Apprendre à regarder : Une introduction à la prise de meilleures photos | Rebecca Loomis | Skillshare
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Apprendre à regarder : Une introduction à la prise de meilleures photos

teacher avatar Rebecca Loomis, Compulsive creative with too many hobbies

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Pourquoi, pourquoi, pourquoi ?

      3:14

    • 2.

      Pratiques de projet

      2:34

    • 3.

      Renforcement de la conscience

      2:57

    • 4.

      Focus et cadre

      3:57

    • 5.

      La composition

      4:25

    • 6.

      Angles et impact émotionnel

      3:33

    • 7.

      Éclairage et couleur

      5:25

    • 8.

      Surveiller !

      0:36

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

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apprenants

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projets

À propos de ce cours

Vous avez besoin de l'appareil photo coûteuse pour devenir un meilleur photographe. Commencez à apprendre à partir de ce que vous avez pour maximiser vos capacités photographiques, en apprenant à voir à travers une autre objectif.

Dans ce cours, vous apprendrez des pièges communs à éviter et les potentielles à utiliser lors de photos, à l'aide d'un smartphone ou d'un DSLR, avec un DSLR.

Vous le faites en Vous choisirez un sujet (portrait, nature morte ou ville/pays) et prenez une photo de ce même sujet par leçon, en mettant en œuvre ce que vous avez appris À la fin de ce cours, vous pourrez regarder la transformation de votre œil !

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Rebecca Loomis

Compulsive creative with too many hobbies

Enseignant·e

Rebecca is a freelance photographer, graphic designer and author, with experience in marketing, videography, and more. When she crawls out of her introverted Hobbit-hole, Rebecca enjoys adventuring the great outdoors, social dancing and making delicious food!

