Transcription
1. Bande-annonce du cours: Chaque fois que l'automne arrive, c'
est la peinture qui m'inspire le plus. L'air est frais, les couleurs deviennent chaudes. Et il y a tellement de beauté dans les détails simples qui nous entourent. Bonjour, je m'appelle Altea et je vous souhaite la bienvenue dans mon
cours d'aquarelle Je suis une artiste, une
graphiste et une éducatrice en ligne originaire d'Italie Dans ce cours, nous peignons ensemble
une petite série d'
illustrations d'automne. Pensez aux citrouilles, aux glands, aux
feuilles et aux champignons. Tous ces détails qui
nous rappellent cette belle saison. Ce cours est adapté aux débutants, et je vais vous guider
étape par étape en vous montrant
les couleurs, les matériaux et les
techniques que je vais utiliser. Vous obtiendrez également une feuille de
croquis imprimable afin que vous puissiez simplement
tracer les contours et vous concentrer
sur la partie amusante de la peinture Nous allons commencer par
examiner les matériaux. Je vais vous présenter
ma palette d'automne afin que vous
puissiez l'adapter aux
peintures que vous avez déjà chez vous. Ensuite, j'aborderai
chaque sujet un par un, en superposant les couleurs et en ajoutant détails pour donner vie à nos
illustrations À la fin de ce cours, vous aurez votre propre
petite collection d'aquarelles d'automne Vous pouvez les utiliser
pour des cartes faites à la main, journal ou simplement comme un
journal ou simplement comme
pratique créative relaxante pour vous-même. Mon objectif est de garder les choses
simples et agréables, afin que vous puissiez vraiment vous
concentrer sur le plaisir de peindre sans vous
soucier de la perfection. Alors frottez vos pinceaux. Prépare-toi une tasse de
ta boisson préférée, si tu le souhaites, et
commençons à peindre.
2. Plan du cours: Bienvenue en classe. Je suis
tellement contente que tu sois là. Je vis en Italie, et l'automne ici a commencé il y a
quelques semaines. C'est l'une de mes
saisons préférées avec le printemps car la nature
change radicalement. Voir les feuilles devenir
dorées et rouges et remarquer la lumière douce de l'après-midi
m'
incite toujours à la lumière douce de l'après-midi
m'
incite toujours à peindre. J'espère que, où que vous
soyez dans le monde, ce cours vous donnera
non seulement les compétences nécessaires, mais aussi une sensation
saisonnière chaleureuse. Pendant ce cours, nous allons peindre ensemble
une série de
sujets automnaux, une citrouille, des feuilles, un gland et des champignons Chacune a sa propre leçon
dédiée, vous pouvez
donc
les suivre dans l'ordre ou passer au sujet qui vous
inspire le plus. Pour chaque leçon, je vais vous
guider pas à pas. Vous verrez comment je mélange les couleurs, comment je couche la peinture et où j'ajoute des détails. Ne vous inquiétez pas si vous peignez, ne ressemblez pas exactement à la
mienne. Ce n'est pas le but. La beauté de l'aquarelle réside dans le fait que chaque pièce est
un peu différente, et c'est ce qui la rend unique J'ai également préparé une feuille de croquis
imprimable avec tous les contours Vous pouvez le télécharger dans
la section des ressources et le tracer sur votre papier ou simplement
l'utiliser comme guide. Ainsi, vous n'
avez pas à vous soucier la partie dessin et à vous concentrer
uniquement sur la peinture. Mon conseil pour ce cours
est de passer rapidement en revue chaque leçon, puis de la rejouer pendant
que vous peignez. Et je tiens à vous rappeler de prendre votre temps
quand vous en avez besoin, et surtout, de
profiter du processus. Bien, maintenant que vous
savez à quoi vous attendre, passons à autre chose et voyons les
matériaux que nous utiliserons
3. Fournitures: Avant de plonger dans la peinture, parlons un peu des matériaux
que nous utiliserons. Ne t'inquiète pas. Vous n'avez pas vraiment besoin d'une énorme collection
de fournitures. Quelques notions de base
suffisent à suivre. Parlons d'abord du papier. J'utiliserai du papier aquarelle 100 %
coton. Le mien est pressé à froid, ce qui signifie qu'il a une petite texture que j'aime beaucoup. Le papier en coton absorbe
magnifiquement l'eau et vous laisse plus de temps pour jouer
avec vos couleurs. Mais si vous n'
