Artistes, passez au niveau supérieur : éléments et principes de design

1. Introduction de Passer au niveau supérieur: Hé, les gars. Je suis Dylan Mierzwinski, illustrateur et dessinateur de surface vivant à Phoenix, en Arizona. Dans cette classe Skillshare, nous mettons de côté nos raccourcis clavier et tablettes pour parler des outils du métier, pas de votre équipement, pas de vos plateformes de médias sociaux, mais des éléments et principes qui peuvent vous aider enfin explorer et développer votre style personnel, interpréter l'inspiration sans fin sans voler ou marcher sur les orteils d'autres artistes, et évaluer et critiquer vos œuvres et celles des autres. Bref, nous faisons passer votre identité d'artiste au niveau supérieur. Prenez votre carnet de notes et votre surligneur préféré et commençons. 2. PROJET DE CLASSE: Pour ce projet de classe, vous allez faire une chasse au trésor avec éléments et les principes du design à l'esprit, suivie d'une exploration pratique de ces mêmes éléments et principes dans n'importe quelle forme de marque vous faisant choisir. Peut-être que vous voudrez explorer la ligne avec des stylos à charbon de bois, jouer avec la couleur à travers la peinture, et envisager l'équilibre avec un ensemble de blocs de bois. C' est totalement à toi de décider. La meilleure partie est non seulement que cela permettra de faire couler vos jus créatifs et de les préparer pour votre prochain projet, mais cela peut servir de début d'un livre de jeu créatif pour que vous puissiez tirer idées à mélanger et assortir les jours où vous vous sentez coincé. Tous les détails peuvent être trouvés dans l'onglet projet, y compris les téléchargements de ressources. 3. À qui s'adresse ce cours: Parlons de qui je pense que ce cours sera utile. Vous avez probablement déjà suivi quelques cours de Skillshare et vous avez commencé à développer ces compétences techniques. Vous avez commencé à partager votre travail et à développer vos adeptes, mais vous constatez toujours une nette déconnexion entre votre œuvre et celles qui ont une citation unquote « made it ». Vous avez fait beaucoup de travail, mais tout a l'air différent ou ressemble à une arnaque de quelqu'un que vous admirez ou tout simplement ne se sent pas comme vous. Vous voulez commencer à construire un portefeuille dont vous êtes fier et à tendre la main pour ces grands rêves, mais vous aurez l'impression de tourner vos roues pour toujours. Peut-être que vous vous sentez conscient de ne pas avoir d'entraînement officiel ou comme si vous étiez un imposteur. C' est peut-être aussi simple que de se sentir submergé quand quelqu'un vous demande votre avis sur son travail ou de ne pas savoir comment demander des commentaires sur votre propre travail. Si une combinaison de ces sons vous ressemble, alors on peut d'abord s'appeler des amis. Parce que j'ai été à tous ces endroits plusieurs fois, et deuxièmement, je pense que vous allez vous éloigner beaucoup de ce cours. Je ne vais pas te faire sauter l'esprit avec des secrets d'art. C' est de l'art 101. Mais pour les créatifs autodidactes, c'est exactement cette base qui peut être une pièce manquante lorsque vous êtes concentré sur l'apprentissage des compétences techniques et même si vous avez un professeur d'art couvrir ce matériel, cela rend un monde plus logique une fois que vous ont en fait un contexte dans lequel l'appliquer. Il y a une raison pour laquelle ça fait partie de l'art 101, c'est assez essentiel. 4. Éléments du design: abord, nous allons parler des éléments du design, que nous pouvons considérer comme les éléments constitutifs de l'art. peintre et théoricien du design Maitland E. Graves l'a bien résumé en disant : « Ces éléments sont les matériaux à partir desquels tous les dessins sont construits ». Il y a une certaine ambiguïté sur le nombre d'éléments qu'il y a allant de 6 à 10 selon qui vous demandez, mais je vais aller avec un solide sept. Commençons par le biggie que vous connaissez probablement bien, la couleur. La couleur est un élément de design qui définit l'ambiance ou fournit une sensation ou une émotion pour la pièce. couleur en soi est un monde à explorer avec des relations de couleurs, significations psychologiques et sociales liées aux couleurs harmonies de couleurs et aux palettes que les humains ont tendance à trouver agréables. Mais surtout, il est important de savoir que la couleur joue un grand rôle dans le réglage de l'humeur. Nous pouvons prendre une œuvre d'art et changer seulement les couleurs et toute la sensation de la pièce peut changer radicalement. Piggyback off of color est la valeur, qui fait référence à la légèreté ou à l'obscurité d'une couleur dans une composition. Similaire à la couleur ou à la teinte, l'utilisation intentionnelle de la valeur peut améliorer ou continuer à transmettre une humeur ou une émotion. Par exemple, la couleur rose peut définir une humeur de féminité, convivialité et de douceur, mais si le rose est un rose bébé ou une rose poussiéreuse change considérablement le ton. Nous en parlerons plus tard, mais la valeur joue un rôle précieux dans la création de profondeur, création de contraste ou la mise en valeur. À titre d'exemple rapide, tout le texte ici est de la même taille, police et teinte, mais le changement de valeur le plus radical, c'est-à-dire le plus clair et le plus sombre est ce qui commande et