Élargissez votre zone de confort avec les médias mixtes et la gouache acrylique

1. Introduction: [MUSIQUE] Bonjour, je suis Elana et je suis artiste et illustratrice de Toronto, au Canada, une enseignante de premier plan ici sur Skillshare et j'ai des fournitures artistiques. C'est un peu un problème : aquarelles, pastels, encres, marqueurs, vous le nommez, et je l'ai obtenu. Mais jusqu'à récemment, beaucoup de ces fournitures étaient restées dans mon tiroir inutilisées. J'avais trop peur de commencer. J'ai dû trouver un moyen de créer un espace sûr où je me sentais libre de faire un gâchis, faire des erreurs et d' essayer de nouvelles choses. Où je pouvais m'amuser et jouer sans aucune pression. Cela a commencé avec le lavage acrylique. La joie que j'ai ressentie de peindre avec du lavage acrylique a rendu mes expériences mixtes un peu plus sûres. Il est lumineux, audacieux et opaque pour dissimuler toutes les erreurs que j'ai commises. C'est la couverture de sécurité dont j'avais besoin qui m'a donné la confiance nécessaire pour essayer de nouvelles choses. Je veux partager cette approche des médias mixtes avec vous. Il s'agit d'une approche basée sur la curiosité, l'observation et le développement de votre esprit créatif. Dans ce cours, nous nous lancerons sept aventures différentes dans les médias mixtes. Chacun met l'accent sur un matériau différent et ses propriétés. Nous suivrons les instructions pour découvrir tous les secrets de chaque nouveau média et appliquer ce que nous avons appris à un petit projet rapide. ne s'agit pas d'un cours sur les techniques avancées, mais plutôt sur l'observation et la réponse à ce que nous voyons. Ce cours s'adresse à tous ceux qui ont hésité avec ce nouveau stylo, crayon ou tube de peinture. Ou si vous êtes simplement à la recherche d'une aventure multimédia amusante et désordonnée, vous en sortirez avec de nouvelles compétences et une toute nouvelle perspective de votre pratique créative. Prenons un moment pour ces beaux pots, bouteilles, stylos sortir ces beaux pots, bouteilles, stylos et crayons de leur tiroir, et commençons. 2. Projet: Dans cette vidéo, nous vous expliquerons ce que votre projet impliquera et comment l'aborder. Dans ce cours, vous êtes invité à créer au moins une peinture mixte dans le sujet de votre choix. Je vais peindre des tournesols et des marguerites simples. Je vous encourage à choisir un sujet différent si c'est ce qui vous chatouille. Recherchez un sujet de forme simple, mais qui a des couches de couleur, des détails et des textures intéressantes pour que vous puissiez jouer avec la combinaison de différents matériaux. Certaines bonnes idées peuvent inclure : chats, papillons, poissons, oiseaux, feuillage de vos plantes d'intérieur, légumes, ou même ce que vous mangez pour le petit déjeuner. Cette classe est moins sur ce que vous peignez et plus sur la façon dont vous abordez la peinture. Il y a deux principes directeurs de cette classe. Comprendre vos matériaux et comment ils peuvent être combinés, et apprendre à créer à partir d'un lieu de confort et de curiosité plutôt que d'anxiété et d'inconfort. Je crois que de grandes choses peuvent être faites à partir de notre zone de confort. Pour cette raison, nous commencerons le cours en passant par une liste d'instructions que nous pouvons utiliser pour comprendre le matériel avec lequel nous travaillons. Avant de sauter dans sept leçons ventilées par matériaux et leurs propriétés, chacune avec un petit projet individuel, les sept leçons de la classe comprendront : l'une, encre acrylique, l'acrylique fluide et l'acrylique lourd peinture acrylique. Deux, aquarelle et gouache traditionnelle. Trois, crayons et crayons de couleur. Quatre, pastels doux et pastels pan. Cinq, des crayons et des pastels à l'huile. Six, de l'encre fine et des stylos. Puis, enfin, numéro 7, marqueurs à base d'eau et à base d'alcool. N' hésitez pas à faire le tour de la classe à n'importe quel matériel qui vous intéresse. Vous pouvez terminer un projet pour chaque leçon ou créer une pièce combinant tous les matériaux que vous voulez. Ensuite, nous couvrirons le matériel dont vous avez besoin pour commencer. 3. Matériaux: Habituellement, c'est la partie de la classe où je vais examiner tous les matériaux que j'utiliserai, mais cette fois je fais les choses un peu différemment. Chaque section de cette classe se concentrera sur un matériau de mélange différent et sur la façon dont il peut être combiné avec de la gouache acrylique. Je vais donner un bref aperçu du matériel avant chaque leçon, mais vous pouvez également trouver une liste complète de tous les documents que j'ai utilisés dans le guide de ressources que vous pouvez trouver dans la section projet. Bien que je vais utiliser beaucoup de fournitures différentes tout au long de la classe, il y a aussi quelques matériaux de base que j'utiliserai régulièrement tout au long du chemin. abord, la gouache acrylique, parce que c'est la pierre angulaire de mon approche mixte, je l'utiliserai dans chaque leçon. Je préfère la gouache acrylique de marque Holbein haricot Turner parce qu'ils sont brillants, très pigmentés, et une joie de peindre avec. Si vous voulez plus d'informations sur les marques de gouache acrylique, consultez mon cours d'introduction, Acrylic Gouache Adventures, pour commencer. J' utiliserai aussi du papier aquarelle ou mixte pour qu'il puisse contenir tous les différents supports que nous utiliserons, ainsi que les pinceaux aquarelle. Je vais utiliser des pinceaux ronds ou plats, ainsi que quelques filbert que j'ai récemment ramassé, un pot d'eau, et quelque chose pour tenir ma peinture. Maintenant que nous avons couvert les matériaux de base pour cette classe, passons à une discussion rapide de la balance laitière, qui est un outil utile pour comprendre la viscosité de la peinture et d'autres matériaux. 4. Balance laitière: Dans cette vidéo, nous aborderons ce qu'est la balance laitière et comment elle peut nous aider dans notre pratique des médias mixtes. La balance laitière est un guide de la viscosité ou de l'épaisseur de différents milieux. Sur la base de la viscosité ou de l'épaisseur de différents produits à base de lait. C' est une façon d'expliquer à quel point un milieu particulier est épais ou mince. De l'aquarelle et de l'encre qui sont utilisées avec la consistance de l'eau, à l'acrylique corsé lourd, c'est plus comme de la crème glacée. Lorsque vous approchez d'un nouveau milieu, la balance laitière peut fournir des informations utiles sur l'épaisseur ou la minceur des matériaux avec lesquels vous travaillez et fournit des indices façon dont vous pouvez superposer efficacement ces médiums . Bien que la balance laitière ne soit pas parfaite, elle offre un cadre utile que nous utiliserons tout au long de la classe. Maintenant que nous comprenons l'échelle laitière et comment nous pouvons l'appliquer à notre pratique artistique, passons aux instructions que nous utiliserons tout au long de la classe, afin de connaître les propriétés uniques de nos matériaux. 5. Invites: Dans cette vidéo, nous allons expliquer ce que sont ces mystérieuses invites, où vous pouvez les trouver et comment elles vont soutenir l'approche de mixage multimédia où vous utilisez dans cette classe. Commençons par quels sont ces invites ? Le but de cette classe est de donner une approche nourrissante pour mélanger les médias, enracinée dans l'observation. Les invites sont une série de questions que nous pouvons nous poser lorsque nous jouons avec nos matériaux pour guider ces observations afin de comprendre nos matériaux et comment ils interagiront avec d'autres matériaux. Les invites que j'ai incluses vous encourageront à observer et à réagir à ce que vous voyez dans un environnement à basse pression afin que lorsqu'un matériau se comporte d'une manière que vous ne vous attendiez pas, vous puissiez devenir curieux. Vous pouvez capter ces invites ici, ou passer à l'onglet ressource du projet où vous trouverez le guide des ressources de classe, qui comprend nos invites, une illustration de l'échelle laitière, images de référence, et même des recommandations pour un apprentissage ultérieur. Maintenant, regardons comment nous allons appliquer les invites. Chaque section de la classe comprendra une leçon où nous présenterons brièvement le matériel avec lequel nous allons travailler. Obtenez ce matériel sur papier, interagissez avec nos invites et soyez curieux de savoir comment ce matériel particulier se comporte, également un projet. Nous allons prendre ces observations et ce sentiment de curiosité dans une peinture réelle accent sur le processus d'obtention de nos matériaux sur le papier sur le produit fini final. La raison pour laquelle nous allons appliquer ces instructions à une leçon d'un projet est d'inculquer ce réflexe vers la curiosité d'abord sur quelque chose qui ne semble pas très important, ce morceau de papier, puis sur une vraie peinture. Notre impulsion à créer quelque chose de bon pourrait facilement outrepasser nos pouvoirs d'observation. Maintenant que nous sommes à l'aise avec nos instructions, passons à notre toute première leçon. Peintures acryliques 6. Introduction aux leçons: Avant d'entrer dans notre première leçon, je voulais juste prendre un moment pour expliquer de quoi seront constituées nos leçons. Nous commencerons chaque leçon en créant un rectangle qui sera notre espace sûr sur un morceau de papier ou un morceau de papier. Nous allons étiqueter ce rectangle avec ce que nous allons faire. Dans ce cas, je joue avec de la gouache acrylique. Une fois que notre rectangle est étiqueté, nous sauterons dans la création de zones de couleur, puis nous sauterons à faire des marques sur notre page, tout en nous posant nos questions rapides, afin d'observer nos matériaux de près, et découvrez tous les secrets de ce matériel. Pendant que nous faisons cela, nous nous souviendrons que cela n'a pas besoin d'être mis en file d'attente. On apprend juste sur nos matériaux. Nous prendrons toutes les observations que nous avons acquises dans notre projet pour cette leçon. Maintenant, passons à la leçon 1. 7. Leçon 1 : acryliques: Bonjour, et bienvenue à notre toute première leçon, où nous discuterons de différents types de peintures acryliques. Les acryliques à haut débit, les encres acryliques, les acryliques fluides, le lavage acrylique et les peintures acryliques à corps lourd sont tous des cousins proches. Ils sont tous des pigments liés avec du polymère acrylique. La différence réside dans la viscosité de la peinture. C' est là que notre échelle laitière sera plus pratique pour catégoriser ces peintures et comprendre comment nous pouvons les couches, parce qu'elles sont tous un peu plastifiantes, donc elles vont remplir la dent de votre page. Lorsque vous combinez des médiums, vous voudrez utiliser les médiums qui sont plus proches de l'eau sous les médiums les plus épais afin qu'ils ne glissent pas et ne glissent pas et ne s'accumulent pas de façon étrange. Ici, nous avons commencé avec des peintures acryliques à haut débit. Ils sont assez aqueux, même si la peinture semble un peu épaisse. Vous pouvez également le vaporiser avec de l'eau pour le faire bouger, tout comme l'aquarelle. Ensuite, nous passons à l'encre acrylique, qui est à peu près au niveau de la marque sur notre échelle laitière. Ensuite, à partir de là, nous passons à l'acrylique fluide. C' est l'un de mes favoris parce qu'ils sèchent fou rapidement et ils sont crémeux dans la texture, bien que vous pouvez les arroser vers le bas. Ils emboîtent un coup de pigment. Se déplaçant de là est le lavage acrylique, le fondement de cette classe. Je voulais l'inclure ici afin que vous puissiez voir comment il se compare à d'autres types de peinture acrylique. Puis, enfin, nous passons à des acryliques corsés. Ils sont épais comme diable. Vous pouvez en fait les utiliser de manière tridimensionnelle pour créer des effets sculpturaux et texturaux dans vos peintures. Lorsque vous passez à un médium comme l'acrylique lourd, vous pouvez envisager de passer à une brosse de coiffure de sanglier plus ferme, car cette brosse absorbera moins d'eau et vous donnera plus de contrôle sur les effets sculpturaux pendant que vous peignez. J' ajouterais également un rappel amical que la qualité de la peinture que vous achetez affectera la quantité de pigment et le type de polymère dans cette peinture. Comme vous pouvez le voir ici, la comparaison entre cette bouteille de 2$ d' acrylique Crafters et cette bouteille de 20$ de qualité Golden Artist. L' acrylique fluide est assez frappant. Il y a juste beaucoup moins de pigment dans ce tube de peinture à 2 dollars. ne signifie pas que vous ne pouvez pas l'utiliser, mais si vous trouvez cela frustrant, que vos couleurs ont l'air délavées, c'est peut-être à cause de la peinture que vous utilisez. L' autre chose à noter est que si la plupart des acryliques sont brillants, ils peuvent aussi être mat, comme le lavage acrylique, ou cet acrylique mat plat de Golden. Maintenant, jetons dans l'expérimentation. J' ai déjà créé mon espace sécurisé et l'ai étiqueté en jouant avec des acryliques. Je vais commencer par créer des zones de couleur dans les différentes peintures acryliques que j'ai, commençant par l'acrylique à haut débit, encre acrylique, l'acrylique fluide et les acryliques à corps lourd. Je suis passé à une brosse à cheveux de sanglier pour les acryliques lourds juste pour voir quels effets texturaux cela peut créer, et il y a quelques coups de pinceau très délicieux là-dedans, mais je voulais aussi essayer une brosse synthétique pour que je puisse comparer les effets que je reçois avec ces différents outils. Cela m'aidera avec toutes mes peintures de médias mixtes pour vraiment comprendre quels effets je peux créer. Je vais aussi utiliser une partie de cet acrylique mat si plat, et il peint en gris pour le comparer aux autres peintures que j'ai déjà utilisées afin que je puisse engager leur opacité et voir comment ces matériaux fonctionnent tous ensemble. Je vais juste créer une autre zone de couleur. C' est le moment où je vais commencer à jouer avec quelques autres invites. Dans ce cas, comment ce matériau se comporte-t-il si j'ajoute plus d'eau ? Je suis particulièrement intéressé par les acryliques à haut débit, les acryliques fluides, parce que je sais qu'ils peuvent s'écouler vraiment merveilleusement lorsque vous leur ajoutez de l'eau, et vous pouvez déjà voir l'effet dramatique. Je veux juste m'assurer que l'acrylique à haut débit fait partie de la fête. Franchement, il ne coule pas aussi impressionnant que l'acrylique fluide, ce qui est un peu surprenant pour moi, mais c'est bon. C' est pourquoi nous faisons ces expériences, afin que nous puissions observer nos matériaux plutôt que de supposer que nous savons ce qu'ils feront. En attendant que nos zones de couleur sèchent, faisons quelques marques. L' acrylique fluide va vraiment fonctionner beaucoup comme le lavage acrylique dans la fabrication du marquage. Ça va faire des lignes propres et précises, mais c'est assez translucide. vous coupez votre peinture, vous pourrez voir les lignes que vous avez faites en dessous à travers la peinture sur le dessus, surtout si vous la laissez sécher en couches propres. Cela peut être un excellent moyen d'ajouter ombres car il y a une certaine translucidité dedans. Faire des ombres avec un médium opaque peut être plus difficile parce que vous devez mélanger une couleur très précise, alors qu'avec un médium translucide, vous pouvez compter sur un peu de la couleur sous le regard à travers. Je continue juste à faire plus de marques pour comprendre ce médium un peu mieux et les effets qu'il peut créer. Maintenant, je vais juste m'assurer que les zones de couleur que j'ai créées sont sèches afin que nous puissions tester qu'elles sont imperméables et jouer un peu plus. Maintenant généralement, la peinture acrylique sèche folle rapidement, mais j'ai utilisé beaucoup d'eau dans certains de ces domaines. Je veux juste m'assurer qu'ils sont parfaitement secs. Si je gâche avec une zone avant qu'elle ne soit parfaitement sèche, il peut laisser un patch blanc bizarre comme celui-ci où le pigment n'est pas vraiment apparu sur la page, mais vous pouvez certainement voir que tous ces éléments sont très imperméables. De ces expériences, nous pouvons voir que la peinture acrylique a une translucidité qui est vraiment délicieux. Il peut bien couler avec de l'eau, créer de grandes ombres, et peut obtenir des textures très délicieuses, surtout lorsque nous changeons nos outils ou nos brosses. Maintenant que nous avons une compréhension approfondie de la façon de commencer avec l'acrylique, passons dans notre tout premier projet. 