Transcription
1. Bande-annonce du cours: Bonjour, je suis Christine Fleming, illustratrice à Might Cloud Studios, et bienvenue à la première session de l'Art School Boot Camp. fréquentation d'une école d'art coûte facilement plus de 50 000$ en frais de scolarité seulement. La plupart des gens ne peuvent pas se le permettre. Cette série de cours Skillshare vise à cibler les élèves passionnés par
l' art et désireux d'apprendre les connaissances essentielles acquises à l'école d'art. Dans cette série, je vais vous faire découvrir concepts fondamentaux enseignés dans
les écoles d'art et de design, y compris la composition, la couleur et les gestes. Les élèves des écoles d'art pratiquent ces compétences à maintes reprises jusqu'à ce qu'ils
les engagent si durement dans leur cerveau qu'ils sont devenus l'habitude et la pensée subconsciente. À ce stade, ces concepts viennent si naturellement qu'ils n'ont même pas à y penser. Mais avant de pouvoir le faire, vous devez commencer par le début. La première session de 30 minutes de Boot Camp se concentre sur la composition. La composition est la disposition des éléments d'une œuvre d'art. composition est peut-être l'aspect le plus vital de ce qui rend une œuvre d'art forte ou faible, alors nous allons passer en revue toutes les bases qu'ils enseignent à l'école d'art. Tout d'abord, je vais présenter les éléments de conception de base. Ensuite, je vais passer en revue les principes de base de la conception. Après cela, je vais vous montrer les six techniques différentes à prendre en compte lors de la construction d'une composition. cinématographie est un excellent moyen d'étudier la composition. Donc, après avoir expliqué chaque technique, je vais fournir des exemples de films sur la façon dont chaque technique peut être appliquée à une composition. Votre mission pour ce cours est de choisir une technique de composition parmi les vidéos, et de redessiner une œuvre d'art que vous avez déjà créée en mettant l'accent sur l'amélioration de sa composition. Vous pouvez choisir n'importe quel type d'illustration, y compris une peinture, un dessin ou même un projet d'une autre classe Skillshare. À la fin de ce cours, vous aurez uneœuvre d'art révisée et
plus forte, œuvre d'art révisée et
plus forte, et vous serez en bonne voie pour mettre en mémoire les principes fondamentaux de l'école d'art. Ce Boot Camp est idéal pour tous les artistes, que vous aimiez faire des livres, des illustrations, des peintures, ou que vous aimiez simplement dessiner. Alors prends ton béret rouge et allons à l'école d'art.
2. Qu'est-ce que la composition ?: Qu' est-ce que la composition ? Pour poser la première question évidente, qu'est-ce que la composition et pourquoi est-elle si importante ? La composition est la disposition des éléments d'une œuvre d'art. Son but est de mettre l'accent sur les éléments les plus importants, guidant les spectateurs à travers la pièce, leur
permettant de comprendre le message de l'œuvre d'art, tout en créant une harmonie esthétiquement agréable. Ça a l'air simple. Eh bien, c'est une fois que tu t'entraîneras. Pourquoi devrions-nous penser à la composition ? La composition est une question de mouvement des yeux, penser et de guider le spectateur sur l'endroit où regarder en premier et où regarder ensuite. Vous voulez attirer l'attention du spectateur, accrochez-lui et leur dire où regarder. Vous pouvez soit apprendre ce qui fait une bonne composition et appliquer ces leçons à votre travail dès le début, soit vous pouvez simplement parcourir chaque dessin que vous faites, espérant trébucher sur une mise en page intéressante. Croyez-moi, si vous mettez dans l'effort et le début de votre carrière et le début de chaque dessin, cela paie vraiment à long terme et vous aidera à améliorer vos dessins énormément.
