Transcription
1. Introduction: Je m'appelle Justin Maller. Je suis un artiste numérique australien. Je fais de l'art numérique depuis 2000, et je le fais professionnellement depuis que j'ai terminé l'université. Mais je suis devenu vraiment sérieux quand j'ai trouvé la communauté en ligne, et ce que vous avez autour de 2000. J' ai créé Depthcore qui était mon collectif artistique en 2002. Donc, c'est juste un groupe privé d'artistes que nous avons réunis. Encore une fois, il y a beaucoup de collaboration. Nous avons commencé à créer des œuvres d'art ensemble, à
apprendre comment faire les choses, apprendre ce que les logiciels pouvaient faire, à explorer, à expérimenter
et à jouer pendant que nous étions tous à l'école. Cela a en fait conduit à un autre de mes projets préférés qui est la collaboration avec Russian, c'est une chose en cours. Donc, c'est un cours sur la collaboration. Il s'agit d'un cours sur la façon dont vous pouvez construire du travail, construire des amitiés et établir des relations grâce au travail collaboratif, et comment vous pouvez développer n'importe quel aspect de votre vie créative que vous essayez de développer, que ce soit votre travail, que ce soit votre réseau, ce soit votre public, quelle que soit la partie de votre vie que vous essayez de développer. Il s'agit de réaliser cela et de le faire aboutir. Parce que vous pourriez être quelqu'un qui débute dans le monde créatif, et c'est un excellent moyen pour vous de commencer à rencontrer gens
partageant les mêmes idées et à explorer et faire de nouvelles choses. Ça pourrait être pour quelqu'un qui est dans le match depuis une minute et qui a eu une impasse. C' est une excellente façon d'ouvrir un peu votre esprit et de voir votre propre travail et juste l'art d'un point de vue différent. Ou cela pourrait être pour une personne vraiment talentueuse qui cherche à faire de nouvelles connexions, cherchant à essayer quelque chose de nouveau peut-être sortir d'un peu rude dans lequel ils avaient été, ou peut-être n'ont pas considéré la collaboration comme un moyen d'expression viable avant cela pourrait
être quelque chose qui ne leur est jamais venu, mais il pourrait être cool de coincer quelqu'un d'autre. Donc, je pense vraiment que ce niveau de compétence n'a
rien à voir avec ce que vous retirez de cette classe particulière. Mes meilleurs amis du monde que j'ai rencontrés en premier grâce à la collaboration. Je m'envoie des images l'un à
l'autre, je travaille ensemble, fais des spectacles ensemble, je baise ensemble. C' est quelque chose qui, à mon avis, est vraiment vital pour une bonne vie créative, et c'est quelque chose qui est éminemment réalisable compte tenu de l'âge dans lequel nous vivons. Internet rend les choses si faciles, et c'est une chose tellement amusante et
merveilleuse à faire que je suppose que je suis passionnée par cela. Oui, je déteste l'inspiration. Je déteste ça comme un concept. Les gens le fétichent comme posséder la collection parfaite de magazines ou de livres, ou aller au bon café, ou aller dans cette conversation ou cette conversation va se traduire par vous être le meilleur créatif. Ce n'est pas comme ça. C'est tout ce que je pense que tu te sens bien et heureux en tant que personne. Si vous vous asseyez et vous donnez le temps de travailler pendant que vous êtes dans un bon endroit mental, et que vous êtes stimulé, c'est ce qui est important. Donc, ce cours, c'est tout sur la collaboration, et c'est sur la façon dont vous pouvez construire votre travail, construire des amitiés et des relations, et grandir quelle que soit la partie de votre vie créative que vous essayez de développer, que ce
soit vos compétences, qu' il s'agisse de votre réseau ou de votre public. Il s'agit de savoir comment utiliser la collaboration comme plateforme pour voir tout cela prendre vie.
2. Votre projet: D' accord. Donc, la tâche pour ce cours sera de prendre une photo et d'y ajouter votre propre touche. Donc, que ce soit une illustration, vos propres éléments photographiques, quel que soit le type de traitement que
vous voulez lui faire, vous allez prendre cette pièce et vous allez la transformer en votre propre collaboration. Si vous commencez tout juste et que vous avez peur approcher quelqu'un d'autre pour utiliser son travail, ne vous inquiétez pas. Je vous fournit tous les atouts dont vous aurez besoin pour pouvoir expérimenter et faire ce que vous voulez pour cette collaboration initiale. Pour ce projet, je vais vous donner une série d' images qui apparaissent sur mon bon ami Cody Tom. Cody est un photographe professionnel vivant à Brooklyn et il nous a
donné neuf images à utiliser comme base de ces premières collaborations. Lorsque vous considérez le travail qui vous est fourni, évaluez la composition afin de trouver des endroits naturels où votre travail peut s'insérer. Vous trouverez la pièce qui vous parle assez rapidement. Bien sûr, vous pouvez en faire autant que vous le souhaitez, mais sur un premier coup d'œil, la bonne image comme point de départ se démarquera immédiatement pour vous. Donc, en classe, on va couvrir des trucs comme comment mettre ton travail là-dedans en premier lieu. Nous allons passer un peu de temps à examiner les différentes techniques que vous pouvez utiliser pour créer une composition cohésive. Que ce soit juste équilibrer les éléments, les sources de lumière, points d'
ombre, toutes les petites choses techniques qui vont vraiment donner à votre travail l'impression qu'il appartient à la composition. Et oui, nous allons également voir comment commencer à collaborer et ce qu'il faut faire lorsque vous contactez quelqu'un
et que vous établissez une nouvelle relation de collaboration créative. Il y a donc trois façons d'aborder cette tâche particulière. Si vous êtes illustrateur, vous pouvez prendre la photo que j'ai fournie et y mettre vos propres illustrations. Si vous êtes photographe, vous pouvez établir un lien avec un illustrateur et conceptualiser comment faire une prise de vue pour incorporer au mieux les illustrations. Alternativement, vous pouvez faire le tournage et incorporer mes illustrations vous-même. Ou troisièmement, vous pouvez faire les deux. Vous pouvez créer vos propres illustrations, prendre vos propres photos, planifier votre propre projet. Vous pouvez avoir n'importe quel niveau d'implication de mes actifs que je vous fournit ou de choses que vous voulez créer. C' est à vous de décider. Vous n'avez pas à travailler dans mon genre de style pour ce projet du tout. Évidemment, mon style est ce que je peux enseigner parce que c'est ce que je sais, mais il n'y a pas de mauvaise approche à cela. Quel que soit votre style d'illustration, je suis sûr que vous serez en mesure de trouver un moyen d'aborder ce projet. Si vous êtes dessiné à la main, pas de problème. Si vous souhaitez travailler avec des éléments photographiques pris en stock, pas de problème. Si vous êtes aussi une personne 3D, c'est génial aussi. n'y a pas de mauvaise approche à cela. Quoi que vous fassiez, apportez-le à ce projet et faites-le d'une manière réfléchie et je pense que nous allons avoir un très bon résultat. La partie la plus difficile sera la première partie. Qui surtout en tant qu'illustrateur, si vous essayez juste de trouver un concept illustratif qui fonctionne avec la photographie qui vous est présentée. Parfois, il va juste sauter sur vous, mais beaucoup de fois vous allez devoir essayer beaucoup de choses avant d'avoir le moment de la ha que vous avez trouvé la combinaison parfaite. Donc, ça peut être frustrant. Cela peut être incroyablement libérateur quand vous obtenez ce moment d'Eureka immédiatement , mais c'est un vrai défi dès le départ. Et ensuite, un autre défi que vous allez relever est de rendre cette composition cohésive. Il va s'agir de mettre dans les détails et les petites touches qui donnent vraiment