attire l'œil en premier. Ensuite, nous avons la texture, qui se réfère bien sûr à la façon dont une surface se sent ou est perçue pour se sentir donc lisse, vieux, granuleux, naturel, synthétique, rugueux etc. vraies textures sont des textures physiques que nous pouvons toucher, donc le tricot du pull que vous portez en ce moment, ou l'écorce d'un arbre à l'extérieur de votre fenêtre. Simulations de textures, donc une image d'écorce d'arbre ou un dessin dans la texture verte bois est connu sous le nom de texture implicite. Donc, la plupart de la texture dont nous parlons dans l'illustration est la texture implicite. La texture peut ajouter du contraste et aider à mettre en valeur un point focal, équilibrer une composition ou simplement créer un intérêt visuel. L' élément numéro quatre est la ligne. La description complexe est un point qui se déplace dans l'espace, mais nous les connaissons comme des lignes droites, lignes courbes, des lignes diagonales, lignes brisées, des lignes fortes, lignes floues, des lignes implicites. Ils peuvent varier en largeur et en texture, ils peuvent être créés par deux formes touchant, ils peuvent être fermés ou ouverts. Il y a des tonnes de façons dont les lignes font leur chemin dans l'art et avec les lignes viennent des formes, qui sont donc des zones plates liées par la valeur de ligne ou la couleur. Ils peuvent être géométriques comme des briques et des hexagones, ou organiques comme des feuilles et des courbes. Ils peuvent occuper un espace positif et négatif, ils peuvent être simples ou complexes et ainsi de suite et ainsi de suite. Je dirais que les cinq premiers éléments sont tous faciles à saisir et à se rapporter. Mais avec 6 et 7, nous commençons à obtenir un peu moins de béton. numéro six est l'espace dans toutes les conceptions traite l'espace, qu'il soit intentionnel ou non, car il fait référence à la zone une forme occupe et les espaces entre ces formes sont les éléments uniformément espacés, s'ils se chevauchent. Remarquez comment une gradation de valeur, sorte qu'une gradation de l'obscurité à la lumière peut être utilisée pour créer une ombre portée, ce qui peut créer la sensation d'espace 3D dans l'espace 2D. L' espace est un élément très flexible et il a de nombreuses avenues qui peuvent être explorées. Enfin, nous avons la forme, qui se réfère traditionnellement à l'art 3D qui occupe l'espace et qui a de la masse. C' est la version 3D de la forme. forme peut être jouée dans le travail 2D cependant. Donc, ce n'est pas parce qu'une sculpture a de la forme qu'il n'y a pas de forme dans un dessin. Une personne qui dessine une figure peut prêter attention particulière à la forme et s'assurer que la forme de ce corps est représentée. Donc, rien de cerveau brisé jusqu'à présent dans nos éléments de base de couleur, valeur, texture, lignes, formes, espace et forme. Mais commençons à examiner les implications et les relations de ces éléments en relation avec les principes de la conception. 5. Principes du design: Si les éléments sont les blocs de construction ou les composants de base, alors les principes sont les véhicules et les relations entre eux. Certaines personnes les appellent des règles, mais je pense que c'est un mauvais étiquetage. Pour le relier à la nourriture, les éléments sont les ingrédients, et les principes sont les techniques. La première étape est l'équilibre, qui est la distribution du poids visuel des objets, des couleurs, des textures et de l'espace. Donc, vous pouvez penser à cela comme si chaque élément de votre pièce ajoutait du poids à la pièce, et ce poids devrait être intentionnellement équilibré ou délibérément déséquilibré, selon l'effet que vous allez chercher. Par exemple, un grand cercle jaune très clair peut correspondre au même poids visuel qu'un cercle noir beaucoup plus petit. équilibre peut être symétrique, asymétrique ou radial. Si vous prenez une toile vierge et ajoutez un carré d'un côté, de quel côté se sent plus lourd ? C' est l'équilibre, et il peut être atteint grâce à des combinaisons infinies des éléments du design. L' étape suivante est un classique, et c'est le contraste, qui fait référence à la création d'un intérêt visuel en juxtaposant des éléments opposés. Donc, pensez aux valeurs claires et sombres, grandes et petites formes, textures lisses et rugueuses, couleurs vives et ternes, avant et arrière, ou près et loin dans l'espace, etc. zones de contraste sont parmi les premiers endroits où l'œil d'un spectateur est dessiné, de sorte que vous pouvez l'utiliser très intentionnellement pour diriger la ligne oculaire. Ou à l'envers, vous pouvez utiliser un faible contraste pour empêcher les éléments moins importants de rivaliser avec les éléments importants. Cela nous amène à l'accent ou à la domination, c' est-à-dire lorsque l'attention se concentre sur un seul domaine dans un design, créant un point focal, souvent par contraste d'une sorte quelconque. Traditionnellement, cela fait référence à l'élément important littéral d'une pièce, mais j'aime y penser plus comme une idée générale de créer une hiérarchie dans votre conception. Quelle est la partie la plus importante ? Quelle est la deuxième partie la plus importante ? Donc, et ainsi de suite, et que pouvez-vous faire pour vous assurer que l'attention est accordée à ces éléments comme prévu ? Les trois suivants ont tous des noms qui vous