Aventures de l'acrylique et de la gouache : Pour commencer | Alanna Cartier | Skillshare
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Aventures de l'acrylique et de la gouache : Pour commencer

teacher avatar Alanna Cartier, Artist, illustrator

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      1:40

    • 2.

      Vos projets !

      2:34

    • 3.

      Fournitures que j'utiliserai

      1:01

    • 4.

      Une note gouache

      2:06

    • 5.

      Marques de gouache acrylique

      4:42

    • 6.

      Lire les tubes

      3:42

    • 7.

      Une remarque à propos de la gouache

      1:23

    • 8.

      Autres fournitures et matériel

      9:11

    • 9.

      Leçon 1 : zones de couleurs

      7:38

    • 10.

      Leçon 1 : Lignes et textures

      5:38

    • 11.

      Leçon 1 : Créer des échantillons

      5:27

    • 12.

      Projet 1 : Esquisser

      2:47

    • 13.

      Projet 1 : Peindre

      25:58

    • 14.

      Leçon 2 : Superposer des couches

      7:48

    • 15.

      Leçon 2 pinceau : Contrôle du pinceau

      10:28

    • 16.

      Projet 2 : Esquisse

      3:37

    • 17.

      Projet 2 : Peinture

      27:48

    • 18.

      Leçon 3 : Mélange intuitif

      9:54

    • 19.

      Leçon 3 : Tableau de mélange des couleurs

      6:07

    • 20.

      Projet 3 : Sketchs

      2:13

    • 21.

      Projet 3 : Peinture

      21:15

    • 22.

      Acrylique Gouache Q&R

      8:45

    • 23.

      Merci !

      0:57

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

2 826

apprenants

39

projets

À propos de ce cours

La gouache acrylique est un médium merveilleux pour les débutants. Elle est brillante et amusante, elle est crémeuse à peindre, elle sèche rapidement et elle se superpose comme un rêve. Il n'y a qu'un seul problème. Il n'existe pas beaucoup de ressources pour apprendre à l'utiliser ! Jusqu'à maintenant ! Ce cours sera le guide de démarrage que je n'ai jamais eu pour vous apprendre tout ce dont vous avez besoin pour donner vie à vos idées avec la gouache acrylique !

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Dans ce cours, vous apprendrez tout ce que vous devez savoir pour commencer à utiliser la gouache acrylique (sur papier). Nous verrons comment contrôler la proportion d'eau par rapport à la peinture pour obtenir exactement les effets que vous souhaitez (pour les lignes et les zones de couleur !), comment superposer les couleurs et perfectionner votre contrôle du pinceau, et comment mélanger des couleurs personnalisées et créer des échantillons afin que vous puissiez mélanger magistralement les couleurs pour créer tout ce que vous pouvez imaginer. Nous peindrons trois natures mortes simples pour mettre en pratique tout ce que nous avons appris tout en travaillant ensemble pour découvrir tous les secrets de la gouache acrylique !

Alors si vous avez toujours voulu expérimenter la gouache acrylique sans savoir par où commencer, ou si vous avez quelques tubes de gouache acrylique bien rangés que vous n'avez pas osé essayer, c'est le moment ! Nous allons prendre notre peinture et faire de la peinture !

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Alanna Cartier

Artist, illustrator

Enseignant·e

I'm Alanna, artist and illustrator, collector of cookbooks, mother to one fat cat, and newly confident sewer. I spend a fair amount of time scrubbing gouache off of my upper arms, even though I have absolutely no idea how it got there. I believe that talent is a myth that stops us from pursuing the creative endeavours we are passionate about. I believe practice makes progress, and that perfection is imaginary (and boring to boot!). I am a big nerd for learning, which means that Skillshare is my home away from home. 

If you want to follow along with my creative journey, subscribe to my newsletter or follow me on Instagram. If you post any projects from my classes please tag me, or use the hashtag #AlannaTeaches. It would just make my day!... Voir le profil complet

Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Salut, je suis Alanna, et je suis une artiste, et illustratrice, et un professeur de haut niveau ici sur Skillshare. En 2017, j'ai commencé une aventure avec de la gouache acrylique. Tous les Illustrators cool que j'aime l'utilisaient, alors j'ai fait une folie sur quelques tubes. Mais il y avait un problème, je ne savais pas comment l'utiliser. Contrairement à l'aquarelle, il n'y avait pas beaucoup de ressources disponibles pour m'aider à en apprendre davantage sur la gouache acrylique, et il n'y en a toujours pas. J' ai commencé à expérimenter et je ne me suis pas arrêté depuis. Je suis tombée amoureuse. gouache acrylique est un milieu fantastique et convivial pour les débutants. C' est lumineux et amusant. C' est crémeux à peindre. Il sèche rapidement et il se couche comme un rêve. À travers des essais et des erreurs, j'ai découvert des astuces et des techniques pour obtenir les effets que je voulais de la gouache acrylique, et je veux les partager avec vous. Ce cours sera le guide de démarrage de la gouache acrylique que je n'ai jamais eu. Nous commencerons par explorer les fournitures dont vous aurez besoin pour commencer, puis nous passerons à trois leçons. Chaque section de la classe comprendra des exercices et un petit projet que nous allons travailler ensemble étape par étape pour appliquer les techniques que nous avons apprises. Si vous êtes à la recherche d'une plongée profonde dans le beau monde de la gouache acrylique, cette classe est celle que vous attendiez. J' ai hâte de voir ce que tu crées. Commençons. 2. Vos projets !: Dans ce cours, nous allons travailler notre chemin à travers trois leçons, chacune avec de petits exercices et un dernier projet de peinture de nature morte afin que nous puissions mettre nos nouvelles compétences en pratique. Pourquoi natures mortes vous pouvez demander ? La réponse est que je suis absolument obsédé. Depuis le XVIIe siècle, les artistes utilisent les natures mortes comme matière idéale pour apprendre, grandir et expérimenter. natures mortes offrent l'occasion idéale de pratiquer vos compétences en matière de composition, couleur, de brossage et de texture tout en peignant de la vie réelle au lieu de références photo. Contrairement à une peinture de paysage, une nature morte ne dépend pas du temps. Bien que j'aie inclus quelques photos de référence pour chaque projet dans le guide de ressources, je vous encourage vivement à trouver des choses autour de votre maison et à peindre de la vraie vie. C' est vraiment la meilleure façon de former votre œil, plutôt que de compter sur une photo où quelqu'un d'autre a pris soin de la composition pour vous. Maintenant, passons rapidement en revue le projet pour chaque leçon. Dans la leçon 1, nous aborderons les principes fondamentaux de l'utilisation du lavage acrylique. Cela comprendra de trouver le bon rapport entre peinture et eau pour remplir les zones et créer des lignes cohérentes. Nous explorerons également la différence entre les peintures opaques, translucides et granulantes. Pour la leçon 1, notre projet sera une cruche, un pot, une bouteille ou un pot de vie morte . Dans la leçon 2, nous allons passer à des compositions plus complexes en utilisant la superposition. Nous nous concentrerons également sur le contrôle des pinceaux et la correction de nos erreurs. Pour la leçon 2, votre projet sera de peindre un arrangement floral nature morte. Ensuite, dans la leçon 3, nous allons nous concentrer sur la couleur. Comment le mélanger en utilisant des graphiques de mélange de couleurs et en jouant sur la page. Pour cette leçon, votre projet sera un bol de fruits nature morte. Si vous n'avez pas de fruits, les légumes fonctionneront aussi. Van Gogh lui-même a peint des pommes de terre plus d'une fois. Lorsque vous publiez votre projet sur Skillshare, je vous encourage vivement à inclure vos exercices, votre projet final, les histoires derrière votre pièce et ce que vous avez appris. J' adore lire les histoires derrière votre travail et voir vos progrès. Si vous ne savez pas par où commencer, hésitez pas à consulter mon projet pour vous inspirer. J' ai hâte de voir les magnifiques choses que tu crées. 3. Fournitures que j'utiliserai: Dans les prochaines vidéos, nous couvrirons une tonne d'informations sur les marques de gouache acrylique, couleurs et d'autres fournitures dont vous aurez besoin pour travailler avec de la gouache acrylique. Mais je sais que vous n'aurez pas tous besoin de cette information approfondie, alors j'ai pensé, « Avant de sauter dans une discussion détaillée des matériaux, je pourrais vous fournir une ventilation de toutes les fournitures que j'utiliserai au cours de cette classe. » Vous pouvez également trouver cette liste dans le guide des ressources de la section Projet. Donc, si vous avez déjà de la gouache acrylique, vous n'avez pas besoin de plus d'informations sur fournitures d' art et vous vous sentez prêt à sauter droit dedans, allez-y, faites-le juste. Il suffit de passer à la vidéo intitulée Leçon 1 pour commencer. Pour le reste d'entre nous, préparez-vous à en apprendre davantage sur les matériaux d'art. 4. Une note gouache: Avant de commencer, je voulais clarifier exactement de quoi on parle quand on parle de gouache acrylique. Il existe deux grandes catégories de gouache, traditionnelle et acrylique. gouache traditionnelle est faite avec de la gomme arabique comme l'aquarelle, et peut être réanimée même après avoir été séchée. Il est calcaire et il sèche dans une couleur mate plate. On peut aussi l'appeler gouache de designer, gouache d'artiste, gouache de studio, gouache fine, ou gwosh inexplicablement. Ce n'est pas ce sur quoi nous nous concentrons dans cette classe, bien que vous puissiez faire la plupart des exercices avec de la gouache traditionnelle. Nous recherchons de la gouache acrylique. Il peut également être appelé gouache acrylique ou gouache acrylique. Je ne sais pas pourquoi. Peut-être juste pour nous embêter. gouache acrylique est un médium qui a été conçu pour ressembler à la gouache traditionnelle, mais il a une base de peinture acrylique. gouache acrylique sèche, mate, plate et opaque, contrairement à la peinture acrylique traditionnelle, qui a généralement une certaine translucidité. Je trouve que la gouache acrylique est beaucoup plus crémeuse que la gouache traditionnelle. Voici le morceau magique. Contrairement à la gouache traditionnelle, la gouache acrylique ne peut pas être réactivée avec de l'eau. Cela signifie qu'une fois votre peinture sèche, il n'y a pas de réutilisation, mais cela signifie également que vous pouvez la peindre couche après couche sans que les couleurs se mélangent. Il est idéal pour couvrir les erreurs et pour créer des compositions détaillées en couches avec des couleurs vives. Parce que la gouache acrylique est à base de peinture acrylique, vous pouvez également l'utiliser sur le bois, toile, le verre et d'autres matériaux, mais ce sera l'objet des classes d'entités. Ici, nous allons nous concentrer sur le papier. Maintenant que nous comprenons quel type de peinture rechercher, explorons quelques-unes des marques populaires de gouache acrylique. 5. Marques de gouache acrylique: Dans cette section, nous couvrirons quelques marques de gouache acrylique afin que vous puissiez vous sentir confiant que vous achetez ce qui vous convient. Nous allons regarder Holbein, Turner, et Liquitex marques gouache parce que ce sont celles que mon magasin d'art local vend. Commençons par le lavage acrylique Holbein, mon préféré personnel. Il s'agit d'une peinture de lavage acrylique de qualité professionnelle chargée de pigment. C' est la plus chère des marques à partir d'environ 0,38$ le millilitre ici au Canada. C' est crémeux et vibrant. Il y a aussi très peu de changement de couleur entre la peinture humide et la peinture sèche, ce qui rend facile d'assortir les couleurs et de mélanger la peinture. Le lavage acrylique Holbein est également très stable dans le tube. Je possède plus de 60 tubes, et aucun n'a séché ou séparé même s'il me faut environ un million d'années pour finir un tube. Il y a 107 couleurs disponibles, y compris des néons, des pastels, des couleurs ashley et des métaux. Ce n'est pas une gamme exhaustive de couleurs, mais plus que suffisant à la plupart des fins. Maintenant, regardons le lavage acrylique Turner. Il existe deux variétés de lavage acrylique Turner, le lavage acrylique régulier et les couleurs japonaises. Les deux commencent à environ 0,24$ par millilitre. Le lavage acrylique régulier est lumineux et vibrant et vient dans beaucoup de couleurs et de finitions ; 167, pour être précis. Il y a des couleurs métalliques, des couleurs nacrées, des néons, pastels, des tons grisâtres et des couleurs Lemay qui attireront la lumière et les paillettes. Je n'utilise pas une tonne de lavage acrylique régulier Turner, bien que certains artistes l'adorent. Je trouve qu'il a tendance à se séparer ou à sécher dans le tube, ce qui me dérange vraiment. Quand la peinture se sépare, je peux juste la mélanger ensemble, mais quand elle commence à sécher, est un vrai problème parce qu'elle ne peut pas être rénovée, et ça devient juste des ordures, et je n'aime vraiment pas gaspiller peinture. Les couleurs japonaises sont un peu différentes. Ces peintures japonaises ont une texture légèrement profilée conçue pour imiter les peintures japonaises traditionnelles, qui sont fabriquées à partir de pigments minéraux écrasés, coquilles, de coraux et de pierres semi-précieuses. Les peintures sont merveilleusement crémeuses pour travailler mais avec une texture sèche et légèrement grineuse que j'aime absolument. Il y a en fait une chance réelle que ces peintures japonaises pourraient devenir mes favoris et battre Holbein un jour. Je viens d'avoir un tas de nouvelles couleurs et j'ai hâte de jouer avec eux. Il y a 69 couleurs japonaises au choix. Les couleurs japonaises ont tendance à être plus douces et dure dans votre visage que les autres marques. Ils comprennent beaucoup de rouges chauds, jaunes doux et de beaux verts. Ils ont même un bleu noir, ce qui est le plus proche que j'ai trouvé de la gouache grise et acrylique de Payne. Maintenant, enfin, regardons la gouache acrylique Liquitex. C' est un nouveau candidat dans le monde de la gouache acrylique. J' ai acheté une bouteille quand elle est arrivée à mon magasin d'art parce que j'adore la gouache acrylique et j'étais intéressé. C' est la moins chère des options dont nous avons discuté, venir à environ 0,19$ le millilitre. Mais j'ai trouvé que c'était une profonde déception. Ce n'est ni opaque ni mat, je ne suis même pas sûr qu'il devrait être considéré comme de la gouache. Il sèche en deux tons, presque, parce que le pigment ne semble pas être vraiment bien incorporé dans la peinture. Il sèche également brillant et translucide. Je déconseille sérieusement d'acheter cette marque. Ce n'est même pas moins cher. Considérant qu'il est destiné à être utilisé non dilué, il est donc beaucoup plus aqueux que les autres peintures. Il a également la gamme la plus limitée de couleurs. Il existe quelques autres marques de gouache acrylique. La plupart d'entre eux ne sont pas largement disponibles, ce qui signifie qu'ils ne les vendent pas dans aucun de mes magasins d'art locaux, c'est pourquoi je ne les ai pas examinés ici. Cela dit, je recommande fortement les peintures de marque Holbein ou Turner. Le prix un peu élevé peut être un peu intimidant lorsque vous commencez, mais vous obtiendrez des résultats beaucoup plus cohérents et vous aurez juste un meilleur temps à peindre lorsque vous investissez dans de bonnes fournitures. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de conseils pour commencer. Maintenant que nous avons couvert les marques de gouache acrylique, regardons un peu plus près les tubes pour comprendre notre peinture. 6. Lire les tubes: Avertissement juste. Cette vidéo va devenir un peu technique. Nous sommes sur le point de plonger dans toutes les informations que vous pouvez trouver sur chaque tube de Gouache acrylique Turner ou Holbein. Ces informations peuvent vous aider à faire correspondre les couleurs d'une peinture, mélanger les couleurs en toute confiance, à vous assurer que vous avez suffisamment de contraste et à choisir les bonnes peintures afin que vous ne peignez pas au fil du temps. Chaque tube de peinture a le nom de couleur, le numéro de série et le code couleur dessus. Ceux-ci sont tous spécifiques à la marque et ne sont pas utiles pour beaucoup. Les informations que nous recherchons sont les pigments, la résistance à la lumière et l'échelle Munsell. Sur chaque tube de peinture, vous trouverez un code à trois ou quatre caractères ou une série d' entre eux qui indique le pigment utilisé pour créer cette couleur. Si vous voulez obtenir un vrai nerdy, vous pouvez rechercher ce à quoi ces codes se réfèrent sur le lien dans les notes ci-dessous. Mais ce qui est le plus important à savoir, c'est que les peintures contenant moins de pigments sont généralement considérées comme meilleures pour le mélange, car elles se comporteront d'une manière plus cohérente et prévisible. Trouver des peintures composées du même pigment peut également vous aider à trouver des couleurs qui vont ensemble parce qu'elles ont les mêmes nuances ou qui peuvent vous aider à trouver des substitutions lorsque vous n'avez plus la couleur dont vous avez vraiment besoin. Les pigments d'un tube de peinture particulier peuvent également être liés à la solidité à la lumière. Sur chaque tube, vous trouverez une série d'étoiles qui indiquent la permanence ou la solidité de la lumière. agit de savoir si les pigments de ce tube de peinture s' estompent au fil du temps lorsqu'ils sont exposés à la lumière UV. Plus d'étoiles signifie que cette peinture particulière est plus permanente. Cela n'aura pas d'importance pour les images que vous allez numériser et manipuler numériquement, mais si vous utilisez les peintures pour créer une œuvre d'art pour l'afficher sur vos murs, vous aurez probablement envie de choisir des peintures qui ne s'estompent pas lorsqu'elles sont exposées à la lumière. Vous remarquerez ici que la seule étoile ou pigments non classés ont déjà commencé à s'estomper dans ma fenêtre ensoleillée après aussi peu qu'une semaine. Enfin, sur chaque tube, vous trouverez également une échelle Munsell, un petit guide qui vous donne beaucoup d'informations. Sur les tubes de peintures Holbein, l'échelle Munsell est clairement disposée. Vous verrez la teinte, la valeur et le chroma, tous affichés dans un petit graphique. La teinte est la couleur. Donc, par exemple, mon bleu paon dit dix BG pour le bleu, le vert. La valeur est l'obscurité ou la légèreté de la teinte. Ainsi, l'échelle va de 1 à 10, où les nombres inférieurs sont plus sombres. Ce bleu paon a une valeur de quatre, donc il est légèrement plus proche de l'extrémité sombre du spectre. Enfin, le chroma ou la saturation fait référence à la brillance ou au silence de la teinte. Toutes ces informations peuvent vous aider à vous assurer que vos couleurs vont ensemble, ont suffisamment de contraste et ne sont pas trop brillantes. L' échelle Munsell apparaît également sur les peintures Turner, mais c'est un peu plus difficile à lire. Sur l'étiquette de l'autocollant à l'arrière du tube, vous trouverez une série de chiffres comme celui-ci. Le premier numéro 341 est le numéro de référence de Turner pour cette couleur spécifique. Le A est le numéro de série. Tu n'en as pas besoin du tout. Ensuite, c'est là que vous trouverez l'échelle Munsell, 2GY est la teinte, 7.5 est la valeur, et six est le chroma. Passons maintenant à une note rapide sur la couleur. 7. Une remarque à propos de la gouache: Parlons une minute sur l'achat de couleurs. Un kit de mélange peut être un excellent moyen de commencer avec la gouache acrylique. Turner, Turner Japanesque et Holbein ont tous de jolis ensembles. Ils auront des couleurs primaires et un noir et un blanc, sorte que vous pouvez mélanger toutes sortes de teintes différentes. Mais si vous êtes sur un budget limité ou ces ensembles de mixage vous laissent vous sentir un peu sans inspiration, il est absolument acceptable d'acheter quelques couleurs que vous aimez. C' est ainsi que j'ai commencé ma collection de gouache acrylique. Vous n'avez pas besoin d'acheter une palette complète. Vous pouvez simplement travailler en rose ou en bleu ou en vert si c'est ce qui éveille votre intérêt et vous inspire à peindre. Les couleurs qui vous excitent à peindre sont les meilleures couleurs pour travailler avec. Cependant, je recommande un noir, un blanc, et quelques autres tubes de gouache. Si vous choisissez d'ignorer les couleurs primaires ou les couleurs proches des couleurs primaires, votre exercice de mixage intuitif de la leçon 3 sera un peu différent. Mais le but de cet exercice est d'expérimenter avec mélange de couleurs pour construire une compréhension plus profonde de votre peinture, alors n'hésitez pas à substituer les couleurs comme bon vous semble. Ensuite, nous discuterons des autres outils et matériaux dont vous aurez besoin pour travailler avec de la gouache acrylique. 8. Autres fournitures et matériel: Dans cette section, nous aborderons tous les outils et le matériel dont vous aurez besoin pour compléter les exercices et les projets de ce cours. Nous traiterons également de la façon dont votre choix de matériaux influera sur vos peintures afin que vous puissiez trouver en toute confiance les fournitures qui conviennent à la façon dont vous voulez peindre. Commençons par parler de papier. Le papier peut être décrit en poids ou en densité. Quoi qu'il en soit, vous cherchez quelque chose de assez fort pour absorber la peinture sans trop se déformer et sans laisser de petits blobs de peinture sur la surface de votre peinture. Le papier pour la gouache doit être compris entre 90 et 140 livres ou entre 150 et 300 g/m². Comme la gouache acrylique a une consistance plus épaisse que l'aquarelle, elle peut être utilisée sur du papier plus mince ou moins dense avec des résultats étonnamment bons. Cependant, à l'extrémité inférieure du spectre, votre papier sera plus susceptible de se déformer et la peinture peut se regrouper un peu plus sur votre page puisque le papier ne l'absorbera pas. À l'extrémité supérieure, le papier sera capable d'absorber plus d'eau, ce qui vous donnera des zones de peinture plus lisses. En ce qui concerne la texture du papier, vous avez généralement trois options : presse à chaud, presse froid et rugueuse. Les textures de papier peuvent varier considérablement d'une marque à l'autre, mais en général, la presse à chaud est un papier très lisse avec peu ou pas de texture de papier ou de dent. C' est génial lorsque vous travaillez avec de la gouache et que vous ne voulez pas de texture de papier. Il est très facile de numériser vos images et de les nettoyer. papier pressé à froid, en revanche, a plus de texture de papier ou de dent. Il a une texture moyenne en fonction de la marque que vous utilisez. Vous obtiendrez plus de brossage à sec sur ce papier et la peinture restera un peu plus. Ensuite, il y a un papier rugueux avec une texture au maximum. Ce papier ajoutera un intérêt visuel supplémentaire à vos peintures. Personnellement, j'aime beaucoup de texture, mais gardez à l'esprit que la numérisation du papier brut prend un peu plus de temps et d'efforts si c'est votre plan. Il peut également être intéressant de noter que si vous superposez des crayons de couleur sur votre gouache, une texture de papier rugueux vous empêchera d'obtenir une couche lisse de pigment de crayon de couleur sur la page. Le matériau de votre papier peut également avoir un impact sur vos résultats lors de la peinture. Le papier de coton est largement considéré comme le meilleur. C' est absorbant d'une manière que le papier à base d'arbre ne l'est tout simplement pas. Le papier de coton est généralement plus cher. marques qui utilisent du papier de coton incluent Stonehenge de Legion, Arches, Fabriano, Artistical et les tampons fantaisistes du papier Canson. Le papier fait de bons vieux arbres est une autre bonne option, bien qu'il soit moins absorbant et moins texturé. Vous pouvez également trouver des papiers recyclés, papiers en bambou et des papiers en plastique. Je ne l'ai pas expérimenté. Si vous commencez, je suggère de coller avec du coton ou du papier à base d'arbres. Suivant, c'est la couleur. La plupart des papiers viennent dans un blanc croustillant, et c'est un bon endroit pour commencer. Bien que certains carnets de croquis comme les livres d'aquarelle Moleskine ont du papier blanc plus chaud. Cela signifie qu'il a une teinte légèrement jaunâtre. Si vous êtes intéressé, Legion a de nombreuses couleurs de papier dans sa ligne Stonehenge, y compris le noir, blanc chaud, fauve, artisanat, bleu pâle, et bien d'autres encore. Une petite note avant de passer du papier. Certains des papiers coûteux peuvent être assez chers, et c'est parce qu'ils sont faits de meilleurs matériaux. Ils vont absorber votre peinture plus facilement pour vous donner zones cohérentes de couleur par opposition à un papier moins cher comme celui-ci, qui est une marque de niveau académique de Michael qui n'absorbe pas la peinture aussi bien. La peinture sera assise sur la surface de votre papier plutôt que d'y absorber, peut laisser des traces et des incohérences de couleur. Je suggère toujours d'obtenir les meilleurs produits d'art que vous pouvez vous permettre. Mais cela ne signifie pas étirer votre budget jusqu'à sa limite. Pour ce cours, j'utiliserai les tampons d'aquarelle Canson XL parce qu'ils sont bonne qualité et qu'ils me donnent assez de papier pour expérimenter sans me sentir trop précieux avec mon travail. Je peux faire des erreurs et recommencer sans avoir l' impression de devoir pleurer parce que j'ai dépensé tellement de choses sur le sacré papier. Maintenant, regardons les pinceaux. Pour la gouache acrylique, j'utilise des pinceaux aquarelle. gouache acrylique ne se réanime pas et peut sécher sur votre pinceau. Ce n'est pas l'endroit pour un chef-d'œuvre de cheveux de sable fantaisie qui coûte plus qu'un dîner de fantaisie. Je préfère les brosses synthétiques de bonne qualité, mais pas génial. Puisqu' ils se tiennent debout, je fais sortir la gouache des