l'impression que les éléments illustratifs appartiennent à la photographie, mais c'est aussi amusant. Ce sont des défis amusants et ce sont les choses qui vont vous aider à grandir. Donc, rien à craindre. Donc, ce que je veux voir, c'est que je veux voir ce projet se développer au fil du temps. Il est vraiment rare que la première passe que vous prenez sur une collaboration soit parfaite. Il y a beaucoup de choses différentes que vous allez devoir considérer si vous illustrez sur une photo. Il y a beaucoup de choses différentes que vous devrez considérer si vous filmez pour une illustration. Donc, la meilleure chose à faire est de télécharger du travail et d'obtenir des critiques à ce sujet au fur et à mesure que vous vous déplacez. Donc trois, quatre, cinq, mais beaucoup de pièces que vous voulez mettre en place
jusqu' à ce que nous atteignions ce produit final est idéal. Juste pour que vous puissiez obtenir des commentaires d'autres étudiants, obtenir des commentaires de moi sur la façon dont les choses se déroulent, la composition de votre pièce, et peut-être juste quelques détails. Comme les ombres et les surlignements et tout ce qui peut avoir besoin peaufiner, j'ai choisi cette tâche parce que lorsque vous parlez de collaboration, la seule façon de vraiment la comprendre, c'est de le faire. Et le but est que ce n'est pas si difficile à faire. Vous pouvez sortir et commencer une collaboration n'importe quel jour de la semaine. Vous pouvez commencer le processus et travailler dans un jour ou deux très probablement. Et ce qui est génial dans ce cours, c'est que vous pouvez travailler immédiatement car je vais vous
fournir tout ce dont vous avez besoin pour commencer dès le premier jour.
3. Collaboration: La collaboration commence par trouver quelqu'un qui peut collaborer. Vous êtes à la recherche de quelqu'un qui peut vous fournir du travail qui vole votre imagination et vous fait vraiment aller. Vous voulez que quelqu'un puisse fournir le meilleur point de départ pour votre processus créatif commence sans aucune inhibition ou sans aucun souci. Donc, vous essayez de créer une relation solide dès
le départ avec de bonnes limites en place où vous savez où vous pouvez aller, où vous ne pouvez pas aller, mais surtout où vous voulez aller. Trouver quelqu'un avec qui collaborer peut sembler intimidant, mais ce n'est vraiment pas si difficile. Il suffit de regarder dans les endroits que vous cherchez déjà, regarder sur Instagram, regarder sur Twitter, regarder sur Facebook, Deviant Art, Dribble, Skillshare n'importe où. Partout où vous voyez quelqu'un qui télécharge le genre d'illustration qui vous intéresse, c'est l'endroit où commencer. Vous devez être réaliste quant à qui vous approcher. Si vous commencez, n'allez pas chez un professionnel
établi et dites : « Hey, nous allons collaborer ». Trouvez quelqu'un qui a le même niveau de talent et enthousiasme que vous et approchez-lui d'une manière honnête. À mon avis, la meilleure façon de
commencer à tendre la main à quelqu'un d'autre est de le faire en privé. Ne les frappez pas dans des commentaires publics ou quelque chose comme ça, car des commentaires comme celui-ci sont souvent ignorés. Trouvez un moyen d'entrer en contact avec eux par e-mail ou tout autre type de message privé, afin que vous puissiez avoir une vraie conversation hors des yeux du public. Il s'agit de bâtir la confiance et ce n'est pas quelque chose qui se fait pendant que tout le monde regarde. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de commencer à parler de ça, une fois que vous avez trouvé quelqu'un qui veut collaborer, ça pourrait être aussi simple que de dire hey envoyez-moi des images et ils vous l'envoient et vous y allez. Il se peut que vous ayez une vraie séance de planification sur l'endroit où vous voulez prendre le projet, genre de résultats
que vous voulez obtenir lorsque vous volez des choses d'avant en arrière sur ce que vous aimeriez faire en fin de compte. Donc, il peut être aussi formel ou informel planifié ou spontané que vous le souhaitez. C' est à vous de décider et le niveau approprié se fera connaître à vous très rapidement lorsque vous commencez à parler à quelqu'un d'autre au sujet de son travail. En collaboration, le respect est tout. Vous devez parler à la personne avec laquelle vous travaillez et comprendre si les actifs qui vous ont été fournis sont des travaux terminés, travaux en cours ou tout simplement des choses brutes. Par exemple, si vous êtes un illustrateur travaillant avec un photographe, il se peut qu'il vous envoie des photos qu'il considère comme finies. Ainsi, lorsque vous ajoutez vos éléments à eux, vous équilibrez vos éléments en fonction du rythme qu'ils vous ont envoyé. Il se peut aussi qu'ils vous aient envoyé quelque chose qu'ils ont à peine touché, qui est tout droit sorti de la caméra et qu'ils sont d'accord pour que vous fassiez votre truc avec. Dans ce cas, vous pouvez ajuster les ombres, les reflets, les tons de couleur. Faites tout ce que vous voulez pour créer la composition qui vous plaît, mais avoir le respect de demander en premier lieu est primordial pour faire une bonne collaboration. Lorsque vous collaborez, vous devez toujours avoir la
permission des autres artistes pour travailler avec leur travail. Si vous n'avez pas cette permission,
ce que vous faites n'est pas une collaboration, c'est du vol d'art. Assurez-vous donc d'obtenir une autorisation écrite ou verbale
explicite de quelqu'un d'autre avant de modifier son travail. L' attribution est importante. Chaque fois que vous publiez le travail en ligne, il est vraiment important de vous assurer que votre collaborateur est bien représenté dans la description telle que vous êtes. Publiez leur nom, affichez leur site Web, affichez des poignées de médias sociaux, tout ce que vous pouvez faire qui est approprié dans le lieu que vous publiez. Il est super important qu'ils soient reconnus comme
contributeur et créateur de l'œuvre que vous publiez comme vous. Donc, si vous commencez tout juste et que vous avez peur approcher quelqu'un d'autre pour utiliser son travail, ne vous inquiétez pas. Je vous fournit tous les atouts dont vous aurez besoin pour pouvoir expérimenter et faire ce que vous voulez pour cette collaboration initiale. À l'avenir, vous pouvez également utiliser des sites de stock gratuits pour obtenir des éléments pour commencer. Voilà donc les fondements de la collaboration. Allons de l'avant et commençons avec votre mission et que vous puissiez commencer à mettre ces choses en pratique.
