sont aussi importantes que les couleurs car elles créent de la profondeur et de la perspective. Les textures rendent l'illustration plus tangible, vivante, globale, plus intéressante. Eh bien, à la prochaine leçon, et nous commencerons à dessiner. 6. Esquisser et composition: C' est le dernier croquis, mais comment je suis arrivé ici ? abord, je tiens à vous rappeler que tout ce que vous verrez est un time-lapse. Je ne dessine pas ça rapidement. En fait, je suis très lent. Je prends mon temps pour réfléchir et je ne peux pas montrer tout le processus, sinon, ce cours sera extrêmement long. J' aime commencer par un croquis très rugueux car au début, je suis surtout intéressé à créer la base de ma composition et non pas les détails. Comme je vous l'ai dit, les jardins prêts, les forêts sont des sujets très occupés et il est important d'avoir une base solide pour les illustrer avec succès. Mais d'abord, un peu de théorie. Voyons quelle est la définition d'un point focal. Ils se réfèrent aux domaines qui exigent l'attention du spectateur et qui convergent tous les éléments. Vous pouvez créer un point focal fort ou plusieurs points souples. Lors de la création de nombreux points focaux souples, le spectateur peut regarder la peinture dans son ensemble au lieu d'être attiré par un seul objet. Plusieurs points focaux fournissent le rythme de l'image. Je sais que pour ma dernière illustration, un autre point focal doux qui aidera le spectateur à s'émerveiller dans l'œuvre. Qu' est-ce que je veux dire par lignes ? Des lignes conduisent vers quelque chose et les yeux du spectateur sont dessinés le long d'eux. Ils sont évidents ou implicites et peuvent être courbes, diagonales, verticales ou horizontales. Je vais vous donner un exemple. Regardez ma dame dans la jungle. Il y a clairement deux lignes diagonales menant vers la dame, qui est au centre de l'illustration, et c'est un point focal. Ou ici, mon hosta bleu. J' ai décidé de construire l'illustration sur une spirale, et il y a beaucoup de points focaux différents le long de cette spirale. Je vais baser l'assertion sur la ligne organique. Rien de droit, donc peut-être quelque chose de courbé et rond. Lorsque je travaille dans Procreate, je garde ma photo de référence ouverte sur mon iPad ou sur l'ordinateur portable si je l'ai avec moi, et j'insère l'image de référence sur l'écran si je n'utilise pas la roue fendue. Ce croquis grossier est un seul calque et il n'a pas à être beau du tout, il doit y avoir un bon point de départ pour votre illustration. Maintenant, je suis en train de dessiner rapidement quelques-unes des plantes qui ont attiré mon attention en cherchant de l'inspiration. J' essaie de tracer un peu de composition, et comme vous pouvez le voir, je change beaucoup d'avis, efface et bouge des choses. Voici un croquis très rugueux. Avant d'aller plus loin, je veux parler des autres éléments de la composition et terminer notre petite explication théorique. arêtes dans l'art sont la transition entre deux formes de couleur. Ils peuvent être durs, mous, ou perdus. Les bords doux et perdus créent de la profondeur et une sensation de distance. Ils peuvent également rendre un objet moins significatif parce qu'il est hors de la mise au point. Bien que les bords durs aient attiré l'attention, ils sont généralement positionnés près des points focaux. Nous verrons à quel point les bords sont importants dans la classe suivante lors de la peinture. contraste est la juxtaposition de la différence. Il s'agit d'organiser des éléments opposés et il crée de la variété et du rythme dans une image. Le contraste est puissant. Il peut être appliqué à tous les éléments et faire votre œuvre. C' est un dénominateur commun. Il y a beaucoup de différents types de contraste. Lorsque vous composez et peignez votre illustration, vous pouvez créer un contraste entre les formes, petites et grandes, rondes ou nettes. Valeurs, foncées et claires. Couleurs, comme le gris et saturé, chaud ou frais, ou texture, transparentes et opaques, lisses ou rugueuses, et comme nous venons de le voir entre les bords doux et durs. équilibre se réfère à la façon dont les éléments de la peinture se rapportent les uns aux autres en termes de la manière visuelle de créer un équilibre visuel. Un côté ne semble pas plus lourd qu'un autre. Une œuvre équilibrée est agréable à l'œil, et l'équilibre peut communiquer beaucoup sur une œuvre d' art et contribuer à l'effet global. Je vais essayer de parvenir à un équilibre en plaçant les différents points focaux à l'esprit. Maintenant que mon croquis est là, je vais dessiner le dernier. Je vais abaisser l'opacité de ce calque et commencer à dessiner sur un nouveau calque. Lorsque je crée l'esquisse finale, chaque élément que je dessine est sur un calque séparé afin que je puisse les déplacer. Je vais les déplacer beaucoup, essayant toutes les différentes possibilités. C' est l'un des avantages de travailler numériquement avec des couches. Ici, vous pouvez voir comment j'utilise Distort et Warp pour changer la forme de cette feuille