8. Projet 1 : acryliques: Bonjour et bienvenue à notre premier projet. Bien que nous ne le ferions pas pour chaque leçon, je voulais commencer par couvrir la façon dont j'esquisse mes fleurs simples. Je commence dans Procreate parce que c'est là que je trouve ça le plus facile. Mais vous pouvez utiliser ces techniques, que vous travailliez sur papier ou sur votre iPad. Bien que cette toile soit de la même taille que le papier que j'utiliserai, j'aime aussi utiliser un guide de dessin pour voir l'échelle de ma fleur. Je commence par dessiner un cercle, et si je le tiens, je peux créer un cercle parfait. Si vous utilisez un stylo et du papier, vous pouvez simplement utiliser quelque chose de votre bureau qui est circulaire pour faire la même chose. Je peux utiliser la flèche pour sélectionner mon cercle pour le déplacer, puis je vais créer un nouveau calque pour créer un autre cercle. C' est vraiment la forme de base de n'importe laquelle de ces fleurs circulaires, juste deux cercles. Alignez-les vers le haut et de cette façon je peux utiliser le plus grand cercle comme guide pour tous mes pétales. Je peux augmenter ou diminuer la taille de ce centre en fonction de la fleur que je vais dessiner, ce soit une grande fleur moyenne, comme un tournesol, ou quelque chose avec un minuscule milieu, comme un cosmos. C' est le moment où nous voulons commencer à regarder attentivement notre photo de référence. Quelle forme sont les pétales ? Combien se chevauchent-ils ? Ont-ils un point pointu à la fin, ou sont-ils plus arrondis ou équarris ? Ce sont les choses que nous voulons faire attention, pour que notre fleur ressemble à la fleur que nous voyons avant nous. Dans le cas de cette marguerite gerbera que je dessine, les pétales sont arrondis à la fin. Ils reposent en deux couches séparées et il y a un peu près du centre de la fleur. L' autre chose à considérer lorsque vous esquissez votre fleur est que les fleurs, bien qu'elles semblent parfaites, belles créations de la nature, elles ne le sont pas. Ils sont pleins de belles imperfections. Pendant que vous esquissez, embrassez-vous ça. Votre fleur n'a pas besoin d'être parfaite. Certains pétales se chevauchent plus que d'autres, certains pétales sortiront d'un angle bizarre. Pendant que vous peignez, vous pouvez soit corriger ces petits morceaux de votre fleur ou vous pouvez les laisser et cela peut devenir une partie de votre propre style personnel. Maintenant, j'ai juste besoin d'ajouter les morceaux au centre de ma fleur et la deuxième couche de pétales, puis je serai prêt à transférer le croquis sur du papier aquarelle et à commencer mon projet. J' aime coller mon papier aquarelle de cette façon. Tout d'abord, je ne le déplace pas hors du cadre de l'appareil photo où j'essaie de filmer, et deuxièmement, cela fait que mon papier ne se déforme pas ou ne se torche pas alors que j'essaie de peindre. Si vous allez peindre un arrière-plan, collage de votre image peut également vous donner des bords nets et nets, mais je n'utiliserai pas d'arrière-plan sur celui-ci. Je vais aussi prendre un morceau de papier à partir à côté de ma peinture. Je fais ça chaque fois que je peins, et j'utilise ce morceau de papier pour tester les couleurs textures ou tout ce dont je ne suis pas certain. Je vais le laisser ici, pour que je ne le perde pas. Maintenant, je vais commencer à chercher les bonnes couleurs pour créer cette marguerite gerbera. Je pense que je pourrais utiliser ma peinture acrylique lourde pour créer de la texture au centre de la fleur, et je pourrais utiliser mon acrylique fluide pour créer des ombres et des ombrages parce que c'est translucide. Parce que j'utiliserai ces deux peintures sur le dessus de mon lavage acrylique, je commencerai par peindre une couche de base en lavage acrylique, commençant par le centre de la fleur, puis en passant aux pétales. Je dilue toujours ma gouache acrylique à 50 pour cent de peinture et 50 pour cent d'eau pour un maximum de maniabilité. Ignorez les cheveux coupés sur mon pinceau. Malheureusement, les cheveux de Penelope sont partout, et si je faisais quelque chose de détaillé, je l'aurais probablement nettoyé, mais je ne le suis pas. Maintenant, je vais me tourner vers les couleurs que j'utiliserai pour les pétales. C' est là que j'attrape mes fidèles échantillons. Je les utilise pour tout. Je vais faire une variété de tons différents que je vais mélanger au fur et à mesure. Pour chaque couleur que je mélange, je vais peindre quelques pétales au hasard afin qu'il semble qu'ils soient également dispersés autour de la fleur pour donner à cette fleur le ton et la dimension. Maintenant que j'ai une couche de base de couleur sur toute la surface des pétales de la fleur, je vais commencer à travailler sur cette zone texturée de minuscules pétales près du centre de la fleur. Je vais utiliser de l'acrylique corporel lourd parce que je pense que la viscosité d'une peinture corporelle lourde pourrait très bien fonctionner pour ajouter de la texture à la fleur. J' ai commencé à utiliser cette couleur pâle en titane Mars, mais je suis inquiet que ça va trop se fondre avec les pétales de la fleur. Je suis donc passé à cette couleur de buff à la place, ce qui, je pense, permettra plus de contraste. Je vais aussi passer à cette brosse de style filbert, la forme arrondie des poils est en fait parfaitement adaptée à la fabrication de ces petits pétales courts. Je vais utiliser le moins d'eau possible pour faire des marques vraiment expressionnistes qui refléteront les pétales de cette fleur particulière. Je crée des coups de pinceau épais, juteux et plutôt opaques. Ensuite, je vais couche avec des blancs et des bruns du milieu pour créer l'effet stratifié des pétales. Lorsque vous travaillez sur une zone de votre fleur qui se sent vraiment complexe comme celle-ci, n'oubliez pas qu'elle n'a pas à capturer tous les petits pétales minuscules. Cette zone de texture peut être capturée avec des coups de pinceau plus grands ou une ligne ou tout autre moyen que vous avez envie de la capturer. Une peinture est votre interprétation de ce que vous voyez et n'a pas à refléter ce que vous voyez réellement devant vous. À ce stade, je tiens aussi à vous rappeler que nous observons en ce moment. Pour moi, j'ai pensé que je pourrais créer des zones de couleur vraiment nettes avec cette peinture acrylique et je trouve qu'elle finit un peu plus sec. C' est bon, c'est juste un problème créatif que je vais devoir résoudre pendant que je continue à faire mon chemin à travers ça. Comment puis-je ajouter plus de texture et de dimension et ombre dans cette zone pour qu'elle reflète la fleur que je veux la peinture ? Une chose que je sais de l'expérience que nous avons faite avec nos acryliques est que la peinture acrylique sèche très rapidement, elle est imperméable, et je peux peindre dessus avec du lavage acrylique. Ce sont des choses que je vais considérer quand je planifierai comment je vais résoudre ce problème créatif. La prochaine chose que je vais faire est d'utiliser de la peinture blanche pour ajouter quelques reflets à cette section à peu près de pétales près du centre de ma fleur. L' une des choses magiques de travailler avec des peintures acryliques, et en particulier un milieu opaque comme le lavage acrylique, est que vous pouvez continuer à peindre des choses couche après couche jusqu'à ce qu'elles se sentent bien. Parfois, quand j'essaie de faire des couches de texture comme celle-ci, c'est aussi quand je vais chercher un stylo Posca ou un de mes marqueurs de peinture Molotow. Ce sont des marqueurs à base de peinture, donc juste de la peinture qui est mince comme de l'encre acrylique à l'intérieur d'un marqueur. Ils peuvent se boucher, mais ils peuvent créer un travail de ligne beau, opaque et précis. J' aime toujours tester les choses sur mon papier avant de les mettre sur ma peinture, surtout avec un marqueur comme celui-ci qui peut boucher. Ces marqueurs de peinture m'ont aidé à ajouter les effets griffonnés que j'aime qui peuvent être difficiles avec un pinceau parce qu'un marqueur de peinture a une largeur de ligne constante et peut être tenu comme un stylo. Maintenant, je vais créer des ombres avec cet acrylique fluide. Je vais créer des ombres au centre de la fleur dans cette zone de pétales et ensuite je commencerai sur mes pétales. J' utilise l'acrylique fluide avec beaucoup d'eau pour maximiser la translucidité, donc je peux obtenir des ombres vraiment douces. Maintenant que nous avons les ombres sur nos pétales, commençons à ajouter quelques points forts. Vous remarquerez que sur la photo de référence, la plupart des pétales de premier plan ont des pointes légères d'une couleur plus pâle. J' essaie d'imiter cela, mais je ne vais pas faire autant de détails surtout parce que j'utilise peinture acrylique assez épaisse et ce n'est pas vraiment le milieu idéal pour créer des lignes très fines qui sont très opaques. Puisque je veux m'en tenir à l'utilisation principalement de la gouache acrylique et des peintures acryliques pour cette leçon, je vais interpréter les faits saillants de la façon que je choisis. Aussi, parce que je veux garder cette peinture ayant une petite palette similaire, j'utilise le même dessus que j'ai utilisé au centre de la fleur pour créer les reflets sur les bords des pétales. Maintenant, à proprement parler, un rose plus clair aurait probablement été la bonne couleur si j'allais pour une interprétation plus réaliste de cette fleur, mais je suis un artiste et je suis libre d'interpréter les couleurs de toute façon que je choisis. Comme j'ajoute des faits saillants aux pétales, j'ajoute aussi de petits détails au centre de la fleur parce que je ne suis toujours pas tout à fait satisfait. Mon but à ce stade du processus de peinture est d' observer vraiment ma peinture de près. À ce stade, il y a assez d'informations sur la page que je n'ai même pas nécessairement besoin de vérifier avec ma photo de référence très souvent. Je regarde ma peinture pour voir où la lumière frapperait la fleur que j'ai créée sur la page et où les ombres se trouveraient. Accélérons les événements afin que vous puissiez voir comment ces améliorations supplémentaires progressent. Il peut également être intéressant de noter que pendant que vous peignez, certains des points forts ou des ombres que vous pouvez ajouter peuvent avoir l'impression qu'ils n'ont pas un impact visuel énorme, mais la réalité est qu'ils le font, même si vous n'êtes pas sûr qu'ils ont une grande pop, petites variations de lumière et d'ombre peuvent rendre votre peinture beaucoup plus dynamique. Maintenant, je vais entrer et ajouter plus d'acrylique fluide translucide pour créer les ombres au centre de la fleur pour donner impression que ce bit central se démarque. J' ajoute aussi un peu plus de détails avec ce stylo Posca pour définir le centre de la fleur. Cela dit, je pense qu'il a besoin, oui, d'un peu plus de contraste juste comme ça. Je vais ajouter un peu plus de la couleur rosée aussi, juste pour faire le centre de cette fleur pop. C' est vraiment le point focal car c'est la zone de la fleur avec le contraste le plus élevé. Je vais toujours passer en revue et adoucir ces reflets, ombres que je crée à l'aide de mes doigts, et peut-être même quelques couches supplémentaires de surlignements. Lorsque vous peignez, parfois il peut se sentir décevant de ne pas avoir votre centre de votre fleur à l'air absolument parfait au premier passage, mais la réalité est que ce n'est pas le but, construire ces couches de couleur et donnera en fait à votre pièce beaucoup plus de dimension à long terme. Juste quelques derniers coups de pinceau pour polir toutes les petites zones que je vois qui ont besoin de lumière et d'ombres et ensuite j'aurai fini. Bien que je puisse toujours y retourner et ajouter un peu de peinture supplémentaire si je vois quelque chose qui a besoin de travail. Une peinture n'est finie que lorsque vous décidez qu'elle l'est. Maintenant, je vais entreprendre ce tableau et nous passons à la leçon numéro 2, où nous allons couvrir l'aquarelle et la gouache traditionnelle. 