4. Utiliser la photographie: Voici mon bon ami, Coty Tarr. C' est un photographe de portrait et de style de vie de Brooklyn. Beaucoup de portraits que je fais impliquent des athlètes et beaucoup de style de vie et de forme physique de travail aussi bien. J' ai travaillé avec des magazines comme Sports Illustrated, Men's Fitness, et d'autres comme ça. Je pense que c'est vraiment amusant parce que c'est un truc personnel, on s'amuse juste, il n'y a pas de pression, d'aucune sorte. Je prends la photo, et je la lui transmets, et il voit ce qu'il voit et met ses morceaux dedans. C' est vraiment cool. Notre relation de collaboration est plutôt décontractée parce que nous
sommes de bons amis et nous nous connaissons et nous respectons mutuellement. En l'état, il n'y a pas d'accord formel ou quoi que ce soit du genre entre nous. On est vraiment de bons potes. Il est facile de collaborer avec quelqu'un comme ça, parce que le niveau de confiance est déjà présent. Nous sommes en mesure de le garder décontracté, et nous nous concentrons simplement sur le plaisir et la créativité. collaboration est très rafraîchissante parce que, la
plupart du temps, je tourne des choses pour moi, c'est juste moi, mes décisions et mes goûts. Dès que vous amenez quelqu'un d'autre à bord, ils apportent tout ce qu'ils ont à la table, et vous pouvez regarder les choses de façon complètement nouvelle et rafraîchissante. Je pense que c'est le plus grand avantage de la collaboration. La photo que nous regardons maintenant est prise dans le nord de l'État de New York à l'extérieur de Lake Placid. J' étais en camping avec des amis, et je suis toujours à l'affût des photos que je pourrais prendre avec lesquelles Justin pourrait travailler à un moment donné, et pour moi-même aussi. Mais, l'une des raisons pour lesquelles j'ai pensé que cette photo pouvait très bien fonctionner, c'
est qu'elle a une belle scène, au premier plan, avec les rochers, le beau paysage derrière elle. Mais, c'est aussi une photographie très simple à utiliser en
ce sens qu'il s'agit d'une source de lumière et qu'il est facile de l'intégrer, au lieu de plusieurs sources de lumière comme certaines des autres photos que nous allons regarder. Ce sera certainement la photo la plus facile pour les étudiants de travailler,
en ce sens qu'il n'y a qu'un seul avion sur lequel vous devez vous soucier de lancer des ombres. n'y a qu'une seule source de lumière, et les horaires sont assez neutres, les points d'ombre sont assez neutres. n'y a pas beaucoup d'ajustement que vous devrez faire, sauf vraiment pour correspondre aux tons froids de Coty dans la pièce. Mais c'est une
très, très bonne pièce pour beaucoup de gens de commencer. Absolument. La photo que nous regardons maintenant est en fait l'une des photos que nous avons prises dans la forêt que nous avons mentionnées. La source de lumière qui rayonne à travers le haut ici est très amusante à travailler avec. Parce que encore une fois, c'est une source de lumière unique qui est un peu plus diffuse. Mais, il laisse vraiment la mise au point sur la pièce en raison de la source de lumière unique qui traverse de façon plus directionnelle. Une chose que je dirais c'est une autre, l'
une des photos les plus faciles pour les étudiants de travailler. Une chose que je considérerais est la lumière de diffusion qui sort des plantes. Si vous définissez un élément là-dedans, considérez qu'il y aura aussi de la lumière réfléchie et émanée des plantes plus légères au premier plan. Aussi, assurez-vous de faire correspondre les tons d'ombre, les
prendre des arbres à gauche et à droite, car c'est une partie forte du ton dans cette pièce. C' est une photo prise à Dumbo, mise à Brooklyn. Encore une fois, cela a vraiment une belle scène pour elle. Une chose que vous pourriez vouloir regarder dehors, est la petite clôture de construction là-bas au premier plan, il peut être difficile de travailler avec. Mais, si vous pouvez l'incorporer et presque intégrer la pièce derrière elle, cela pourrait être une situation vraiment intéressante. Je pense que cette pièce présente un défi intéressant pour les étudiants, en ce sens qu'ils peuvent essayer de retoucher cela s'ils veulent être vraiment ambitieux à ce sujet, ou trouver un moyen créatif d'intégrer des éléments qui masqueront cela. Parce que, je ne suis pas sûr que ce soit quelque chose vous voulez nécessairement avoir présent dans votre composition finale, peut-être que vous trouverez un moyen de le faire. Source de lumière unique à nouveau, mais ces ombres sont quelque chose
à considérer dans l'architecture ci-dessus. Mais, je pense que les gens pourraient s'amuser avec ça. Cela pourrait être une image amusante pour simplement se transformer en et de lui-même, plutôt que nécessairement apporter un élément étranger juste prendre les choses ici et modifier et modifier comme ça, et avoir un peu d'une session de manipulation photo pourrait être une bonne option pour les gens qui ne sont pas si désireux de s'illustrer. Encore une fois, c'est une autre photo prise à Dumbo, à Brooklyn. Celle-ci est plus tard dans la soirée, sorte que vous pouvez voir toute la lumière ambiante, les sources lumineuses ci-dessus. Ça pourrait être amusant de travailler avec des sources de couleur, non ? Oui. C'est là que les étudiants vont devoir utiliser techniques de saturation
des teintes dont nous avons parlé,
et aussi utiliser un mélangeur de canaux,
quelque chose que et aussi utiliser un mélangeur de canaux, nous n'avons pas couvert en grande partie. Mais si vous avez un jeu avec un mélangeur de canal d'ajustement d'image, et jouer avec les différentes valeurs là, et les différents niveaux de constantes qui sont là. Dans cette image particulière, je tirais vers le bas la constante bleue qui va générer la lumière jaune de tungstène qui est présent là, et croiser un peu les rouges. Je veux dire, c'est le genre de choses que vous devez prendre en compte lorsque vous travaillez éléments
illustratifs dans une image qui est assez fortement allumée comme celle-ci. Belle scène ouverte cependant. Ce serait un défi, mais quelqu'un pourrait faire quelque chose de vraiment cool avec ça. Absolument. C'est celui que j'ai pris dans le blizzard, pendant la tempête Juno qui a frappé. Celui-ci va être difficile pour eux de travailler. Oui ? Les rafales de neige vont certainement présenter un petit défi. Les élèves peuvent reproduire ceux à l'aide d'un pinceau. Ce que nous devrions faire, c'est créer un nouveau pinceau, définir la taille de celui-ci pour être assez petite, aller dans les pré-réglages de la brosse, et activer la diffusion, jouer un
