Animer avec la lumière | Jake Bartlett | Skillshare
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Animer avec la lumière

teacher avatar Jake Bartlett, Motion Designer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Bande-annonce du cours

      0:56

    • 2.

      Préparer l'œuvre

      2:26

    • 3.

      32 bits par canal

      5:01

    • 4.

      Créer l'enseigne

      2:13

    • 5.

      Gestion des couleurs

      6:09

    • 6.

      Créer la lueur

      15:43

    • 7.

      Utilisation d'effets incompatibles

      2:11

    • 8.

      Faire des ajustements

      3:38

    • 9.

      Les petits détails

      11:43

    • 10.

      Qu'est-ce que le maintien des images clés ?

      2:18

    • 11.

      S'organiser

      2:51

    • 12.

      Travail de préparation final

      2:45

    • 13.

      Animation d'une enseigne lumineuse traditionnelle

      4:04

    • 14.

      Pousser l'animation un peu plus loin

      16:40

    • 15.

      Peaufiner

      6:44

    • 16.

      Exporter une vidéo

      3:09

    • 17.

      Merci !

      0:40

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

6 620

apprenants

115

projets

À propos de ce cours

Dans ce cours, je vous présenterai ma méthode de simulation de la lumière dans After Effects. Vous apprendrez comment transformer n'importe quel texte, illustration ou animation en une enseigne lumineuse en créant des effets de lueur personnalisés de bout en bout. Nous allons également découvrir de nombreux conseils et astuces sur l'animation avec des calques, sur l'utilisation des précompositions pour créer un effet de génération procédurale, sur un mappage expressif simple pour la gestion des couleurs et bien plus encore ! Une fois que vous aurez compris comment simuler la lumière, vous serez en mesure d'ajouter une touche de réalisme supplémentaire à vos conceptions et à vos animations.

Ce cours est conçu pour les artistes qui ont déjà l'habitude d'utiliser After Effects, bien que la connaissance du programme ne soit pas un pré-requis. Comme pour tous mes autres cours, je vous présenterai une méthode pas-à-pas que vous pourrez suivre en même temps que moi, même si vous n'avez encore jamais utilisé le programme. Par contre, si vous souhaitez d'abord profiter d'une intro à After Effects, consultez Le guide du débutant pour animer des GIF personnalisés ou Animer du lettrage à la main