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Transcription

1. Pourquoi, pourquoi, pourquoi ?: Bonjour, je m'appelle Becca, et j'enseignerai ce cours appelé Apprendre à regarder. Un peu d'arrière-plan sur moi. Je suis de New York, je vis au Texas maintenant, deux états géniaux. J' ai un baccalauréat en communication de masse avec une mineure en art. Ma spécialité est le portrait franc naturellement éclairé. J' ai travaillé dans beaucoup d'autres choses, y compris l'art et l'écriture, les médias sociaux, le design, et ainsi de suite. J' ai beaucoup trop de passe-temps. Mais j'ai décidé d'enseigner ce cours parce que j'ai beaucoup de famille, d'amis et de collègues qui sont venus me demander des conseils sur la façon de prendre de meilleures photos. Ce sont des gens qui étaient tout d'avoir un besoin de prendre des photos professionnelles ou simplement de vouloir prendre de meilleures photos personnelles. Ce cours est vraiment pour tout le monde. C' est un spectre très large. Mais beaucoup de ces gens sont venus me demander conseil. J' ai trouvé que l'une des choses les plus importantes qui se dressaient sur leur chemin n'était pas du tout sur leur chemin, c'était juste des excuses, comme, « Je n'ai pas assez de caméra », ou, « Je n'ai pas vraiment de raison de m'appeler un photographe. » J' ai trouvé que c'est très similaire à quand je commence à essayer de travailler. J' utilise toutes les excuses. Je dis : « Je n'ai pas d'abonnement à la salle de sport. Je n'ai pas de poids libre et je ne sais pas ce que je fais, » et la même chose peut aller pour la photographie. Mais la clé n'est pas une meilleure caméra. En fait, acheter un meilleur appareil photo pour apprendre à prendre de meilleures photos est comme prendre un bandage et le coller sur une plaie qui a besoin de points de suture. Ça ne marchera pas. Ce que vous devez vraiment vous concentrer, c'est de former votre œil. C' est donc de ça que va être ce cours. Il va s'agir d'apprendre à voir ce qui fait une bonne photo et ce qui ne le fait pas. Nous allons parler des pièges communs à éviter et des potentiels à utiliser. Nous ne parlerons pas beaucoup de choses techniques comme la façon de régler votre appareil photo manuellement. Ce sera des choses plus grandes. Ainsi, si vous prenez des photos avec un iPhone ou un reflex numérique canon, cela fera une différence. Ces choses s'appliqueront à n'importe quel royaume. Peu importe aussi si vous êtes intéressé par le portrait par rapport au paysage, par rapport à la nature morte. Cela devrait être applicable à presque tout. Ce que je veux vous donner à travers ce cours est une base sur laquelle vous pouvez vous appuyer. C' est ton pied à travers la porte pour te faire démarrer. Il ne résoudra pas tous vos problèmes ou il ne vous entraînera pas à être un photographe professionnel. Cependant, ce sont de très petits pas qui peuvent faire beaucoup de chemin pour passer de quelqu'un qui prend parfois des photos sur son téléphone à un photographe amateur en fait. N' importe qui peut faire ça, n'importe qui peut faire ce cours. J' espère que le meilleur pour vous. Je vous remercie d'avoir donné un coup de feu, et j'ai hâte de voir ce que vous en pensez. 2. Pratiques de projet: Bienvenue de retour. Nous allons sauter et parler de votre projet de classe. Pour ce cours, nous allons faire un photolog ou un flog, comme j'aime l'appeler, où fondamentalement vous prendrez une nouvelle photo des mêmes sujets avec chaque classe appliquant les choses que vous avez apprises, sorte qu'à la fin du cours, vous pouvez regarder en arrière et voir comment vos yeux ont changé. Vous serez en mesure de voir les décisions que vous avez prises qui étaient différentes selon les nouvelles connaissances. Pour votre sujet, nous allons aller de l'avant et choisir un sujet que vous suivrez pour le reste du cours. Vous pouvez choisir parmi n'importe quoi dans les catégories de personne, de lieu ou de chose. En termes de photographie, c'est du portrait, paysage ou de la nature morte. Beaucoup de gens ont tendance à tomber dans l'une de ces catégories et ils préfèrent que, je préfère le portrait. Il est bon de pratiquer dans tous ces domaines, mais vous trouverez probablement que l'un d'eux vous convient plus que les autres. Alors allez-y et choisissez un