mélangeront pendant un certain temps parce qu'ils ont tous l'air familier, mais ils ont des applications particulières en matière d'art, et ce sont le rythme, la répétition et le mouvement. Le rythme est comme un rythme réel, créé par un espacement égal des éléments visuels, utilisant souvent la répétition. Donc, dans ce tableau d'Andy Warhol, l'image de Marilyn Monroe est répétée plusieurs fois, créant un rythme régulier un, un, un, un rythme visuel. Même avec la variation de couleur de l'itération à l'itération, il y a toujours un battement là. Mais le rythme peut aussi avoir des variations dans les répétitions, alors pensez un deux trois un deux trois ou un deux deux, sont aussi des rythmes même s'ils varient. Cette répétition ne doit pas seulement être avec la forme, elle peut être n'importe quel élément ou combinaison d'éléments, c'est pourquoi le rythme est si excitant. répétition est alors facile, et n'est littéralement que le véhicule d'éléments répétés pour créer l'unité. Dans cette pièce de Luli, elle a utilisé la répétition de la forme pour créer l'unité tout en laissant la couleur et la valeur varier. Ensuite, nous avons le mouvement, et le mouvement fait référence à la ligne que votre œil suit à travers un morceau de travail. Donc, ce tableau Kandinsky montre mouvement et attire votre regard tout autour et à travers la peinture, mais il n'y a pas vraiment un rythme perceptible, bien qu'il y ait une certaine répétition de la couleur et de la forme. Enfin, nous avons l'unité. Unity est une sorte de biggie, c'est la chose principale que nous tournons ici, qui est un sentiment de globalité qui résulte de la combinaison de l'harmonie et de la variété. Maintenant, si vous créez une pièce pour représenter la souffrance ou faire la lumière sur un problème difficile, l'unité parfaite peut ne pas être ce que vous recherchez, mais en général, avec le design et l'illustration, vous voulez un sentiment d'unité. Vous voulez que votre travail se sente unifié de sorte que tous les éléments s'intègrent confortablement. Sachez cependant que trop d'unité crée la monotonie, et trop de variété crée le chaos. Vous avez besoin d'un équilibre des deux. Donc, en revue, nos sept principes qui donnent vie à nos éléments sont l'équilibre, contrastes, l'accent, le rythme, la répétition, le mouvement et l'unité. 6. Autres exemples: Avant d'entrer dans les applications de ce que nous venons de parcourir, jetons un coup d'œil à quelques œuvres d'art afin que nous puissions commencer à utiliser ces mots et idées. Tout d'abord, cette illustration à gauche de Natalia Z. Il y a tellement de grandes choses qui se passent à la fois que je ne sais presque pas par où commencer. Tout d'abord, elle utilise l'espace en créant une scène qui donne la dimension de l'illustration. Il semble que le bateau à rames avance vers la maison, au lieu de stagner, ou en arrière, ou dans une autre direction. Même si l'eau bleue occupe la majeure partie de la scène, elle ne détourne pas votre attention de la maison et de la figure, parce qu'elle a utilisé magistralement la répétition pour souligner les autres éléments importants. Vous remarquez comment les formes dans l'eau sont répétées partout ? Cela aide nos yeux à ne pas se concentrer autant sur elle et aller aux autres éléments. En plus d'un fort contraste de valeur, voyez comment la maison est lumineuse par rapport à tout le reste de la scène. Elle a créé une texture d'eau intéressante, en utilisant des lignes incurvées organiques. Encore une fois, les lignes ne contrastent pas si fortement avec l'eau qu'elles distraient l'œil. La façon dont elle a créé l'espace aide également à guider l'œil du spectateur, ce qui facilite le mouvement. Ensuite, nous avons cette illustration mise en scène par Blanca Gomez, et j'adore cela comme un exemple de contraste et d'accentuation. Mon oeil tire directement vers le bus scolaire dans les deux images. Parce que le bus scolaire est si différent des formes répétées qui l'entourent. Remarquez dans le haut cependant, comment le bus scolaire ne se distingue pas aussi fortement que dans le bas, et c'est à cause des éléments environnants sont plus proches en couleur et valeur de l'autobus que dans le cas de l'autobus scolaire dans le arbres. De plus, les formes d'arbre sont plus différentes du bus que les bâtiments sont au bus ci-dessus. Notez que les éléments répétés ne sont pas des copies parfaites. Blanca a gardé la pièce visuellement intéressante en variant légèrement les nuances du vert et des arbres, et en fournissant une texture subtile. Donc, nous avons l'unité sans monotonie, et l'intérêt sans distraction. Cette pièce suivante est un autre bel exemple de l'espace que la perspective utilisée, nous donne le sentiment d'être dans une pièce. Il installe l'espace autour de nous. Cette perspective aide également au mouvement de la pièce car elle guide notre regard vers le haut de la pièce et vers la porte. répétition a été utilisée dans les lits pour garder l'œil en mouvement dans le couloir, au lieu d'avoir à s'arrêter et être distrait par différentes couettes, ou différentes formes de lit ont pu simplement se déplacer là haut. Avec tant de motifs et de texture dans cette pièce, vous penseriez qu'il serait facile pour elle de devenir trop chaotique. Mais la palette de couleurs cohésive et limitée empêche tout de devenir écrasant. Le travail