Bases de la réalisation : Tourner un film avec 5 plans

1. Bande-annonce: [ MUSIQUE] Bonjour. Aujourd'hui, nous allons faire un voyage avec moi, méchant Boy Julian. C' est mon nom, alias votre professeur de cinéma pour la journée. C'est moi. Quand j'ai commencé à faire des films, il n'y avait pas de YouTube, il n'y avait pas de Skillshare. Je suis allé à l'école de cinéma et j' ai dit : « Je veux être réalisateur. » Alors je n'ai toujours pas appris à faire ça à l'école. Quand j'ai quitté l'école et que j'ai essayé de faire mes propres films, ils ne sont pas sortis comme je les imaginais dans ma tête. Parce que la réalisation de films est tellement liée aux détails et tellement à regarder et à apprendre les gens. J' ai fini par devenir ami avec beaucoup de cinéastes, aller à l'école de coups durs comme foirer, faire de mauvais films pour apprendre à faire les bonnes choses. Regardez-nous, nous sommes là. J' espère pouvoir partager ce qui me passionne et excite, à savoir la réalisation de films. J' ai déjà enseigné un cours de Skillshare, qui s'appelait « Comment faire des films à faible budget  », de l'écriture à la réalisation en passant par la post-production, c'est-à-dire le montage. Pour ce cours, je veux juste me concentrer sur la mise en scène. Je pense que c'est moi qui masse directement. Je ne sais pas ce que mes mains font parfois, je m'excuse. Il y a beaucoup de choses qui entrent dans cette mise en scène. C' est très technique parfois. Mais c'est aussi vraiment immersif et c'est toujours cette danse va-et-vient dont on a besoin pour apprendre les subtilités de. C' est pour ça que je suis ici aujourd'hui, c'est de me concentrer sur cette partie de la réalisation cinématographique. C' est pour ça que je suis super excité parce qu'on va apprendre. Prouvez que votre mère a tort. Elle ne pense pas que tu puisses apprendre. De toute façon. Je suis sûre qu'elle le fait, ou peut-être qu'elle ne l'a pas fait. Nous prouverons que quelqu'un a tort. 2. Introduction et aperçu du cours: Bonjour, je m'appelle Julian. Aujourd'hui, nous allons faire un voyage où nous apprenons les bases de la direction et comment diriger l'apparition. Ce qui est vraiment cool dans ce cours spécial aujourd'hui, c'est que tu vas me voir pendant que je fais un film spécial juste pour toi dans cette classe. On va regarder dans les coulisses et filmer un film et on va couper ça avec ce que je dis maintenant. C' est cool. Je suis fan de l'apprentissage immersif et c'est comme ma première occasion de le faire avec Skillshare. Je suis excité. Le titre de cette classe est Réalisation 101 : le 5 Shot Film. C' est parce que nous allons apprendre à faire le film en cinq plans. Ensuite, on en a encore deux. Mais vraiment le cœur, la viande et le jus de notre film vont se produire en cinq plans simples. Je vais nous conduire à travers ce processus et nous allons apprendre tout ce qui va dans le sens de la mise en scène. C' est comment installer la caméra, comment travailler avec un directeur de la photographie, comment diriger les acteurs, quel est le séquençage que vous faites, toutes ces choses amusantes que nous allons apprendre aujourd'hui et nous allons le voir. Oui, soyons excités. Faisons le rouleau. Je ne sais pas si ça va t'aider à diriger, mais tu peux faire ce que tu veux. Merci. 3. PROJET DE CLASSE: [ inaudible] Alors parlons du projet de classe. Vous allez écrire un script ou faire un aperçu d' un plan qui implique deux étrangers qui entrent en conflit l'un avec l'autre. Ensuite, vous allez filmer cette pièce que vous avez, quoi que ce soit, et vous avez cinq photos pour faire ce film. Vous pouvez le faire sur votre iPhone, vous pouvez le faire sur un téléphone sympa, vous pouvez le faire sur ce que vous voulez tant qu'il enregistre des choses. Ne le fais pas sur ta grand-mère, tu sais que ça n'enregistre pas de trucs. Oh, et une autre chose qui arrive juste après cette vidéo est mon projet de classe. vois, j'ai fait le mien, je bois mon propre Kool-Aid, et j'ai fait un court métrage où l'essentiel de l'histoire est raconté en cinq plans. J' ai fait quelques extra, ne dis rien. Écrivez un en-tête. On n'aime pas les règles ici. Quoi qu'il en soit, profitez-en, et nous allons le faire référence plus tard quand la classe aura lieu. Merci. 4. Exemple de projet : The Moment: Donc c'est le film fini cinq plans que j'ai fait spécifiquement pour Skillshare afin que vous puissiez regarder le processus de moi, Julian, réaliser et créer un film. Remarque, Il a juste fallu environ une heure et demie pour le filmer, un jour pour le montage et juste un peu de temps de répétition. Tu peux faire quelque chose comme ça toi-même. Allez-y, regardez, j'ai dit assez. Maintenant, si je ne dis pas quelque chose. Je vais éclater parce que c'était fou. Peut-être que j'interprète mal. Parce que je pense qu'on avait quelque chose en ce moment. Non. Quoi ? Ne joue pas au coy. Tu joues au coy. Je ne connais même pas ton nom. Donc je suis folle. C'est ça, je suis fou ? D' accord. Je pense qu' on a juste eu un moment. Ça ne s'est pas produit. D' accord, on a juste eu un moment. On l'a fait, n'est-ce pas ? On a eu un moment. C' est génial. Moments, je les aime. 5. Écrire votre scène: Donc je ne veux pas que tu te concentres trop sur l'écriture. Parce que, on est genre, « Quelle est mon histoire ? Comment ça va être ? » Il y a trop de choses qui vont avec ça. Il y a un modèle de base que nous allons suivre qui va vous permettre de faire un film à cinq plans. abord, notre histoire commence avec deux étrangers, puis un conflit entre ces deux étrangers se pose et c'est là que se passe la viande de notre histoire. Nous commençons par des