sujet et prenez votre première photo. Ne pensez pas à ce que vous pensez être juste ou mal à faire. Il suffit de le prendre comme vous le prenez normalement, en utilisant ce que vous le prenez normalement et en vous tenant à la même chose. Si vous utilisez un iPhone, utilisez votre iPhone. Si vous utilisez un reflex numérique, utilisez votre appareil photo reflex numérique, si vous utilisez votre GoPro, utilisez votre GoPro. Mais vous allez vous en tenir à la même plate-forme photographique et au même sujet. Maintenant, une fois que vous aurez pris votre photo, je veux que vous la mettiez de côté et que vous commenciez à poser la question, pourquoi ? Pourquoi ce sujet ? Pourquoi ai-je choisi ce paysage ? Pourquoi ai-je choisi cette personne ? Si c'était un peu plus impulsif et que tu n'y as pas vraiment réfléchi, c'est bon. Commencez à y penser maintenant. Commencez à penser à la signification, que voulez-vous accomplir avec cette photo. Parce que toutes les photos communiquent quelque chose, que nous le voulions ou non. Cela peut être juste de communiquer la beauté de la vie. Ça n'a pas besoin d'être très profond, mais ça va communiquer quelque chose. Penser à ça. Nous allons revenir à cette question avec les cours suivants. 3. Renforcement de la conscience: Dans cette leçon, nous allons commencer à parler de sensibilisation, ce qui est essentiel pour développer votre regard pour la photographie. Donc, à l'université, j'avais pris un cours de dessin 101 et je me souviens d'un cas particulier où notre professeur a projeté une image sur un écran et a dit, dessiner ceci. Nous avons regardé l'image et tout ce que c'était était un tas de blobs, de formes et de reflets sombres et nous n'avions vraiment aucune idée de ce que nous regardions. Mais nous avons procédé à dessiner ce blob floue. De temps à autre, il le concentrait un peu plus. Finalement, avec chaque nouvelle interprétation que nous avons faite, nous avons commencé à voir quelle était l'image. Ce qu'il avait fait était de prendre un tableau célèbre, le retourner et de le flouter. Ce que cela nous a forcé à faire est de regarder ce que nous dessinions, non pas comme une image de personnes, d'instruments et de choses, mais plutôt de voir l'abstrait, voir ce que nous considérons comme des formes, des couleurs et du poids visuel. C' était un très bon exercice pour moi, à la fois en dessin mais aussi en photographie. Donc, pour reproduire cet exercice uniquement axé sur la photographie, ce que je veux que vous fassiez maintenant, c'est de retourner à l'envers. Je veux que tu plies ta tête vers l'arrière sur une chaise, que tu t'allonges sur le sol, tout ce que tu as à faire et que tu regardes ce qui t'entoure envers et que tu commences à penser à ce que tu regardes, pas comme une personne, un endroit ou une chose, mais plutôt les formes et les tailles et le poids visuel, les sombres, les reflets, la couleur. Qu' est-ce que tu vois vraiment ? Si possible, regardez le sujet que vous utilisez pour votre projet. Mon espoir pour cet exercice est que lorsque vous serez à nouveau à droite, vous commencerez à être plus conscient des différents éléments avec lesquels vous devez travailler parce que cela compte vraiment si votre palette de couleurs est cool ou si elle fait chaud. Cela aura une incidence sur l'impact émotionnel de votre public. Les bords de votre sujet sont-ils souples et courbés, ou sont-ils tranchants et déchiquetés ? Comment l'arrière-plan interagit-il avec le premier plan ? Vous n'avez pas nécessairement besoin de savoir pourquoi ces choses comptent encore parce que nous en parlerons dans les prochaines leçons, mais commençons à en être plus conscients. Vous n'avez pas nécessairement à prendre une autre photo pour cette leçon particulière, mais je veux que vous commenciez à regarder votre sujet un peu différemment et pratiquez cet exercice quelques fois si vous avez besoin et revenez quand vous êtes prêt pour l'étape suivante. Tout le sang se précipite vers mon cerveau. 