3. Projet: Le projet de cette classe consiste à redessiner une œuvre d'art que vous avez déjà créée en mettant l'accent sur l'amélioration de sa composition. Vous pouvez choisir n'importe quel type d'illustration à partir d'une peinture, d'une illustration ou même d'un projet d'une autre classe Skillshare. abord, vous devrez regarder les vidéos des cours pour en apprendre davantage sur les bases, la composition et les techniques spécifiques. Ensuite, vous choisirez une technique de composition parmi les vidéos et redessinerez votre œuvre d'art en utilisant cette technique. Cette tâche vous aidera à apprendre ce qui fait une composition forte et vous donnera la possibilité pratiquer des techniques spécifiques afin que vous puissiez améliorer vos compétences en conception de composition pour toutes les futures œuvres d'art. Vous pouvez télécharger votre nouvelle œuvre d'art dans la Galerie de projets, en cliquant sur le bouton « Démarrer votre projet » sur la page du projet de classe. Vous pouvez également consulter le travail de vos collègues étudiants et voir comment ils ont abordé la composition. Je regarde chaque projet publié toutes mes classes et je suis toujours ravi de voir votre travail. La meilleure façon d'apprendre est de faire, alors prenez une fissure à réviser l'œuvre d'art. Maintenant, commençons.
4. Éléments du design: Éléments de conception. Pour commencer, passons en revue les éléments du design. Il y a sept éléments majeurs qui composent le vocabulaire visuel d'un artiste. Ce sont les outils que tout le monde d'un enfant de cinq ans à Leonardo da Vinci utilise pour communiquer visuellement. Les voici, les sept éléments du design. Ligne, forme, couleur, texture, ton, forme et espace. Examinons rapidement chacun d'eux pour nous assurer que nous sommes tous sur la même page. Tout d'abord, c'est la ligne. Les lignes peuvent être horizontales, verticales et diagonales. Ils peuvent être droits, courbés, cassés, épais et minces. Forme. Une forme est une zone fermée d'espace séparée des autres zones. Les formes sont bidimensionnelles, elles ont donc une largeur et une longueur, mais pas de profondeur. Voici quelques exemples de formes. Couleur. La couleur comprend des teintes avec toutes leurs valeurs et intensités. Les couleurs sont une façon de voir les longueurs d'onde de la lumière. Il y aura une classe entière de camp de démarrage sur la couleur, alors ne vous inquiétez pas si cet élément de conception est un peu déroutant pour vous. Texture. La texture traite du toucher et de la surface physique. texture dans l'art peut être réelle, comme dans la rugosité du papier aquarelle ou l'épaisseur de la peinture à l'huile, mais la texture peut également être implicite comme dans la façon dont l'ombrage au crayon est utilisé pour montrer la roche d'une montagne ou comment la peinture peut être utilisée pour montrer le peluches d'un nuage. Ton. Tone est la gamme d'ombre du blanc au noir. Parfois, le ton est aussi appelé valeur. Forme. Form est une zone d'espace fermée qui est tridimensionnelle, donc contrairement aux formes, les formes ont la largeur, la longueur et la profondeur. Voici quelques exemples de formulaires. Espace. L'espace est la zone autour et entre les éléments d'une œuvre d'art. C' est parfois aussi appelé espace négatif ou espace blanc, donc oui, l'absence d'un élément est son propre élément et c'est super important pour faire des compositions fortes. Maintenant que nous avons couvert les outils de création d'œuvres d'art, comment utiliser ces outils pour faire de l'art ? C' est là que les principes de conception entrent en jeu.