avez que du papier de saludos, c'est très bien aussi. Donc, dès que possible, je vous
recommande vivement de passer
au papier 100 % coton. Vous n'en avez pas besoin
pour ce cours, mais gardez à l'esprit que les
techniques peuvent être légèrement différentes selon le papier
que vous utilisez. Le papier de coton réagit
mieux à l'eau, donne des mélanges plus lisses et vous
aide vraiment à
améliorer votre processus et
vos résultats finaux. Cela dit, vous
serez toujours en mesure de
suivre parfaitement le
papier que vous avez. Pour les pinceaux, je vais
passer d'une taille à l'autre. J'aime avoir un petit pinceau
rond pour les détails, peu comme une
taille deux ou quatre. Ensuite, un pinceau de taille moyenne, comme une
taille 6, pour les zones plus larges. Faites quelque chose de petit pour les détails et quelque chose d'un peu
plus grand pour les formes plus grandes. Passons maintenant aux peintures, je vais utiliser les
aquarelles de mon
jeu de stylos et certaines couleurs
des tubes Dans la prochaine leçon,
je vais vous montrer les couleurs exactes que j'utilise, mais n'hésitez pas à adapter aux
nuances que vous possédez déjà. L'aquarelle est tellement polyvalente, et l'important est jouer avec
les couleurs que vous aimez Vous aurez également besoin de
deux pots d'eau, un pour rincer votre brosse et un pour de l'eau propre Cela fait vraiment la différence garder vos couleurs fraîches. Et, bien sûr, un
essuie-tout ou un chiffon pour tamponner votre brosse et
contrôler la quantité d'eau Enfin, je recommande d'avoir un crayon et la
gomme nécessaires à portée de main Maintenant que nos
matériaux sont prêts, passons à la création de
notre palette de couleurs d'automne.
4. Couleurs d'automne: Avant de plonger dans la peinture, parlons de
la palette de couleurs que nous allons utiliser aujourd'hui. J'ai choisi un mélange de tons
chauds terreux et de
mutagréens , le genre de teintes
qui reflètent parfaitement la sensation de l'automne Ne vous inquiétez pas si vous n'
avez pas ces couleurs exactes. Vous pouvez toujours vous adapter à
ce que vous possédez déjà. Très bien, donc tout d'abord, je vais ajouter un peu de Sienne brûlée à ma palette Cela provient d'un tube, et je le mélange simplement avec un tout petit
peu d'eau sur mon palais. Ce que j'aime chez Burnt Sienna , c'
est qu'elle a ce ton orange chaud et
terreux qui n'
est pas trop Je pense que c'est parfait pour le remplissage automnal sans
être trop dynamique. Ensuite, j'ajoute une touche de
brun Vandyk à cette sienne brûlée. Cela rend la couleur un
peu plus fumée et plus foncée. Il est idéal pour
recouvrir les bords des citrouilles ou pour ajouter un
peu de profondeur N'hésitez pas à jouer
avec ces mixages. Il n'y a pas de bonne formule ici. Après avoir mélangé Burn
Sienna et Vandyk Brown, je vais également vous montrer le brun
Van **** pur à lui seul C'est un joli
brun riche que j'aime utiliser
pour ajouter de la profondeur
ou pour les champignons. Comme vous pouvez le constater, je range
chaque couleur en une petite couche pour
que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent Ensuite, nous avons l'ambre brûlé, que j'utilise souvent pour les champignons et pour les tons de feuillage plus profonds. Pour les dernières zones
des champignons, je vais utiliser un mélange de blanc avec juste un tout petit
peu de brun van****. De même, je fais
un autre mélange avec blanc et de l'ambre brûlé pour créer
une teinte différente. Ensuite, je pose
un échantillon d'ambre brut pur
pour que vous puissiez voir à quoi
il ressemble tout seul. Pour les baies, j'adore le rouge indien, car il dégage une ambiance automnale
douce et chaleureuse qui, à mon avis, est parfaite
pour les petits détails Enfin, pour les légumes verts, je mélange de l'ambre brut avec un peu de feu vert
Hooker, obtenir
un beau vert chaud pas trop vif et très naturel au
toucher Si vous le souhaitez un peu plus foncé, vous pouvez ajouter une touche
de vert Verlin
et, bien sûr, moins d'eau Bien, ce sont les couleurs que j'utiliserai dans
les prochaines leçons, et vous n'avez pas besoin de
correspondre exactement à ma palette Ce que je veux vous dire, c'est que le plus
important est de choisir des
couleurs qui vous rappellent l'automne et qui
vous inspirent.
