Transcription
1. Introduction: [MUSIQUE] Salut là. Je m'appelle Cynthia Oswald. Je suis un artiste et
designer qui vit et travaille depuis mon
studio à Phoenixville, en
Pennsylvanie, à environ 30 minutes
au nord-ouest de Philadelphie. Mon travail est un mélange de choses, principalement une combinaison de
passion et de compétences. Actuellement, je passe mon temps
créatif à réaliser aquarelles
botaniques et paysagères et à créer des
plans de surface pour la maison. J'aide également les clients à
mettre en lumière leurs
propres espoirs créatifs, objectifs et idées
par le biais de l'image de marque, impression et de la conception Web. Mon
travail actuel consiste à m'
inspirer des paysages qui m'ont le plus inspiré. J'aime créer des compositions
botaniques puis les
distinguer dans Photoshop, ce qui me permet de mélanger
naturellement mon amour du
design et des beaux-arts en
créant des dessins de surface. Je peins
à l'aquarelle depuis plus de 20 ans et j'ai participé à des expositions d'art jurées échelle
locale et nationale
depuis 2005. En mai 2020, j'ai obtenu mon MFA et
depuis, j'ai donné des cours à
l'Université de Kutztown de Pennsylvanie. Aujourd'hui, je veux partager avec
vous mon processus d'aquarelle. Au cours des deux dernières années, j'ai découvert un processus
qui me permet
d'utiliser quelques
principes de conception de base en combinaison avec quelques références
en tête pour créer des compositions qui semblent organiques et tout à fait unique pour moi. Je veux partager ce
processus avec vous aujourd'hui. Pour le projet de classe, nous allons créer
une peinture botanique. Cela comprendra de
compléter cela en utilisant votre spectre de
couleurs préféré pour créer votre
propre œuvre d'art. Pour la première étape, nous allons rassembler nos
fournitures et nous inspirer. Je vais partager avec vous mes matériaux préférés et comment j'aime m'
inspirer de la nature. Nous examinerons ensuite comment les principes de conception de
base
combinés à vos préférences
uniques peuvent être utilisés pour
composer votre pièce. Nous parlerons de la hiérarchie, du
contraste, de la répétition, de la proximité, équilibre, de la couleur et de l'espace et de la façon dont chacun affectera la
sensation de votre pièce. Ensuite, nous allons
commencer à esquisser quelques miniatures pour commencer à cartographier un plan
pour votre projet. Ensuite, nous allons passer en revue les
fondamentaux de la peinture à l'aquarelle. Je vais partager avec vous certains de mes trucs et astuces préférés
. Ensuite, nous mettrons de la
peinture sur papier et créerons votre
propre œuvre d'art. Enfin, nous allons
terminer en prenant une photo de la pièce et en la partageant dans la galerie
du projet. Ce cours s'adresse aux créateurs qui cherchent à
acquérir une nouvelle compétence, s'
exprimer en
créant des beaux-arts ou simplement à mieux comprendre les techniques de l'
aquarelle. Les compétences et
les principes examinés dans ce cours sont bénéfiques
pour la composition des mises en page, la
maîtrise du support aquarelle et le renforcement des compétences
en tant que créatif. Les étudiants peuvent commencer à créer des
œuvres d'art basées sur leurs propres
sensibilités uniques à la fin de ce cours. Tout ce dont vous avez besoin pour commencer,
c'est du papier aquarelle, quelques pinceaux, des aquarelles, une tasse d'
eau et une serviette en papier. [MUSIQUE]
Commençons à créer. [MUSIQUE]
2. Projet de cours: [MUSIQUE] Pour le projet de classe, nous créons une
aquarelle inspirée de la nature. J'ai choisi ce projet
car il permet
aux préférences et au
style uniques de l'artiste de prendre vie
dans le résultat final. Il nous permet de
rompre avec la copie de compositions
exactes et de libérer notre esprit d'utiliser notre
intuition pendant que nous peignons. En intégrant les principes de
conception de base à vos préférences uniques, vous
débloquerez votre capacité à
peindre en utilisant l'intuition. Mettez de la musique, qui vous aide à vous mettre
dans cet état de flux. Ensuite, lorsque vous êtes coincé
au milieu désordonné, gardez à l'esprit que les principes de
conception de base que nous examinons vous aideront à vous
donner un aperçu
de votre prochain déménagement. Lorsque j'ai créé
une composition aquarelle pour la première fois en utilisant
cette idée et cette technique, j'ai fini par en recadrer
environ la moitié. N'ayez pas peur d'
explorer cela et repousser