peu avec cela et l'espacement réel de la brosse, vous seriez capable de recréer la neige dans une nouvelle couche comme ça. Plusieurs sources de lumière, encore une fois, mais vraiment juste une forte venant de la fin de la pièce. La profondeur du champ dans ce domaine sera également un défi intéressant pour les étudiants d'essayer de travailler avec les illustrations. C' est une autre photo que j'ai prise au nord de l'État en dehors de Lake Placid. Celle-là pourrait être assez difficile à travailler avec. Il est en quelque sorte midi,
une forte lumière du jour qui passe par la ligne des arbres. Oui. J'ai essayé et échoué sur cette image. J' ai adoré les tons et les couleurs qui y sont. J' aime l'éclairage, et j'ai adoré le détail général de celui-ci. Mais la profondeur du champ est un défi. Cette source de lumière vraiment spécifique qui est diffusée à travers les arbres aussi, c'est une pièce difficile. Mais quelqu'un pourrait vraiment déchirer ça. C' est une belle photo. Oui. C'est une composition difficile et occupée. Mais, si tu pouvais t'en sortir, ça aurait l'air vraiment malade. C' est un instantané que j'ai pris dans le métro il y a quelques semaines. Tard dans la nuit, quelques personnes attendent le train. n'y a pas beaucoup d'espace pour travailler, parce que c'est un avant-plan assez peu profond. Tout ce que tu vas devoir placer va devoir être assez grand pour qu'il soit assis naturellement devant ce panneau, et le gamin sur le vélo. Je veux dire, il y a de la place pour y revenir le long de la plate-forme. Mais si quelqu'un peut tirer quelque chose avec ça, je serai impressionné. C' est trop cool d'une photo pour ne pas l'inclure. Absolument. Les sources de lumière sont géniales. Oui. Vraiment intéressant. Mais travailler au premier plan et aux gens, ce serait intéressant. Si je travaillais là-dessus, je jetterais un coup d'oeil aux ombres qui avaient été créées par les gens qui étaient là et essaierais de faire correspondre ça. Vous pouvez voir qu'il arrive légèrement à l'automne. C' est une autre prise lors de la tempête de neige que nous avons eue. Superbe tir. Marcher sur le pont de Williamsburg. Ça pourrait être vraiment amusant de travailler avec. J' adore les sources de lumière jaune qui traversent le centre. C' est l'une des plus faciles à travailler avec des photos de nuit et de neige, étant qu'il n'y a pas de particules à craindre. Pas même autant de sources de lumière pour vraiment s'inquiéter. Il y a des choses formidables qui peuvent vous informer où et comment vous placez une illustration que vous voulez. C' est un très bon coup. J' ai failli faire ma pièce dans celle-ci. La seule raison pour laquelle je ne
l'ai pas fait, c'est que la scène réelle que vous avez avec le pont remontant comme ça, est plus étroite que l'autre, et je voulais une plus grande scène pour jouer. Oui. Vraiment un bon coup. Bonne option, grandes couleurs aussi bien. Donc, nous y voilà. Image que j'ai choisie, j'aime vraiment. Il a des profondeurs de champ incroyables, il a de grandes couleurs en elle dès le début, il a les débuts d'une très belle symétrie, et je me sentais juste comme si c'était un très grand espace à explorer. Grandes sources de lumière venant des côtés gauche et droit. Eh bien aussi la chose qui rendra cela un peu plus facile, est que je ne décompose en détail comment créer ombres pour corréler à ces sources lumineuses particulières. Vous aurez des pointeurs spécifiques sur l'utilisation de cette image particulière. Ce que nous examinons maintenant, c'est ma pièce dans son format final. Mais c'est après un jour et demi, peut-être deux jours de travail pour le faire correctement. Ce n'est pas comme ça que ça a commencé. Et ce n'est même pas proche de la façon dont il était sur le premier projet. Je suis vraiment excité de voir ce que les étudiants vont faire ce projet. Je vois ce que Justin fait ici, et ça a l'air incroyable, donc, je n'ai aucune idée à quoi m'attendre. Je pense que ça va être vraiment cool. Vraiment génial. C' est le plaisir. C' est le plaisir
5. Conceptualisation: Ainsi, comme nous l'avons dit, au début d'une collaboration, il est important de définir le paramètre selon lequel on vous remet le travail final ou si on vous remet du travail brut. Ceci, en particulier, concerne la photographie. J' ai d'abord vu le travail de Trash en ligne, sur Instagram, et j'ai juste adoré. J' aime la force de sa composition et juste la magnifique symétrie qu'il emploie. Il a également un très grand respect du toluène et des différents points de contraste. Donc, j'étais vraiment attirée par son travail tout de suite. Nous avons deux amis communs, mais en fait je lui ai lancé un tweet public sur Twitter et lui ai dit : « Hé mec, on devrait se connecter. » Je ne recommande pas
cela, ce n'est pas une bonne approche, mais cela a fonctionné pour nous et nous avons commencé à rassembler notre première collection peu de temps après avoir simplement traduit cela en une collaboration avec lui et avec sa photographie étonnante. Maintenant, quand je fais mes collaborations poubelle, il m'envoie la dernière illustration. Ces photographies sont finies. Ils ont été classés en couleurs, les niveaux ont été équilibrés, ils sont bons à aller. Donc, quand je crée dans cela, il est très important que je respecte cela et que je n'ajuste pas ses niveaux, je n'ajuste pas ses teintes, et je crée un travail qui correspond à ce qu'il a présenté. C' est une partie importante du respect sur lequel nous nous sommes engagés pour nous
assurer que vous faites des choses qui rendront votre partenaire de collaboration heureux. Donc, c'est un exemple de moi en essayant différents concepts et en disant ce qui collerait. C' était une bonne idée, mais la géométrie était trop simple et trop dominante pour cette composition particulière. C' était juste, la perspective était fausse. C' était le premier rendu qui a vraiment commencé à avoir du sens pour moi. J' avais l'impression que les formes que j'avais présentes et le niveau de densité qui y
était, allaient bien fonctionner avec ce que j'avais. Donc, une transformation gratuite de base plus tard. Donc, j'ai fait un peu de transformation libre pour que ce rendu particulier fonctionne mieux avec l'espace tel qu'il a été présenté. Puis j'ai décidé que je n'aimais pas le haut, spécifiquement. Donc, j'ai juste bouclé ça et rendu un nouveau haut plus fort plus géométrique. Ouais, c'est à peu près juste. De là, juste ajouté dans certains rendus secondaires en arrière-plan pour créer de la profondeur, facile. Encore une fois, tout cela a été fait sans toucher quelque façon