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Jake Bartlett

Motion Designer

Enseignant·e
Level: All Levels

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Transcription

1. Bande-annonce du cours: Je suis Jake Bartlett et ça s'anime avec de la lumière. Dans ce cours, je vais vous apprendre à simuler la lumière et After Effects en utilisant mes propres techniques pour créer des animations graphiques qui semblent éclairer. Pour le projet de classe, vous allez réimaginer le nom de votre restaurant fictif préféré sous la forme d'un panneau néon. Je vais vous montrer étape par étape comment créer une lueur entièrement personnalisée, signe néon animé traditionnellement, puis entrer dans des techniques d'animation plus avancées. cours de route, je vais vous expliquer comment créer effets générés de manière procédurale en utilisant [inaudible], ainsi qu'une méthode simple de gestion des couleurs qui vous aidera à améliorer votre efficacité dans les effets post-effets. Ce cours s'adresse à tous ceux qui s'intéressent aux animations graphiques, c'est une bonne idée de se familiariser avec After Effects. Mais comme pour tous mes cours, je vais vous guider à travers chaque étape du processus afin que vous puissiez suivre même si vous êtes nouveau dans le logiciel. Je te verrai en classe. 2. Préparer l'œuvre: Avant de faire un travail de conception, je veux vous montrer comment j'ai construit ma propre animation. C' est mon projet final et j'allais vraiment pour un look de néon traditionnel. Donc, pas beaucoup d'animation qui se passe, juste activer et désactiver les calques dans l'ordre. Mais pour pouvoir animer de cette façon, je voulais mettre en place mon œuvre d'une manière quand je la conçois, ils rendraient ce processus beaucoup plus facile dans les post-effets. Si je saute dans l'Illustrator, c'est l'œuvre telle que je l'ai conçue pour apporter des effets d'après. L' épaisseur du trait et les couleurs de chaque ligne ne sont pas si importantes. Je ne m'inquiétais pas si elles devaient être les couleurs finales, ce qui me préoccupait était de faire les objets qui allaient être de la même couleur à la fin, la même couleur à l'intérieur d'Illustrator. Comme ça, je savais tout ce qui va être rouge, tout ce qui sera jaune, et tout ce qui sera bleu. Ensuite, je devais penser à ce que je voulais pouvoir allumer et éteindre indépendamment de tout le reste. Par exemple, je veux que ce contour soit séparé de cette ligne ici, sorte que je puisse activer et désactiver chacun simplement en changeant l'opacité du calque à l'intérieur des effets d'après. ce moment, ils sont tous les deux sur la même couche. Ce que je dois faire est de les séparer en deux couches différentes. Je vais prendre cette ligne plus cette ligne ici parce que cela fait partie de la même couche, sélectionnez-les les deux, coupez-les en appuyant sur Commande X ou Control X sur un PC, puis je vais faire un nouveau calque et appuyez sur Apple F ou Control F pour coller exactement à l'endroit où il était déjà positionné. Alors je vais renommer ça, en ligne. Maintenant, ce calque juste au-dessus a trois couleurs différentes sur le même calque et je sais que je veux animer chacune de ces couleurs séparément. Je vais ajouter à ce calque jaune, puis je vais prendre le rouge du mot, couper, faire un nouveau calque, Apple ou Control F, renommer ce « Bob's-rouge », puis faire la même chose pour le bleu. Maintenant, nous pouvons activer et désactiver chacune de ces couches indépendamment. Parce qu'ils sont dans des calques séparés dans Illustrator, quand je les amène après les effets, ils seront des calques séparés là-bas, et j'aurai beaucoup moins d'organisation à faire une fois que nous allons l'animer. Une fois que vous avez terminé de créer votre design, assurez-vous de configurer votre fichier de manière faciliter les choses pour vous et après les effets. Si, à l'intérieur d'Illustrator, vous pouvez voir comment votre animation va s'exécuter simplement en activant et en désactivant les calques, c'est un bon signe que votre fichier est bien configuré pour les effets après. 3. 32 bits par canal: Revenons dans After Effects et reconstruisons mon exemple de projet. La base de cet effet entier et de ma méthode en général pour simuler la lumière dans After Effects est basée sur l'utilisation de 32 bits par couleur de canal, et je vais rapidement essayer de vous montrer ce qu'est exactement 32 bits par canal. Par défaut, les compositions After Effects sont définies sur huit bits par canal, et vous pouvez le voir ici. Cela signifie que pour toute la génération de couleurs, la profondeur de la couleur est réglée à huit bits. Dans le cas de cette boule blanche, la couleur de remplissage est blanc pur, composé de valeurs rouges, vertes et bleues. Puisqu' il s'agit d'un blanc pur, les trois canaux de couleur sont réglés au maximum de 255. Si je faisais tout ça jusqu'au noir, les valeurs descendraient à zéro. Si j'amène tout cela dans le coin supérieur droit, le bleu et le vert sont toujours à zéro, mais le rouge est maintenant au maximum de 255. C' est parce que c'est du rouge pur, et que je change la teinte, vous pouvez voir que leurs valeurs de couleur changent. N' importe quelle couleur que vous faites à l'intérieur de huit bits par canal, il s'agit simplement d'une combinaison de valeurs rouges, vertes et bleues comprises entre zéro et 255. Si je voulais faire une lumière bleue, je n'irais pas au bleu pur comme ça parce que ça n'a pas l'air très lumineux, je changerais probablement ça, donc ce serait une version plus brillante du bleu, puis peut-être ajouter une lueur sur dessus de celui-ci et ajouter quelques effets pour qu'il semble qu'il soit un peu plus lumineux. Maintenant, si nous changeons notre profondeur de couleur de huit bits par canal à 32 bits, nos couleurs vont se comporter un peu différemment. Maintenant, dans After Effects, il existe plusieurs façons de modifier votre profondeur de couleur. On clique sur ce nombre ici, puis on arrive à l'élément de menu de profondeur à l'intérieur de cette fenêtre, et on clique sur 32 bits par canal, puis on appuie sur OK. Une autre façon que vous pouvez le faire, est de maintenir Option ou Alt sur un PC et de cliquer sur ce bouton, et qui passe à 16 bits par canal, puis une fois de plus vous amènera à 32 bits par canal. C' est vraiment le moyen le plus rapide de basculer, Option ou Alt, puis cliquez sur les chiffres. Maintenant quelque chose de très important à prendre en compte, c'est qu'il s'agit d'un cadre à l'échelle du projet, pas spécifique à une seule composition. Si vous travaillez dans un fichier de projet comportant plusieurs compositions et que vous changez de profondeur de couleur, cela affectera tout ce qui se trouve dans ce projet. La raison qui est importante est que la profondeur des couleurs affecte la façon dont toutes vos couleurs se comportent et fonctionnent ensemble. En outre, certains effets ne sont compatibles qu'avec 8 bits. Si j'ouvre l'onglet de correction des couleurs, vous verrez que sur le côté gauche de tous ces effets, il y a une petite icône avec un numéro à l'intérieur. Courbes, par exemple, a 32 dedans, ce qui signifie qu'il est compatible avec 32 bits, Colorama est compatible avec 16 bits, mais color link n'est compatible qu'avec 8 bits. Si je devais appliquer ceci à ce cercle, et regarder ici dans la palette des effets, vous voyez cette petite icône d'avertissement. icône vous indique que cet effet n'est pas compatible avec la profondeur de couleur actuelle, et qu'il ne se comportera probablement pas comme vous l'attendez. Parfois, ce n'est pas un problème et parfois c'est le cas, mais nous ne devrions pas avoir à nous en soucier maintenant. Je vais aller de l'avant et supprimer cet effet et changer la couleur de ce calque à nouveau. Si je le mets en blanc pur, vous remarquerez qu'au lieu d'avoir une valeur maximale de 255, chaque canal de couleur a une valeur maximale de un, et la valeur minimale est zéro. Toute couleur est comprise entre zéro et un. Mais si je devais refaire ce rouge pur, et que je bouge cette fenêtre du chemin pour qu'on puisse voir la balle. Si je clique et fais glisser sur celui, vous pouvez voir que je peux réellement l'augmenter au-delà de la valeur d'un, et si je devais saisir ce vert et augmenter cela aussi, cela va au-delà d'une valeur, et peut-être que je vais attraper le bleu et d'augmenter cela aussi. Même si nous voyons un blanc pur, parce que R, G et B sont tous définis sur des valeurs supérieures à un, vous pouvez voir qu'il y a des données de couleur à l'intérieur de cette fenêtre. Maintenant pourquoi c'est ça ? Si je frappe bien, tout ce qu'on voit est blanc pur. Mais si je devais saisir ce flou rapide et l'appliquer à ma couche puis le flouter un peu, vous pouvez voir que c'est en fait produire une lueur. Ce qui serait normalement blanc pur, c'est en fait obtenir cette teinte jaune, et à l'intérieur, nous obtenons cette chute, ce qui donne l'impression que c'est une lumière vive. Si je retourne dans la couleur et que je prends une partie du vert, vous pouvez voir que la teinte passe à être plus orange et la couleur est mise à jour pour être comme ça aussi bien. Si j'augmente le rouge, nous obtenons une lueur encore plus intense, et plus vous augmentez ces chiffres, plus votre source lumineuse apparaît. Si je l'éteins, et que je recommence, vous pouvez voir combien d'une différence qui a fait, et si je suis revenu à la profondeur 8 bits, vous pouvez voir que maintenant nous avons juste un cercle floue. Si nous revenons en 32 bits, notre lueur est de retour. C' est ce qui rend la profondeur de couleur 32 bits si puissante. Une autre chose vraiment cool, c' est si je duplique cette balle et la déplace, vous pouvez voir que pendant que je bouge ça, les deux objets se déforment l'un dans l'autre, en retournant à huit bits, vous peut voir que l'interaction ne se produit pas vraiment entre ces deux objets. Mais parce que ce sont des valeurs de lumière qui fleurissent de la source, au fur et à mesure qu'elles se rapprochent, elles se fondent ensemble. Espérons que cela vous donne un peu de compréhension de ce qu'est la profondeur 32 bits. 4. Créer l'enseigne: Maintenant, nous pouvons commencer à construire notre enseigne au néon. Je vais commencer par importer mon illustration et assurer que le type d'importation est défini sur la composition. Les dimensions du métrage sont la taille du calque et non la taille des documents. Je vais appuyer sur OK. Ça me donnera une composition avec mon oeuvre. Taille correspondant à ce que mon document a été défini dans Illustrator. J' ai conçu ceci en 4 par 3, mais je veux en fait le faire 16 par 9. Je vais aller de l'avant et faire en HD pendant qu'on y est. Je vais aller à Composition, Paramètres de composition, taper 1920 d'ici 1080. Fréquence d'images, je vais juste mettre à 24, et la durée de 10 devrait être assez longue, mais nous pouvons toujours le faire plus longtemps, si nous en avons besoin. Ensuite, j'appuie sur OK, et maintenant mon oeuvre ne remplit pas ma composition. Comme tous les calques ont des points d'ancrage différents, je ne peux pas simplement saisir tous les calques et les mettre à l'échelle. Donc, avec tous mes calques sélectionnés, je vais choisir fouetter, le calque d'arrière-plan de sorte que tout s'échelonne à ce point, puis je vais appuyer sur Option Commande Maj G ou Contrôle Alt Shift G sur un PC, et ce qui fait est de mettre à l'échelle la hauteur des couches à la hauteur de votre comp. Maintenant, cet arrière-plan était juste pour référence à l'intérieur d'Illustrator. Je n'en ai pas besoin dans After Effects. Je vais aller de l'avant et le supprimer, et je vais me donner plus de place et insérer cette composition dans la fenêtre. Comme vous pouvez le voir, tous mes calques sont séparés, comme je les avais dans Illustrator. C' est le bon moment pour économiser. Maintenant, je veux convertir toutes mes illustrations en calques de forme à l'intérieur d'After Effects afin d'avoir plus de contrôle. On me demande beaucoup, pourquoi ne pas laisser mes calques comme fichiers Illustrator ? En effet, en tant que calques Illustrator, je n'ai pas accès à des éléments tels que la largeur du trait et la couleur, et les manières dont je peux les animer sont très limitées par rapport aux calques de forme. Je vais aller de l'avant et sélectionner tous mes calques en appuyant sur Commande ou Contrôle A sur un PC, puis cliquez avec le bouton droit sur eux et faites défiler vers le bas pour créer des formes à partir d'un calque vectoriel. Cela nécessite CS6 ou supérieur. Cela convertit tous mes calques en calques Shape exactement comme ils étaient à l'intérieur d'Illustrator, mais maintenant j'ai un contrôle complet sur le style des tracés. Je peux changer la largeur du trait et la couleur à ce que je veux. 5. Gestion des couleurs: La première chose que je veux faire est de configurer des contrôles pour mes couleurs. Ce n'est pas nécessaire du tout, mais c'est un peu un booster d'efficacité. Puisque j'ai plusieurs couches que je veux être de la même couleur, les ajuster tous à la fois pourraient prendre un peu de temps. Au lieu de sélectionner tout ce qui est rouge un par un en espérant que je ne clique pas accidentellement sur quelque chose qui n'est pas rouge, je vais faire un contrôle pour la couleur rouge et lier tout ce que je veux être rouge à elle. Je vais aller à Calque, Nouveau, Objet Null. Maintenant, Null Object ne fait rien de son propre chef. Il ne rend pas, il n'affecte rien d'autre, c'est juste un objet que vous pouvez utiliser pour contrôler d'autres choses. Je vais le déplacer hors de l'écran, puis je vais passer à mes effets et descendre à Expression Controls, et ajouter Color Control. Cela ouvre les contrôles d'effets et me donne un petit sélecteur de couleurs. Je vais renommer ceci en cliquant dessus, en appuyant sur Entrée et en tapant en rouge. Ensuite, je vais dupliquer cela en appuyant sur Commande D ou Contrôle D sur un PC et renommer ce bleu, puis le dupliquer une fois de plus et renommer ce jaune. Maintenant, je vais saisir quelque chose qui est jaune, copier cette valeur de couleur et la coller dans la valeur du sélecteur de couleur jaune. Alors je ferai la même chose pour le bleu et la même chose pour le rouge. Maintenant, j'ai