4. Focus et cadre: Ensuite, nous allons parler de focus et de frame. Sur chaque photo, il y a un point focal. Quelque chose qui attire l'attention de votre public. En tant que photographe, nous avons la responsabilité de choisir ce qu'est ce point focal. Si nous ne le faisons pas, nous finissons avec une image sans mise au point. Votre public est parti se demandant, de quoi cette image est même à propos ? Prenons par exemple ces deux images que j'ai prises lors d'une conférence. Dans le premier, je viens de pointer et de tirer. Je n'avais pas vraiment planifié mon image avant de la prendre. Le résultat a été une image moins focalisée. Vous le regardez et vous n'êtes pas vraiment sûr de l'endroit où votre œil devrait reposer dans le cadre. Devrait-il être sur ce type dont l'expression n'est pas très attirante ou sur cette fille qui s'en va ? Encore une fois, pas un tir très flatteur. Dans la deuxième image, cependant, j'ai choisi ce que je veux dans mon point focal avant de prendre la photo. J' ai pris la photo exprès. C' est clair que tu es censé regarder la fille qui applaudit. Non seulement elle est concentrée, mais elle est au centre de l'image. Nous parlerons un peu plus tard sur la façon de faire regarder votre public dans un certain endroit en fonction de la composition de votre image. Cependant, pour l'instant, la chose la plus importante est que vous choisissez ce qui est le centre de votre image. En plus de définir votre point focal, je veux que vous commenciez à penser à ce que vous voulez communiquer avec votre image. Cela déterminera ce que vous incluez ou excluez du cadre. Considérez ça comme une narration visuelle. Dans cette image, mon point focal est clairement l'orateur. Cependant, je veux vous dire plus que cela. Dans cette image, je montre non seulement l'orateur, mais le public au premier plan. De même, dans cette image, j'ai inclus un orateur supplémentaire en arrière-plan pour montrer qu'il ne donnait pas le discours seul. Maintenant que vous avez décidé ce que vous voulez dans le cadre, vous pouvez commencer à décider combien vous voulez qu'il fasse partie de l'image en ajustant la mise au point. profondeur de champ détermine la quantité de choses qui seront mises au point dans votre cadre. Dans certains cas, vous aurez besoin d'un arrière-plan plus souple nécessitant une profondeur de champ peu profonde. Alors que dans d'autres, comme les photos de groupe et certains paysages, vous voudrez que plus de choses soient mises au point, qui nécessite une grande profondeur de champ. Si vous n'utilisez pas une caméra avec réglages manuels, se peut que vous n'ayez pas la possibilité de régler votre arrêt F ou votre ouverture, ce qui détermine la profondeur de champ. Vous avez cependant un certain contrôle. Vous pouvez positionner votre sujet plus près de votre arrière-plan pour garder plus de choses en focus et avoir une plus grande profondeur de champ, ou vous pouvez amener votre sujet très loin de l'arrière-plan pour obtenir ce look doux et avoir une profondeur moins profonde de champ. Maintenant, même si vous avez décidé de brouiller vos antécédents, vous prenez toujours quelque chose en trois dimensions et le rendez à plat. Vous devez vraiment faire attention à l'endroit où les choses s'alignent derrière votre sujet. Cela m'amène à notre première erreur commune, les bombes de fond. Prenez par exemple, cette image. On dirait que la plante pousse hors de sa tête. Peut-être que ce n'est pas super perceptible parce qu'il est hors de concentration, mais il est toujours là. Tout ce qu'il faut, c'est un pas sur le côté pour réparer ça. Plus d'animal de compagnie chia. Encore une fois, ce ne sont que quelques très petites étapes qui peuvent aller vraiment loin quand il s'agit de rendre vos photos meilleures. 5. La composition: Dans cette leçon, nous allons parler de composition. C' est la disposition des éléments de votre cadre. Lorsque vous maîtrisez la composition, vous pourrez déplacer l'œil de votre spectateur vers point focal que vous avez choisi lors de la dernière leçon. Nous voulons créer des images visuellement équilibrées. une photo équilibrée, vous avez un point focal clair, mais votre œil est libre de se déplacer sur l'image entière et de tout saisir. Rien de tout cela n'a l'impression d'être lop-face ou de repousser votre œil hors du cadre, sauf si vous avez l'intention que l'image soit troublante. Pour comprendre l'équilibre visuel, cependant, nous devons comprendre le concept de poids visuel. Selon creativeglossary.com, « le poids visuel est la capacité d'une région ou d'un élément artistique