en ligne est moins précis. Ainsi, l'œil ne s'accroche pas aux détails, ce qui lui permet de continuer à bouger librement. Ici, nous avons cette esperluette de banane, habilement titrée bandana, et je l'aime comme un exemple de texture ludique et efficace. Donc, même si la forme n'est pas ce que nous avons l'habitude de voir dans une banane, la couleur et la texture pointilleuse font rentrer le point sans problème. J' ai l'impression de sentir la banane à travers la scène. Grâce à cette texture. La texture crée également de la profondeur en jouant avec les changements de valeur à mesure que le pointillage devient plus ou moins dense. Il donne à la banane un sentiment faux mais réussi de forme 3D. J' ai deux autres exemples que je voulais souligner dans mon propre travail. Ensuite, nous allons parler d'inspiration de style et de critique. Donc, tout d'abord, je veux montrer un de mes bouquets floraux à côté d'un bouquet botanique classique. Bien que, les deux traitent d'un bouquet floral accent qui vit au centre de la page, plantes traditionnelles utilisent la valeur, la texture et la couleur pour montrer la forme des fleurs. Ainsi, la forme réelle de la fleur dans la nature, ils essaient de transmettre cela. Alors que dans mon travail, j'aime dépouiller la forme de la fleur au profit d'une forme plate, et ensuite j'utilise la ligne seulement quand il est nécessaire de montrer la texture ou la forme. Donc, c'est un excellent exemple aussi de la façon dont la forme diffère de la forme en tant qu'élément. Ici, nous avons un modèle d'arrosoir que j'ai fait. Ce qui se dégage comme un motif d'été amusant et doux. Une partie de cela provient de la palette de couleurs et du faible contraste entre la figure et le sol, et les figures elles-mêmes. Mais ce qui motive cette maison amusante, c'est le rythme. Même si, j'ai pris le temps d'équilibrer l'espace entre les formes dans leur ensemble, il est donc respirant et confortable. Les arrosoirs ne sont pas tous parfaitement espacés les uns des autres, ni même face à la même direction. Cette légère variance forme le rythme irrégulier qui ajoute de l'énergie au motif. Pensez-y comme un battement de jazz au lieu du rythme linéaire 1 1 1 1 que nous avons vu dans le tableau d'Andy Warhol d'antan. 7. Considérations sur le style: Maintenant que vous avez une langue et une base pour interpréter notre travail dans le monde qui vous entoure, vous pouvez regarder les choses que vous aimez avec des yeux fraîchement éduqués. Maintenant, au lieu d'y avoir du mystère, vous pouvez vous accrocher avec les pièces que vous aimez ont en commun et ce que toutes les choses que vous n'aimez pas ont en commun, et ensuite vous pouvez les porter dans votre propre œuvre d'art. Je vais me servir d'exemple. J' ai une planche d'humeur ici qui est une collection distillée de ce que je couvre dans mon exemple de projet de classe. Donc, si vous voulez voir plus de ce dont je parle ici et des images plus grandes, vous pouvez aller voir ça. Je les ai trouvés en retournant dans mon tableau d'illustration sur Pinterest, avant que je sentais que j'avais développé un style et que je faisais encore tourner mes roues et essayer de faire quelque chose que j'aimais, et c'est vraiment amusant pour moi de regarder en arrière maintenant pour voir que certains des piliers de mon style d'aujourd'hui étaient préfigurés dans ce truc que je collectionnais il y a des années. Donc c'est en quelque sorte que la magie de vous être vous entre en jeu parce que personne d'autre ne va combiner ces images comme je ne vais pas faire un tableau d'ambiance qui ressemble exactement à la vôtre. Nous allons trouver des combinaisons étranges qui jouent sur nos propres préférences. Ils sont tous issus de différents artistes et de différents types de travaux, et pourtant le fil conducteur qui les relie c'est nous et notre amour pour eux. Cette combinaison de préférences particulières et de choses auxquelles vous êtes attiré est exactement ce que vous voulez intégrer et jouer avec. C' est ton artiste mojo. C' est pourquoi avoir des éléments et des principes à prendre en considération peut aider à guider votre interprétation sur différents supports et à vous informer. Mais regardons ceci spécifiquement pour que vous puissiez voir ce que je veux dire. Voici quelques-uns des principaux motifs que j'ai trouvés en jetant un oeil à ces vieilles broches que j'ai recueillies. Tout d'abord, c'est la couleur. Toutes les broches que j'économise pour, leur couleur avait audacieuse, contraste, et teinte. Parfois même un choc dans la teinte. Les palettes avaient tendance à être minimes. J' ai également remarqué que, sauf pour mon amour du jaune, la plupart des couleurs que j'ai dessinées sont en fait plus foncées ou plus ternes en valeur que la plupart des œuvres contemporaines que je vois. Donc, par exemple, où je vois beaucoup de coraux vraiment, vraiment brillants qui sont vraiment saturés, les coraux que j'ai tendance à utiliser dans mon travail et pour lesquels je suis attiré sont un peu plus ancrés, ils sont plus sombres moins saturé. Donc, je peux noter que comme une préférence personnelle de la mienne et quelque chose qui me distingue. Comme je l'ai dit, ce sont ces préférences qui sont les gemmes qui cherchaient. Ensuite sont les broches qui ont attiré mon attention à cause de la ligne. J' ai remarqué que je n'ai guère