9. Leçon 2 : aquarelle et gouache traditionnelle: Bonjour et bienvenue à notre 2e Leçon. Cette fois, nous couvrirons l'aquarelle et la gouache traditionnelle. Alors que les acryliques sont liés avec du polymère acrylique, aquarelle et la gouache traditionnelle sont liées avec de la gomme arabique, ce qui leur donne la possibilité de réactiver avec de l'eau, c'est pourquoi vous pouvez sécher l'aquarelle humide dans des casseroles comme celle-ci. Eh bien, la gouache traditionnelle est très similaire à la gouache acrylique. Il est plat, mat, opaque et prévisible. aquarelle est un milieu beaucoup moins prévisible en raison de la façon dont elle coule , les granulés et déplace la couleur entre humide et sec. L' aquarelle peut également être à base de colorants ou de pigments. Les aquarelles à base de teinture seront généralement beaucoup plus vibrantes, mais elles n'obtiendront pas ces effets d'aquarelle amusants de la granulation. Ils seront également nettement moins résistants à la lumière en général parce que les matrices ne sont pas aussi résistantes à la lumière que les pigments. Maintenant que nous avons une compréhension de base de ce que sont l'aquarelle et la gouache traditionnelle, jetons dans nos accessoires pour vraiment explorer ce médium. J' ai mon espace sûr prêt à partir, et il est étiqueté : Jouer avec l'aquarelle et la gouache traditionnelle. Tout comme dans notre première leçon, je vais commencer par faire quelques zones de couleur. D' abord avec la gouache traditionnelle, puis avec des aquarelles, sorte que nous pouvons vraiment voir comment ces médiums se comportent. Dès que je suis passé à l'aquarelle, vous pouvez immédiatement voir la différence de translucidité entre l'aquarelle et la gouache. C' est la magie de l'aquarelle. Vous pouvez même contrôler la valeur de votre aquarelle en fonction de la quantité d'eau que vous ajoutez. peux aussi voir que j'utilise mes aquarelles de cette palette séchée. Ce ne sont en fait que des aquarelles liquides que j'ai séchées tout seul pour les rendre plus portables. C' est un autre pro de l'aquarelle. Ils voyagent bien. Vous remarquerez que je mélange mes zones de couleur à l'aquarelle, j'essaie en fait de les connecter parce que je sais que l'aquarelle se marie assez bien. Je veux voir comment ces différents pigments se fondent les uns dans autres afin que je puisse avoir une meilleure idée de comment ça fonctionne. En attendant que ces zones sèchent, je vais faire quelques marques. deux premiers avec de la gouache, qui a tendance à être un peu calcaire, et croustillant, et précis. Il n'y a pas beaucoup de différence de valeur entre chacune des marques parce que la peinture elle-même est opaque. Mais comme nous passons à faire des marques à l'aquarelle verra beaucoup plus de variation dans le ton et c'est à cause de la façon dont le pigment se déplace à travers la peinture à l'aquarelle et à cause de sa translucidité. cette raison, vous pouvez également ajouter de petites taches de couleur le long de vos lignes à l'aquarelle, et ils vont se fondre ensemble pour créer des effets très cool. Lorsque vous travaillez avec l'aquarelle, vous pouvez également travailler d'une manière qu'on appelle humide sur humide. Parce que l'aquarelle est la consistance de l'eau, elle se disperse vraiment librement dans l'eau. Si vous mouillez votre page avant d'ajouter votre pigment, cela peut créer des effets vraiment cool. Maintenant, vous pouvez le faire avec de la gouache, mais elle ne se transfère pas aussi facilement dans l'eau parce que le pigment lui-même est beaucoup plus épais. Vous verrez quand vous le ferez avec de l'aquarelle, vous obtenez de très belles petites fleurs. Mais cela dépendra également la marque et de la couleur spécifiques de l'aquarelle que vous utilisez. Parce que différents pigments se comporteront différemment. Vous pouvez le déplacer en déplaçant votre page aussi parce que le pigment est tellement mobile, quand il est suspendu dans l'eau comme celui-ci à cause de sa viscosité. Juste être à l'affût que vous n'avez pas trop d'eau sur votre page, sinon vous pourriez finir avec un désordre assez chaud. Maintenant que ma zone de gouache est sèche, je veux vous montrer une des choses uniques sur le travail avec l'aquarelle et la gouache traditionnelle, et c'est qu'ils réaniment avec de l'eau même sur votre page. Vous pouvez l'utiliser pour fusionner des zones de couleur. Bien que vous devez garder à l'esprit que, cette zone qui est mélangée peut finir par dessiner un peu différemment de la zone principale de votre zone de couleur, et vous pouvez également utiliser de l'eau pour enlever le pigment même après son séchage. Cela peut être problématique si vous essayez de superposer des choses, mais peut également créer des effets de texture très cool dans vos peintures. Il fonctionnera à la fois à l'aquarelle et à la gouache traditionnelle. aquarelle et la gouache traditionnelle peuvent également être mélangés complètement encore pour vraiment parce qu'ils ont le même liant. gouache traditionnelle est essentiellement une version plus opaque de l'aquarelle, alors n'hésitez pas à jouer avec la combinaison de ces différents supports. La seule chose que je conseille cependant, est de prêter attention à la quantité d'eau que vous utilisez. Bien que vous ne puissiez pas contrôler la valeur de l'aquarelle et de la gouache traditionnelle dans une certaine mesure par la quantité d'eau que vous avez par rapport au pigment, cela ne signifie pas que votre page doit être mouillée. C' est une erreur qui est assez facile à faire quand on commence tout juste. Mais le risque est quand votre page est mouillée que si vous essayez de la sécher, si vous la décalez légèrement, cela va finir par un gâchis moelleux. Par exemple, vérifions ce gâchis. Je voulais juste voir comment ces matériaux couleraient le petit spritz d'eau, un autre spritz. Vous pouvez voir que les choses commencent à devenir un peu désordonnées. Une chose à considérer est que lorsque vous utilisez autant d'eau, votre page va commencer à se déformer et aussi toutes vos couleurs vont commencer à se fondre ensemble. Vous perdrez cette différenciation entre les différents tons que vous avez créés. Aussi l'eau coulera pour vraiment le long de votre page et si vous essayez de faire quelque chose de fou, comme souffler à sec, il va pousser tout ce pigment autour et vous perdrez tous les détails que vous avez créés, ce qui peut certainement être frustrant. C' est quelque chose à faire attention. L' autre chose que je noterais est que lorsque vous utilisez trop d'eau comme celle-ci, cela a tendance à créer cette situation où votre aquarelle sèche avec tout le pigment poussé vers les bords, vous pouvez voir un contour vraiment net et ce n'est pas ce que nous voulons maintenant, n'est-ce pas ? Maintenant que nous avons terminé cette expérience, observons. À quoi pensons-nous que l'aquarelle serait merveilleuse ? Pour moi, c'est la belle granulation et graduation de la couleur. Je vais probablement l'utiliser de telle manière que j'utilise plus d'un mélange de couleurs ensemble. Tout en étant conscient de la quantité d'eau que je vais utiliser. Parce que l'aquarelle est aussi à un niveau d'eau sur l'échelle MOOC, je vais l'utiliser sous la gouache acrylique parce qu'elle ne se comportera pas aussi bien sur le dessus. Maintenant que nous avons terminé cette expérience, passons à notre 2e Projet. 10. Projet 2 : aquarelle et gouache traditionnelle: Ici, nous sommes dans le projet numéro 2, où nous allons créer une peinture à l'aquarelle ou gouache traditionnelle. Dans ce cas, probablement aquarelle parce que je vais également utiliser le lavage acrylique. La fleur que j'ai choisie pour peindre sera une zinnia. Quelque chose qui pourrait être assez complexe à peindre si j'utilisais juste de l'aquarelle, mais avoir la possibilité de passer à un milieu opaque comme le lavage acrylique le rendra beaucoup plus facile. Je vais commencer par mouiller chacune des petites couleurs de puits que je veux utiliser afin de réactiver l'aquarelle séchée. Alors je vais commencer à mélanger une couleur. Bien que ma photo de référence soit incroyablement lumineuse, je veux faire quelque chose d'un peu plus silencieux parce que c'est plus fidèle à mon style. Je mélange ce rouge et aussi je vais mélanger un peu de brun aussi. Comme il y a un changement de couleur important avec l'aquarelle, il peut être utile de tester une partie de votre couleur sur un morceau de papier pour voir comment elle sèche. Mais ce n'est pas ce que j'ai fait. J' ai décidé de sauter. Tous les problèmes créatifs qui sont apparus étaient des choses que j'étais presque sûr de pouvoir comprendre. Les qualités uniques de l'aquarelle que je cherche à mettre en évidence dans ce tableau sont sa translucidité et sa granulation. Je vais mélanger les couleurs au hasard entre mes deux peintures en remplissant ces pétales. Je cherche à créer des fleurs et de petites zones imprévisibles de couleur partout où je peux. Je n'essaie pas de les rendre cohérents. Maintenant, je vais commencer à remplir tous mes pétales. Comme vous pouvez le voir, nous avons construit beaucoup de couches en utilisant seulement deux couleurs d'aquarelle et différentes quantités d'eau. C' est la magie de l'aquarelle. Parce qu'il est translucide, vous pouvez créer autant de profondeur simplement en superposant ou en combinant même un petit nombre de couleurs. Maintenant que certaines parties de ce tableau sont sèches, vous pouvez également voir comment l' aquarelle change de couleur assez considérablement une fois qu'elle est sèche. La peinture semble beaucoup plus dynamique que vous la posez sur la page, mais peut changer de façon assez spectaculaire à mesure qu'elle sèche. Maintenant que j'ai une couche de base sur la plupart de mes pétales avec de l'aquarelle, je vais commencer à chercher comment je peux ajouter plus de profondeur à cette peinture en utilisant gouache acrylique parce qu'elle couche si merveilleusement et parce qu'elle est opaque, mais je ne suis pas tout à fait sûr de quelle couleur je vais utiliser. C' est à ce moment que je vais commencer à utiliser mon nuancier afin de voir quelles couleurs pourraient fonctionner. Je vais tester chaque couleur sur mon morceau de papier parce qu'il est difficile de voir comment ils vont se combiner jusqu'à ce que vous les voyez sur papier. Cette couleur n'est pas tout à fait correcte, puisque les couleurs de ma partie aquarelle de cette peinture ont séché un peu plus de brun que peut-être je l'avais prévu. Cette couleur fuchsia brillante va probablement se battre avec mon œuvre d'art plus qu'elle ne le complétera. Parce que je ne suis pas sûr que cette couleur soit tout à fait correcte, je la teste quelques fois juste pour voir si différentes viscosités de peinture, s'il y a plus de peinture ou moins de peinture, affectent vraiment si cette couleur fonctionnera avec ma peinture. Parce que la gouache acrylique est opaque, j'aurai moins de flexibilité quant à la quantité de variation que je peux obtenir dans mes couleurs pendant que je peins. Parce que la gouache acrylique ne déplace pas les couleurs de mouillé à sec, je peux avoir une idée claire de la façon dont ces couleurs vont fonctionner ensemble juste en les testant. Je n'ai pas à attendre qu'elle sèche pour voir si la couleur est complémentaire à ce que j'ai déjà peint. Je suis en train d'essayer une couleur différente plus pêche maintenant, mais je ne suis pas sûr non plus si ça va marcher. Une chose que je peux dire est que si vous êtes inquiet quand vous travaillez avec quelque chose comme lavage acrylique qui ne peut pas être réanimé à propos de gaspiller de la peinture quand vous mélangez des couleurs. Ne le sois pas. Chaque fois que vous créez de l'art, il peut être très facile de tomber dans ce souci gaspiller vos matériaux parce qu'ils sont précieux, ils ne sont pas bon marché. Ils viennent de partout dans le monde. Ils sont dans des bouteilles et des tubes très fantaisie. Mais la réalité est que les fournitures d'art sont destinées à être utilisées. Si avec quelque chose comme le lavage acrylique, vous avez de la peinture supplémentaire dans votre palette et vous ne voulez pas qu'elle soit gaspillée. Vous pouvez faire ce que je fais et avoir un carnet de croquis séparé où vous utilisez ces peintures supplémentaires pour créer fonds ou des blobs que vous pouvez ajouter des textures ou des motifs ou des peintures sur le dessus de plus tard. Cela peut être un excellent moyen de vous libérer de ce souci de gaspiller vos matériaux. Parce que la réalité est, c'est que ce n'est pas vraiment un endroit sain pour créer à partir de. Cela fait que vos ressources se sentent rares et vous met dans un état d'esprit où vous avez peur d'essayer de nouvelles choses. Être artiste, c'est vraiment essayer de nouvelles choses. Comme dans ce cas, je vais essayer une nouvelle couleur parce que je ne pense pas que cette pêche fonctionne non plus. Pour vraiment créer les contrastes que je veux créer dans cette pièce, je pense que je vais devoir atteindre une couleur plus foncée. Dans ce cas, je vais avec quelque chose de fidèle à la photo d'inspiration originale pour cette pièce. Une rose violette qui est merveilleusement brillante et aussi un peu translucide. Je peux laisser passer beaucoup de l'aquarelle sous ce spectacle. Maintenant que nous avons ajouté plus de profondeur et de dimension à tous nos pétales, je vais remplir le centre de notre fleur. J' utilise le même brun que j'utilise pour mélanger la couleur des pétales, pour que le centre de cette fleur la garde cohésive. Maintenant, les zinnias ont beaucoup de texture funky au milieu de leurs fleurs. Mais je pense que je vais essayer de simplifier considérablement cette texture pour que les pétales puissent rester le point focal de cette pièce. Je pense que si j'ajoute trop de détails au centre de la fleur, cela enlèvera les pétales. abord, je vais ajouter un peu plus de contraste au centre de la fleur, parce que pour le moment je ne suis pas sûr qu'il fasse assez sombre pour se démarquer. Je remplis avec une couleur sépia pour vraiment faire le centre de la fleur pop et le fait pop. Je suis certainement au point de ce tableau maintenant où je dois laisser le tableau parler de lui-même. La seule chose que je remarque en ce moment est qu'il n'y a pas assez de points saillants sur mes pétales. Dès que j'ai la forme, le centre de ma fleur juste, je vais y aller et ajouter quelques reflets supplémentaires et une couleur rose pâle juste pour faire ressortir ces pétales, pour faire en sorte que certains pétales se sentent comme ils se présentent dans cette luxueuse fleur que nous essayons de peindre. Porter une attention particulière au contraste est toujours un moyen d'élever votre travail. Assurez-vous que vous avez suffisamment d'ombres et de reflets pour donner de la profondeur à votre peinture. Cela est vrai que vous essayez de peindre de façon réaliste, ou que vous abstrayez votre sujet ou peignez d'une manière moins réaliste. Si la valeur est quelque chose qui vous intimide, vous pouvez d'abord obtenir une meilleure prise en main en travaillant dans un monochrome pendant un certain temps sorte que la seule décision de couleur que vous avez à prendre est claire ou sombre. Ou si vous travaillez avec une palette complexe et colorée, vous pouvez prendre un moment et simplement prendre une photo de ce que vous peignez sur votre appareil photo. Passez en niveaux de gris, il vous montrera immédiatement quelles sont les valeurs dans votre travail séparément des couleurs. Parfois, je vais même tester deux nuances de peinture sur mon papier. Ensuite, prenez une photo pour vous assurer qu'il y a assez de contraste entre deux couleurs différentes que je pourrais penser à utiliser. L' autre chose qui pourrait être intéressant de noter ici est que j' utilise un rose pâle pour les reflets, pas un blanc. Parfois, lorsque nous utilisons un blanc pur pour créer des reflets sur notre art, cela peut faire une transition vraiment dure et rendre votre image moins réaliste et aussi un peu délavée. L' utilisation d'une couleur plus saturée que vous dessinez de votre pièce peut créer des reflets qui se sentent plus à l'aise sur votre sujet. Utilisez uniquement du blanc dans les zones qui sont absolument les plus brillantes. Maintenant que j'ai quelques faits saillants qui se sentent bien, je vais retourner au centre de la fleur. J' ai décidé, je vais juste le simplifier en faisant quelques points très simples. Cela donnera une idée de ces petites fleurs complexes qui sont assis au centre de zinnia sans ajouter trop d'informations visuelles. Il a aussi un élément d'art populaire vraiment amusant que je creuse. Il se connecte à toutes les rayures que j'ai utilisées sur les pétales de cette fleur, qui fait qu'elle se sent presque comme un patchwork. Parfois, ce qui se passe quand j'utilise une petite brosse, c'est qu'elle laisse tomber un gros morceau d'eau parce que je n'ai pas nettoyé toutes les gouttes de ma brosse. Ceci est plus nocif lorsque vous utilisez une petite brosse et essayez de créer des détails. Mais vous pouvez facilement mélanger cette masse d'eau et ensuite vous pouvez facilement peindre dessus parce que le lavage acrylique est un milieu opaque. Je vais attendre que cette zone sèche pour que je puisse réparer ça. En attendant, je vais ajouter un peu plus de contraste à quelques zones de ce tableau. J' utilise juste le brun que j'ai utilisé pour le centre avec ce violet rose pour créer un ton légèrement plus sombre afin que je puisse avoir un peu plus de profondeur. À ce stade, je suis presque à la fin de ce tableau. Je continue juste à faire du bruit avec n'importe quelle petite zone qui, je pense, peut utiliser le travail, en ajoutant de la texture, de la profondeur ou des détails. Mais c'est tout ce qu'il y a. Il suffit de chercher les pièces qui se sentent encore un peu décalées et de voir ce que je peux faire à ce sujet. Il n'y a pas de science fantastique dans cette partie du processus. C' est juste d'observer de près votre peinture et de faire attention. Je vais aussi réparer ce petit smoosh au milieu de ma fleur en peignant sur cette zone avec de la peinture brun foncé. J' ajouterai mes points dès qu'il sera séché. C' est l'autre partie réelle du lavage acrylique parce qu'il est moins aqueux que l'aquarelle, vous pouvez le sécher sans aucun problème. Alors qu'avec l'aquarelle, le sèche-cheveux peut pousser votre pigment autour et généralement contrer les belles dégradations de couleur que vous avez créées. Maintenant, je pense que cette pièce pourrait juste être finie. Avec cela, nous passerons à notre prochaine leçon, où nous explorerons le monde merveilleux des crayons. 