5. Principes du design: Principes de conception. En tant qu'artistes, nous utilisons les éléments du design pour créer des compositions, qu'elles
soient fortes ou faibles. Alors, comment utiliser ces outils pour créer des compositions fortes ? En suivant les principes du design. Ce sont des règles qui ont été développées au fil des siècles de création d' art et qui aident à expliquer pourquoi les compositions fonctionnent et ne fonctionnent pas. Une fois que vous connaissez ces principes comme le dos de votre main, vous n'aurez pas à y penser pendant que vous dessinez. La connaissance sera profonde dans votre cerveau et ils sortiront comme des habitudes inconscientes, mais pour l'instant, vous devrez pratiquer. Veuillez garder à l'esprit les règles et les principes sont là pour une raison parce qu'ils ont été prouvés pour fonctionner, mais les règles peuvent toujours être enfreintes, et parfois enfreindre la règle est la meilleure règle. Vous serez plus à l'aise avec tester les règles une fois que vous les aurez vraiment comprises. Ok, donc voici les six principes de conception. Unité, équilibre, accent, mouvement, rythme et proportion. Examinons chacun. L' unité, l'unité, c'est quand toutes les parties d'une composition travaillent ensemble en harmonie, la composition se sent complète et rien ne semble hors de propos. Dans chacun de ces principes, il y a des idées plus spécifiques. Au sein de l'Unité, nous avons l'idée de la proximité, qui est la distance entre les éléments. Similarité, qui est un sentiment de répétition et de répétabilité, et la continuation, un sentiment d'extension. Notre prochain principe est l'équilibre. L' équilibre est la répartition des éléments. équilibre donne à la composition un sentiment de stabilité. Dans l'équilibre, nous avons la symétrie, qui est lorsque les éléments sont disposés de manière égale des deux côtés d'un axe. Aussi l'asymétrie, qui est lorsque les éléments
ne sont pas disposés de manière égale des deux côtés de l'axe, mais sont toujours disposés. Ensuite, nous avons également une symétrie radiale où les éléments sont disposés également autour d'un cercle. L' accent est mis sur la nécessité de donner plus d'importance à
certains éléments grâce à l'utilisation du contraste. Tout élément peut être contrasté,
taille, couleur, texture, etc Dans le cadre de l'accent que nous avons mis en évidence, brisant une règle visuelle déjà établie pour mettre l'accent, couleur, rupture de la couleur continue pour mettre l'accent, et la taille, la taille contrastée pour mettre l'accent. mouvement, le mouvement, c'est comment l'œil du spectateur voyage à travers une composition. Une composition forte guidera clairement l'œil autour de la pièce en utilisant les principes de conception. Point focal, le centre d'intérêt, mais pas nécessairement le centre de votre page. rythme, le rythme est la répétition des éléments en harmonie. La répétition crée un mouvement en utilisant soit des motifs clairs, soit des flux plus ambigus. Modèle, une répétition organisée et prévisible. Flow, un mouvement imprévisible mais toujours harmonieux. Proportion, proportion est la relativité harmonieuse de tous les éléments. Une composition forte aura des proportions équilibrées et la taille de l'élément, le nombre et la quantité, ainsi que la façon dont ils se rapportent tous. Taille, taille différente pour équilibrer et mettre au point. Relations, comment les éléments se rapportent les uns aux autres. Dans l'unité suivante, nous allons parcourir six vidéos et les techniques spécifiques d'utilisation de ces principes dans les compositions.
6. Règle des tiers: Règle des tiers. Maintenant, plongons dans les techniques spécifiques que vous pouvez utiliser pour créer des compositions fortes. Tout d'abord sur le dossier est la règle des tiers. La règle des tiers est une technique sur la façon de placer des éléments dans votre œuvre en divisant la composition en tiers. Vous divisez d'abord votre espace en neuf parties égales, puis vous placez les éléments les plus importants de votre pièce aux intersections de ces lignes. L' idée est que placer vos points focaux à ces intersections crée une tension et équilibre la composition de manière plus dynamique que centrer votre point focal ou simplement de le placer au hasard. Cette technique vous évite de placer vos points focaux trop près des bords de l'œuvre, et de diviser votre composition en deux, ce qui semble naturel et un peu bizarre. Regardons maintenant quelques exemples de la règle des tiers de la cinématographie. Vous pouvez voir que les points focaux de tous ces plans ont été placés sur les intersections des lignes de la composition.