vraiment les limites
de ce que cela pourrait être. Réalisez que
votre premier
ne sera peut-être pas
exactement ce que vous voulez, mais cela vous aide à passer cet état de flux méditatif. J'ai trouvé ce
processus en collectant des idées et de l'inspiration
au fil des ans. Un jour, il a juste dû
sortir et quand c'était le cas, c'était tellement libérateur. Mon objectif est que vous ayez également cette expérience dans la
création de cette œuvre. Si les formations foliaires
ne vous inspirent pas, n'
hésitez pas à utiliser tout ce qui est de
la nature qui vous illumine. J'ai choisi les feuilles
car elles me permettent de jouer avec la valeur de manière
très monochromatique. Vous pouvez le faire
avec n'importe quelle référence. Rassemblons nos fournitures, nos
références et nos croquis. Ensuite, nous passerons en revue
quelques techniques de design thinking et d'aquarelle. Nous allons commencer à mettre de la
peinture sur du papier. Lorsque vous aurez terminé
ce projet, vous allez prendre une photo rapide à l'aide votre téléphone ou de votre appareil photo et la
partager dans la galerie de projets. [MUSIQUE] Si vous le partagez
sur les réseaux sociaux ou utilisez le hashtag aquarelle par design pour que nous puissions vous
montrer un peu d'amour. Commençons par rassembler nos fournitures et notre inspiration.
3. Gathering des fournitures et des inspiration: Pour la première
étape, vous allez
rassembler des fournitures
et de l'inspiration. Vous aurez besoin de
papier de ferraille et de crayon. Nous allons créer quelques croquis
miniatures en guise d'échauffement. Si vous aimez le format circulaire, vous aurez envie de boussole
ou
d'utiliser une petite assiette ou un bol. Les pinceaux que
nous allons utiliser
pendant ce cours sont
une brosse à pendant ce cours sont vadrouille pour les lavages et des brosses
rondes pour les détails. Vous pouvez utiliser une variante
de ces deux pinceaux ou ajouter d'
autres pinceaux pour vous aider à obtenir l'apparence et la
sensation que vous vouliez. Vous aurez également besoin d'un ensemble d'
aquarelles et d'une palette si vous
utilisez des tubes à aquarelle. J'utilise des aquarelles de qualité
professionnelle Winsor & Newton. Je veux que vous choisissiez
une gamme
de couleurs pour que le résultat final soit quelque peu monochromatique. La raison en
est simplement de
vous mettre à l'aise avec le support, concentrer sur la création d'
espace à travers les valeurs et d'explorer la composition, en
ayant quelques contraintes. Ensuite, vous aurez
besoin de papier aquarelle. J'utilise un papier
aquarelle à chaud. Je vous recommande également de vous assurer que vous avez une serviette en papier pour
tamponner votre pinceau, et vous pouvez également utiliser une éponge. Beaucoup d'entre vous utiliseront des
éponges pour retirer
de la peinture du papier s'
ils l'ont posée dessus, et ils n'aiment
pas son apparence. Vous pouvez également utiliser une serviette
en papier pour cela. C'est ce que j'aime utiliser, mais c'est vraiment
une préférence personnelle, donc peut-être avoir les deux
autour est une bonne idée. Ce cours est né
d'années d'observation. Je suppose que YouTube
a observé le monde naturel et recueille images qui vous inspirent. J'ai toujours été fasciné par l'espace négatif et les
motifs que l'on trouve dans la nature. Au fil des ans,
ces observations ont laissé une empreinte durable. J'ai pensé qu'il pourrait être
difficile d'expliquer son point de vue, mais il s'avère que je
capturais des photos et des
vidéos de ces
inspirations depuis des années. Cela dit, le tout
premier exercice que je
recommanderais est de dessiner feuilles et de planter
la vie de votre esprit. Voyez d'abord ce qui vous vient
naturellement. C'est ainsi que la majorité de
mes pièces sont créées maintenant. Si cela ne semble pas naturel, vous pouvez attraper des fleurs ou de la verdure dans un magasin local. Référencez des livres de botanique pour comprendre l'anatomie des plantes ou
parcourez vos propres archives photos pour voir quel type de
verdure vous pouvez trouver. Peut-être pourriez-vous référencer vos fleurs de mariage ou les fleurs de mariage d'un
ami, ou peut-être avoir des images
de votre propre jardin. Enfin, vous pouvez toujours explorer achat de plantes sèches
pour vous inspirer. Ensuite, nous allons passer en revue les principes de
conception et la façon dont vous pouvez les appliquer pour
créer une composition.