5. Illustrations de citrouille: Très bien, la
première chose que je vous montre ici est notre papier aquarelle avec
un croquis très léger dessus Il est très important de faire en ces traits de crayon
soient aussi légers que possible, à voix basse, afin que, une fois
la peinture terminée, vous puissiez les effacer doucement
sans rayer Donc, après avoir esquissé
toutes les illustrations, si vous remarquez que vos traits de
crayon sont trop foncés, passez
légèrement
une gomme à effacer pour
laisser l'excédent
avant OK, donc pour la partie esquisse, si vous voulez rendre
la configuration encore plus facile, vous pouvez imprimer le modèle
que j'ai préparé Euh, les lignes du
modèle sont très sombres, vous pouvez
donc appuyer dessus sur une fenêtre, placer votre
papier aquarelle dessus et tracer C'est exactement ce que j'ai fait ici. C'est simple, rapide et vous obtenez un contour net sans
surcharger le papier, ce qui est très important Maintenant, interrompez la leçon et
prenez le temps de décrire
chaque sujet. Et dès que tu seras prêt,
commençons à peindre. Commençons par une citrouille
dans le coin inférieur gauche. Pour la première étape, je vais utiliser un ton
légèrement plus profond. J'ai mélangé de la Sienne brûlée avec une touche de
brun van **** pour y répondre un peu Je place cette
valeur plus foncée en bas de chaque section parce que j' imagine la lumière
venant du coin supérieur droit, sorte que la partie inférieure tombera
naturellement dans l'ombre Une fois la couleur baissée, je rince légèrement mon pinceau, tamponne sur une serviette en papier pour qu'il soit humide et ne coule pas, et je tire le pigment vers le Je déplace doucement le pinceau pour laisser la couleur
s'estomper au fur et à mesure qu'elle se déplace, créant ainsi un dégradé lisse
avec un centre plus clair Gardez votre main détendue. Ils subissent la pression, ils subissent la transition. Avant de poursuivre,
je voudrais ajouter un mélange légèrement plus foncé juste à la base et près du pli juste pour renforcer l'ombre N'oubliez pas que l'aquarelle
sèche plus
clairement, alors n'ayez pas peur d'un
peu de contraste ici OK, maintenant je suis prêt
pour la section suivante. Je répète simplement les mêmes étapes, valeur
plus foncée en bas,
que des anneaux, en tamponnant
et en mélangeant vers le haut Si vous voyez une ligne dure
se former là où vous ne le souhaitez pas, vous pouvez simplement la toucher avec un pinceau propre et l'
adoucir immédiatement. Je vais continuer
ainsi pour chaque section, en gardant
toujours à l'esprit la source de
lumière, afin que les zones inférieures restent plus profondes et que les
parties supérieures restent plus claires. Si une section s'avère trop foncée, soulevez un peu de couleur à l'
aide d'un pinceau humide ou fixez un coin d'une serviette en papier sur la zone pour ramasser les pointes. Et n'hésitez pas à expérimenter et à voir ce qui vous
semble naturel. Par exemple, sur
cette partie supérieure, je commence par un lavage
plus clair vers le haut, puis je dépose le mélange
plus foncé vers le bas. Cela permet une transition très
douce, et nous arrivons au même résultat. Allez-y et continuez à remplir chaque section à votre propre rythme. Pendant ce cours, je
vais recracher des parties de la vidéo pour que le cours soit
concis et facile à suivre Mais je tiens à vous faire savoir que vous n'avez pas du tout besoin de
peindre vite. Faites une pause quand vous le souhaitez. Revoyez un moment ou
entraînez-vous même sur une seule section sur un bout de papier avant passer à l'illustration
complète Lorsque vous serez prêt, appuyez
à nouveau sur Play et nous
continuerons ensemble. Bien, une fois que la première
couche est complètement sèche, je passe à la deuxième étape Je recommence à partir de
la section centrale, comme nous l'avons fait
au début. Lorsque nous
peignons sur une couleur sèche, nous augmentons lentement la profondeur. Je charge mon pinceau
avec le même mélange, brûler du Sienna avec une
touche de brun vandyke Et je pose doucement la couleur. Mes traits vont du
bas vers le haut. Comme vous pouvez le constater,
mes traits sont un
peu secs, mais si vous préférez un look plus beau
ou plus lisse, vous pouvez garder votre
pinceau un peu plus humide et appliquer
la peinture uniformément Je continue section par section. Et encore une fois, si vous
remarquez un bord dur ou un coup de pinceau
que vous n'aimez pas, il vous suffit de rincer le pinceau, essuyer l'axe et de revenir avec un
pinceau propre pour adoucir uniquement le bord. Tout en contournant la
citrouille, je continue à renforcer les
plis entre chaque côte C'est là que la
citrouille trouve sa définition, alors n'ayez pas peur de créer un peu plus de contraste