afin qu'elle puisse s'adapter au vecteur spatial. J' ai changé d'avis et j'ai décidé que j'aime trop cette allocation pour ne pas la mettre au premier plan. J' ai trouvé cette photo sur Unsplash, qui me parle vraiment. J' adore cette cascade et ce ruisseau qui traverse. Je vais l'utiliser et créer une ligne courbe le long de l'illustration. Aussi l'étang au premier plan peut être cette zone avec ces détails où les yeux du spectateur peuvent se reposer. J' aime vraiment la forme des couleurs de ces paumes et je pense qu'ils seront grands en arrière-plan. Lors de l'esquisse de ce type de feuillage, il n'est pas important de le rendre parfait, aussi, ils seront loin, donc ils ont moins de détails. Je vais les dessiner directement avec le crayon lors de la coloration. Cet orange vif contre vert sauge frais moyen est magnifique. Voici le dernier croquis. Je ne suis toujours pas sûr de ce que je vais faire avec l'arrière-plan. Si je veux voir un peu de ciel à travers les arbres ou pas. L' esquisse de l'arrière-plan est rugueuse, mais le premier plan et le milieu sont assez soignés. J' aime vraiment ces allocations, les plantes de rhum, et cette plante sur la droite que j'aime. Je veux le colorer violet ou lilas pour une belle pop de couleur parmi tout le vert. Les cascades et le ruisseau créent une ligne en forme de S le long de l'illustration, et la ligne divise essentiellement l'image en moitiés bien équilibrées. Ces quatre usines sont mes points focaux et il y en a deux dans chacune d'elles. 7. Peinture : couleur et textures Pt One: Voici le pic de l'illustration finale, mais comme dans la leçon précédente, commençons par une théorie. J' aimerais qu'il y ait du temps et de l'espace pour une leçon complète sur la théorie des couleurs, mais malheureusement ce n'est pas le cas. couleur est la qualité d'un objet par rapport à la vie reflétée par elle. Dans l'art, la couleur est un élément visuel puissant. Les termes de la théorie des couleurs sont la teinte, la saturation, la valeur et la température. Voici le nom de la couleur globale, bleu, vert, jaune, etc Saturation définit la pureté d'une couleur, une couleur moins saturée est plus grande et moins intense. Valeur, la lumière ou l'obscurité d'une couleur. température est la chaleur relative ou la fraîcheur d'une couleur. Je ne peux pas insister assez sur l'importance d'une bonne palette de couleurs. Ici, je vais vous montrer la palette de couleurs que nous allons utiliser, et vous pouvez la trouver dans la section Ressources sous forme de PDF téléchargeable. J' aime avoir une palette sélectionnée organisée au lieu de choisir de nouvelles couleurs à chaque fois. Avoir une palette de couleurs sélectionnée aide à créer une pièce cohésive. J' utilise des couleurs fraîches et chaudes, des couleurs grises et saturées, rappelez-vous que je veux créer un contraste entre les couleurs aussi. Je les ai organisés par teinte et valeur. Bien sûr, il y a beaucoup de verts, mais en plus d'eux, je voulais introduire un violet et un soupçon d'orange et de bleu. texture est la qualité de surface perçue d'une œuvre d'art, tout a une sorte de texture. Lorsque vous peignez numériquement, vous pouvez créer de la texture à l'aide de différents pinceaux. Comme je l'ai mentionné précédemment, j'utilise un pinceau Copic lisse et un pinceau de couleur comme le crayon Narinder. Vous créez des textures lorsque vous mélangez des calques transparents avec des calques plus opaques. Je vais aplatir l'esquisse en un seul calque, car si vous vous souvenez, je n'ai qu'un maximum de 34 couches pour travailler. J' ai l'esquisse sur un calque et les éléments de couleur divisés par des calques dans un autre groupe, sorte que je suis encore libre de les déplacer. Au fur et à mesure que je continue, je vais créer beaucoup de couches. Comme vous pouvez le voir, ces plantes rondes sont toutes dans des couches différentes, surtout parce qu'elles se chevauchent, donc je peux effacer une partie d'une couche sans effacer celle qui se chevauche. Lorsque j'atteindrai le nombre maximum de calques, je fusionnerai certains ensemble, ceux qui n'ont plus besoin d'être séparés. J' ai abaissé l'opacité de l'esquisse ci-dessous, et vous verrez que parfois je vais l'éteindre complètement pour ne pas être distrait par elle, et il est plus facile de faire fonctionner l'élément de couleur final seul. Je ne fais pas de contours d'habitude, mais si tu les aimes, tu peux le faire. N' oubliez pas d'étudier la texture, les formes et les lignes des plantes dans la photo de référence lors de la coloration, la nature est l'artiste dont nous avons inspiré. Ici, j'ai d'abord utilisé un pinceau Copic, puis je suis allé avec le Narinder pour plus de détails. Le marqueur Copic me permet de construire l'opacité que j'aime vraiment, et me donne beaucoup de contrôle. Je peins ces plantes avec un vert frais brillant. J' ai d'abord créé une couche uniforme de couleur, puis j'ai utilisé alternativement un vert jaune et un vert foncé pour faire les rayures. Je voulais que cette Alocasia soit d'un vert foncé