ces trois valeurs de couleur qui sont identiques aux valeurs de couleur que j'ai pour mon illustration. Ce que je veux faire est de lier la couleur rouge de chacun de ces calques à la couleur rouge de ce sélecteur de couleurs. Je vais commencer par cette couche supérieure. Je vais le solo et zoomer avant, puis ouvrir le contenu du calque. Comme vous pouvez le voir, nous avons tout un tas de groupes différents à l'intérieur de cette seule couche et c'est parce que cela met chacun de ces chemins dans son propre groupe et donne à chaque groupe son propre trait. Puisque chaque chemin est stylé de la même manière avec la même largeur de trait et la même couleur, je n'ai pas besoin de tous ces groupes différents. Ce que je veux faire est de fusionner tous ces chemins en un seul groupe. Pour ce faire, je passe à mon outil de stylet, sélectionnez l'un de ces chemins, puis maintenez la touche Commande ou Contrôle enfoncée sur un PC pour passer temporairement à l'outil de sélection et cliquez et faites glisser une sélection autour de tous les chemins, coupés par en appuyant sur Commande X ou Ctrl X sur un PC, en sélectionnant le premier groupe et en collant en appuyant sur Commande V ou Ctrl V sur un PC. Maintenant, tous mes chemins sont dans ce seul groupe, mais ils sont sous ce trait donc aucun des chemins n'a ce style de trait. Je vais en fait apporter cela en dehors du groupe et directement dans le contenu. Maintenant qu'il est appliqué à tous nos chemins, je vais réduire ce premier groupe, et supprimer tous les autres groupes. Maintenant, si j'ajuste la largeur de trait du trait unique, tous les chemins sont mis à jour, et j'ai une seule valeur de couleur pour l'ensemble du calque. Maintenant, si je viens à mon null et que je fais apparaître les effets en appuyant sur E sur le clavier, nous pouvons voir mes effets rouges, bleus et jaunes. Je vais ouvrir le rouge et revenir à la valeur de couleur sur ce trait, puis maintenez l'option ou Alt sur un PC et cliquez sur le chronomètre qui ajoutera une expression à cette valeur. Ensuite, je vais saisir l'expression pick whip et le faire glisser jusqu'à la valeur de couleur de l'effet rouge sur ce null et je vais laisser aller. Un effet after remplit alors automatiquement le code dont il a besoin pour référencer cette valeur. Ensuite, je vais cliquer sur cette expression, et maintenant ces deux valeurs sont liées. Si je change la valeur de cette couleur, rien ne se passe réellement car il fait référence à la valeur de cette couleur. Si je viens à cette couleur et que je change la valeur, maintenant que la couleur se met à jour. Je vais annuler et effondrer ce calque, puis je le désolerai. Maintenant, nous allons faire le même processus pour tout ce qui est rouge à l'intérieur de ma composition. En commençant par déplacer tous les tracés dans un seul groupe, puis en reliant la couleur de trait à la couleur de trait appropriée sur ce contrôle null et pour rendre les choses encore un peu plus facile, puisque l'expression est déjà écrit sur le trait de ce premier calque, je vais simplement le copier, puis le coller dans le contenu de ce calque et cette expression sur la valeur de couleur est conservée. Je vais continuer à faire ça pour toutes mes autres couches rouges. Maintenant, dans le cas de ces flammes, j'ai accidentellement laissé le jaune et le rouge ensemble à l'intérieur de l'illustrateur. J' ai besoin de diviser ça en deux parties distinctes. Je vais commencer par dupliquer le calque, renommant le premier Flames 1 Rouge, et le second Flames 1 Jaune. Ensuite, je décrocherai le second. Je regarde juste la première copie, ouvre le contenu, et supprime le groupe jaune. Ensuite, j'irai dans le calque jaune et supprimerai le groupe rouge. Maintenant, j'ai deux couches individuelles pour cette flamme. Je vais devoir faire la même chose pour la seconde flamme aussi. Je crois que j'ai tout ce qui est rouge. Pour le tester, je vais juste changer la couleur pour quelque chose de complètement différent comme le vert, appuyez sur OK, et bien sûr, tout ce qui était rouge est maintenant vert. Je peux annuler pour revenir à ma couleur rouge, et ensuite je ferai le même processus pour les deux autres couleurs, mais je ne vais pas vous faire rester assis à travers ça. Maintenant, toutes mes couleurs sont configurées sur la base de ce null. Je vais aller de l'avant et renommer cette valeur nulle, Color Control. Comme vous pouvez le voir, si j'ajuste les couleurs de l'une de ces valeurs, tous les calques appropriés changent avec elle. Encore une fois, ce n'est pas du tout une étape requise, mais à mon avis, cela rend ce type de projet beaucoup plus simple à ajuster, mais si votre conception n'est pas aussi compliquée que la mienne, ou si cela ne vous dérange pas d'avoir à tout sélectionner pour l'ajuster, puis oublie par tous les moyens ce processus. Mais maintenant, vous avez un peu de perspicacité sur un moyen de décolorer la gestion de vos projets. C' est le bon moment pour choisir votre restaurant. Une fois que vous avez décidé avec lequel vous voulez aller, allez de l'avant et créez un projet dans la galerie de projets, et laissez-moi savoir quel est votre choix. Vous pouvez commencer à esquisser et à comprendre à quoi vous voulez que votre design ressemble, mais je vous recommande fortement de regarder toutes les vidéos dans l'unité suivante avant de faire votre design. La façon dont cet effet se comporte peut changer la façon dont vous abordez votre design, mais si vous avez une idée dans votre tête et que vous voulez vraiment y aller, il n' y a rien de mal à commencer. 6. Créer la lueur: Maintenant que nous avons tout mis en place pour que nous puissions l'animer et aborder facilement les couleurs. Nous pouvons en fait passer à la construction de l'aspect néon. Tout d'abord, je veux décomposer toutes ces couches, de sorte que tout soit contenu en une seule couche. Je vais tout sélectionner en appuyant sur Commande A ou Contrôle A sur un PC. Précomposer ensuite en appuyant sur Command Shift C ou Control Shift C dans un PC et renommer cette Neon-Source. Tout le reste va bien. Je vais appuyer sur OK. Maintenant, nous avons toutes ces illustrations contenues sur un seul calque. Si je double-clique sur ça, on est de retour là où on était. J' ai toujours le contrôle de chaque couche. Pendant que nous sommes ici, je vais aller de l'avant et désactiver certaines des couches superposées en double. Puisque ce n'est pas en fait comment je verrai jamais mon signe, je veux m'assurer que je conçois la lueur au néon au-dessus de quelque chose qui aurait réellement représenté. Je peux désactiver les deux copies de ce burger et c'est célibataire. Une des deux flammes. Je vais construire ma lueur à partir de ça. Maintenant, si je reviens dans cette compétition, première chose que je veux faire est de faire un arrière-plan, car en ce moment, la lueur se mélangerait sur le noir. Je veux savoir à quoi ça va ressembler en se mélangeant au-dessus de la couleur de fond réelle. Je vais double-cliquer sur l'outil rectangle, ce qui fera de la taille d'un rectangle ma composition. Je vais le déplacer à l'arrière et le renommer Fond. Ensuite, je vais changer le type de remplissage en dégradé. Appuyez sur OK, puis cliquez sur la couleur pour ajuster le dégradé et changer la première couleur en bleu foncé, la deuxième couleur en bleu légèrement plus clair. En fait, je veux qu'ils soient dans l'ordre opposé, donc je vais juste inverser les deux positions. J' ai besoin de ça un peu plus bleu. Appuyez sur OK. Ensuite, cliquez et faites glisser sur cette petite poignée pour ajuster la taille de mon dégradé. Maintenant, c'est plus lumineux que je ne le veux, donc je vais revenir et ajuster ces couleurs un peu plus. Cela fonctionnera probablement très bien. Je vais zoomer un peu pour voir ce que je fais un peu mieux. Alors je vais verrouiller ce fond pour ne pas le déplacer accidentellement. Ensuite, nous devons changer notre profondeur de couleur de huit bits par canal à 32 bits par canal. Je maintiens la touche Option ou Alt enfoncée sur un PC et cliquez deux fois. Maintenant, nous pouvons commencer à construire la lueur. Je vais commencer par sélectionner ma couche source et la dupliquer en appuyant sur Commande D ou Contrôle D sur un PC, puis je veux changer le mode de fusion. Si vous ne voyez pas cette colonne ici, assurez-vous que le deuxième bouton développé pour que vos contrôles de transfert soient visibles. Je vais changer cela de Normal vers Ajouter. de suite, vous pouvez voir qui rend tout un peu plus lumineux. Ça a presque l'air un peu brillant, mais ça n'a pas l'air très sympa. Je veux ajouter un effet Flou rapide à ce calque dupliqué. Vous remarquerez que cet effet fonctionne avec la couleur 32 bits. Maintenant, si j'augmente le flou, cela ajoute un éclat à mon œuvre. Si mon mode était réglé sur Normal, il ressemble toujours à une lueur, mais il n'y a pas de véritable fusion qui se passe. La définition de ce mode de fusion sur Ajouter rend tout ce qui se trouve sous ce calque plus lumineux, sorte qu'il génère une lueur plus réaliste. Je vais renommer cette couche Glow 1. Alors je vais le dupliquer à nouveau. Vous voyez maintenant tout devient beaucoup plus lumineux. Je vais augmenter le flou, donc on a un peu plus doux lueur. Alors je le ferai encore une fois. Vous remarquerez que cela incrémente automatiquement le nom pour moi, et ensuite je vais rendre cette lueur supérieure encore plus grande. Maintenant c'est un peu trop lumineux, tout est un peu trop doux et ça n'a pas l'air très naturel. Ce que je veux faire est d'abaisser l'opacité de chacune de ces couches. Une fois les trois sélectionnés, j'appuie sur T sur le clavier pour faire apparaître l'opacité. Ensuite, je vais d'abord ajuster l'opacité du calque supérieur, sorte que ce soit juste une légère lueur. Ensuite, je vais juste l'opacité de la deuxième couche, puis enfin la première couche. Ça renverse juste un peu l'intensité. C' est ce que nous avons commencé, et c'est ce que les trois couches de lueur ajoutent. le moment, cela ne me semble pas très brillant, mais nous pouvons améliorer ce look en ajoutant un autre effet à nos couches de flou. Je vais passer à mes effets et préréglages et taper l'exposition. Sous correction des couleurs, vous verrez l'effet d'exposition 32 bits pris en charge. Ensuite, je vais l'appliquer à la première lueur, et éteindre les deux autres lueurs juste pour l'instant. Ensuite, je veux apporter l'exposition au-dessus du flou rapide dans la pile d'effets et jeter un oeil à ces contrôles. L' effet d'exposition me permet d'augmenter la valeur d'exposition pour cette couche ainsi que pour le gamma. Parce que nous travaillons en 32 bits par canal, nous ajustons réellement la valeur de luminance pour ce calque plutôt que la valeur de luminosité. Si je clique et fais glisser cette exposition vers le haut, vous pouvez voir que ce n'est pas seulement de plus en plus lumineux, mais que les couleurs sont aussi un peu plus délavées. Si je rends le Gamma un peu plus haut, vous pouvez vraiment dire qu'il commence à devenir blanc. Je vais réinitialiser ça, augmenter un peu l'exposition, baisser un peu le Gamma jusqu'à ce qu'il regarde la façon dont je le veux. Je vais baisser le flou juste un peu. Peut-être diminuer l'opacité. Ensuite, augmentez l'exposition un peu plus. Construire cet effet est complètement à votre goût. Il y a beaucoup d'allers et retours à jouer avec ces différents paramètres. Ce que j'apprécie vraiment dans le processus, c'est que je peux concevoir exactement à quoi ressemble cette lueur. Ma lueur pourrait sembler un peu différente de ce que la tienne finit par ressembler. Maintenant, je peux dire que c'est encore un peu trop brillant, donc je vais baisser l'opacité, juste là. Ensuite, j'allume la lueur pour la deuxième couche. Je vais copier l'exposition et la coller sur la lueur. Encore une fois, je vais le remonter au-dessus du flou rapide , baisser un peu l'exposition , remettre le Gamma à un, puis peut-être baisser un peu l'opacité. Tu sais que ce flou peut être un peu trop grand aussi, donc je vais ajuster ça. Tout est encore un peu trop doux pour moi. Je pense que la raison en est parce que mes lignes peuvent être un peu trop épaisses, donc je vais revenir dans n'importe lequel de ces pré-comps. Sélectionnez toutes mes illustrations, puis changez la valeur de trait de deux à un. Maintenant, toutes mes lignes ont diminué, diminué de moitié en épaisseur. Si je reviens, maintenant cette lueur est beaucoup moins intense. Je pense qu'une largeur de trait d'un va beaucoup mieux fonctionner pour cette conception. Maintenant, je vais allumer ma troisième lueur. C' est très subtil. Si je ramène cette opacité à 100 %, vous pouvez voir ce qu'elle fait. C' est une version très floue dans l'œuvre d'art. Il produit une lueur très douce. J' aime ce que ça a l'air, mais je pense que je vais essayer de le rendre un peu plus lumineux. Encore une fois, je vais copier l'exposition et la coller sur ce calque. Maintenant, c'est beaucoup trop, donc je vais le réinitialiser, augmenter l'exposition, puis peut-être baisser un peu le Gamma. Je pense que c'est un peu mieux. Alors je vais baisser un peu l'opacité. C' est plutôt cool. Jusqu'à présent, si bien. Maintenant, en regardant ça, je ne pense pas que ça semble être assez brillant pour l'instant. En regardant les panneaux au néon sur Google, vous remarquerez qu'il y a beaucoup de différents néons à la recherche. C' est vraiment à vous de décider comment vous voulez que votre design ressemble. Personnellement, je veux que l'intérieur de mes lignes soit plus lumineux. Pour ce faire, je vais dupliquer ma couche source une fois de plus et le solo. Ensuite, je vais ajouter un effet de remplissage à ce calque. Vous verrez que c'est compatible 32 bits. Double-cliquez sur l'effet, puis changez la couleur en blanc pur. Je n'ai pas besoin d'augmenter cette valeur au-delà du blanc pur. C' est bon, juste comme ça. Je vais frapper OK, renommer ce noyau de calque, puis je l'éteins en solo. Je vais le définir sur Add. J' ai l'impression que ça rend tout un peu plus lumineux. Mais parce que c'est la même taille que mon oeuvre originale, ça couvre tout le truc. Je veux seulement qu'il apparaisse à l'intérieur de cette ligne, donc je vais ajouter