dans ces zones. N'oubliez pas que l'aquarelle
consiste à superposer et que cette étape peut être répétée autant de
fois que vous le souhaitez Si vous terminez deux
passes et que vous remplissez quelques zones qui semblent encore
un peu plates, vous pouvez absolument
ajouter une troisième couche. Assurez-vous simplement que la couche
précédente est complètement sèche
avant d'y retourner. Sinon, cela
perturbera la peinture et risquera de le colorer
au lieu d'ajouter de la profondeur. Donc, une fois que vous serez satisfait de
la vue sur la citrouille, nous pourrons passer à la tige. Pour la tige, j'aime utiliser
un vert terreux très profond. Comme nous l'avons vu ensemble dans
la leçon sur les palettes, j'ai mélangé de l'ambre brut avec feu vert de
Hooker et juste
une touche de vert par ligne Je garde la consistance du côté
le plus épais en utilisant très peu d'eau pour que la couleur soit très
épaisse et foncée. Je commence par déposer
quelques coups de pinceau à la base de la tige, là où
elle rencontre la citrouille. Ensuite, avec le bout du pinceau, je trace le contour supérieur gauche de la tige pour
lui donner une définition. Ensuite, je passe à une teinte plus claire et je
ressens toute la forme. Cela donnera à la tige une certaine rondeur au lieu
de paraître plate Enfin, j'ajoute
de l'ambre brûlé pour plus de contraste et de variation. Alors pendant que cette citrouille
va sécher, je vais commencer à travailler sur la
deuxième citrouille du drap, et j'adorerais
que vous fassiez de même. Je vous mets donc au défi de choisir la couleur qui vous inspire
et
d' appliquer simplement les étapes exactes que nous pratiquons ensemble. Construisez votre première couche
section par section, laissez les reflets en haut, puis revenez avec d'autres couches une fois que
tout est sec. De cette façon, vous
aurez plus de pratique répéter la même technique, mais aussi la liberté d'
expérimenter avec les couleurs. Et, bien sûr, je suis
très curieuse de voir comment
va sortir votre citrouille. Très bien, au moment où
ma première citrouille a séché, la couleur s'était un peu
éclaircie, comme le font toujours les aquarelles J'ai donc décidé d'y
retourner encore une fois et d'ajouter la dernière couche
dans certaines sections, en particulier sur le côté gauche, où je voulais des ombres plus fortes. Cette dernière étape m'aide à
équilibrer le tout et à donner à la citrouille
son aspect final poli. Et c'est tout. Notre
potiron est complet. Prenez un moment pour regarder la forme dans son ensemble
et observez comment ces couches de couleurs et les petites touches de
contraste lui donnent vie Lorsque vous serez prêt, passons ensemble
au prochain
sujet de l'automne.
6. Feuilles et branches dans: J'ai toujours regardé les couleurs auparavant, mais comme je prévois
d'utiliser de nouvelles nuances, je les teste simplement
sur un bout de papier. C'est une pratique très utile, et parfois je le fais avant de
commencer une nouvelle peinture. Cela m'aide à vérifier si j'
ai la bonne forme et la bonne valeur avant de mettre la peinture sur l'esquisse Pour cette fleur en particulier, je voulais que les pétales
passent
d' un
rose pastel doux à un beige chaud. Mélangez le rose, j'ai combiné la rose mère avec juste
une touche de blanc, ce qui me donne un ton pastel
délicat au lieu d'un rose vif. Pour le beg, j'ai dilué de l'ambre
brut avec une bonne quantité d'eau pour
obtenir une valeur très légère Une fois
satisfaite des couleurs, j'ai commencé directement
sur les pétales. Au sommet de chaque pétale, j'ai d'abord placé la teinte rose Et puis j'applique immédiatement
le Big Tone sur la partie
inférieure de la pédale. À l'aide d'un pinceau propre, je mélange les deux pour qu'ils se rejoignent doucement au milieu et
créent un léger dégradé Si les couleurs vous semblent trop fortes
, si cela se produit, soulevez
simplement un peu de peinture avec un pinceau propre ou tamponnez-la
légèrement avec un mouchoir Whatercloor
pardonne de cette façon. Je continue donc en ajoutant le
bash aux pétales restants. Encore une fois, en rinçant et en
adoucissant avec mon pinceau. Tout semble donc
lisse et délicat. D'accord. Une fois le premier
lavage terminé, OK. Je reviens avec un rose, je me concentre sur le bout des pétales juste pour dessiner
et amener le phonicien Pour le centre de la fleur, je prends une valeur moyenne de brun et je tamponne doucement le pinceau créer une grappe
de petits points Il n'est pas nécessaire que ce
soient des cercles parfaits. En fait, les marques irrégulières
semblent plus naturelles. Avec le même pinceau qui contient
toujours un peu de pigment, j'insère une partie de ce brun la base même
de chaque pétale Pour terminer, je passe à un brun
légèrement plus foncé. Vous pouvez utiliser de