que ce soit les points de contraste ou les teintes de la photo originale. Tout ce que j'ai fait a été fait pour correspondre à ce qui m'a été donné dès le début, en respectant le fait que c'était un travail fini. Maintenant, Trash à l'époque était en fait relativement nouveau dans ce genre de collaboration. Il n'était pas sûr de ce que je pouvais en faire. J' aimerais penser que les premières images que j'ai présentées l'ont rendu heureux, cause du respect que j'ai manifesté envers son travail fini. Je savais qu'il était nouveau dans le processus de collaboration numérique avec un illustrateur comme
celui-ci et je savais qu'il était probablement un peu inquiet de voir son travail détruire. J' ai donc été très prudent avec les premières images que j'ai envoyées pour montrer beaucoup de respect à leur composition et pour créer des choses qui correspondent à sa vision originale. Il était heureux de la première manche et nous avons été forts depuis. Maintenant, c'est une partie fondamentale de ces collaborations. C' est que vous devez essayer beaucoup de choses. Il est vraiment rare que la première chose que vous essayez soit un home run. Donc, la première chose que vous allez devoir garder à l'esprit, le premier principe, est juste de continuer à lancer des approches, des concepts et des idées au rythme jusqu'à ce que quelque chose colle. N' essayez pas de forcer un concept qui ne fonctionne pas. Tu vas le faire, mais ne le fais pas. Même en faisant ce projet, j'ai passé une journée entière à travailler sur une approche qui n'a tout simplement pas fonctionné. J' ai essayé tout ce que je pouvais pour le faire et le faire. En fin de compte, il y a, c'est le jour que je n'ai pas maintenant. La bonne chose va sauter sur vous tout de suite, et si cela signifie que vous devez passer à un autre, comme pour un actif photographique pour commencer, alors changez. Si cela signifie que vous devez arrêter de travailler pendant une heure ou deux, arrêtez de travailler pendant une heure ou deux. Forcer vraiment rarement paie, comme je l'ai trouvé à mon grand regret avec cette pièce particulière. Une bonne approche de la collaboration consiste à introduire éléments
photographiques d'une image et à les placer dans une autre image. Cela sera lié à d'autres compétences que nous couvrirons plus tard. Mais l'une des parties les plus fondamentales de ce processus est un processus appelé gravure. Ce n'est pas amusant. Ce n'est certainement pas sexy, mais c'est quelque chose que nous passons tous beaucoup de temps à faire. Maintenant, dans cette image particulière, considérez cette roche. C' est quelque chose que nous pouvons trouver intéressant ou que nous voulons placer dans une autre partie d'une image. Ce que nous allons faire, c'est utiliser l'outil stylo, appuyer sur P pour le raccourci, et nous allons zoomer très étroitement sur ce rocher particulier. Nous allons ensuite créer des points d'ancrage, en
cliquant simplement et en faisant glisser pour frapper des courbes comme celle-ci. Une fois que vous relâchez, créez un nouveau point d'ancrage. Faites le tour et tracez le rocher. Plus vous y consacrez de temps et
de détails, plus vous aurez de gravure et plus votre dernière chose sera réaliste. Alors prenez votre temps. C'est le bon moment pour écouter un podcast ou mettre votre Xen sur, ça pourrait être relaxant. Il est, encore une fois, une partie très fondamentale de la manipulation et de la création d'image, surtout si vous n'utilisez pas la 3D, qui raccourcis d'une manière cela. Complétez le chemin en cliquant sur votre point d'ancrage d'origine, cliquez avec le bouton droit de la souris au centre et appuyez sur Faire la sélection. Assurez-vous que la mise en drapeau est réglée sur zéro. Maintenant, vous aurez une sélection de ce hit. Copiez, appuyez sur Coller, puis effectuez un zoom arrière. Tout d'un coup, vous avez une couche de roche mobile que vous pouvez placer dans une autre partie de cette pièce si vous le
souhaitez ou dupliquer dans une autre composition. Ce processus est appelé gravure et c'est quelque chose que vous devriez probablement vous familiariser avec.
6. Ajouter des éléments et de la composition: Une fois que vous avez terminé votre concept, vous avez identifié la pièce d'art de base avec laquelle vous voulez travailler, il est temps de vous lancer dans le minutieux et de commencer vraiment à mettre le travail dans le rythme. Donc, avec ce morceau particulier de codees avec lequel j'ai décidé de travailler, autant que j'aime le contraste du ciel bleu et l'éclairage en tungstène jaune, j'ai décidé que je voulais vraiment jouer le terrain enneigé. Donc, on va enlever le jaune et en faire un beau blanc comme neige. Maintenant, la façon dont nous allons le faire
est d'ajouter une couche de réglage de la saturation de la teinte. Calque, Nouveau calque de réglage, Saturation de teinte. Ce que nous allons faire est de sélectionner spécifiquement la partie jaune du spectre. Nous allons aussi élargir ce spectre pour qu'il inclue les superpositions orange, et nous arrêter juste avant d'entrer dans la partie rouge de celui-ci ici. Maintenant, ce qu'on va faire, c'est juste retirer la saturation de ça. Vous remarquerez que le jaune perd de la saturation, mais le rouge qui est présent dans les poutres et la structure du pont reste intact parce que le rouge n'est pas sélectionné ici. Nous allons aussi frapper
un peu la légèreté ici pour lui donner une belle sensation de neige. Facile. C'est la partie de saturation de la teinte de cela fait. La prochaine chose que je voulais faire, c'était de rendre la pièce plus symétrique. Donc, je viens de mettre quelques règles quant à l'endroit où se trouvait le centre de ma toile, et j'ai ajusté le rythme, sorte que les lignes coïncidaient avec les règles, et j'ai eu une belle, même symétrie partout, où ces poutres supérieures rencontraient règles horizontales, le centre de la voie a rencontré la règle centrale, et un peu de déformation dans le