un autre effet appelé Simple Choker. Ce que cela va faire si je solo ce calque à nouveau, c'est me permettre d'augmenter ou de diminuer la taille du calque en fonction du canal Alpha. Si j'augmente un peu ça, tu verras que mes lignes deviennent un peu plus minces. En gardant à l'esprit que c'est une pré-composition de mon œuvre originale. La valeur de trait d'un pixel n'a pas changé, c'est juste un effet appliqué au-dessus de cette pré-composition. Ensuite, je peux me désinstaller en solo et voir comment cela affecte mon look général. Je pense que je pourrais augmenter cet étranglement un peu plus. Je veux vraiment que cette couche soit subtile. Ça a l'air plutôt bien. Ce que je pourrais faire est de venir à ma première lueur et de baisser le flou juste un peu plus, donc c'est beaucoup plus proche du vrai bob. Si je recule un peu, je pense que ça a l'air plutôt sympa. Le tout est peut-être un peu trop brillant, donc je vais juste refuser l'opacité de cet accord juste pour être à peu près, disons 50 pour cent. Je pense que cette couche lui donne juste un peu de pop pour vendre ce look de Bob au néon. Maintenant, si je duplique ma lueur une fois de plus, vers le haut et réinitialise le flou, je vais changer les dimensions du flou d'horizontale et verticale à juste horizontale. Maintenant, si je remonte mon opacité et augmente le flou, vous remarquerez que ce flou est maintenant produit juste horizontalement, et il produit un flou vraiment cool. Si je devais changer cela à la verticale, alors serait-il juste aller de haut en bas. Parce que tout est basé sur un PreComp, vous pouvez appliquer n'importe quel nombre d'effets pour ajuster l'apparence de cette lueur, et tant qu'il est prêt à l'ajouter, il va se fondre sur le dessus et faire choses vraiment cool parce que nous mélange tout cela en 32 bits par canal. Je pourrais augmenter l'exposition pour rendre tout plus lumineux. Peut-être ajuster un peu le gamma, puis baisser l'opacité. Maintenant, je vais remettre ça à l'horizontale. ce moment, je pense que ces lignes sont un peu trop nettes, donc je vais en fait dupliquer ce calque. Revenez à la première, appuyez sur reset pour revenir à l'horizontale et à la verticale, puis flouez le calque un peu pour que ce calque soit légèrement adouci avant qu'il ne s'estompe horizontalement. De cette façon, la lueur de cette couche est juste un peu plus douce. Je n'ai pas assez de contrôle juste en cliquant et en faisant glisser cette valeur, donc une belle astuce lors de l'ajustement d'une valeur de curseur, est que si vous maintenez la touche Commande enfoncée tout en cliquant et en faisant glisser, cela diminuera la vitesse que vous modifiez la valeur par . Je veux mettre cela à la droite autour de 1.7 et je suis assez heureux avec cela. Mais c'est un peu trop intense d'une lueur et je ne pense pas que refuser l'opacité ne suffira pas. Je vais ajouter un autre effet, qui est des courbes. Au lieu de RGB, je vais passer à alpha. Maintenant, on travaille sur le canal alpha. Si je clique et fais glisser ceci, vous voyez qu'il devient plus lumineux. Si je clique et fais glisser ceci, il deviendra plus sombre. Ce que je veux faire est juste d'ajuster cette courbe de sorte que les valeurs les plus claires soient un peu plus visibles et que les valeurs plus sombres s'estompent beaucoup plus rapidement. C' est avant et après. De cette façon, cet effet est juste un peu plus subtil. Maintenant, encore une fois, je pense que c'est un peu trop intense, donc je vais baisser ça un peu et peut-être augmenter le flou avant le flou horizontal. Ensuite, je ramènerai un peu de cette lueur sur l'extrémité inférieure, mais pas trop. Je pense que ça a l'air bien. Je vais renommer cette couche lueur horizontale. Ensuite, je dupliquerai ce calque et le renommerai lueur verticale, et je changerai ce second flou rapide d'horizontal à vertical. Celui-ci que je veux rendre beaucoup moins perceptible, donc je vais baisser l'opacité et augmenter un peu ces courbes sur le canal alpha. Mais alors je pourrais activer l'exposition, peut-être augmenter l'opacité juste un peu plus, puis baisser la quantité sur ce flou vertical. Comme vous pouvez le voir, tout devient super lumineux et c'est parce que je continue à empiler de plus en plus de couches les unes sur les autres. Tu dois juste continuer à ajuster les choses au fur et à mesure que tu vas. Je pense que je pourrais refuser cette lueur trois un peu. Peut-être que la lumière deux est un peu trop intense aussi bien et brillent un, c'est probablement très bien. Le noyau va bien. Et si je voulais faire une lueur qui n'était pas juste droite, gauche et à droite ou de haut en bas ? Duplions cette lueur verticale à nouveau, et je vais me débarrasser des flous rapides et des courbes. Ensuite, je vais ajouter un effet appelé flou directionnel, qui est également supporté par 32 bits. Si j'augmente ce flou, vous pouvez voir qu'il fait un type de flou similaire à notre flou rapide, mais cela me donne un contrôle de direction. Je pourrais changer ça à quelque chose comme 55, et maintenant notre flou va à un angle. Je vais renommer cette couche lueur diagonale. Baissez l'opacité, augmentez un peu l'exposition, baissez le gamma, puis ajoutez une couche de courbes. Encore une fois, nous allons passer au canal alpha, et juste frapper l'intensité de cette lueur un peu vers le bas. Encore une fois, je pense que c'est un peu dur donc je vais ajouter un flou rapide, et je vais le mettre avant le flou directionnel pour que tout devienne un peu plus doux avant que ce flou directionnel ne soit appliqué. Mais pas trop parce que je veux que celui-ci soit un peu plus ciselé. Je pense que c'est bien. Peut-être ajuster l'opacité juste un peu, et j'aime la façon dont ça a l'air. Maintenant, je veux ajouter un flou horizontal de plus. Je dupliquerai ce calque, je le déplacerai vers le haut. Je vais renommer cette lueur. Cette fois, je vais prendre le premier flou et augmenter la valeur beaucoup plus. Je vais réinitialiser le calque de courbes et l'ajuster dans une minute. Ensuite, je vais augmenter l'opacité juste pour voir une bonne représentation de ce que fait cette couche. Ensuite, je vais changer la valeur du flou horizontal pour être beaucoup plus intense, donc c'est super large allant jusqu'au bord de ma composition. Ensuite, je vais baisser un peu la correction gamma et peut-être augmenter l'exposition. Maintenant, je vais abaisser l'opacité et passer en alpha sur ma couche de courbes, et diminuer l'intensité sur cela un peu aussi. Maintenant, vous avez cette lueur super large qui rend le panneau entier un peu plus vibrant. Je viens de remarquer que j'ai une couche allumée à l'intérieur de mon PreComp que je ne devrais pas. Je vais retourner dans ce PreComp, trouver cette couche et l'éteindre. Je retourne dans mon PreComp et il va mettre à jour et ça a l'air assez cool. À partir de là, vous faites juste les ajustements que vous jugez bon. Vous pouvez utiliser n'importe quel nombre d'effets pour créer votre propre lueur personnalisée, puis apporter des ajustements à ces lueurs jusqu'à ce que vous ayez créé quelque chose de complètement personnalisé. Mais pour rappel, c'est là que nous avons commencé et c'est là que nous avons fini, et tout l'effet est basé sur ce seul PreComp. Tout ce que nous faisons pour modifier notre illustration sera automatiquement mis à jour avec notre lueur. Maintenant, si nous regardons quelques signes de néon sur Google, vous pouvez voir que évidemment mon design est fortement stylisé. Mes lignes sont très minces, ces lueurs ne sont pas très réalistes, mais c'est le look que j'allais chercher. Comme celui-ci, par exemple, a un bob beaucoup plus épais que le mien. Si je voulais reproduire ce look, je devrais revenir dans mon PreComp, puis changer l'épaisseur du trait de toutes mes illustrations. Je choisirais tout mon art, puis j'augmenterais un peu le trait. Maintenant, vous pouvez déjà dire que je n'ai pas créé ce design pour travailler avec une ligne aussi épaisse, mais je veux vous montrer ce qui arrive à ma lueur si j'augmente réellement le coup autant. Il s'estompe complètement et c'est parce que la lueur que j'ai conçue était basée sur un trait de largeur d'un pixel et j'ai augmenté le trait à quatre. Les lignes sont quatre fois plus épaisses, ce qui signifie qu'il y a quatre fois plus de contenu émettant de la lumière dans cette composition. C' est pourquoi vous voulez vous assurer que vous savez exactement l'épaisseur vous voulez que vos lignes soient avant de construire votre lueur. Parce que si je voulais vraiment que ce soit aussi épais, je vais devoir revenir en arrière et ajuster toutes les opacités et les intensités de tous les effets que nous avons déjà passé le temps adapter spécifiquement à un trait de largeur d'un pixel. 7. Utilisation d'effets incompatibles: Je vais vous montrer très rapidement ce qui se passe si vous utilisez un effet qui n'est pas compatible 32 bits et comment contourner cela. Je vais éteindre toutes mes lueurs sauf la première, et je vais me débarrasser du flou rapide et de l'exposition. Ensuite, je vais entrer dans le flou et aiguiser, et ajouter le flou rapide radial. Vous remarquerez que 16 bits compatible uniquement. Double-cliquez dessus pour l'appliquer. Nous obtenons une petite icône d'avertissement. Si je l'allume et que je passe du zoom standard au plus lumineux pour que vous puissiez voir ce qu'il fait, je vais zoomer ici. Vous remarquerez que nous n' obtenons même mélange lumineux même si notre couche est définie sur Ajouter. Si je retourne à la normale, il n'y a pas beaucoup de différence. Je vais annuler une fois pour revenir au mode de fusion de Ajouter. Cet effet gâche notre mélange. Mais si je devais ajouter un remplissage compatible 32 bits après cet effet, alors je pourrais changer la couleur pour être plus claire en 32 bits. Maintenant, vous voyez que nous avons de nouveau la luminosité. Pour rendre ce look un peu meilleur, je pourrais ajouter un Flou rapide avant le Flou radial juste pour l'adoucir un peu. Peut-être baisser le montant. La luminosité peut même être ramenée à la norme, donc c'est un peu moins intense. Maintenant, nous avons ces rayons lumineux qui fuient derrière notre panneau. Maintenant, évidemment, parce que nous utilisons un effet de remplissage, il ne préserve pas les couleurs d'origine du signe. Malheureusement, il n'y a pas vraiment de moyen facile de contourner ça. Mais si vous le combinez avec toutes les autres lueurs que nous avons déjà, ça n'a pas l'air si mal. Peut-être que sur cette version, nous n'utiliserions les flurs angulaires que les autres flous ne permettaient pas. Maintenant, il existe d'autres effets compatibles 32 bits qui auraient pu produire un résultat similaire comme le flou radial CC et le flou radial standard. Mais je l'utilise juste comme exemple. La chose importante à retenir est que si vous ajoutez un effet compatible 32 bits après l'effet incompatible, vous pouvez le ramener dans l'espace de fusion approprié pour correspondre au reste de votre illustration. Maintenant que vous avez une meilleure compréhension de la façon dont cet effet va fonctionner, vous pouvez terminer votre design si vous ne l'avez pas déjà fait, puis allez-y et amusez-vous à faire vos propres lueurs personnalisées. Publiez tout ce que vous souhaitez afficher ou obtenir des commentaires sur la page de votre projet, puis passez à la vidéo suivante. 8. Faire des ajustements: Maintenant, je veux ajuster un peu mes couleurs. Je pense que le rouge et le jaune sont un peu pâles. Je veux pousser ce rouge pour qu'il soit un peu plus orange, donc le feu ressemble un peu plus au feu. Le jaune est juste un peu trop pâle, donc je veux augmenter la saturation de cela. Je vais revenir à ma composition source, cliquer sur le bouton « Color Control » et aller dans les contrôles d'effets pour cela. Alors j'ouvrirai le rouge et je le pousserai pour qu'il soit un peu orange. Maintenant, c'était un ajustement très subtil, mais voyons quel impact cela a sur notre comp principal. Voilà, tu y vas. Vous pouvez voir que cela a fait une grande différence. Si je prends un instantané de ma conception en appuyant sur ce bouton juste ici, puis annuler. Maintenant, nous revenons à la couleur rouge. Maintenant que j'ai pris un instantané, je peux cliquer longuement sur le bouton « Afficher l'instantané » pour voir la différence. Quand je lâche prise, ça revient à mon point de vue actuel. C' est un excellent moyen de comparer les ajustements. Je crois que je suis allé un peu trop loin orange, et il est encore un peu pâle. Permettez-moi de refaire en appuyant sur Command Shift Z ou Control Shift Z sur un PC. Revenez à ma source et augmentez la saturation en cliquant et en faisant glisser sur le curseur de saturation. Je vais frapper « OK » et retourner voir ce que ça fait. C' est plus proche de ce que je veux. Une autre chose que je peux faire au lieu de passer d'avant en arrière entre ces compositions pour ajuster les couleurs, est de venir ici à cette petite icône de verrouillage sur le contrôle des effets. Si je clique dessus, cela restera concentré indépendamment de la composition dans laquelle je vais. Je peux continuer à éditer ces couleurs à partir de ma composition source, même si je suis dans ma composition principale. Je vais revenir à mon rouge, augmenter la saturation un peu plus et peut-être le rendre un peu plus sombre. Je vais appuyer sur « OK ». Maintenant, j'aime la couleur du rouge, mais ce n'est pas assez lumineux. On dirait pas qu'il émet de la lumière comme le bleu ou le jaune. Je reviendrai dans mon rouge, et ce que je dois faire est d'augmenter la luminosité des canaux rouges, verts et bleus de la même manière. Ce que je vais faire est de prendre le premier point décimal de chacune de ces valeurs et d'y ajouter une. Je vais changer le rouge de 0,88 à 0,98, le vert à 0,2, et le bleu à 0,1. De cette façon, j'ai augmenté chacun d'une valeur de 0,1. Appuyez sur « OK », et voyons comment il se met à jour. Vous pouvez voir que c'est un peu plus lumineux, mais ce n'est toujours pas assez lumineux alors revenons en ajouter deux cette fois. Ce sera 1,1, ce sera 0,4, et ce sera 0,3. Ça a l'air beaucoup plus lumineux. Maintenant, parce que j'ai tellement de couches de lueur différentes affectant la luminosité, en l'augmentant, cela a fait une grande différence. Maintenant, il a l'air un peu pâle. C' est vraiment un processus d'aller-retour qui consiste à jouer avec la luminosité et la valeur de couleur jusqu'à ce que vous obteniez ce que vous voulez. Si j'augmente la saturation de ça, je pourrais le ramener là où je le veux. Ouais, je pense que ça a l'air mieux. Il pourrait probablement être poussé un peu plus lumineux, mais je vais passer au jaune. Prenons ce jaune et augmentons la saturation. Ça me semble un peu vert, donc je vais faire baisser la teinte un peu et appuyer sur « OK ». Ça a l'air mieux, mais je pense qu'il peut être encore un peu moins vert. Ouais, j'aime la façon dont ces couleurs ont l'air. C' est ainsi que vous pouvez jouer avec les couleurs pour le faire ressembler comme vous le souhaitez. Rappelez-vous que si l'une de vos couleurs n'a pas l'air aussi brillante que les autres, repousser les valeurs rouges, vertes et bleues au-delà d'une, c'est ce qui va le faire ressembler à une illumination. Je pourrais pousser ça encore plus lumineux pour avoir un regard plus dramatique. Évidemment, c'était beaucoup trop, mais c'est ainsi que vous pouvez contrôler l'intensité de vos couleurs sans avoir à ajuster les expositions individuelles et les courbes que nous avons définies pour chacune des couches de lueur. 