poils, mais je n'ai pas besoin d'être trop précieux avec eux. Mes pinceaux préférés sont les pinceaux apprivoiser Escoda. Je me débrouille avec seulement trois tailles de pinceaux rondes, un zéro, deux, et un quatre ou six selon le jour. C' est tout ce que j'ai besoin de faire 90 pour cent de ma peinture. Mais cela dépendra de ce que vous aimeriez peindre. Pour ce cours, puisque nous peignons principalement des formes organiques, les pinceaux ronds sont probablement un bon pari. pinceaux plats sont meilleurs pour peindre des choses carrées comme l'architecture ou les formes géométriques. J' utilise mes pinceaux plats pour peindre des échantillons. J' ai des pinceaux Princeton Neptune à cet effet. Ils sont assez chers, mais la couleur verte des fruits de mer était trop pour moi de passer. Une brosse plate plus abordable et une taille d'un demi-pouce ferait certainement l'affaire. Après les brosses, mon outil le plus utilisé est mon crayon. Je dessine tout avant de peindre. Cela me permet de me concentrer sur la composition et la planification pendant que j'esquisse sorte que j'ai moins de décisions à prendre pendant que je peins. Si vous commencez tout juste à peindre, je vous recommande fortement d'abord d'esquisser, car lorsque vous mettez le pinceau sur le papier, vous aurez moins de décisions à prendre. Mes crayons préférés sont les crayons de couleur Prismacolor, particulier une couleur pêche pâle et non photo bleu, parce que les couleurs que j'utilise sont si légères, souvent je n'efface même pas les lignes errantes car elles qu'ajouter à une belle qualité gestuelle dans mes peintures. Mais les lignes effacent aussi assez bien. L' autre avantage des crayons de couleurs est qu'ils ne tachent pas comme un crayon de graphite. Je suis super lourd quand je fais des croquis. Donc, si je croquis avec un vrai crayon, je finis avec des taches et des frottis partout. Lorsque vous peignez, toute cette poussière de graphite supplémentaire peut se mélanger avec votre peinture et laisser les choses un peu grises. En général, le papier aquarelle ne tolère pas beaucoup d'effacement. Il dérange les fibres et peut rendre votre peinture un peu bizarre lorsque vous commencez à peindre. Dans les cas où je prévois de peindre quelque chose de complexe, j'esquisse dans mon carnet de croquis ou sur mon iPad, puis je transfère le croquis sur du papier aquarelle à l'aide de mon lightbox ou du papier carbone. J' utilise également du ruban gouache pour créer des bordures nettes autour des bords de mes pages. J' ai du ruban adhésif, mais je trouve qu'il est beaucoup trop collant et a tendance à déchirer les bords de mon papier. Quoi qu'il en soit, je recommande de coller tout le ruban que vous utilisez à l'arrière de votre main abord pour réduire le collant un peu afin que votre page soit nette et belle lorsque vous retirez la bande. J' ai obtenu ce protip de l'incomparable Dylan M. Si vous voulez une bordure cohérente, vous pouvez également utiliser un crayon et une règle pour tracer un demi-pouce, un quart de pouce, puis utiliser ces lignes comme guides pour savoir où placer votre ruban adhésif. La dernière chose importante dont vous aurez besoin pour travailler avec de gouache est l'eau depuis pour la peinture. Vous aurez besoin d'un récipient qui tient de l'eau pour ajouter à la peinture et laver vos pinceaux. Vous pouvez également profiter d'une petite marionnette ou d'un flacon pulvérisateur à juste la bonne quantité d'eau à votre gouache. Je garde aussi un nettoyant de brosse maître à portée de main pour retirer toute cette gouache acrylique de mes poils. Un peu va beaucoup quand on travaille avec de petites brosses. Enfin, vous aurez besoin de quelque chose pour tenir votre peinture. J' utilise soit une palette en céramique, soit un papier à palette, car ils sont tous les deux faciles à nettoyer et ne finissent pas par être tachés. Vous pouvez facilement frotter la palette en céramique ou jeter le papier de palette après l'avoir rempli. Puisque la gouache acrylique ne se réactive pas avec de l'eau, vous voulez quelque chose de facile à nettoyer ou à jeter. J' utilise aussi une serviette en papier pour sécher ma brosse et juste pour contrôler la quantité de peinture sur mes poils. Je vais réutiliser une serviette en papier d'environ un million d'années, si on peut le dire. C'est ça. C' est tout ce que vous pourriez avoir besoin de savoir. Jetons dans notre première leçon sur votre rapport eau/peinture. 9. Leçon 1 : zones de couleurs: Bonjour, et bienvenue à notre toute première leçon. Tout au long de cette vidéo, nous allons nous concentrer sur le bon rapport entre la peinture et l'eau, ou je devrais dire, trouver notre bon rapport entre la peinture et l'eau, parce qu'il n'y a pas vraiment une bonne façon d'utiliser la gouache acrylique. Ce premier exercice est de trouver le bon rapport pour vous afin de remplir de grandes zones de couleur. Nous allons peindre une série de carrés ou de rectangles dans différentes opacités de peinture pour avoir une idée du fonctionnement de notre peinture. Tout ce qu'il vous faut, c'est un crayon , une gomme, un morceau de papier aquarelle ou votre carnet de croquis , et un peu de gouache, et je suppose aussi un pinceau et de l'eau et toutes ces choses dont vous avez besoin pour utiliser la gouache. Vous pourriez être tenté de me regarder faire cet exercice. Je vous encourage à prendre vos peintures et à les essayer par vous-même. Chaque tube de gouache acrylique a une personnalité différente en raison des différents pigments qui composent chaque tube de peinture. S' il vous plaît prenez quelques tubes de peinture et commençons. Bien que j'ai inclus des modèles de taille de lettre que vous pouvez imprimer et tracer, je suis en train d'esquisser mes lignes directrices avec une règle parce que j'aime juste utiliser une règle apparemment. Toute façon que vous voulez esquisser vos guides pour ces expériences est absolument parfaite. Je dessine des guides pour créer une grille de cinq par cinq afin que je puisse explorer mon rapport peinture/eau avec cinq peintures différentes. Si vous avez plus de peintures, vous pouvez l'adapter à la taille dont vous avez besoin. Une fois que j'ai mes guides sur mon papier aquarelle, je vais juste coller les bords. Cela me donnera une ligne nette et claire sur les bords de ma peinture et empêchera également mon papier de se déformer si j'utilise un peu trop d'eau ou si j'utilise du papier moins cher. En général, vous voulez faire de la bande jusqu'au bord, mais je ne suis pas trop inquiet à propos de cette déformation parce que c'est juste un exercice. Je ne vais pas créer un tableau fini. Une fois que nous avons notre papier collé, nous pouvons commencer à peindre. Prends un tube. N' importe quel tube de Gouache et pressez-le dans votre palette ou votre papier palette. J' utilise quelques couleurs particulières pour vous montrer certaines des propriétés de la gouache acrylique. Cette première couleur est magenta clair, et je vais l'utiliser presque entièrement non diluée. Je vais juste mouiller mon pinceau et peindre dans mon premier rectangle. Même si nous utilisons la peinture épaisse, nous ne voulons pas la laisser épaisse sur la page. Je veux lisser ma douleur en une couche uniforme pour éviter les fissures parce que contrairement à la peinture acrylique, gouache acrylique n'est pas idéale pour créer une texture tridimensionnelle sur votre page. La première chose que vous remarquerez est que la gouache est très épaisse et pas tout à fait aussi répandue. J' ai même ajouté un peu plus d'eau pour que je puisse avoir des lignes nettes sur le bord. Avec cette opacité de peinture, il est très facile d'obtenir effets de brossage à sec et votre couleur va généralement être opaque. Surtout avec une couleur comme celle-ci, magenta clair qui est une couleur plus craie, qui est opaque à peu près n'importe quelle consistance. Maintenant, nous allons ajouter un peu plus d'eau et passer à la case suivante de cette rangée. Vous remarquerez que dès que vous commencerez à ajouter la moindre quantité d'eau, vous commencerez à obtenir plus de texture. Vous pourrez voir vos coups de pinceau, ce qui signifie que je considère souvent mes coups de pinceau comme dans la peinture. Dans ce cas, parce que c'est un rectangle, j'essaie de garder les coups de pinceau assez parallèles le long du rectangle. J' aime vraiment utiliser Gouache à différentes opacités pour différentes choses. Peindre à cette opacité moyenne où il est très translucide est quelque chose que j'aime pour superposer et construire la couleur. D' autre part, j'utiliserais une opacité épaisse de peinture pour une couche de base de peinture au début d'une peinture pour créer une couche de couleur cohérente au-dessous de tout. Il peut être intéressant de noter que même si peinture acrylique peut commencer à s'écailler si vous arrosez trop, je n'ai jamais eu ce problème avec la gouache acrylique. Ces dernières consistance de peinture sont celles que j'utilise rarement seul, mais j'aime ajouter quelques éclaboussures d'eau pendant que je peins, pour créer des zones de moins de translucidité et des zones de plus de translucidité pour ajouter beaucoup de profondeur à mon peintures. Maintenant que nous avons terminé notre première rangée, prenons quelques tubes de peinture supplémentaires pour explorer comment ils se comportent à différents rapports de peinture à eau. Maintenant que nous avons créé des écailles avec quelques-uns de nos tubes de peinture, nous pouvons commencer à voir les différences entre les deux. Ce premier tube de magenta est très opaque par rapport à toutes les autres couleurs. Alors que ce bleu prussien à côté est très translucide. C' est en fait l'une de mes couleurs préférées pour travailler avec, mais il ne sera jamais opaque à moins que vous y ajoutiez d'autres couleurs. Vous pouvez voir les coups de pinceau même quand il sort directement du tube. Lorsque vous l'arrosez, il commence à grandir un peu. La troisième couleur, la peinture japonaise, a beaucoup de texture grineuse que vous ne trouvez pas dans les autres peintures. Vous pouvez voir un peu les coups de pinceau, mais il est plus opaque que l'une ou l'autre des couleurs de chaque côté de celui-ci. Pendant que vous l'arrosez, il reste assez cohérent. Il ne grandit pas. Alors que nous passons à notre quatrième rang, cette couleur rose fait des trucs dingues. C' est un pigment avec lequel j'adore travailler. Il n'est pas stable à la lumière. Il va s'estomper avec le temps parce qu'il contient du pigment fluorescent. Mais il grandit le wazoo dès que vous y ajoutez de l'eau, et vous obtenez de grands coups de pinceau juste hors du tube. C' est une peinture vraiment crémeuse pour travailler avec. Une autre peinture que j'aime vraiment travailler avec est ce bleu smalt final. Il est plus opaque comme notre magenta clair, mais vous obtenez un peu de coups de pinceau avec elle. Maintenant que nous avons terminé cet exercice, je vous invite à aller peindre, si vous ne l'avez pas déjà fait. Essaie ça. Vous pouvez voir à partir de ces quelques exemples, les différentes personnalités que vous pouvez trouver dans vos tubes de Gouache. Dans la prochaine partie de cette leçon, nous explorerons notre rapport entre la peinture et l'eau, en concentrant sur la création de lignes exactement comme vous le souhaitez. 10. Leçon 1 : Lignes et textures: Dans cette section, nous explorerons les lignes et les textures avec la gouache acrylique. La finesse ou l'épaisseur de chaque tube de peinture, ainsi que le rapport entre la peinture et l'eau, affecteront le type de lignes que vous pouvez faire, qu'elles soient expressives et un peu globuleuses et imprévisibles ou qu'elles soient lisses, nettes et clair. Je vais utiliser exactement les mêmes couleurs pour cette expérience que pour la première leçon sur les zones de couleur parce que je pense que cela nous donnera une chance d'explorer vraiment les qualités de ces peintures. Nous savons déjà qui sont translucides, qui sont opaques, et qui font des choses folles. Voyons comment cela affecte nos lignes. Nous ferons deux rangées de rectangles pour chaque couleur. Je vais commencer dans le tout premier rectangle, faire des lignes avec de la peinture non diluée. C' est une peinture à la craie et vous pouvez dire à partir de la façon dont j'essaie de faire lignes qu'elle ne crée pas de lignes très cohérentes quand elle est non diluée. La peinture ne coule pas dans le pinceau, donc vous obtiendrez des zones épaisses et minces, ce qui est idéal pour les lignes expressives ou pour créer certaines textures, mais pas si idéal lorsque vous cherchez à tracer une forme ou à créer des contours lisses et des lignes uniformes. Maintenant, nous allons essayer un pinceau plus grand et une ligne plus expressive avec des courbes et des courbes. De la même manière, nous voyons beaucoup de variations de couleur et de taille de la ligne. Ensuite, nous allons nous concentrer sur une texture amusante et rapide pour voir comment les petits coups de peinture se comportent. Vous verrez parce que la peinture est globuleuse sur le pinceau, elle crée des marques de hachures vraiment incohérentes. certains sont très petits, autres sont très épais, d' autres sont plus brossés à sec en effet, et d'autres sont très opaques. Maintenant, arrosons la peinture à 50 pour cent et répétez les mêmes trois courtes expériences. Nous commencerons d'abord avec les lignes et notre petit pinceau. Déjà ces lignes sont beaucoup plus délicates et cohérentes. Même si je peins à l'angle étrange et les rend un peu vacillants, vous pouvez obtenir beaucoup plus de détails avec une peinture plus humide. Même si ces lignes sont un peu moins opaques et peuvent devenir assez pâles, vous avez beaucoup plus de chances d'obtenir lignes cohérentes et prévisibles lorsque votre peinture est plus mince. C' est-à-dire, quand vous avez plus d'eau dedans. Si vous voulez une couleur plus opaque, vous pouvez la parcourir en plusieurs couches. C' est la magie de la gouache acrylique. Je fais juste quelques hachures texturées maintenant avec la même peinture diluée, et vous pouvez voir que la couleur est beaucoup plus cohérente. Les coups sont beaucoup plus cohérents. Ils sont plus délicats et beaucoup plus légers. Mais c'est bon, tant que c'est ce que vous attendez. Maintenant que nous avons terminé ces petites expériences avec notre première couleur, essayons quelques autres couleurs pour voir comment elles se comportent. Maintenant que nous avons fini de peindre toutes les couleurs, nous pouvons commencer à remarquer des motifs dans la façon dont la peinture se comporte. La première chose à remarquer est que la peinture non diluée vous donne des lignes imprévisibles, vous soyez en hachure ou en créant un travail de ligne. Ce que nous pouvons en tirer, c'est que chaque fois que nous cherchons à créer des lignes droites cohérentes et lisses, il suffit d'ajouter plus d'eau à votre peinture. Ça va te rendre la vie beaucoup plus facile. L' autre chose que nous pouvons remarquer est que ces peintures calcaires sont beaucoup plus épaisses, même directement hors du tube que les peintures translucides. Les peintures translucides peuvent créer des lignes cohérentes et des patchwork plus détaillés, mais elles vont toujours obtenir des lignes plus belles et cohérentes si vous l'arrosez. Cela dit, cette couleur rose va toujours vous donner des effets très cool, même arrosé parce que c'est une peinture granulante. Vous obtiendrez beaucoup de dimension dans vos lignes et beaucoup de gradation dans votre travail de ligne plus épais et plus expressif. Maintenant que nous comprenons le rapport de peinture, nous devons obtenir les effets que nous voulons dans notre travail de ligne. Nous allons passer à une partie fondamentale de ma pratique, en faisant des échantillons de toute la peinture que j'ai pour comprendre les couleurs. 11. Leçon 1 : Créer des échantillons: La prochaine chose fondamentale que je fais pour travailler avec de la gouache acrylique est de créer des échantillons. Je crée des nuances de chaque couleur de peinture que j'ai. Tout d'abord, parce que les couleurs sur le tube ne sont pas précises, création d'échantillons me permet de savoir exactement quelle est la couleur de la peinture dans le tube, comment elle va apparaître sur le papier que j'utilise et cela va me donner une compréhension de la propriétés de ce tube de peinture particulier ; qu'il soit opaque ou translucide, qu'il soit granulé, toutes ces choses. Il y a tellement de façons différentes de créer des nuanciers. Vous pouvez utiliser du papier aquarelle en vrac ou votre carnet de croquis, mais j' adore les gouaches lâches parce que je peux les mélanger et les assortir pour trouver des palettes de couleurs. Voici ma méthode pour faire des échantillons qui démontrent l'opacité de ma peinture. abord, je prends un carré de papier aquarelle de 2 pouces par 3 pouces. J' ai un coupe-papier fantaisie que j'utilise pour les couper, mais vous pouvez absolument utiliser des ciseaux ou les déchirer si vous voulez. J' utilise une petite règle pour mesurer 1 par le bas. C' est là que je vais mettre toutes les informations de ma peinture ; le nom de la couleur, le numéro, la marque, donc je sais exactement à quoi se réfère cette nuance. Alors, je vais l'enregistrer. Tu n'as absolument pas besoin de l'enregistrer. Je fais juste ça que j'ai une ligne nette entre l'endroit où j'écris et où est ma peinture. J' aime aussi mettre un morceau de papier à palette derrière pour protéger mon bureau. gouache acrylique va juste frotter la plupart des surfaces, mais si je n'ai pas besoin de frotter mon bureau après avoir fait des échantillons, alors c'est vraiment un bonus. Maintenant, je sors juste ma peinture. Tout comme nous l'avons fait pour tous les exercices jusqu'à présent, j'aime inclure deux opacités de peinture sur mes échantillons. J' aime utiliser non dilué le long du haut afin que je puisse voir ce sont les propriétés les plus opaques. Ensuite, je trempe mon pinceau dans l'eau et finis l'échantillon avec une version diluée de la peinture. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de peinture pour ça, donc vous ne gaspillez certainement pas de peinture. Ensuite, je viens juste d'entrer et de brosser n'importe quel bord pour m'assurer qu'il est entièrement recouvert de couleur. Vous avez peut-être aussi remarqué que je viens de sortir un poil de chat de ma nuance aussi. J' ai un chat et ça veut dire que souvent ses cheveux pénètrent dans mes tableaux. Parfois, vous pouvez simplement l'arracher avec une brosse humide, mais si cela ne fonctionne pas, prenez une brosse sèche et utilisez-la simplement pour retirer les cheveux ou si vous ne vous en souciez pas, laissez-la là. Déchirons notre cassette et écrivez nos informations d'identification. Parfois, je vais utiliser un stylo imperméable pour cela, mais en ce moment j'utilise juste un crayon parce que le crayon est également imperméable à l'eau et je peux le changer si mon écriture est terrible. Vous voulez utiliser quelque chose d'imperméable si vous êtes quelque chose comme moi, parce que j'utilise beaucoup ces échantillons. Ils sont assis autour de mon bureau d'art, ils sont tachés, barbouillés et poussés et s'ils avaient une peinture non imperméable, ils deviendraient rapidement illisibles. Si vous voulez un moyen plus fantaisiste de faire des échantillons, je vous recommande de l'utiliser. C' est génial si vous utilisez vos nuanciers comme accessoires lorsque vous prenez des photos de votre travail ou si vous voulez vraiment des informations visuelles claires sur les couleurs que vous utilisez. Cela crée chaque nuance comme sa propre petite illustration. Je commence par créer juste une bordure d'un quart de pouce autour du bord de mon papier de 2 pouces par 3 pouces. Ensuite, je vais coller autour de cette bordure esquissée afin de créer des lignes nettes et nettes sans avoir à me concentrer sur ma brosse. Maintenant, je vais juste remplir ce rectangle avec ma couleur. Vous pouvez utiliser la même méthode que nous avons utilisée auparavant, où nous dégradons la couleur afin de voir plus de qualités de la peinture ou comme je le fais ici, vous pouvez simplement créer une nuance d'une seule opacité de peinture, peu importe opacité avec laquelle vous aimez travailler, quelle que soit la couleur de la peinture va vous donner le plus d'informations dont vous avez besoin lorsque vous peignez. Maintenant, je vais juste le sécher et enlever ma cassette. Je vais mettre toutes mes informations sur la marque, le numéro et le nom de cette peinture au dos de la carte afin qu'elle ne soit pas encombrée visuellement sur le devant où je l'utiliserai. Je répète ce processus avec chaque tube de peinture que je possède pour comprendre chaque tube de peinture et utiliser comme référence visuelle pour trouver des palettes de couleurs pour mes peintures. Maintenant que nous avons nos échantillons et que nous avons une compréhension approfondie du rapport de la peinture à l'eau que nous aimons utiliser, passons à notre toute première peinture. C' est une carafe, un bocal, une bouteille ou un pot. 12. Projet 1 : Esquisser: Pour ce projet, je vais travailler avec un morceau de papier aquarelle 9x6. C' est juste un des morceaux de papier Canson XL coupé en deux. En coupant le papier en deux, je viens de me donner des zones plus petites couvertes de peintures. Je peux me concentrer davantage sur la peinture. N' hésitez pas à travailler avec votre papier aquarelle à n'importe quelle taille que vous voulez. Je commence comme si je commençais toutes mes peintures : en créant une bordure autour du bord. Cela garantira que mon travail est centré et crée un cadre plus professionnel pour ma peinture. Dès que cette frontière sera terminée, je vais commencer à esquisser. J' ai choisi d'esquisser dans Procreate parce que cela me fait sentir beaucoup moins anxieux. Je ne suis pas un esquisse compétent même si je le fais depuis si longtemps. J' aime faire des croquis sur quelque chose qui n'est pas mon papier aquarelle, donc je ne finis pas par entacher la surface avec des lignes de crayon dures et des marques de gomme. Vous pouvez esquisser dans votre carnet de croquis, sur votre papier ou tout autre moyen que vous vous sentez le plus à l'aise. En tant que personne de forme auto-identifiée, je n'aime pas esquisser parce que cela dépend tellement de la ligne. J' ai tendance à faire un croquis très lâche que je peux affiner et changer pendant que je peins, parce que la peinture est un support beaucoup plus basé sur la forme. Je suis juste en train de pousser de grandes zones de couleur. Je commence tout mon esquisse en me concentrant sur l'espace négatif, c'est-à-dire la zone autour de mon sujet plutôt que le sujet lui-même. Cela fonctionne vraiment avec mon cerveau basé sur la forme parce que c'est une forme beaucoup plus claire et vous pouvez ignorer la plupart des détails. Une fois que je me suis concentré sur cela et que j'ai un contour rugueux, je l'ai perfectionné pour devenir un contour net, puis j'ajoute des détails en dernier. Dans l'ensemble, mon croquis n'a pris que 10 minutes, ce qui n'est pas si long, peu importe à quel point je me dis que je suis au croquis. Tu remarqueras que mon bec est un peu bizarre et imparfait, mais c'est bon. Votre croquis n'a pas à ressembler à ce que vous voyez devant vous. La beauté de peindre une nature morte est d'interpréter ce que vous voyez à votre manière. Donc, si ça a l'air un peu décalé, c'est bon. Maintenant, je vais juste transférer mon croquis sur du papier aquarelle. Vous pouvez le faire en utilisant une boîte lumineuse, une fenêtre ensoleillée, ou du papier de transfert de carbone, mais quelle que soit la façon dont vous utilisez, ce sera très bien. Maintenant, passons à la peinture. 