coin inférieur gauche pour obtenir ces ombres sur un joli plan uniforme aussi. Maintenant, je vais apporter mon premier élément. Pour moi, c'est le rendu central. Maintenant, il est assis là-dedans, il a été rendu avec cette pièce particulière dans mon. Donc, les couleurs et les teintes sont sur place, il n'y a rien pour moi de vraiment m'y adapter. Ce que vous remarquerez d'un coup d'œil cependant, c'est que le point d'ombre est incorrect. Il y a un noir ici qui est beaucoup plus sombre que tout ce qui est présent dans l'image. Alors, corrigeons ça. Ce que nous allons faire est d'utiliser le sélecteur de couleurs, qui est juste, vous appuyez sur I et sélectionnez la partie la plus sombre de la pièce. Ce sera probablement cette poutre juste ici. Maintenant, dans cette pièce qui sert de noir, mais en réalité, si on la regarde dans la roue, c'est en fait un bleu foncé au milieu de la saturation. Avec cette sélection, tout en haut de notre composition, créons un nouveau calque, nous l'appellerons point d'ombre. On va le remplir avec ce bleu. Ça a l'air juste. À ce stade, nous définissons le mode calque sur Éclaircir. Maintenant, vous remarquerez immédiatement que, dans mon rendu principal ici, ce noir ne se distingue plus. Il a été allégé, de sorte qu'il s'intègre de manière cohérente. En activant et en désactivant le calque, vous verrez également que nous avons accidentellement éclairé d'autres parties de l'image. Le point sombre réel de cette image particulière est cette poutre. Alors, échantillonnons cela, et remplissons ceci plus tard avec cette couleur à la place. Beaucoup mieux. Maintenant, la gamme complète de contraste est présente, mais cette couche a été corrigée. En même temps, vous remarquerez que cette partie blanche du rendu est trop brillante. Donc, ce qu'on va faire, c'est l'éteindre, trouver la partie la plus brillante de la neige ici, et la goûter. Encore une fois, si nous allons dans la roue, vous remarquerez que c'est plusieurs nuances plus foncées que le blanc pur. Nous allons créer un autre calque, et le remplir avec ce blanc légèrement cassé. On va régler ça pour s'assombrir. Maintenant, lorsque nous réintroduisons ceci, vous remarquerez que le point blanc est équilibré avec les points saillants derrière lui. Joli. Plus précisément, pour cette partie exacte, parce que vous ne pouvez plus voir les blancs là-bas, nous allons goûter la pièce la plus légère que nous puissions trouver qui est proche de lui. Prends un pinceau, une brosse minérale. Sélectionnez notre couche de
surbrillances, que nous avons nommé précédemment, et nous allons brosser juste sur ce morceau là. Beaucoup mieux. Là. C' est une différence subtile, je suis sûr que vous serez d'accord, mais il est important de faire en sorte que cet élément particulier corresponde à notre composition. La cohésion est une grande partie de ce que nous recherchons. Maintenant, modifions l'élément réel lui-même, maintenant que nous avons ces propriétés globales définies. C' est un peu plus sombre que je voudrais voir dans les tons moyens. Donc, ce que nous allons faire est d'ajuster ses niveaux. Image, Réglages, Niveaux. Ce curseur particulier au milieu est de tons moyens. Déplaçons vers la gauche pour améliorer les tons moyens. On les verra s'égayer. Maintenant, nous ne voulons pas perdre le beau contraste que nous avons. Alors, frappons un peu ce niveau d'ombre. On y va. C' est un bon compromis, où nous avons un peu plus d'informations dans les tons moyens et le contraste est préservé. C' est juste un niveau plus attrayant. Vous voudrez également le faire avec d'autres éléments que vous introduisez. Essayez de le garder universel. Perforcez les tons moyens et corrigez en faisant glisser les ombres. Fait un rythme beaucoup plus intéressant. Maintenant, allons allumer ces éléments avec des lumières qui correspondent aux sources lumineuses présentes dans l'image source. La façon dont nous allons le faire
est, encore une fois, de créer une nouvelle couche. Celle-là, on va le remplir de noir. Nommez-le esquive. Définissez ce mode de calque sur Color Dodge. Cela va grandement égayer n'importe quelle couche en dessous avec la couleur que vous peignez ou la teinte que vous peignez sur le dessus. Juste blanc pour l'instant, c'est bien. Commençons par cette image la plus à gauche. Maintenant, cela serait allumé par cette lumière ici. Alors, allons de l'avant et utilisons notre pinceau pour peindre sur une esquive comme ça. C' est un bon succès. Faites la même chose pour celui-ci, avec cette lumière qui arrive ici. Ensuite, un sur notre objet central en haut, qui est rétroéclairé par les deux. Un là-bas, un là-bas, et peut-être, un peu de licence poétique dans un au milieu comme ça. Maintenant, évidemment, cet effet particulier a été imposé trop fort. Donc, ce que je veux que vous fassiez, c'est d'ajuster le calque de remplissage. La différence entre le remplissage et l'opacité, c'est que le remplissage respecte le mode de calque que vous avez sélectionné alors que l'opacité s'affiche simplement dans le calque global. Donc, avec un calque qui a été défini sur un mode calque, vous voulez utiliser le remplissage. Réduisons ça à environ 30 à 40 pour cent. Utilisez votre propre œil, ce qui vous rend heureux. Je pense que, dans ce cas, environ 45 est exact. Allons éteindre et allumer ça. Vous pouvez voir que nous avons créé une pièce qui est maintenant beaucoup plus correctement éclairée par la scène qui l'entoure. Cependant, malheureusement, nous avons également allumé la scène derrière elle. Ce que nous allons faire, c'est limiter cette esquive particulière aux éléments que nous avons présents, sorte qu'ils soient les seules choses qui sont affectées par cet effet. Pour ce faire, cliquez sur les éléments relatifs,
maintenez la touche Maj enfoncée pour toucher un deuxième élément,
lorsque tout est sélectionné,
et le calque maintenez la touche Maj enfoncée pour toucher un deuxième élément, lorsque tout est sélectionné, Dodge est également sélectionné, Masque de
calque, Révéler la sélection. Ce que cela a fait, est contraint cet effet Dodge juste à nos rendus, et il a laissé l'arrière-plan seul. Une fois que vous le voyez comme ça, vous voudrez peut-être ajuster le remplissage une fois de plus, afin que tout soit naturel. C'est plutôt bien. Suivant. Maintenant que nous sommes satisfaits du placement de ces éléments particuliers, créons des ombres pour eux. Donc, la façon dont nous allons le faire, c' est de sélectionner une couche centrale ici. Créez un nouveau calque, nous l'appellerons ombre principale. Remplissez-le de noir. D' accord. Comme vous pouvez le voir, notre calque d'ombres créé précédemment a corrigé ce noir pour être le bleu foncé qui est le véritable point d'ombre pour ce fichier particulier. Dans la palette des calques, déplacez l'ombre principale derrière le calque principal. Amenez-le au bas de la composition, et considérez où il est réellement jeté. Cette composition est unique en ce sens qu'elle a les deux sources lumineuses. Donc, nous sommes allés de l'avant et avons créé deux ombres. Un pour la droite, un pour la gauche. Ils se chevauchent légèrement au centre. Situez-les sous votre rendu. Définissez leur opacité à quelque chose qui correspond