9. Les petits détails: À ce stade, mon design est fait, ma lueur est construite. Mais avant de passer à l'animation, je veux ajouter quelques petits détails qui pousseront ce design à être un peu plus unique. Le premier détail que je veux ajouter est probablement le plus évident. Quand vous pensez à des signes de néon, plupart du temps vous pensez à un scintillement. Cela aidera à donner vie à ce design avant même de faire n'importe quelle animation. Donc, pour ajouter un scintillement, je vais revenir dans ma source de néon, et je vais faire un nouveau calque de réglage en allant dans « Calque », « Nouveau », « Calque d'ajustement ». Ensuite, je m'assurerai que c'est en haut de ma pile de calques, et je reviendrai sur les effets et les préréglages et taperai l'exposition, ajoutera l'exposition au Calque d'ajustement et renommera ce calque « Scintillement ». Maintenant, nous allons ajouter quelques expressions à cet effet. Appuyez sur « E » pour afficher les effets, faites tourner l'exposition vers le bas, faites tourner le bas Master, et nous ajouterons une expression à la valeur d'exposition. Je vais le faire en maintenant enfoncée « Option » ou « Alt » sur PC, et en cliquant sur le chronomètre. Cela nous permettra de taper une expression, et je vais taper des parenthèses Wiggle, 3, 10, parenthèses. Ensuite, je vais cliquer sur « Désactivé ». Maintenant, notre travail a disparu. Pourquoi c'est ça ? C' est parce que cette expression dit, randomiser cette valeur trois fois par seconde par une valeur de 10. Si je RAM prévisualise la première seconde de ceci, vous pouvez voir ce qui se passe. L' exposition est randomisée trois fois dans cette seconde, d'une valeur de 10. Maintenant, une valeur de 10 est énorme pour la propriété d'exposition. Ce que j'ai besoin de faire, c'est de faire tomber ça à quelque chose comme un. Laissez-moi ajuster cette expression, et maintenant vous pouvez voir que le scintillement est beaucoup plus subtil, mais cela se passe beaucoup plus lentement que je ne le veux. Je vais augmenter la première valeur, qui est le nombre de fois que cette propriété est ajustée par seconde de 3-15. Maintenant que scintillement est beaucoup plus la vitesse que je cherche, mais je pense que la valeur est ajustée par est trop. Je vais changer ça de 1-0,5 et voir ce que ça fait. C' est mieux, mais je pense que c'est probablement encore un peu trop dramatique. Je vais baisser ça à 0,25. Cela peut même être un peu difficile pour vous de le voir à ce stade, mais nous voulons que cet effet soit vraiment subtil, et une fois que nous reviendrons dans notre composition principale, il sera beaucoup plus évident. Revenons dans cette comp et prévisualisons à quoi ça ressemble ici. Maintenant, vous pouvez voir que cela prend beaucoup plus de temps à traiter, et c'est parce qu'il doit rendre chacun de ces calques de lueur les uns sur les autres pour chaque image parce que cette valeur d'exposition dans le scintillement Le calque d'ajustement change tout sur chaque image. Cela prendra un peu plus de temps à prévisualiser, mais le résultat final devrait paraître plutôt bon. Voilà, tu y vas. On a un signe scintillant. C' est peut-être un peu plus que ce dont j'ai besoin, mais c'est une décision que tu peux prendre. Même maintenant, je peux dire que cette grande lueur est un peu trop intense, donc je vais abaisser cette opacité à 25 %. Je pense que ça marche un peu mieux. Maintenant que nous avons notre scintillement, ajoutons un peu de texture en utilisant du grain. Je vais créer un nouveau calque de réglage en allant dans « Calque », « Nouveau », « Calque d'ajustement » et en renommant ce « Grain ». Maintenant, une façon de le faire est d'ajouter du bruit, qui est compatible 32 bits. Je vais double-cliquer dessus, puis augmenter le bruit jusqu'à ce qu'il soit à peu près la taille que je veux qu'il regarde. Si je zoome ici, vous pouvez voir comment cela affecte le design. Je vais l'allumer et l'éteindre. J' ajoute juste un peu de texture pour rendre le design un peu plus organique. Je peux désactiver la partie colorée du bruit, donc cela n'affecte aucune des couleurs, et je peux augmenter le bruit, et je peux augmenter le bruit, mais c'est à peu près tout ce que je peux faire avec cet effet. n'y a rien de mal avec ce filtre de bruit, mais il y a un super petit préréglage de la vidéo copilot.net appelé grain de film rapide. Je vais mettre un lien pour télécharger ce préréglage gratuit dans les notes de cette vidéo. Je vais supprimer le bruit que je viens d'ajouter, puis double-cliquer sur le grain de film rapide. Maintenant, par défaut, c'est à quoi ressemble le grain, donc je dois changer le mode de mélange de normal à superposition. Maintenant, c'est mélanger le grain sur le dessus de la conception. Maintenant, tous les effets de ce préréglage qui commencent par fx doivent rester tels qu'ils sont, afin que vous puissiez les ignorer. Je vais juste effondrer tous les effets qui ont des effets devant lui, et nous restons avec ces contrôles. Cela utilise l'effet de bruit comme avant. Baissez probablement ça un peu, et puis il y a une quantité de flou, qui contrôle la douceur du grain. Je vais probablement baisser ça à 0,15. C' est un peu plus grossier. Tous ces effets en travaillant ensemble produisent un grain de film plus naturel. Je suis plutôt content de la façon dont ça a l'air. Maintenant, si nous avons un aperçu de ceci, vous pouvez voir qu'il y a de la texture sur chaque image. Cela peut être un peu difficile à voir à travers cet enregistrement, mais si vous jetez un oeil à ma page de projet, vous verrez qu'il est là. Maintenant, si je recule, parce que mon arrière-plan est un dégradé, j'ai déjà une vignette naturelle qui se passe, donc il fait plus sombre autour de l'extérieur qu'à l'intérieur. Mais juste pour que je puisse vous montrer comment faire une vignette, je vais aller de l'avant et définir l'arrière-plan pour être une couleur unie. Je vais encore faire ce bleu foncé et violacé. Maintenant, je vais faire un autre calque de réglage, « Calque », « Nouveau », « Calque d'ajustement », et en haut je vais renommer cette « Vignette ». Ensuite, j'ajouterai une exposition. Baissez l'exposition, peut-être diminuer le gamma. Je vais déplacer cette couche sous le grain, sorte que le grain affecte tout, et parce que cette vignette affecte tout le design, j'ai besoin d'ajouter un masque, de sorte qu'il n'affecte que l'extérieur. Je vais venir à mes « Outils de masque » et aller à l' « Outil d'ellipse », puis cliquez au centre de la comp et faites glisser. Ensuite, je maintiendrai Maj pour en faire un cercle parfait et Commande ou Contrôle sur un PC pour le mettre à l'échelle à partir du centre. Je vais le faire à propos de cette taille. Sur le calque de vignette, vous pouvez voir que le masque 1 s'est déjà ouvert. Je vais changer Ajouter à Soustraire, sorte qu'il inverse le masque. Ensuite, je vais appuyer sur « F » sur le clavier pour faire apparaître la plume du masque, puis manivelle pour rendre le masque beaucoup plus doux. Ensuite, je vais cliquer sur cette petite icône pour désactiver la visibilité du masque. Ensuite, je vais réduire ce masque et l'ouvrir, de sorte que je puisse voir tous les contrôles et changer l'extension du masque pour pousser le réglage plus loin dans les coins de la composition. C' est comme ça que vous pouvez faire une vignette. De là, vous pouvez ajuster l'exposition à votre goût. Je vais aller de l'avant et verrouiller ces deux couches, pour ne pas les ajuster accidentellement. En ce moment, toutes mes lumières sont allumées, mais une fois que nous arriverons à l'animation, les lumières vont s'allumer et s'éteindre. Si je devais entrer dans ma composition source, puis éteindre quelques couches et puis revenir dans ma composition principale, ces ampoules disparaissent complètement. Mais je ne veux pas qu'ils disparaissent. Je veux qu'on dirait qu'il y a une ampoule au néon qui n'est pas allumée. Ce que je dois faire est de dupliquer ma couche source. Je vais y revenir et appuyer sur « Commande D » ou « Contrôle D » sur un PC et renommer cette « Ampoule ». Je vais le déplacer sous la source, et je vais le solo dans les couches d'arrière-plan. Maintenant, je veux faire croire que ces ampoules sont éteintes. J' ajouterai un effet d'exposition à cette couche. Je vais baisser l'exposition, puis je vais tourner le gamma vers le haut, ce qui va désaturer la couche. Continuez de baisser ça jusqu'à ce qu'il y ait. C' est là que nous commençons à perdre tout l'éclairage de l'ampoule. Il est encore un peu saturé, donc je vais augmenter le gamma juste un peu. Je pense que ça a l'air bien. Maintenant, cela peut être extrêmement difficile pour vous de le voir. Je vais en fait ajouter un nouveau calque solide qui est juste une couleur grise, pour que nous puissions voir ce qui se passe. Si je désactive cette exposition, vous voyez que nous récupérons notre couleur. C' est ce que fait l'ajustement de l'exposition. Je vais zoomer ici encore plus, et ce que je veux faire est en fait augmenter l'épaisseur de ces lignes juste un peu. Mais je ne peux pas le faire en allant à la source et en augmentant la taille du trait, car cela affectera également toutes les couches de lueur. Au lieu de cela, je vais venir à mes effets et taper l'étouffement. Ensuite, je vais ajouter l'effet Simple Choker. Si je l'amène à une valeur négative, il devient en fait un peu plus épais. Maintenant, je ne veux pas faire ça de beaucoup. Juste à peu près il est probablement très bien. Il rend les ampoules juste un peu plus épaisses, ce qui nous permettra d'y ajouter un peu de profondeur. Sur la couche d'ampoule, allez dans « Styles de calque », puis descendez à « Biseau et emboss ». Vous pouvez voir que cela a ajouté un peu d'ombrage à mon design. Maintenant, à sa valeur par défaut, il n'est pas configuré comme je le veux. Je dois descendre à mes styles de calque, tourner vers le bas biseau et emboss, et la première chose que je veux faire est de changer l'angle. ce moment, la lumière vient de la gauche un peu, mais je veux qu'elle vienne de droite en haut et en bas. Je vais changer la valeur de l'angle à 90 degrés. Maintenant que le point culminant est directement au-dessus de notre conception, alors nous pouvons changer l'altitude pour la faire apparaître comme si la source lumineuse était plus éloignée des ampoules. Ensuite, je vais baisser la taille juste un peu. Pour l'ajuster en petite quantité, je maintiens la touche Commande ou Contrôle enfoncée sur un PC tout en cliquant et en faisant glisser. Ensuite, je vais faire défiler un peu plus vers le bas, et baisser l'opacité du surlignement. Je ne veux pas que ce soit un effet très dramatique. Je veux qu'il soit très subtil d'ajouter juste un peu de profondeur pour quand les lumières sont éteintes. Mais je ne veux pas que ça distraire le reste du design. Je pense que l'ombre est plutôt belle. Si je l'éteins et que je le rallume, vous pouvez voir que nous ne faisons qu'ajouter un surlignement, mais c'est exactement ce que je voulais. Je vais faire un zoom arrière, réduire ce calque, supprimer ce solide gris, et maintenant vous pouvez voir ce que cela fait. En regardant cela avec le fond sombre, je pense que le point culminant est encore un peu trop fort. Je vais retourner dans l'ampoule, faire défiler vers le bas jusqu'à l'opacité de la surbrillance, et la baisser encore plus loin. On y va. Si j'allume et désactive cela, vous pouvez voir que c'est très subtil, mais cela ajoute beaucoup de profondeur. Une autre chose que je pourrais faire est en fait ajouter une ombre portée à cette couche d'ampoule. Je vais taper l'ombre portée, changer la direction de 135-180, donc ça descend directement. Si je viens à ce petit contrôle à la fin ici, je peux temporairement augmenter l'exposition du spectateur sans affecter quoi que ce soit dans la source. Tout ce que j'ai à faire est de cliquer sur ce bouton pour l'éteindre ou le rallumer. C' est très utile pour quand vous avez besoin de mieux voir les choses. L' ombre est un peu trop forte. Je veux augmenter la douceur juste un peu. Abaissez l'opacité, parce que je veux que cet effet soit tout aussi subtil. Alors je réduirai la distance à trois. En éteignant et en allumant ça, vous pouvez voir à quoi ça ressemble. Réinitialisez l'exposition. Je pense que ça a l'air bien. Je peux défaire ces deux couches. Évidemment, nous ne voyons pas l'ampoule, parce que toutes les lumières sont allumées. Mais une fois que nous entrons dans l'animation, ce calque va être très utile pour vendre cet effet. Une autre chose importante à prendre en compte est que j'ai travaillé à pleine résolution tout au long de ce temps, et que j'ai généralement travaillé de près. C' est parce que la façon dont toute cette lumière se mélange ressemble différemment à des résolutions différentes. Si vous effectuez un rendu en pleine résolution, vous verrez une représentation exacte de la façon dont cela va être exporté. Mais si vous travaillez à moitié, vous pouvez voir que la lumière se mélange un peu différemment, le grain semble beaucoup plus gros, et si vous deviez revenir sur le quart, il ne ressemble même pas à la même lueur. Je vous recommande fortement de travailler en pleine résolution parce que même si l'aperçu prend plus de temps, vous ne serez pas vraiment en mesure de voir une représentation exacte de la finale à une autre résolution. N' oubliez pas de zoomer sur 100 % aussi parce que parfois regarder quelque chose de plus loin, parce que parfois regarder quelque chose de plus loin,ne vous donne pas non plus une très bonne représentation de ce à quoi il ressemblera à la fin. À ce stade, vous pouvez concevoir votre propre lueur, expérimenter avec différents effets, jouer avec des trucs, et juste avoir du plaisir à construire votre propre signe de néon personnalisé lueur. Publiez quelques exemples de ce que vous avez trouvé sur la page de votre projet, puis passez à l'unité suivante où nous commencerons à animer le design. 