aimé la ligne et utilisé pour tracer une forme remplie. Je préfère le placement de ligne réservé et réfléchi pour les détails essentiels et ai tendance à préférer la ligne à utiliser pour créer de la texture plutôt que pour aider à former une forme. Donc c'est assez intéressant. Ensuite sont mes préférences de forme. Comme je viens de le dire, je n'aime généralement pas créer mes formes lorsqu'elles sont combinées avec des remplissages de couleur. J' aime la bordure des remplissages de couleur pour créer les formes ou les lignes implicites et les formes à partir de remplissages de texture. Il est moins important pour moi de regarder cela et de savoir que mon propre travail pour que les formes aient chacune des limites claires, et au lieu de cela je veux que l'idée de la forme ou du groupe de formes découvre avec juste un accent rapide sur les détails seulement. Donc, je sais que c'est petit, mais si vous regardez ce formulaire ici, cette forme n'est pas vraiment décrite. La seule chose qui dicte cette forme est où cette texture où cette bande apparaît, tout le reste est un espace négatif mais nous obtenons une ligne implicite à cause de l'endroit où la texture est placée. C' est la même pièce qui se passe dans ce trench. Le trench coat est dicté par un motif qui est de la même couleur que le fond en noir et donc n'importe quel endroit où nous pouvons voir la coupure noire est où nous pouvons supposer que la ligne est de cet objet. Puis ici avec ce chat, il n'y a pas de ligne décrivant ce chat, il y a un remplissage de crème qui dicte où se trouve la forme du chat avec quelques lignes d'accent au-dessus de lui. Donc c'est le genre de chose qui me semble vraiment attirée quand je regarde tout ça. Enfin, j'ai mon équilibre et mon accent. J' ai tendance à aimer les mises en page linéaires claires. Non pas que je n'aime pas le travail abstrait, mais j'ai tendance à ne pas aimer l'art ou à être attiré par l'art où je ne comprends pas vraiment pourquoi il est là ou ce qu'il apporte à la table. J' aime savoir, « Ok, je regarde cette pièce et je peux dire que c'est une botanique ou je peux dire quelle est la figure et quel est le sol », ce genre de chose. J' ai aussi tendance à aimer que mon équilibre se sente symétrique. Donc, si je devais couper cette botanique ici en deux, et encore une fois, je sais que c'est petit. Si je le réduisais de moitié, de moitié, nous verrions qu'il y a un poids égal de part et d'autre. Il y a un équilibre symétrique. Cependant, les éléments eux-mêmes ne sont pas exactement les mêmes. Donc cette fougère n'est pas la même fougère qu'ici. J' aime donc qu'il y ait un équilibre symétrique où les éléments réels et les formes eux-mêmes sont variés. Ainsi, vous pouvez voir que simplement en recueillant et en faisant attention à ce que vous aimez, vous pouvez rassembler une tonne d'Intel sur vos propres préférences et une combinaison totalement vôtre. Cela ne s'applique pas seulement aux œuvres d'art. Y a-t-il des voitures sur la route dont vous gravitez les formes ? Vous préférez des films simples dans la nature ou plus avant-gardistes ? Aimez-vous quand votre maison est sombre et de mauvaise humeur la nuit ? Lorsque vous tenez compte de tous les éléments et principes en jeu et de la façon dont ils peuvent être utilisés pour créer une certaine expérience, vous pouvez inverser l'ingénierie pour créer un style dynamique et sans cesse grandissant au lieu de rigide. 8. Utiliser l'inspiration: Donc, vous êtes assis pour travailler sur une illustration. Comment toutes ces informations entrent en jeu ici ? Grande question. Je pense que cela se prête de deux façons. D' abord, faites-vous une faveur et demandez-vous ce que vous essayez d'accomplir. Cela peut être quelque chose de simple comme une jolie illustration florale qui met en valeur les fleurs d'avril, ou quelque chose de profond et réfléchissant comme utiliser la profondeur et la valeur pour créer une scène qui représente un épisode dépressif. Quoi qu'il en soit, en définissant même une direction large, vous pouvez faire tourner votre cerveau sur les outils que vous voulez utiliser pour accomplir cela. Pour une scène chaotique et sombre, vous n'utiliseriez probablement pas de lignes nettes et de couleurs vives, ou peut-être à cause de cela, vous voulez juxtaposer des couleurs vives avec des images sombres ou des formes lourdes. Donc, c'est un exercice rapide pour éliminer ce qui ne fonctionnera pas, ce qui va et quelles règles vous pourriez vouloir enfreindre. Mais la deuxième façon qu'il se prête est de considérer comment utiliser l'inspiration sans voler. Peu d'artistes sont forts pour créer 100 % de leur imagination. Alors, comment utilisez-vous les références sans arracher le photographe ? Comment admirez-vous d'autres artistes sans essayer inconsciemment de les imiter ? Lorsque vous ne possédez pas les droits sur les images que vous regardez, vous devez interpréter les éléments et les principes en jeu plutôt les idées et l'exécution que l'artiste a créées et rendues. Alors allons de l'avant avec mon exemple de vouloir créer une jolie illustration florale de fleurs d'avril. abord, je ferais quelque chose comme Google ce que les fleurs fleurissent en avril, puis après ma phase de recherche de base je ferais probablement un zoom avant sur les pivoines et je dirais, « D'accord, je veux faire quelque chose sur les pivoines