aux autres points d'ombre présents. Dans ce cas, il semble que le remplissage de 50 pour cent fonctionnera. Joli. Ajustez ça une fois de plus. Cool. Comme vous pouvez le voir, cela a créé les ombres bidirectionnelles ainsi qu' une ombre principale qui correspondrait à avoir le vrai lancer comme ça. La seule pièce d'espace qui n'est pas éclairée par l'une ou l'autre lumière. Allons de l'avant et fusionnons ces. Apple E pour fusionner, et frappons avec un flou gaussien. La quantité que vous devez utiliser dépend de la résolution du fichier sur lequel vous travaillez, mais juste à une quantité qui vous plaît et reflète probablement toujours un tout petit peu de la géométrie présente. Pas trop, mais un peu. Ça marchera. Maintenant, ce que nous devons faire, c'est transformer l'ombre pour qu' elle corresponde à l'endroit où elle aurait été jetée. Appuyez sur Apple T pour faire apparaître la transformation libre, et amener le premier point vers le bas comme ça. Évidemment, ces lumières viennent de derrière, donc l'ombre va être jetée devant l'objet principal comme ça. Nous regardons également une image avec beaucoup de profondeur de champ. Donc, nous devons aussi ajuster la perspective sur l'ombre. Je vais encore T pour évoquer la transformation libre, et juste faire ressortir la perspective comme ça. Joli. L' ombre est un peu surdimensionnée. Donc, ramenons ça à environ 90 pour cent. Ce n'est pas vraiment une science stricte ici, alors faites juste ce qui vous plaît. Je pense que 90 pour cent, c'est bien. Maintenant, quelque chose que vous pouvez remarquer ici, est que cette ombre particulière ne
correspond pas directement à la couleur des autres ombres qui l'entourent. Ce que je veux faire ici, c'est coloriser cette ombre pour qu'elle le fasse. Étudiez la couleur de l'ombre que vous aimez, puis allez Image, Réglages, Saturation de la teinte. Tu vas frapper coloriser. Maintenant, parce que c'est en fait une couche noire, rien ne se passera au début. Ce que vous devez faire est d'apporter un peu la légèreté, et la saturation beaucoup. On y va. Vous pouvez commencer à voir ce bleu passer. Maintenant, ramenez la légèreté jusqu'à ce que vous ayez un bon match. Je dirais ça. C'est un bon ajustement. Juste pour vous montrer la différence et ce que nous avons fait là-bas, vous avez quelque chose qui s'intègre vraiment bien avec les environs. C' est comme ça que tu fais les ombres. Nous avons les illustrations en place qui sont assez finales. J' aime bien où ils sont. Il est temps de commencer à ajouter quelques touches de finition pour les intégrer correctement.
7. Pour résumer: Maintenant, j'ai ma géométrie et mes rendus situés comme je veux les avoir situés. Les ombres sont dans les endroits où je veux que les ombres soient. J' ai ajouté un éclairage dynamique en utilisant cette
technique d'esquive de couleur à différentes pièces à différents endroits. Je suis plutôt content de l'endroit où ça se trouve. Cependant, je veux ajouter un peu plus de magie, un peu plus de mouvement dynamique, juste un peu plus au rythme. Donc, pour ce faire, je vais apporter un effet cool que j' aime utiliser pour quelques petites étincelles magiques comme ça. Maintenant, comment on fait ça ? Je te montrerai dès le début. Les modes de calque sont une partie fondamentale de Photoshop, ils sont la façon dont vous vous amusez le plus. C' est aussi le moyen le plus simple d'intégrer des effets comme la fumée, les étincelles, et ce genre de choses. Donc, je vais aller de l'avant et trouver une photo de stock d'étincelles. Je vais utiliser celui-là. Donc, le mode de calque correct pour cela va être écran. Parfait, faisons-le glisser sous notre objectif d'éclairage de documents. Maintenant, écran signifie que l'image se superpose d'une manière éclaircissante. Le noir va tomber et les pixels qui s'y trouvent éclaircissent les pixels en dessous, c' est ce
qu'est le mode Calque d'écran. Maintenant, le moyen le plus simple de le placer au bon endroit est d'ajouter un masque de calque. Une fois que vous aurez cela, peignez avec du noir dans les endroits où vous aimez l'image, cela rendra transparente, mais j'aime ce qui est là, là, là. Cela semble contre-intuitif, mais je vais vous montrer pourquoi dans une seconde. Nous faisons cela pour que vous puissiez voir ce qui est présent dans l'image boursière, même lorsque vous sélectionnez les choses que vous aimez. Brosse, brosse, brosse, ainsi de suite et ainsi de suite. Lorsque vous avez une sélection que vous aimez, que vous pensez cool, suffit d'inverser le masque de calque et il sera présent là où vous avez brossé. Ces étincelles sont orange, rien dans cette pièce n'est orange, alors utilisons Hue, Saturation pour composer ce rouge qui fonctionne bien avec les autres tons présents. C' est aussi un peu trop saturé, alors revenons un peu ça aussi. C'est un bon ajustement. Continuez et répliquez ce calque, en transformant
gratuitement l'échelle au fur et à mesure, sorte que les étincelles soient intégrées dans toute la pièce. Rappelez-vous que moins est souvent plus, mais amusez-vous avec elle. Oui, c'est sympa pour le haut. Ajoutons un peu devant ces couches à l'arrière aussi. Là, il a l'air bien. Donc, c'est mon point de vue sur cette composition particulière. J' aime la façon dont l'image joue avec la symétrie de la pièce, la façon dont elle s'étend pour remplir tout
l'espace et crée un peu de narration et de drame dans la composition. Donc, c'est mon point de vue sur cette mission particulière. Quand vous avez tout en place comme ça, et que vous avez l'impression que l'image est vraiment arrondie, c'est la partie amusante. C' est la partie où vous voulez prendre votre temps, y entrer, faire les choses minces comme les ombres, et l'éclairage,
et les petits éléments amusants que vous voulez introduire pour rendre la pièce unique. Ne vous précipitez pas, c'est amusant. Vous savez que vous avez quelque chose de cool sur les mains, vraiment mettre un peu de temps pour le perfectionner et le faire correctement. n'y a pas de précipitation pour sortir ça, il n'y a pas de précipitation pour le sortir, vraiment profiter de perfectionner votre rythme. Utilisez la technique Color Dodge avec laquelle nous avons joué plus tôt pour vous assurer que vos éléments sont correctement éclairés, et c'est maintenant le moment où tout est finalisé pour vraiment entrer et obtenir ces ombres parfaites. Vous pouvez même trouver que vous voulez coloriser un peu les ombres, afin de les faire correspondre tonalement à ce qui est présenté dans la pièce. D' accord. Donc maintenant, nous avons la pièce finie, vous voulez créer quelques fichiers à ce stade juste pour