13. Projet 1 : Peindre: Maintenant que nous avons notre transfert de croquis sur du papier aquarelle, j'enlève mon papier, cela empêche le papier de se déformer. Vous voulez enregistrer au bord de la page si vous essayez d'empêcher le déformation, mais c'est juste un projet pour cette classe, et ce n'est pas une illustration finie que je vais utiliser ou vendre, donc je joue un peu lâche. Si vous craignez que votre ruban adhésif soit trop collant, hésitez pas à le coller à votre bras ou à votre bureau d'abord, puis à le décoller et à le coller à votre peinture, sorte que vous ne risquez pas de déchirer les bords. Ma prochaine étape quand je commence une peinture est de choisir les couleurs de base. Puisque je n'ai pas l'intention de mélanger des couleurs pour ce projet, je choisis simplement pour mes échantillons. Ce sont les couleurs que je pensais convenir au design que je veux faire. Tous les bruns pour ma cruche, et quelques couleurs violettes pour le complimenter de mon fond. Je vais commencer par un violet clair pour mon fond derrière la cruche. J' aime toujours commencer par l'arrière-plan au lieu de la cruche parce que je peux peindre sur la gouache. Si je suis un peu désordonnée avec mes antécédents, c'est bon. Je peux juste le nettoyer en peignant ma cruche. Gagnez du temps, et c'est vraiment amusant de commencer par peindre de grandes zones de couleur. Je vais essayer de ne pas trop peindre dans la zone que ma cruche va être parce que je ne veux pas superposer trop de peinture, parce que vous aurez une certaine translucidité, et être capable de voir une partie de la couleur à travers. J' ai aussi tendance à faire ma couche de base dans un lavage assez épais. C' est essentiellement le plus épais que je l'utilise. Il a quelques coups de pinceau, surtout dans cette couleur, mais il est surtout opaque et plat. Ce n'est pas aqueux. Vous ne voyez pas trop le journal à travers. C' est juste pour que j'ai une zone de couleur cohérente derrière ma peinture, pour commencer à construire de la profondeur et des couches. J' ai tendance à mélanger ma gouache avec de l'eau en petites quantités, si je ne fais que mélanger du tube. Comme ça, je n'ai pas à m'inquiéter de gaspiller tout un tas de peinture. Mais si je mélange des couleurs de plusieurs couleurs, j'ai tendance à mélanger beaucoup plus de cette façon, je n'ai pas à m'inquiéter d' obtenir un mélange cohérent à chaque fois parce que j' aurai assez de peinture pour ce que je veux l'utiliser. Alors que je peins à travers cette grande zone, elle sèche parce que la gouache sèche rapidement. Je nettoie juste les bords et ajoute une couche supplémentaire de peinture aux zones qui, je pense, pourraient utiliser un peu plus d'opacité. Maintenant, je vais passer à ma prochaine couleur. J' aime utiliser deux nuances différentes de la même couleur pour mes arrière-plans dans ceux-ci parce que je veux que l'accent soit mis sur mon sujet, la cruche, pas sur un fond de pantalon fantaisie. Dans ce cas, je vais juste utiliser un violet foncé. Vous remarquerez chaque fois que je remplis une grande zone de couleur, quand je trempe mon pinceau dans la gouache, je ne vais pas pour les bords des choses que je veux esquisser. Je vais dans les grands quartiers. Ce n'est qu'après cela que je commence à me déplacer vers les bords plus précis que je veux faire. Cela signifie juste que j'ai moins de gouache épaisse sur ma brosse. Ça me donne un peu plus de contrôle sur la zone que je peins. Vous remarquerez peut-être que je passe plus d'une fois sur les mêmes zones. C' est juste pour m'assurer que j'ai une couche de peinture lisse et cohérente. Comme je l'ai mentionné dans la vidéo Areas of Paint, gouache acrylique n'a pas les mêmes qualités que la peinture acrylique. Vous ne pouvez pas le laisser épais et texturé en trois dimensions car il va se fissurer. Au lieu de cela, j'aime passer en revue toutes les zones que j'ai peintes plusieurs fois, pour m'assurer qu'elles sont lisses et qu'elles sèchent exactement comme je le veux. Maintenant, nous allons passer à la couche de base de notre cruche. La première chose que vous remarquerez peut-être, c'est : « Hey, madame, ce jaune n'est pas le jaune pour votre vieille cruche en laiton modélisée  ». Je sais que les gars, mais j'aime toujours commencer les zones auxquelles je vais ajouter des détails, surtout quelque chose d' aussi funky que cette cruche dans la couleur la plus claire possible. Même si vous pouvez superposer la gouache, il est toujours plus facile de superposer des couleurs sombres sur la lumière parce que vous allez obtenir une certaine translucidité. Une partie de cette couleur de base va passer. En outre, il va juste rendre beaucoup plus facile de donner des reflets à ma cruche, parce que les couleurs claires sont une couche un peu plus difficile sur le dessus des couleurs sombres, cela fera de sorte que j'ai une grande base pour faire le visage lumineux et brillant. Si vous avez beaucoup de détails sur votre cruche, c'est la partie où ils pourraient commencer à devenir un peu boueux. C' est une autre raison pour laquelle j'aime esquisser dans un programme comme Procreate ou dans un carnet de croquis, parce que j'ai toujours la copie vierge de mon croquis que je pourrais utiliser comme référence, sorte que je sache où mes détails devraient atterrir. Maintenant que je remplis l'intérieur de cet espace plus complexe, je suis passé à une brosse plus petite. Je veux dire que je pourrais utiliser mon plus gros pinceau. La plupart de ces espaces ne sont pas aussi détaillés, mais cela me donne juste beaucoup plus de contrôle sur les domaines dans lesquels je travaille. Vous verrez également que j'ajoute quelques lignes supplémentaires, détails juste pour me signaler où ces détails vont se trouver une fois que je commencerai à ajouter des couches de peinture. Maintenant que je travaille sur mon sujet plutôt que sur mes antécédents, j'accorde une attention particulière à mes coups de pinceau. Parce que je travaille avec ma gouache à une opacité où vous pouvez voir les coups de pinceau, ils vont être visibles dans ma peinture finie. Donc je veux m'assurer qu'ils complètent la forme que je peins. Sur les portions rondes de ma cruche, je suis les courbes et sur les portions droites, je vais en mouvement parallèle sur les côtés du jogging. En suivant cette poignée, je suis en courbe le long de la poignée. Ce serait choquant de voir des coups de pinceau passer travers la poignée parce que ce n'est pas comme ça que notre oeil veut voir ces lignes de tête. Quelque chose que vous ne pouvez pas voir se passe en dehors de la caméra, j'aurais probablement dû le mentionner avant maintenant, j'ai une cruche d'eau juste au côté de l'endroit où je peins. Je trempe mon pinceau là pour le laver entre les couleurs, mais je le trempe aussi dans leur intermittence pour garder mon pinceau humide et pour m'assurer qu'aucune gouache ne sèche sur ma brosse, parce que ce n'est tout simplement pas amusant de nettoyer. Je passe à la première couche de profondeur sur ma cruche maintenant. C' est vraiment aqueux. En fait, j'avais juste un peu peur de créer toute la texture sur la cruche, donc je voulais commencer par quelque chose qui ne serait pas... Infaisable , si ça a du sens. Je voulais m'assurer que c'était une couleur assez claire qui pourrait peindre sur toutes les zones qui ne ressemblent pas à ce que je voulais. Au début, je cherche juste des zones plus sombres sur la cruche. Peu importe les zones qui ont ces ombres, c'est là que je mets la peinture. Je n'essaie pas d'être trop précieux. Je veux dire, j'utilise comme le plus petit pinceau du monde pour une raison quelconque, même si je pourrais utiliser un pinceau plus gros à ce stade, mais c'est bon. Lorsque vous essayez de reclus, il est généralement préférable d'utiliser un pinceau plus grand parce que vous obtenez juste des lignes plus imprévisibles, et cela vous donne un peu moins d'être précieux. Une chose que vous remarquerez aussi, c'est que je ne fais pas que décrire ma cruche. Il s'avère que c'est une erreur recrue que j'ai faite pendant un certain temps. Lorsque vous mettez un contour dur à l' extérieur de la forme que vous essayez de faire paraître tridimensionnelle, il suffit de le faire regarder. Parce que la réalité est, est que tous les bords de votre forme ne seront pas des lignes dures. Alors faites attention à quels bords concentrent les ombres sombres dans lesquelles ne le font pas. Vous remarquerez que je peins à travers cela, temps en temps je vais revenir en arrière et ajouter une couleur plus foncée à certaines zones de la cruche. C' est parce que cette zone de ma peinture a séché pour que je puisse continuer à construire des couches de couleur. Si vous essayez de calquer la couleur alors qu'elle est encore humide, elle ne crée pas de calque de couleur, elle va simplement fusionner ensemble. Mais une fois séché, vous pouvez créer des couleurs plus foncées en superposant les zones que vous avez déjà peintes. Si vous voulez accélérer le processus de séchage, vous pouvez absolument utiliser un sèche-cheveux. Ça va juste le rendre beaucoup plus rapide. J' en utilise généralement un tout le temps, mais je n'ai pas apporté mon sèche-cheveux à la table où je peins dans cette section. Si vous utilisez un sèche-cheveux pour sécher votre travail, vous voulez simplement vous assurer qu'il n'y a pas de piscines d' eau ou de peinture, car le sèche-cheveux les poussera. C' est une autre raison de vous assurer de lisser votre peinture au fur et à mesure. Maintenant, je vais passer à la prochaine nuance que j'utiliserai, un ambre plus sombre et brut. J' aime vraiment cette nuance parce que je pense qu'elle a un peu de vert, et je pense que ça va vraiment faire ressembler à du laiton terni. Je vais arroser cette peinture assez significativement, tout comme je l'ai fait avec la première nuance que j'ai utilisée sur ma cruche parce que je veux tellement de sous-couleurs pour montrer à travers. Vous remarquerez aussi que lorsque j'arrose beaucoup de peintures, je commence par mettre une goutte dans ma palette et l'arroser, puis je vais déplacer un peu de peinture dans un autre puits et ajouter plus d'eau. Pour moi, cela me donne juste plus de contrôle sur la quantité de pigment et de peinture que j'ai à ma disposition. Je peux ajouter plus de pigment au besoin sans avoir à presser plus hors du tube, et je peux ajouter plus d'eau à mon avis. Tout au long de ce processus. Je regarde constamment ma cruche. Je ne suis pas encore à l'étape où ma peinture parle d'elle-même, donc je ne regarde pas les formes que j'ai déjà faites pour comprendre où seraient les faits saillants. Je fais constamment référence d'avant en arrière, en regardant ma cruche, pause et en réfléchissant sur l'endroit où se trouvent la lumière et les ombres. Une autre technique que j'aime utiliser est de laisser un bord humide pendant que je travaille. C' est une technique courante dans l'aquarelle, mais je trouve qu'elle fonctionne très bien avec la gouache aussi, surtout lorsque vous l'utilisez de cette manière non opaque. Si je laisse un bord humide dans la zone où je travaille, je peux continuer à ajouter de la couleur et cela ressemblera à une zone de couleur transparente. Alors que si je laisse sécher le bord ou si j'utilise la peinture très finement au bord de ce que je travaille, cela créera différentes zones de couleur distinctes comme les couches de gouache sur elle-même. Vous venez aussi d'assister à une de mes techniques préférées et c'est juste d'utiliser mes mains. Souvent, un pinceau aura un peu de pigment ou un peu d'eau, donc si je cherche à mélanger le bord de ce sur quoi je travaille, parfois je vais juste pousser la peinture avec mon doigt. C' est très désordonné et ça fait vraiment appel à mon enfant intérieur et ça marche. Vous pourriez atteindre ce stade de votre peinture et de votre désespoir. C' est ce que j'appelle la phase laide. Vous peignez est à mi-chemin pour devenir quelque chose de réel, comme une vraie peinture d'une chose, mais ce n'est pas encore tout à fait là. La plupart de vos idées sont à moitié finies et il est vraiment facile de vous mettre dans la tête à ce stade. Je sais que je le sais. Le truc, c'est que vous ne pouvez pas juger un tableau par son milieu et si vous arrêtez maintenant, vous peignez n'arriverez jamais à cette jolie phase. Il va toujours rester dans la phase laide et vous pourriez même finir par vous raconter cette histoire sur la façon dont vous ne pouvez pas vraiment peindre parce que vous faites toujours des choses moches. Mais l'astuce pour sortir de la phase laide est en fait très simple. C' est juste de la persévérance et de la confiance. Tu dois croire que ton œil voit les bonnes choses et croire que ta main peut les imiter. Même si tu apprends encore, c'est bon. Parce que plus vous faites cela et poussez à travers et vous permettez de résoudre des problèmes créatifs à la volée, plus votre main et vos yeux seront confiants. Je suis passé à une nuance plus foncée maintenant. En fait, c'est la même peinture. C' est l'ambre brut et il a juste un peu moins d'eau maintenant. Je viens de dessiner une partie de cette peinture plus pigmentée de mon centre bien, dans le puits à partir duquel je travaille. Je suis juste en train de passer et d'ajouter encore plus de profondeur et de dimension. Pour moi, j'aime ajouter couche après couche de peinture afin d'ajouter des détails et des dimensions. C' est un moyen facile de réduire la pression. Parce que si je suis entré avec une couleur très sombre de gouache tout de suite, et que je n'ai pas mes ombres au bon endroit, alors ça va être beaucoup plus difficile de passer en revue ça et d'en faire la bonne couleur après. Vous remarquerez même que je laisse mes faits saillants probablement plus grands que ce qu'ils sont sur le vase d'origine et c'est juste parce qu'il est difficile d'entrer et d'ajouter ensuite des faits saillants qui semblent tout aussi vibrants. Je suis donc très prudent quant à la façon dont j'entre dans ces zones avec ma peinture. Je ne veux pas ajouter trop de couleur trop tôt. Comme je travaille avec des couleurs plus foncées, vous commencerez à remarquer que je commence à utiliser mon essuie-tout beaucoup. C' est juste pour contrôler la quantité exacte de liquide qui est sur ma brosse. Je ne veux pas que ma brosse soit trop humide et trop sombre, et je ne veux pas que ma brosse soit imprévisible, surtout quand je fais des lignes plus minces et plus contrôlées, comme ce que je fais en ce moment. Cela dit, je l'ai juste revu avec une grosse peinture pâteuse. Néanmoins, la technique est la même. Pour des lignes cohérentes qui sont très prévisibles, vous voulez contrôler la quantité d'eau sur votre brosse et vous assurer qu' il n'y a pas de goutte à goutte sur la mèche métallique de votre brosse. Parce que s'il y a des voyages là-haut, pendant que vous peignez, ils vont descendre dans vos poils et ajouter plus d'eau à votre peinture que vous ne vous attendez. Alors assurez-vous juste après avoir rincé votre pinceau, que vous essuyez les gouttelettes de rechange. Je vais juste continuer à ajouter des couches de profondeur et de dimension jusqu'à ce que nous arrivions à la partie où je commence à ajouter des détails. Ensuite, on s'attaquera à la poignée, ombres, à tous les autres morceaux dont on a besoin pour rassembler ce tableau. J' ai maintenant attrapé ma petite brosse pour commencer à capturer les détails de ma cruche. J' utilise de la peinture fine pour créer des lignes nettes, propres et cohérentes. Vous remarquerez que j'ai passé beaucoup de temps en ce moment juste tourbillonner ma peinture, pour m'assurer que j'ai absolument la bonne quantité de peinture sur mon pinceau. Parce qu'avec des lignes détaillées comme celle-ci, il est vraiment difficile de les annuler parce que j'ai tellement de profondeur et de texture en dessous. L' autre chose à garder à l'esprit est que ces lignes détaillées n'ont pas besoin d'être parfaites. J' essaie de peindre ce que je vois, mais la beauté d'une nature morte est de peindre ce que vous voyez à travers vos propres yeux. Si les lignes finissent un peu vacillantes ou inégales ou si elles finissent exactement où vous prévoyez qu'elles soient, c'est bon. Tu n'as pas à les refaire. Vous pourriez simplement embrasser l'imprévisibilité, le processus de peinture et partir de là. J' ai commencé par peindre mes lignes très éloignées et j'ai décidé que ce n'était pas ce que je voulais. Donc j'ai juste rempli avec plus de lignes entre les deux. Votre cruche, pot, bouteille ou pot, pourrait avoir des détails totalement différents du mien. En fait, il a presque certainement des détails totalement différents du mien, mais vous pouvez juste faire confiance à votre instinct et à ce que vous voyez. Vous peignez un pot avec beaux petits motifs floraux répartis sur la surface ou le type, ou qui sait quoi d'autre pourrait être sur votre belle chose que vous peignez en personne. Mais vous pouvez faire confiance à vos yeux, faire confiance à ce que vous voyez, et simplement le suivre et embrasser d'être lâche et expressif avec vos détails. Ils n'ont pas à ressembler à la cruche que vous voyez avant vous. Vous créez une chose totalement séparée, une peinture de nature morte par la vôtre vraiment. Ça n'a pas à refléter la vraie vie. Mon travail que je peins ne ressemble pas exactement à celui que je vois avant moi, surtout la partie du bec. Je ne sais pas pourquoi, mais je pense que c'est l'angle dans lequel je suis assis. Chaque fois que je le regarde, je vois dans l'ouverture et ça fait venir le bec sur tous les funky. Mais c'est bon. Je l'embrasse et je veux voir où ça me mène. Parce qu'une peinture, contrairement à une photographie, n'a pas à ressembler à la vraie vie. Tu n'es pas une caméra. Vous êtes un être humain avec une main instable et imprévisible. Maintenant, j'ai commencé à travailler sur la poignée. Quand je travaille sur une poignée comme celle-ci, j'accorde une attention particulière aux ombres, parce que parfois si vous ne le faites pas, la poignée va ressembler à flotter au-dessus de votre vase ou cruche, ou ça va ressembler à ce n'est pas vraiment joint. Vous voulez vous assurer que vous le mettez à la terre avec des ombres exactement là où vous les voyez. Les ombres sont le plus magique quand vous peignez et elles sont mon obsession actuelle, probablement pourquoi je suis tellement obsédé par les natures mortes. Les ombres donnent du poids à votre travail. Ils donnent l'impression de se reposer sur quelque chose ou de s'asseoir dans l'espace. Je me concentre sur les ombres sur la partie inférieure sur le dessus de cette poignée et sur la partie latérale face à l'extérieur. Je mets aussi des ombres sous cet étrange petit détail sur ma poignée de ma cruche. Lorsque vous travaillez dans une petite zone comme cette poignée, vous pouvez trouver que vous devez ajouter des ombres , puis revenir avec des reflets, et c'est correct. C' est vraiment dur de travailler dans de petites zones et faire des ombres là où vous voulez qu'elles soient. J' alterne entre la lumière et l'obscurité au fur et à mesure que la peinture sèche pour m'assurer que j'ai mes ombres et les reflets là où je les veux. Une chose à retenir lorsque vous travaillez à travers n'importe quel tableau est que, plus souvent, votre regard de téléspectateurs sera attiré partout où vous passez le plus de temps. Pour moi, ça ne me dérange pas de m'embêter avec ce bec depuis très longtemps. ne me dérange pas si les gens ont les yeux attirés là même si c'est bizarre. Mais s'il y a quelque chose dans votre tableau que vous n'aimez pas , appliquez de la peinture et passez à autre chose. Parce que plus vous passez de détails, de couches et de temps dans cette zone, plus il sera concentré au milieu de votre peinture. Maintenant, je passe à ajouter quelques faits saillants juste pour donner un peu plus de vie à mon vase. Je vais aussi entrer avec un peu de ma couleur de fond pour nettoyer les bords partout où j'ai surpeint ce que je voulais, ou pour réparer la forme de tout ce que je ne suis pas sûr. Je vais juste continuer à réparer ces petits détails, en ajoutant de l'ombrage et un peu plus de vernis à toutes les zones qui, je pense, en ont besoin. Lorsque vous atteignez cette étape d'une peinture, il peut être très difficile de savoir quand elle est terminée. Vous pouvez passer un million d'années à ajouter de petits détails, peaufiner cette chose et cette chose, ajouter des ombrages et des surlignements. Mais la réalité est qu'une peinture est terminée chaque fois que vous dites qu'elle est terminée, c'est vraiment le seul facteur directeur que vous avez. Plus vous peignez, plus vous apprendrez à écouter cette petite voix qui vous dira, je pense que nous sommes là. Je crois qu'on l'a fait. Si vous n'êtes pas sûr, c'est toujours une bonne idée de mettre un tableau de côté jusqu'à demain ou quelques jours et d'y revenir, parce qu'il n'y a jamais de mal à faire ça. Je viens d'attraper de la peinture blanche, que je mélange avec ce jaune de Naples initial pour ajouter quelques faits saillants partout où je pense qu'ils en ont besoin. Vous remarquerez qu'à ce stade du processus, lorsque vous ajoutez des faits saillants, c'est là que j'obtiens le plus de peinture des doigts parce que je veux que les faits saillants soient doux. C' est juste ma préférence personnelle. Vous êtes les bienvenus pour ajouter des surlignements audacieux et picturaux partout où vous le souhaitez. Je fais juste une attention particulière à n'importe quel endroit où la lumière frappe ma cruche, particulièrement fort. Une chose que vous remarquerez peut-être est que ma cruche semble avoir deux points de lumière et c'est parce que j'utilise un léger rebond pour filmer ceci pour obtenir la lumière plus uniforme. Mais cela signifie que ma cruche a de la lumière de la fenêtre d' un côté et la lumière réfléchie de ma lumière rebondit de l'autre côté. Si vous peignez près d'un mur ou d'une fenêtre blanc, vous pouvez constater que votre cruche a également deux points de lumière, car la lumière est réfléchie sur votre cruche à partir de votre source lumineuse principale. Maintenant, tout ce qu'il reste à faire est d'ajouter mon ombre finale, l'ombre qui situera mon jog sur la surface sur laquelle il est assis. J' utilise un violet noir du Klein japonais de Turner parce que j'adore ça. Mais je vais tomber comme un fou pour que mon ombre soit un peu logicielle. En ajoutant beaucoup d'eau, il me donne aussi juste beaucoup d' eau pour se déplacer pour obtenir blobby, et taches, et brushstrokey parties de l'ombre, parce que je veux que ce soit un peu cookie. Je ne veux pas que ce soit une ombre parfaite pour l'objet que je regarde, surtout parce que je tourne dans une pièce assez lumineuse et que ma cruche n'a pas vraiment beaucoup d'ombre. N' hésitez pas à utiliser votre propre interprétation de la façon d'ajouter des ombres. Alors que nous finissons ce tableau, je voulais prendre une minute pour vous dire que la peinture prend du temps, ce qui semble être la chose la plus absurde à dire. Mais pour moi, je suis souvent pressé. J' ai l'impression que si cette vidéo dure 30 minutes, que cette dame l'a peinte en 30 minutes, pourquoi ma peinture me prend-elle tellement plus longtemps ? Mais la réalité est que cette vidéo est accélérée. Les gars, ce tableau m'a pris deux heures complètes. Votre peinture peut prendre plus ou moins longtemps que cela, selon la façon dont vous peignez, combien de détails vous ajoutez, combien de temps vous voulez passer. Mais il n'y a pas de précipitation quand tu peins. Vous pouvez prendre autant de temps que vous devez prendre. Maintenant que nous avons terminé notre tout premier projet, passons à notre deuxième leçon où nous allons explorer la superposition de notre peinture. 