dans une composition à attirer l'attention sur elle-même. Le poids visuel est souvent créé par l'utilisation du contraste et/ou par l'utilisation de la couleur. » Voici un exemple classique. Votre œil est naturellement attiré par l'étoile rouge. Certains éléments de vos photos, tels que la couleur, le contraste et la taille, vont attirer plus d'attention que d'autres, ce qui les rend visuellement lourds. Vous pouvez rendre les éléments de votre image visuellement lourds en les isolant du reste de l'image. Faites de votre sujet une couleur en gras ou utilisez la répétition pour créer un contraste, ou utilisez un fond clair pour faire ressortir votre sujet. Nous ne voulons pas seulement le poids, mais nous voulons l'équilibre. Où vous placez les éléments visuellement lourds dans votre cadre, déterminera l'équilibre de l'image. Notez que dans les images plus équilibrées, le point focal n'est pas placé au centre du cadre. Même si elle est asymétrique, elle est équilibrée. Beaucoup de gens supposent que votre œil est attiré vers le centre d'un espace. Donc, vous vous retrouvez avec des photos comme celle-ci, qui est l'erreur numéro 2 commune, espace de tête excessif. En fait, votre œil est assis confortablement autour d'un tiers de votre monture, ce qui nous amène à l'un des conseils les plus utiles mais faciles que vous apprendrez sur la composition, la règle des tiers. La règle des tiers est le principe simple que si vous placez le point focal de votre image sur une troisième ligne ou une troisième intersection du cadre, votre œil sera plus naturellement attiré et la composition de votre image sera plus visuellement équilibré. Revenons à cette image d'erreur commune que nous avons utilisée plus tôt. Pouvez-vous voir combien mieux cette photo est quand vous inclinez ce sujet juste un peu et sentir le cadre. Non seulement le poids est également réparti dans le cadre, mais leurs visages sont maintenant sur une ligne qui divise le cadre en tiers. Regardons d'autres exemples. Ces images sont-elles visuellement équilibrées ? Pouvez-vous vous attarder sur eux sans ressentir le besoin d'en passer à un nouveau ? Votre œil voyage-t-il sur l'image mais repose sur un point focal ? Regardez comment chaque point focal de ces images est parfaitement aligné sur une troisième ligne, ou mieux encore, une troisième intersection. Si vous utilisez un iPhone, allez-y et retirez-le. Accédez à vos paramètres, puis aux photos et à l'appareil photo, puis trouvez la grille. Allume ça. Maintenant, votre appareil photo a une superposition de sorte que vous pouvez voir où se trouvent vos troisième lignes lorsque vous prenez vos photos. Beaucoup d'autres caméras ont également ce réglage. Je vous encourage donc à le trouver sur n'importe quel appareil que vous utilisez. Vous pouvez également utiliser les lignes de votre image pour déplacer l'œil de votre spectateur sur tout le cadre. Prenez cette image, par exemple, notre point focal est la fosse à barbecue, mais nos yeux voyagent le long de ces lignes sur toute l'image, puis revenez tout droit pour s'installer à nouveau sur notre point focal. Ils n'ont pas besoin d'être des lignes réelles pour le faire non plus. Votre œil fait des lignes imaginaires entre des objets qui sont aussi rapprochés les uns des autres. C' est l'heure de la photo phlog numéro 3. 6. Angles et impact émotionnel: Ensuite, nous allons parler des angles de caméra et de leur impact émotionnel. Nous avons tendance à prendre des photos d'où se trouve notre tête, ne bougeant pas beaucoup, sauf à droite, à gauche. Cependant, certains des meilleurs clichés nécessitent un peu plus de créativité. Soyez créatif avec vos angles. Tenez-vous sur une chaise ou couchez-vous sur le sol. Tu devrais peut-être te salir un peu, mais ça vaut le coup. Voici les principaux angles que vous devez connaître : la vue de l'œil d'oiseau, qui est ce qu'elle ressemble, vue de l' œil de vers, qui est aussi ce qu'elle ressemble, et le niveau des yeux, qui est à nouveau, ce que cela ressemble. Vous devrez également faire attention à la proximité de votre sujet. On peut prendre un plan grand angle, un gros plan, ou quelque chose entre les deux. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples. Dans cette série de portraits, je me suis assuré d'utiliser la vue du ver, la vue œil d'oiseau et le niveau des yeux. Dans cette série, je couvrirais une conférence, je me suis assuré d'avoir une vue grand angle de toute la pièce, ainsi qu'un gros plan de l'orateur, des personnes dans le public, et un plan médium. Vous pouvez également utiliser des angles pour communiquer différentes émotions ou susciter différentes émotions de votre spectateur. Je vais vous montrer quelques exemples dans chacune des trois catégories dont nous avons choisi nos sujets : personne, lieu et chose. Nous commencerons par des portraits. Rachel est en costume de panda, mais j'ai la capacité de la faire paraître effrayée, effrayante, triste, puissante, ou simplement heureuse. Dans les paysages et les paysages urbains, nous pouvons utiliser les vues de vers pour rendre les espaces plus petits plus grands. Selon notre angle, nous pouvons également donner au spectateur un sentiment de peur ou de curiosité. Même dans une nature morte, nous pouvons faire paraître un simple pot important, négligé ou en danger, même s'il s'agit d'un objet inanimé. Enfin, quelques erreurs courantes rapides et une note sur le timing. Erreur commune numéro 3, amputations. Si vous voulez couper les membres de quelqu'un, ne le faites pas aux poignets ou aux chevilles, c'est trop perceptible. De la même manière, n'amputez pas le sommet d'une montagne à moins que vous ne soyez zoomé. Erreur commune numéro 5, mauvais timing. Votre timing peut être la différence entre un portrait flatteur qui se transforme en photo de profil de quelqu'un et le terrible que tout le monde vous déteste pour afficher. N' appuyez pas simplement sur le bouton, attendez le bon moment. Entraînez votre doigt de déclenchement pour bouger lorsque votre haut-parleur s'arrête, ou lorsque cet oiseau qui vole dans votre paysage atterrit sur une troisième ligne, ou lorsque cette ombre à travers votre fenêtre, qui repose sur votre nature morte, est dans une position différente. Maintenant, c'est l'heure de votre quatrième photo de phlog. Bonne chance. 7. Éclairage et couleur: Éclairage et couleur. L' une des choses les plus importantes que vous devez savoir sur éclairage est la différence entre la lumière douce et la lumière dure. lumière douce produit moins de contraste, donnant l'apparence de douceur, tandis que la lumière dure produit des ombres lourdes, contraste épais et des bords plus nets. De même, l'éclairage de votre image aura une sensation douce ou dure sur le spectateur. Celui que vous choisissez dépend entièrement du but de votre photo. Par exemple, si vous prenez un portrait destiné à exprimer la tranquillité, vous allez vouloir une lumière plus douce. Si vous en prenez un qui est destiné à susciter la peur , vous pourriez vouloir des ombres plus dures. Vous pouvez déterminer à quel point votre éclairage est doux ou dur en observant et en manipulant votre source lumineuse. Plus la source de lumière est large, plus la lumière est douce. Plus votre source lumineuse est identifiée, plus la lumière est dure. Par exemple, la lumière directe du soleil entraînera des ombres sombres parce que votre lumière provient d'une source à une seule pointe, le soleil. Cependant, une journée nuageuse apporte de la lumière du ciel entier, ce qui donne une lumière plus douce. Cela nous amène à l'erreur commune numéro 5, l'idée qu'une journée ensoleillée équivaut à un joli portrait. Lorsque vous photographiez des portraits qui sont censés être agréables, vous aurez plus de chance de placer votre sujet dans une zone ombragée. erreur courante numéro 6 est le rétroéclairage sur auto. Si vous avez des paramètres manuels, vous pouvez utiliser le rétroéclairage à votre avantage. Mais le plus souvent, ce qui se passe, c'est que votre appareil photo s'ajuste à la lumière derrière votre sujet, ce qui les rend trop sombres. C' est un peu comme la lune. Il y a toujours de la lumière qui frappe la lune, mais elle frappe à différents angles de sorte que parfois nous la voyons et parfois nous ne le faisons pas. Positionnez vous-même, votre sujet ou votre source de lumière afin qu'elle illumine la zone que vous voulez. Si vous photographiez avec auto et que vous ne parvenez pas à déplacer le rétroéclairage, déplacez-vous vers un angle où votre sujet est plus proéminent que le rétroéclairage, sorte que