et plus chaud par rapport au vert des paumes rondes sur le fond. Comme avant, j'ai commencé avec le pinceau Copic, puis avec le crayon. Parfois, je n'utiliserais que le crayon Narinder pour colorier, j'utilise ce vert jaune vif, puis une version légèrement plus foncée et moins saturée de la même couleur pour faire le contour. Pour rendre les ombres de la roche, j'ai gardé la première couche transparente, puis je marque les ombres avec la deuxième couche construisant l'opacité. J' ai décidé d'avoir la cascade sur le fond lointain pour donner le sens de la profondeur dans la pièce. Comme le spectateur peut imaginer le flux qui traverse l'illustration pour se rendre à la paume au premier plan. Comment ai-je abordé la peinture de l'eau ? J' ai décidé de commencer par peindre ce qui se trouve derrière la cascade, puis j'ai peint des couches sur des couches. Bleus et verts très insaturés. Ensuite, j'ai ajouté des couches blanchâtres. L' eau est en bleu, c'est un miroir où tout autour de moi se reflète. C' est pourquoi il y a du vert, du brun et du bleu dans cette cascade. Lors de la peinture, chaque coup a été fait en suivant l'eau coulée. Cela aide à donner du mouvement à la chute d'eau. Je voulais que cette plante se démarque. Une forme et une couleur si intéressantes. Si vous souhaitez répéter un élément, vous pouvez sélectionner et dupliquer. Ensuite, avec l'outil de transformation, vous pouvez le modifier et le rendre plus petit, le retourner horizontalement ou verticalement. C' est un super truc, surtout quand vous voulez créer une répétition dans un morceau. J' ai peint l'étang de la même manière approché de la cascade. La direction du coup de pinceau est vraiment importante pour donner du mouvement aux éléments de l'illustration. 8. Peinture : couleur et textures Pt Two: Après avoir peint les grandes plantes au premier plan, il est temps de combler les lacunes, disons, avec des plantes plus petites. Ce processus peut être un peu délicat. Pour peindre ces fougères, je n'utilise que le crayon et un mouvement de gribouillage. Je vais dupliquer le mouvement de ces couches. J' essaie d'obtenir un regard complet, je ne veux pas que le blanc de l'arrière-plan apparaisse à travers. Les fougères dans la couleur la plus sombre sont dans la 1ère couche, puis il y a la 2ème couche sur le dessus avec le vert moyen, puis la dernière couche dans la couleur la plus claire. En outre, ces fougères deviennent de plus en plus petites plus je vais dans l'illustration. C' est probablement ma façon préférée de colorer et cela fonctionne très bien lors de la peinture du bananier. Je dessine de nombreuses lignes horizontales le long de la feuille, les chevauchant légèrement pour créer ce motif caractéristique de cette plante. J' aborde cette section de l'illustration comme je l'ai fait avec les fougères, construisant des couches de couleurs et de texture de l'obscurité à la lumière. En fin de compte, j'ai décidé d'aller pour un ciel de coucher de soleil, avec un soupçon de lilas et d'orange pâle. En dernière touche, j'ai vérifié si quelque chose manquait. J' ai tracé le bananier parce qu'il avait l'air trop inachevé. J' ai marqué les bords de ces paumes lointaines. Ensuite, je recule et regarde si les valeurs sont justes. Ils ne le sont généralement pas, donc je crée un calque pour les tons clairs et un pour les ombres au-dessus de tous les autres calques. Parce que je suis allé pour le ciel du coucher du soleil, j'ai fait les faits saillants dans cet orange pâle. La lumière du soleil frappe l'eau sur la cascade et ces arbres lointains, elle se reflète à la surface de l'étang. Pour faire ces ombres, j'utilise une couleur bleu foncé à une opacité inférieure. Pour un point culminant très intense, j'utilise le crayon parce qu'il est opaque. J' allume et éteins ces deux couches pour que vous puissiez voir comment ces touches finales affectent la peinture. Ici, un time-lapse bonus de l'ensemble du processus de coloration. 9. Outro: Félicitations, vous êtes à la fin de ce cours. Je n'arrive pas à croire que tu aies décidé de te joindre à moi et que tu l'aies fait aussi loin, donc du fond du cœur, merci. J' espère que ma classe a été utile et que tu t'es amusé aussi. N' oubliez pas de publier votre illustration dans la section Projet et ressources. Dans la section Ressources, vous trouverez également mes images de référence, ma palette de couleurs, mon croquis final et les liens vers d'autres classes utiles sur Skillshare. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi publier votre projet sur les réseaux sociaux et me marquer, je suis @francesca_inart sur Instagram. Suivez-moi ici sur Skillshare pour rester à jour et être averti quand je sortirai un nouveau cours. Aussi très important, vos commentaires sur ce cours sont plus que bienvenus, donc ils sauront ce que j'ai fait correctement, ce que vous avez aimé et ce que je peux améliorer. Aussi, si vous avez des suggestions pour les futurs cours que vous aimeriez voir de moi, faites-le moi savoir. Jusqu' à la prochaine fois, prenez soin de vous.