4. Principes du design: Nous examinerons ensuite comment les principes de conception de
base combinés
à vos préférences uniques
peuvent être utilisés pour composer votre pièce. En tant qu'artiste et designer, il est important pour
moi de comprendre la différence entre les deux. Le design a un
objectif très spécifique et, par conséquent, les principes peuvent être utilisés pour
atteindre un objectif particulier. L'art est un moyen d'
expression personnelle et n'a pas nécessairement besoin d'un objectif. Lorsque je travaille avec des clients, j'aimerais en dire plus et moins de moi, je ne veux pas
me voir dans le résultat final. Lorsque je crée des beaux-arts, il s'agit plutôt d'un
processus intuitif d'expression de soi. En tant que designer, je ne peux m'
empêcher de voir comment ces pratiques
ont influencé ma prise de décision lorsqu'il
s'agit de faire de l'art. C'est ce que je
veux partager avec vous. Hiérarchie. Quel est l'
aspect le plus important de votre pièce ? Peut-être que ce n'est pas
quelque chose que vous connaissez
vraiment tout de suite, mais quand vous travaillez, c'est quelque chose qui
pourrait être révélé. échelle intentionnelle,
ou détail de la densité, et la prééminence globale
jouent un rôle dans détermination de l'endroit où se trouve le point
focal. C'est un outil pratique à garder à l' esprit
lors de l'
esquisse de votre pièce. Contraste. L'ajout d'un spectre de valeurs met l'accent ou démise de l'accent dans des domaines spécifiques. Le contraste est un excellent outil de
composition. Il peut être utilisé en combinaison
avec d'autres techniques pour créer une voie au spectateur de se
déplacer dans la pièce. En utilisant une palette plus
monochromatique, nous utilisons des contrastes
dans les lumières et les sombres, mais cela s'applique également à
d'autres éléments contrastés tels que la netteté ou les techniques
picturales, détails ou l'obstruction. Répétition. Des éléments répétés, des préférences de
style, des couleurs, etc. peuvent fournir une uniformité
ou, dans ce cas, révéler votre style. Reconnaître et
répéter des motifs dans votre travail est un excellent moyen d'
améliorer votre
style signature et pencher sur ce qui
fonctionne pour vous. Proximité. Dans la conception, proximité est utilisée pour créer une organisation et une
cohésion au sein d'un espace. Quand il s'agit de beaux-arts
et d'utilisation de votre intuition, proximité peut être utilisée
pour créer de la friction, marge de
respiration,
de la consistance ou une combinaison des trois. Balance est également un
outil qui peut être utilisé pour créer un sentiment
de frottement ou de facilité. Lorsque quelque chose ne
se sent pas tout à fait correct, cela crée un malaise
qui peut être intentionnel ou vous
pouvez choisir de
créer un équilibre pour
réconforter le spectateur. La couleur peut évoquer certaines
émotions et exprimer des valeurs. Les couleurs chaudes créent une
sensation différente des couleurs froides. Les couleurs gratuites peuvent créer un équilibre ou un contraste lorsqu'elles
sont placées l'une à côté de l'autre, ou
s'annuler les unes les autres lorsqu'elles sont combinées. La couleur peut ajouter de la profondeur
et du manque de couleur, elle se sent plate. Les deux peuvent être des choix intentionnels. L'espace, comme l'équilibre
et la proximité, est important à garder à l'esprit
à des fins de composition. En créant de l'espace, vous donnez
un moment à respirer à l'œil. Par manque d'espace, vous créez beaucoup de friction. Si vous avez créé des
compositions par le passé, jetez un coup d'œil à votre propre
travail et définissez comment elles jouent un rôle dans l'aspect
général. De quelle façon pourriez-vous jouer avec ces idées pour créer un sentiment
spécifique dans votre travail ? Passons à l'action. Réfléchissez à la façon dont vous pouvez
appliquer ces principes pour créer ou susciter un
sentiment dans votre travail. Créez quelques croquis miniatures gardant ces principes à l'esprit. Prenez un crayon et un
morceau de papier de ferraille et explorez chacune
de ces idées en combinaison avec
les références que vous avez rassemblées et voyez quel genre de compositions
vous pouvez créer. Obtenez une petite miniature
qui vous
enthousiasme et c'est
là que vous savez vous êtes prêt à
créer une composition
à l'aquarelle. La prochaine étape nous allons passer en
revue les techniques d'aquarelle.