10. Qu'est-ce que le maintien des images clés ?: Donc, la façon dont je veux animer mon signe est en allumant et éteignant les ampoules, et la façon dont je vais le faire est d'utiliser des images clés de maintien. J' ai mis en place une petite démo pour expliquer exactement ce qu'est une image-clé de maintien, juste au cas où vous ne l'auriez jamais rencontrée auparavant. Ici, j'ai trois cercles différents, ils ont tous des images clés avec des valeurs de position x égales qui se déplacent à travers l'écran et en arrière. Mais chaque couche a son propre type d'image-clé, qui détermine comment les effets secondaires interpole l'animation entre les images-clés. Laisse-moi jouer ça pour que tu vois de quoi je parle. Toutes ces images clés ont exactement les mêmes valeurs, mais comme le type d'images clés est différent, elles s'animent différemment. Cette première couche a donc des images clés linéaires. Ça veut dire qu'il n'y a pas d'assouplissement du tout. C' est juste d'avant en arrière, interpolation égale entre chaque image-clé, et cela rend cette animation assez ennuyeuse. Le type suivant d'image-clé est une image-clé simplifiée. Vous pouvez voir que cela rend la motion beaucoup plus lisse. Maintenant, si vous regardez ma classe animer avec facilité, je vous apprends tout sur la façon de faciliter vos images clés en utilisant l'éditeur de graphiques, mais je ne vais pas entrer dans cela maintenant. Ensuite, nous avons enfin tenir des images clés qui ressembleront à ceci. Sur ce troisième cercle, vous pouvez voir qu'il n'y a pas de mouvement entre les images clés. C' est juste là, puis là, et puis de retour. n'y a pas d'animation entre les deux. Si j'arrête la lecture et passe à la première image. Vous pouvez voir que tous les cercles s'alignent sur l'exposition. Si je passe à la deuxième image-clé, tous les cercles s'alignent de ce côté de l'écran. Ensuite, en passant à la troisième image clé, ils sont de nouveau de ce côté, tous à la même valeur de position. La seule différence est ce qui se passe entre les images clés. Donc, si je devais enlever les images clés de maintien de ce cercle sur la position x et appuyer sur T pour augmenter l'opacité, puis définir une image clé à 100 %, passez à la deuxième position d'image clé en appuyantsur K sur la touche puis définir une image clé à 100 %, passez à la deuxième position d'image clé en appuyant pour passer à l'image clé suivante, changer la valeur à zéro, puis passer à la troisième image clé et la ramener à 100. Maintenant, j'ai trois images clés d'opacité. Si je prévisualise cela, le cercle s'estompe et retourne. Mais si je devais convertir ces images clés de linéaires pour tenir des images clés en cliquant avec le bouton droit sur l'image clé et aller basculer l'image clé de maintien, puis prévisualiser, vous pouvez voir qu' il n'y a pas de valeurs intermédiaires entre 100 et zéro pour cent. Il s'allume et s'éteint. C' est ainsi que nous allons animer les ampoules qui s'allument et s'éteignent pour notre enseigne au néon. 11. S'organiser: Si je reviens à ma source Neon et que je fais plus de place dans la chronologie pour l'animation, je repositionnerai cette œuvre afin que je puisse en voir la plupart. Je vais commencer par verrouiller le calque Flicker afin de ne pas cliquer accidentellement et de le saisir. Ensuite, je vais faire défiler vers le bas, attraper le calque inférieur de l'illustration, appuyer sur T pour ouvrir l'opacité, définir une image clé, puis cliquer avec le bouton droit et aller à Basculer Hold keyframe. Ou la façon la plus courte de basculer l'image clé de maintien est de maintenir Option and Command sur un Mac ou ALT et Control sur un PC, puis cliquer sur l'image-clé et de la convertir en une image-clé entière. Ensuite, je vais copier cette image-clé, sélectionner tous les autres calques d'illustration et coller. De cette façon, ils ont tous des images clés de maintien définies à 100 pour cent. Ensuite, si je devais aller dire, une seconde et changer l'opacité de l'un d'entre eux à zéro, une seconde image clé de maintien est automatiquement ajoutée. Alors annulez ça, et ça me donne juste un point de départ. Maintenant, je veux faire un peu de nettoyage. Je ne veux plus voir mon illustration Illustrator, mais je veux la garder là juste au cas où j'aurais besoin d' y revenir comme référence ou de recréer mes contours. Je vais sélectionner tous ces éléments et cliquer sur l'icône de calque timide. Ensuite, je vais masquer les calques boucliés en cliquant sur cette icône juste ici. Maintenant, vous pouvez voir qu'ils disparaissent de la vue. Ils sont toujours là, mais ça n'encombre plus mes couches. Juste pour une bonne mesure, je vais aller de l'avant et verrouiller le Color Control. Ensuite, je veux juste faire un peu de nettoyage de la couche. Certains noms de couches ne sont pas assez descriptifs, donc je vais aller de l'avant et renommer certains d'entre eux. Ensuite, puisque chacun de ces calques est sa propre couleur, je vais aller de l'avant et coder les couleurs dans ma chronologie afin qu'il soit visuellement facile de savoir quelles sont les couches de quelle couleur. Je vais commencer par les contours, ils sont rouges, donc je vais changer la couleur du bleu au rouge. Les lignes sont aussi rouges, rouges. Les Spatule sont bleues, donc je vais faire un cyan. Certaines des Flammes sont jaunes. Les textes des hamburgers sont bleus, bleus, jaunes. Maintenant, nous pouvons facilement choisir les différentes couleurs dans ma chronologie. Maintenant, je veux regrouper toutes les couleurs ensemble. Je vais cliquer sur ce rouge et dire « Sélectionner le groupe d'étiquettes » et cela va sélectionner tous les calques qui ont la couleur rouge de l'étiquette , puis je vais les faire glisser ici pour qu'ils soient tous regroupés. Je ferai la même chose pour les autres couleurs. Tout comme ça, j'ai toutes mes couches bien organisées, nommées correctement et faciles à gérer. 12. Travail de préparation final: Je veux commencer mon animation avec juste la ligne rouge de Bob la spatule et le burger sur, tout le reste peut être désactivé. Allez à la première image et allez au premier calque que je veux désactiver, et je ne veux pas oublier les calques que j'ai désactivés. Ils devraient avoir le cadre clé que j'ai collé sur tout le reste, donc c'est bon. En fait, je veux laisser la première image clé de toutes ces couches à 100 %, et je reviendrai sur pourquoi dans un petit peu. Pour m'empêcher de changer l'une de ces images clés à 100 pour cent, je vais aller de l'avant 10 images en maintenant la touche « Maj » et en appuyant sur « Page vers le bas » sur le clavier pour sauter 10 images en avant. Ensuite, je vais changer l'opacité de cette première couche de bachelor de 100 à 0, et nous pouvons voir que cela a effectivement éteint la couche. Ensuite, je vais copier ce cadre clé et coller sur tout le reste que je veux éteindre, qui pour le premier cadre sera tout sauf le burger, la première spatule, et le rouge dans la ligne du texte de Bob. Je vais sélectionner tout ce que je peux, coller, faire ça ici aussi, en m'assurant de ne pas avoir cette spatule sélectionnée. Certaines de ces choses que je vais juste devoir sélectionner dans la palette Calques, puis coller. ne veux pas oublier ça, je vais coller là aussi, et c'est ce qu'il nous reste. Si nous revenons à notre comp principal, vous pouvez voir que c'est à quoi ressemble le design. Maintenant, vous remarquerez que notre couche d'ampoule n'apparaît pas, et c'est parce qu'elle est basée sur la même composition que toutes les autres couches. Parce qu'ils sont éteints ici, la couche d'ampoule n'a rien qui s'affiche non plus. C' est pourquoi nous avons laissé les valeurs d'opacité de 100 % sur la toute première image clé de cette composition. Si je retourne à la première image, tout est allumé. Si je clique avec le bouton droit de la souris sur cette couche d'ampoule, accédez à Time, puis Freeze Frame, cela activera la reprogrammation temporelle et définira une image clé entière pour l'image sur laquelle je suis sélectionné, qui est la première image de la composition. Maintenant, si je solo ce calque et éteins l'arrière-plan pour que vous puissiez le voir, peu importe où je suis dans la composition, ce calque va toujours afficher la première image de la composition, ce qui empêchera la couche d'ampoule de s'éteindre, même si la lumière de la comp principale s'allume et s'éteint. Si je vais de l'avant 10 images à nouveau, donc nous revenons à l'autre valeur, maintenant nous pouvons voir la couche d'ampoule pour les parties du signe qui sont éteintes. Maintenant que je peux le voir, je pense que c'est un peu trop dramatique. Donc, je vais en fait réduire l'opacité de cette couche. Je vais faire tomber ça jusqu'à ce qu'il soit beaucoup plus subtil, pas trop subtil, assez pour que vous puissiez dire qu'il est là, mais pas tellement qu'il enlève votre design. Je pense que ça a l'air bien. Super. Maintenant, nous pouvons revenir à la comp source et continuer notre animation. 13. Animation d'une enseigne lumineuse traditionnelle: Maintenant, la façon dont vous allumez et éteignez vos ampoules est entièrement votre choix. L' animation est votre propre design. Alors je vais vous expliquer comment j'ai animé mon signe, mais vous devriez vous sentir libre d'être aussi créatif que vous voulez avec le vôtre. Je sais que je veux que le moment entre les ampoules s'allument et s'éteignent soit égal. Donc, juste pour simplifier les choses, je vais espacer chaque changement de lumière par 10 images et si cette animation finit par être trop lente, je peux tout ajuster plus tard, mais c'est un moyen facile d'obtenir un espacement homogène. Donc, je maintiens Maj et appuyez sur Page vers le bas pour sauter en avant 10 images. Ensuite, je veux allumer le bleu dans la ligne du texte. Alors ouvrez l'opacité en appuyant sur T sur le clavier et changez la valeur de zéro à 100, et je sauterai 10 images à nouveau, et allumez le contour jaune pour ce texte, changez-le à 100 pour cent, , puis prévisualisez cette animation jusqu'à présent. Ainsi, vous pouvez voir très facilement avec ces images clés de maintien, nous pouvons simuler un panneau de néon qui s'allume et s'éteint. C' est vraiment aussi simple que ça. Maintenant, je veux sauter au mot hamburgers et faire quelque chose d'un peu différemment avec celui-ci. Au lieu de l'allumer tout droit, je veux faire deux choses. abord, je veux diviser le mot en deux moitiés et ensuite je veux faire croire que le panneau a un peu de mal à s'allumer. Chaque moitié scintille séparément. Donc, pour commencer, je vais aller à la première image clé pour que je puisse réellement voir le texte. Ensuite, je vais renommer ce Burgers 1 et ensuite le dupliquer. Ensuite, je vais solo le premier calque, passer à mon outil Pen en appuyant sur G sur le clavier, cliquer sur l'un des points dans la seconde moitié du mot, puis dessiner une boîte autour. Appuyez sur Supprimer, supprimer une fois de plus et qui se débarrasse de tout sur la seconde moitié. Ensuite, je vais annuler le solo de ce calque et solo le deuxième calque, puis sélectionner la première moitié du mot. Supprimez, supprimez une fois de plus et je reste avec juste la seconde moitié. Donc ensemble, ça fait tout le mot, mais maintenant j'ai le contrôle sur les deux moitiés. Je vais les défaire en solo et je veux que la première moitié du mot apparaisse en même temps que l'inline bleue du mot BOB'S. Donc je vais saisir ce calque à ce moment-là et changer l'opacité à 100 %. Ensuite, je vais aller 10 images en avant et c'est là que je veux que la seconde moitié du panneau s'allume. Donc je vais aller à l'opacité et changer ça à 100 pour cent. Si je prévois cette animation, nous avons maintenant le bon timing, mais je veux que chaque moitié du signe clignote, et je vais le faire à la main. C' est assez simple à faire. Je vais aller à la première couche, qu'elle commence à 100 pour cent d'opacité. Ensuite, sur le cadre suivant, déposez-le à quelque chose de très faible, comme 15 pour cent, de sorte que vous pouvez difficilement le voir. Ensuite, je vais aller de l'avant une image de plus, tourner l'opacité vers le haut mais pas tout le chemin à 100, quelque chose autour de là, puis je vais aller de l'avant à nouveau, le déposer vers le bas, mais pas autant que la première fois, puis aller de l'avant et le mettre à 100 pour cent. Maintenant, si nous avons un aperçu de ceci, vous voyez qu'il clignote dessus. Je ferai la même chose avec la deuxième couche. Commencez à 100 pour cent et allez de l'avant d'une image, déposez-la à quelque chose de vraiment faible, allez de l'avant, augmentez-la à nouveau, gradateur, et avant une image de plus, 100 pour cent. Maintenant, ce signe clignote au lieu de simplement s'allumer parfaitement, et si je voulais rendre cela un peu plus aléatoire, je pourrais étaler un peu ces images clés, ajouter un peu plus de scintillement, ajuster les valeurs. Être complètement aléatoire produit généralement de bons résultats, et si nous revenons dans notre composition principale et prévisualisons en même temps, vous pouvez voir que nous avons un scintillement assez convaincant sur. Je ne vais pas vous obliger à rester assis ici et à me regarder animer le reste de mon