étrangers, puis il y a des tensions, il y a un conflit, et ensuite nous avons une résolution. Votre résolution n'a pas besoin d'être comme une comédie de croquis où elle se résout et qu'elle s'embrasse. Ça peut être une anti-résolution. Je veux que tu te concentres sur des histoires intéressantes. C' est comme l'approche Mad Libs à l'écriture de scénarios et je pense que nous pouvons remplir ce que notre cœur désire et c'est assez large pour que vous puissiez faire quelque chose d'intéressant. Une chose qui est importante dans nos histoires, assurez-vous qu'il y a un sous-texte là-dedans, ok ? Il y a quelque chose qui reste non dit, donc il y a des tensions dans le conflit, mais peut-être que cette tension est vraiment quelque chose de plus profond. Peut-être qu'un personnage attend en ligne et qu'il est vraiment en colère et qu'il n'est pas en colère qu'il attend en ligne. Il est en colère parce que son ami est malade et comment nous révélons que peut se produire quand il y a une dispute entre deux personnes, qui sait. Subtext est vraiment intéressant et il fait une scène juste pop. C' est la première chose que tu dois faire. 6. Pré-production: Donc c'est une classe de mise en scène. Comme je l'ai dit, ce n'est pas un cours d'écriture et ce n'est pas vraiment un cours de pré-production, mais nous devons passer quelques choses avant de faire notre film. D' abord, vous écrivez le film. C' est ce dont nous avons parlé dans le projet de classe. Ensuite, vous devez lancer votre film. Si vous connaissez quelqu'un qui est un acteur incroyable, peut-être adapter votre scène à lui ou demander à vos amis qui ils savent est vraiment super talentueux ou allez faire un Craigslist ou un post dans les coulisses et essayer de trouver quelqu'un de cette façon. Utilisez toutes les ressources que vous pouvez pour rendre votre film intéressant. Pour le film que j'ai fait, j'avais entendu parler de Theo et c'était un acteur si bizarre et intéressant, et je savais que je pouvais travailler avec ce type d'une façon ou d'une autre. J' ai écrit le scénario et j'ai dit que Theo serait vraiment bon. Il a lu la scène avec moi. On a fait une répétition et il était incroyable. Puis l'autre rôle, j'ai mis en place un appel de casting sur Craigslist où les gens soumettent une vidéo d'eux disant ; non. J' ai vraiment une bonne sensibilité de qui il était. Je l'ai appelé. Nous avons parlé un peu et je l'ai jeté parce que nous avons vraiment connecté comme ça. Simple que ça. C'est le casting. Numéro deux, répéter. Si vous avez le temps, répétez les scènes avec vos acteurs. Avec mon film, avec Theo et moi avons traversé le scénario. J' ai vu que ce qu'il était vraiment bon, qui était très honnête et vulnérable et cela a changé la direction de ce que je voulais pour ce film à cause de cela. Dépistement de localisation. Il y a beaucoup de façons différentes de le faire. Je dis toujours d'écrire un endroit auquel vous avez accès afin que vous n'ayez pas toujours à faire un tour autour de l'emplacement de quelqu'un auquel vous n'avez pas vraiment accès. C' est une expérience bizarre. Vous voulez vous sentir à l'aise et libre pendant que vous faites des films. Pas comme si tu étais en prison. C' est peut-être ton boulot. Peut-être que c'est ta maison, et peut-être que c'est quelque part à l'extérieur comme un parc. J' ai tourné notre scène spécifiquement sur le baisson parce que c'est là que je vis. À l'origine, j'allais le filmer dans un magasin vintage. Mais la boutique vintage n'avait pas assez d'espace et je voulais m' assurer que je pouvais prendre autant de temps que j'en avais besoin. Si vous allez aller chercher un endroit où tourner votre scène, je vous dis de leur offrir, voir si vous pouvez vous en sortir avec seulement 50 dollars ou peut-être 75. Les gens sont souvent très heureux d'aider, mais il suffit de faire le tour. Soyez confiant. Demandez aux gens de trouver un emplacement. Les emplacements sont importants et vous voulez vous assurer qu'ils peuvent être ajoutés à une scène. Shot-listing. Vous écrivez un script, puis vous devez comprendre quels plans vont correspondre avec quelles lignes du dialogue. Peut-être que vous avez un plan principal, un plan moyen, un autre moyen, puis deux gros plans. D' accord. C'est exactement ce que j'ai fait pour le film que j'ai fait. Ensuite, vous pouvez remplir avec des gros plans ou tout autre détail dont vous avez besoin pour compléter vos cinq coups de feu. Maintenant, si tu fais des trucs comme, un peu de coupes. Quand on a tourné un film, on a coupé certaines choses qui sont sur le sol ou qui sont dans la scène. C' est très bien. Je n'appelle même pas ça un coup de feu. D' accord. Donc je voulais juste dire que la majeure partie de notre film va se produire en cinq plans. Préparez vraiment cinq photos dans lesquelles vous allez faire votre film. Comme je l'ai dit, tu pourrais filmer ça sur ton iPhone et c'est peut-être toi qui fais ça. Ou vous pouvez engager des gens pour faire votre film. Lorsque vous embauchez des gens, vous engagez la plupart du temps un directeur de la photographie. Ils sont la personne avec la caméra. Tu les paies ou pas peut-être qu'ils sont tes amis. Ce serait super cool. Ils vont composer et tourner votre scène. Vous devez avoir une relation de travail avec cette personne et vous devez clairement communiquer exactement ce que vous voulez. Ils sont là pour exécuter votre vision, mais vous collaborez aussi avec eux. Donc tu ne peux pas être un dictateur pour eux parce que c'est un push-pull. Vous leur dites ce que vous cherchez et ensuite ils aident à y parvenir. Alors tu leur donnes des notes. Mais vous ne devriez pas non plus être soumis à cette