14. Leçon 2 : Superposer des couches: Bonjour et bienvenue à la leçon numéro 2. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la superposition et le contrôle des pinceaux. Notre premier exercice sera de superposer des couleurs claires sur les couleurs sombres et sombres sur la lumière. J' ai imprimé un modèle d'un tas de cercles et vous pouvez trouver un modèle dans le guide des ressources dans la section projet. Celui-ci peut être un peu plus difficile à esquisser à la main parce que vous ne pouvez pas dessiner de cercles avec une règle. Mais si vous avez quelque chose de circulaire sur votre bureau que vous voulez juste tracer, cela fonctionnera à merveille aussi. Assurez-vous simplement qu'il y aura suffisamment de surface dans votre cercle pour que vous puissiez voir les variations de couleur et la translucidité de votre peinture. Pour cet exercice, j'ai choisi cinq couleurs différentes de peinture que j'utiliserai à ma consistance préférée, la consistance que j'utilise le plus souvent. Vous voudrez choisir trois couleurs claires et deux couleurs foncées ou vice versa. Mais de toute façon, vous voudrez un mélange de couleurs claires et sombres. Cette première couleur est le bleu clair de toute la poutre. Je vais commencer par peindre dans des couleurs claires, deux couleurs de lumière différentes dans les deuxième et quatrième cercles de ma première rangée pour voir comment les couleurs plus foncées se calment au-dessus d'eux. Déjà, vous pouvez voir que les couleurs sombres de mes contours que j'ai imprimés montrent à travers. Cette peinture n'est pas assez opaque pour couvrir ces lignes. Souvent, je trouve que lorsque je travaille avec une peinture de couleur claire, je veux laisser de l'espace blanc sous toutes les zones où ils auront besoin de briller. Si j'essaie de travailler avec ces couleurs claires sur des couleurs plus sombres, ou sur des lignes détaillées, ça va apparaître à travers. Cela peut être génial si c'est l'effet que vous voulez, mais si vous essayez d'obtenir une forme plate et opaque de couleur, cela va être très frustrant et vous devrez faire plusieurs couches de peinture pour obtenir l'effet que vous voulez . C' est aussi l'une des raisons pour lesquelles j'aime travailler avec le Prismacolor, crayons colorisés quand je travaille avec la gouache, parce que la couleur claire de ces crayons ne montre pas à travers mes peintures de la même manière qu'un gris dur ligne de crayon le ferait. Si vous avez besoin de peindre sur des lignes plus sombres comme ça, je suggère de travailler avec une des peintures plus craies, quelque chose avec un pigment blanc qui est très opaque, ou une des couleurs cendrées. Par exemple, cette lavande pâle est l'une de mes couleurs préférées absolues pour travailler avec. Je l'utilise dans presque tous les tableaux. Il est très calcaire et opaque. Eh bien, il peut ne pas couvrir complètement les lignes, vous pouvez déjà voir qu'il a une beaucoup meilleure couverture que cette peinture bleu clair. Lorsque vous envisagez de superposer votre peinture, il est particulièrement important de vous assurer que vous lissez toutes les zones de peinture ou d'eau sur votre page, afin que vous ayez une surface lisse à recouvrir. Sinon, votre peinture pourrait finir par se fissurer. Commençons maintenant à superposer nos zones de couleur plus sombres. Vous devez vous assurer que votre peinture est complètement sèche avant de commencer à superposer. Parce que la gouache acrylique ne réanime pas avec de l'eau. Mais s'il est encore humide, il va se mélanger. Prochaine étape, je vais attraper mon bleu smalt, une autre de mes peintures préférées absolues. Celui-ci est très opaque, comme vous le verrez dans une minute. C' est une couleur de milieu de gamme, ce n'est pas vraiment si sombre. Mais à cause des pigments qui composent cette peinture, elle couvrira presque tout. C' est pourquoi il est si important de faire petits exercices comme celui-ci pour vraiment comprendre la qualité de vos peintures. Chaque tube est un peu différent. Si je les regardais sur l'étagère, mon bleu outremer va ressembler à ce bleu smalt, surtout parce que les couleurs sur le tube ne sont pas tout à fait aussi précises. Mais le bleu outremer, que vous verrez dans quelques minutes, est très translucide, alors que c'est une peinture bien différente. Eh bien, vous pouvez voir le moindre soupçon de mes lignes sombres, le dos de ce tableau, il est pour la plupart opaque. Vous n'avez pas un soupçon de cette lavande pâle en dessous. Maintenant, remplissons les deux prochaines de nos couleurs plus sombres sur cette première rangée pour voir comment elles se comportent sur les couleurs plus claires de la peinture. Maintenant, je vais continuer en remplissant exactement les mêmes couleurs sur ma rangée inférieure, sauf cette fois les couleurs sombres seront derrière les couleurs claires. Maintenant que tous nos cercles sont remplis, nous pouvons vraiment voir les qualités de ces peintures et comment elles se couche. Ce premier bleu outremer est en quelque sorte opaque, mais pas super opaque. Le bleu prussien moyen, l' un de mes favoris absolus, n' est pas très opaque du tout. Vous pouvez voir directement à travers les couleurs ci-dessous, puis le bleu smalt à la toute fin est assez opaque. En opposition, nous pouvons voir que notre rangée du bas, ces couleurs claires ne se superposent pas très bien sur les couleurs sombres, vous pouvez voir à travers presque tous les détails. Vous pouvez également remarquer que lorsque vous mettez des couleurs claires sur le dessus de l'obscurité, cela amplifie la sensation de vos coups de pinceau. Tu vas avoir beaucoup plus de sketchiness. Si c'est l'effet que tu cherches, ça peut être incroyable. Mais si vous n'allez pas pour cet effet, si vous voulez des zones plates de couleur, vous devrez soit fixer plusieurs couches de peinture soit simplement planifier votre peinture de sorte que vous mettez ces couleurs claires vers le bas en premier et en laissant la zone sous eux blanc. Maintenant que nous comprenons comment superposer nos couleurs pour obtenir les effets que nous voulons, notre prochain exercice couvrira le contrôle des pinceaux pour les moments où vous avez besoin de peindre autour d'une forme au lieu de la surpasser. 15. Leçon 2 pinceau : Contrôle du pinceau: Pour cet exercice, nous allons travailler avec le même modèle que nous utilisions pour le dernier exercice. N' hésitez pas à le tracer à partir de mes modèles que j'ai fournis ou à prendre quelque chose de circulaire de votre bureau. Encore une fois, cet exercice se concentrera sur le contrôle des pinceaux , c' est-à-dire s'assurer que votre peinture atterrit exactement là où vous le souhaitez. Nous allons remplir ces formes, travailler autour des coins et des courbes. Je recommande de saisir un mélange de peintures calcaires et de peintures plus translucides afin que vous puissiez voir comment elles se comportent sur votre pinceau. Je commence par ce magenta clair, et j'utilise un pinceau de taille six avec un bon point. C' est peut-être mon meilleur conseil pour obtenir des lignes où vous les voulez en dehors de la pratique. Avoir un pinceau qui est plus récent et a une pointe pointue nette va vous donner beaucoup plus de variation dans la ligne, et cela va vous permettre d'aller droit au bord, surtout lorsque vous travaillez avec gouache acrylique parce qu'il ne réanime pas avec de l'eau. Au fur et à mesure que vos brosses vieillissent, une partie de leur gunk pourrait être coincée dans la mèche métallique de votre brosse. Cela signifie que cela ne tiendra plus un point parfait parce qu'il y aura de minuscules petits espaces entre vos poils qui vont le rendre moins qu'idéal pour travailler avec. Pas si mal si vous travaillez avec de grandes zones de couleur, mais vraiment frustrant si vous essayez d'entrer dans un minuscule petit coin. Si vos pinceaux sont assez vieux ou si vous n' avez pas les pinceaux de haute qualité que vous souhaitez parce que ce n'est pas dans votre budget. l' une des meilleures astuces à essayer est simplement passer à une brosse plus petite lorsque vous avez besoin d'entrer dans des espaces plus petits, parce que la vérité est une brosse plus petite signifie des erreurs plus petites. L' autre chose à noter ici est que je travaille avec ma gouache à un rapport un-à-un. C' est mon ratio préféré. Vous pouvez voir les coups de pinceau. C' est un peu aqueux, mais ça me donne beaucoup plus de contrôle sur ma peinture que si je travaillais avec un plus épais. Nous en avons discuté en détail dans notre dernière leçon, mais cela vaut la peine de le répéter. Avoir un peu plus d'eau dans votre peinture va vous donner plus de contrôle sur vos lignes. Maintenant, je passe à ma prochaine couleur. C' est de la pêche pâle, l' une de mes couleurs préférées pour travailler avec. Je vais essayer de peindre jusqu'à la ligne que je viens de peindre sans se chevaucher. Parce que c'est une couleur beaucoup plus claire, vous verrez immédiatement toutes les erreurs de raclette que je fais. J' essaie aussi de suivre la courbe de cette forme aussi bien que je peux. Je veux dire, en général, je peins expressivement. J' aime que mes lignes soient un peu amusantes, folles et imprévisibles, mais il y a des limites à cela. Parfois, vous avez juste besoin d'une forme pour être exactement la forme que vous avez besoin d'être, et vous devez avoir confiance que vous pouvez le faire, sorte que vous aurez du plaisir dans le processus de peinture, plutôt que de vous inquiéter à travers tout le processus de peinture. Si le contrôle des pinceaux est quelque chose qui vous rend un peu nerveux, n'hésitez pas à décomposer ces cercles en formes encore plus petites, remplissant les zones entre les cercles avec différentes couleurs. C' est un excellent exercice juste pour pratiquer et renforcer confiance lorsque vous ne travaillez pas sur un tableau dans lequel vous êtes émotionnellement investi. C' est la magie de faire de petits exercices comme ceux-ci. Au moins pour moi, quand je travaille sur un tableau réel, mon perfectionnisme passe à la vitesse supérieure. Je suis tellement inquiet de faire quelque chose de bon, que parfois je perds mon entraînement pour expérimenter. Mais en effectuant de petits exercices qui ont moins de pression, je peux acquérir des compétences fondamentales qui me serviront alors que je commencerai à peindre des choses qui me tiennent à cœur. Il peut également être intéressant de noter que la perfection est absurde, les gars ; pour de vrai. n'y a pas de telle chose. Pendant que vous travaillez sur ces expériences, vous pouvez être frustré que vos lignes ne correspondent pas exactement, ou qu'il y ait de petits espaces de lumière ou de légers morceaux de chevauchement. Je suis ici pour vous dire que c'est la beauté de la peinture, ces lignes imprévisibles, les endroits où vous pouvez voir la main de l'artiste. Comme je l'ai dit dans la première leçon, vous n'êtes pas une caméra. Vous n'êtes pas là pour recréer avec précision les choses que vous voyez. Vous êtes ici pour interpréter les choses que vous voyez à travers vos propres yeux et par votre propre main. Parfois, nous pouvons vraiment nous mettre sur nous-mêmes quand nos lignes sont tremblantes ou imprévisibles ou nous continuons à faire les mêmes erreurs encore et encore. Mais la réalité est, c'est que ces erreurs que vous seul faites maintes et maintes fois vont devenir la base de votre style personnel. Quand j'ai commencé à peindre, mon style personnel était d'utiliser beaucoup de crayons de couleur avec ma gouache, et une grande partie de cela était parce que mon contrôle de brosse n'était pas génial et je ne pouvais pas obtenir que mes zones de couleur s'alignent comme je le voulais à. J' ai utilisé des crayons de couleur pour masquer les zones où il y avait des espaces entre mes couleurs. Maintenant, même si mon contrôle de brosse s'est beaucoup amélioré après des années de peinture, j'aime toujours chercher des crayons de couleur. Ça fait partie de mon ADN maintenant. Vous remarquerez qu'avec cette couleur magenta profonde que j'ai utilisée comme mon troisième cercle, elle montre tout. C' est une autre des peintures qui contient un pigment fluorescent. Ces granulés pigmentaires fluorescents. Une des choses avec un pigment granulé est que vous voyez les coups de pinceau au maximum et il peut montrer chaque petit détail. Si je fais quelque chose de vraiment complexe ou difficile, je suis plus susceptible de prendre une peinture à la craie ou une couleur plus claire qui va cacher mes erreurs un peu plus. Je travaille maintenant avec du lilas pâle. Quelle belle couleur de lumière. Vous verrez que je me suis arrêté accidentellement dans ma couleur plus foncée un peu, mais c'est bon. Je peux juste y retourner. C' est une partie de la beauté de travailler avec de la gouache acrylique. Il y a tellement de flexibilité parce que la peinture ne réanime pas pour corriger vos erreurs. Retournez avec un pinceau plus petit si vous en avez besoin. Une chose à noter cependant est que si vous passez sur peintures très translucides avec des couches de couleur supplémentaires, vous allez perdre une partie de cette translucidité. Pour moi, j'aime travailler avec ces peintures translucides, généralement avec du blanc sous eux, sorte que vous pouvez voir toutes les belles textures et coups de pinceau. Mais plus vous ajoutez de couches de couleur, moins il est probable que vous puissiez voir toute cette belle texture. Tout au long de cet exercice, j'essaie d'alterner les zones foncées et claires de couleur, principalement pour rendre les choses plus difficiles afin que je puisse clairement voir les zones où j'ai dépassé ce que j'avais l'intention de faire. Si vous avez du mal à entrer dans une petite zone ou si vous avez du mal à suivre la forme de la courbe, parfois cela aide simplement à tourner votre page. Je ne fais pas cela ici parce que ma page est enregistrée de sorte que je ne vais pas la déplacer hors de la zone où la caméra peut la voir, mais cela peut être extrêmement utile. Nos poignets ne tournent que dans tant de directions. Parfois, il est vraiment utile d'étendre votre amplitude de mouvement simplement en tournant la page. De petites astuces comme ça peuvent être si utiles pour obtenir vos lignes où vous voulez. Je suggère aussi de tenir votre pinceau beaucoup plus lâche que moi. Je tiens le mien serré dans mon poing et cela peut rendre vraiment difficile le contrôle de ma brosse parce que je n'ai pas beaucoup d'amplitude de mouvement dans ma main et mon poignet alors. Une adhérence plus lâche vous donnera beaucoup plus de fluidité à vos courbes. Comme je finis cette première rangée, je vais juste prendre quelques couleurs de plus et commencer sur la deuxième rangée. Dans la deuxième rangée, je vais laisser des espaces blancs entre chaque cercle au lieu de remplir ces zones, pour me donner plus de coins et de courbes pour travailler. On est tous finis. Vous remarquerez qu'à un moment donné, j'ai corrigé mon vert éclatant profond avec du blanc titane. C' est l'une des merveilles de la gouache acrylique. Parce qu'il est opaque, vous pouvez entrer et couvrir de petites erreurs. Vous remarquerez qu'aucun de ces cercles n'est parfait. Ils sont tous un peu vacillants et expressifs, et c'est bon. Votre peinture n'a pas besoin d'être parfaite. Maintenant que nous avons couvert tous les principes fondamentaux de la superposition et du contrôle des pinceaux, passons à notre deuxième projet, un arrangement floral nature morte. 16. Projet 2 : Esquisse: Pour ce projet, je vais travailler avec un morceau carré de 9 pouces de papier aquarelle. C' est juste parce que j'adore travailler dans un format carré. Je ne sais pas pourquoi, mais je trouve ça super satisfaisant. N' hésitez pas à travailler avec votre papier à la taille qui vous convient le mieux. Je fais une bordure d'un pouce autour du bord de ma page pour créer un contour net et propre et pour m'assurer que mon travail est centré. Pendant que je fais ça, j'ai l'impression d'avoir une confession à faire. Peindre des fleurs me stresse. Je pense que c'est le perfectionniste en moi. Quelque chose à propos de toutes ces couches, volants et pétales me donne immédiatement des palpitations cardiaques. Si c'est le cas pour vous aussi, ne vous inquiétez pas, nous allons faire quelque chose de génial. La première partie de la création d'une nature morte florale est d'obtenir vos fleurs et de les organiser. Vous pouvez les organiser aussi simplement ou aussi fantaisiste que vous le souhaitez. Les fleurs de l'épicerie sont bien, ou vous pouvez vous offrir quelque chose d'un peu spécial. divulgation complète, j'ai utilisé des fleurs d'épicerie la première fois que j'ai tourné ça, et ensuite j'ai dû le refilmer, alors je me suis traité avec ces petits buggers fantaisistes. Ma première étape est d'arranger les fleurs. J' aime garder ça simple. J' ai commencé avec ce grand vieux hortensia. Je l'ai eu parce que c'était super bon marché et je savais qu'il remplirait tous les espaces vides dans mon arrangement. Puis j'ai commencé avec mes petites protéas fantaisistes. suite, je viens de remplir les espaces restants avec ces petites fleurs de camomille et les morceaux verdoyants que je ne pouvais pas laisser au magasin. Quand je faisais des croquis de fleurs, j'avais l'habitude de faire des croquis très précis , laborieux et longs pour obtenir chaque détail juste. J' ai réalisé après un certain temps qu'en faisant cela, je me préparais à l'échec. J' adore les fleurs lâches et expressives, mais avec ce croquis précis, j'étais un peu piégé. J' ai donc commencé à créer moins d'une esquisse et plus d'une carte. Mon intention n'est pas de capturer la personnalité de l'une des fleurs quand je les dessine. Je veux juste avoir une bonne compréhension de l'endroit où chaque fleur va se trouver dans ma peinture et où sera mon point focal. Le blocage de ma peinture de cette façon m'aidera à voir à quoi ressemblera la peinture finie et à résoudre les problèmes avec ma composition avant de commencer à peindre. Dans ce cas, cette composition est un peu déséquilibrée à cause de cette grande hortensia. Donc j'ai pris une des tristes petites feuilles de mon hortensia, et je vais juste la mettre de l'autre côté de ma peinture. C' est un peu flétri maintenant, mais c'est bon. Dans l'ensemble, ce croquis m'a pris moins de 10 minutes, surtout juste pour peaufiner la forme de ma cruche parce que je pensais que je voulais que ça soit joli, net et clair parce que franchement, je suis amoureux de cette cruche. Vous remarquerez que je n'ai même pas dessiné la forme de mes petites fleurs de camomille, j'ai juste mis un tas de milieues. Maintenant que nous avons un croquis fini, transférons notre croquis sur du papier aquarelle et obtenons de la peinture. 