l'ombre brûlée ou du sépia et ajouter quelques
points supplémentaires au centre pour donner plus de contraste
et de texture Et si l'un de vos
coups de pinceau semble trop dur, adoucissez-le à nouveau
avec un pinceau humide. OK, je suis plutôt
content de cette fleur. Passons maintenant
aux baies. Je commence par les baies, et pour cela, j'
utilise du rouge indien. OK, je garde
la couleur très riche, donc je ne l'ai diluée qu'avec
une petite quantité d'eau. Je commence par le
côté gauche de chaque baie en
déposant le pigment là où
je veux que l'ombre tombe. Pendant que la peinture est encore humide, je rince mon pinceau
et j'utilise de l'eau propre pour appliquer cette couleur sur
le reste de la baie. Cela nous laisse donc un côté plus sombre et un côté
plus doux et plus clair. Essayez d'ajouter de la variation, donc faites en sorte que certaines d'entre elles soient un peu plus foncées et d'autres
un peu plus claires. Avant qu'ils ne sèchent
, j'ajoute une touche de pigment
plus concentré
sur le côté ombré. La couleur s'
étendra doucement d'elle-même, créant une transition douce sans que je doive trop
travailler dessus Une fois que les baies sont complètes, je passe à la tige. Pour le premier lavage, je choisis un vert très clair, quelque chose de subtil et de délicat, pour ne pas
concurrencer les baies. Ensuite, avec un mélange légèrement plus foncé, je renforce juste
quelques points clés, à savoir la base de la tige, là où
elle rejoint les branches, et la partie inférieure de
la tige lorsqu'elle se courbe. Ce contraste donne à la
branche un aspect plus dimensionnel. Pour les feuilles, j'adopte
une approche similaire, mais je commence par
une valeur plus foncée, d'
abord avec un mélange d' ambre
brut et de lumière verte de
Hooker plus intense avec une petite
touche de vert pourpre Je cartographie les zones qui
seront ombragées
le long du pli de la feuille à la base où
elle rejoint la tige, et partout où la feuille se
replie ou s'enroule J'utilise le bout du pinceau
et une très légère pression, tracer
presque le tracé de l'ombre plutôt que de
peindre la forme entière. Avant que la couleur ne sèche, je rince, tamponne et je passe à un nettoyant vert
très clair Je pose ce lavis plus léger sur
la partie supérieure de la feuille. Bien, je le
répète sur chaque feuille. Pour le détail final, je choisis un vert moyen et
suggère la veine centrale. En suivant la courbe de la feuille, quelques petites nervures latérales
ou un soupçon de texture près de la base suffisent à donner vie à
la feuille
sans trop la travailler Alors que la surface est
encore un peu humide, je laisse tomber un petit accent d' un mélange plus foncé juste le long du
pli pour renforcer la mort. Très bien, passons maintenant aux deux feuilles
de lait caillé situées
en bas Pour cela, j'utilise les
mêmes mélanges verts avec lesquels j'ai travaillé
tout au long de ce cours. Mais pendant que je peins, j'ai
envie de partager une pensée. Comme il s'agit d'une page sur le thème de
l'automne, les couleurs
plus chaudes
peuvent vraiment améliorer l'ambiance générale Des nuances comme le
jaune doré, les bruns terreux ou même des notes de rouge
sont très saisonnières et associent parfaitement le tout Malheureusement, je me suis
rendu compte qu'après avoir déjà commencé à
poser ces verts, et que parfois,
à l'aquarelle, on ne voit ce qui serait
plus beau qu'une fois que la peinture est
déjà sur le papier Je vais donc certainement
essayer de créer une couche de couleur plus chaude une fois toutes les illustrations
terminées, mais pour le moment, je
vais continuer avec ces verts. Pendant que ces feuilles sèchent, j'aime effectuer plusieurs tâches à la fois et revenir aux autres
parties de la page Ici, je suis retourné
à la branche des baies l'aide d'un pinceau à pointe fine et d'
une couleur verte plus foncée.
J'ai redéfini certaines
zones, comme la nervure centrale ou les feuilles et
quelques bords de la tige Ces petites touches rendent
les rasages plus nets et ajoutent un joli contraste avec les lavages plus légers
que
nous avons effectués plus tôt. Pour en revenir à notre liste, je souhaite partager une de
mes habitudes préférées. Je prends toujours
du recul par rapport à ma peinture. Observer votre travail
d'un peu loin peut vous
aider à voir la situation dans son ensemble là où il faut plus de contraste, où les choses peuvent
sembler déséquilibrées ou où un simple détail supplémentaire
peut faire une grande différence Une fois que ces
feuilles de lait caillé seront finies, nous pourrons passer au dernier
sujet de cette page aide de mon crayon, je
trace déjà la direction
de la marche principale et
des plus petites branches, juste pour vous indiquer où tout
va aller.