personne. Ils ne devraient pas être comme « J'ai compris », et ensuite faire ce qu'ils veulent. Vous êtes en charge du tournage et vous avez le dernier mot. Vous êtes le réalisateur. Travaillez donc avec votre directeur de la photographie pour créer une vision de ce que vous voyez et de ce à quoi vous voulez qu'il ressemble. Qu' est-ce que tu veux que ça se sente ? Quand vous faites votre film, sachez tout à ce sujet. Je veux que vous sachiez tous vos rythmes et je veux que vous sachiez tout le libellé. Vous devez faire autant de préparation que possible avant afin que vous puissiez avoir une vision très spécifique dans votre cerveau de ce à quoi vous devez ressembler. Tout cela est important parce que ça va vous aider à être le meilleur réalisateur que vous pouvez être. Donc, plus vous y réfléchissez, plus vous planifiez de choses, plus vous écrivez de choses, même comme des références. Tout cela aide vraiment à créer votre scène et à lui donner des détails. C' est le moment où nous parlons du projet de classe. Pour récapituler, il y a cinq choses à faire avant de faire votre film. Casting, répétition, repérage de localisation, liste de tirs et équipe d'embauche. 7. Diriger sur le plateau: Wow, tu sais quelle heure il est ? Il est temps pour nous de faire la partie directrice de ce cours. Donc vous allez me regarder, c'est un immersif, comme je fais le projet à côté de cette chose parlante que je fais. Super excitant parce que nous verrons du début à la fin ce que c'est d'être réalisateur. Étape 1, dites aux gens quand venir et ensuite les saluer. Fais comme l'un d'eux, comme serrer la main ou quoi que tu fasses. Mais vous êtes là en tant que réalisateur, vous êtes là en tant qu'ambassadeur, si vous remarquez des gens, c'est cool, évidemment, juste être régulier. Mais vous êtes là pour que les gens se sentent à l'aise, surtout si vous êtes directeur de la photographie dans vos acteurs. Plus les gens sont à l'aise, mieux ils vont travailler. Vous devez donc créer un environnement où les gens sont à l'aise. C' est souvent agréable d'avoir de la nourriture, des bananes, un peu de café, puis d'aller lentement dans ce que vous allez faire pour la journée. Un conseil pro. Mensongez aux gens sur l'heure à laquelle commencer. Parce que les gens aiment être en retard. Je ne sais pas pourquoi. Mais les gens adorent être en retard. En fait, je sais pourquoi je suis en retard parfois aussi, juste parce que les gens sont mauvais à l'époque. Shaheem avait une heure de retard, mais ça n'avait pas d'importance parce que je lui ai menti sur l'heure à laquelle nous avions besoin de la start-up. Astuce pro. Quand tout le monde est là, vous devez faire une chose de base.Vous devez dire à tout le monde à quoi la course vers le bas pour la journée va ressembler. C' est très important parce que les gens aiment avoir une idée de ce qu'ils font et combien de temps il faudra quelque chose. chaque fois qu'on est venu, j'ai donné une petite conversation et je dirai à tout le monde , d' abord, qu' on veut être dehors, on va tirer notre plan principal. Ensuite, nous allons nous rapprocher de la majeure partie de tout ce qui allait se passer dans notre gros plan moyen. Ensuite, on va tirer cinq coups de feu, et ensuite on aura fini. Je laisse les gens avoir une idée de ce qui va se passer et quand ils vont manger. Parce que les gens en fait toutes sortes de questions ennuyeuses au lieu de se concentrer sur l'art, mais c'est comme valable pour eux. Mais ils sont comme, « quand la nourriture arrive ». Et je me dis : « Pourquoi tu parles comme ça ? C' est une façon très bizarre de poser des questions sur la nourriture. » Mais ils vont dire, « J'ai faim » et je suis genre, « OK », et je suis genre « J'essaie de faire de l'art ». Mais de toute façon, si vous le dites à l'avance, alors ils ne vous posent pas de questions. C' est pour ça que je dis toujours de voir ce que tu fais. Une fois que vous aurez passé en revue la scène, puis allez à où que vous soyez et parlez d'abord avec votre directeur de la photographie, où est-ce que cela va se passer ? Ensuite, ils commenceront à allumer la scène ou à configurer l'appareil photo, déterminer quel objectif va avec la prise de vue. On parlera de lentilles un peu plus tard. C' est une chose technique importante. Mais vous donnez à quelqu'un une idée de base de ce à quoi vous voulez ressembler le premier coup. J' aime utiliser les micros de Lavalier et [inaudible] montrer juste ici juste parce que c'est un excellent tournage, mais souvent, vous allez juste enregistrer un micro sur le plex solaire de quelqu'un, cette zone juste ici. Vous pouvez le faire avec du ruban adhésif ou leur spécial comme faire du ruban que vous obtenez et ensuite vous le branchez dans un récepteur externe comme un H étranger, et vous le faites avec l'autre personnage. J' adore les micros de cravate. Certaines personnes n'aiment pas les micros. Je ne comprends pas tout à fait pourquoi, mais ils sonnent si bien et ça donne vraiment ton personnage comme un umph à leurs voix. Vous allez filmer les gens avant la prise de vue et si vous avez une personne du son, utilise une personne du son si vous pouvez vous le permettre, c' est si utile, ok, vous ne devriez pas vous concentrer sur le son. Je n'avais pas de personne sonne, mais c'est parce que j'ai déjà fait ça et je sais comment filmer les gens. Si vous ne savez pas non plus comment micro il y a des vidéos YouTube, obtenir deux amours et un récepteur, puis vous venez de frapper record. Alors voici une chose vraiment importante. Vous trouvez vos acteurs. Vous les mettez en place une sorte de dans le cadre où ils devraient être et vous allez sur le