envelopper et l'avoir prêt à aller pour tout ce que vous voulez l'utiliser pour la prochaine fois. Donc, la première chose à faire est de sélectionner l'ensemble du canevas, Apple A et Copier fusionné, Commande, shift, C. Si vous n'êtes pas dans les raccourcis clavier comme moi, c'est Modifier, Copier fusionné. Créez une nouvelle composition. J' aime utiliser l'espace Apple RGB, mais les gens ont leurs propres préférences. Il est collé. En l'état actuel, si vous mettez la taille de la toile, ce sera un joli fichier volumineux. Vous voulez enregistrer ceci partout où vous avez l'intention de l'enregistrer. Il suffit de l'enregistrer comme skillshare-print. Vous le sauveriez comme un jpeg. Ce que nous allons faire pour cela, nous économisons une très belle qualité TIFF et compression. Parfait. Maintenant, vous avez un fichier d'impression de qualité parfaite que vous pouvez utiliser pour tout ce que vous décidez d'imprimer cette pièce. Avoir cela dès le début est une bonne idée, juste pour que vous n'ayez pas à y retourner et le faire plus tard. A partir de cela, nous voulons créer le fichier de présentation de l'écran. Alors, allez dans Taille de l'image, obtenons le raccourci. Vous ne voulez pas qu'une pièce de paysage comme celle-ci soit vraiment plus large que 1500 Pixels. n'y a tout simplement pas de besoin réel, cela signifie qu'il s'adaptera sur les ordinateurs portables des gens, il s'adaptera à n'importe quel mode de présentation que vous choisissez. Donc, c'est bien. J' aime aussi, à ce stade, appliquer un peu d'aiguiser ma pièce. Filtrer, aiguiser, aiguiser intelligemment. Lorsque vous réduisez comme ça, c'est vraiment une bonne chose à faire, juste pour obtenir un peu de Sharpen supplémentaire là-bas. C'est sympa. Utilisez votre propre discrétion que vous allez aimer. J' aime beaucoup de pointu, je pourrais être un mauvais exemple. Donc, ne tombez pas dans mon piège nécessairement d'appliquer si forte, mais pour moi cela a l'air sympa et punchy. Allez-y et enregistrez simplement ceci comme un jpeg. Vous pouvez aussi bien avoir une qualité maximale. Fait. C' est tout, maintenant vous avez un fichier web prêt à partir, vous avez un fichier d'impression prêt à l'emploi, sont
les deux formats principaux dont vous avez besoin.
8. Conclusion: Alors que vous me regardez développer ce rythme, chacune des différentes itérations des objets centraux aurait été un bon point d'arrêt et un bon endroit pour partager. Assurez-vous donc que vous mettez vos morceaux sur Skillshare ajoutés aux points d'arrêt naturels que vous rencontrez. N' attendez pas pour obtenir un produit final avant de vous sentir prêt à partager. Après avoir reçu quelques commentaires et quelques notes à ce sujet, allez-y et affinez ce concept principal jusqu'à ce que vous ayez une exécution qui vous satisfait. Ne t'ennuie pas trop sur l'éclairage, les ombres et tout ce genre de choses. suffit de l'amener là-haut avec les éléments en place et la composition qui, selon vous, fonctionne. Après cela, c'est le moment grossier. Alors allez-y et commencez à perfectionner cela et à obtenir les petites touches en place qui rassemblent vraiment la pâte, et puis vous obtenez probablement un tour de commentaires et de notes de plus et ce que vous avez pour vraiment la ramener à la maison et obtenir cela composition polie. Lorsque vous évaluez le travail de l'autre, ce que je veux que vous regardiez d'abord et avant tout, c'est
la façon dont l'autre élève a utilisé l'espace présent dans la photographie de base. Comment l'ont-ils rempli ? ont-ils dominé ? ont-ils utilisé d'une manière qui soit efficace pour leur illustration ? La première chose à considérer est la composition globale. Après cela, vous pouvez laisser une sorte de critique sur les éléments eux-mêmes, mais sachez que différentes personnes sont à différents niveaux de compétence, alors n'allez pas trop loin dans ce domaine. Si vous regardez une deuxième ou une troisième itération, commençons à considérer les différents éclairages en jeu, l'ombrage, la saturation et les niveaux de teinte. Assurez-vous que tout est équilibré et que la composition commence à devenir cohésive. Si vous regardez la quatrième ou la cinquième itération finale de quelqu'un, vous pouvez commencer à le juger comme une œuvre globale. Donnez vos impressions sur ce que vous ressentez, ce que vous pensez fonctionner réellement,
ce qui, selon vous, ne fonctionne pas. Il est normal d'isoler certaines choses qui, selon vous, ne fonctionnent pas, mais assurez-vous d'être constructif et de ne pas mettre en évidence les choses que vous pensez être juste un peu loin d'être parfaites. Soyez constructif dans vos critiques. Ne dis pas simplement : « Ça ne marche pas. » Suggérez une alternative. Soyez précis en indiquant ce qui, selon vous, doit être amélioré et fournissez également une raison pour laquelle. Respectez vos autres élèves et les efforts qu'ils déploient dans leurs projets. Ce n'est pas toujours facile pour une première fois alors soyez gentil. Ce que je cherche dans ces pièces est principalement la composition. Je comprends que tout le monde est à différents niveaux d'illustration, donc je ne m'attends pas nécessairement à ce que
chaque projet me fasse exploser d'un point de vue créatif. Cependant, je voudrais voir l'attention portée aux détails. Je veux voir des gens créer des compositions équilibrées cohésives où chaque élément a été soigneusement intégré dans le matériau de base. Maintenant, la pièce est finie et vous en êtes satisfait. La première chose que vous voulez faire est de l'envoyer à votre collaborateur et de leur montrer où vous en êtes. Je veux dire que les chances sont assez bonnes qu'ils vont être ravis de ce que vous avez fait à cause de toutes les étapes respectueuses précédentes que nous avons montrées, mais c'est juste une bonne étiquette de s'assurer qu' ils sont les premiers à applaudir les yeux dessus. Une fois que vous obtenez l'accord d'eux, il est temps de commencer à le mettre sur Internet et de le répandre vraiment autour. Fais vraiment une histoire à propos de ta collaboration. Faites en sorte que les gens s'en soucient autant que vous. Donc, vous allez dans une variété de différentes communautés là-bas et des endroits où vous pouvez le mettre. Évidemment, si vous avez votre propre portefeuille, mettez-le dans votre portefeuille. Mettez-le sur Behance, mettez-le sur DeviantArt, mettez-le sur Instagram. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. J' espère que vous avez eu de bonnes choses à emporter, et que vous vous amusez beaucoup à faire ces devoirs. Plus vous vous amuserez, meilleur sera votre travail final. Et j'ai vraiment hâte de voir ce que vous pouvez faire avec ce matériel.
9. Plus de cours créatifs Skillshare:
Justin Maller, Illustrator, Art Director, Digital Artist