C'est bon. À l'aide de mon pinceau et d'une valeur
moyenne de vert, je commence à tracer la branche principale,
puis je remonte en ajoutant chaque petite
branche sur les côtés. Pour les feuilles, le coup de
pinceau est très simple. J'ai juste laissé les poils toucher le papier et je
les ai laissés en place. C'est un peu comme
estampiller la forme du pinceau. Cela crée une forme
organique naturelle de feuille sans qu'il soit nécessaire de la dessiner
ou de la surtravailler Au fur et à mesure que je me déplace vers
le haut, je réduis
les branches et les feuilles. Avec une teinte verte plus foncée, j'y retourne et je
ne touche que la base
de certaines feuilles ou le
dessous de quelques branches Cela crée l'illusion d' ombres et donne plus de dimension à la
branche. Je n'ajoute pas d'
accents sombres partout, uniquement dans certaines zones. Il y a donc toujours un bon équilibre
entre l'ombre et la lumière. Ce que j'aime dans
ce type de branche c'est la sensation méditative
que procure la peinture Les coups de pinceau répétés pour créer des feuilles
sont très simples, mais je pense qu'ils créent un effet
tellement délicat. Si vous suivez,
ne brossez pas cette partie. Profitez simplement du
rythme du pinceau remontant la tige feuille par feuille Et n'oubliez pas que toutes les
feuilles ne doivent pas nécessairement être identiques. Les petites
variations de taille et espacement
lui donnent en fait un aspect plus naturel Vous pouvez également expérimenter
avec la couleur ici. Si vous le souhaitez,
essayez d'ajouter une touche de jaune à certaines
feuilles ou même une touche de brun pour capturer la sensation automnale d'une
fougère qui commence tout juste à sécher Les formes subtiles de la
couleur peuvent vraiment ajouter la richesse et empêcher la peinture
de se remplir pour devenir uniforme. C'était un élément très simple, mais je pense que c'était
vraiment amusant à peindre. Et comme je l'ai dit, je trouve toujours que c'est super méditatif de peindre les
feuilles de cette façon Bien, maintenant que
nous avons fini peindre toutes les
feuilles et les branches, nous pouvons passer au
sujet suivant, les champignons
7. Champignons: Pour les champignons, j'ai préparé deux mélanges principaux : un
beige doux que j' utiliserai pour le corps et bruns plus foncés pour les tasses Pour les tasses, j'
utiliserai du brun Van ****, ombre
brûlée et du sépia Ce sont les mêmes nuances que nous avons vues ensemble dans la leçon de
palette de couleurs, elles devraient
donc vous sembler familières. Commençons par le
plus gros champignon. Je commence par une tasse, et je pose Vandyk
Brown sur le côté gauche Ici, je garde mon pinceau
assez humide, pas trop sec pour que la peinture coule doucement sur la page. Puis avant que la peinture ne sèche, je rince mon pinceau. Frottez-le sur l'
essuie-tout et utilisez juste un peu d'eau propre pour lisser le
bord de la couleur. Cela m'aide à créer
un léger dégradé allant du plus foncé
à gauche au plus clair à droite, donnant à la casquette cet aspect
arrondi. Eh bien, c'est encore humide. J'ajoute quelques touches
d'ambre brûlé pour passer à une teinte plus foncée. Cela crée les variations et les
textures
naturelles que l'on
voit souvent sur les chapeaux de champignons. Donc, ne vous inquiétez pas
de le rendre parfaitement uniforme. En fait, je pense que cela semble
plus réaliste s'il
y a des taches irrégulières
et des taches plus foncées. Vous pouvez donc le considérer comme de petites taches de soleil ou des marques qui donnent du caractère au
champignon Je répète les mêmes étapes sur le petit champignon
juste à côté. Tout d'abord, le van ****
brun sur le côté gauche. mélangeant vers la droite, puis
en ajoutant quelques touches d' ambre
brûlé alors que la
peinture est encore humide Le processus est exactement le même, mais à plus petite échelle. Vous pouvez donc passer à un