bloc. Qu' est-ce que le blocage ? Le blocage est la direction de base sur l'endroit où les gens doivent se déplacer dans la scène. Il est vraiment important que vos acteurs comprennent où se situer, où sont leurs marques. Souvent, je dis : « Où est ma marque dans cette scène ? » Ça veut dire exactement où ils sont censés se tenir et ce qu'ils font. Action. Pour bloquer correctement, vous devez regarder derrière la caméra et vous devez diriger acteurs afin qu'ils sachent exactement où ils se trouvent dans ce rectangle, donc ça a l'air bien. Vous donnez toujours des notes entre les scènes sur le blocage souvent, mais une fois qu'un acteur l'obtient, ils l'obtiennent. Je savais dans ma scène que Theo viendrait monter les marches, et tu regardes à travers le vicié. Puis sa tête montait et il repérait les yeux avec Shaheem. Donc je devais m'assurer qu'on prépare notre tir et que Theo marche parfaitement. Mais là, il ne serait pas hors de cadre ou il ne serait pas trop loin dans le cadre. C' est là que je suis allé avec Theo et j'ai mis Shaheem exactement où il serait assis et ce qu'il faisait. Il est toujours important que les gens sachent ce qu'ils font. En tant que directeur, votre travail est de s'assurer que les gens savent ce qu'ils font parce vous travaillez avec une équipe et que vous êtes à la tête de cette équipe. Vous êtes le chef d'équipe. C'est cool. Tonalité de la chambre, il est très important que vous obteniez le ton de la pièce. C' est nous qui obtenons le ton de la chambre parce qu'il y a une machine qui freine en arrière-plan. Qu'est-ce que le ton de la chambre ? La tonalité de la pièce est de 30 secondes d'audio où personne ne parle ou c'est juste le son ambiant de la scène. Nous étions dehors et il y avait des voitures qui passaient, et aussi parfois il y a un avion qui se passe au-dessus. Donc nous voulions obtenir 30 secondes ou parfois plus de ce qui se passe juste, tout le monde serait calme et vous enregistrez la tonalité de la pièce ou la tonalité extérieure, et vous avez 30 secondes de cela. Ensuite, quand vous montez votre film, vous mettez ces 30 secondes en boucle. Donc c'est derrière toute la scène. Chaque fois que vous coupez à un autre comme, donc je rattrape mon plan large et une voiture arrive et puis quand j'ai eu mon tir moyen, la voiture n'est pas leur venue et ça peut être vraiment choquant. Ce que vous avez est ce ton de chambre derrière là pour créer lisser les coupes entre les scènes. C' est très important. Tu as besoin de ton de chambre. Astuce pro. Vous micro les gens, vous les mettez en place, vous allez sur le blocage, votre directeur de la photographie met en place ce premier plan, assurez-vous que c'est exactement ce que vous voulez que ce soit. Ensuite, vous êtes presque prêt à frapper record, que comme la façon dont les films sont faits. Vous ne pouvez pas les faire sans frapper record, mais avant de frapper record, il y a quelque chose que vous faites. Soit vous, soit votre directeur adjoint, et le directeur adjoint aide simplement à gérer le plateau et à s'assurer que tout se passe à temps. Si vous n'avez pas l'argent pour un, vous êtes votre propre directeur assistant, ils iront devant la caméra et ils partiront... Tout à fait sur le plateau Acteurs êtes-vous prêt ? Ils se tourneront vers eux et leur donneront un petit signe de tête ou quelque chose, puis ils partiront. « Caméras, tu roules ? » Et puis cela signifie que la personne de la caméra frappe le record et qu'ils vous disent « rouler ». C' est très important que vous ayez cet échange. Je sais que ça ne semble pas grand-chose, mais c'est arrivé sur de grands ensembles où quelqu'un « oups, je n'ai pas enregistré » que souvent parce qu'ils n'ont pas eu cet échange verbal. L' autre chose que vous dites est « son, vitesse » et ils vont « excès de vitesse », ce qui signifie qu'ils enregistrent aussi. Les deux personnes qui doivent faire la chose la plus importante, c' est-à-dire enregistrer la vidéo et enregistrer le son, doivent vous confirmer qu'elles le font. Une fois qu'ils font ça, tu dis  : « Scène 1, prends 1. » Si c'est votre première prise, alors le clap vous permet lorsque vous faites une vidéo de post-production, synchroniser votre audio avec la vidéo car vous avez une référence visuelle et les mains vont applaudir. Ensuite, il y aura un pic dans l'audio, et ensuite vous jumelez ces deux-là ensemble. Souvent, les gens font une ardoise et il y aura ce truc écrit là-dessus. C'est pour ça qu'ils font ça. Vous faites ce clap, même si vous n'avez pas d'enregistrement audio à faire, faites-le quand même. C'est sympa. Une fois que vous avez configuré la scène et que vous marchez derrière la caméra, vous vous assurez que tout le monde est réglé et que la scène est calme, vous regardez derrière la caméra. C' est un gros pourboire professionnel. C' est un must, tu dois concentrer toute ton énergie et toute ta pensée dans ce petit rectangle. C' est ce qui se passe là-dedans ? quoi ça ressemble, y a-t-il trop de lumière là-bas ? C' est là que votre énergie et c'est là que vous vous focalisez, le rectangle. C' est souvent utile si vous avez un moniteur plus grand, mais si vous ne faites pas avec ce que vous avez. Une fois que vous regardez derrière le rectangle, tout le monde définit que c'est quand vous arrêtez et que vous appelez « action ». J' aime entendre cela, il fait du bien d'appeler l'action.Vous êtes en charge, vous au pouvoir. C' est quand la scène commence, quand vous appelez action, et vos personnages passeront par leur scène. Ils vont faire le premier run-through et sur le premier tir, qui est votre tir principal, laissez-les faire toute la scène à moins qu'ils ne bousillent