5. Mettre la peinture à la papier : partie 1: Dans ce cours, je
vais passer en revue mise en place de votre
papier, de votre palais. Pourquoi utilisons-nous chacun des pinceaux et quelques techniques de base à l'
aquarelle ? Pendant que je vous guide à travers
mon processus d'aquarelle. Commençons par
effacer notre espace de travail. papier aquarelle peut
facilement absorber les pigments, vous devez
donc vous assurer travailler sur une surface propre. Prenez vos matériaux. Les bases sont des pinceaux, de la peinture, du papier, de l'eau et un essuie-tout. Téléchargez ma
liste complète de fournitures utilisant le lien dans
les ressources de la classe. Dans cette démo, j'utilise des arches, un papier
aquarelle pressé à chaud de 140 livres. Je préfère utiliser un bloc
aquarelle car il me permet de peindre depuis le canapé [RIRES] ou à l'air
pur tout en gardant
le papier tendu. J'aime la presse à chaud
parce qu'elle scanne bien, et comme j'utilise beaucoup de mes œuvres d'art originales pour
la conception de surface, elle se traduit bien
dans l'ordinateur. presse à froid présente également de
nombreux avantages amusants. L'une des choses
intéressantes de la presse à froid est la façon dont elle rassemble les pigments dans
la texture du papier. Je vous encourage à
explorer les deux afin que vous ayez une idée de ce que vous aimez travailler et de ce qui vous
semble naturel. Vous pouvez choisir une composition
circulaire ou n'importe quelle forme que vous souhaitez. Mais pour cette démo, je vais utiliser un cercle. Pour créer un cercle parfait, j'aime utiliser une boussole. Lorsque vous utilisez une boussole, décidez de la taille du cercle puis mesurez la
moitié du diamètre. C'est la taille à laquelle votre
boussole doit être réglée. Assurez-vous de mesurer
un point central, puis de créer votre cercle. Vous pouvez utiliser votre
esquisse pour référencer une composition si vous le souhaitez
ou vous pouvez y plonger directement. Je comprends également
le désir d'
esquisser votre composition
directement sur le papier. Allez-y tout de suite. Il n'
y a pas de règles ici. Il s'agit de faire ce
qui vous convient le mieux. Vous pouvez utiliser une
gomme malaxée pour enlever certaines marques de crayon après avoir déjà
peint dessus. Dans le cadre de cette classe, vous pouvez également utiliser une assiette ou un bol pour définir
le paramètre. Lorsque je fais un croquis
sur du papier aquarelle, je le fais légèrement et je ne
délimite que les champs
de différentes valeurs. J'ai donc une idée
des formes générales, mais je réserve les détails
à la peinture elle-même. Si vous aimez vos marques de crayon, envisagez de les placer intentionnellement et de
les inclure dans votre travail final. Ensuite, nous allons
préparer votre palais. Dans le cadre de ce cours, nous utilisons une palette limitée, mais cela dit, nous utilisons toujours toutes les
couleurs de l'arc-en-ciel. J'utilise des tubes d' aquarelle de
qualité professionnelle
Winsor et Newton. Je ne nettoie pas
ma palette entre chaque utilisation, car le pigment est
toujours bon après séchage et ça va loin. Si vous préparez
une nouvelle palette, je vous recommande d'acheter
un ensemble basique d' aquarelle
Winsor et Newton, soit 12 ou plus. Prenez ensuite quelques couleurs supplémentaires dans le spectre dans lequel vous
préférez travailler. J'utilise toutes les couleurs de
l'arc-en-ciel dans cette pièce, concentrant
principalement sur le
bleu, le vert et le jaune. Choisissez une
couleur principale, puis appuyez-vous deux côtés de cette
couleur sur la roue chromatique. J'utilise également une
combinaison de rouge Windsor, sienne
brûlée, de bois brut et de
bleu outremer français pour créer des ombres. Pour cet exercice, nous
allons commencer par
utiliser la brosse à vadrouille pour démontrer la technique
humide sur mouillé. La première chose que nous
allons faire est de mouiller notre pinceau et, sans
aucun pigment, commencer à l'ajouter au papier. Vous souhaitez couvrir toute la
surface du papier. Si vous souhaitez conserver
une zone blanche, n'ajoutez