7. La règles des impairs: Règle de cotes. La règle des chances est une autre technique pour créer l'harmonie et le mouvement dans une composition. Cette théorie est un peu plus compliquée et théorique que la règle des tiers. Il est basé sur la théorie selon laquelle les humains aiment les choses qui sont égales, faciles, réconfortantes et prévisibles. Mais vous connaissez d'autres sentiments que ces choses font ressortir, l'ennui et la complaisance. Ce n'est pas ce que nous voulons dans nos œuvres d'art. La règle des cotes vise à perturber ce confort et cette prévisibilité. Si vous avez un nombre impair d'éléments dans votre œuvre, cela ajoute de la tension, de l'intérêt et un sentiment plus naturel à la composition. Il ne se sent pas tout à fait artificiel, même si c'est le cas. Une autre chose à considérer est que vous pouvez forcer la règle des cotes même lorsque vous avez un nombre pair de sujets. Dans cet exemple tiré de la cinématographie, le film Stand By Me avait quatre personnages principaux, donc quatre sujets dans ce plan. Pour le rendre plus intéressant dans ce plan, les deux sujets intermédiaires ont été en quelque sorte réunis, de sorte que quand on le regarde vraiment, il y a trois points focaux dans cette composition pas quatre. Cela rend la composition un peu plus intéressante et ajoute une certaine tension.
8. Les lignes et les formes: Lignes et formes. Les lignes sont un élément énorme dans chaque composition, que vous
créiez des dessins au trait ou des peintures à l'huile. Examinons les façons dont nous pouvons utiliser les lignes pour pomper nos compositions. Les lignes, tout comme la couleur, peuvent être perçues comme émotionnelles et vous pouvez utiliser les lignes votre composition pour communiquer des émotions avec votre œuvre d'art. Voici quelques façons courantes d'interpréter les lignes. Les lignes horizontales peuvent se sentir apaisantes et paisibles, les lignes
verticales sont fortes et puissantes, les lignes
diagonales sont instables
et tendues, et les lignes courbes sont gracieuses et réconfortantes. Une autre façon d'utiliser des lignes dans votre composition est d'incliner les lignes votre composition de sorte qu'elles pointent toutes vers votre point focal, ce qui aidera à diriger l'œil du spectateur exactement où vous voulez qu'il regarde. En outre, considérez les formes invisibles dans votre composition. Votre composition crée-t-elle des formes qui conduisent l'œil autour ? Ces formes peuvent créer des voies que l'œil suivra. triangles et les cercles sont des voies de composition courantes. Voici quelques exemples de grandes lignes de la cinématographie. Dans ce cliché d'American Psycho, vous pouvez voir que presque toutes les lignes de la composition pointent directement vers le sujet principal, ce qui guide votre œil directement à l'endroit où il veut que vous regardiez. Dans cette prise de vue de Memories of a Murder, les lignes des voies ferrées vous conduisent directement à l'action qui se passe et aux sujets. Cet exemple est un peu plus compliqué, c'est un tir de Reservoir Dogs et si vous regardez de très près, presque toutes les lignes des ombres, des tables, des bras, des jambes, elles vous pointent directement vers l' action qui se passe dans la scène et le principal point focal. Maintenant, regardons quelques exemples de formes invisibles. Dans ce cliché de Melancholia, vous pouvez voir que la forme circulaire de la lune et la forme triangulaire du TP dans lequel les sujets sont assis encadrent
les points focaux et guident votre œil vers les sujets. Voici un autre exemple de formes invisibles du film True Grit. Vous pouvez voir ici que les trois sujets, qui sont les trois points focaux, créent une forme triangulaire invisible qui conduit votre œil autour de la scène.