complètement. Qu' ils aillent et viennent, ils le fassent et qu'ils sortent de cette énergie dans ces rois. Quand ils font leur scène, tu regardes derrière. Ne les interrompt pas. Quand c'est fait, et c'est une autre astuce pro, donnez-vous du temps avant d'appeler couper, laissez-le être complètement fait, puis vous appelez « couper ». C' est là que tout le monde arrête d'enregistrer. Donnez-vous juste le temps de vous assurer que vous pouvez en obtenir plus. C' est pour ça que tu attends un peu pour appeler Cut. C' est votre première prise. C' est là que l'art d'être un réalisateur se produit après votre première prise. C'est là que vous faites des ajustements. Theo, je sais qu'il ne se tenait pas à l'endroit exact. Il n'était pas centré sur ce qui a fait une composition intéressante pour moi. Donc j'ai dû revenir sur la façon dont il devrait faire son blocage un peu différemment. Je lui ai dit qu'il devrait marcher dans le coin et rester là. Je voulais que mon autre personnage, Shaheem, soit un peu plus concentré sur la lecture, tout en étant engagé avec Theo. Donc tu fais des ajustements. Vous travaillez avec l'acteur en réglant le blocage, vous réglez la caméra, vous réglez la quantité de lumière que vous laissez entrer, peut-être que vous entendez la lecture sonore et que vous ajustez peut-être comme les niveaux ou où c'est le micro, vous faites toujours de petits ajustements. C' est ce qu'un réalisateur fait. C' est comme ça que vous faites mieux chaque bande, ouïe. Une fois que vous avez tout mis en place et exactement comme vous le souhaitez, faites la même chose. » Apparition tranquille » « acteurs êtes-vous prêt ? » « Caméras sont vous vitesse », « caméras vous roulez » et ils disent, « rouler », » vitesse sonore » .Ils disent, « vitesse ». Ensuite, vous dites « scène 1, prendre 2" et vous marchez derrière la caméra, tout le monde se met et vous appelez « action » et ça arrive à nouveau, simple que ça. Maintenant, tu fais ça jusqu'à ce que tu arrêtes. Mais le truc, c'est que tu ne peux pas passer éternellement, surtout pour ta première prise. Je déteste perdre autant de temps parce que le temps est une ressource finie, j'allais dire infinie, et ça aurait été si mal, tu dois être diligent avec ton temps. 8. Les cinq prises de vue: On a revu tout ce que tu as fait pour ton premier coup. Mais je veux parler un peu plus du tir principal. Le plan principal est une chose incroyablement importante dans le cinéma. Master shot est le plan large qui permet à votre scène complète de se produire. Ça veut dire que tu regardes tes deux personnages dans ce grand plan. Comme jouer sur toute la scène qui se passe, et vous commencez toujours par cette photo parce que disons que quelque chose de terrible arrive comme une fois que j'ai eu des renforts de bus pendant 45 minutes. J' ai été un camion pendant 45 minutes et on n'a pas pu obtenir un son propre, mais j'ai eu un tir principal qui était bon ou peut-être que tu étais en retard et que tu n'avais le temps d'obtenir qu'une seule photo d'une scène. Si vous obtenez votre tir principal, vous avez au moins votre scène qui est un pourboire pro. Assurez-vous d'obtenir votre tir principal en premier. Période. Je n'aime pas utiliser les plans de maître pour faire la plupart de mes films. J' aime la plupart des scènes que je fais, surtout entre les personnages à se produire dans leurs clichés singuliers qui sont comme moyenne ou moyenne largeur ou gros plan sur l'un des personnages. Parce qu'il y a plus d'édition que je suis autorisé à faire, plus de variantes et de prises. Je ne passe pas beaucoup de temps sur mon plan de maître. Si ça ne finit pas parfait, c'est bien. n'est pas tout ce qui doit couler parfaitement. Vous venez de mettre en place ce plan et ce sera toujours votre premier tir, mais en même temps, vous voudrez peut-être parfaire le tir de maître. Woody Allen va faire ses scènes, tiendra, juste avoir des scènes entières et un coup de maître magnifiquement bien éclairé, et il a juste laissé ses acteurs partir. Tout dépend de ce que vous faites et de ce que votre vision est pour moi et pour la scène que nous avons fait ici aujourd'hui, je ne voulais pas me concentrer sur le plan principal parce que ce n'était pas là que la majeure partie de la scène je savais à quoi je voulais regarder et édition. Ce n'est pas là que je voulais me concentrer. Je voulais être là avec le personnage principal. Tirs de maître. Ils sont importants. Maintenant, le séquençage de vos plans, ça va de pair avec la raison pour laquelle vous tirez votre tir principal en premier. Alors tirez sur notre plan de maître et ensuite nous nous rapprocherons. Vous vous rapprochez de plus en plus de vos personnages. Donc, le deuxième coup que j'ai fait dans le film, je voulais avoir un gros plan médium sur Theo. C' était de loin le coup le plus important de la pièce parce que Theo avait la majeure partie du dialogue. était lui qui conduisait cette scène et je voulais qu'il ait le plus de temps possible sur cette photo pour essayer de nouvelles choses. Donc c'est là que j'ai passé la majorité de mon temps, et une fois que j'ai eu ce tir et que j'ai joué cette seconde, parce qu'une fois que j'ai eu ça, je savais que ma scène pouvait être bonne et je savais que c'était vraiment bon parce que Theo a fait un dans ce coup, et c'est là que la majeure partie de ma coupe allait avoir lieu. Je prévois ça comme ma deuxième chance juste pour m'assurer que nous avons eu ça et j'ai eu le plus de temps possible pour faire ça. Après ça, parce qu'on était là et on utilisait la même lentille pour le troisième tir, on a fait les gros plans de Theo. Tout ce que j'avais littéralement à faire, c'était