signe. Ça ne devient pas plus compliqué que ça. J' ai utilisé des images clés de hold comme celle-ci pour toute mon animation, et si vous voulez voir l'animation dans son ensemble, allez simplement dans mon exemple de projet où vous pouvez voir la pièce finale. C' est tout ce qu'il y a à cette méthode pour animer un signe néon traditionnellement. Donc, si c'est la voie que vous allez suivre, animez votre design et publiez-le sur la page de votre projet. Maintenant, si vous êtes intéressé à animer les choses un peu plus créatif, regardez la prochaine vidéo, où je vais entrer dans des techniques d'animation non traditionnelles au néon. 14. Pousser l'animation un peu plus loin: n'est pas parce que nous avons ce look de néon construit, cela ne veut pas dire que nous devons nous en tenir à une animation traditionnelle de signe néon. J' ai créé mes illustrations avec des calques de forme et des traits fins, ce qui, dans After Effects, me permet de créer des animations plutôt cool. Par exemple, je pourrais faire écrire ce texte, au lieu de clignoter. Même si un panneau néon ne se comporterait pas de cette façon, nous ne sommes pas liés par aucune règle à l'intérieur d'After Effects. J' ai fusionné ce texte en un seul calque, et je me suis débarrassé de toutes mes anciennes images clés sur la transparence. Laissez-moi ouvrir ce calque et aller à Ajouter, Couper les chemins. Maintenant, si vous voulez tout savoir sur les opérateurs forme et les calques de forme en général, consultez ma classe, The Ultimate Guide to Shape layer in After Effects, où je couvre tout ce que vous pourriez vouloir savoir sur et comment les animer avec eux. Si vous voulez un regard plus approfondi sur la façon de faire des write-ons, consultez mon autre cours, La bonne Technique, où je vous ai montré tout un tas de façons sur la façon de faire ce type d'animation. Pour cet exemple, je vais le garder très simple et juste faire une simple écriture en ligne mince. Avec mon chemin de coupe ajouté, je vais l'ouvrir, au lieu de l'image clé de fin, déplacer vers l'avant 10 images en maintenant la touche Option-Maj droite ou Alt-Maj flèche droite sur un PC, puis changer la valeur de 100 à 0. Je vais prévisualiser cette animation, et vous pouvez voir ce qui se passe. Je vais pousser cette deuxième clé pour un peu en avant et en prévisualiser à nouveau. Maintenant, tous mes chemins sont coupés en même temps entre ces deux images clés linéaires, je veux qu'elle coupe les chemins de sorte qu'elle simule être écrite à la main. La première chose que je veux changer est de couper plusieurs formes simultanément à individuellement. suite, vous pouvez voir que cela coupe un chemin à la fois, mais il ne le fait pas dans l'ordre et certaines des lettres sont écrites à l'envers. L' opérateur de tracés de coupe fonctionne avec l'ordre dans lequel vos chemins sont empilés. Cela commence par le chemin 2, qui est le u et le r. Si je désactive la visibilité du chemin, vous pouvez voir qu'il écrit celui-ci à l'envers, mais si je viens à cette icône ici, je peux inverser le chemin direction, maintenant il écrit sur dans la bonne direction. Ensuite, il se déplace sur le deuxième chemin, qui est cette partie du B, puis la longue ligne. Maintenant, ces deux-là vont dans le bon ordre, mais ils doivent arriver avant le u et le r. Je vais sélectionner les chemins 4 et 5, réactiver ma visibilité de chemin et vous pouvez voir que ce sont les deux chemins que j'ai sélectionnés maintenant, puis déplacez-les vers le haut. Maintenant, nous avons le B suivi par le u et le r, puis le chemin 6 est cette ligne. Maintenant, je veux que ça arrive au deuxième rang, juste avant cette ligne, donc je vais le déplacer à la seconde la dernière position. Maintenant, nous allons au chemin 1, qui fait partie de g, e, r, et s. Le chemin suivant après c'est la première partie du g. Je vais déplacer cela vers le haut d'une position dans la pile. Maintenant, nous avons le B, u, r, g, deuxième partie du g, e, r, s, suivi des deux lignes. Maintenant, si j'appuie sur u sur ce calque pour voir les deux cadres clés et relancer l'aperçu, maintenant mon texte est écrit dans le bon ordre. Mais cette animation entre deux images-clés linéaires est un peu ennuyeuse. Je vais sélectionner ces deux images clés, aller dans l'éditeur de graphiques. ce moment, je suis en train d'éditer le graphique des valeurs. Je vais sélectionner ces deux images clés et appuyer sur F9 sur le clavier pour ajouter une facilité facile, puis je vais cliquer et maintenir la touche Maj enfoncée et faire glisser cette poignée un peu et celle-ci aussi. Cela augmente juste l'intensité de l'assouplissement entre les deux clés. Encore une fois, si vous voulez en savoir plus sur l'éditeur de graphiques et sur la façon de faire de l'accélération, vérifiez l'animation de ma classe avec facilité dans After Effects. Mais vous pouvez voir ce que cela a fait à l'animation et mon droit sur, cela rend l'animation beaucoup plus dynamique et juste un peu plus agréable à regarder. Je suis content de la façon dont ça a l'air. Passons au mot de Bob. Je vais en fait changer tous mes calques pour être des calques 3D, donc je peux les animer sur la position Z et ajouter beaucoup plus de profondeur à cette conception. Sélectionnez toutes mes illustrations et cliquez sur la case à cocher Calque 3D, et pendant que j'y suis, je vais également activer le flou de mouvement. Ensuite, je vais sélectionner les calques du Bob et les solo, puis je vais définir une image clé de position en maintenant Option ou Alt sur un PC et en appuyant sur le P sur le clavier qui définira une image clé de position à l'heure actuelle sur chacun des , puis je vais aller au début de l'animation en appuyant sur Accueil sur le clavier, zoomer en appuyant sur la touche virgule, puis en cliquant et en faisant glisser la valeur de position Z tout en maintenant la touche Maj enfoncée pour augmenter la valeur beaucoup plus rapidement, et je vais juste sauvegarder ces trois couches jusqu'à ce qu'elles soient complètement hors de vue. Ensuite, je vais sélectionner la deuxième image clé de chacun de ces calques. Allez dans l'éditeur de graphiques, puis manivellez complètement l'influence de cette poignée de vitesse vers la gauche. Exécutez l'aperçu, et maintenant vous pouvez voir que le texte vole derrière l'appareil photo. Maintenant, je vais compenser les trois couches dans le temps juste un peu pour qu'elles ne viennent pas tout à la fois. Maintenez la touche Commande ou Contrôle sur un PC et cliquez sur le premier calque pour le désélectionner, puis déplacez le second pour avancer un peu dans le temps. Cliquez ensuite sur Commande ou Contrôle sur le calque rouge et déplacez le calque jaune vers l'avant. Maintenant, si j'ai exécuté l'aperçu, chacun de ces calques vient en un à la fois. Je vais activer le flou de mouvement, et cela ajoute juste un peu plus réaliste mouvement. Allons à notre comp principal et voyons à quoi cela ressemble avec tous les effets appliqués. Très cool, qui ajoute beaucoup de profondeur à ce design. J' ai une ambiance des années 80 sur ça et j'aime vraiment ça. Si je m'arrête sur ce cadre juste ici et que je fais un zoom avant, si vous regardez cette partie du calque de texte jaune, même le flou de mouvement en 32 bits par canal aide à mélanger la lumière ensemble, et cela rend les parties qui se chevauchent de les trois couleurs différentes beaucoup plus brillantes que si c'était seul, comme il est ici. Encore une fois, si je devais passer de 32 bits par canal à huit bits par canal, c'est à quoi ça ressemble, complètement différent. Continuons, je vais désoler ces couches et le calque bleu aussi. On a le mot Bob's voler et le mot Burgers sur lequel le mot Burgers va animer un peu plus tard. Avançons cela dans le temps. Il va probablement s'animer sur la dernière, mais nous pouvons nous inquiéter du timing une fois que nous avons tout le reste animé. Ensuite, je pense que je veux passer à cette ligne intérieure des contours rouges ici, je vais descendre à ce calque, qui est en lignes, et je vais dans ce trait et appuyer sur le signe plus à côté des tirets. Cette ligne est maintenant pointillée et j'appuie sur le plus une fois pour ajouter un écart. Je vais réduire la taille de l'écart à deux et le tiret vers le bas à deux, peut-être trois, et ensuite peut-être bosser jusqu'à trois aussi bien. En fait, je veux doubler la largeur de l'écart. On y va, alors si j'anime la valeur de décalage, vous voyez que cela fait bouger les tirets, j'irai à l'image 1, et dire l'image clé sur le décalage, réinitialiser à zéro, puis aller de l'avant peut-être une seconde. Je vais solo ce calque, juste pour ne pas être distrait, puis changer le décalage. Si je lance un aperçu ceci, vous pouvez voir à quoi il ressemble. Ensuite, je vais ajouter un tracé de coupe à ce calque, définir une image-clé de fin et revenir au début, mettre à zéro. Maintenant, ce calque a deux chemins, mais je veux qu'ils soient découpés en même temps. Je vais laisser cet ensemble simultanément. Si j'ai exécuté l'aperçu, vous pouvez voir à quoi cela ressemble. Encore une fois, je vais monter les poignées d'influence dans le graphique de vitesse pour la valeur n. Facile, facile ces en appuyant sur F9 dans le clavier, puis augmenter l'influence. Ensuite, je vais définir une image clé pour la valeur de décalage à zéro et revenir à la première image et changer cela dans une direction négative et voir à quoi cela ressemble. En fait, pour que ce soit parfaitement clair ce qui se passe, je vais enlever les tirets et nous les rajouterons dans une minute. La valeur de décalage change à l'endroit où ces deux lignes sont ajustées en fonction des chemins de coupe. Si j'anime la valeur de fin et le décalage en même temps, cela ajoute juste un peu plus d'intérêt visuel. Je ne pense pas qu'il ait besoin des tirets, en fait, je suis plutôt content de la façon dont ça a l'air. Mais juste pour le plaisir, je vais essayer de changer la valeur finale pour commencer à 50 pour cent, puis définir une trame clé de départ, mettre à 50 pour cent, puis la remettre à zéro à la deuxième position. Ensuite, je vais sélectionner les valeurs de début et de fin, revenir dans l'éditeur de graphiques, les faciliter facilement toutes, puis ajuster à nouveau les poignées de vitesse. Si j'ai exécuté l'aperçu, voyez à quoi cela ressemble. Je ne suis pas aussi content de ce que ça a l'air. Si je devais enlever la valeur de décalage, cela aurait probablement l'air un peu mieux, mais j'aime la façon dont cela fonctionnait avant d'ajouter l'animation de départ, donc je vais juste annuler jusqu'à ce que je revienne à l'endroit où je était et c'est juste une partie de la conception de mouvement, jouer avec quelque chose pour voir à quoi cela ressemblerait et comprendre ce que vous aimez. D' accord, je vais désamorcer ce calque, et ça a l'air très bien. Je vais désactiver le flou de mouvement juste pour qu'il précédent un peu plus vite pour l'instant. Ensuite, faisons le contour de ce calque rouge. Je vais simplement copier les pads de garniture du calque en ligne. Voyez à quoi ça ressemble, peut-être en solo ces deux couches. Peut-être que je vais rendre cette animation un peu plus longue car elle a plus à animer. Ouais, c'est plutôt cool, comme ça on ajoute juste un peu plus de mouvement. Désolez ces couches, voyez comment tout fonctionne. Ouais, j'aime comment tout ça se résout à la fois. Ensuite, faisons les lignes jaunes, montons à ce calque, en solo, ajoutons d'autres garnitures à celui-ci. Cette fois, je vais définir une valeur de début et de fin à une seconde, revenir à la première image, puis les changer à 50 %, et maintenant ils sont tous coupés à partir du centre vers l'extérieur. Je vais aller dans l'éditeur de graphiques et faciliter facilement ces images clés, puis augmenter les valeurs d'influence, vous pouvez annuler solo ce calque, voir à quoi il ressemble ensemble. Cela a certainement besoin d'un peu plus de timing, probablement envie d'entrer juste là. Prévisualiser ça, cool. Ensuite, le hamburger, la spatule et les flammes. Je vais continuer avec ce thème Trim Paths, il fonctionne bien pour cette illustration, donc je vais juste rester avec elle, avancer 0-100 facilité les images clés, augmenter les valeurs d'influence. Je suis d'accord avec cela couper tous les pads à la fois, peut-être que je vais faire celui-ci de 50-100 et de 50-0, donc ça va du centre vers l'extérieur comme avant avec les lignes jaunes. Bien sûr, oui, j'aime la façon dont ça ressemble, j'aime comment ça vient du centre vers l'extérieur sur la pointe de la spatule là-bas. Je voudrais peut-être que le burger devienne en même temps, donc je vais prendre ce Trim Paths, le copier, descendre au burger, qui serait le premier, et coller les garnitures dans le contenu. Prévisualisez cela, je pense que cette fois je ne veux pas qu'il aille du centre vers l'extérieur, alors appuyez sur « U » pour faire apparaître les images clés, enlevez les images clés Démarrer et laissez cette valeur à zéro, puis changez la Fin à zéro et voyez à quoi cela ressemble comme. Vous savez quoi, je pense que je pourrais changer ça de l'animer simultanément à individuellement sur les chemins. Mais je dois les réorganiser parce qu'ils ne vont pas dans l'ordre que j'aime, donc j'active la visibilité de ces chemins, oui, les deux derniers chemins sont les deux premiers que je veux être coupé. Je vais les déplacer au sommet de ce groupe, et maintenant ça commence par le contour du burger et ajoute les détails. Peut-être que je vais faire descendre les poignées d'influence un peu, c'est un peu rapide. Ouais, je pense que ça a l'air un peu mieux et je ne veux pas qu'elle se produise exactement en même temps qu'une spatule, donc je vais l'avancer juste quelques images. De cette façon, je superpose juste un peu mon animation, puis il ne reste plus que les flammes, donc je vais sélectionner ces deux couches, les solo et encore une fois, nous allons ajouter un Trim Paths. Définissez la première image clé sur 50 à la fois sur les valeurs Début et Fin, allez de l'avant peut-être 20 images, définissez le Début vers le bas à zéro et la Fin à 100. ce moment, il est coupé de haut en bas, mais j'aimerais que ça aille dans la direction opposée. Tout ce que j'ai à faire est de changer la