votre appareil photo s'ajuste en conséquence. Erreur commune numéro 7, en utilisant un flash à 100 pieds de distance. Je n'entrerai pas trop dans les détails concernant le flash, mais contrairement à la croyance populaire, votre flash pop-up n'atteint pas plus de quelques pieds devant vous. Donc, si vous essayez de l'utiliser pour éclairer un concert, la seule chose qu'il allumera est la personne devant vous, laissant la scène aussi sombre, sinon plus sombre qu'avant. Aussi, gardez à l'esprit que le flash est généralement une lumière très dure, comme le soleil. Cependant, si vous avez un flash externe qui peut pointer dans une direction différente de celle de votre objectif, vous pouvez faire du plafond votre ciel en pointant le flash vers le haut. Il rebondit sur toute la surface, rendant votre lumière un peu plus douce. Malheureusement, nous n'avons pas beaucoup de temps pour entrer dans les détails des réglages manuels. Cependant, je veux faire une note rapide concernant la vitesse d'obturation. Il peut être très frustrant de prendre une photo d' un sujet en mouvement seulement pour découvrir que c'est complètement floue, quand la semaine dernière vous en avez pris une avec le même appareil photo et qu'il était parfaitement concentré. Cela est probablement dû à votre éclairage et à l'ajustement de votre appareil photo. Votre vitesse d'obturation correspond à la durée d'ouverture de l'obturateur ou à la vitesse à laquelle l'appareil photo prend la photo. Plus l'obturateur reste ouvert, plus la lumière est laissée entrer. Plus la vitesse d'obturation est rapide, moins la lumière est laissée entrer. Lorsque vous photographiez des objets en mouvement, vous voulez une vitesse d'obturation rapide pour capter le mouvement. Mais si votre objet est mal éclairé, vos réglages automatiques mettront votre appareil photo à une vitesse d'obturation lente pour laisser entrer plus de lumière, ce qui entraînera un flou de mouvement. Si vous filmez en auto, la seule fois que vous obtenez un bon coup d'action est quand votre sujet est bien éclairé. Last but not least, une brève note sur la couleur. Les couleurs de votre image seront principalement chaudes ou fraîches. Les couleurs chaudes sont ce qu'elles ressemblent, rouges, les oranges, les jaunes, etc., comme les couleurs du feu, tandis que les couleurs fraîches sont bleu, violet, et certaines nuances de vert, comme la glace et la neige. Remarquez comment la couleur de ces images suscite une réponse différente. Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les restaurants de restauration rapide ont tendance à utiliser beaucoup de rouge et de jaune sur leurs logos ? C' est parce que les couleurs chaudes vous brisent l'appétit. Non seulement vos sujets auront une couleur principalement fraîche ou chaude, votre source de lumière le fera aussi. L' éclairage intérieur a tendance à être un peu plus chaud, tandis que la lumière naturelle a tendance à être plus fraîche. Il y a tellement de façons d'utiliser la couleur à votre avantage en photographie. Mais cela pourrait être tout un parcours en soi. Donc, pour l'instant, faites juste attention à la couleur de la lumière disponible pour vous et comment elle vous fait sentir. Pour votre photo finale, commencez à expérimenter avec la lumière différente qui entoure votre sujet. Peut-être rapprocher votre sujet de la source de lumière ou ouvrir une fenêtre pour obtenir une lumière plus naturelle ou changer votre position, et commencer à faire attention à la façon dont le contraste et la couleur affectent l'impact émotionnel de votre image, et ce que c'est que vous communiquez. 8. Surveiller !: Félicitations, vous avez fini votre flog. Pouvez-vous voir la différence entre la première et la dernière image ? Vos yeux ont changé ? Je vous encourage à écrire une analyse personnelle sur la comparaison, et à faire ce projet quelques fois plus avec des sujets différents. formation de l'œil demande beaucoup de pratique, mais plus vous le faites, plus il devient seconde nature. Une fois ces bases abaissées, je vous encourage à passer au niveau suivant. Prenez un cours sur la théorie des couleurs ou sur la façon de régler manuellement votre appareil photo. Nous avons seulement gratté la surface de la photographie, mais votre pied nous a traversés la porte.