de déplacer la caméra là-bas. Donc c'était mon troisième tir. Ensuite, on fait tourner la caméra et on appelle ça un tir, un tir inverse, et on a tiré sur Shaheen moyen plan, celui qui correspond au second plan de Theo. Surtout quand ils agissent d'avant en arrière, vous allez voir Shaheen dans ce plan moyen. C' était un tir important, mais il n'était pas comme un personnage central de l'histoire, mais il n'avait pas autant de dialogue. Je peux le faire partir après que Theo shot ait un gros plan moyen, moyen. Puis on a tiré son gros plan. C' était la majeure partie du cinéma. Période. C'était la majeure partie de nos tirs. C' était un film à cinq plans. On a tout à l'intérieur et j'ai pu juste prendre son médium de près et ensuite simplement bouger un peu plus simple. Encore une fois, le temps est une ressource finie sur un plateau de tournage, vous devez être capable de passer du temps à faire et de planifier judicieusement ce que vous allez passer du temps à faire. 9. Diriger des acteurs: Diriger des acteurs. C' est une partie cruciale de la production cinématographique. Tu dois t'assurer qu'ils se sentent à l'aise et qu'ils se sentent bien dans ce qu'ils font. Donc j'ai toujours battu les gens. D' accord ? Tu es là en tant que réalisateur, tu dois garder des choses positives. La plupart des gens ne fonctionnent pas bien avec des commentaires négatifs. Ne dis pas : « J'aime ce que tu fais, mais crois-tu que nous pouvons le faire avec un peu plus de passion ? » Ce n'est pas utile. D'accord ? Parce que le mais dans cette clause a nié tout ce qui est venu avant cela. Personne n'entend que j'aime ce que tu fais. Ils entendent juste le mais, puis les commentaires négatifs. Donc je dirais de prendre l'approche surtout en tant que directeur de oui, ok ? J' ai aimé ce que tu faisais. Nous avons vraiment frappé quelques notes importantes là-bas et je me demande cette fois, être un peu plus ardent, donnez-moi un peu plus de passion, mais gardez la passion dans vos yeux. Je veux que tu le sentes vraiment. C' est ainsi que j'aime donner des retours aux gens, même si c'est mon directeur de la photographie ou mes acteurs. On essaie toujours de garder quelque chose de positif. Vous êtes le leader, c'est un processus amusant pour faire un film, gardez-le positif. Même si vous faites semblant, [inaudible] essayez de ne pas le simuler. Mais vous devez être le début du leader. Donc j'ai eu de nombreuses fois où un acteur met vraiment sur lui-même ou quelque chose se passe, et quelqu'un n'est pas là et ils ne sont pas présents. Voici mon pourboire dans ce scénario. Retirez quelqu'un de côté, prenez un peu de temps, s'ils n'y sont pas, ils ne sont pas présents, discutez avec eux, engagez-les. Être réalisateur, ce n'est pas seulement aboyer vos ordres. Il s'agit d'écouter les autres. Alors laissez quelqu'un parler, laissez-le être présent, puis aidez-le à rediriger n'importe quelle énergie, qu' elle soit nerveuse ou triste dans son processus. Tu es comme un maître de Tai Chi. Vous êtes là pour rediriger l'énergie et laisser les gens être libres. Donc c'est toujours un bon conseil que je peux vous donner pour juste corral l'énergie sur un plateau. Une des plus grandes notes que vous aurez presque toujours à donner aux acteurs, c'est qu'ils seront un peu gros dans leurs gestes ou feront quelque chose de vraiment grandiose, et la plupart du temps un réalisateur doit toujours être comme, pouvez-vous le faire un peu moins ? Ce n'est pas vraiment utile. Ce que j'ai besoin que tu dises, c'est d'être plus précis. Donc, si leurs mains bougent trop, je vais les voir et je leur dirai quelque chose de vraiment simplement  : « Pouvez-vous faire ça, mais plus dans vos yeux ». Prends cette confusion au lieu de regarder comme ça. Gardez votre corps concentré et montrez-moi ça dans vos yeux. Vous devez être capable de diriger des acteurs et être très précis sur ce que vous voulez d'eux. Si vous leur demandez de faire moins, dites-leur de faire moins, mais faites-leur une attention particulière. D' accord ? L'autre chose, c'est qu'il est toujours important qu'un acteur ait quelque chose à faire. Donc si je suis nerveux ou si je fais une scène, c'est toujours utile de faire quelque chose avec un accessoire. Cela m'enlève de faire en tant qu'acteur, ceci comme un grand geste, où je suis nerveuse et comme [inaudible]. C' est un acte nerveux élevé. Au lieu de cela, je peux réellement le mettre dans un détail visuel. Je n'ai pas fait beaucoup de mise en scène dans le tir principal parce que je savais que ce n'est pas là que j'allais passer la plupart de mon temps. J' ai fait beaucoup de ma mise en scène dans le gros plan médium. C' est pour ça que je suis derrière la caméra. Je les regarde et j'ai laissé la scène se produire. Certains réalisateurs, ils appelleront des acteurs tout à fait débutants qui sont prêts, la première scène, prendre une action. Si quelque chose bouffe, ils vont couper et refaire la même chose encore et encore. Je ne fais pas ça. Ça fait un peu plus d'une chienne pour l'éditeur parce qu'ils ont les trucs du catalogue. J' ai laissé la caméra continuer à rouler. Donc, après mon acteur en gros plan médium, il y a un plan important dans lequel je sais qu'ils vont faire beaucoup de jeu, une bande complète. Je commence alors à les diriger pendant que la caméra roule. Alors je dirai : « Théo, réessayez cette ligne, essayez ça un peu différemment, essayez ça peut-être un peu plus dans votre corps. Peut-être utiliser moins de mains. » Donc je vais les laisser faire comme deux lignes ou quelque chose comme ça, et ensuite je vais les interrompre parce que je sais que quand je suis en train d'éditer, tout ce