11. Leçon 3 : crayons: Bienvenue à la leçon numéro 3, crayons. Peut-être que c'est un médium qui ne vous effraie pas, mais qui ne vous impressionne pas beaucoup non plus. Après tout, la plupart d'entre nous ont utilisé des crayons pour noter des pensées depuis que nous étions insensibles, mortes. Mais les crayons peuvent venir dans beaucoup de variétés différentes pour beaucoup d'effets différents. Nous examinerons deux grandes catégories de crayons. crayons de graphite comme vous pourraient esquisser avec, et des crayons de couleur qui peuvent être liés avec de la cire, l'huile ou même de l'aquarelle. Les crayons en graphite viennent à différents degrés de dureté, ce qui affectera l'obscurité de vos coups, la quantité de pression que vous devez appliquer, et combien ils vont tacher. Les crayons H sont plus durs, crayons HB sont moyens, et B sont les plus doux. Plus votre crayon tache, plus il est probable que le pigment lâche sur votre page teintera votre peinture si vous peignez dessus. Passer aux crayons de couleur, la dureté et le pigment varient selon les marques. crayons de niveau passe-temps aura beaucoup de liant par rapport au pigment, ce qui va couper les couleurs que vous voyez sur votre page. Alors que les crayons de qualité artistique auront beaucoup moins de liant et seront plus vibrants et nécessiteront probablement moins de pression pour obtenir de belles couleurs. Si votre crayon est très cireux, se peut que vous ne puissiez pas non plus mettre de la gouache sur le dessus. Donc c'est quelque chose à garder à l'esprit. L' autre chose à considérer est que si la plupart des crayons sont résistants à l'eau , au moins, vous voudrez garder votre œil sur le symbole du pinceau sur vos crayons. Croisez toutes les marques, cela indiquera que le crayon s'activera avec de l'eau, ce qui est amusant mais très problématique si vous voulez peindre sur le dessus. Maintenant que nous avons une fondation, jouons avec nos invites. Tout comme dans les expériences précédentes, nous allons commencer par faire des zones de couleur. La chose unique à ce sujet, c'est qu'on utilise un crayon, pas un pinceau. Donc faire des zones de couleur sera un peu différent. abord, vous remarquerez que la zone de couleur que je crée dépend de l'angle auquel je tiens le crayon. Vous pouvez voir les marques sur la page, même lorsque je couche le crayon sur le dessus. Une caractéristique définissant des crayons de couleur et d'autres supports durs comme celui-ci est que vous ne pouvez pas mélanger les couleurs sauf pour sur la page superposant un crayon de couleur. Crayon comme ce crayon magique Koh-I-Noor est vraiment amusant à utiliser parce que le plomb est en fait plusieurs couleurs différentes et qui crée tout un tas de dimension sur la page. Maintenant, faisons quelques marques avec un crayon graphite. De la même façon, vous verrez que la façon dont je tiens le crayon est la façon dont les marques sortent. Je peux également utiliser des techniques comme la hachure pour créer des zones de couleur qui ont un peu plus de texture pour eux. Je vais continuer à créer des zones de couleur et quelques-uns de mes autres crayons. La première chose que vous pourriez remarquer est Elena, vous avez trop de crayons, et à cela je dis : « Bien sûr que je le fais. » J' adore les crayons. Mais vous pouvez également remarquer que vous pouvez créer des zones de couleur assez facilement, même si cela prend un peu plus de temps que lorsque vous utilisez un pinceau. Si vous cherchez à remplir de grandes zones de couleur rapidement, crayons de couleur ou crayons en général, peuvent ne pas être pour vous. Maintenant, nous n'avons pas à attendre que nos crayons sèchent, mais je veux explorer ce qui se passe quand on ajoute de l'eau à ces différents crayons. Maintenant, ce premier crayon est en fait un crayon aquarelle et vous pouvez voir qu'en ajoutant de l'eau, vous éliminez toutes les marques et les lignes complètement. Alors que le deuxième crayon ne peut pas être réactivé avec de l'eau et rien ne se passe. Vous constaterez que différents crayons ont différentes réactions. La plupart des crayons de couleur sont cireux ou à base d'huile, sorte qu'ils ne se réactivent pas à moins qu'ils ne soient spécifiquement des crayons aquarelle. Lorsque nous passons dans les crayons de graphite, vous commencerez à remarquer que le pigment lâche de ces crayons se lèvera lorsque vous ajoutez de l'eau. Ce n'est pas significatif, mais vous le remarquerez, surtout si vous mettez de la peinture sur ces crayons en graphite, les choses peuvent sembler un peu grisées. Ceci est une partie de la raison pour laquelle beaucoup d'artistes vont utiliser des crayons de couleur pour esquisser sur leur papier aquarelle parce que le pigment est moins susceptible de saigner dans votre travail, et même si c'est le cas, une couleur colorée sera un beaucoup plus gratuit à votre travail qu'un gris graphite. Autre chose à noter est que lorsque vous travaillez avec des crayons aquarelle comme ce gars ici, vous pouvez également dessiner dans les zones humides pour un fait amusant. Dans ce cas, vous pouvez voir que le crayon lui-même a laissé un peu de la ligne derrière lui. Vous pouvez également simplement esquisser dedans, ce qui vous donnera une ligne de crayon plus douce avec moins de cette texture grineuse que vous associez avec des crayons. Essayons de faire quelques marques. C' est un crayon 5H, ce qui est très dur. Cette dureté signifie que vous devrez utiliser plus de pression pour obtenir du pigment sur la page et vous ne serez pas en mesure de créer des zones sombres de couleur. En opposition, c'est un crayon 6B, qui est très doux et peut créer des zones sombres sans presque aucun effort. L' autre chose que j'aime au sujet des crayons est que vous pouvez créer des marques avec une épaisseur similaire assez facilement, ce qui rend les techniques comme l'éclosion très efficaces. Vous pouvez également créer de petits cercles ou d'autres marques qui ajoutent de la texture à votre travail. L' autre chose que j'aime faire avec des crayons est un joli vieux gribouillis. Changer ma prise, ce qui rend le crayon imprévisible et si fluide. J' aime vraiment faire ça et ce n'est pas quelque chose que vous pouvez facilement faire avec la brosse. Maintenant que nous avons terminé la plupart de nos expériences, j'ai une bien meilleure compréhension de l'endroit où je veux utiliser des crayons dans mon travail de médias mixtes. Prenons ça avec nous en sautant dans notre prochain projet. 12. Projet 3 : crayons: Bonjour, et bienvenue au projet numéro 3, où nous couvrirons les crayons, l' un de mes médiums préférés de tous les temps. Eh bien, vous pouvez utiliser des crayons de couleur sous la gouache acrylique. Ma préférence est de les utiliser sur la gouache acrylique parce qu'ils ajoutent une texture vraiment délicieuse. Je vais commencer ce tableau en descendant une couche de base de peinture. Cette peinture vient aussi avec ses propres défis uniques parce que je vais peindre cette fleur blanche. C' est un genre de marguerite dont je ne connais pas le nom, mais c'est bon. Lorsque vous essayez de créer des pétales blancs pâles sur une feuille de papier blanc pâle, il peut être utile d'incorporer d'autres couleurs afin d'ajouter de la profondeur et de la dimension à cette fleur. De plus, les fleurs blanches pâles ne sont pas toutes blanches. Vous verrez qu'ils ont encore une tonne d'ombrage et de reflets. Il y a des zones plus sombres et des zones plus lumineuses. Maintenant, je vais commencer le centre jaune de ma fleur. Je veux que ce soit vraiment plat et opaque, donc ça va contraste avec le crayon de couleur que je vais mettre dessus. Une chose que vous remarquerez peut-être, ce point dans le processus est que gouache acrylique a tendance à remplir la dent du papier, surtout si vous travaillez sur un papier plus lisse comme moi, mais ne vous inquiétez même pas à ce sujet. J' ai un petit truc dans ma manche que je te montrerai quand on arrivera à cette partie du processus. Vous remarquerez que j'utilise un pinceau assez petit pour cette partie du processus, et c'est parce que c'est juste ma préférence. N' hésitez pas à utiliser un pinceau plus grand pour remplir de plus grandes zones de couleur comme vous le souhaitez. Utiliser un pinceau plus grand peut également être un moyen incroyable d'ajouter plus de relâchement à votre travail parce que vous avez moins de contrôle lorsque vous avez un pinceau plus gros avec lequel vous travaillez. Dès que nous avons rempli le centre de la fleur, je vais continuer cela sous la peinture en commençant à peindre les pétales de cette fleur. J' ai l'intention d'utiliser une variété de couleurs pâles pour rendre mes pétales vraiment pop. Je veux aussi que ça se sente un peu magique parce que j'aime la forme de ces pétales. J' utilise une pêche pâle, un violet pâle, un bleu pâle et un gris aussi. C' est plus neutre pour rectifier la pièce. Je vais également laisser certains pétales blancs et les esquisser au crayon de couleur pour vraiment créer plus de profondeur. Parce que la gouache acrylique ne se réactive pas avec de l'eau et peut sécher, je ne mélangerais normalement pas tout un tas de couleurs à la fois. Je mélange normalement des choses une à la fois mais dans ce cas, je veux être en mesure de m'assurer que toutes ces différentes couleurs se sentent équilibrées autour de l'extérieur de ma fleur. Pour ce faire, je vais peindre plus d'une couleur à la fois, en gardant un œil sur la composition. J' ajoute aussi un peu plus d'eau que j'utiliserais habituellement parce que je veux qu'il y une certaine transparence dans ces couleurs et je veux m'assurer qu'elles sont très douces pastel. Maintenant, commençons à peindre nos pétales. Maintenant que j'ai une couche de base de couleur vers le bas, je vais fouetter mon arme secrète préférée et c'est clair Gesso. Beaucoup de fois, lorsque nous peignons avec de la gouache acrylique, il peut remplir la dent de la page et rendre difficile d'utiliser un médium plus dur comme crayons de couleur sur le dessus et obtenir une couleur pigmentaire nette et brillante. J' utilise le gesso clair sur les zones de couleur et partout où je veux vraiment belles lignes de crayon nettes. Parce que le gesso ajoute une partie de la dent à mon papier, je n'ai pas besoin d'utiliser autant de pression pour obtenir une bonne quantité de pigment de mes crayons de couleur. Ça veut dire que je ne finis pas par graver dans ma page et laisser derrière moi des lignes pâles cireuses. gesso transparent est un médium qui est généralement utilisé, toiles de préparation ou des panneaux de bois pour la peinture sur. L' autre chose que j'aime à travailler avec Gesso clair est qu'il crée en fait plus de dent pour ma page lorsque je travaille avec de la gouache acrylique aussi bien. Parfois, si vous avez construit beaucoup de couches de couleur, vous pouvez obtenir une finition plastifiante qui fait bouger votre peinture d'une manière bizarre. Gesso peut fonctionner comme un bouton de réinitialisation qui redonne à votre papier sa dent et permet à votre peinture de s'asseoir exactement où vous le souhaitez. L' autre chose à noter est que le gesso peut avoir un léger éclat, mais je trouve qu'il n'est pas assez brillant pour vraiment nuire à la beauté mate de la gouache acrylique. Gesso peut sécher assez rapidement, donc j'aime réappliquer pour m'assurer que j'ai une couche épaisse et uniforme qui ramasse le pigment de mes crayons de couleur. D' habitude, je demande juste jusqu'à ce que j'ai épuisé tout le gesso que j'ai évincé. De cette façon, je n'en gaspille pas. Vous voudrez également vous assurer que cette zone est sèche à 100% avant d'essayer d'utiliser d'autres médiums sur le dessus comme des crayons de couleur ou même d'autres couches de gouache. Le gesso ne peut fonctionner comme une barrière que s'il est parfaitement sec. À ce stade, je commence à choisir différents crayons de couleur pour commencer à ajouter plus de détails à cette marguerite. J' ai quelques crayons de couleur dans différentes valeurs de gris chaud et c'est là que je vais commencer. Quand je travaille avec des crayons de couleur en particulier, j'ai tendance à tester mon papier beaucoup. La couleur du crayon réel a souvent très peu à voir avec la couleur du pigment qui va sortir de ce crayon, il est donc préférable de tester avant de sauter sur votre peinture. Surtout quand j'ai affaire à la valeur, je veux m'assurer que j'ai bien ce qu'il faut. Je veux que ces pétales ressemblent à des pétales blancs pâles, pas à quelque chose de plus sombre. Je vais juste aiguiser mes crayons pour m' assurer que je vais avoir des lignes nettes, mais peut-être ne fais pas ça au-dessus de ton papier parce que tu pourrais avoir des miettes de crayon sur ton papier. Ce n'est pas ce qu'on veut. Maintenant, je vais commencer à faire du travail en utilisant mes crayons de couleur pour former des pétales. J' utilise la couleur la plus claire du gris chaud que je possède, dans ce cas gris chaud numéro 1 afin qu'il ressemble le plus à une couleur pétale pâle. Je chevauche ces pétales avec les pétales que j'ai déjà peints pour donner à ma fleur l'impression qu'elle est luxuriante et pleine de pétales. L' autre chose que nous pouvons observer pendant que je travaille avec ce crayon de couleur est la rapidité et sans effort qu'il fait le travail de ligne. Parce que j'aime tellement les crayons de couleur, il y avait une longue période de temps où j'ai pensé aux crayons de couleur comme la tricherie. Comme si je passais à eux parce qu'ils étaient plus faciles et cela rendait ma peinture moins valide. Mais s'il y a une chose que je veux que tu retiennes de ce cours de médias mixtes, c'est qu'il n'y a pas de tricherie. Cela fait partie de la joie des médias mixtes, c'est que vous pouvez toujours trouver le bon outil pour le travail. Si vous cherchez à faire quelque chose avec beaucoup de texture, vous pouvez atteindre pour les crayons, mais si vous êtes à la recherche de couleur plate, vous pouvez atteindre la gouache. Si vous voulez granulation, vous pouvez atteindre l'aquarelle ou la portabilité. Chaque matériau a son propre ensemble de compétences. Vous pouvez utiliser cela à votre