valeur de décalage de zéro à 180, donc nous pouvons taper 180 et maintenant les chemins sont coupés dans la direction opposée. Cette fois, je vais juste saisir les deux secondes images clés et faciliter les deux. Augmentez l'influence pour que l'animation se produise assez rapidement, et je vais le maniveller encore plus. Ici, nous allons, et j'aime la façon dont cela a fonctionné, donc je vais juste copier et coller ce Trim Paths du jaune au rouge. Déplacez le rouge vers l'avant juste un peu et voyez où était le début du jaune, c'est là que je vais mettre le début du rouge. Je veux que cette flamme rouge se retrouve à la pointe de ce point. La raison pour laquelle cela ne se produit pas est que le point central de ce chemin n'est pas exactement à cette pointe. Je vais juste aller dans mes chemins de coupe et changer un peu le décalage pour qu'il finisse là où je le veux. Parfait, je vais pousser la couche jaune vers l'avant dans le temps juste un peu pour qu'elle ne se produise pas exactement en même temps que le rouge, oui, j'aime ça. Maintenant, je vais faire quelque chose d'un peu différent et je vais ajouter un autre opérateur appelé Wiggle Paths juste ici. En ce moment, c'est un peu trop dramatique donc je vais aller dans Wiggle Paths, baisser la Taille, le Point à Smooth, et le Détail vers le bas. Je vais tourner les Wiggles par seconde jusqu'à quelque chose autour de peut-être 10, corrélation devrait être assez élevée, peut-être autour de 80, puis un aperçu. Vous pouvez voir ce que ça fait à la flamme. Maintenant, je pense que le détail est encore un peu trop élevé, donc je vais maintenir Apple ou Control sur un PC et baisser ça, puis peut-être augmenter les Wiggles par seconde à 12. Ça rend un peu plus agitant, peut-être que je pourrais baisser la Correlation juste un peu, cool. Maintenant je vais copier ce Wiggle Paths sur la flamme jaune et maintenant j'ai une petite flamme agitée. Je vais annuler le solo de ces deux calques et prévisualiser l'animation. En fait, la flamme arrive trop tôt, donc je vais attraper la flamme jaune, la flamme rouge, et la pousser vers l'avant à temps jusqu'à ce que les Burgers aient déjà commencé à dessiner, et puis le texte Burgers pourrait probablement venir à droite à ce sujet, donc je vais déplacer ce calque en arrière, prévisualiser l'animation. En fait, je pense que ça peut se produire encore plus tôt, j'aime tout résoudre en même temps, donc vraiment je veux que ça finisse juste là. Je vais sauvegarder ce calque et en prévisualiser à nouveau. Génial, je suis assez content de la façon dont ça ressemble, voyons à quoi ça ressemble dans la comp principale. Je vais activer mon flou de mouvement, revenir ici, m'assurer que le flou de mouvement est activé. Zoom arrière pour que je puisse voir toute l'animation, puis prévisualiser. Je pense que ça a l'air génial. 15. Peaufiner: Maintenant, je veux juste ajouter un peu de mouvement de caméra 3D et décaler les couches dans l'espace 3D juste un peu, pour lui donner encore plus de profondeur. Je vais retourner dans ma source de néons. La première chose que je vais faire est de prendre un instantané afin que je puisse référencer cela lorsque je déplace des choses dans l'espace 3D. Je prendrai un instantané, puis je passerai de mon appareil photo actif à la vue personnalisée 1, qui est une vue des trois quarts de mon œuvre. Maintenant, je veux attraper cette couche de hamburgers et l'amener juste un peu dans l'espace de Z, pas beaucoup, juste un peu. Si j'appuie sur le P sur le clavier, cela fait apparaître la position, et il semble que nous l'avons fait avancer environ 27 pixels. Je vais juste arrondir ça à 30. Alors prenons la couche bleue en ligne du mot Bob's. Maintenant, nous avons déjà animé la valeur de position de ce calque. Si j'appuie sur P pour faire apparaître la position, il y a les deux images clés. Maintenant, si je devais simplement saisir la poignée de l'axe Z et déplacer cela vers l'avant, voir cela ajoute une troisième image clé et cela affecte mon animation. Je veux m'assurer que je suis sur cette deuxième image clé, avant de la déplacer afin que je modifie la valeur de repos de la position. En fait, je ne vais pas cliquer et faire glisser parce que je sais que je voulais être la même distance en avant que le mot burgers. Je vais juste cliquer sur la position Z pour ce calque et taper négatif 30. Maintenant, cela se termine 30 pixels plus près de la caméra. Ensuite, nous allons saisir le calque rouge du mot Bob's, appuyer sur P pour faire apparaître les images clés de position, aller à la deuxième image clé et taper en négatif 15 pour la position Z. C' est à mi-chemin entre le bleu et le jaune. Si je devais passer à l'outil de caméra en appuyant sur C sur le clavier, puis en cliquant et en faisant glisser, je peux orbiter autour de ce texte et vous pouvez voir qu' il y a une parallaxe entre ces trois couches. Je vais annuler, pour revenir à ma vue des trois quarts. Ensuite, je veux saisir la ligne intérieure de ce contour rouge et le déplacer vers l'avant 30 pixels. Ensuite, je prendrai la deuxième ligne, le contour, et je l'avancerai 15, puis je repousserai la spatule et la galette de hamburger de 15 pixels. Maintenant, cette fois je ne peux pas simplement cliquer et taper le nombre, vous voyez que je repositionne les deux couches à la même position, au lieu d'affecter seulement la position Z, il a copié la valeur de ce premier calque et l'a collé sur le second couche. Annuler cela et cette fois cliquez et faites glisser jusqu'à ce qu'il soit à 15. Lorsque vous cliquez et faites glisser, cela affecte uniquement la valeur que vous avez sélectionnée. Maintenant, le burger et la spatule sont un peu en retard. Ensuite, je vais saisir la partie jaune de la flamme et la déplacer vers l'avant, peut-être seulement cinq pixels, puis je vais saisir la partie rouge de la flamme et la déplacer vers l'arrière, peut-être juste 10 pixels. Maintenant, si je passe à mon outil Appareil photo à nouveau en appuyant sur C et en faisant pivoter. Nous avons toutes ces différentes couches au signe. Je pense que je veux inverser la spatule et le burger. En ce moment, on dirait les hamburgers derrière la spatule et ça devrait aller dans l'autre sens. Je vais sélectionner ma spatule, appuyer sur P, pousser 15 pixels en arrière, puis prendre le burger et le remettre à zéro. Ça a l'air mieux. Ensuite, je passerai de ma vue personnalisée à mon appareil photo actif. Si je clique et maintiens sur mon instantané de spectacle, vous pouvez voir que tout est décalé juste un peu, mais honnêtement, il ne suffit pas pour moi de m'en soucier. Je vais profiter des valeurs de position de décalage dans le Comp principal, donc je ne suis même pas inquiet à ce sujet. Maintenant, j'ai besoin d'une caméra 3D pour ajouter un peu plus de mouvement à cette comp. Je vais venir à Layer, New, Camera, je vais m'assurer que la caméra à 2 nœuds est sélectionnée et que le préréglage de 35 millimètres est bien. Assurez-vous que activé le champ est désactivé et j'appuie sur OK. Ensuite, je passe à l'outil Appareil photo en appuyant sur C sur le clavier, puis cliquez et faites glisser vers la droite, afin que je puisse positionner l'appareil photo un peu vers la gauche de l'illustration, et je vais la pousser plus haut pour qu'il semble que nous Je vais définir une image clé de position en appuyant sur l'option P ou alt P sur un PC, puis la déplacer vers la première image du calque en maintenant la touche Maj enfoncée pour qu'elle s'accroche à cette première image, puis je vais cliquer et faire glisser à l'aide de l'outil Caméra pour aller de l'autre côté et prévisualiser à quoi cela ressemble. C' est plutôt cool. Je pense que cela pourrait aller juste un peu trop loin, donc je vais revenir un peu sur la deuxième image-clé, et je vais aussi faciliter entre ces deux points et ensuite déplacer ces images clés vers l'avant, sorte qu'il faut un peu peu avant que la caméra ne décolle, puis tourne de l'autre côté. Je veux aussi pousser un peu sur un panneau, donc je vais parcourir les outils Caméra en appuyant sur C quelques fois de plus jusqu'à ce que j'arrive à l'outil Track Z Camera, puis je vais cliquer et faire glisser pour pousser la caméra vers l'avant. Maintenant, non seulement la caméra se déplace d'un côté à l'autre, elle pousse aussi. En fait, je vais le retirer un peu sur la première image clé. Ça devrait avoir l'air bien, nous allons en prévisualiser ça. Oui, je suis content de cette motion. Peut-être que je vais le faire commencer juste un peu plus tôt et une chose que j'ai remarqué est que les trois couches pour le mot Bob viennent en fait dans l'ordre inverse que je les aime. Je veux juste échanger les positions temporelles de ces deux couches. Je vais déplacer le calque jaune vers la première image et déplacer le calque bleu vers le cadre actuel en appuyant sur le crochet gauche du clavier. Maintenant, les trois couches devraient entrer dans le bon ordre. C'est génial. Maintenant, je pense que je veux juste que la spatule, la galette et les flammes commencent un peu plus loin dans le temps. Ils viennent au début et je pense qu'ils devraient venir un peu plus tard. Je vais prendre mes flammes, ma spatule, et le burger, et ensuite les faire glisser vers l'avant jusqu'à ce qu'il soit probablement juste ici. Prévisualisez ça. Super. Maintenant, je pense que je vais juste ralentir le mouvement de la caméra d'environ une seconde, donc ça prend un peu plus de temps pour arriver à ce dernier point, et je pense que nous avons fini. D' accord. Ouais, ça a l'air génial. Jetons un coup d'oeil à ce que ça ressemble avec toute la lueur construite. Là, vous l'avez. Je suis assez content de la façon dont ça a l'air, compte tenu de la rapidité avec laquelle j'ai pu le jeter ensemble. Espérons que cela fait circuler vos jus créatifs afin que vous puissiez voir les possibilités auxquelles vous avez accès. Vous pouvez appliquer ce look de signe néon à des tonnes de différents types d'animations. Parce que vous l'avez construit pour être entièrement personnalisé, il est totalement unique pour vous et un 100% ouvert à votre propre design. 16. Exporter une vidéo: La dernière chose que nous devons faire est d'exporter cette vidéo d'After Effects vers un fichier vidéo que nous pouvons télécharger sur Vimeo ou YouTube afin que nous puissions la partager. Je vais étendre ma zone de travail comps jusqu'à cinq secondes en appuyant sur Entrée sur le clavier pour aligner le point de sortie de la zone de travail à l'heure actuelle. Ensuite, je viendrai à Composition, Ajouter à la file d'attente de rendu, cliquez sur le texte du module de sortie qui dit, « Sans perte », allez dans les options de format, changez le codec vidéo en H.264, laissez la qualité à 100%. Cadre clé, toutes les 24 images. Réorganisation de trames, je laisse non coché, et limite le débit de données à 10 000 kilo-octets par seconde, puis j'appuie sur « OK ». Je vais éteindre la sortie audio, et j'appuie sur « OK ». Ensuite, je vais cliquer sur le « Sortie au texte » et choisir où je veux le mettre qui pour moi je vais juste le mettre sur le bureau, puis je vais cliquer sur « Rendu ». Ensuite, After Effects rendra chaque image et la compilera dans un fichier vidéo que nous pouvons télécharger sur YouTube ou Vimeo. Ce processus va prendre un certain temps parce que la construction de cette lueur en 32 bits par couleur est assez intensive en graphisme, alors ne soyez pas surpris si cela prend un peu de temps pour exporter même un court clip. Maintenant, si je vais sur mon bureau, il y aura un fichier vidéo. Double-cliquez dessus, rejouez-le. Ça a l'air plutôt bien. C' est prêt pour le téléchargement. Si vous n'êtes pas satisfait de la qualité de votre vidéo, hésitez pas à augmenter le débit binaire. Si je reviens ici et que je passe à mes options de format, vous pourriez augmenter ce taux de données de 10 000 à 15 000, voire 20 000. Sur les clips vidéo plus courts , la taille du fichier n'est pas beaucoup plus grande. Celui-ci ne fait que 6,8 mégaoctets, ce qui est idéal pour une vidéo 10 ADP. Je suis assez content de la façon dont ça ressemble, donc je vais venir à Vimeo, et je vais aller à Upload your video. Je vais choisir un fichier. Pendant que cela télécharge, je vais renommer ceci et je vais appuyer sur « Enregistrer » et aller à Vidéo. Ensuite, même avant que le fichier soit terminé le traitement, je peux cliquer sur ce bouton « Partager » ici et cliquer sur ce bouton qui dit « Afficher les options ». Ensuite, je vais descendre aux Controls et m' assurer que la boucle de cette vidéo est vérifiée, sorte que la vidéo boucle en continu automatiquement. Je vais également le définir sur Autoplay et je vais retirer ces crédits juste parce que je n'ai pas vraiment besoin qu'ils apparaissent sur mon projet de partage de compétences. Je vais m'assurer que la largeur de la vidéo est 580 car c'est la largeur d'un projet sur Skillshare. Ensuite, je vais faire défiler jusqu'au code Intégrer, cliquer n'importe où à l'intérieur, copier, puis venir dans mon exemple de projet, puis cliquer sur ce bouton ici qui indique Intégrer des médias. Je peux coller ce code d'intégration dans cette fenêtre et appuyer sur « Soumettre » et là vous l'avez. Mon animation est la lecture automatique et la boucle automatique à l'intérieur de la page de projet de Skillshare, et une fois que la version HD est terminée le traitement, elle sera mise à jour et la qualité sera encore meilleure. 17. Merci !: C' est ça. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' espère que ça vous a plu et que vous avez pu apprendre quelque chose que vous ne saviez pas auparavant. Si vous avez des questions, n' hésitez pas à les poser sur le fil de discussion Demandez-moi quoi que ce soit sur la page Communauté. Si vous souhaitez obtenir des commentaires sur votre projet, posez des questions directement sur la page de votre projet. J' adorerais que vous me laissiez un commentaire pour ce cours. J' essaie toujours de rendre mon prochain cours meilleur que le dernier, donc vos commentaires m'aident vraiment. Si vous publiez un de vos travaux sur les réseaux sociaux, assurez-vous de me marquer @jakeinmotion parce que j'aime montrer mon travail d'étudiants. Merci encore d'avoir suivi ce cours et je te verrai la prochaine fois.