dont j'ai besoin, c'est les deux ou trois lignes, et ensuite je vais couper à autre chose. Je vais couper à l'autre personnage. Donc vous pouvez interrompre un acteur pour l'aider, coaxer pour obtenir une meilleure performance. Comme ça tu n'as pas à attendre la fin de la scène et être comme, Jack, tu peux changer ça ? Tu ne peux pas changer ça. Non. Tu veux t'assurer que ça se passe. Eh bien, c'est arrivé, mais vous leur donnez aussi plus tôt la liberté de faire la scène complète parce que certains acteurs aiment entrer dans un rythme. Tout dépend de qui vous travaillez. Mais quand je donne des notes, je suis très spécifique. Nous essayons de nouvelles choses, mais nous essayons aussi de nous assurer que nous les obtenons d'une façon ou d'une autre. Donc parfois la performance est un peu plus grande et je suis comme oui aller pour ça ou parfois comme assez fait, et nous allons à travers la scène. Une fois que nous sommes assez séparés, nous passons aux prochaines lignes. C' est comme ça que je dirige mes acteurs, je les laisse vraiment circuler librement et travailler avec eux, tout en leur donnant une direction spécifique en même temps. Sois précis. D'accord ? Aussi, parfois c'est vraiment agréable d'avoir comme langage fleuri ou vous pouvez donner à un acteur quelque chose comme, je veux que vous soyez plus comme un tigre enroulé quand vous faites la scène. J' adore ça. Je suis aussi un acteur parfois. Donc, quand quelqu'un me permet d'avoir juste cette interprétation poétique des mots dans la scène. Tu peux vraiment aimer me faire partir. C' est un pourboire. Sois poétique. En tant qu'acteur, ne me donnez pas trop d'informations. Juste un peu à la fois ou deux choses à la fois et laissez-moi entrer. Qu' est-ce qu'il y a là-dedans ? Une bonne prise. Pourquoi ? Parce que tu m'as donné de la place pour balancer un chat. C' est ce que je dis toujours, j'ai besoin d'un peu de place pour balancer un chat. Il y a une petite marque qui a dit ça une fois et j'utilise cette ligne. Ce qui est que j'ai besoin d'une petite chambre. Aussi, je laisse mes acteurs improviser affaire. Mais, nous essayons les scènes une fois telles qu'elles sont, mais ensuite je lui permets de faire la scène de la façon dont ils ont l'impression que ça les frappe à l'époque. Ça donne de la spontanéité. On ne sait jamais ce qui se passe quand quelqu'un s'améliore. Tu essayes toujours des trucs. D' accord ? Une autre note importante sur l'action. Beaucoup de fois, les gens écrasent des choses et vous n'avez pas besoin de dialogue. Donc presque toujours je vais avoir mes acteurs à l'une de leurs lignes non-verbalement. prises non verbales pourraient être comme si je suis énervé contre toi ou IIE-cube qui est si bon comme un visage en colère ou j'adore les glaçons en colère. Comme ça, tu comprends que je suis énervé contre toi contre moi en disant  : « Je suis en colère contre toi. » Tu n'as pas besoin des mots. D' accord ? Non verbal. Voici une prise verbale de vous sentir mauvais comme « Vous sentez mauvais. « Par rapport à genre. Est-ce que ça va ? Ouais, donc ça pourrait être comme si tu allais bien ou ça pourrait être comme si était ce mauvais jeu d'acteur. Je ne suis pas en mesure de le faire. C'est pourquoi tu fais plusieurs prises parce que je suis un bon acteur, mais au moins j'aime le penser, mais parfois je ne suis pas incroyable. Quelque chose dans le sens de ça. Lorsque vous avez cette prise non verbale, vous pouvez l'utiliser dans votre édition. Je parie que nous allons utiliser beaucoup de choses non verbales comme ce truc de va-et-vient parce que tant de choses peuvent être transmises non verbalement que vous pensez avoir besoin de mots pour. Tu n'as pas besoin de mots pour tout. D' accord ? Actions non verbales. C'est mes affaires. C' est un autre conseil professionnel. Assurez-vous d'avoir une prise de tout non verbalement. 10. Objectifs et style visuel: Les lentilles, elles sont importantes. Appareil photo reflex numérique VF, vous avez la possibilité de changer différents objectifs. Différentes lentilles donnent un effet différent, et il est très important que vous compreniez l'effet de chacun. Tu te dis peut-être, Julian ou méchant garçon, Julian, qu'est-ce que j'ai besoin de savoir sur les lentilles ? Je ne suis que le réalisateur. C' est ce que ce mec ou cette fille derrière la caméra est censé faire, et je suis genre, non. Les lentilles font partie intégrante de la façon dont vous faites en sorte que votre scène soit belle. Je vais vous donner quelques notes sur la façon dont j'aime mes lentilles. J' aimerais serré. Je suis un expliquer ce que cela signifie parce que cela semble déroutant au début. J' aime les lentilles longues et serrées avec un arrêt F bas et une grande profondeur de champ ouverte et peu profonde. Peut-être que tu es confus, peut-être que tu sais de quoi je parle. Vraiment simplement faible profondeur de champ est quand il y a moins de choses et de focus, point. Un accent plus profond signifie qu'il y a plus de choses et de concentration, point. C' est tout ce que vous devez savoir. Les lentilles larges vous permettent de capturer une partie plus large de la scène. Mais je n'aime pas les utiliser, mais parfois vous devez les utiliser. Par exemple, je les utilise dans la scène que nous avons tournée aujourd'hui parce que je voulais avoir une vue large de toute ma rue et pouvoir voir les marches brunes. Parfois, j'aime vraiment mes clichés larges, et donc vous avez besoin d'une lentille un peu plus large, et c'est, entre 10 millimètres, ce qui était comme une lentille fisheye. Vous voyez comme une pièce entière à environ 24 millimètres où il est un peu plus loin et vous voyez encore