et donc j'irais et commencerais à collecter images de référence de Google et Pinterest et de sites boursiers, etc. Puis parfois je vais trouver ou je vais juste avoir à l'esprit quelques œuvres d'art finies que j'aime beaucoup et que je veux garder à l'esprit de mon travail. Donc, voici où nous devons être vraiment prudents. Je veux m'assurer de ne pas copier leur contenu. Donc, quand je regarde ces pièces que j'aime, je ne vais pas goûter les couleurs et dessiner la même composition de bouquet, ou même les regarder une fois que je commencerai à travailler. Au lieu de cela, je vais demander ce que j'aime chez eux. Dans ce cas, j'aime qu'il y ait un jeu avec des formes remplies et des formes non remplies. J' aime que cela fait que la composition se sent superposée au lieu de plate comme je travaille habituellement. J' adore le contraste élevé de couleur. Encore une fois, vous pouvez voir que je ne prends pas le contenu de cet artiste. Je prends ce à quoi je réponds dans leur travail et ensuite je peux l'apporter dans le mien. Si je trouve un morceau de lettrage que j'ai aimé, je ne prendrais pas la citation et la lettre dans le même style ou lettre une citation différente dans le même style. Je mettrais en évidence ce que j'ai apprécié de leur pièce en termes plus généraux, puis je travaillerais dans ce contexte sur ma pièce. En outre, quand il s'agit de références, n'est-ce pas juste le pire quand vous collectez des photos de disons trois fleurs et ensuite ne pouvez dessiner que ces trois fleurs exactes et rien de plus ? Je déteste me sentir limité comme ça. En appliquant les éléments et les principes pour référencer les photos, nous pouvons commencer à en obtenir quelques fleurs supplémentaires, et plus important encore dans les cas où nous ne possédons pas les droits sur les références comme dans cette situation, J' ai pris ces photos de Pinterest. Je peux éviter de marcher sur les orteils du photographe. Par exemple, dans ces photos de pivoines et je sais qu'elles sont petites et difficiles à voir à l'écran, j'évalue vraiment leur forme. Dans l'ensemble, ils sont ronds. Je peux voir une forme de pétales commune bien qu'ils varient en taille. Parfois, les pointes des pétales se retournent vers l'extérieur loin de la masse de la fleur. Les feuilles se regroupent parfois en un seul endroit. Donc, ici, vous pouvez voir qu'ils grandissent tous en un seul endroit, et parfois ils sont plus dispersés. En vue de profil, la forme globale est plus rude que lorsque vous regardez une face. Je peux faire attention à la façon dont les pétales ou les formes interagissent les uns avec les autres lorsqu'ils entrent en contact. Je peux voir les valeurs sont plus foncées près du centre de la fleur. Encore une fois, en regardant plus largement ce que nous voyons, je peux maintenant utiliser ces références pour créer une pièce qui n'est pas ligne pour ligne de mes références, mais qui ne compte toujours pas 100 pour cent sur mon imagination pour le levage lourd non plus. regardant le résultat final, vous pouvez certainement voir des similitudes entre mon travail et l'inspiration et les références, mais aucune des fleurs n'a été dessinée pétale pour pétale. Mes couleurs n'ont pas été échantillonnées à partir des œuvres d'art que j'aimais, et j'ai essayé de rester fidèle à moi-même dans les limites que j'ai définies en fonction de mon inspiration. Voici une règle empirique que j'aime passer si je ne peux pas dire si je prends trop de mes références. C' est pour me demander, si ce peintre photographe artiste qui a fait mon inspiration ou mes références a vu ma pièce, comment en ressentirions-nous tous les deux ? Parfois, il y a cette attitude de, ils ne sauront jamais, ou qui pourrait le dire, ou comment pourraient-ils le prouver, et poser ces questions contourne cela parce que et poser ces questions contourne cela parce quepeu importe quel risque est, si l'artiste est passé et a vu votre pièce, pourriez-vous la supporter avec intégrité ? Ou serais-tu grincer un peu dans un moment gênant et espérer qu'ils ne regardent pas de trop près ? Une dernière remarque que je veux ajouter ici avant de passer à la critique, et c'est de ne pas aller par-dessus bord avec le sentiment que chaque élément et principe doit être considéré et intentionnel et parfaitement calculé. Beaucoup d'art sont des accidents heureux, l'intuition et des décisions rapides. N' hésitez pas à les utiliser lorsque vous avez besoin d'aide avec la direction. Parfois, je ne les considère même pas jusqu'à ce que j'aie presque fini avec le projet et je ne peux pas tout à fait comprendre pourquoi quelque chose ne clique pas. Ce sont d'excellentes lignes directrices, mais ne les laissez pas tenir la partie la plus importante, la fabrication. 