pas d'eau à cette zone. Vous pouvez également utiliser un liquide de
masquage pour préserver toutes les zones que vous
souhaitez rester intactes. Ce n'est pas quelque chose
que j'utilise ou n'aime pas, mais je recommande de
l'explorer. C'est définitivement une préférence
personnelle. L'idée avec la technique
mouillée sur mouillé ou le pinceau humide sur papier humide est de
créer des lavages ou de grandes zones de couleurs qui se mélangent parfaitement. L'autre
chose étonnante avec le mouillé sur mouillé est la façon dont vous pouvez utiliser
différents pigments en
plongeant votre pinceau dans
le pigment puis sur le papier et en le regardant
s'étaler naturellement. L'une des raisons pour lesquelles
mon pinceau préféré est un pinceau rond est dû à
la polyvalence qu'il possède. Vous pouvez utiliser un pinceau pour obtenir un éventail de détails
dans le tableau. grandes brosses rondes
ont une petite pointe, mais elles ont également la
capacité de contenir beaucoup d'eau. Vous pouvez également préparer un lavage à l'aide
d'une brosse ronde. Si vous ne deviez
investir que dans un seul pinceau, je vous dirais de prendre un pinceau rond de
taille 14. Plus la brosse est grande,
plus elle contient d'eau. Plus la surface
que vous devez peindre est grande, plus
le pinceau dont
vous aurez besoin est grand. Selon la
taille de vos lavages cela détermine la taille
d'un pinceau dont vous aurez besoin. Imaginez que vous
peignez un ciel sur une grande feuille de papier
aquarelle. Vous aurez peut-être besoin d'un pinceau
beaucoup plus grand. En regardant votre esquisse, déterminez s'il y a des zones de la page qui doivent
rester blanches, où la couleur peut bien
fonctionner dans un niveau de couleur riche et
dense, niveau de couleur riche et
dense, et comment vous pouvez jouer la création d'une atmosphère
grâce aux variations votre lavage. Gardez à l'esprit
comment le contraste des couleurs , l'
équilibre et l'espace
peuvent jouer dans la façon dont vous créez votre
base pour cette pièce. Essentiellement, c'est
ce que nous créons. Nous avons couvert beaucoup de terrain. Récapitulons rapidement ce que
nous avons abordé dans cette leçon. Vous
devez maintenant comprendre comment préparer votre papier,
quelles couleurs utiliser, comprendre
comment les brosses à balai
et les brosses rondes interagissent
avec le pigment et le papier. Vous serez également prêt à créer des lavages à l'aide de la technique
humide sur mouillé. Ensuite,
nous examinerons les principes de conception que nous
avons examinés pour influencer
notre composition finale.
6. Mettre la peinture à la papier : partie 2: Dans cette dernière leçon, je
vais vous montrer comment vous
utilisez les techniques à sec et à sec,
et je vais vous expliquer comment j'ai pris des décisions
en matière de
composition
au fur et à mesure que nous terminons nos pièces. Si vous n'avez pas laissé sécher votre lavage allez-y
et faites-le maintenant. Laissez sécher le papier environ 20
minutes entre la
création du lavage et le
début des détails. Vous pouvez également utiliser
un sèche-cheveux si vous préférez
continuer à avancer. La technique humide sur sec
ou le pinceau humide sur papier sec est la façon dont vous commencez à ajouter des
détails et à créer des lignes épurées. Si le papier est
encore mouillé, il
saignera , créant ainsi une
douceur sur les bords. Peut-être voulez-vous également créer un niveau de
détail plus doux, vous pouvez le placer sur le papier pendant qu'
il sèche encore. Si vous vouliez créer
un niveau de
détail plus doux entre les
lignes nettes et les lavages, ne laissez pas le papier sécher complètement et placez quelques lignes pour
le tester. Lorsque vous êtes prêt à
ajouter des lignes fines et des détails, vous voudrez que le papier
soit sec ou généralement sec. Comprendre comment le
papier sèche et comment le pigment réagit à chaque
niveau entre humide et sec vous aidera à créer les détails et les effets
picturaux que vous souhaitez voir. Personnellement, je pense
à partir de zéro et commence
généralement par mes lavages
et je m'appuie sur les détails à partir de là. J'y vais et j'ajouterai
des lavages supplémentaires tout au long du processus, surtout lorsque je veux construire sur la couleur
et créer de la profondeur. Je vais commencer par travailler sur mes détails de niveau intermédiaire ou les éléments qui sont comme
une priorité de niveau intermédiaire. Je le fais parce que je ne veux pas qu'ils soient
le point focal par exemple, mais ils peuvent m'aider à tracer la page générale, ce qui
me permet de prendre en compte la hiérarchie, l'espace, la proximité et l'équilibre. Je fais aussi constamment les
mains dans chacune de mes pièces. Je crée un élément,
puis j'ai regardé l'ensemble de la composition pour
créer un équilibre en pour
créer un équilibre en juxtaposant un autre
élément presque égal en échelle. Dans ce cas, l'
Eigen qui compense mon premier élément botanique
est opposé. Cela contribue à créer l'
illusion de profondeur dans ma pièce. Tout n'est pas
dans le même plan. Notez comment je crée un autre lavage qui saigne
loin de l'élément botanique. Cela me permet de créer un bord doux à l'
extérieur tout en maintenant un bord dur à l'intérieur le
plus proche de la pièce botanique. Vous voulez simplement garder
à l'esprit que chaque fois que vous effectuez un lavage
comme celui-ci, vous devez le laisser
sécher avant de
créer des détails nets
à cet endroit, alors travaillez autour de la page d'avant en
arrière disons que le temps de séchage est
accordé entre chaque mouvement. Comme vous pouvez le constater, j'
utilise toujours la grande brosse ronde. Je voulais que vous ayez une
idée des détails possibles lors de
l'utilisation de ce pinceau. Je vais ensuite passer à un pinceau rond
plus petit, je désire que mon travail soit
organique et équilibré. Je veux qu'ils se sentent
méditatifs tout en ayant un élément décoratif dans le
sens de célébrer la beauté. Il y a de la danse entre
sauvage et ordonnée. Ils disent peut-être qui
je suis dans la vraie vie. Disons que j'aime créer des
variations dans les éléments à travers l'échelle, la forme et les changements subtils de couleur
tout en équilibrant tout pour qu'il soit intentionnel, méditatif
et décoratif. Mes décisions sont basées
sur ce désir. Que souhaitez-vous
explorer à travers le vôtre ? C'est quelque chose que vous voulez garder
à l'esprit lorsque vous prenez des décisions pour
cette composition, et pendant que vous
réfléchissez à
la façon dont les principes de conception peuvent être utilisés pour prendre
des décisions dans vos pièces. Si vous souhaitez créer beaucoup de détails
fins en utilisant un espace
négatif, envisagez d'utiliser un liquide de masquage. Vous pouvez peindre avec le
liquide, puis il
bloque la zone dans laquelle vous
souhaitez conserver le papier, puis vous pouvez peindre votre
lavage directement dessus. Quand il sèche, vous pouvez frotter le masque et le
papier sera conservé. Après que mes premiers
objets se sentent équilibrés et qu'ils créent
un espace que j'aime, je commence à ajouter
des variations d'échelle. Je finis par fabriquer au
moins un objet comme l'objet le plus grand ou, dans ce
cas, le plus long. La plupart du temps, lorsque
cela se produit, je ne
crée pas d'égal
du côté opposé, ce qui permet à ce plus grand
d'avoir un plus grand niveau d'
importance pour la hiérarchie. De plus, pour s'assurer que tout
ne soit pas calculé et qu'il y des irrégularités
qui donnent cette sensation organique sauvage, il y a
peut-être un autre élément
unique plus petit de l'autre côté de la pièce qui aide pour équilibrer la composition globale mais
ne semble pas calculée. Ensuite, je vais travailler sur
des éléments
répétitifs
à plus petite échelle équilibrés. Une fois que j'ai quelques éléments
botaniques répétés en
même temps, je commence à ressentir des
frictions comme le milieu désordonné. La proximité de chaque élément commence à interagir
avec le suivant, et lorsque quelque chose
est équilibré cela devient vraiment évident. Je répète ensuite le processus en
créant de l'espace et la
profondeur à travers le
remplissage de l'espace blanc et en travaillant dans l'ombre. Vous voulez
vous assurer d'avoir de l'eau propre,
puis d' avoir une
serviette en papier avec vous en tout temps. Vous remarquerez que je suis
souvent en train de tamponner mon pinceau sur l'essuie-tout dans l'eau sur le
bulletin de vote et je reviens. La quantité d'eau que vous laissez
sur le pinceau pendant que vous accumulez le
pigment de la palette et lorsque vous le placez
sur le papier, cela dicte
la densité du pigment et la quantité de
contrôle que vous aurez. fait d'avoir une serviette en papier à portée de
main peut vous aider surveiller ce contrôle en
libérant peu d'eau avant
de
le placer sur le papier ou simplement pour tester
la densité du pigment. Vous pouvez toujours ajouter de l'eau dans la palette pour assouplir les
couleurs avant de commencer. J'aime tamponner la peinture avec l'eau, puis plonger d'avant en
arrière entre les couleurs pour obtenir la
bonne combinaison de couleurs pour chaque élément. Lorsque vous superposez de
la peinture pour créer des détails, je songe à ajouter moins
d'eau à chaque couche obtenir plus de pigment
dans la couche supérieure. Dans certains cas,
vous pouvez même utiliser pinceau
sec ou sec sur papier
sec pour créer des
détails riches et amusants. Même avec un pinceau sec
sur papier sec, vous utiliserez un petit peu d'eau pour desserrer le pigment. J'aime penser que le produit sec sur sec est
opaque où le mouillé sur sec est un peu transparent et le mouillé sur mouillé est
extrêmement transparent. Je veux prendre une minute
pour parler de couleur. Je pourrais utiliser une seule couleur, littéralement un tube
pour peindre toute cette pièce. J'ajoute simplement de l'eau pour
créer des nuances de cette couleur, mais au lieu de cela, j'utilise
toutes les couleurs. L'ajout de touches de bleu aux
verts crée un vert frais, ajout de jaunes fait
ressortir les chauds. Le mélange de ces couleurs est plus fidèle
au monde naturel. Lorsque vous
regardez des plantes dans la nature, il y a tellement de
variations de vert. J'essaie de
capturer l'essence du monde naturel
et il
me semble juste d'utiliser toutes les couleurs même lorsque je travaille
mathématiquement. Si vous
commencez tout juste à utiliser l'aquarelle, vous pouvez essayer d'utiliser un 2-butène. De cette façon, vous pouvez vraiment jouer avec la tactilité
du médium. Je trouve
que l'eau sèche sur sec ou moins d'eau riche en pigments est quelque chose que
j'aime travailler. Je travaillerai
constamment autour de la pièce en construisant
la composition, puis comme j'ai l'impression qu'elle
commence à tomber à plat, j'
ajouterai des ombres et solidifierai les zones
lumineuses pour m'assurer
que la pièce a de la profondeur. Souvent, je peins
une formation de feuilles, puis après le
séchage, j'y
retournerai et j'ajouterai plus de détails. Parfois, j'
attends qu'il sèche deux fois ou
plus et je continue à ajouter des couches. Je viens de réaliser que vous n'obtiendrez pas
plus de détails quand il sera mouillé. Plus la brosse est mouillée, moins il y
a de contrôle. Si vous n'aimez pas certains détails que vous avez créés, l'
un des meilleurs moyens de
le résoudre consiste à ajouter de l'eau à la zone et à y
retravailler avec une gouache. Si vous finissez par ajouter de
l'eau à une zone par erreur, il suffit de la tamponner
avec une serviette en papier propre
et, une fois qu'elle sèche,
retournez sur la zone que vous avez perturbée pour y ajouter
les détails. Comme vous pouvez le constater, j'
utilise
souvent une serviette en papier dans mon processus de
peinture. L'une des dernières choses que
je veux partager avec vous est de
commettre des erreurs. Ce projet nous permet vraiment
de célébrer nos erreurs. Si quelque chose ne va pas, réfléchissez à ce que nous avons discuté. Est-ce que la hiérarchie ou l'absence de hiérarchie
la rendent déséquilibrée ? Le contraste crée-t-il de
la profondeur comme vous l'aviez envisagé ? Est-ce que vous combinez
trop de styles ou vous répétez-vous des références
pour que le travail vous ressemble ? Y a-t-il trop ou trop
peu de friction en raison de la proximité ou de la
relation entre les éléments ? La pièce est-elle
équilibrée dans l'ensemble ? Utilisez-vous les couleurs
ou les valeurs à votre avantage ? Que dit l'espace ou l'
absence de cet espace à propos de votre pièce ? Si quelque chose
semble être une erreur, réfléchissez à la façon dont ces idées de conception de
base peuvent être appliquées pour
résoudre le problème. En ce qui concerne les vraies erreurs avec le
support aquarelle lui-même ; eh bien, il existe un moyen de déplacer la
peinture une fois que vous l'avez placée, il suffit de
vous
assurer que la peinture reste mouillée. Il suffit de diluer une marque avec l'eau
pure si ce n'est pas
ce que vous vouliez quand il est encore mouillé, puis tirez-le vers haut à l'aide d'une
serviette en papier propre ou d'une éponge. Ne commettez pas l'erreur
d'utiliser une partie de votre essuie-tout qui
contient du pigment, qui peut devenir rapidement
désastreuse. Assurez-vous de vous casser à
un endroit qui a du
sens après avoir
terminé un lavage ou après avoir
fini de peindre un objet dans son intégralité. Une fois que le pigment est sec, il
laisse une impression, mais ne laissez pas cela vous effrayer. Le but de ce projet
est de vous aider à exploiter votre intuition lorsqu'il s'agit
d'expression créative de soi. Nous avons tous des
préférences uniques et créer un espace pour qu'ils prennent vie est une chose magnifique. Cela dit, faites confiance votre instinct naturel
et lorsque tous ceux qui ne parviennent pas à les principes de conception pour
comprendre votre prochain mouvement. J'ai hâte de voir
ce que vous créez. Récapitulons rapidement ce que
nous avons abordé dans cette leçon. Nous avons discuté d'un pinceau humide sur papier
sec ou mouillé sur sec. Nous avons également discuté de la brosse sèche sur sec
ou sèche sur papier sec. Nous avons également examiné quelques
questions clés à poser concernant les principes de conception qui vous
aideront lorsque vous vous
sentez un peu coincé. Nous avons parlé de la danse de travailler autour de la
pièce en termes de variations de taille,
ainsi que d'ajouter lavages et des détails au fur et à mesure que vous
continuez à construire une pièce. Ensuite, nous allons jeter un coup d'œil
au travail terminé, récapituler ce que nous avons appris
et le processus général, puis nous prendrons [MUSIQUE]
une photo de la pièce et la partagerons dans la galerie
du projet.
7. Conclu: [MUSIQUE] Comme il y a
tellement de danse d'avant en
arrière avec cette pièce, elle peut souvent être orientée de différentes manières. Voyez de quelle façon vous préférez maintenant
que votre pièce est complète. Concluons en prenant une photo et en la partageant
dans la galerie du projet. Essayez de positionner
votre œuvre à proximité d'une fenêtre à l'aide de la lumière naturelle et de la capturer avec votre téléphone. Une fois que vous avez une image,
vous êtes satisfait, publiez-la dans la galerie du projet. Si vous le partagez sur les réseaux sociaux, utilisez le hashtag
aquarelle par design, afin que nous puissions suivre avec vous. Aujourd'hui, nous avons cherché à nous
inspirer de la nature. Appliquer les principes de conception pour créer des compositions, créer
des croquis de vignettes rapides, préparer du papier ou des palettes, créer des lavages, en utilisant la technique mouillée sur humide. Équilibrer nos compositions
en créant un rythme, ajoutant des détails et des couches en
utilisant la technique humide sur sec, utilisant à la fois la brosse à
balai et la brosse ronde, ainsi que d'autres trucs et
astuces innombrables. Merci de vous joindre à moi aujourd'hui, ai été très amusant de partager
ce processus avec vous. J'espère que cela vous ouvre une
nouvelle façon de pratiquer l'
expression de soi et de
créer une prise
de conscience de vos instincts naturels. J'espère également que vous vous
sentez habilité à
passer à travers le
milieu désordonné maintenant que vous disposez d'une collection de principes de
conception vous pouvez appliquer lorsque vous
n'êtes que
vous pouvez appliquer lorsque vous
n'êtes pas sûr de la prochaine étape. J'espère surtout que vous vous êtes amusé et appris ainsi que de nouvelles
techniques.
Cynthia Oswald, Artist & Designer