une grande pièce. Deux lentilles serrées, les lentilles plus serrées font environ 70 millimètres et sur le haut jusqu'à 100 millimètres, ils sont beaucoup zoomés. moment, cette lentille est de 85 millimètres. Il a zoomé sur moi et vous pouvez obtenir jusqu'à 200 millimètres à 300, même plus longtemps que ça. Ce sont ces téléobjectifs super longs. En fait, j'ai adoré les regards de ceux. Je les adorerais, je les aime.. J' aime utiliser de longues lentilles encore un peu plus loin. Nous étions en silence avec nous, cela arrive dans les films d'ailleurs. J' ai dit que j'aime utiliser des lentilles serrées. Pourquoi ? Voilà un truc de veine. Je suis à la caméra parfois, plus la lentille est serrée, plus les visages sont maigres. Ils tournent en fait des modèles de maillot de bain seulement avec des lentilles de type long comme ça. Je suis veine en ce moment. Je suis à 85 millimètres, mon visage est moins gras. Je vais ici. Je pense vraiment que ça rend les gens plus beaux. Lorsque vous avez un objectif plus large, imaginez qu'il rend votre visage un peu plus large. Quand on a une lentille plus serrée, ça amène des choses. Lentilles longues et serrées C' est n'importe où à partir d'un 50 millimètre sur le haut. vous allez serré, plus il vous amène dans la scène et plus vous êtes en mesure de le faire, il se concentre exactement sur vos scènes. Il vous permet d'avoir plus d'obstructions dans vos scènes et vous pouvez avoir comme une petite chose floue dans le coin et qui donne de la profondeur à votre image. J' adore la profondeur de champ peu profonde, surtout pour les gros plans. Parce que lorsque vous avez une faible profondeur de champ, lorsque les choses sont floues derrière votre personnage, vous vous concentrez simplement sur le personnage. Tu n'es pas concentré sur toutes les autres choses autour. Vous êtes juste en train de regarder cette personne et ça crée vraiment un regard cinématographique intéressant aussi. La difficulté avec cela, c'est que parfois les choses seront dans et hors de portée. Vous devez vous assurer que votre DP est clairement concentré et que votre acteur ne se déplace pas trop dans et hors de la concentration. C' est très important que tu comprennes. Astuce Pro est que le blocage correspond à la faible profondeur, concentration et à la façon dont le sujet est dans votre scène. Mais je dirai que certains PDD n'aiment pas prendre des risques comme ça. Ils veulent plus de choses en focus. Je pensais que c'était du fromage et que ça n'a pas l'air bien. Je n'aime vraiment pas ça. Je suggère toujours de prendre plus de risques, de prendre plus de risques, garder la scène, vous êtes abattu dans une faible profondeur de champ. Notez que si vous travaillez sur un iPhone, vous n'avez pas cette capacité. Un iphones est un iPhone car il n'a qu'une seule lentille et garde tout au point. Vous avez des objectifs variables sur les appareils photo reflex numériques de sorte que vous pouvez avoir différentes mises au point et différentes sortes d'effets d'objectif. Tu n'as pas ça sur iPhone. Je pense que le nouvel iPhone a comme trois objectifs, mais ils ne le sont pas. Ce dont je parle, où vous pouvez mettre des choses en avant et hors de la concentration. Focus vous permet de vous concentrer sur ce qui est important. 11. Outro et résumé du projet: Je veux te laisser avec ça. C' est vraiment simple, j'ai un message très simple qui est que vous pouvez le faire par tous les moyens nécessaires. Fais-le avec un téléphone, fais-le avec tout ce que tu as. Tu as ça en toi. Tout ce que vous avez à faire est d'être passionné, de comprendre les détails et d'y aller. Ne réfléchis pas trop. J'ai essayé de réfléchir le moins possible. C' est pour ça que je suis un peu stupide. Mais comme, les idiots se font des trucs. Au-dessus des penseurs sont toujours comme [inaudible] et je pense trop parfois. Donc je ne suis pas en colère si tu es un penseur. Mais vas-y, fais-le et amuse-toi un peu. Fais croire, profite de ces trucs. La réalisation de films, c'est super. Je suis fier de toi. Faisons ça. C' est le moment où nous parlons du projet de classe. Allons tirer sur le truc. Vous avez écrit votre scénario, vous comprenez la base de la réalisation, et maintenant, nous sommes prêts à faire un film. Amuse-toi bien, découvre le temps. Faites toutes les choses que je vous ai décrites plus tôt dans ce processus et appréciez simplement le processus de fabrication de films. Tu fais arriver quelque chose qui existait dans ton cerveau. Alors tout le monde peut regarder ça. Ça va être génial. Je suis fier de toi. Fais le film. Notez également que ce n'est pas vraiment une classe d'édition, mais vous allez devoir le modifier à certains moments. Je recommande donc qu'il y ait tant de tutoriels d'édition en ligne et je donne une brève introduction sur les bases de l'édition dans ma première classe. Je veux dire, Dope Low Budget Films. Bon, passez une belle journée. Amusez-vous. Fais ce film. Tu as fait tes cinq photos, tu as fait un film. Vous appelez Wrap. Je suis très fier de toi. Ouais, j'espère que tu as aimé ça parce que je suis super dans le processus de faire des films. Je suis juste heureux de pouvoir partager avec vous ce qui me tient si profondément. Si vous avez des questions, des commentaires ou des préoccupations, je serais ravi de vous écrire. C' est comme ça que je tape. Je suis juste généralement excité d' entendre ou de voir n'importe quoi de ces trucs et juste de m'engager avec vous plus loin. Alors oui, remonter le toit. Je lèverai le toit. Outro, c'est ton outro, et je lève le toit. Je suis désolée, je ne vais plus lever le toit. a été élevé assez haut. Ok, j'ai fini. Amuse-toi bien.