9. Critiquer: Enfin, comme si la déconstruction votre style et l'ouverture d'une voie à suivre dans votre œuvre ne suffisaient pas, les éléments et les principes du design nous donnent langage pour parler d'art avec d'autres personnes. Tu sais à quel point c'est vraiment effrayant de demander des commentaires sur ton œuvre ? Eh bien, c'est assez mal à l'aise de savoir à propos de cette vulnérabilité et ne pas toujours être sûr de quoi dire en réponse à quelqu'un qui vous demande. Voulant donner une bonne rétroaction mais ne pas blesser des sentiments ou parler hors de son tour, il peut être vraiment difficile de naviguer Ne serait-il pas juste agréable pouvoir offrir autre chose que votre opinion subjective de l'aimer ou non ? Les éléments et les principes ont votre retour ici. Comme tous les cas dont nous avons parlé auparavant, demandez-vous ce que vous aimez à ce sujet. Qu' est-ce qui met l'accent dans la pièce quand vous la regardez ? Est-il équilibré ? Les couleurs fonctionnent-elles ? Même si vos préférences personnelles diffèrent des autres artistes. En jetant simplement la lumière sur ce que vous voyez en termes qu'ils peuvent comprendre, vous donnez à l'artiste et aux autres un autre point de vue précieux à considérer qu'aucun n'est juste ou faux. Si vous n'êtes pas prêt à demander aux autres, vous pouvez utiliser la même technique pour critiquer et évaluer votre propre travail. J' ai demandé à quelques braves bénévoles de m' envoyer œuvres d'art pour faire une critique en direct ici maintenant, afin que vous puissiez entendre ce que c'est pour moi personnellement de passer à travers ce processus. Alors, nous allons entrer. D' abord, j'ai cette belle tuile à motifs par Anne Lafollette et la première chose que je remarque est la couleur. Mes yeux semblaient heureux qu'il y ait cette variation confortable de la lumière à l'obscurité. De ce jaune clair à cet orange rouillé foncé et le gris foncé et un équilibre uniforme et la répartition des poids de couleur. Ainsi, par exemple, cette fleur jaune détient le poids visuel le plus léger de tous et à cause de cela il y en a plus. Comme les fleurs orange brûlées et gris foncé sont plus lourdes, il y en a moins pour aider à égaliser les choses. Donc, Anne l'a cloué sur cette répartition et cet équilibre là-bas. Cette distribution permet également à mes yeux de circuler confortablement autour de la tuile au lieu d'être dessiné ou coincé dans un seul endroit qui est l' une des principales choses que vous essayez d'éviter lorsque vous faites votre motif. Si je devais offrir quelque chose de constructif à considérer, je dirais que le contraste très faible entre les fleurs non remplies jaune clair, donc pas celles remplies seulement celles non remplies, et le fond fait bourdonner mes yeux un peu dans un façon mal à l'aise, et ça les rend tendus pour voir si je manque quelque chose. Peut-être que les instances des fleurs jaunes non remplies pourraient avoir une nuance de jaune légèrement altérée qui offre contraste plus confortable sur le fond tout en s'adaptant à la palette actuelle ou peut-être tout le jaune les fleurs doivent être remplies. Remarquez comment je n'ai pas dit, oh j'aime ça ou je déteste ça parce que bien Anne veuille connaître mon opinion, elle pourrait vouloir que je l'aime et je le fais, Anne je pense que c'est un joli motif. Cette réponse ne donne pas vraiment beaucoup à Anne de quoi s'enfuir. Ça ne veut pas dire que puisque je fais un meilleur travail critiquer qu'elle doit accepter mes suggestions. Mais maintenant, elle a au moins une nouvelle perspective sur ce qui est vu par une autre personne. Merci beaucoup Anne. Vous pouvez découvrir plus de fleurs délicates d'Anne à annelafollette. Ensuite, nous avons un tableau d'Alanna Cartier. Donc, tout de suite, mon oeil va au centre de la plaque et ce n'est pas seulement parce que c'est le centre de la page, mais parce que les éléments avec le contraste le plus fort en valeur sont là. Donc, la noix de muscade réelle et les clous de girofle, ils fournissent un contraste plus élevé que tout autre sur la page. Donc, je dirais que c'est réussi et probablement là où Alanna veut que mon attention soit concentrée. Ensuite, j'ai cette belle plaque de ton moyen qui entoure l'accent sans rivaliser avec elle, et puis l'œillet devient plus intéressant avec chaque ligne de flèche et morceau de texte qui étiquette les épices qui aide avec le mouvement de la pièce. Mon point constructif est le suivant : donc mon œil commence au centre, se déplace autour et vers l'extérieur, puis il est en quelque sorte raboutré par le bord de la page, et je pense que cela rend l'harmonie et l'équilibre globaux se sentent incomplets ou instables. Je suis vraiment heureux qu'Alanna m'ait donné cette pièce parce que quand je l'ai ouverte pour la première fois, j'ai senti ce mouvement ou cet espace instable, mais je ne pouvais pas vraiment le trouver suite parce que pendant que je bougeais dans les formes, je pensais que tout était vraiment sympa, rien ne semblait vraiment hors de propos. Donc, parfois, nous devons prendre du recul par rapport au contenu réel de la page et regarder le formulaire. Dans ce cas, regardez la différence que cela fait juste recadrer l'espace blanc autour de la peinture. Soudain, le texte et les flèches ont de la place pour respirer ce qui donne à mes yeux de la place pour rentrer et sortir confortablement du centre. En fait, maintenant que je ne suis pas distrait par le cadrage, je peux apprécier la profondeur subtile créée par les valeurs et les ombres que je ne voyais pas vraiment auparavant. Je peux profiter de la ligne organique créée par le pinceau et tout se sent plus complet juste en le recadrant. Merci beaucoup Alanna. Si vous voulez suivre ses voyages de peinture, vous pouvez la trouver sur Instagram à Alannacartier. Très bien, ici nous avons un dessin au crayon de Rebecca Espana et oh mon Dieu, mes yeux ont juste immédiatement senti l'unité de cette pièce. Le contraste des