avantage pour faire de l'art plus rapidement ou simplement pour faire de l'art d'une manière qui vous semble plus joyeuse. Maintenant que j'ai fini avec les pétales, je vais passer à ajouter des détails au centre de la fleur. C' est l'une de mes parties préférées de cette fleur particulière qu'elle a tellement belle texture. Je teste juste des crayons pour trouver la bonne teinte pour commencer à ajouter des détails. Ensuite, je vais aiguiser mon crayon pour que je puisse faire des marques nettes sur la page. Pendant que nous jouions avec nos crayons pendant notre leçon, l' une des choses que j'ai trouvé un intérêt particulier était la façon dont vous pouvez obtenir des marques nettes et précises lorsque vous travaillez avec un crayon de couleur. Pour cette raison, je vais essayer de faire une variété de trappes et de cercles pour recréer les détails texturaux au centre de cette fleur. A cause de ça, je vais devoir beaucoup aiguiser mon crayon. Je dois m'assurer que ces crayons plus doux restent pointus afin que je puisse créer des lignes nettes. J' utilise également une variété de couleurs afin de créer de la profondeur. J' utilise une couleur plus claire pour créer les marques où je pense que la lumière frapperait cette fleur particulière et une couleur plus foncée, où je pense que les ombres atterriraient. Avec ces dernières marques de crayon, je pense que c'est fini. Maintenant que nous avons terminé ce projet particulier, nous pouvons passer à la leçon numéro 4, où nous allons couvrir les panpastels et les pastels doux. 13. Leçon 4 : Pastels doux: Bonjour, et bienvenue à la leçon numéro 4. Nous sommes à plus de la moitié de la classe maintenant. Nous allons couvrir les pastels doux dans cette leçon. pastels sont un milieu très cool. Ils sont les plus proches que vous pouvez obtenir d'utiliser des pigments purs, car la plupart des pastels doux sont juste un pigment avec un liant d'argile minimal. C' est pourquoi, quand on travaille avec des pastels, on parle en fait de peinture, pas de dessin. Ils varient largement en dureté, allant du plus doux qui couvrira même vos mains lorsque vous ramassez ces pastels, au plus dur qui peut créer des marques et des détails plus fins. pastels peuvent être présentés en petits blocs ou pépites ainsi que des crayons ou des stylos. Maintenant que nous avons une compréhension de base de ce médium, passons dans nos expériences. Nous commencerons, comme nous avons commencé toutes nos expériences, en créant des zones de couleur. J' utilise ce pastel doux fait main de Jackson dans ce rose fluorescent, qui se détache immédiatement sur mes mains avec même le toucher le plus léger. C' est pourquoi, quand je l'utilise sur le papier, j'utilise un toucher très léger pour répandre le pigment. Si j'appuie trop fort, ça va laisser un ton de poussière sur la page. Je peux également changer la poignée et utiliser le côté du pastel pour créer des marques aussi bien. Zones de couleur. Vous verrez que vous pouvez voir beaucoup de la dent de la page et c'est juste à cause de la nature de ce crayon particulier que j'utilise. En comparaison, ces crayons pastel de Conte sont beaucoup plus durs, peuvent vous donner plus de notes et de détails. Prochaine étape, PanPastels. Ceux-ci viennent avec toutes sortes de petits outils de maquillage amusants que vous pouvez utiliser pour étaler les pastels. Vous pouvez également bien les mélanger avec ces outils ou vos mains. Je vais toujours utiliser mes mains pour mélanger les choses parce que ça fait un gâchis délicieux. Le prochain pastel que je vais utiliser est ce pastel plus dur de Prismacolor. Vous verrez qu'il crée des détails plus fins et ne se mélange pas aussi facilement que celui Jackson en haut et c'est la différence entre pastels durs et pastels doux. pastels doux sont si doux et doux que vous pouvez mélanger presque toutes les marques. Alors qu'un pastel plus dur va laisser quelques marques sur la dent de la page même lorsque vous la mélangez. Vous pouvez également utiliser des pastels pour créer différents types de marques, comme ces marques d'assouplissement que j'ai faites avec le bord du pastel. L' autre chose à noter lorsque vous travaillez avec des pastels est que vous ne pouvez pas mélanger des couleurs comme avec des crayons. Tout votre mixage doit se produire sur la page. Vous pouvez le faire en chevauchant vos crayons ou en utilisant leur bavure pour les mélanger ensemble. Maintenant, ces deux couleurs peuvent ne pas avoir fait le mélange le plus lisse, mais vous obtenez le point. Vous pouvez mélanger sur votre page avec des pastels. Lorsque vous commencez tout juste, il est probablement utile de noter que vous ne voulez pas mélanger des couleurs très sombres et très claires ensemble. Ce sera beaucoup plus difficile. Commencer avec des couleurs de milieu de gamme le rend beaucoup plus indulgent. Maintenant, j'essaie ce pastel Schmincke. C' est probablement le pastel le plus doux que je possède. Ils sont beaucoup plus chers que les pastels carrés que vous voyez ci-dessous et vous pouvez voir à quel point le pigment se transfère même à mes mains. Ils sont très, très doux. Vous pouvez créer des marques plus fines, mais ce ne sera pas le plus facile avec les pastels doux. Cela dit, les mélanger dans des zones lisses de couleur est si facile. Maintenant, je vais prendre une minute pour faire de la place ici afin que nous puissions tester comment ces pastels se comportent si nous les combinons avec de l'eau. Maintenant, comme un crayon graphite, pastels ne s'activent pas vraiment avec de l'eau. Ce qui se passe vraiment, c'est que l'eau se combine avec le pigment lâche sur la page et devient plus mobile. Cet effet sera plus prononcé sur les pastels plus doux. Vous pouvez vous débarrasser de presque toutes les marques et créer ces effets très éthérés et nuageux avec les pastels. Avec un pastel plus dur comme cet ocre jaune, quelques marques seront laissées derrière parce que le pigment est poussé plus fermement dans la page. Vous pouvez le voir encore avec les crayons Conte que nous avons utilisés. La plupart des marques sont laissées derrière et une partie du pigment lâche se déplace lorsque nous ajoutons de l'eau. La caractéristique déterminante de ces pastels est leur tache. Je veux juste jouer un peu plus avec la façon dont je peux les déplacer sur la page pour créer différents effets. Comme pour cette ligne, par exemple, je peux l'écraser dans la direction que cette ligne va juste pour créer un peu de douceur, ce qui, homme, serait beau pour un paysage. Vous pouvez également utiliser la bavure des pastels mélangés avec un papier pour masquer des parties de la page pour créer des lignes nettes simplement en mélangeant le pastel sur le bord de la page. C' est une façon de surmonter le fait que les pastels ne sont vraiment pas les plus idéaux avec des lignes fines et des détails. Vous pouvez utiliser un modèle papier pour créer une ligne plus nette. Maintenant que nous avons une compréhension plus approfondie de la façon dont nous pouvons utiliser ces pastels au mieux, passons à notre quatrième projet. 14. Projet 4 : Pastels doux: Bonjour et bienvenue à notre quatrième projet. Dans ce projet, nous allons travailler avec des pastels doux et je vais peindre un tournesol. Je pensais que la texture grincheuse des pastels doux pourrait être vraiment incroyable pour créer toute la texture au centre d'un tournesol. Je voulais jouer avec l'ombrage. Parce que nous avons découvert dans nos expériences qui s'évanouissent laisse une tonne de pigment lâche sur votre papier, je vais commencer par créer un sous-tableau parce que je ne pense pas que le lavage acrylique fonctionnera très bien sur les pastels. J' aime la couleur chaude et pâle du tournesol dans l'image de référence que j'ai choisie. Je mélange un peu de corail avec un jaune de Naples pâle pour me rapprocher de ce ton. Mais je ne veux pas en faire trop. J' utilise aussi juste une vieille ombre brûlée pour le centre du tournesol. J' adore que c'est un peu translucide et qu' il fait assez sombre pour que les pastels apparaissent vraiment dessus. C' est une autre chose merveilleuse avec les pastels, est que parce qu'ils ne sont que des pigments et des liants d'argile, ils sont assez opaques. Une fois que j'ai fini de remplir le centre du tournesol, je commencerai à travailler sur les pétales de cette couleur jaune que j'ai mélangée. Tout comme dans les projets précédents, j'utiliserai différentes quantités d'eau pour créer des tons différents afin que les pétales aient l'air tridimensionnel et enterré. Maintenant que nous avons fini de peindre tous les pétales et le centre de notre fleur, nous pouvons travailler avec nos pastels pour créer des reflets et des ombres, et de la texture au milieu de la fleur. Maintenant, la divulgation complète lorsque vous essayez de créer des ombrages avec des pastels, il est préférable de commencer avec une couleur de milieu de gamme et de travailler plus foncée ou plus claire si nécessaire. Mais j'ai en fait zéro couleurs milieu de gamme, surtout dans mes PanPastels. Je ne sais pas pourquoi ? Mais quand j'achète ces PanPastels, je n'ai commandé que des tons de terre foncés, ce qui n'est pas vraiment la palette que j'utilise dans mon travail. Mais nous allons lui donner un effort solide. Je suis aussi vraiment intrigué par ces outils de maquillage drôles qui viennent avec les PanPastels. Je veux voir comment je peux utiliser ces formes pour ajouter de l'ombrage. Maintenant, vous pouvez immédiatement voir que c'est assez sombre. L' un des avantages des pastels est qu'il y a milieu à base de pigments et je peux les effacer dans une certaine mesure avec une gomme. Je peux aussi les tacher pour les adoucir. J' essaie d'observer attentivement mon sujet, ainsi que ma peinture elle-même, afin de déterminer où seront ces ombres. J' essaie aussi de suivre la forme des pétales, même si j'utilise cet outil imprévisible et difficile. Si j'essayais de créer un tournesol qui semblait très réaliste dans le pastel et la gouache, j'aurais probablement besoin de beaucoup plus de couleurs parce que je voudrais avoir une gamme de couleurs que je peux mélanger pour créer des zones de couleur dans les graduations, pour créer ton et ombre. Mais ce n'est pas ce que je fais ici parce que j'ai une palette si limitée d' un petit ensemble bon marché de pastels et juste des couleurs terreuses sombres dans les PanPastels. Je joue juste pour voir comment puis-je créer des effets que j'aime qui évoquent un tournesol. Comme j'utilise cet outil drôle et compliqué pour créer des ombres et des ombres, vous verrez que je fais souvent des marques qui ne sont pas tout à fait là où j'ai l'intention d'être. C' est en fait pourquoi j'utilise cet outil. Je veux lâcher un peu le contrôle pour voir quels effets je peux créer. Souvent, lorsque nous travaillons sur une vraie peinture, même si c'est une peinture basse pression que nous ne créons pas pour un client ou ne donnons pas à un ami, nous pouvons nous mettre dans la tête et avoir trop peur de faire des erreurs. En cherchant un outil qui rend presque inévitables les erreurs, je peux lâcher ce sentiment de perfectionnisme et trouver beaucoup plus de joie dans mon travail. Cela peut aussi être la joie d'atteindre ces matériaux de médias mixtes en premier lieu. Je suis assez à l'aise avec la gouache. Quand j'utilise la gouache, je peux finir dans un endroit très perfectionniste parce que je connais les résultats que je peux obtenir et je sais comment les obtenir. Mais quand je passe à un matériau comme les pastels avec lequel je suis beaucoup moins à l'aise, cela peut ouvrir un tout nouveau domaine d'exploration et d'observation. Parce que je dois être consciente de ce que je fais à chaque instant. Je ne peux rien prendre pour acquis. Cela me laisse aussi beaucoup d' occasions de pratiquer mes compétences pour résoudre des problèmes créatifs. Je sais comment résoudre les problèmes quand je travaille avec de la gouache acrylique ou des crayons de couleur, qui sont mon endroit sûr. Mais je ne sais pas forcément comment résoudre certains problèmes créatifs quand je travaille avec un matériau comme le pastel. Surtout dans ce cas, l'ombrage. J' aurais pu le faire à la gouache en utilisant une gouache aqueuse. Mais trouver une nouvelle façon de résoudre ce problème créatif d'ajouter de l' ombrage et de la dimension à mes pétales est beaucoup plus intéressant. Maintenant, je continue à utiliser ces mêmes techniques au centre de la fleur. J' aime absolument la texture du centre d'un tournesol. Il a tellement de texture intéressante. J' utilise ce PanPastel et juste mon doigt nu pour essayer de refléter ces textures. J' utilise également plus des outils spongieux de ces drôles qui sont fournis avec mes PanPastels pour voir quelles textures je peux créer. Je pense que ce sont là un défi amusant. Il peut également être intéressant de noter que tous mes petits outils de mes pastels de stylo sont absolument dégoûtants, ceux-ci peuvent être lavés juste à l'eau et un peu de savon si vous en avez besoin, mais je ne l'ai pas fait. En parlant de garder les choses bien rangées, il peut également être intéressant de noter que lorsque vous travaillez avec quelque chose comme des pastels doux à la craie, vous voudrez peut-être garder un chiffon de rechange à côté de vous pendant que vous travaillez pour nettoyer vos doigts parce que ces pastels mous vont se transférer à vos doigts et peuvent faire un gâchis de votre travail si vous essayez de baver les choses autour. J' ajoute maintenant un vert plus terreux parce que je n'ai que des couleurs de terre foncées à ma composition pour essayer d'ajouter plus de profondeur au centre de ce tournesol. Je vais aussi utiliser mon morceau de papier pour voir si je peux utiliser certaines de ces autres couleurs pour créer des ombres pour le tournesol. Maintenant, j'ai testé ce brun sur mon papier rebut et ça avait l'air super, mais il n'y a pas assez de contraste entre le brun et le brun que j'ai utilisé pour peindre le centre de ma fleur. Je teste un noir aussi, mais je crains que ce soit trop dur. J' ai peur de l'utiliser. Je vais chercher d'autres solutions afin d' ajouter du contraste au centre de mon tournesol. Apprendre à faire confiance à ces instincts créatifs fait partie intégrante de l'art que vous voulez faire parce que vous ne voulez pas avoir l'impression vous pousser d'un rebord sans nulle part où atterrir. Dans ce cas, je vais essayer d'utiliser le côté de ce pastel orange pâle, en arrachant un morceau pour obtenir un peu plus de texture au milieu de ma fleur. Au lieu d'ombrage d'une manière lourde avec une zone de couleur comme je l'ai fait avec les autres. J' essaie en fait de créer des marques de lumière ici qui ajouteront un intérêt visuel supplémentaire à ma fleur. Parce que je sais que c'est un pastel plus dur, je sais que même si j'efface ces lignes, certaines marques resteront sur la page. Maintenant, je pense que le centre de cette fleur a encore besoin d'un peu plus de détails, donc c'est là que je vais revenir avec du lavage acrylique. n'y a pas beaucoup de pigment lâche sur ma page, j'ai été très prudent. Je pense qu'en ajoutant une texture supplémentaire au centre de la fleur, cela rendra les choses un peu plus ensemble. Je vais créer une série de points autour des bords de ce milieu du tournesol ; les points sont un motif récurrent dans mon travail. J' adore comment ils font tout paraître, et c'est ce que je vais utiliser. Bien que je mélange une partie de cette couleur avec la pêche pâle à côté de lui pour faire une couleur légèrement plus douce. Je pense que cela fonctionnera mieux avec l'image de référence que j' ai et l'effet global que je veux créer. ce moment, j'utilise un gros pinceau pour faire ces points, mais j'utilise une assez petite quantité de pression pour que seul le haut de la brosse soit en contact avec la page. En opposition avec mon projet d'aquarelle, cette fois, j'essaie de faire des points imprévisibles qui se chevauchent pour créer les textures d'un tournesol. Je ne cherche pas quelque chose de précis. J' utilise aussi un mélange de rose que je viens de mélanger et le jaune que j'ai utilisé pour créer les pétales de ma fleur pour dessiner ces pétales au centre. Maintenant, cette peinture que j'utilise est assez translucide. Je sais qu'à mesure qu'il sèche, il sera moins opaque sur cette couleur marron profond. Parce que je travaille avec un lavage acrylique qui est assez visqueux, je peux utiliser mon sèche-cheveux Dandy pratique pour accélérer le processus parce que je suis impatient. Maintenant que tout est parfaitement sec, je peux continuer à ajouter plus de couches de couleur. Maintenant, je pense que je vais passer par le brun original que j'ai utilisé au milieu de ma fleur pour ajouter un peu d'ombrage et de texture supplémentaires. Maintenant, je vais juste ajouter des détails supplémentaires aux pétales aussi. Maintenant, ce n'est qu'un processus d'ajout de quelques détails finaux à ce tableau. Il suffit d'observer attentivement ce que je vois avant moi et évaluer ce que je pense que la peinture doit se sentir terminée. Dans ce cas, il y a quelques ombres de ma couleur la plus sombre ici, ainsi que quelques lignes et détails supplémentaires sur certains des pétales pour rendre cette fleur équilibrée. Vous remarquerez que j'utilise un peu de cet ocre jaune foncé sur certains de mes pétales, ainsi qu'une partie de ce jaune original qu'un mélange pour les pétales eux-mêmes. Maintenant, je vais juste ajouter un dernier détail à ce milieu de ma fleur parce que je ne peux m'empêcher, et ensuite je pense que je vais appeler ce tableau fini. Maintenant, nous allons passer à notre prochain projet, où nous allons couvrir les pastels à l'huile et les crayons de couleur. 15. Leçon 5 : crayons et pastels à l'huile: Bienvenue à la leçon numéro 5, où nous regardons les pastels à l'huile et les crayons. Il peut être drôle de regarder les pastels à l'huile et les crayons ensemble. Pour moi, les pastels à l'huile se sentent très chic et professionnel. Crayons me font penser à des livres de coloriage de la maternelle. Mais la vérité, c'est qu'ils ont beaucoup en commun. pastels à l'huile sont tout simplement pas d'huile de séchage, de cire et de pigment, et les crayons, ils gardent juste l'huile. Ils sont faits de pigment et de cire. La quantité de pigment dépendra de la qualité de vos matériaux, des crayons bon marché aux fournitures de qualité artistique plus sophistiquées. Maintenant, jetons dans nos expériences pour voir comment ces matériaux se comportent. Je vais commencer par faire des zones de couleur comme nous l'avons fait dans toutes les autres expériences. Dans ce cas, je vais m'en tenir aux mêmes familles de couleurs afin que nous puissions comparer la qualité entre les crayons moins chers, les crayons de qualité artiste, les pastels moins chers, et les pastels à l'huile de qualité artiste. La première chose que vous pouvez remarquer en regardant à travers ces zones de couleur est que les matériaux de qualité moins chers à la fois dans les crayons et les pastels à l'huile ont beaucoup plus d'espace à l'intérieur d'eux, et c'est le liant qui détient ces pastels ensemble. Les artistes plus chers matériaux de qualité auront moins de liant et plus de pigment. Maintenant, je passe à ajouter de l'eau à chacune de ces zones de couleur juste pour voir comment ils se comportent. Vous pourriez penser que les crayons de cire résisteraient à l'eau, et c'est là que vous auriez tort. Vous pouvez voir que le pigment commence immédiatement à s'activer dès que vous ajoutez de l'eau. Maintenant que nous passons à ces crayons, je veux juste noter, ils sont en fait entièrement solubles dans l'eau. Ils sont destinés à se réactiver avec de l'eau. Vous verrez que la couleur est en fait assez lisse et jolie lorsque vous ajoutez de l'eau, cela peut être un excellent moyen d'ajouter de la douceur à vos morceaux de crayon. En comparaison, les crayons de qualité moins chers qui ne sont pas destinés à être solubles dans l'eau ne réactivent pas vraiment tant que le pigment se déplace sur la page. C' est une autre façon que vous pouvez vraiment déterminer la quantité de pigment dans ces différents matériaux par rapport à la quantité de liant. C' est de là que viennent tous les espaces. Le liant incolore qui maintient les pigments ensemble. Nous allons maintenant ajouter de l'eau à nos pastels à l'huile pour voir comment ils se comportent. Maintenant, vous auriez raison si vous aviez supposé que cela ne va pas les réactiver, que l'huile non sèche fait en sorte que les pigments ne se réactivent pas avec de l'eau. Maintenant, je conseille de ne pas utiliser de l'eau au-dessus de vos pastels à l'huile, mais seulement parce que, surtout avec un pastel à l'huile de haute qualité qui est assez juteux, vous allez prendre un peu de ce pastel sur votre pinceau. Comme vous pouvez le voir avec le violet ici, je ne réactive pas la peinture. En fait, j'ai juste un peu de ce pastel très crémeux sur mon pinceau et je vais devoir laver mon pinceau pour le sortir. Maintenant, c'est un moment idéal pour souligner que c'est la raison pour laquelle vous allez vouloir utiliser des crayons et des pastels à l'huile sur le lavage acrylique en général. Passons maintenant à faire quelques marques. Maintenant, j'aime vraiment ces pastels à l'huile géants que vous pouvez obtenir de paysages. Ils sont vraiment chers. Vous voudrez vous assurer d'avoir des pastels à l'huile, pas leurs bâtonnets d'huile, qui sont totalement différents. Mais ils peuvent créer de très belles marques naïves, et sont super si vous travaillez gros. Mais ces mêmes pastels viennent aussi dans une taille plus petite, plus facile à gérer, ce qui vous donnera des moyens plus faciles de faire des lignes fines et des détails. Cela dit, les lignes fines et les détails ne sont pas vraiment la force des pastels à l'huile. Lorsque vous atteignez quelque chose comme les pastels à l'huile, vous cherchez probablement à être lâche, gestuel, et peut-être un peu plus naïf dans la façon dont vous travaillez. L' autre chose magique que vous obtenez lorsque vous travaillez avec des pastels à l' huile et des crayons est la texture au maximum. Chaque ligne a une tonne de texture et de zones de couleur à ainsi. Lorsque vous travaillez avec des crayons, si vous trouvez que vous avez besoin d'une pointe plus fine sur votre crayon parce que vous l'avez usé vers le bas. Vous pouvez juste l'aiguiser comme un crayon. Mais peut-être pas en plus de votre travail. Tout comme avec un crayon, cela vous donnera la possibilité de faire plus de ridules et de détails, en gardant à l'esprit qu'un crayon va s'user assez rapidement. Il ne maintiendra pas ce beau point longtemps. Tout comme avec les crayons, la direction de vos coups et la façon dont vous tenez votre pastel ou crayon vont également influer sur la texture que vous pouvez obtenir. Faire des marques circulaires ou des marques de hachure peut tous créer différents types de textures, ainsi que la pression que vous appliquez. L' autre chose que j'aime faire avec des crayons est de les couches. Parce qu'ils ont une certaine translucidité, vous pouvez les superposer l'un sur l'autre. Ils sont très crémeux et cela peut créer différentes variations de tonalité. L' autre chose sur laquelle je voudrais attirer l'attention lorsque nous nous concentrons sur les pastels à l'huile c'est la façon dont les pastels à l'huile peuvent être mélangés. Maintenant, ils sont épais et crémeux et les pastels à l'huile en particulier ne se dessèchent jamais. Ils sont fabriqués avec une huile non desséchante. Vous pouvez utiliser votre doigt ou tout autre outil destiné à tacher et répandre le pigment sur la page. Mais vous voudrez vous assurer d'utiliser différents doigts pour différentes couleurs. Vous voudrez également vous assurer que si vous balancez des couleurs comme celle-ci afin de les mélanger, qu'elles sont très proches les unes des autres. pastel à l'huile ne se propage pas tout à fait de la même manière que le pastel doux. Maintenant que nous avons une compréhension plus approfondie de ce matériel, passons à notre tout prochain projet. 16. Projet 5 : crayons et pastels à l'huile: Nous voici au début d'un autre projet. Cette fois, nous allons couvrir des pastels et des crayons à l'huile et une fleur mystérieuse que je ne connais pas le nom de parce que le site où je l'ai obtenu vient de l'appeler fleur rouge et jaune. J' aime absolument la texture sur les pétales de cette fleur, la façon dont ils se chevauchent, et la texture magnifique au centre de la fleur. Ce sont les choses sur lesquelles je vais me concentrer quand je peins cette fleur. Comme nous l'avons découvert dans notre leçon, pastels à l' huile et les crayons sont mieux utilisés sur le lavage acrylique. Nous commencerons comme nous commençons la plupart de nos projets en créant un sous-tableau que nous pouvons ajouter ces différents matériaux sur le dessus. Maintenant que nous avons une couche de base de peinture vers le bas, je veux juste passer à travers et ajouter quelques reflets aux pétales. Parce qu'il ne sera pas très facile de peindre sur les crayons, je veux m'assurer que la plus grande partie possible de la peinture est terminée avant de sauter dans cette partie de la peinture. Dans notre photo de référence, les pétales de cette fleur ont un bouquet de reflets subtils le long des bords des pétales, ainsi que dans les pétales du centre de la fleur. Je suis juste en train d'observer de près pour voir où je pense que ces faits saillants seraient. Chaque fois que j'ajoute des faits saillants avec du blanc dans le lavage acrylique, je l'utilise d'une manière très opaque. J' ajoute littéralement seulement la quantité minimale d'eau dont j'ai besoin pour le faire étaler sur la page et pas plus que cela, donc pas ma consistance habituelle d'une partie de peinture à une partie d'eau. Cela garantit que la peinture sera opaque et créera des reflets picturaux audacieux. J' utilise également ces faits saillants pour séparer ces pétales de premier plan des pétales qui sont plus loin à l'arrière de la fleur. Je pense que cela ajoutera beaucoup d'intérêt visuel. Maintenant, je vais aussi juste entrer avec un peu de jaune pour ajouter plus de détails. Comme je l'observe vivement, je peux voir que juste à côté du centre de la fleur n'est pas tout à fait brillant. Il y a une ombre qui se déclenche sur les pétales du milieu de cette fleur donc je veux que ma peinture reflète ça. Maintenant, pendant que j'attends que cette zone sèche, je vais commencer à tester différents crayons pour voir quelle sera la bonne couleur pour les marques rouges sur ces pétales. Tout comme avec les crayons de couleur, l'emballage extérieur de votre crayon, rare reflète vraiment la couleur réelle que ce crayon apparaîtra sur le papier. Dans ce cas, mon plan était d'utiliser mon crayon néo-couleur plus fantaisiste pour créer ces marques. Mais ce que je réalise, c'est que l'espace blanc accru dans les crayons Crayola du liant supplémentaire imite réellement les motifs sur les pétales de ma fleur plus que je ne pouvais l'espérer. C' est pourquoi il est important de tester les choses et d'observer attentivement vos matériaux. Parce que parfois, lorsque vous entrez dans un tableau, vous pouvez avoir une idée particulière des outils ou des techniques que vous souhaitez utiliser pour obtenir certains effets. Mais si vous ne faites pas attention, vous risquez de manquer d'autres occasions d'obtenir les effets que vous voulez d'une manière plus facile ou d'obtenir des effets que vous n'auriez pas encore pensé. Je pense que je vais utiliser ces crayons bruns et peut-être les crayons supérieurs aussi bien pour ajouter des détails au centre de ma fleur. Mais d'abord, commençons nos pétales. Je vais utiliser une pression très légère pour essayer d'obtenir autant de notes que possible avec ce crayon maladroit. Maintenant que nous avons une couche de crayon sur presque toute notre peinture, je veux juste ajouter un peu plus de contraste à ces pétales grossièrement près du centre de la fleur. J' utilise un ocre jaune ici parce que je veux qu'il semble un peu plus sombre et je vais utiliser un peu de ligne avec mon pinceau pour ajouter quelque chose qui me semble un peu plus précis quand j'ai tellement de choses qui se sent hors de contrôle et gribouillé. L' ocre jaune que j'utilise est une peinture opaque et je l'utilise un peu plus aqueuse afin que je puisse obtenir ces lignes nettes sans beaucoup de brossage à sec ou de difficulté. J' utilise une brosse de taille zéro ici afin que je puisse obtenir lignes très fines de manière cohérente sans beaucoup de difficulté aussi. Je n'essaie pas de décrire les pétales réels que j'ai esquissés initialement. Plutôt, j'essaie juste de créer des formes de pétales qui se chevauchent qui ajoutent de l'intérêt. Je vais aussi utiliser cette couleur pour ajouter de la texture au centre de ma fleur. Juste ajouter un peu d'une grille au milieu de cette fleur a déjà fait éclater beaucoup plus. Maintenant, je vais juste passer à travers le reste de ma peinture avec cette même couleur ogre pour ajouter plus d'ombres pour donner aux pétales un peu plus de définition. Cette partie d'une peinture consiste toujours à affiner les ombres et les reflets de cette pièce particulière. Dans ce cas, il y a un défi supplémentaire parce que je travaille avec une fleur qui est jaune très vif. Créer des ombres en jaune peut être assez difficile parce que vous ne pouvez pas simplement utiliser le noir avec le jaune pour assombrir la couleur. Parce que lorsque vous mélangez le noir et le jaune, il a tendance à devenir un peu vert parce plupart des noirs que vous allez acheter sont en fait un bleu très profond. C' est pourquoi j'utilise cette couleur ogre à la place pour créer des ombres. Ce n'est pas tout à fait la même couleur que les ombres sur mon image de référence, mais c'est bon parce que c'est ma peinture et je peux faire les règles. Alors que je fais ces ombres, je me concentre particulièrement sur les zones situées entre mes plus grands pétales parce que c'est là qu'il y a le plus d'ombre dans ma photo de référence, c'est là qu'il fait le plus sombre parce que c'est en arrière-plan de la peinture. Maintenant que j'ai fini d'ajouter des ombres, je vais passer par quelques faits saillants aussi, surtout au centre de la fleur, afin de la faire éclater. J' utilise une peinture très épaisse ici encore avec juste la quantité minimale d'eau pour m'assurer qu' elle est opaque pour créer des reflets nets. Comme dans toutes nos autres peintures, cette partie de la peinture est vraiment à peu près à observer de près. Où dois-je me demander plus de contraste ou plus de texture ou un peu plus de détails pour rendre la composition équilibrée ? Faites confiance à vos yeux. Ce qui semble le plus mal, c'est là que vous pouvez vous concentrer. Je ne fais qu'alterner ombre et surbrillance, ne faisant que prêter attention à ma peinture finale à ce stade. Ma photo de référence est passée par la fenêtre. Partout où je peux ajouter un peu de détails supplémentaires est tout droit par moi. Mais je pense que j'ai peut-être fini. Maintenant que nous avons terminé ce tableau, nous pouvons passer à notre prochaine leçon sur les stylos et l'encre. 