pinceau légèrement plus lisse pour plus de contrôle. Maintenant que
les chapeaux sont prêts, passons à la dernière
partie du champignon, la tige et le
dessous du capuchon Pour cela, j'ai déjà
préparé sur ma palette la couleur beige que
je vais utiliser. Je commence donc par appliquer
un vernis lisse et uniforme
pour couvrir la zone,
en gardant le pinceau
bien humide afin que
la peinture puisse s' un vernis lisse et uniforme
pour couvrir la zone, en gardant le pinceau
bien humide afin que écouler
doucement sur la page Une fois que c'est en place, je prépare un brun
van **** plus dilué, pas trop fort car
je veux construire les ombres et la
texture progressivement. Avec cela, je pose juste quelques coups de pinceau sur le côté
gauche de la tige. Notez que je ne le remplis pas avec un bloc de couleur uni. Au lieu de cela, je place le pigment
en plaques irrégulières, laissant certaines zones plus claires. Ensuite, je prends la couleur beige et je pose également quelques
pinceaux. Je fais cette étape pour
les petits champignons, et une fois la
peinture en place, j'adoucis ces coups de pinceau et étale la couleur pour
remplir ces zones. heure actuelle, je passe
à l'ambre brûlé, et avec le bout de mon pinceau, j'ajoute quelques traits plus foncés
juste à la base de la tige. Ces marques sont irrégulières, presque comme de petites
herbes ou des textures de sol, juste pour suggérer
que le champignon pousse hors du sol. Ici, j'ajoute un
peu plus de profondeur à la tige du
plus gros champignon. Et comme nous l'avons fait auparavant, je pose la
peinture par points. Ensuite, je m'assure de
les aveugler avec une brosse propre. Ou maintenant que nos chapeaux
et nos tiges sont en place, nous pouvons ajouter l'une des caractéristiques les
plus distinctives des champignons, les branchies Cette étape demande de la patience
et une main ferme, mais ne vous inquiétez pas trop pour
rendre chaque ligne parfaite. Ce qui compte, c'est de
créer la suggestion de cette texture délicate
sous le capuchon. Je passe donc à un pinceau
fin, quelque chose avec une pointe pointue. J'ai choisi une version très
diluée du sépia. Vous pouvez également utiliser de l'ambre brûlé
ou tout autre brun que vous avez. L'important est de
garder la couleur douce et pas trop foncée afin que les lignes
ne prennent pas le dessus sur le
reste du tableau Les lignes commencent
juste au centre là où la tige rencontre
le capuchon, et à partir de là, je les tire doucement l'extérieur, vers le
bord du champignon J'applique une très légère pression sur le pinceau pour que les traits
restent fins et fins. Vous remarquerez donc
que je n'essaie pas de couvrir chaque
millimètre ici, mais c'est juste
ma préférence Je voulais que ces
lignes soient très délicates, et je craignais
que si j'utilisais une couleur plus foncée ou si je
remplissais la zone avec des lignes,
beaucoup, beaucoup de lignes et en beaucoup, beaucoup de lignes et laissant trop peu d'
espace entre elles, la peinture
paraisse très lourde C'est pourquoi les
lignes sont parfois interrompues et sont très
légères et délicates. OK, une fois les
branchies terminées, je regarde à nouveau la
plus grosse tige. Cela me semblait un peu plat, alors j'ai décidé de repartir avec un brun
van **** très dilué. J'ajoute donc une couche
supplémentaire le côté gauche de la tige, juste pour approfondir l'
ombre, ajouter plus de texture et plus de volume. Même un ajustement subtil
comme celui-ci peut donner l'ensemble du champignon un aspect
plus tridimensionnel. Et avec ça, nos
champignons sont complets. Ensuite, j'ai des
coupes riches, des tiges arrondies et ces délicats détails de branchies
qui leur donnent vie. Lorsque vous serez prêt,
nous passerons
au sujet suivant de
notre collection d'automne.