17. Projet 2 : Peinture: J' ai transféré mon croquis et mon papier collé prêt à peindre. Maintenant, je vais choisir des couleurs. Parfois, je vais le faire avec des échantillons, et parfois je vais le faire en saisissant certains de mes tubes de peinture préférés. Je passe juste à travers mes tubes de gouache saisissant toutes les couleurs que je pense marcherais très bien avec les couleurs de mon arrangement floral. Si jaune pour le milieu de mes fleurs de camomille, quelques verts pour mes feuilles, roses brillantes et des roses plus douces pour mon hortensia et ces petites fleurs de protéa folles. Je suis sûr que vous êtes absolument conscient de cela, mais au cas où vous auriez oublié, vous n'avez pas à utiliser les couleurs que vous voyez dans votre arrangement. Surtout si vous utilisez des fleurs d'épicerie, les couleurs que vous voyez peuvent ne pas être les couleurs que vous aimez utiliser, mais c'est bon. Dans ce cas, utilisez les couleurs que vous aimez, et utilisez votre arrangement floral physique réel comme un guide pour déterminer où différentes valeurs se trouveront dans votre peinture. Ce sera un guide incroyable sur l'endroit où vos ombres frappent, où différentes valeurs contrastées sont assis, et comment les différentes fleurs jouent les unes des autres, même si vous jouez avec toutes les différentes couleurs que votre cœur désire. Vous n'avez pas non plus à choisir toutes les couleurs que vous allez utiliser dans votre peinture avant de commencer. Mais pour moi, je trouve qu'il est vraiment utile d'avoir une feuille de route des couleurs que j'ai l'intention d'atteindre afin avoir moins de choix à faire pendant que je peins. Parce que je suis un perfectionniste, je peux être facilement découragé. Si je laisse trop de décisions à prendre pendant que je suis au milieu de la peinture, eh bien, alors je finis par être un peu fâché et probablement je ne vais pas faire mon meilleur travail ou je vais arrêter. Donc, en prenant soin de ces décisions avant d'ouvrir un tube a de peinture, je me prépare à un peu plus de succès. Je ne suis pas sûr à 100% de cette décision, mais je pense que je vais faire mon expérience dans la ligne pâle. Je pense qu'il va complimenter les couleurs fraîches mes protéas et il va créer une belle toile de fond pour ces choses ondulées, tortueuses, petites, vertes. Cela dit, c'est aussi une couleur très pâle. Donc, si plus tard j'ai décidé que je déteste ça, eh bien, je peux juste peindre dessus. Je n'ai pas l'intention de mélanger des couleurs de peinture fantaisie pour cette peinture. J' ai l'intention d'utiliser toute ma peinture à la sortie du tube. De cette façon, je n'ai pas à me soucier de quoi que ce soit d' autre que de me concentrer sur la superposition et l'opacité de ma peinture. Se donner des limites comme celle-ci est un excellent moyen de se concentrer sur les fondamentaux. Je commence par mon arrière-plan, comme je le fais avec chaque peinture, avec ma peinture diluée à 50 pour cent de peinture et 50 pour cent d'eau. Maintenant, vous pourriez demander, avec ces morceaux lâches, tortueux, verts, Lana, comment allez-vous décider où peindre, vous ne les avez même pas esquissés ? La réponse est, je vais juste peindre près de ceux que possible parce que j'adore quand des morceaux de papier blanc jettent un coup d'oeil et quand vous allez voir des morceaux de fond autour de ces vraiment lâches, gestuelles... à la recherche de morceaux de feuillage. Comme mon fond est léger, je n'ai pas à m'inquiéter de peindre ce feuillage au-dessus de lui. Ça va se montrer très bien parce que j'utiliserai une couleur vert plus foncé. Si vous utilisez un fond plus sombre, vous pouvez considérer cela avec n'importe quel feuillage lâche que vous avez , car il peut être plus difficile d'obtenir des lignes nettes , nettes, et une couleur plus claire sur un fond sombre. Dans ces cas, je laisserais ces zones vides. Peindre autour d'eux. Ensuite, vous pouvez les remplir plus tard dans la couleur plus claire que vous voulez, une grande chance de pratiquer le contrôle de votre brosse. Je suis allé assez profondément dans mon arrangement avec ma couleur de fond. C' est parce que je veux utiliser de la peinture blanche sur ce fond pour créer mes fleurs de camomille. J' espère que le contraste entre cette lime pâle et la peinture blanche sera assez de contraste pour faire éclater ces fleurs. Maintenant, si c'était une peinture de fantaisie, c'est une commission client, j'aurais probablement testé ça en premier. Mais, dans ce cas, je suis prêt à prendre un risque et à expérimenter un peu. Rien ne sera blessé sauf peut-être mon ego si ça ne marche pas. Maintenant, je vais juste remplir quelques zones de plus et ensuite commencer sur la moitié inférieure de ma peinture. Je vais accélérer un peu les choses pour qu'on puisse arriver aux bonnes choses. J' ai choisi une couleur brune assez neutre pour cela, mais je suis l'arroser un peu pour que je reçoive une dimension marquée dans la couleur. Puisque ma cruche est blanche, j'essaie d'être assez prudent autour de ces bords afin que je puisse peindre dans cette zone avec la couleur blanche croustillante plus tard sans avoir à faire trop de superposition sur ce brun foncé. Cette couleur ambre brute est la première couleur translucide que vous m'avez vu utilisée sur un fond. J' aime absolument quand je peux voir des coups de pinceau, différentes dimensions et textures dans le travail que je fais. Mais si ce n'est pas votre tasse de thé, vous voulez probablement éviter d'utiliser ces couleurs translucides dans de grandes zones pour colorer parce que, comme vous pouvez le voir, vous allez obtenir des zones plus claires et des zones sombres contrairement à vous faire avec une peinture plus craie. Vous pouvez également ajouter un peu de blanc ou une autre couleur craie à cette peinture pour la rendre plus opaque. Mais, bien sûr, cela va changer la couleur. Maintenant, je vais peindre cette cruche. Parce que les fleurs et toutes les choses dans la base vont chevaucher la cruche, j'ai pensé que ce serait une bonne idée de commencer par la cruche. De cette façon, je n'ai pas besoin d'être aussi précis sur mon chemin autour de ces feuilles qui chevauchent la cruche. Puisque je peins le jog dans cette couleur ivoire pâle, peu près tout ce que je peins dessus va apparaître très bien. Alors que je commence à peindre cette cruche, je me rends compte que la couleur ivoire pâle que j'utilise pour peindre la cruche est en fait assez similaire à ma couleur de fond. Je ne suis pas sûr que ce soit ce que je vais vouloir. Je vais juste garder un oeil sur ça pendant que je continue à peindre. Maintenant, je vais aller avec un vert de milieu de gamme pour commencer avec ces morceaux de feuilles vertes que je ne pouvais pas supporter de laisser au magasin de fleurs. Ils sont à l'arrière de cet arrangement, donc tout le reste va les chevaucher. C' est pourquoi je les peins d'abord pour que tout le reste de la peinture les chevauche. Voici aussi un conseil pro que je m'oublie à peu près perpétuellement. Si vous êtes droitier, commencez sur le côté gauche de votre peinture et travaillez vers la droite afin que vous ne lissiez votre main à travers les détails que vous venez de peindre. De la même manière, si vous êtes gaucher, commencez par le côté opposé, sorte que vous pouvez passer votre chemin à travers et vous n'avez pas à vous soucier de mettre votre main sur la page. Vous pouvez également utiliser un sèche-cheveux à tout moment pour sécher les choses. En général, la gouache acrylique sèche très rapidement, surtout si vous êtes dans un climat sec. Mais si vous sautez autour de votre peinture avec de petits détails, il ne sera pas sec avant de vous déplacer parce que vous allez littéralement d'une chose à l'autre. Dans ces cas, il suffit de planifier où vous allez peindre avant de commencer ou d' avoir un sèche-cheveux à portée de main pour sécher les choses afin que vous puissiez continuer à progresser. Je vais prendre un plus gros pinceau et remplir ces grandes feuilles expressives. Je sais que je vais leur ajouter plus de détails plus tard, mais pour l'instant, je veux juste qu'ils soient une zone de base de couleur. J' aime passer la première partie de mes peintures juste remplir chaque zone avec de la couleur. Je n'aime pas ajouter trop de détails trop tôt. Parfois, quand nous abordons les détails tout de suite sur nos peintures, cela peut nous distraire des choses de composition plus grandes qui se passent dans notre peinture. Y a-t-il assez de contraste ? Comment votre regard est-il attiré sur la scène ? Toutes ces choses qui rendront votre peinture plus réussie. Si j'ai commencé avec tous les petits détails tout de suite et que je me suis rendu compte que j'ai un problème avec la composition, je vais me sentir beaucoup plus mal à l'aise que je ne le ferais autrement. Maintenant, je vais entrer et ajouter de minuscules tiges de mes fleurs de camomille. Tout comme avec mes morceaux verdoyants verts, ces fleurs de camomille vont s'asseoir sur leurs tiges, donc je dois les ajouter d'abord. Parce que je veux garder ce tableau très lâche, je ne fais pas trop attention à chaque petit détail. Je rassemble juste quelques petites pièces et je les ajoute à ma peinture, puis je vérifie avec une composition pendant que je travaille. J' essaie de ne pas chevaucher mon hortensia parce qu'il n'est pas encore peint et que ça va être plus pop de la plupart de ces petites tiges. Si j'ai besoin d'ajouter plus de tiges plus tard, ce sera tout à fait bien. Une fois toutes ces tiges en place, je vais passer à la peinture de mon hortensia. C' est un grand, forme rugueuse, mais il est surtout solide. Je vais juste le peindre avec une couleur claire et solide. Je veux peindre ceci avant de peindre mes fleurs de camomille parce que tout comme avec le fond, j'espère superposer les fleurs de camomille blanches sur les parties de cette fleur. Vous remarquerez qu'il n'y a pas beaucoup de contraste entre cette fleur et ma cruche et mon arrière-plan, et c'est bon parce que je vais y aller et ajouter plus d'ombrage au fur et à mesure que je passe. Je commence à travailler sur mes fleurs de camomille. Je veux utiliser ma peinture très épaisse pour cela, parce que je cherche à la voir apparaître sur ce fond plus pâle, donc elle doit être complètement opaque. Je ne veux pas voir le papier ou la couleur en dessous. Je trouve ça un peu difficile de m'assurer que j'ai cet effet. Donc, en fait, je vais juste peindre une nuance pour tester les effets de ma peinture pour être sûr que j'obtiens le bon effet pour ce que je cherche. Assurez-vous de sécher votre peinture avant de superposer d'autres couleurs sur le dessus. Pour ça, j'ai finalement attrapé mon sèche-cheveux parce que je suis impatient aussi. Mais vous ne pouvez pas superposer de peinture sur la peinture humide. Donc c'était juste inévitable que je prenais ça. C' est l'un de mes meilleurs conseils pour obtenir les effets que vous voulez dans vos tableaux. Parfois, vous atteignez un point où vous voulez essayer quelque chose, mais vous n'êtes vraiment pas sûr si cela fonctionnera et vous ne voulez pas créer couche après couche d'erreurs. Dans ce cas, je prends juste un petit morceau de papier aquarelle, c'est en fait le même papier que j'utilise pour mes échantillons, et ensuite je vais tester là-bas. Dans ce cas, j'ai testé mon blanc de titane, mais il n'apparaît pas. En fait, j'ai un autre blanc du [inaudible] de Turner et je vais essayer ça. C' est beaucoup plus gros, donc je dois le tourbillonner beaucoup plus, mais ça semble donner les effets que je veux. Maintenant, je vais aller avec cette peinture et beaucoup plus de confiance. Comme avec les tiges, je ne suis pas super littéral avec l'endroit où je place ces fleurs. J' essaye de le garder libre et expressif et suivre ce que la composition de la peinture exige au lieu de ce à quoi ressemble mon arrangement floral. Une fois que j'aurai fini tous mes petits pétales blancs, je vais y retourner avec des milieues jaunes. Une chose que je remarque maintenant est qu'il n'y a peut-être pas assez de contraste entre mes fleurs blanches et mon arrière-plan, mais c'est bon. Je peux toujours y aller plus tard et ajouter de l'ombrage pour créer plus de contraste. Maintenant pour mes milieues jaunes. J' utilise juste un jaune moutarde pour cette partie du processus parce que je pense qu'il ira si merveilleusement avec le milieu de mes fleurs. Puisque j'ai été très expressif dans le placement de mes fleurs, je peux aussi être très expressif dans le placement de ces petits points centraux pour mes fleurs. J' utilise un petit pinceau, mais je pourrais facilement aller avec un pinceau plus gros si je voulais quelque chose d' encore plus funky et dynamique. Je surveille de près mon arrangement pour savoir à quel point espacer ces points centraux et où les placer. Mais cela étant dit, je ne m'inquiète pas trop s'il y a du blanc derrière eux ou exactement où ils sont allongés sur la page, parce que je peux toujours revenir plus tard une fois qu'ils ont séché et ajouter plus de pétales pour créer un peu plus d'une sensation de fleur. L' autre chose à considérer est qu'avec une petite fleur comme celle-ci avec un centre rond défini, certains d'entre eux vont être orientés vers l'avant donc ils seront des cercles, mais d'autres vont être de leur côté ou retourné à l'envers, tout de quelle façon. Il est donc génial d'ajouter différentes formes pour donner l'impression d'un enchevêtrement de belles fleurs minuscules. J' ai eu une idée pour ajouter plus de profondeur et de dimension à ces fleurs, donc je vais juste la tester à nouveau sur mon petit morceau de papier. De cette façon, je ne fais rien de difficile à défaire sur mon papier avant de savoir que ça marchera. Je n'aimais pas l'effet. Je vais juste y aller avec quelques couches de pétales blancs pour faire éclater ces petites fleurs. Une fois que j'aurai fini d'ajouter cette couche supplémentaire de blanc, je repasserai à mon hortensia pour commencer à ajouter plus de détails pour la donner vie et la différencier de l'arrière-plan. J' utilise cette peinture rouge, très diluée, parce que je veux créer une zone de couleur très douce et j'espère qu'elle granulera un peu trop. J' utilise aussi un énorme pinceau. Vous remarquerez que j'utilise mon essuie-tout pour contrôler la quantité d'eau qui est sur mon pinceau, alors que je fais mon chemin dans cette zone. Maintenant, ces fleurs d'hortensia ne ressemblent pas à ça dans la vraie vie. Mais je m'amuse à jouer avec différentes façons de faire de la texture et j'adore ça. Maintenant, je pense que je vais passer à mes fleurs de protéa très fantastiques. Ce sera le point central de ce tableau. Je vais commencer par le vert, parce qu'ils ont beaucoup de vert funky en eux, ainsi que le rose et le rouge, toutes sortes d'autres tons magnifiques. Je vais encore utiliser un pinceau plus gros pour créer de grandes marques picturales, pour créer les formes de ces fleurs. Je n'essaie pas d'obtenir la forme exacte et précise des pétales, j'essaie juste de fixer la couleur là où je vois la couleur dans mon arrangement. Je vais passer en revue ces parties plus tard avec un travail de ligne et des détails plus précis , donc je n'ai pas besoin de me concentrer trop sur cela maintenant. Je cherche juste à obtenir les couleurs où elles vont. Donc les formes vertes où elles sont. Je cherche les fleurs proches qui ont un peu de forme différente des autres, et je suis juste en train de rincer où chaque chose sera. Puisque ces fleurs ont beaucoup de couleur rose et verte superposée, je vais les alterner pendant que je peins, comme je les vois dans la peinture. Puisque le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires, je m'assure de sécher ma peinture avant de superposer ces couleurs les unes sur les autres. Sinon, ils pourraient finir dans un désordre boueux. Tant que les deux couches sont sèches, elles créeront des couleurs distinctes. Mais s'ils sont encore mouillés, ils vont fumer ensemble. Lorsque je reviens avec de la peinture, je teste parfois juste pour m'assurer que j'ai le bon rapport entre la peinture et l' eau sur mon pinceau avant de m'engager sur le papier. Cela dit, je travaille super lâche ici. En regardant ça, vous pourriez être comme  : « Hé, madame, ça ne ressemble pas du tout à l'arrangement. » Franchement, pendant que je peins, c'est ce que je pense aussi. Mais je fais juste confiance ; faire confiance à mes yeux, faire confiance à ma main, confier que si je continue à imiter ce que je vois, ajouter des ombres là où il y a des ombres, des points forts, où il y a des points forts, il finira par se réunir. Je reviens juste sur mon hortensia parce que je veux qu'il ait un peu plus de profondeur. Pour être honnête, en tant que future Elena regardant ça, je dis : « Passe Elena, arrête. Arrêtez s'il vous plaît C'était probablement très bien comme c'était le cas », mais c'est bon. Parfois, vous allez surmenage une partie de votre peinture et c'est juste inévitable. Surtout quand vous commencez à commencer ou si vous êtes comme moi, vous pourriez avoir du mal à laisser assez bien seul, et à croire que ces marques lâches que vous avez faites traduire comme la chose que vous essayez de peindre. Donc, vous pourriez finir par entrer et ajouter beaucoup plus de détails que vous n'avez besoin. C' est certainement ce que je vais faire ici. J' y vais et j'ajoute plus de détails à cette hortensia. Mais le problème est, c'est que plus j'ajoute de détails, plus il attire l'attention. Eh bien, ce n'est pas objectivement mauvais. Je ne veux pas que cette hortensia soit la pièce maîtresse de ce tableau. Ce n'est pas là où je veux que les yeux de mes téléspectateurs aillent. Donc en ajoutant autant de détails, je ne fais pas ce que je veux avec cette peinture. Vous trouverez peut-être que vous atteignez cette étape de votre peinture, où vous êtes juste aveuglément à tâtons pour obtenir les effets que vous voulez. Franchement, je suggère de faire une pause ou de passer à une autre partie de votre peinture et d'y revenir plus tard. C'est ce que je fais. Je suis retourné à mes fleurs protéa où je veux mettre la plupart de mes détails. Cette grande fleur de protéa au milieu est là où je veux que l'œil aille dans ma peinture. Je veux ajouter beaucoup de détails succulents à cet endroit afin qu'il capte l'attention de mon spectateur. Pour ce faire, j'ajouterai beaucoup de couches de peinture, des couleurs plus claires et plus foncées. Mais pour l'instant, je vais juste attendre que ça sèche et passer à d'autres zones de ma peinture. La partie centrale d'une peinture, il peut être difficile de décider ce qui nécessite votre attention ensuite. Mais dans les sages mots de la belle Dylan M, j'aime toujours me concentrer sur ce qui semble le plus mal. Pour moi, en ce moment, ce sont ces fleurs. Je ne pense pas qu'ils aient assez de contraste entre eux et l'arrière-plan. Donc, je viens avec une couleur plus foncée pour ajouter plus de définition aux fleurs afin que vous puissiez les voir et ils auront leur propre petite personnalité étincelante. Mon plan n'est pas d'avoir ces contours vert foncé visibles, mon plan est d'y retourner avec du blanc pour qu'il y ait juste un soupçon d'ombre sur les bords des pétales de ces fleurs. Une fois que j'ai peint quelques feuilles sporadiques autour de mon tableau, je reviens à ma fleur protéa. J' aime passer d'avant en arrière entre les zones de ma peinture car les choses se dessèchent pour que je puisse garder un mouvement constant. De la même manière, cela m'aide à ne pas être trop précieux pour un seul domaine sur lequel je travaille. C' est comme faire une pause pour vos yeux et se concentrer sur une petite chose très détaillée. Je veux juste m'assurer que ma protéa est absolument sèche avant d'entrer pour ajouter plus de couleur sur le dessus afin que les couleurs ne saignent pas ensemble. Cette fois, je viens avec une couleur plus foncée pour commencer à ombrage. Ensuite, je vais continuer à calquer la couleur sur couleur jusqu'à ce qu'elle commence à ressembler à la fleur que je vois avant moi. Je pense que c'est presque là. Il attire définitivement l'œil avec cette grande fleur centrale. J' ajoute juste quelques détails blancs pour vraiment le donner vie. Tout au long de ce processus, j'ai utilisé une série de couleurs différentes, y compris le rouge de vin, celui de haricots entiers, j'ai utilisé le brun rougeâtre japonais, j'ai utilisé une partie de la lime pâle que j'ai utilisée en arrière-plan, ainsi qu'une couleur pêche pâle. En superposant ces couleurs à différentes opacités de peinture, j'ai créé tellement plus de couleurs que je pourrais avoir si j'essayais de mélanger chaque couleur à partir de zéro. Maintenant, je vais entrer avec un vert foncé et profond sur mes feuilles pour leur donner plus de contraste. Puisque je veux que cet arrangement soit lâche et expressif, je ne vais pas entrer et ajouter une tonne de détails à ces feuilles, surtout parce que je ne veux pas que les feuilles soient le point focal. Mais je vais utiliser une ligne expressive pour les faire ressembler un peu plus à la vraie vie. Même si ces feuilles d'hortensia ont des tonnes de petites veines sur leur surface sombre, j'utilise en fait un peu d'un pinceau plus grand afin que je ne sois pas trop précieux et pris dans les détails. J' utilise aussi ma peinture plutôt épaisse et sèche. De cette façon, je peux avoir des effets de brossage à sec. Maintenant, je vais continuer à ajouter des couches de couleur et de détails pour terminer ce tableau. Je suis juste en train d' ajouter quelques détails finaux, peu de texture et un peu d'ombrage, et de boucher autour du crayon de couleur parce que je ne peux m'empêcher. Je l'ai si bien fait jusqu'à présent, mais je pense juste que ceux-ci ont besoin d'un peu plus de définition. Tu pourrais absolument le faire à la gouache, mais j'adore gribouiller avec le crayon. Maintenant, je crois que j'appelle ça fait. Dans l'ensemble, cette pièce m'a pris environ deux heures, même si elle est assez rapide sur cette vidéo, alors ne désespérez pas si vous avez l'impression que votre peinture prend un peu plus de temps que ce que vous aviez prévu. Maintenant, passons à notre prochaine leçon sur la couleur. 18. Leçon 3 : Mélange intuitif: Bonjour, et bienvenue à notre troisième et dernière leçon. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur le mélange de couleurs, abord intuitivement sur la page, puis en créant des ressources comme un graphique de mixage afin que vous puissiez mélanger en toute confiance les couleurs que vous voulez. Eh bien, j'ai tracé une petite grille et ce modèle est disponible dans la section Ressources de classe. Vous pouvez absolument simplement faire ce style lâche et gratuit sur votre papier. Je voulais juste ajouter une petite structure pour cette vidéo afin qu'elle soit facile à suivre avec ce que je fais. J' ai sélectionné quatre couleurs pour leurs propriétés spécifiques afin que je puisse vous montrer différentes qualités de la peinture. Mais n'hésitez pas à choisir n'importe quel nombre de couleurs, toutes les couleurs que vous aimez faire cet exercice. Je vais commencer par ce bleu clair. C' est une couleur plus craie avec un peu de translucidité. Je vais commencer par juste mettre un peu de ce bleu clair le long mon côté et l'étiqueter pour me rappeler de quelle couleur j'ai utilisé. Ensuite, je vais commencer par éclaircir la couleur avec du blanc et assombrir la couleur avec du noir. Pour être honnête, je n'utilise pas beaucoup de noir dans mes tableaux, donc tout au long de cet exercice de mixage intuitif, je vais aussi essayer d'autres couleurs sombres pour diminuer la valeur des couleurs avec lesquelles je travaille. Alors que nous travaillons à travers ce processus, nous ne cherchons pas un résultat particulier. Comme je mélange les couleurs, je ne cherche pas seulement la bonne couleur pâle. C' est la technique que nous utiliserons plus tard dans notre tableau de mixage. Je cherche juste un changement de couleur. Est-ce différent de la peinture directement du tube ? Qu' est-ce que ça peut me dire sur le type de pigments avec lesquels je travaille ? Maintenant, nous allons passer à assombrir la couleur avec du noir. Une chose à propos de l'utilisation des blancs et des noirs pour assombrir et éclairer nos couleurs est que, une chose qu'ils font est qu'ils réduisent la saturation de notre couleur, surtout quand vous êtes assombrir avec du noir, peut être un excellent moyen de griser votre couleurs, mais il peut aussi laisser vos peintures se sentir un peu plat. L' autre chose à considérer est que parce que le noir est si fortement pigmenté, vous avez seulement besoin de la plus petite quantité pour obtenir un changement de couleur. Je vais aussi essayer d'assombrir ce bleu avec mon bleu prussien pour voir si ça me donne une couleur plus dynamique. C' est une expérience amusante et désordonnée. Je vais juste inclure toutes les différentes splotches et expériences avec chaque type de couleur sur ma page. Je ne vais pas m'inquiéter de savoir si ces couleurs vont ensemble parce qu'il y a en fait une certaine magie qui se produit quand vous mélangez tous de la même couleur de base. Il crée une palette cohésive même si vous mélangez dans un tas de couleurs différentes. Cela peut être un excellent moyen de donner à vos peintures l'impression qu'elles vont ensemble. Maintenant, je vais commencer à mélanger différentes couleurs primaires avec mon bleu pour voir comment ils se comportent. Ce sont en fait des couleurs primaires. J' utilise une moutarde et du vermillon, qui est un peu jaune et un peu rouge, et c'est bon. Vous n'avez pas besoin d'utiliser des primaires pures pour cela parce que vous apprenez simplement sur les pigments de votre peinture. Tout comme avec le blanc et le noir, je suis juste en train d'ajouter différentes quantités de couleur moutarde à cette première boîte afin de voir comment ma peinture se comporte. Je vais continuer ça dans la boîte suivante avec ma peinture vermillon. Cela vous donne une excellente idée des types de verts et des types de violets que je peux faire avec ce bleu qui aura l'air cohésif dans mon palais. Il est également intéressant de noter que les couleurs comme le rouge et vert sont généralement très pigmentées. Vous n'avez donc besoin que d'un peu d'entre eux pour créer un changement de couleur. Dans le sens inverse, les couleurs comme le jaune sont souvent beaucoup plus muettes et vous pourriez avoir besoin d'un plus grand nombre d'entre elles pour voir un changement de couleur fur et à mesure que vous travaillez à travers ces expériences. Dans ces deux dernières boîtes, je vais mélanger mon bleu avec sa couleur complémentaire, orange, pour créer une couleur brisée ou marron. Alors je vais le griser pour voir quelles tonnes de gris on peut obtenir de ce bleu. D' abord, orange. J' ai choisi une jolie orange pure ici. Mais il y a quelques facteurs différents qui entrent dans cela, saturation de la peinture, l'opacité. Je vais juste continuer à ajouter des quantités croissantes de ce ton pour voir les différents types de brun que je peux obtenir. Vous remarquerez que ça commence un peu gris parce qu'il y a en fait du blanc dans cet avion bleu clair. Mais à mesure que j'ajoute plus d'orange, il se transforme en un bleu plus chaud, orange, marron, ce qui peut être parfait pour créer des tons neutres complémentaires dans vos tableaux. De la même manière, créer un pâturage à partir des couleurs que vous utilisez plutôt que d'utiliser un gris neutre peut rendre votre peinture plus dynamique. Pour créer du gris, tout ce que vous avez à faire est d'ajouter du blanc et du noir à la couleur que vous utilisez. Vous pouvez continuer à ajouter du blanc et du noir pour réduire la saturation et aussi pour obtenir différentes valeurs dans votre gris. Maintenant, je vais répéter exactement le même processus pour chaque couleur différente. Je vais faire quatre couleurs différentes. Je vais l'éclaircir, l'assombrir, ajouter des couleurs primaires, puis passer à la couleur contrastée et le gris. Une note rapide, lorsque vous travaillez avec des couleurs secondaires, c'est-à-dire vert, violet et orange, les couleurs primaires que nous utiliserons sont celles qui n'est pas sa couleur contrastée. Maintenant, allons-y. Bien. On y va. Tous finis. Je vais enlever ma cassette pour vous montrer ce qui s'est passé ici. Vous remarquerez, même de cette vue lointaine, que certaines couleurs ont beaucoup plus de translucidité, vous pouvez voir leurs coups de pinceau. Vous remarquerez aussi que j'ai changé cette orange pour ramassé, parce que je me suis souvenu que je voulais vous montrer quelque chose de particulier sur la peinture jaune. Autrement dit, vous ne pouvez pas vraiment l'assombrir avec du noir, il finit par ressembler à un désordre boueux parce que la plupart des noirs sont à base de bleu donc ils finissent par tourner votre peinture jaune foncé vert. Tu dois utiliser un brun foncé pour ça. L' autre chose sur laquelle je voulais attirer l'attention est que, avec la plupart des couleurs, lorsque vous ajoutez un pigment secondaire, vous obtiendrez une couleur moins saturée. C' est souvent pourquoi il est préférable d'utiliser des couleurs primaires et secondaires directement du tube, vrais grains au lieu de verts mixtes. Mais quand vous travaillez avec quelque chose comme ça, violette rouge avec un pigment fluorescent, c'est quand vos couleurs peuvent devenir plus brillantes quand vous les ajoutez ensemble, parce que ce pigment fluorescent fait fou choses quand vous le mélangez avec d'autres couleurs. C' est une de mes qualités préférées de jouer avec nous et de peindre. Mais il est important de se rappeler que ces pigments fluorescents ne sont pas rapides à la lumière, qu'ils s'estompent et qu'ils s'estompent rapidement. L' autre chose sur laquelle je voulais attirer une attention particulière est la façon dont les couleurs opaques et les couleurs translucides interagissent lorsque vous les mélangez. Lorsque vous mélangez une couleur opaque avec une autre couleur opaque, il est évidemment toujours opaque. Mais quand vous mélangez une couleur opaque avec quelque chose de translucide, cela va vous donner des coups de pinceau et granulation et beaucoup plus de texture que vous n'auriez eu autrement. Des exercices comme celui-ci sont également un excellent moyen de découvrir les nuances de votre peinture et de trouver des mélanges que vous aimez vraiment. Vous verrez que quand on mélange le bleu clair et la moutarde, on a eu de jolis verts bleus et des verts chauds. Mais quand on mélange le bleu avec cette peinture ultramarine, ça a fini par paraître plutôt grossier. Je suis sûr qu'il y a une situation dans laquelle cette peinture serait magnifique. Mais seul, c' est une jolie couleur buffy. Maintenant que nous avons joué avec le mélange sur la page et le mélange intuitif des couleurs, passons à la peinture dans le tableau de mixage, une ressource merveilleuse que nous pouvons utiliser pour les années à venir pour obtenir la couleur exacte que nous voulons lorsque nous peignons. 19. Leçon 3 : Tableau de mélange des couleurs: Un tableau de mélange de couleurs fait un merveilleux projet de week-end ou si vous êtes comme moi, absurde, un mois d'efforts pour terminer un tableau de mixage qui est plus grand qu'il n'avait jamais eu besoin de l'être. J' ai appris ma méthode pour faire des graphiques de mixage de la belle Dylan M. C'est simple et il va vraiment ouvrir votre relation avec couleur pour vous donner la confiance que vous mélangez les couleurs que vous voulez. Ce processus est très simple. Nous commençons simplement par sélectionner les couleurs que nous voulons utiliser. Quand j'ai fait mon premier tableau de mixage, j'ai utilisé tous les tubes de Gouache que je possédais, et j'ai beaucoup de tubes de Gouache. Vous n'avez pas besoin de faire un tableau de mixage avec 60 couleurs différentes de Gouache pour avoir une compréhension approfondie de votre peinture. Ici, je vais utiliser seulement 15 couleurs, et je vais commencer par écrire les noms de chaque couleur le long du côté gauche de ma page. Bien que vous n'ayez absolument pas à les faire dans n'importe quel ordre de couleur, cela peut vous aider à reconnaître les changements subtils et les changements dans les couleurs. Alors j'essaie toujours de suivre l'arc-en-ciel. ROYGBIV. Rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet. Alors je ferai mes Noirs et Blancs à la toute fin. Parfois, j'inclus mon brun à côté de mon jaune, mais cette fois je voulais un arc-en-ciel clair. Alors j'ai mis mon brun à la fin, à côté du noir. Dès que j'en aurai fini, je commencerai sur ma première rangée. Vin rouge. Le but du tableau de mixage est de voir des variations subtiles de couleur que vous pouvez obtenir lorsque vous mélangez deux peintures différentes ensemble. Je trouve cela particulièrement utile dans le travail avec la gouache acrylique parce que contrairement à l'aquarelle, il ne se réanime pas donc je peux juste bouger autour d'ajouter de la couleur jusqu'à ce que j'obtienne le ton que je veux. Je veux être assez certain de la couleur pour ne pas mélanger une tonne de peinture et créer un gaspillage. Je commence par remplir juste ce vin rouge brut non mélangé à côté et le long du dessus. Maintenant, je vais faire la même chose avec ma prochaine couleur, le rouge pur. Je vais le faire pour chaque couleur au début de chaque ligne et colonne afin que je sache à quoi ressemble la couleur non mélangée. Maintenant, on va commencer à mélanger. Je mélange juste une petite quantité de mon rouge de vin avec ce rouge pur pour obtenir un changement de couleur. Nous allons laisser un espace vide où le vin rouge croise avec le vin rouge et remplir notre couleur mixte dans la première rangée, mais sous ce carré rouge pur, parce que cette couleur est un mélange de vin rouge et rouge pur. Ensuite, nous ajouterons plus de la peinture rouge pur pour un autre subtil changement de couleur et remplissons cela dans la rangée à côté de notre rouge pur. En général, pour cette première rangée, je cherche à m'assurer que toutes mes couleurs le long du haut ont un rouge de vin comme couleur dominante, puis toutes mes couleurs qui descendent la longueur de la page, je veux faire sûr que la couleur secondaire est la couleur dominante. Cela me donnera une merveilleuse idée de tous les différents tons que je peux sortir de ces deux tubes de peinture. Vous pouvez trouver un peu difficile d'obtenir un changement de couleur entre deux couleurs aussi semblables que ces tons rouges, mais c'est bon. Vous verrez la différence au fur et à mesure que vous parcourez le graphique. Maintenant, je vais passer à la couleur suivante, coquille rose, et faire exactement la même chose. Je remplis la couleur non mélangée dans la première rangée et la première colonne, puis je procède à la mélanger avec mon vin rouge. Tout comme nous l'avons appris lors de notre exercice de mixage intuitif, certaines couleurs ont beaucoup plus de pigmentation que d'autres. Dans ces cas, vous voulez juste vous assurer que vous n'ajoutez qu' une petite quantité de la couleur hautement pigmentée. De cette façon, vous pouvez contrôler le changement de couleur. Il peut être facile que vous faites un tableau de mélange de couleurs pour entrer dans votre tête un peu et de penser que peut-être je ne fais pas ça tout à fait bien. Peut-être que ces changements de couleurs ne sont pas exacts. Peut-être que c'est un peu trop proche de l'extrémité sombre du spectre ou de l'extrémité lumineuse du spectre. Mais faites confiance à vous-même et faites confiance au processus parce que comme vous regardez une page, surtout si vous avez beaucoup de couleurs de tonalité similaires, il peut avoir l'impression que vous ne faites rien du tout. Mais la réalité, c'est que lorsque vous prenez du recul, vous allez y trouver tant de merveilleuses couleurs. Maintenant que nous avons commencé, nous allons continuer à faire exactement la même chose avec chaque rangée supplémentaire. Et c'est tout ce qu'il y a. Faire un nuancier peut être un processus merveilleusement méditatif qui vous aide à en apprendre davantage sur la couleur. Même d'un simple coup d'œil décontracté, vous pouvez voir comment les couleurs craies, translucides, et ces couleurs granulantes embêtées changent vraiment les peintures avec lesquelles elles sont mélangées. Maintenant que nous avons une compréhension approfondie de la couleur, passons à notre troisième et dernier projet, un bol de fruits nature morte. 20. Projet 3 : Sketchs: Bonjour, et bienvenue à notre projet final. On l'a fait. Comme dans les derniers projets, je travaille avec un morceau carré de 9 pouces de papier aquarelle et je crée une bordure d'un pouce autour du bord. Ce ne sont que mes préférences, mais je trouve que créer cette bordure autour du bord rend votre peinture un peu plus polie. Pour ce dernier projet, nous allons nous concentrer sur les formes simples d'un bol de fruits. C' est parce que je veux que vous ayez tout le temps dans le monde pour vous concentrer sur les couleurs, mélanger sur la page, jouer, utiliser ce tableau de mixage que vous avez fait, et je voulais avoir quelque chose de simple à jouer. Les fruits sont parfaits pour cela parce que non seulement ils sont simples, mais ils ont une tonne de texture et de merveilleuses variations de couleur. Je vais peindre des pommes parce que franchement, les pommes sont le fruit que j'ai le plus souvent sous la main et elles ont aussi des couleurs merveilleuses. La seule astuce pour esquisser les fruits est de s'assurer que vous avez une bonne composition dans le bol. Vous voulez quelque chose où il y a différentes formes et couches. C' est pour ça que j'ai déplacé mon bol comme ça pour que tu puisses voir les pommes qui sont derrière, et que tu obtiens de superbes faits saillants sur le devant. Même si mes pommes sont assis dans cette situation de bol de pétoncles très fantaisie, je vais juste me concentrer sur le dessin de ce que je vois. Si ça sort un peu bizarre, d'autant mieux. Cela lui donnera tellement plus de personnalité. Tout comme dans les vidéos précédentes du projet, j'ai esquissé dans Procreate pour cela parce que c'est là que je suis le plus à l'aise. esquisses où vous le souhaitez, que ce soit sur du papier aquarelle, dans un programme numérique ou dans votre carnet de croquis. Peu importe, ils sont tous également valides. Dès que vous aurez votre croquis fini, nous passerons à la peinture. 21. Projet 3 : Peinture: Maintenant, nous voulons la peinture. J' ai mon croquis transféré sur du papier aquarelle et je suis en train de taper les bords de ma page pour obtenir un bord net et propre. Ensuite, je vais prendre mon tableau de mixage afin que je puisse commencer à décider des couleurs. Maintenant, mon tableau de mixage est stupidement grand. Vous verrez immédiatement pourquoi c'est une bien meilleure idée de faire un tableau plus petit qui a juste des couleurs que vous aimez, mais c'est bon. Comme je trouve une couleur qui serait parfaite pour ma peinture, je prends les deux peintures dont j'ai besoin pour la mélanger. De cette façon, j'ai tout disponible avant moi, avant d'y aller. Il peut être intéressant de noter que juste parce que je mélange des couleurs personnalisées basées sur mon tableau de mixage, ne signifie pas que chaque couleur de ma peinture doit être un beau mélange personnalisé. Je vais utiliser juste un beige uni pour l'arrière-plan parce que je pense qu'il va déclencher le rouge vif des pommes et le vert de ma petite assiette scout parfaitement. Je vais aussi mélanger intuitivement une ou deux couleurs ici et là comme je vais basé sur ce que je vois que j'ai besoin. Vous remarquerez sur le côté de ma peinture que j'ai un petit morceau de papier aquarelle. Je vais m'en servir comme je peins. Il suffit de marquer les mélanges que j'ai utilisés pour que je sache quelles couleurs sont là si j'ai besoin de refaire quelque chose. Je suis aussi juste de remplir l'arrière-plan d'abord comme je le fais toujours. C' est une couleur claire, donc il sera facile de peindre si j'entre dans cette zone de mon assiette ou dans mes pommes un peu, mais j'essaie d'être un peu prudent autour du contour. Comme toujours, vous remarquerez que ma peinture a un peu de translucidité, parce que c' est ce que j'aime. J' adore pouvoir voir les coups de pinceau, surtout en arrière-plan, je trouve qu'il semble beaucoup plus dynamique. Mais si vous cherchez une peinture plus audacieuse et plus graphique, vous pouvez utiliser une peinture un peu plus opaque. Maintenant, je vais commencer à mélanger quelques couleurs. Je ne sais pas pourquoi, mais j'ai commencé à mélanger la couleur de mon assiette. Peut-être que je voulais juste savoir à quoi ressemblerait la couleur pour être sûr que j'avais assez de contraste entre ça et l'arrière-plan. Ça semble certainement être une bonne raison, alors je vais y aller. Mais dès que j'ai une couleur que j'aime, je la mets sur ma petite carte et j'étiquette les couleurs qui ont utilisé pour la mélanger, dans ce cas, le cobalt et l'ocre jaune, de sorte que plus tard, si j'ai besoin de refaire cette couleur, j'ai tout l'information. Maintenant, je vais travailler à trouver la couleur que je veux utiliser pour ma table. Dans ce cas, je veux m'assurer qu'il a assez de contraste entre le vert que je vais utiliser pour la plaque et la base que j'ai utilisée pour l'arrière-plan. J' aime aussi quand certaines parties de mon arrière-plan ont une certaine translucidité afin que vous puissiez vraiment voir les coups de pinceau passer à travers. Je mélange jusqu'à ce que je trouve la translucidité à la peinture qui fonctionne pour moi. Dans ce cas, c'est une couleur brûlée, umber avec juste le moindre peu de rose dedans. Je remplis toute la zone, en m' assurant qu'il y a plein de coups de pinceau succulents. Parce que cette couleur est plus foncée, j'essaie d'être un peu plus précis près des bords de mon assiette pour m' assurer que je n'ai pas trop de peinture foncée pour peindre plus tard. Maintenant, je vais juste m'assurer d'écrire ce mélange de couleurs aussi bien que je l'ai plus tard si j'ai besoin de corriger les bords sur quoi que ce soit. Juste la partie supérieure de l'ombre et la coquille rose. Maintenant, je vais passer à mélanger les couleurs de mes pommes. Je vais utiliser trois tons différents parce que ces pommes ont en fait une tonne de couleurs différentes en eux. faire un peu de mélange sur la page ainsi et effets de brossage à sec pour obtenir les pommes ressemblant à je les vois dans la vraie vie. cette raison, je laisse ma peinture un peu plus épaisse que je l'utiliserais normalement pour obtenir des couches de couleur opaques. Tous ces mélanges que je fais ont aussi une peinture à la craie en eux, donc je peux croire qu'ils vont être opaques et ne finissent pas par montrer trop de coups de pinceau. Bien que je mélange souvent mes couleurs une à la fois comme j'en ai besoin, parce que je sais que je vais superposer plusieurs couleurs différentes pour ces pommes, je les mélange toutes au début, donc je les aurai tous pour les superposer l'une sur l'autre. Parce qu'ils sont dans les puits de ma palette en céramique, ils ne devraient pas sécher trop vite. Mais si vous êtes dans un climat très sec, vous pouvez simplement mélanger une couleur à la fois. Ces deux couleurs sont basées sur le jaune de Naples et ce même jaune de Naples va être la couleur de base que j'utilise pour commencer mes pommes, car il y a beaucoup de nuances jaunes sur ces fruits fantaisie. Quand j'ai commencé à peindre, l' un des problèmes que j'avais avec le mélange de couleurs était que j'avais l'impression erronée que chaque partie de ce que je peins devait être une couleur parfaitement mélangée. Mais la réalité est que pendant que vous peignez, alors que vous construisez des couches de couleur, vous créez des couleurs que vous ne pourriez pas mélanger vous-même. Ils ont tellement plus de variations de tonalité que vous pourriez en faire. C' est pour ça que je commence avec cette sous-peinture du jaune de Naples. Cette peinture jaune va apparaître à travers toutes les couches que je peins dessus. Si vous travaillez avec différentes variétés du même fruit ou des fruits différents entièrement dans votre bol de fruits, alors vous voudrez juste faire attention aux nuances du fruit que vous peignez. Si vous avez des raisins violets, ils pourraient avoir un sous-ton plus bleu ou un sous-ton rouge. Si vous travaillez avec de l'orange, il peut être jaune ou rouge. Si vous travaillez avec des fraises, elles pourraient avoir un ton vert. Peut-être qu'ils sont un peu mûrs, ou un sous-ton jaune, ou un rouge vif. Il y a tellement d'options et rien ne va mal. Si vous regardez vos fruits et que c'est la couleur que vous voyez, alors allez-y. C' est votre rappel amical que vous interprétez ce que vous voyez à travers vos yeux et vos yeux seuls. Donc, si vous voyez des nuances bleues, des nuances rouges, ou des nuances vertes, ou si vous voulez prendre une licence artistique, toutes ces options sont très valables et aideront à faire de votre peinture morte plus qu'une simple recréation d'un bol de fruits. Pour ma pomme à l'avant, j'utilise