17. Leçon 6 : stylo et encre: Bienvenue à notre avant-dernière leçon, encres et stylos. L' encre est fabriquée à partir d'une combinaison de suie et d'eau, souvent combinée avec des casiers pour la rendre imperméable à l'eau. Il peut être livré dans une bouteille ou dans un stylo. Les stylos eux-mêmes viennent également dans beaucoup de variétés différentes. Ils peuvent avoir des points à bille, des pointes de feutre ou même des pointes brossées pour imiter à l'aide d'un pinceau. Il y a aussi des encres de dessin et d'autres encres de couleur qui peuvent être faites de colorants, le plus souvent, ou de pigments. Ceux-ci seront généralement imperméables et assez brillants. Maintenant que nous avons la compréhension de base des stylos et des encres, passons à l'expérimentation. Je vais commencer à expérimenter avec mon encre noire préférée. C' est une encre de Sumi. Je ne peux rien lire sur la bouteille, mais j'ai mis un lien vers elle dans le guide des ressources de classe. Si tu l'aimes, c'est là que tu le trouveras. C' est une encre sombre incroyablement profonde. Je vais commencer ici, comme j'ai commencé toutes les autres leçons, en faisant des zones de couleur. Je peux vraiment vous en dire autant sur le matériel avec lequel vous travaillez. Ici, nous pouvons voir à quel point cette encre est profonde et sombre. Habituellement, quand j'utilise cette encre, je l'arrose considérablement. Je pense que ça marche vraiment magiquement pour faire des ombres. Vous pouvez voir la granulation qui se produit dès que vous ajoutez plus d'eau. Cela dit, il y a un changement considérable de couleur avec de l'encre humide à sèche. Au fur et à mesure que cette encre sèche, une grande partie de cette granulation que vous voyez disparaîtra et elle deviendra une surface plus lisse et généralement une surface plus légère. Ensuite, je vais essayer mon encre éternelle Higgins. C' est en fait la première chose que j'ai essayé. Je l'aime beaucoup, mais je déteste aussi le conteneur dans lequel il vient parce qu'il a ce petit morceau de papier qui repose sur le dessus du pot, ce qui rend incroyablement difficile de l'ouvrir sans avoir de petites taches d'encre tous sur tout ce qui se trouve sur votre bureau. Juste un avertissement juste. C' est un peu plus une encre bleue que l'encre Sumi. Travailler avec ces encres est également un bon moment pour essayer un autre outil. Dans ce cas, c'est un stylo. Ceux-ci commencent en fait à seulement quelques dollars, ils sont assez abordables et ils vous font sentir comme un vieux écrivain temporel, ce qui est très amusant. Ils sont parfaits pour créer des lignes imprévisibles de largeurs variables si vous pouvez les faire fonctionner. Parfois, ils peuvent être un peu agités, surtout si vous ne nettoyez pas les vôtres comme je ne veux pas le faire. Vous pouvez utiliser ce stylo plume pour littéralement tout ce que vous pouvez utiliser un stylo ordinaire pour. Mais cela crée une certaine précarité parce qu'ils sont imprévisibles et peuvent laisser tomber des blocs d'encre et faire des lignes plus larges. C' est pourquoi je préfère faire des marques avec un pinceau. Je me sens juste un peu plus en contrôle quand j'utilise un pinceau. Ensuite, je vais passer à l'encre de dessin Winsor et Newton. Maintenant, c'est la première encre que nous allons utiliser qui est en fait à base de teinture par opposition à une encre noire faite de suie. Vous pouvez immédiatement voir qu'il est super translucide et pas aussi sombre que les autres encres. J' adore cette encre. Je pense que vous pouvez construire de très belles couches de couleur, surtout quand vous le laissez sécher et construire plusieurs couches. Parce qu'il est brillant et lié avec de la laque, il remplit la dent de la page. Vous ne trouverez pas très facile d'esquisser sur cette encre avec un crayon ou un médium mince comme l'aquarelle. Maintenant que nous avons fait quelques zones de couleur avec notre encre embouteillée, commençons à jouer avec quelques stylos. Comme vous pouvez le voir, les stylos peuvent vraiment créer toute une variété d'effets différents selon le stylo que vous utilisez, selon la couleur de ce stylo, s'il est imperméable à l'eau et le type de plume que ce stylo a. La seule chose merveilleuse à propos du stylo est qu'ils peuvent créer un effet cohérent. Dès que tu auras récupéré ce stylo, tu sais exactement ce que tu auras. Maintenant, commençons à ajouter de l'eau à ces différentes encres pour voir si elles sont étanches ou non et comment elles se comportent. Une chose importante à noter est que chaque fois vous ajoutez de l'eau à un milieu pour vérifier s'il est étanche, vous devez vous assurer que vous avez suffisamment de temps pour sécher et guérir. Parfois, les matériaux peuvent sécher très rapidement, mais d'autres fois, ils prendront un peu de temps. Comme nous l'avons dit, cette encre de dessin Winsor et Newton est imperméable à l'eau, mais lorsque nous passons dans ce stylo flare, vous pouvez voir comment elle saigne d'une manière très cool dès que vous ajoutez de l'eau. Il y a en fait un artiste, Mike Lowery qui utilise cet effet dans ses tableaux. La plupart de ces autres stylos sont étanches. Maintenant que nous comprenons comment utiliser nos stylos, passons à notre prochain projet. 18. Projet 6 : stylo et encre: Bonjour et bienvenue à notre projet sur les stylos et l'encre. Dans ce projet, je vais peindre un cosmos, une de mes fleurs préférées à la fois dans la traversée d'animaux et dans la vraie vie. J' aime toutes les belles lignes qui composent l'ombrage sur chaque pétale. Je pensais que cela pouvait être très bien fait avec un stylo en feutre parce que je peux obtenir des lignes nettes cohérentes. Mais je vais commencer par, vous l'avez deviné, un sous-tableau de gouache acrylique pour poser quelques zones de couleur. Tout comme je l'ai fait dans ma leçon de crayon de couleur, je vais en fait utiliser une variété de différentes couleurs pâles. Juste parce que franchement, j'aime absolument l'effet et je veux voir comment je peux incorporer cet effet avec des stylos et une gouache opaque pour créer des ombres et des reflets. Un avantage de cette fleur cosmos est qu'elle n'a que quelques pétales très gros, donc il est beaucoup plus facile de remplir les zones de couleur. Lorsque vous travaillez avec beaucoup de petites zones de couleur détaillées, il peut prendre beaucoup plus de temps à peindre parce que vous devez être beaucoup plus précis. Vous remarquerez que je peins cette zone de couleur que j' utilise ma gouache d'une manière assez aqueuse. Ce n'est pas très opaque. Je fais cela afin d'obtenir des variations dans la quantité de valeur entre les différents pétales. Parce qu'il n'y a pas beaucoup de pétales sur cette fleur, je vais juste peindre un pétale dans chacune des couleurs que j'utiliserai. C' est bleu pâle, pêche pâle, et un pourpre pâle. Les autres pétales que je remplirai avec une gouache acrylique grise ou un peu d'encre pour voir la différence entre les textures dans ces deux médiums. Je vais remplir ce dernier pétale avec de l'encre, juste pour voir l'effet différent que je peux obtenir. Comme vous pouvez le voir, je l'ai beaucoup arrosé pour qu'il ne fasse pas trop sombre. Également en ajoutant délibérément certaines zones où l'encre peut grouper et grandir pour voir quels effets je peux obtenir. Maintenant que j'ai toute ma fleur peinte, je vais juste prendre une seconde pour tester le stylo que je prévois de l'utiliser pour créer des lignes fines et des détails, juste pour m'assurer qu'il fonctionnera sur les textures de peinture que j'ai utilisé et que c'est la bonne couleur pour compléter ma fleur, et il est. Maintenant, je vais passer à la création de points forts sur mes pétales avant de commencer à ajouter des ridules et des détails, surtout pendant que j'attends que toute cette encre sèche. Fais attention à ne rien tacher sur ton tableau comme je viens de le faire. Mais même si vous le faites, il est totalement facile de peindre sur cette zone, soulever avec de l'eau si c'est un milieu soluble dans l'eau, ou de simplement l'effacer, si c'est quelque chose de poudreux sur votre page. Ce n'est pas de mal, pas de faute si tu taches un peu des choses. Passons maintenant à l'ajout de ces surlignements. Puisque chaque pétale est peint dans une couleur très pâle, les reflets peuvent avoir l'impression qu'ils n'ont peut-être pas un impact visuel énorme. Mais la réalité est que même des changements subtils de couleur peuvent aider à ajouter beaucoup de détails à votre peinture. En fait, ce sont ces subtils changements de couleur qui vont aider votre peinture à se démarquer le plus. J' ajoute juste des reflets au bord de chaque pétale parce que c'est là que je vois sur ma photo de référence que la lumière frappe ces pétales le plus frappant. Je reviendrai peut-être plus tard, après avoir ajouté mon stylo pour ajouter quelques reflets plus subtils. Mais pour l'instant, mon plan est de finir ma sous-peinture en peignant au centre de ma fleur dans un joli jaune. J' utilise moins d'eau pour ce jaune que je l'ai fait sur mes pétales parce que je veux qu'il soit principalement opaque, tout comme le centre d'une fleur le serait. Une fois que cette zone est sèche, je vais la parcourir avec un stylo, tout comme je prévois de le faire avec les pétales pour ajouter de la texture et des détails. J' ai envisagé d'ajouter plus de lignes avec mon stylo gel, mais je ne pense pas qu'il fasse assez sombre pour qu'il apparaisse. Je vais juste passer à faire quelques lignes dans les détails avec cette doublure copique de taille 0,01, imperméable, fine. Il a une pointe de feutre qui peut parfois obstruer si vous l'utilisez sur la gouache acrylique. Mais je trouve que si c'est le cas, je l'ai littéralement mis dans de l'eau, laisse sécher, et ensuite je peux retourner travailler. J' avais l'habitude d'avoir cette croyance erronée que lorsque je fais des éclosions pour créer des ombres à la plume, je devais savoir exactement où chaque ligne devrait être et ils devaient tous être très risp et appropriés. Mais ce que j'ai appris, c'est que pour moi, j'aime mes lignes un peu plus lâches et un peu plus mystérieuses. Donc, comme je crée des marques de hachure, je ne bouge pas très lentement pour créer exactement les bonnes lignes précises. Je bouge très rapidement pour que chaque ligne ait beaucoup de mouvement et soit très fluide. Une chose que vous remarquerez peut-être aussi, c'est que j'ai tendance à saisir mes stylos comme si je m'accrochais pour ma chère vie, et cela signifie que la plupart du mouvement que je reçois vient de mon poignet. Cela rend mes lignes un peu vacillantes et c'est quelque chose que je viens d'embrasser dans le cadre de mon style. Mais si vous cherchez un mouvement plus fluide, des lignes plus lisses, il peut être utile d'examiner comment vous tenez votre stylo et comment vous tenez votre bras pendant que vous travaillez. Si plus de vos mouvements viennent de votre coude ou même jusqu'à votre épaule, vous serez en mesure de créer des lignes beaucoup plus lisses lorsque vous travaillez avec un stylo comme celui-ci, surtout parce que les lignes sont si sombres et montrent chaque petit mouvement assez dramatiquement. Chaque ligne que je fais est destinée à représenter une ombre que je vois sur ma photo de référence sur les pétales de ces fleurs. Les zones les plus sombres sont des ombres. C' est pourquoi je suis très attentif à ce que je travaille. Quelles sont les zones les plus sombres de ma photo de référence ? Je n'essaie pas d'imiter exactement ce que je vois, mais j'essaie de faire attention à la façon dont ces pétales particuliers fonctionnent. Quand je travaille avec un stylo comme celui-ci, la proximité de mes lignes ou des marques que j' utilise est ce qui déterminera les zones les plus sombres. Je ne remplis aucune zone pour créer des zones de couleur. Au lieu de cela, j'utilise la proximité des lignes dans la façon dont nos yeux perçoivent ces zones comme sombres afin de créer des zones qui se sentent un peu plus sombres. Alors que je travaille mon chemin autour de la fleur, je me concentre à la fois sur le centre de la fleur, où les pétales se rencontrent au milieu, où il y a des ombres, ainsi que sur les extrémités des pétales, où les pétales commencent à se froisser et créent également des ombres. Maintenant que je passe à travailler sur mon dernier pétale, j'ai pensé laisser celui-ci blanc sans aucune ligne parce que j'aime la texture de l'encre. Mais je crains qu'il ne soit pas aussi détaillé que les autres pétales et qu'il se démarque d'une manière que je n'aime pas. Je vais donc ajouter quelques lignes pour que ce pétale soit cohérent avec les autres pétales de ma fleur. Maintenant que nous avons terminé nos pétales, je vais passer au centre de la fleur. En fait, j'utilise juste une partie de cette encre d'eau vers le bas pour créer plus de profondeur au milieu de cette fleur, car elle a beaucoup de texture et de tridimensionnalité à elle. Il semble que ce que j'ai peint là-bas soit assez sombre, mais il vaut la peine de considérer que cette encre particulière va changer considérablement de couleur entre humide et sec. Parce que j'utilise juste petites surfaces et que je n'ai pas à m'inquiéter du déplacement du pigment, je vais juste le faire exploser avec mon sèche-cheveux pour accélérer ce processus. Vous pouvez déjà voir à quel point c'est plus léger qu'il air quand j'ai peint ces zones pour la première fois. Maintenant, je vais emménager avec ce stylo à bille pour créer une tonne de texture au centre de ma fleur. Je vais juste utiliser de petits points dans un effet de pointillage pour créer une tonne de texture. Je ne suis pas très précis, et je me souviens que là où je concentre le plus de points sera la zone qui semble la plus sombre. Maintenant, je suis au point où je dois commencer à observer attentivement ce que j'ai peint jusqu' à présent pour garder un œil sur tous les changements que je peux faire pour le rendre vraiment vivant. abord, ce que je fais est d'ajouter quelques faits saillants dans mes pétales afin de faire apparaître les faits saillants autant que les ombres le font actuellement. J' utilise la même gouache très opaque pour créer ces faits saillants. Je ne compte pas autant sur ma photo de référence que sur la peinture devant moi parce que la photo de référence que j'utilise n'est pas une réplique exacte de ce que j'ai peint. Donc, si j'utilise cela comme raison pour mettre des faits saillants dans certains endroits, je pourrais finir avec des faits saillants qui semblent totalement hors de propos. Lorsque je compte sur l'ombrage et les ombres réelles, j'ai créé comme point de référence pour ma peinture. C' est une bien meilleure façon de travailler. Une fois que j'ai fini de corriger mes points forts, je pense que je vais aussi aller au centre de la fleur avec un stylo brun foncé plus clair pour ajouter une autre couche de pointillage pour créer un peu plus de texture. Stippling comme ça peut être merveilleusement méditatif. Je vais juste ajouter quelques ombres de plus, je crois. Je veux juste m'assurer que le contraste est juste. Dès que j'ai fini ça, je pense que je peux dire que ce projet est terminé. Maintenant, nous allons passer à notre prochaine leçon, où nous aborderons les marqueurs à base d'eau et d'alcool. 19. Leçon 7 : marqueurs: Bienvenue à notre dernière leçon, marqueurs. Dans cette leçon, nous ne couvrirons pas les marqueurs de peinture, qui ne sont que de la peinture acrylique, ou Sharpies, qui ne sont que de gros stylos à encre en feutre. Au lieu de cela, nous nous concentrerons sur des marqueurs à base d'alcool comme Copics, ou des marqueurs à base d'eau comme Tombows. Ils sont tous deux translucides, base de teinture, de sorte qu'ils ne sont pas opaques, et sont probablement mieux utilisés sous des médiums lourds comme lavage acrylique. Les marqueurs d'alcool sont plus doux et ont une odeur distincte, tandis que les marqueurs à base d'eau comme Tombows ont tendance à être un peu plus durs et plus vibrants, et ils peuvent également être réactivés avec de l'eau. Maintenant que nous avons une compréhension de base de ces matériaux, passons dans nos expériences finales. Une chose à noter sur tous ces marqueurs que j'utiliserai, c'est qu'ils ont deux pointes, un stylo à une extrémité, et une pointe ciselée à l'autre, dans ce cas, ou sur les Tombows, une pointe de brosse à une extrémité, puis une pointe de balle à l'autre extrémité. Une extrémité peut créer des lignes imprévisibles, et l'autre crée des lignes cohérentes. Maintenant que nous avons mis cela hors du chemin, commençons par créer des zones de couleur. Maintenant que nous avons fini de faire nos zones de couleur, faisons quelques marques aussi. Je vais utiliser la pointe à puce de ce Tombow pour voir la ligne mono qu'il crée et comparer avec les marques que je peux créer avec le stylo à l'autre extrémité de ce marqueur. Lorsque vous utilisez le stylo pinceau, il peut créer beaucoup de variations dans vos coups en fonction de la pression que vous utilisez. En ce qui concerne le marquage et les zones de couleur, ces marqueurs sont tous les deux excellents. Ils sont dynamiques, rapides à utiliser, faciles et merveilleusement portables. Le problème est que parfois les marqueurs d'alcool en particulier peuvent saigner à travers votre page même lorsque vous utilisez un papier aquarelle lourd. L' autre problème est que tous ces marqueurs sont à base de teinture, ils ont le potentiel de lixiviation dans une peinture acrylique si vous peignez dessus, juste à cause de la façon dont le liant acrylique fonctionne. Cela peut signifier que si vous travaillez sous ou au-dessus de peintures acryliques avec ces marqueurs, cela peut causer quelques problèmes. Mais si vous êtes prêt à expérimenter, c'est plus que possible. Maintenant, je veux juste expérimenter en utilisant ce marqueur à base d'eau, comme de la peinture, hors de la palette. Parce que c'est un milieu à base d'eau, à base de teinture, il est tout à fait possible de peindre avec. Vous verrez qu'il est beaucoup plus doux que de l'utiliser comme marqueur. La couleur est plus muette. Vous pouvez également faire la même chose avec des marqueurs à base d'alcool. Avec la mise en garde que ce n'est pas le moyen le plus efficace de le faire. En fait, vous pouvez simplement acheter des recharges pour les marqueurs Copic qui ont l'encre à base d'alcool, sorte que vous pouvez utiliser cela pour peindre avec, ou l'aérographe. Il peut créer un bel effet, doux, comme un nuage. Maintenant, je vais juste vérifier si mes zones de couleur sont sèches. Comme avec n'importe quel milieu humide, vous voulez vous assurer qu'ils sont secs avant d'ajouter de l'eau pour vérifier si elle est étanche et voir les effets que vous pouvez obtenir. Les marqueurs Copic se sentent frais au toucher pendant qu'ils sèchent. S' il n'y a pas de changement de température, vous pouvez dire qu'ils sont secs. Vous pouvez immédiatement dire que lorsque j'ajoute de l'eau à ce marqueur à base d'eau, il se réactive. D' autre part, les marqueurs Copic à base d'alcool ne le font pas. La seule mise en garde que je donnerais est que si vous essayez réactiver vos marqueurs avec de l'eau comme celle-ci, vous allez probablement finir avec un contour vraiment dur. Le pigment va se précipiter sur les bords de cette zone humide. Si vous cherchez à utiliser votre marqueur comme mouillé, vous feriez probablement mieux de les utiliser à partir d'une palette comme je l'ai fait ici. Maintenant que nous avons une compréhension approfondie de divers matériaux, allons entrer dans notre tout dernier projet. 20. Projet 7 : marqueurs: Bonjour et bienvenue à notre tout dernier projet où nous allons utiliser des marqueurs pour peindre ce que je suis sûr d'être un Aster. Je suis amoureux de ses pétales violets doux et de la texture au centre de la fleur. Ce sont les choses que je veux donner la priorité lorsque je peins cette fleur. Contrairement à la plupart des autres médiums parce que j'utilise des marqueurs d'alcool pour ce tableau, je vais en fait créer mon underpainting avec des marqueurs d'alcool. Je teste mes couleurs sur le côté sur mon morceau de papier avant de les appliquer à mon travail. La chose merveilleusement cool que j'aime à travailler avec marqueurs d'alcool est qu'ils fleurissent après que vous les ayez posés sur la page en raison de la façon dont ils trempent dans le papier surtout lorsque vous utilisez un papier aquarelle plus absorbant comme ceci. Je vais remplir le centre de ma fleur avec mon jaune préféré et ensuite passer aux pétales. Vous avez peut-être déjà remarqué l'une des caractéristiques les plus frappantes et passionnantes sur le travail avec des marqueurs en général, ils sont folles rapidement. Vous ne mélangez pas les couleurs, vous avez un pinceau attaché. Vous pouvez faire de grandes zones de couleur très facilement et ils sont si vibrants. Même quand je commence à remplir ces pétales avec les marqueurs d'alcool, je commence à me rendre compte qu'ils ne sont pas aussi croustillants que je voulais l'être. Mon plan initial de quand j'ai vu cette fleur, c'était d'utiliser un marqueurs à base d'eau qui sont un peu plus strié ce qui est une qualité que je veux vraiment jouer avec, mais malheureusement je n'avais pas les couleurs que je voulais utiliser pour ces marqueurs donc je suis passé aux marqueurs d'alcool à la place. J' aime la douceur des marqueurs d'alcool, mais ils ne me donnent pas tout à fait les contours nets que je voulais sur ces petits pétales étroits, mais c'est bon. C' est quelque chose avec lequel je vais continuer à jouer pendant que je me déplace à travers ce tableau. Ce n'est pas parce que le matériau ne se comporte pas d'une manière que vous attendez, anticipez ou voulez, que votre peinture soit un échec. C' est juste l'occasion de continuer à observer de près et à jouer avec vos matériaux parce que vous pouvez en apprendre autant quand vous devez résoudre des problèmes créatifs à la volée. Je laisse certains des pétales que j'ai esquissés vides et je vais les remplir avec gouache aussi parce que je veux créer une variation de couleur entre certains pétales. C' est un bon moment pour réfléchir à combien de temps les choses prennent quand vous n'utilisez pas de marqueurs parce que je suis sur le point de peindre dans ces pétales dans la gouache. abord, je dois presser la peinture hors du tube, ajouter de l'eau, mélanger à une consistance et seulement alors je commence à peindre. J' aurais pu être fait maintenant si c'était des marqueurs, mais je n'aurais pas la même texture ou variation de couleur. L' autre avantage de travailler avec un médium comme la gouache est que je peux mélanger de nouvelles couleurs. Dans ce cas, je n'avais pas à le faire, mais si je voulais créer une couleur plus complémentaire ou quelque chose qui était plus proche de mes marqueurs, je pourrais facilement le faire même si je n'avais pas beaucoup de tubes de peinture. Je fais également varier la quantité d'eau que j'utilise chacun de ces pétales en fonction la quantité d'eau sur mon pinceau pour créer un peu plus de variation entre les couleurs. Vous pouvez facilement comparer cela avec celui des marqueurs où même s'il y a différentes zones de douceur et d'obscurité dans le pigment que j'ai obtenu des marqueurs, il est toujours de couleur uniforme. Il n'y a pas autant de changement. Je vais juste finir de peindre les derniers pétales cette gouache acrylique japonaise Turner avant de passer à l'ajout de faits saillants. Pour ce faire, j'utiliserai à nouveau de la gouache acrylique opaque. Je ne peux pas utiliser de marqueurs pour cela parce que les marqueurs sont translucides. Même s'il y avait une chose si étrange qu'un marqueur blanc à base d'eau ou de pâte d'alcool, il ne serait pas très utile car il n'y aurait pas de pigment opaque dedans. En fait, vous pouvez obtenir des marqueurs clairs, mais ils sont juste utilisés pour mélanger les couleurs ensemble. Maintenant, je vais procéder comme je le fais habituellement quand je fais des faits saillants en utilisant une peinture blanche de titane opaque de haricot entier avec absolument la quantité minimale d'eau que je peux gérer. La chose intéressante à propos de combiner quelque chose comme ces marqueurs d'alcool ou l'événement marqueurs à base d'eau de Tombow avec de la gouache acrylique, c'est que parce qu'ils sont super pigmentés et à base de teinture, ils ne se cachent pas vraiment dans le de la même façon qu'une gouache acrylique. Il y a un risque lorsque vous peignez au-dessus de ces marqueurs avec de la gouache acrylique que ces couleurs à base de teinture peuvent conduire à travers votre gouache. C' est un effet que je déteste particulièrement, et je ne trouve pas qu'il compromette particulièrement la qualité de votre peinture acrylique, mais c'est quelque chose à surveiller. Ce que j'ai tendance à faire, c'est que je vais créer un point culminant et puis une fois qu'il est séché, je reviens juste pour vérifier que c'est exactement la couleur que je veux qu'il soit. J' ai peut-être besoin de revenir en arrière et d'ajouter des couches supplémentaires de peinture juste pour m'assurer que le point culminant est vraiment à travers. Je vais continuer à peindre ces faits saillants jusqu'à ce que j' aie une étincelle de lumière glorieuse sur chaque pétale. Maintenant que j'ai tous ces faits saillants, je vais commencer à ajouter un peu plus de détails au centre de ma fleur. J' utilise une couleur jaune complémentaire pour ajouter un peu plus de texture au centre de cette fleur. Il suffit d'ajouter de petits points de couleur pour imiter la texture de la fleur que nous pouvons voir sur notre photo de référence. À mon avis, il n'y a rien de mieux que quelques petits points bien placés pour créer texture magique spécialement pour le centre d'une fleur. Il n'y a pas beaucoup de contraste entre la couleur que j'utilise et la couleur au centre de la fleur, mais ces différences subtiles peuvent avoir un impact important. Je vais aussi revenir avec mon marqueur marron juste pour ajouter un peu plus de contraste au centre de la fleur, car il y a beaucoup d'obscurité sous taches jaunes vives de la lumière quand je regarde ma photo de référence. Je vais revenir avec mon marqueur aussi pour ajouter quelques couches de pigment supplémentaires pour créer un peu plus de contraste et un effet d'ombre au bord de certains pétales pour les faire ressortir. Chaque fois que j'utilise mon marqueur à base d'alcool ou même mes marqueurs à base d'eau sur de la gouache acrylique, je veux juste garder mes sens épluchés parce que je ne veux pas grignoter la pointe de mon marqueur avec la gouache acrylique. Je veux m'assurer que je peins sur des zones parfaitement sèches. Nous avons maintenant atteint le point que nous atteignons inévitablement dans toutes nos peintures quand nous pouvons jeter une photo de référence par la fenêtre et commencer à observer de très près ce que nous avons déjà créé pour essayer de résoudre n'importe quel problème existent déjà devant nous. Comment puis-je ajouter plus de contraste ? Comment puis-je ajouter plus de texture ? Comment puis-je identifier les faits saillants et m'assurer qu'ils apparaissent ? Je suis juste en train de suivre mes tripes, je cherche les parties de ma peinture qui se sentent le plus loin. Dans ce cas, l'une des choses qui se sent le plus loin est toujours le centre de ma fleur. Je pense qu'il a besoin d'un peu, quelque chose de plus. Dans ce cas, peut-être un peu plus jaune chevauchant les pétales pour lui donner la belle sensation désordonnée qu'il a sur la photo de référence. Je vais juste sécher ça et ensuite je vais continuer à ajouter plus de couches de couleur. Depuis que mon autre jaune s'était desséché, je vais juste en sortir plus. J' utilise cette plupart du temps opaque tout comme j'utilise mon blanc quand je fais des surlignements, et puis je vais aussi ajouter quelques faits saillants pour vraiment faire le centre de cette fleur pop. Chaque fois que je travaille avec de petits points comme celui-ci, je trouve vraiment utile de sécher par soufflage, parce que les petits points peuvent vraiment prendre un certain temps pour sécher parce qu'ils ne sont que de petits blobs de peinture. Le séchage par soufflage assure qu'ils sont parfaitement secs et je ne vais pas traîner mon poignet à travers eux plus tard briser toute ma peinture. Il suffit d'ajouter quelques reflets blancs ici pour vraiment faire le centre de cette fleur pop, parce que la texture du milieu de cette fleur c'était l'une de mes choses préférées absolues. Une fois que je viens d'ajouter quelques faits saillants ici et là, alors je pense que peut-être cette peinture est terminée. C' est ça. Nous avons réalisé les sept projets sur la façon d'observer nos matériaux et de créer d'une manière qui supprime vraiment la pression nous soyons sur un morceau de papier ou sur une véritable peinture finie. J' ai hâte de voir ce que vous créez. Ensuite, je vous remercie d'avoir participé à ce cours et de m'avoir regardé avec moi. Je vous suis si reconnaissante. 21. Merci !: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans cette aventure de médias mixtes. Maintenant, vous devriez avoir une compréhension approfondie de la façon de combiner beaucoup de matériaux différents et peut-être un peu plus de confiance que vous pouvez prendre avec vous dans chaque nouvelle peinture. Si vous avez des questions sur ce que nous avons couvert ou quelque chose que j'ai manqué, n' hésitez pas à les poser dans la section de discussion de ce cours. Je serai là tout le temps et je ferai mon mieux pour vous obtenir les réponses dont vous avez besoin. Si vous publiez votre travail sur Instagram, taggez moi @allanacartierillustration, ou utilisez le hashtag allana enseigne. Si vous voulez continuer mon parcours d'illustration, ou simplement traîner et discuter de toutes choses mix media, vous pouvez me trouver sur Instagram @allanacartierillustration. Si vous voulez suivre les nouveautés avec moi, vous pouvez vous inscrire à ma newsletter sur AllanaCartier.com. Je serais aussi très reconnaissant si vous pouviez laisser un commentaire pour ce cours. Vos paroles aimables et vos critiques aiguës m'aident à identifier le contenu qui vous est le plus utile afin que je puisse vous apporter les cours que vous voulez regarder. Merci encore. J' ai hâte de voir les belles choses que tu crées.