8. Gland: Très bien, nous sommes presque à
la fin de ce cours, alors félicitations pour votre présence
ici et pour être arrivés jusqu' Commençons par peindre ce gland, commençant par la partie
supérieure, la tasse Avec mon pinceau moyen, je charge une valeur foncée de Andyke Brown et je
place les coups de pinceau principalement sur le côté gauche Ensuite, je rince légèrement le pinceau. Ce n'est pas grave s'il reste encore
un peu de pigment, et je tamponne doucement
le long de ces marques pour les adoucir et les mélanger. De cette façon, la couleur s'estompe naturellement et crée
une transition plus claire Ensuite, je prends de l'
ombre brûlée dans une valeur plus profonde et je commence à ajouter de petits points sur la surface du capuchon. Cette partie du
gland n'est pas lisse. Il est recouvert de formes
minuscules et uniformes. Ces points contribuent donc vraiment à
créer cette texture. Je n'essaie pas de
les uniformiser tous. Certains sont mélangés, d'autres
semblent plus définis. Ce qui ajoute du réalisme. Pour le corps du gland, j'utilise de l'ambre brut Cela s'est un peu mélangé avec le vert qui était
déjà sur la palette. C'est pourquoi vous le
verrez légèrement différent. La couleur est diluée
et très claire. De cette façon, je peux créer
une base souple et légère. Je recouvre toute la forme
avec cette couche légère. Alors que la surface est encore humide, je dépose un peu plus de
pigment sur le côté gauche. Cela commencera à façonner
la rondeur avec une ombre d'un côté
et de la lumière de l'autre Maintenant, peignons la tige. Je suggère
ici d'utiliser un pinceau fin pour être plus précis. En partant du haut
du capuchon en forme de gland, je trace soigneusement de fines lignes
vers le haut pour relier les tiges Ces traits sont délicats, alors essayez de garder votre
main très légère. À partir de là, je commence la feuille. Je commence par une couche
dorée d'ambre brut, en l'
étalant sur
l'ensemble de la forme. J'imagine que les couleurs de cette
feuille prennent des couleurs automnales, et je laisse certaines
zones intactes, afin de pouvoir ajouter du
vert Ici, j'applique une
touche de
vert doux en tapotant le
pinceau sur du papier. Le long du contour
et près des nervures, j'ajoute un brun plus foncé bords
tubéreux
et j'ajoute du contraste Y À ce stade, je reviens au corps du gland. Avec un autre vernis vert
mélangé à de l'ombre brute, je couche plus de couleur sur le côté gauche pour
approfondir l'ombre Cette deuxième couche
donne au gland sensation de rondeur et de solidité. Et bien sûr, n'oubliez pas d'
adoucir les bords de
vos coups de pinceau. Je reviens également à la casquette, en ajoutant une autre série de points. Certains d'entre eux sont légèrement flous, d'autres restent nets
car la variété des bords donne à la texture
un aspect plus naturel Ensuite, je
reviens à la feuille, en ajoutant une couche
de brun supplémentaire pour accentuer sa sensation automnale et peaufinant les détails le
long des nervures. Comme vous pouvez le constater,
je fais des allers-retours entre les
différentes parties du gland et de la feuille Ce processus de va-et-vient aide non seulement à
maintenir l'équilibre, mais donne également
le temps aux différentes sections de
sécher avant de poser à nouveau la peinture. J'ajoute également une dernière série de
points au capuchon, en ajustant la
texture jusqu'à ce que je sois heureuse. Pour les touches finales, j'ajoute une dernière couche
sur le corps du gland, incurvant mon pinceau le long de
sa forme pour lui donner de la rondeur. Maintenant, un peu de recul pour vérifier
le solde global. Parfois, le simple fait d'ajouter
un soupçon d'ombre ou un peu plus de contraste donne à l'
illustration un aspect complet. D'accord. Et lorsque
tout est sec, vous pouvez effacer doucement vos traits de crayon
avec la gomme dont vous avez besoin Cela donnera à votre peinture
un aspect propre et fini. Je suis tellement heureuse que nous ayons atteint la
fin de ce cours, et
terminons-en avec la leçon suivante.
9. Merci: Merci beaucoup de m'avoir
rejoint pour ce cours. J'espère vraiment que
vous avez aimé peindre ces illustrations d'automne
avec moi. Maintenant c'est ton tour. J'adorerais voir
ce que tu as créé. Veuillez donc présenter votre projet
dans la galerie de projets. Vous n'êtes pas obligé de
partager le set complet. Une seule illustration, comme une citrouille ou même un petit
champignon, suffit amplement. C'est toujours une source d'inspiration de voir à quel point chacun d'entre vous a sa touche
personnelle. Si vous avez apprécié ce cours, cela signifierait beaucoup pour moi si
vous pouviez laisser un avis. Cela m'aide à rester motivée et
à créer plus de cours, mais cela aidera également d'autres
étudiants à découvrir mes cours. De plus, si
vous souhaitez être tenu au courant des
prochains cours ou, vous savez, des projets sur
lesquels je travaille,
n'oubliez pas de
me suivre ici sur Skillshare
et sur Instagram chez
Altea
point n'oubliez pas de
me suivre ici sur Skillshare et sur Instagram chez
Altea Merci encore d'avoir
peint avec moi aujourd'hui. J'espère vraiment que vous
continuerez à vous entraîner, expérimenter avec les couleurs, mais surtout, à
apprécier le processus Je vous verrai très bientôt dans l'un de mes prochains cours. Au revoir.
Altea Alessandroni, Artist and Designer