couleurs froides sur les couleurs chaudes est tellement satisfaisant et vraiment l'équilibre parfait d'harmonie et de variance comme nous parlions plus tôt. Si c'était toutes les couleurs chaudes analageuses, la pièce pourrait être terne et monotone. Si les couleurs fraîches et chaudes ont été divisées 50 50 et distribuées avec un rythme plus uniforme, il pourrait être super chaotique mais son erreur sur le côté de chaud avec un compliment de cool est juste juste. Toutes les formes semblent être organiques, ce qui les aide à faire partie de la pièce ensemble. Ce que j'ai remarqué le plus, c'est qu'il semble que vous avez entrepris d' illustrer cette scène surprenante et que le placement de la scène sur la moitié inférieure au lieu d'être parfaitement centré aide à jouer avec l'espace pour commencer à m'y rendre. Mais il y a juste quelque chose qui semble incomplet. On a cette scène joyeuse et douce et puis rien, juste une page blanche. En aucun cas toutes les scènes n'ont besoin de prendre chaque centimètre carré de la page ou d'avoir une scène de fond ou quelque chose comme ça mais, dans ce cas, je pense que même avoir un élément de design ajouté subtil pourrait attacher cette pièce à l'arrière-plan Mieux. Rappelez-vous comment la palette se trompe sur le côté chaud. Que se passe-t-il si la couleur de fond était un neutre chaud au lieu du neutre plus frais qu'il est actuellement ? Ou si la plus petite suggestion d'un arbre, d'une colline ou d'une texture était en arrière-plan ? Juste tout ce qui nous donne un pas entre la page d'arrière-plan froide et la scène chaleureuse que vous avez créée. Merci un million de fois, Rebecca. Vous pouvez suivre avec son travail chez beejoyart. Enfin, mais certainement pas des moindres, nous avons cet adorable portrait de chat de Corri Sheff. Tout comme la peinture d'AiAnna, Corri l'a cloué en donnant au chat la plus grande quantité de contraste pour attirer l'œil sur elle. Les fleurs délicates en forme organique sont colorées et légères mais ne rivalisent pas avec la star du spectacle qui est un équilibre difficile à trouver quand il y a tant d'éléments dans une pièce. J' aime aussi que la forme du chat est si solide et lourd en poids tandis que les formes florales sont délicates et aérées avec beaucoup de jeu entre le premier plan et le fond qui aide probablement également la bordure florale être gratuite au lieu de distraire ou lourd. Elle a créé de belles textures avec des couleurs et des lignes douces et vraiment aucun élément n'a l'impression qu'il n'appartient pas. Mon œil commence sur le chat se déplace tout au long de la pièce et revient au centre. Mon commentaire constructif pour cette pièce est tout comme celui d'AiAnna, il n'y a pas d'élément ou de principe dans le tableau qui me jette à l'exception de l'équilibre global. Je pense qu'un ajustement de cadrage pourrait le perfectionner et l'aider à se sentir plus complet. Vous pouvez voir même sans centrer le chat dans la composition, juste donner à la pièce une légère marge de respiration autour du bord aide à détendre la pièce. Évidemment, avec une peinture finie, vous n'avez pas toujours le luxe de recadrer ou de déplacer des éléments, mais peut-être que Corri gardera cela à l'esprit pour la prochaine fois et essaiera juger de l'équilibre tout au long de la vie de la peinture. Une autre chose à considérer serait l'espace de cette pièce, au bas de l'illustration, nous avons quelques tiges de fleurs tombent de la page, ce qui leur donne l'impression de grandir dans la scène. Mais toutes les autres fleurs sont bien dans le bord de la composition. Maintenant, cela n'a pas besoin d'être résolu, mais il est toujours préférable d'être intentionnel au sujet de ces décisions plutôt que de les laisser décider par hasard. Peut-être que cela aiderait si ceux autour du bord venaient tous de l'extérieur du cadre, ou aucun d'entre eux, ou une autre solution. Maintenant, que nous avons ajouté un peu d'espace autour du bord, cela pourrait vraiment fonctionner pour que les fleurs qui viennent du bas viennent de l'extérieur de la scène juste pour aider le mouvement vers le haut vers le chat. Corri, j'adore ça. Merci beaucoup pour le partage. Vous pouvez suivre son parcours d'illustration à corri_sheff. 10. Réflexions finales: Donc, c'est ça les gars, la conférence Art 101 qui vous donnera de la traction et tout le travail acharné que vous avez déjà fait pour apprendre vos compétences techniques, et faire le travail réel. J' espère que vous êtes ravis que ces définitions et idées simples peuvent être utilisées dans tant d'applications fonctionnelles, ce ne sont pas seulement des mots. Rien ne peut remplacer le pouvoir de s'engager à réaliser et à explorer régulièrement vos œuvres d'art, mais en combinant ce travail avec le langage et les outils pour le décomposer, et mieux le comprendre, c' est là que vous avez vraiment passer d'une compétence technique à une force créative. Bien sûr, merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. N' oubliez pas de regarder les ressources que j'ai partagées dans l'onglet Projet et de commencer votre chasse au trésor. C' est un petit pas dans la façon de comprendre qui vous êtes en tant qu'artiste. Enfin, j'aime Instagram. Suivez-moi chez BYDYLANM pour plus de conseils et d'informations sur mon flux de travail et mon processus de création. Oh, et plein de prix.