le rouge comme sous-ton, juste pour ajouter une certaine variété et aider cette pomme à se démarquer de ceux derrière elle. Pendant que je peins, je remarque que la zone de la tige de cette pomme a une luminosité vert pâle qui se passe là-bas. Donc je vais prendre cette peinture pour l'avoir prête parce que je vais essayer des effets de brossage à sec pour donner vie à cette zone. Je remplis juste les zones qui, à mon avis, seront rouges plus foncés et ensuite j'irai au pinceau sec. Il peut être intéressant de noter que ce brossage à sec sera juste une toute première couche de couleur. Je vais probablement aller avec des tons plus foncés plus tard pour vraiment le donner vie. Pendant que je brossais à sec, je vais utiliser un mélange de la chaux pâle que j'ai pressée du tube et de ma peinture rouge mélangée, cette façon, il va se fondre vers le bord de ma pomme. Vous remarquerez que je sèche le pinceau, j'essuie beaucoup mon pinceau sur mon essuie-tout et c' est vraiment juste pour enlever la peinture afin que je puisse obtenir un effet de pinceau plus lâche. Je vais travailler sur ce domaine pendant un moment, obtenir juste le bon équilibre de couleurs que je veux parce que je ne suis pas pressé. Peu importe s'il me faut cinq couches de peinture ou 10 couches de peinture pour arriver où je veux. Je vais juste continuer à regarder mes pommes et ensuite regarder en arrière à ma peinture pour obtenir les formes et les couleurs juste là où je les veux. Maintenant que j'ai une première couche là-bas, je vais juste peaufiner la forme de ma pomme un peu plus et ensuite passer à peindre mon assiette. J' aime vraiment avoir une zone de base de couleur sur la plupart des zones de ma peinture avant de commencer à ajouter trop de texture et de détails. Maintenant que je peux voir tous les tons chauds de ce tableau et comment ils se développent, je me rends compte que ce vert que j'ai mélangé va avoir besoin d'un peu plus de jaune. J' ai donc ajouté un peu plus d'ocre jaune afin rapprocher le vert de ce que je vois et une couleur qui fonctionnera harmonieusement avec le reste de ma peinture. Je laisse un espace au fond de cette assiette parce que la poterie que je peins n'a pas la glaçure. J' essaie juste de me concentrer sur m'assurer que je reçois ça avec précision. Cette petite bande de la couleur plus pâle va également fournir un peu de contraste nécessaire pour vraiment attirer votre regard vers le centre de ce tableau. En outre, si vous travaillez avec beaucoup de peinture épaisse ou si vous obtenez peinture dans la mèche métallique de votre pinceau, voulez juste vous assurer que vous lavez cela sinon cela fera de sorte que vous perdez le point net net de votre pinceau. Comme toujours, quand je passe à un travail plus détaillé, comme les bords festonnés de mon bol de fruits, je passe à un pinceau plus petit. C' est un pinceau de taille zéro, je crois. Ça me donne juste beaucoup plus de contrôle sur les lignes que je fais. Surtout parce que le bord festonné de ce bol est vraiment un point focal. Je remplis le bord non émaillé de la balle avec un blanc ivoire pour lui donner un peu de différenciation de mon fond. Ensuite, je vais continuer à remplir le reste de mon bol, parce que ce sont les bords et en utilisant un peu plus large votre peinture. J' essaie d'avoir beaucoup de coups de pinceau. Je colle aussi avec mon minuscule pinceau, ce qui me donnera beaucoup plus de détails même dans cette zone plate de couleur. Vous remarquez que je laisse un peu d'espace autour de mes pommes. C' est parce qu'il y a vraiment une ombre là-dedans, où mon bol et ma viande de pommes. Je vais mélanger la couleur plus foncée pour représenter cette ombre. Chaque fois que je mélange des couleurs, je garde un morceau de papier juste au côté de l'endroit où je travaille. Ici, c'est juste le bord de la page que j'ai coupé pour faire le carré. Je l'ai utilisé juste pour tester la couleur et la tenir près de ma peinture avant de m'engager à la mettre sur ma peinture. Même si vous pouvez facilement peindre des zones de couleur avec de la gouache, j'aime utiliser ma peinture d'une manière plus translucide. Souvent, je ne veux pas avoir à calquer la couleur pour couvrir une erreur que j'ai faite avec la couleur. Par Par mes couleurs d'abord, cela signifie juste que je n'ai pas à m'inquiéter de m'engager à mettre cette couleur sur la page. Dès que nous aurons fini de remplir cette assiette de fruits, alors je passerai à ajouter des détails à mes pommes. C' est là que les choses se sont vraiment amusées, si je suis honnête, j'ai absolument adoré superposer la couleur pour faire ces pommes vient à la vie. Maintenant, que je vais commencer à travailler avec des rouges et jaunes au lieu du vert avec lequel je travaille, je vais retourner mon essuie-tout. gouache acrylique ne réanime pas avec de l'eau, mais s'il y a des morceaux de douleur qui sont encore humides, je ne veux pas qu'ils rendent mes couleurs boueuses. Vous pouvez absolument réutiliser une serviette en papier comme celle-ci pendant très longtemps avec de la gouache acrylique, car elle ne réanime pas avec de l'eau. Il ne va pas saigner dans vos couleurs tant que cette peinture a déjà séché. Maintenant, je vais entrer avec le brossage à sec, ce que vous allez remarquer, je vais utiliser beaucoup cette serviette en papier. C' est ma couleur rouge plus foncé et je commence juste sur les bords de ma pomme, où il y a le plus d'ombre. De cette façon, quand mon pinceau a le plus de peinture, il est dans les zones les plus sombres. Je ne veux pas entrer, dans les zones brillantes avec une tonne de peinture sur mon pinceau, parce que ça va créer des zones sombres. Cela étant dit lorsque vous essayez de brosser, il peut être merveilleusement imprévisible. Quand vous essayez d'obtenir de la peinture dans une certaine zone, ces poils ne vous donneront pas de peinture. Lorsque vous essayez d'obtenir des zones lumineuses, elles peuvent simplement entrer avec une grande smush de couleur. Mais ça fait partie de la magie ici. Vous pouvez déjà voir même avec cette première couche de brossage à sec, que je reçois beaucoup de tons différents, juste à partir de ce rouge et jaune que je n'aurais pas pu me mélanger. Tant de variations différentes. Parce que vous avez si peu de peinture sur votre pinceau, il peut prendre un certain temps pour construire des couches de couleur. Si c'est la technique que vous allez utiliser, ne soyez pas trop pressé, car à la seconde où vous êtes pressé, vous allez obtenir un gros morceau de peinture, et ça va vraiment vous frustrer. Je dois juste croire qu'il y a assez de pigment sur ces poils pour avoir un impact si vous continuez à travailler dessus. C' est juste ma première couche de couleur ici. J' utilise la même couleur que celle que tu vois sur mon front, la pomme rouge. Après avoir accumulé suffisamment de couches de couleur dans ce rouge plus clair, je vais passer aux rouges plus profonds et plus riches pour que nous puissions donner vie à cette pomme. Comme avec toute ma peinture, je commence aussi léger que possible. Vous remarquerez qu'en ce moment je fais beaucoup de couches très légères. Ils ressemblent presque à un crayon de couleur vraiment. C' est ce que je vais faire. Je veux créer des couches de couleur vraiment subtiles pour juste définir où sont mes ombres, et où mes mises en évidence sont d'une manière qui n'est pas imcorrigible. Je peux toujours poser une couleur sur le dessus. Mais si je construis tous ces beaux effets de pinceau sec dedans, je ne veux pas avoir à mettre un gros morceau de peinture sur le dessus plus tard. Donc, je travaille lentement et construit couche sur couche de couleur. Alors que je travaille avec ces couches de pinceau sec, je vais aussi superposer une partie de ma peinture jaune Naples, cette couleur de base originale que j'ai peinte mes pommes. Parce que cette peinture est faite de plusieurs pigments directement du tube, parfois vous trouverez qu'elle se sépare. Mais il suffit de regarder ensemble et c'est bon comme neuf, tant qu'il n'a pas encore séché. La seule chose que je trouve, est que cette peinture n'a pas l'opacité dont j'ai besoin pour cette étape de ma peinture. Je ne peux pas vraiment obtenir les effets de brossage à sec que je veux, ou la couleur opaque parce qu'il y a trop d'eau dedans. Je vais presser un peu plus de ma peinture jaune Naples, et juste l'utiliser directement depuis le tube ou avec une très petite quantité d'eau. Cela me donnera un peu plus de flexibilité pour les effets que je veux. Je vais utiliser ce jaune Naples plus opaque pour créer reflets et de la texture sur cette pomme rouge plus foncé, et pour remplir des zones sur mes autres pommes plus légères en arrière-plan aussi. Une fois que j'ai toutes les couleurs de ton moyen et de surbrillance faites sur ma pomme, je vais passer à un ton plus sombre pour commencer à ajouter des ombres. Je viens juste d'entrer et d'ajouter des ombres et des reflets à mon jeu de bol de fruits, peu importe cette chose aussi. Juste baver avec mes doigts pour garder les choses douces parce que c'est ce que je fais, et essayer vraiment de me concentrer sur l'endroit où se trouvent les zones de couleur et où sont les ombres. Je sais que le bord de ma boule de fruits est bizarre, surtout mauvais côté gauche. Mais c'est bon. Quand Van Gogh peignait ses natures mortes, il ne cherchait pas à recréer la vie. Il s'exprimait juste et appréciait le processus de peinture sur papier. Personne d'autre ne verra la nature morte que vous avez devant vous. Ils vont juste voir votre peinture finie. Donc, si votre plat a l'air un peu différent de ce qu'il fait dans la vraie vie, ou si vous avez ajouté des fruits supplémentaires ou réarrangé un peu les choses, c'est bon. Personne ne compare. S' il y a une partie qui vous dérange vraiment que vous pensez, « J'aurais vraiment dû observer de plus près, j'aurais pu faire mieux. » C' est vraiment la magie de la nature morte, surtout quand vous peignez quelque chose comme des fruits, à moins que ce ne soient des bananes, qu'elles ne vont pas disparaître tout de suite, elles vont continuer à regarder exactement comme elles le font correctement. Vous pouvez les peindre jour après jour et apprendre de nouvelles choses et explorer et expérimenter. En savoir plus sur la gouache et sur le sujet que vous avez devant vous. Maintenant, j'en ai presque fini avec ce tableau. Je suis juste agitation, agitation, ajouter des petits morceaux de point culminant et des petits morceaux d'ombre ici et là. Parfois, vous pouvez penser que votre peinture ne fonctionne pas, puis vous ajoutez juste une petite ligne ou un peu de points forts pour l'amener au premier plan et soudainement il apparaît. Cela peut être le moment idéal pour regarder votre sujet de plus près, ou simplement pour vous concentrer sur le monde que vous avez créé à l'intérieur de votre peinture. Y a-t-il des ombres où il devrait y avoir des ombres ? Ce que j'ai remarqué, c'est que j'ai vraiment besoin d'un tas de plus d'ombre sur le fond, surtout de ces pommes qui sont en arrière-plan, derrière cette pomme flashy proéminente à l'avant. J' utilise un effet de brossage sec, comme je l'ai fait avant pour m'assurer que mon ombre reste douce, n'est pas trop dure. Mais je pourrais aussi utiliser une brosse arrosée pour cela. Tout dépend de l'effet que vous allez chercher. Ces ombres broyent vraiment ces pommes sur cette assiette. J' ajoute aussi un peu plus de pigment foncé à ma pomme frontale. Ensuite, je vais travailler à ajouter une légère ombre à la table sous mon bol de fruits. Cela permettra de broyer le bol de fruits sur la surface sur laquelle il se trouve. Parce que mon expérience est vraiment un coup de pinceau. J' utilise juste la même peinture pour créer mon ombre, pas quelque chose de plus sombre. Parce que créer une couche supplémentaire de cette peinture translucide rendra déjà plus sombre, surtout parce que je ne cherche pas une ombre super dure. Une fois que j'ai fini mon ombre, j'ai fini, ou du moins je pense que j'ai fini. Il y a une chance que je revienne plus tard et ajouterai plus de petits détails. Qui sait ? Mais pour l'instant, j'appelle ça fini. Avec cela, nous terminons notre toute première aventure avec de la gouache acrylique. Pour commencer, nous avons appris à obtenir la bonne opacité de notre peinture pour créer des zones de couleurs et de lignes. Nous avons appris à superposer notre contrôle de peinture et de pinceau pour obtenir notre peinture exactement là où nous le voulons, et pour regarder exactement comme nous le voulons. Ensuite, nous avons exploré la couleur, en la mélangeant intuitivement sur la page et en créant des ressources comme un tableau de mixage afin que nous puissions obtenir exactement la couleur que nous recherchons. J' ai juste quelques derniers messages avant de nous séparer. 22. Acrylique Gouache Q&R: Bonjour et bienvenue au Q et A pour mon cours d'aventures à la gouache acrylique. Je suis là pour répondre à toutes vos questions brûlantes sur la gouache acrylique. Allons entrer. Pourquoi préférez-vous la gouache acrylique plutôt qu'une gouache traditionnelle ? Mes préférences se résument à quelques facteurs. L' un est la texture de la peinture. La gouache traditionnelle est très calcaire. gouache acrylique est beaucoup plus crémeuse, ce qui en fait une joie de peindre avec. La deuxième raison est que la gouache acrylique est imperméable à l'eau, ce qui rend beaucoup plus facile la couche de peinture et de couvrir les erreurs. La dernière raison, est probablement juste un échec de ma part. J' ai acheté un kit de mixage quand j'ai acheté ma gouache traditionnelle, et je déteste travailler à partir d'un kit de mixage. C' est comme un tel défi de mélanger toutes les couleurs à partir de zéro. Donc je ne l'utilise pas. Comment éviter de gaspiller de la peinture ? Je reçois beaucoup cette question. Ma première mise en garde serait que tout art implique un peu de gaspillage. Mais il y a plusieurs façons de limiter la peinture que vous n'utilisez pas. Numéro un, soyez doué pour mélanger les couleurs. Plus vous êtes confiant avec le mélange de couleurs, moins vous aurez de peinture gaspillée, car vous n'aurez pas besoin d'ajouter de plus en plus de peinture pour obtenir le bon mélange. n'y a pas d'autre moyen de le faire que de s'entraîner. classe de ver Marina, Color collector, explore l'art du mélange de couleurs avec de la gouache, est une excellente plongée profonde dans le mélange de couleurs avec de la gouache acrylique, et pourrait être un excellent moyen de commencer si vous voulez devenir un maître. Numéro deux, obtenez une plus grande variété de couleurs. Lorsque vous mélangez des couleurs à partir de trois couleurs primaires, il sera beaucoup plus difficile d'obtenir juste la bonne teinte, alors quand vous savez, vous avez juste besoin d'alléger la couleur de pêche pâle que vous avez déjà. Prenez quelques tubes qui sont plus proches des couleurs que vous utilisez tout le temps, et vous gaspillerez moins de peinture en essayant de l'obtenir juste. C' est une partie de la raison pour laquelle je suis tellement amoureux des couleurs japonaises et du tourneur. Parce que ce sont des couleurs plus chaudes et plus boueuses qui m'épargnent des pas en mélangeant les couleurs que j'aime. Numéro trois, enroulez votre peinture de jour en jour. Si vous avez un petit pot hermétique, cela fonctionnerait. Parfois, je vais aussi mettre du papier plastique sur ma palette en céramique juste pour m'assurer qu'aucun air ne pénètre, sinon, votre peinture va sécher. Quatrièmement, la dernière façon d'éviter de mélanger de la peinture humide est de vous donner un endroit pour expérimenter avec de la peinture qui serait autrement gaspillée. J' ai un carnet de croquis que je garde avec des blobs de couleur, où je peux jouer avec des textures et des motifs. Je connais un autre artiste qui va travailler sur deux tableaux à fois pour utiliser la douleur qui autrement serait gaspillée. Ces deux méthodes peuvent être idéales pour vous assurer que vous ne gaspillez pas de peinture. Pourquoi recommandez-vous des pinceaux aquarelle sur des pinceaux pour la peinture acrylique, lorsque vous travaillez avec de la gouache acrylique ? Je recommande les pinceaux aquarelle pour la gouache acrylique plutôt que les pinceaux de type cheveux de salle que vous pourriez utiliser pour la peinture acrylique, car la gouache acrylique est généralement beaucoup plus mince que la peinture acrylique. pinceaux à aquarelle sont conçus pour absorber et retenir le liquide, tandis que les pinceaux à poils de porc sont conçus pour ne pas le faire. Puisque je dilue ma gouache acrylique à 50 pour cent de peinture et 50 pour cent d'eau, au moins, les pinceaux aquarelle sont plus adaptés à la façon dont je travaille. Pourquoi recommandez-vous Holbein blanc titane sur blanc chinois ? Je trouve que le blanc chinois Holbein ne se mélange pas si bien. Je trouve que les pigments colorés finissent par être suspendus dans la peinture plutôt que incorporés, ce qui laisse la peinture très striée. Je préfère utiliser le blanc de titane parce qu'il se mélange doucement pour atteindre vos couleurs. opéra de Holbein, et les couleurs roses ressemblent. Sont-ils similaires ? Lequel recommandez-vous ? Sur Holbein tableau des couleurs en ligne, opéra et rose ne semblent pas assez proches. Mais en réalité, ils sont des couleurs assez différentes. Ils sont tous deux des couleurs granulantes avec un pigment fluorescent, mais l'opéra est plus d'un rose fluo, tandis que la rose est une rose plus profonde et plus riche et moins brillante. Je les possède tous les deux et je les utilise pour des choses différentes. Comment nettoyer la peinture de votre palette céramique ? Quand j'ai besoin de nettoyer mes palettes, je les rince à l'eau. Parfois, si la peinture est très sèche, ils auront besoin d'une courte trempe, mais la peinture devrait se détacher immédiatement. Parce que la céramique est non poreuse, la gouache acrylique n'a rien à coller, même si la peinture est à base acrylique et imperméable à l'eau. Pouvez-vous obtenir une texture 3D avec de la gouache acrylique ? Pouvez-vous utiliser de la gouache acrylique avec des médiums de gel ou un épaississant ? En général, lorsque vous peignez uniquement avec de la gouache acrylique, vous ne pouvez pas obtenir d'effets 3D. Il sèche très fort et se fissure, surtout si vous travaillez sur une surface flexible comme du papier ou de la toile. Cependant, turner offre une pâte à modeler, et des supports de gel pour une utilisation avec de la gouache acrylique. Je n'ai pas encore expérimenté avec eux. Mais si vous cherchiez à obtenir des effets 3D avec de la gouache acrylique, ce serait un excellent endroit pour commencer. Comment créer différentes textures avec de la gouache acrylique ? Il y a essentiellement trois textures différentes que je combine pour créer toutes sortes d'effets et de marques différents lorsque vous travaillez avec de la gouache acrylique , mat plat, aqueux, puis sec et brushstroky. Je couvre chacune de ces méthodes de travail avec de la gouache acrylique dans la classe. Mais passons en revue quelques exemples de mes livres de croquis des textures en action. Vous pouvez donc voir comment ils peuvent être appliqués pour créer différents effets. Comment puis-je obtenir que mes couleurs se mélangent plus facilement lorsque je travaille avec de la gouache acrylique ? Mon meilleur conseil pour avoir des transitions plus fluides entre les zones de couleur, est de travailler rapidement ou d'utiliser plus de peinture aqueuse ou les deux. Ma cruche nature morte a des transitions assez douces entre les zones de couleur, parce que j'ai construit des dizaines de fines lavages de gouache acrylique pour créer mes ombres. L' utilisation de couches minces ou de peinture très humide vous donnera plus de temps pour mélanger les couleurs avant que la peinture ne sèche, et cela vous permettra de travailler de la peinture humide dans de la peinture humide. Cela vous donnera des transitions plus fluides entre les zones de couleur. J' aime aussi utiliser mes doigts pour simplement lisser la ligne entre les zones de couleur pendant que la peinture est encore humide, pour créer une transition plus douce. Comment puis-je superposer des crayons de couleur sur la gouache sans graver dans la gouache ou créer des crêtes ? L' objectif de ma prochaine classe est d'aborder la gouache acrylique en médias mixtes, sorte que cette information sera couverte de manière beaucoup plus détaillée là-bas. Mais fondamentalement, cela se résume à quelques choses. Une couche mince et uniforme de peinture. Deux crayons de couleur de bonne qualité, très pigmentés et doux. Troisièmement, comment vous tenez votre crayon et combien de pression vous appliquez. Si vous utilisez un point très pointu, il va se tailler dans la gouache, et si vous utilisez le côté doux du crayon, c'est plutôt comme de poser une couche de couleur uniforme sur le dessus de votre pinceau. Voilà toutes les questions que j'ai. Mais ce n'est pas parce que j'ai fait cette vidéo très officielle qui ne veut pas dire que le temps des questions est terminé. N' hésitez pas à me contacter ici dans la section discussion, sur Instagram ou à hello@alannacartier.com. Je suis toujours heureux de vous aider, surtout si cela signifie un autre membre de mon club d'amusement de gouache acrylique non officiel. 23. Merci !: Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. Je suis si reconnaissante que vous soyez ici explorer le monde merveilleux de la gouache acrylique avec moi. Si vous publiez votre travail sur les réseaux sociaux, marquez-moi @ Illustration Alanna Cartier ou utilisez le hashtag Alanna enseigne. Si vous voulez suivre mon parcours d'illustration ou traîner et discuter de l'art, vous pouvez me trouver sur Instagram à Alanna Cartier Illustration. Si vous voulez juste savoir ce qui est nouveau avec moi, vous pouvez également vous inscrire à ma newsletter sur alannacartier.com. Je vous serais aussi très reconnaissant si vous pouviez laisser un commentaire pour cette classe. J' ai lu chacun d'entre eux, et ils font ma journée et font de moi un professeur plus fort qui est capable de vous apporter les cours que vous voulez. Merci encore beaucoup. Tu es absolument le meilleur. J' ai hâte de voir les belles choses que tu crées.