9. Le rythme et la répétition.: Rythme et répétition. Vous pouvez ajouter du rythme dans votre composition en répétant des éléments, soit dans un motif ou juste quelques fois. Vous pouvez répéter des formes, des couleurs ou des éléments spécifiques. Répéter les mêmes formes ou lignes générales créera un rythme que vous pouvez choisir de rompre pour attirer l'attention sur votre point focal. Voici quelques exemples de rythme et de répétition de la cinématographie.
10. Recadrer et chevaucher: Recadrage et chevauchement. Si tous les éléments de votre composition s'intègrent bien dans les murs de l'œuvre d'art et que chaque élément est juste flottant autour, cela ressemble un peu à une œuvre d'art plate. Nous voulons que nos compositions se sentent plus réelles et plus dynamiques, et le recadrage et le chevauchement sont d'excellents moyens d'y parvenir. recadrage est comme la façon dont votre œuvre est encadrée, comme regarder à travers un viseur. Vous pouvez étendre les éléments au-delà des limites de votre illustration hors de vue pour amener le spectateur à entrer et à sortir de la pièce et créer un sentiment d'espace et d'intérêt. Les éléments qui se chevauchent dans votre composition créent des relations et de la profondeur, et déplacent également la visionneuse autour de la pièce. En cas de chevauchement, regardez les tangentes, également appelées baisers. Vous ne voulez pas que vos éléments se touchent à peine, ce qui se sent gênant et mal à l'aise, comme si l'œuvre n'était pas terminée. Il peut également modifier la lisibilité de l'image. Soit espacez les éléments ou les chevauchent, ne les touchez pas simplement. Voici quelques exemples de recadrage de la cinématographie. Vous pouvez voir ici que la planète a été arrachée hors du cadre. La planète entière ne rentre pas dans cette seule composition. Le recadrer fait apparaître plus grand que si vous aviez inclus la planète entière dans la seule composition. Voici un autre exemple de Minority Report, où les deux sujets ont été étroitement rognés de sorte que les visages sont la chose la plus importante que vous voyez. Voici un exemple de chevauchement dans la Route de la Perdition. Ils auraient pu facilement avoir tous ces éléments séparés, chaque corps couché sur le sol ne touchant pas, mais ils ont plutôt choisi de se chevaucher quelques-uns d'entre eux, ce qui ajoute de la profondeur à la scène.
11. Point de vue: Point de vue. Notre dernière technique concerne les points de vue. Le point de vue dans lequel vous dessinez votre œuvre devient le point de vue du spectateur. Cela a donc beaucoup à voir avec la façon dont le spectateur se relie et s'identifie à l'œuvre. Si votre sujet est vu sous un angle bas, le sujet apparaît fort, compétent et faisant autorité. S' il est vu sous un angle élevé, le sujet semble minuscule, innocent et vulnérable. Si votre sujet est une personne, le spectateur sera probablement lié à la personne la plus visible dans l'œuvre. Voici quelques exemples d'angles de caméra élevés provenant de la cinématographie.
12. Conclusion !: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et j'espère que vous apprendrez quelques techniques utiles pour dessiner des compositions convaincantes. Si vous souhaitez vous entraîner davantage avec des compositions, je vous suggère de regarder des films qui ont remporté des prix cinématographiques. Ce sont une grande source d'inspiration pour encadrer des actions et des scènes. J' espère vraiment que vous déciderez de terminer le projet de classe, et j'aimerais voir ce que vous venez avec. Que vous souhaitiez télécharger votre illustration finale ou votre travail de processus, vous pouvez le faire dans la galerie de projets en cliquant sur le bouton de projet de l'année de début sur la page du projet de classe. Vous pouvez également consulter le travail de vos collègues étudiants et voir comment ils abordent les compositions. Je regarde chaque projet publié dans toutes mes classes et je suis toujours ravi de voir votre travail. Amusez-vous à dessiner des compositions convaincantes et j'ai hâte de voir ce que vous venez avec. Rendez-vous dans le prochain camp de bottes de l'école d'art.
Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios
