Apprenez à mixer de la musique avec Young Guru

1. Introduction: Mon vrai nom est Jamil Keaton. Je suis connu sous le nom de Jeune Guru. Je suis ingénieur de musique, producteur, et aussi DJ. Nous sommes ici aujourd'hui parce que je veux vous donner quelques bases sur la façon de mélanger des disques, comment obtenir votre disque sonne au moins à un niveau professionnel en raison du fait que vous pouvez manquer avec 200$, et acheter le dernier dock, et pense que vous êtes ingénieur en enregistrement après avoir lancé des signaux là-dedans, et c'est l'une des choses les plus importantes à propos de l'apprentissage est que, j'ai appris en dessous de quelqu'un d'autre. Beaucoup d'enfants n'ont pas accès à ces endroits. C' est une situation où les endroits où vous allez pour obtenir cette information sont lentement, mais sûrement en train de mourir. L' enregistrement était un art noir parce qu'il était transmis par le bouche à oreille. Oui, il y a de la science dedans, mais les choses qui rendent ingénieurs particuliers sont des choses qui leur ont été transmises. Donc, c'est la raison complète pour laquelle nous devons prendre ces informations et les rendre accessibles au public, afin que la forme artistique ne meurt pas. 2. Organiser un mixage: D' accord. Donc, dans notre première leçon, nous allons commencer là où je commence à l'intérieur de la session, qui est l'organisation de la session. Je pense que beaucoup de gens oublient ce fait. L' organisation de votre session est l'une des principales choses qui vous permettent d'avoir un excellent flux de travail. Si vous tirez de la musique, en particulier de la musique que vous n'avez pas enregistrée, c'est beaucoup plus facile si vous commencez à étiqueter tout et commencez à déplacer des fichiers audio pour que les choses courantes soient ensemble. Je ne pense pas qu'on puisse exagérer combien il est important d'apprendre votre DAW. En ce moment, je travaille à l'intérieur de Logic, mais vous pouvez transférer cela à n'importe quel DAW que vous voulez. Mais l'important est que vous devriez apprendre à travailler votre DAW. Je sais que les gens ont leur DAW, et ils voulaient aller directement à la musique. Mais un de ces dimanches se réveille, commence à lire le manuel, il y a beaucoup de choses en ligne que vous pouvez aller regarder sur la façon de faire fonctionner votre DAW. Vous ne voulez pas être en train d'essayer de faire un mix et de trouver comment faire fonctionner la DAW en même temps. C' est l'une des choses importantes qui rend un ingénieur de mixage meilleur qu' un autre ingénieur qu'il reste à comprendre comment faire fonctionner la DAW. Comme vous pouvez le voir, j'ai choisi Superstition comme exemple pour la chanson parce que je voulais rester avec quelque chose qui avait beaucoup des éléments classiques de ce qu'on entendait une chanson. Aussi, je voulais construire à partir d' une piste de batterie en direct que vous pouvez entendre exactement ce qui se passe lorsque vous enregistrez des microphones. Souvent, quand nous avons affaire à lamusique électronique, musique électronique gens sont tellement habitués à entendre juste un seul coup de pied ou un piège solo, mais normalement cela n'arrive pas en réalité. Lorsque vous avez configuré des microphones, vous allez obtenir un saignement et vous allez obtenir d'autres sons qui sont impliqués dans ce son, peu importe le bon placement de votre micro. Donc, il y a certains conseils et techniques qui sont différents pour traiter le saignement des sons ou déterminer comment vous voulez utiliser ce saignement. Parfois, le saignement est bon à la plénitude d'une chanson. Donc, c'est une autre raison pour laquelle nous voulons nous concentrer sur ce matériel ici. Donc, quand j'ai sorti cette session aujourd'hui, immédiatement, la première chose que j'ai fait était de tirer un fichier audio. Quand je regarde ces fichiers audio, je verrai qu'ils sont presque toute la longueur de la chanson. n'y a pas beaucoup de choses répétées ici ou il n'y a pas un tas de boucles ici. Alors, je vais commencer à les aligner et voir ce que j'ai. Mais je pense que la première chose que tu devrais faire est tirer tous tes faders et d'écouter ta chanson. C' est important pour que vous puissiez commencer à avoir une idée de ce que vous êtes censé faire. Lorsque vous mélangez un disque, n'oubliez pas que l'émotion du disque et la qualité de ce que vous essayez de faire ressortir seront faites par l'émotion du disque. Alors, découvrez ce que l'artiste essaie de dire, où le disque essaie d'aller, et quand vous écoutez ça, commencez à comprendre un plan d'attaque de la façon dont vous allez mélanger le disque. Donc, la première chose que je ferais, serait de faire monter les faders et d'écouter le disque. Alors que je joue une chanson, j'essaie de remarquer la façon dont certains instruments jouent l'un de l'autre. Quel est l'arrangement de la chanson ? Combien de temps faut-il pour arriver à chaque partie ? Quels spectres de fréquence ils remplissent ? Donc, la première chose que je remarque est qu'il y a un double en tête, et peut-être que je résolve des choses pour comprendre à quoi ils ressemblent. Donc, évidemment, c'est notre première piste et il y a une double piste en arrière-plan. Comme vous pouvez le voir, j'ai traversé et étiqueté chaque piste ici, également extrêmement important. Lorsque vous êtes au milieu d'une session, vous ne voulez pas regarder l'audio un et l'audio deux et l'audio trois. C' est bien pour le fichier réel, avant votre piste, vous voulez le nommer afin que vous sachiez ce qu'il est. En passant par cette chanson, j'ai remarqué qu'il y a des guitares, claps, des cornes, basses, et puis il y a de la batterie. C' est à peu près une chanson classique avec des instruments classiques. La façon dont je mélange c'est que j'aime mettre tous mes tambours à gauche. Donc, cela n'a pas d'importance de commencer avec un kit de batterie live ou un kit de batterie électronique. J' aime commencer par le coup de pied, la caisse claire, le chapeau haut, puis j'ajouterai tous les trucs percussifs et je finirai par les frais généraux. Cela me permet de voir visuellement ce qui se passe à l'intérieur de la session et de garder tout organisé. Un autre bon conseil pour organiser votre session est parfois que vous aurez des morceaux qui auront parties dans une seule partie de la chanson et seront vides pour une grande partie du reste de la chanson. Prenez par exemple notre chant de fond ici. Nous voyons que dans certaines parties de la chanson, ce n'est pas vraiment dans la chanson. C' est parfois une excellente idée de sortir le fichier audio de cette partie de la chanson. De cette façon, vous vous assurez que vous n'avez pas de clics et de pops étrangers ou simplement de bruit étranger à l'intérieur de votre mix. Donc, l'une de ces choses qui est génial dans le travail à l'ère numérique est que nous pouvons complètement supprimer les choses. De cette façon, nous n'avons pas autant à nous soucier fixation ou de la compression de quelque chose dans ce domaine particulier. Nous pouvons simplement effacer le fichier audio complètement et aussi visuellement, cela nous permet de savoir qu'il n'y a rien de jouer pendant cette section. Donc, j'irais ici et je découperais simplement ce petit morceau d'audio vierge pour me faire savoir que rien ne va jouer pendant cette partie. Encore une fois, c'est juste une chose d'organisation pour moi, ce n'est pas complètement nécessaire mais cela rend ma session beaucoup plus facile pour moi de travailler avec visuellement. Donc, encore une fois, juste pour résumer tout, quand nous obtenons notre mix, la chose la plus importante est que nous organisions la piste. Donc, nous commençons à étiqueter chaque chaîne afin que nous sachions ce qu'elle est. Nous commençons à les organiser de gauche à droite. J' aime commencer par la batterie, vous pouvez commencer par ce que vous voulez, il n'y a absolument pas de règles ce qu'est l'organisation, c'est essentiel et primordial. Ensuite, nous entrons et nous essayons d'éliminer tout bruit étranger dont nous n'avons pas besoin. Parfois, il y a une chaise en arrière-plan, parfois un DAW claqué, tout peut arriver. Nous passons en revue et nous nous assurons d'éliminer ces bruits, sorte que lorsque nous nous concentrons sur le disque, nous ne nettoyons pas le disque des bruits étrangers. 3. Déterminer les niveaux: Donc, au fur et à mesure que nous passons à notre deuxième partie, cela devient vraiment la partie principale du mix. C' est là que nous obtenons l'équilibre pour chacune des pistes. Ce que nous essayons de faire, c'est que nous écoutons chaque morceau et nous allons entrer et nous obtiendrons un équilibre initial juste pour voir ce que cela ressemble au bon endroit, puis nous allons passer par et essayer d'améliorer chacun de ces sons pour l'amener là où nous le voulons. Normalement, je commencerais par la batterie. La raison en est que les tambours prennent la gamme la plus dynamique dans un mélange. Vous êtes constamment inquiet pour votre bus stéréo. Votre bus stéréo est l'endroit où tous ces sons sont additionnés, et si ce bus stéréo est trop fort, alors vous allez commencer à obtenir une distorsion. Puisque nous travaillons dans un domaine numérique, notre maximum est zéro. Le fader va lire zéro et nous commencerons à obtenir l'écrêtage. C' est ce que tu ne veux pas. Nous voulons rester en dehors du rouge et nous voulons rester loin de toucher zéro. Donc, je vais commencer par mes choses les plus bruyantes d'abord pour m' assurer qu'elles sont les plus en contrôle, ce qui est normalement les tambours. Donc, je vais commencer à pousser le coup de pied. Commencez à ajouter la caisse claire. Pendant que j'écoute ça, j'essaie juste d'obtenir un niveau global de l'endroit où je vais tout placer dans ma chanson. C' est le micro aérien. L' un des meilleurs conseils que je peux donner est que je le fais librement, ne pas prêter attention complètement au bus stéréo à un moment donné, moment il s'agit de sentir. Parce qu'une fois que j'ai la bonne idée de l'endroit où ces choses devraient être, je peux toujours les regrouper et les tirer bas dans mon mix afin que les niveaux audio ne soient pas coupés. ce moment, nous nous inquiétons de la relation entre un instrument et le prochain instrument. Donc, je vais continuer ma chanson en ajoutant tout. Je vais commencer avec cette guitare, ajouter la prochaine guitare, et je suis aussi en train de trouver du panoramique pendant que je fais ça. Je suis en train de trouver les endroits où ils vont s'asseoir à l'intérieur de notre mélange. Pour ceux d'entre nous qui ne comprennent pas le panoramique, c'est très facile à expliquer. Vous avez une oreille gauche et une oreille droite, son peut aller de votre oreille gauche à votre oreille droite et être placé n'importe où dans cela. La façon la plus simple d'y penser est de penser à un orchestre. Lorsque vous vous asseyez et que vous regardez un orchestre, vous avez des gens placés sur scène pour une raison donnée. Vous avez les altos tout le chemin par ici à droite, se déplaçant dans des cornes, se déplaçant dans d'autres cordes comme des violons et c'est la raison pour laquelle nous avons tous les trucs de percussion et de basse au milieu de la fosse, c'est parce que ça se trouve directement au milieu de votre mix. Donc, il est très facile de visualiser où se trouvent les choses dans votre spectre en visualisant un orchestre, c'est comme ça que je le fais. Je pense où placer cette personne sur scène. L' un des plus grands conseils que je peux vous donner et l'une des plus grandes erreurs que je vois dans beaucoup de mixes de gens, est qu'ils ne pensent que de gauche à droite quand ils pensent au panoramique. Le panoramique n'est pas seulement de gauche à droite, mais aussi de penser à l'endroit où cette personne est assise sur scène. Encore une fois, nous allons utiliser l'exemple d'un orchestre. Quand un orchestre s'assied, le meilleur joueur est assis à l'avant, c'est ce qu'on appelle la première chaise. Cela signifie que vous le public entendrez abord le meilleur joueur parce qu'il est assis le plus près de vous. Donc, vous commencez à placer les joueurs derrière ces gens et ils sont plus retirés. Donc, ils devraient sembler plus loin dans votre mix et nous allons entrer dans la façon de déplacer les choses de l'avant à l'arrière. Mais pour l'instant, nous allons juste nous inquiéter de l'endroit où nous allons les placer, de gauche à droite, ce sont des décisions que nous prenons pendant que nous obtenons le niveau initial. Donc, pour cette guitare, je déplacerais cette guitare un peu vers la droite comme si mon guitariste était assis un peu à droite de moi. Une autre grande astuce est de doubler une guitare et de la mettre l'autre côté de n'importe quelle autre guitare que vous avez dedans. Une des choses que nous recherchons dans un mélange est l'équilibre, nous ne voulons pas que tout se penche d'un côté et nous ne voulons pas que tout soit lourd de fréquence d'un ou d'un autre côté. Donc, nous essayons d'équilibrer l'endroit où nous mettons différents instruments pour le rendre intéressant pour l'auditeur. Comme vous pouvez le voir, cette guitare est plus à droite, il y a des guitares plus brillantes plus à gauche. Donc, nous avons maintenant l'image stéréo qui était assis entre ces deux-là. Aussi avec nos tambours, quand nous nous asseyons à un kit de batterie, nous pouvons visualiser exactement où les tambours doivent aller. Il y a deux points de vue lors du mélange d'un kit de batterie. Voulez-vous mélanger du point de vue des batteurs ? Ce qui signifie que tout va ressembler à la façon dont il a regardé le batteur assis là, ou voulez-vous faire du point de vue du public ? La façon dont il regarde le public. Donc, la plupart du temps, quand un batteur s'assied en bas, sa caisse claire est sur son côté gauche et la caisse claire devrait se déplacer vers le côté gauche dans votre mix pour reproduire le son exact que le batteur entendait. Je vais mélanger cette chanson du point de vue du batteur. Donc, ça veut dire que je bougerais mon piège un peu vers la gauche et je bougeais mon chapeau haut un peu vers la gauche, et je gardais le coup au milieu parce que c'est exactement là que le batteur l'entendait. Maintenant, j'ai un effet de guitare. Cet effet de guitare reflète notre deuxième guitare, donc je vais le déplacer pour correspondre à la position exacte de cette guitare aussi. Dans cette chanson, il est évident que le clav est probablement l'instrument le plus important de la chanson. Donc, nous allons trouver différents endroits pour mettre ce clav. Mais comme nous pouvons le voir, notre ingénieur a enregistré près de cinq claves différentes. Donc, nous pouvons mettre le clav dans un tas d'endroits différents pour le rendre extrêmement plein. Ce premier clav que je vais soulever et je vais passer un peu à droite, et je vais avoir ce prochain clav imiter la même chose. Ensuite, je vais prendre ces trois autres claviers et les amener et les équilibrer de l'autre côté, en gardant également à l'esprit que j'ai déjà mis une guitare de ce côté donc je ne veux pas qu'elle soit exactement au même endroit que la guitare. Je veux qu'il semble que des gens différents étaient assis à différents endroits à l'intérieur du groupe, c'est pour ça qu'on les déplace vers des positions différentes. Maintenant, pendant tout ce processus, je garde aussi en compte quand certaines choses jouent dans la chanson. Il est important de comprendre que l'équilibre peut être annulé si un instrument se trouve dans une section de la chanson. Donc, vous découvrez quels sont vos principaux instruments et cela vous aide à décider où vous voulez les placer dans notre espace où nous les plaçons de gauche à droite. Très important lors du placement de la base, vous voulez vérifier la relation entre la batterie et la basse. C' est probablement la relation la plus importante quand il s'agit de la base du dossier. Donc, pour que je puisse le voir plus facilement, je vais déplacer la base à l'endroit où se trouvent les tambours. Donc, si je solo juste le coup de pied et la caisse claire et la base, je peux commencer à comprendre cette relation un peu mieux. Toujours en gardant à l'esprit que nous voulons sentir la basse et que nous voulons que la basse nous frappe une sorte de ce que j'appelle dans la poitrine, mais nous ne voulons pas que la basse dépasse le tambour. C' est une autre grosse erreur que je vois avec les gens, c'est qu'ils permettent à la base de dépasser les tambours et ensuite ils commencent à pousser les tambours vers le haut pour avoir une attaque plus forte. Pendant ce temps, vous devez garder à l'esprit que vous avez un espace limité à l'intérieur de votre bus stéréo. Donc, il ne s'agit pas toujours de pousser la basse, il s' agit d'obtenir une bonne relation entre la basse, le coup de pied et la caisse claire, puis de placer tout le reste autour de ça, c'est très important. Commencez à ajouter les cornes. Maintenant que j'ai une relation avec la musique, je vais commencer à me concentrer sur le chant, et la reprendre au début. J' aime commencer la chanson dès le début pour avoir une idée de l'endroit où je vais dans la chanson. Donc, je vais commencer par la voix principale. J' attendrai que ça arrive. Mais pendant que nous attendons, nous reconnaissons toujours à quel niveau se situe le reste de tout le reste de sorte que lorsque la voix entrera, nous aurons une meilleure compréhension de l'endroit où elle doit s'asseoir. Comme vous pouvez le voir, la voix est faible et cela signifie que nous allons devoir faire un peu de traitement vers la voix, mais au moins je le sais maintenant. Cette première traite juste pour moi d'avoir une idée de la chanson. Après avoir mis ma tête, je mettrai dans la pub. Maintenant, j'ai à peu près toute la piste. Encore une fois, je vais descendre et écouter la chanson du début à la fin pour m'assurer que la sensation est toujours là. Maintenant, j'ai une idée générale de la chanson et relativement où je veux placer tous mes instruments et les niveaux de ces instruments et j'ai écouté la chanson assez pour maintenant avoir une bonne idée de la chanson. Ce qui nous permettra de nous conduire à notre prochaine leçon qui sera de commencer à ajouter des plugins et des effets aux instruments. 4. Ajouter des effets : Égaliseur: Maintenant, nous avons un équilibre général pour nos niveaux, ce que nous voulons faire est de commencer à passer et d'ajouter des effets dans l'égalisation. C' est vraiment le cœur du mélange. Donc, ce que je vais faire pour vous faciliter , c'est que je vais prendre un de mes plug-ins préférés qui est le plug-in SSL, et je vais le mettre sur chacune de ces pistes. Donc, ce que je fais, c'est que je prends réellement ce qui serait la tranche de console de ce SSL et l'applique à chaque canal sous forme de plugg-in. Donc, je vais entrer ici, je vais sélectionner dans ma catégorie de vagues, et je vais aller jusqu'à l'endroit où il est dit SSLG. Ce que cela fait est de placer un de ces SSL sur chacun de mes canaux, donc maintenant je peux commencer à égaliser chacun de ces SSL séparément. Donc, ce que je vais faire est que je recommence avec mon coup de pied et je vais commencer à égaliser le coup de pied pour me rapprocher de l'équilibre tonal que je veux. Parfois, lorsque vous sélectionnez ce que vous voulez que le coup de pied sonne, vous devez décider s'il s'agit d'un coup de pied, d' un coup de pied punchy ou d'un coup de pied subby. En décrivant ces différentes choses, c'est vraiment dire sur quelle fréquence je vais me concentrer. Beaucoup de fois, quand nous disons punchy, nous entendons autour de la catégorie 200 Hertz. Quand on dit subby, on veut dire quelque part autour de la catégorie 50 ou 60 Hertz. Il devrait y avoir en général un langage général qui, lorsqu'un artiste ou des producteurs qui s'adressent à vous, peut traduire cette langue en fréquences. Donc, quand je joue ça, maintenant comme vous pouvez le remarquer, le microphone ramasse un peu à l'extrémité inférieure de ce piège. Donc, une des choses que j'aime faire est juste d'obtenir le coup de pied. Donc, j'entends juste le coup de pied. Quand je suis en train de passer, je veux m'assurer que j'ai mon seuil assez haut. Que le kicker est encore en train de traverser, mais rien d'autre ne vient à travers. Maintenant, rien ne passe. Donc, je vais reculer juste un peu pour m'assurer que mon coup de pied est là. Donc, mon coup de pied arrive, mais le temps de sortie n'est pas suffisant, pour que je reçoive tout le coup de pied. Donc, en augmentant le temps de libération, j'augmente la quantité de libération du coup que vous entendez . Ensuite, je commencerai à l'égalisation. Ce que j'aime faire, c'est tourner le plus vers le haut, et balayer ces fréquences. De cette façon, je peux commencer à entendre le point doux de l'endroit où se trouve le coup de pied. Je dirai juste à propos de là et puis je repartirai juste un peu jusqu'à ce que j'arrive exactement où je veux. Ça a l'air bien juste là. Maintenant, un jour avec de la batterie live, vous voudrez ajouter quelque chose à la batterie pour qu' elle soit équivalente à la musique que vous entendez aujourd'hui. Beaucoup de fois à la radio, vous entendez des choses qui sont faites par des synthétiseurs, vous entendez des choses qui sont faites par des machines à rythmes et vous voulez avoir quelque chose si vous jouez de la musique en direct qui est équivalente à celle quand elle joue par rapport à ces autres documents. Donc, parfois c'est impossible juste à partir d'instruments acoustiques. L' une des astuces que j'ai apprises est d'envoyer le coup de pied à travers ce qu'on appellerait une onde sinusoïdale. Alors, en entrant dans ma porte. J' y vais et j'enverrai ce coup de pied au bus 1. Maintenant, nos bus, nous permettent d'envoyer le signal où nous voulons. Nous avons une quantité limitée de bus par selon le système que vous avez, mais à l'intérieur de la plupart des aubes, Nous avons assez de bus que nous pouvons buter à tout ce que nous voulons. Donc, si je vais dans mes effets audio. Je descends là où il est dit utilitaire, et j'ai un oscillateur de test. Tout ce que je vais faire, c'est créer une tonalité basse fréquence. Jouer de la musique live qui est si elle est juste jouée par elle-même. Après notre oscillateur, je vais placer une porte et ce que je vais faire, c'est utiliser le coup de pied comme l'entrée clé de la porte. Alors, techniquement, qu'est-ce que ça fait ? Une porte, comme nous l'avons vu sur notre coup de pied, est quelque chose qui permet seulement de passer des niveaux au-dessus du seuil. Il reste fermé quand un signal atteint le seuil, il ouvre la porte. Alors que nous entendons ensuite le son, puis ferme la porte. C' est pour ça qu'on appelle ça une porte. Donc, ce que je fais en fait, c'est que je place une sous-fréquence sous cette porte. J' utilise le coup de pied pour ouvrir et fermer la porte. Ainsi, nous permettant d'avoir un fond plus lourd au coup de pied. Donc, comme vous pouvez le voir ici, si je fais défiler vers le bas, j'ai créé une piste auxiliaire qui a exactement ça. Il a un oscillateur de test et une barrière de bruit en dessous de celui-ci. Je me rapprocherai de mon coup de pied et j'appellerai ce sous-marin. Encore une fois, nous essayons de rester organisés. Donc, si je désactive ça, pour l' instant, ça ressemble à une onde sinusoïdale de base. droite ? Très ennuyeux, je peux balayer les fréquences et juste créer n'importe quelle vague que je veux. C' est en fait une onde sinusoïdale que je peux créer des vagues carrées tout ce que je veux. Mais nous choisissons une onde sinusoïdale, parce que ça va nous donner le meilleur sous-marin. Ensuite, j'ajouterai une barrière de bruit. Vous remarquerez maintenant que c'est éteint, que vous entendez toujours l'onde sinusoïdale. Mais si j'ajoute ça, et que mon seuil est assez élevé, maintenant je n'entends pas cette vague. Donc, l'idée est que le coup de pied entre et ouvre cette porte pour qu'on entende la vague. Vous remarquerez que si j'enlève mon seuil, en dessous de moins huit, on peut entendre la vague. Si je le pousse vers le haut, il est coupé. La clé pour cela, est d'attribuer le coup de pied comme entrée de chaîne latérale. L' entrée de la chaîne latérale est dans ce domaine ici. Si je descends, et je sélectionne la piste d'un coup de pied. Maintenant, ça devient ma chaîne latérale. Ce qu'il fera, c'est permettre aux portes de s'ouvrir chaque fois que le coup de pied frappe. Donc, si je reviens et que je joue notre coup de pied original, comme vous pouvez le voir maintenant, sur notre sous-piste, le coup de pied déclenche la porte. Parfois, vous devez ajuster le seuil, mais si je l'amène maintenant, vous entendrez la différence. Maintenant, nous avons créé un fond pour notre coup de pied que nous pouvons mélanger avec le coup de pied, et nous donner plus de contrôle sur le son et le coup du coup. Encore une fois, vous devrez peut-être ajuster le seuil de votre porte, si vous l'amenez jusqu'au bas, cela sonnera comme notre onde sinusoïdale régulière. Vous voulez trouver cet endroit, c'est juste là où le coup de pied et le sous-marin frappent en même temps. Nous pouvons trouver un bon équilibre pour les deux et les traiter comme un seul son en les regroupant ensemble. Maintenant que nous avons cet équilibre entre le coup de pied et le sous-marin, je peux commencer à ajouter le reste de mes sons, mais maintenant avec le traitement sur eux. Donc, j'ajoute dans mon piège. Ma caisse claire pourrait utiliser un peu plus bout de robinet. Je vais commencer à ajouter la base, l'espace peut vouloir venir juste un peu et encore une fois nous voulons vérifier notre relation avec la base, le coup de pied et la caisse claire. Beaucoup de fois, la base et le coup de pied vont se battre à l'intérieur de la chanson pour la gamme de fréquences. Donc, une des choses que j'aime faire, c'est de passer en dessous de la fréquence qui montre pour le coup de pied et de monter cela dans la base pour remplir le reste de cet espace. Donc, je vais y retourner et je vais regarder, et dire « Ok, eh bien, j'ai trouvé 177 Hertz dans le coup de pied alors je veux aller en dessous de 177 Hertz dans ma base. » Disons que je vais autour de 80 ans. Je vais commencer à augmenter ça dans la base. Je vais aussi aller sur notre milieu de gamme, juste pour lui donner un peu plus de punch. J' ajouterai nos frais généraux pour la batterie, et gardons ça au milieu. Comme vous pouvez le voir, cela nous donne beaucoup plus de symboles et les ajouts élevés du kit de batterie. Une autre grande astuce que nous avons utilisée au cours de l'année est de prendre les frais généraux et de les comprimer par ce que nous appelons l'écrasement. Cela signifie juste une compression lourde. Donc, je peux régler mon taux de compression à environ cinq. Avoir une bonne version d'environ 0,2. Je vais monter haut à mon seuil ou devrais-je dire bas à mon seuil, j'abaisse le seuil pour qu'il saisisse tous les sons, et ce que cela fait, c'est qu'il comprime les frais généraux ensemble, ce qui me donne une meilleure sentiment pour les tambours. Cela permettra à mes symboles d'être lumineux et il ajoutera également un peu plus de facteurs de collage au coup de pied et à la caisse claire. Parce que rappelez-vous que les frais généraux sont un ou deux micros qui capturent l'ensemble du kit. Encore une fois, je vais commencer à ajouter mes guitares. Maintenant, une chose importante à retenir est qu'une guitare sera probablement sèche, ce qui est notre guitare directe. Une autre guitare sera probablement l'enregistrement de l'effet ou l'armoire de la guitare. Comme nous travaillons dans une porte, vous êtes libre de prendre cette guitare et de la mettre dans n'importe quelle armoire que vous voulez. Après ma guitare, je veux ajouter le clap et à ce stade, c'est génial pour moi de commencer à prêter attention à mon bus stéréo. Parce que maintenant je reçois des niveaux d'équilibre réels qui commencent à overdrive, ou à me rapprocher un peu de l'intérieur rouge de mon bus stéréo. Donc, je vais regrouper tout ça ensemble et les retirer. Comme vous pouvez le voir, cela sauve mon bus stéréo mais il garde tous les instruments dans la même perspective relative qu'une relation les uns avec les autres. Rappelez-vous juste que nous ne changeons pas notre mélange, ce que nous faisons est en fait de nous donner plus de place. Donc, qu'on ne maximise pas notre mélange. Donc, en substance, nous aurons le même mix avec une meilleure salle de tête, ce qui nous donnera une meilleure qualité audio. Encore une fois, sur la conduite de votre bus stéréo est le moyen le plus rapide d'accéder à la distorsion numérique. Une fois que vous appuyez sur cette 0.0, il n'y a pas de correction, que n'importe quel ingénieur peut faire. L' ordinateur n'a maintenant pas de zéros et de ceux pour représenter ce fichier audio, donc, il va juste le remplacer par une distorsion. Vous voulez vous assurer dans l'ensemble que vous restez hors du rouge. Au fur et à mesure que nous revenons à notre mix, nous commencerons à ajouter les cornes et à faire attention à notre bus stéréo. Last but not least, nous ajouterons toutes les voix. Notre voix pourrait utiliser un peu de volume, même chose avec notre [inaudible]. Encore une fois, nous vérifions toujours pour nous assurer de rester en dehors du rouge. 5. Ajouter des effets : Réverbe: Qu' est-ce que la réverbération ? Quand vous enregistrez de la musique, vous l'enregistrez en studio, mais tous les endroits ont ce qu'on appelle un espace acoustique. Cela signifie que le son est affecté par la façon dont la pièce est conçue. Tous vos murs à l'intérieur d'un studio affectent le son. Donc, que vous soyez dans un studio d'un million de dollars ou que vous soyez dans votre chambre, la façon dont le son est affecté, est déterminée par la construction de votre chambre. La pire chose dans laquelle vous pouvez être, dans laquelle la plupart des gens sont dans leur chambre, c'est une boîte carrée. Pourquoi ? Parce que cela crée ce que nous appelons des ondes debout. Les ondes debout sont quand un son rebondit hors du mur et il frappe le même son venant à la même vitesse et s'annule mutuellement. Cela n'arrive pas normalement dans le monde réel. Ce qui arrive normalement, c'est que ces sons se heurtent et qu'ils ne s'annulent pas complètement, mais ils commencent à ajouter et à soustraire de manière à affecter votre mix. signifie que vous serez assis dans la pièce et que la pièce elle-même vous fera ajouter plus de basses à un son. Donc, quand vous sortez votre mix de cette pièce et essayez de le jouer dans un autre environnement, comme un club, ou à la radio, il y aura trop de basses dans la chanson ou, le contraire peut arriver. La salle peut ajouter des basses à votre chanson afin que vous vous sentiez à l'aise là où il y a des sons d'assise, puis quand vous allez les jouer ailleurs, impression que vous n'avez pas assez de basses dans votre chanson. Donc, ce que nous essayons de faire quand nous avons une réverbération, c'est d'essayer d'imiter la taille des pièces. Tout ce que fait la réverbération est de placer quelque chose plus loin de vous ou plus près de vous. Plus vous avez de réverbération, plus le temps de réverbération est grand, plus le son semble loin. Cela nous ramène à notre démonstration d'orchestre. Si quelqu'un joue du violon dans la première chaise, il semble plus proche de vous, contre quelqu'un qui joue la cinquième chaise, ce qui semble plus loin. Nous accomplissons cela avec la réverbération. Donc, maintenant je vais ajouter un peu de réverbération à la voix principale, lui donner l'impression qu'elle a été enregistrée à l'intérieur d'une pièce. La raison pour laquelle nous enregistrons sec, c'est pour que nous puissions choisir notre réverbération plus tard. Il y a des chambres formidables dans les studios que les gens paient beaucoup d'argent pour aller et enregistrer dans ces chambres strictement parce qu'ils aiment la réverbération de cette pièce. Donc, c'est ce que nous allons faire, nous allons ajouter une réverbération à cette voix, pour lui donner un peu d'espace. Maintenant, l'une des meilleures façons de configurer la réverbération, est d'utiliser un système d'arrêt. C' est une erreur commune que je vois dans beaucoup de mélanges. Les gens vont prendre un bouchon de réverbération et le placer sur cette voix principale, qui n'est techniquement pas faux. Mais si vous travaillez dans un ordinateur portable ou si vous travaillez dans une porte sur n'importe quel système informatique, vous voulez également garder à l'esprit qu'il y a une limite à la quantité de choses que vous pouvez faire en termes de traitement. Donc, avec notre système de busting, ce que cela nous permet de faire, c'est de mettre une réverbération sur un canal de basse, et d'utiliser nos basses pour envoyer autant de canaux vers cette réverbération que possible. signifie que nous n'avons pas besoin de mettre une réverbération sur chaque canal de chaque voix et chaque instrument que nous avons sur notre piste. Cela maximisera notre système plus vite que tout autre. Reverb est l'un des plugins les plus lourds de processeurs. Donc, en plaçant ceci sur une chaîne de basse dédiée et en cassant la chaîne vers, que nous voulons envoyer à ce bus, nous n'avons qu'à utiliser une réverbération pour tous les instruments. Espérons que vous comprenez la différence. Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai créé un bus et ce que je vais faire est sur la voix principale, je vais venir ici et je vais aller à la basse 1, et je vais envoyer un peu de cette voix à la basse 1. Donc, maintenant, si je vais à ma basse, je peux aller ici et je peux tirer une réverbération. Vous verrez que nous aurons tellement de valeurs par défaut différentes, qui nous montreront l'ambiance, nous pouvons avoir une grande pièce, nous pouvons avoir une longue réverbération, nous pouvons avoir une église, nous pouvons avoir un club en direct. Toutes ces choses sont pour vous amener dans une gamme générale de ce que la réverbération essaie de représenter, étant donné que vous pouvez ajuster au contenu de votre cœur, une fois que vous l'aurez mis là. Donc, je vais commencer par l'église. Quand j'appuie sur Play, je pense que ce serait génial si on voyait tout ça que vous entendiez exactement ce que je fais . Maintenant, vous pouvez entendre. Bébé de 13 mois. C' est la réverbération. J' ai cassé le regard en verre. C' est la réverbération de note. Sept ans de malchance. Nous voulons trouver un équilibre, qui permet à nos voix de sortir ce qui ne semble pas trop délavé. Selon le style de musique que vous faites, dépendra de la quantité de réverbération que vous voulez placer sur le chant. Moi-même, j'aime ajouter juste assez pour que je puisse à peine l'entendre dans le mix mais je sais que c'est là. Il suffit d'améliorer le chant et de lui donner un peu d'espace. Donc, si je reprends cela pour que vous puissiez entendre dès le début du verset, je veux ajouter juste assez, pour que je puisse l'entendre mais ça ne le lave pas. Ce que je fais normalement, c'est aller trop loin et ensuite me remonter. C'est trop loin. Super, maintenant nous avons ajouté un peu d'espace à notre chant principal. Je voudrais peut-être faire exactement la même chose à nos voix ad lib, qu'elles sonnent comme si elles avaient été enregistrées dans la même pièce. Je vais vérifier le niveau de la même, parce que c'est moins six, et je vais prendre l'ajout lib à moins six. Super, maintenant vous pouvez le faire avec n'importe quel instrument que vous voulez, pour le faire apparaître comme si c'était dans l'espace que vous voulez, et il y a beaucoup de réverbérations créatives qui vont entrer dans d'autres leçons. 6. Ajouter des effets : Compression: Maintenant que nous avons créé un espace pour notre voix, une chose courante que nous faisons pour essayer de contrôler la voix est de compresser la voix. C' est probablement la technique la plus mal comprise dans l'enregistrement moderne. Qu' est-ce qu'un compresseur ? Un compresseur comprime réellement votre voix. Qu' est-ce que je veux dire par presser ta voix ? Chaque son a une plage dynamique. Votre portée dynamique est la différence entre le plus fort et le plus doux que ce son produira. La voix humaine peut être très douce et murmure ou elle peut être très forte et crier. Souvent, toute la gamme de cela est démontrée à l'intérieur d'une piste. Si nous fixons nos niveaux pour le plus haut niveau de notre piste, disons la voix, alors pendant les parties calmes, il ne sera pas assez fort. Si nous fixons nos niveaux pour les parties calmes, alors il peut se déformer et aller trop fort dans les parties bruyantes. Donc, ce que nous faisons est de mettre un compresseur, sorte qu'il serre notre voix et contrôle notre voix. Il existe tous les différents types de saveurs de compresseurs. Tous font essentiellement le même travail, mais de différentes manières, mais il y a des choses très courantes qui sont sur tous les compresseurs. Numéro un et le plus grand concept que vous devez comprendre est le seuil. Le seuil est en fait de dire au compresseur quand agir. Donc, si nous avons une onde audio qui se déplace de haut en bas à un certain pic, nous allons définir notre seuil, et dire une fois que l'onde audio sera au-dessus de ce seuil, nous allons commencer à travailler sur ce fichier audio, et ce que est-ce que cela veut dire ? Eh bien, c'est là que la seconde entre en jeu. Notre ratio, notre taux de compression est probablement la deuxième chose la plus importante. Cela indique au compresseur combien il est difficile de travailler. Donc, si vous regardez vos compresseurs, ils diront un à un, deux à un, trois à un. Qu'est-ce que ça veut dire ? Le taux de compression est juste que c'est un rapport. C' est le rapport entre deux nombres. C' est en gros dire que pour chaque trois décibels que ce signal dépasse le seuil, nous allons le laisser dépasser un seul. C' est un facteur de contrôle, il vous indique à quel point le compresseur fonctionne dur. Donc, évidemment, un rapport de trois à un est plus léger qu'un rapport de 10 à un. Donc, vous allez déterminer votre ratio en fonction de l'audio qui se passe. Plus votre rapport est élevé, plus votre signal sera écrasé. C' est pourquoi c'est la chose la plus souvent mal utilisée en audio parce qu'il est très facile pour vous de simplement écraser complètement la performance et de la rendre sans vie, qui n'est pas ce que vous voulez faire. Vous voulez le contrôler, vous ne voulez pas rendre la performance sans vie. Donc, soyez très prudent avec votre niveau de seuil. Vous ne voulez pas trop de compression car alors, vous priverez l'artiste de leur grande performance. Alors, qu'est-ce que je veux dire par là ? Si on regarde notre piste vocale principale, et je remonte ma fiche. Ici, dans notre section dynamique, nous avons tous nos contrôles. Le premier est le rapport dont je viens de parler. C' est un contre un, deux contre un, trois contre un. C' est notre seuil. Cela nous dit quand le signal va être affecté par le compresseur. Ce dernier est aussi la version. La sortie nous indique combien de temps il faut avant de revenir à notre niveau naturel du compresseur. Plus la libération est longue, plus la queue sera longue. Qu' est-ce que je veux dire par une queue ? Eh bien, si vous avez un instrument à percussion rapide, il n'y a vraiment pas de queue, mais si vous avez affaire à quelque chose, disons comme une basse qui a une attaque initiale, puis une queue, ça va vous dire combien de cette queue va être comprimée. C' est tout ce que ça te dit. Si vous avez une voix où quelqu'un chante, l'attaque initiale est une chose, puis quand cette voix s'exécutera, la libération vous dira combien de temps les compresseurs vont rester dedans. Donc, si je joue à nouveau, vous pouvez voir ici par cette orange. Cela nous dit combien de compression nous avons dans la piste. Donc, maintenant, avec notre seuil fixé ici, nous avons un truc moins trois, moins cinq décibels qui se passe. Si je tourne ce seuil, laissez-moi en solo pour que vous puissiez l'entendre. Si je monte ce seuil, c'est écrasant. C' est ce qu'on ne veut pas faire. Cela signifie que tout ce qui est à l'intérieur de la voix est comprimé, et ce n'est pas ce que nous voulons faire. Alors, retirons ça en arrière. C' était bien à peu près ici. Ce que cela fait, c'est nous donner le contrôle sur les fréquences qui vont au-delà de la moyenne de l'endroit où se trouve le niveau normal du signal, et il y a un autre point important que nous devons apporter en termes de compression. Est-ce que la compression contrôle non seulement l'extrémité supérieure, il soulève également le sol. Quand on parle de squash ou de plancher, il fait monter le son le plus bas, et il fait descendre le son le plus haut. Alors, qu'est-ce que cela signifie en termes pratiques ? Cela signifie que si vous avez beaucoup de bruit au sol, si vous avez beaucoup de bruit de fond, si vous êtes dans une pièce où un climatiseur joue et que le climatiseur arrive à passer à votre enregistrement, tous les de ce bruit doux sera soulevé. Donc, il est très important pour vous d'écouter ce que vous compresser et de vous assurer que vous obtenez juste le signal que vous voulez pour cet instrument particulier, qu' il s' agisse d'une piste de guitare, de voix ou de batterie. Maintenant, que j'ai compressé ça, je peux le remettre dans mon mix et il sera plus facile pour moi de contrôler et il sera mieux assis à l'intérieur du mélange. Encore une fois, je voudrais commencer par le début juste pour avoir la sensation de la chanson. N' oubliez pas que la musique est une question de sensation et de groove. Il ne s'agit pas toujours de choses techniques, vous devriez vous sentir comme vous le faites. D' accord. Nos adlib sont un peu trop bruyants. Laisse-moi juste faire tomber ça un peu. Une autre chose que les gens me demandent, c'est, comment savez-vous le niveau approprié pour un chant principal ? La plupart du temps, c'est à vous de décider, mais vous voulez vous assurer que l'artiste est audible, qu'ils sont clairs, qu'ils peuvent être entendus, et la plupart du temps j'essaie de les faire correspondre quelque part où se trouve le piège. dans la chanson, et s'il n'y a pas de piège, vous avez une sorte d'idée de l'endroit où se trouvent les autres instruments, et vous voulez qu'il soit juste un peu au-dessus du reste des instruments selon le style de la musique. Encore une fois, vous faites quelque chose où la voix n'est pas vraiment l'objectif principal, vous devriez vous assurer que le principal objectif de l'enregistrement est ce qui est important. Donc, pour cette chanson, évidemment, la voix est importante, donc nous la mettons juste un peu au-dessus du reste des instruments. Comment savez-vous si c'est trop fort ? Si nous regardons notre bus stéréo, la musique conduit notre bus stéréo. veut dire que c'est ce qui fait que tout monte et descend. Si je solo, nous verrons exactement le niveau de notre voix principale. Si je tourne la voix en tête, ça commence à conduire notre mix, si vous comprenez ce que je veux dire. C' est ce qu'on ne veut pas. On veut que la musique soit le moteur du mix. Maintenant, nous fixons un niveau global pour notre voix, mais les êtres humains ne chantent pas à un niveau cohérent, non ? Donc, nous passions notre chanson, et nous l'écoutions, et nous ferions ce que nous appelons des cannes vocales. C' est là que notre automatisation entre en jeu et nous allons réellement passer par la chanson, écouter et, en substance, tourner la voix vers le haut et vers le bas en fonction de la façon dont elle est forte ou douce dans une session donnée. D' accord. Donc, nous le ferions, parce que monter vos voix vous permet de ne pas trop compresser vos voix et de vous assurer que tout est même dans vos chansons, ou il peut y avoir une sorte de chose créative que vous voulez faire là où vous voulez le vocale pour obtenir plus doux ou plus fort selon la musique. Maintenant que j'ai mon ensemble de voix et le reste de mon ensemble d'instruments, je vais écouter une fois de plus juste pour tout mettre en tête avant de commencer à prendre les décisions finales pour notre dernière partie du mix. 7. Équilibre tonal: Maintenant que nous avons obtenu notre équilibre global et que nous avons ajouté effets et que nous avons égalé certaines de nos choses, il est temps pour nous de commencer à réfléchir à notre mix final, et l'une des plus grandes choses que les gens me demandent est de compresser le mix final. Ce qui signifie que vous avez un bus maître ou devrions-nous dire un maître fader. Devriez-vous mettre un compresseur ou un égaliseur sur le bus global ? C' est tout à fait à vous de décider. C' est là que tu deviens créatif. C' est là que vous commencez à prendre des décisions sur la façon dont vous voulez que la dernière chose sonne. Depuis des années, je n'ai jamais mis de compresseur sur le bus principal. Je pense qu'il y a peut-être un mélange dans ma vie à qui j'ai fait ça. Pourquoi ? Parce que je fais confiance à mon ingénieur de mastering, et j'aimerais avoir toute la dynamique de ma chanson quand je la donne à quelqu'un d'autre qui va aussi compresser dans l'égaliseur. Est-ce que cela s'applique toujours ? Peut-être que vous êtes dans une situation où vous allez sortir cette chanson et que vous voulez avoir une compression principale avant qu'elle ne passe sur Internet ou avant qu'elle ne passe à votre mixtape ou quoi que ce soit d'autre que vous faites. C' est subjectif. C'est à vous de décider, mais les mêmes règles s'appliquent ici que nous avons passé pour la compression plus tôt. La plus grande chose est de ne pas écraser votre mélange. Vous ne voulez pas enlever la plage dynamique de votre mélange avec votre compresseur. Soyez donc très prudent de mettre un compresseur sur le maître de votre mix. Il est très facile pour vous d'imprimer votre mix sans le master, puis de le faire plus tard lorsque vous compilez tous vos morceaux ensemble. De cette façon, vous pouvez prendre certaines décisions. Si vous êtes absolument sûr et que vous aimez la façon dont le compresseur sonne et l'égaliseur sonore sur votre bus maître, alors par tous les moyens, allez-y et mettez-le là. Je vous donne mon expérience personnelle de ce que j'aime faire pour m'assurer que je suis en sécurité. Normalement, j'imprime mes mixes sans cela et je peux l'ajouter plus tard dans une étape différente. Une des dernières choses que j'aime faire pour vérifier mon mix est mettre un égaliseur sur le maître juste pour vérifier la balance tonale, et qu'est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, si vous allez ici et que vous y allez et que je tire un égaliseur, ça me donnera un graphique pour me montrer où sont toutes mes fréquences, et comme vous pouvez le voir, je pourrais vouloir sauter juste un peu dans ce rang de 10K et peut-être un peu bit dans ce 2K. Vous pouvez entendre le niveau global de mon mix devenir plus brillant et vous pouvez également voir que notre représentation de notre graphique devient de plus en plus forte, nous montrant que nous avons un mélange plus uniforme. Nous voulons nous assurer que tonalement, toutes nos fréquences sont représentées à l'intérieur de notre mix et cela garantira que notre mix sera comparé à d'autres mixes qui sont là, surtout quand vous allez jouer quelque chose sur le radio. Donc, à la fin de ce mix, la seule chose que je devrais faire maintenant serait probablement d'ajouter un fondu à la fin ou de décider si la chanson va couper. La plupart du temps, ce n' est pas la décision de l'ingénieur, c'est juste quelque chose que vous demandiez au producteur et vous le feriez réellement. Beaucoup de choses dont vous avez besoin pour obtenir l'autorisation du producteur. Il y a un grand concept que vous devez comprendre et retenir. En tant qu'ingénieur, vous êtes dans le service, vous faites du service à quelqu'un d'autre. C' est un peu comme être coiffeur. Si quelqu'un s'assied et que vous êtes le coiffeur, ils vous disent comment ils veulent leur coupe de cheveux. La raison pour laquelle ils viennent te voir, c'est parce que tu es l'expert en la matière. Ils vont vous demander des suggestions, mais en fin de compte, n'oubliez pas que c'est le record des producteurs. Donc, vous êtes là pour faciliter la façon dont cette personne veut que le disque sonne. Si c'est votre dossier, alors vous êtes le producteur et l'ingénieur et il n'y a pas de problème. Donc, j'espère que la plupart de ces conseils et astuces peuvent vous aider à commencer à créer votre propre musique et vous pouvez utiliser les choses que j'ai apprises au fil des ans en tant que débutant pour vous aider à organiser votre mix et à sortir avec de meilleurs mixages . Alors, voilà ce qu'on va faire. Ça va être interactif. Ce ne sera pas seulement moi assis ici à enseigner. Ça va être interactif au point où nous voulons que vous appliquiez toutes ces choses à vos mixes. Donc on va lancer un concours. Nous allons vous laisser soumettre votre propre musique. Ce que nous avons besoin d'entendre, c'est votre original et ce que vous avez fait dans le mix. Donc, pour être clair, il y aura deux fichiers qui vont sauter, l' enregistrement original et le mix que vous avez fait. Je choisirai dix personnes et ces gens gagneront immédiatement une paire de mes écouteurs. Donc, à partir de ça, nous choisirons le gagnant numéro un qui me fera mélanger leur record réel. Ce n'est pas seulement pour moi, mais aussi pour le reste de la communauté. Nous essayons de construire une communauté ici sur le site afin que vous puissiez parler et vous donner des conseils, des astuces et des critiques créatives. Il est toujours préférable de faire de la musique avec un groupe de personnes. J' ai joué mes mixes pour d'autres ingénieurs que j'aime. Nous essayons de créer le même environnement ici pour vous. Alors, mettons-nous au travail. Mettons-nous au mélange et mettons-nous ces mélanges.