Animation Procreate pour les non-animateurs : faites bouger vos illustrations

1. Intro: [MUSIQUE] Le mouvement attirera toujours vos yeux. Avec l'animation, vous pouvez améliorer vos illustrations en quelques étapes simples. Bienvenue dans Procreate animation pour non-animateurs. Avec moi, Vera. [RIRES] Je suis un artiste allemand passionné par le design de personnages et l'animation. Dans cette classe, nous allons épouser ces deux choses ensemble. Armé d'un iPad et de Procreate, vous allez matérialiser un personnage et lui donner vie, pas n'importe quel personnage, un personnage pour vous représenter vous-même. [MUSIQUE] Nous commencerons par un petit exercice d'échauffement pour défier votre pensée créative. Vous apprendrez comment simplifier. L'astuce pour l'animation ou l' astuce pour avoir de la santé mentale dans l' animation est de travailler avec le moins de lignes, car vous devrez peut-être animer chacune d'elles. Vous allez construire des personnages à partir de formes simples et pousser leur pose, en cherchant des silhouettes claires et convaincantes, ou en d'autres termes, communiquer votre personnage d'un coup d'œil. L'animation elle-même, croyez-moi, cette partie est en fait plus amusante et facile que vous ne pouvez vous y attendre. Je vais vous guider petit à petit avec des exemples sur la façon de l'appliquer comme pour émotions fluides des cheveux et des vêtements, flammes ou des reflets étincelants. Nous allons implémenter cela à l'aide de l'aide de l'aide d' animation vraiment magique de Procreate qui transforme les calques en images. N'oubliez pas que si vous faites partie de mes élèves, vous savez qu'un cadre ressemble à une page dans un flip book. La structure de votre fichier joue un rôle majeur à cet égard et vous apprendrez tout à ce sujet. Vous terminerez ce cours avec un personnage entièrement illustré et bien posé avec des éléments animés magiques pour les faire ressortir et sous-tendre leur histoire. Si vous êtes un illustrateur qui a été un peu trop repris rebondissant des balles et par exemple pour commencer à animer, cette classe remettra le plaisir dans les fondamentaux pour vous. Tous les niveaux de compétence sont les bienvenus, tout ce dont vous aurez besoin, c'est d'un iPad et d'un Procreate. À la fin, vous disposerez d'une œuvre d'art époustouflante et de nouveaux outils et de nouvelles mains, ainsi que de nombreuses ressources utiles à télécharger et à vous aider tout au long du chemin. Prêt quand vous l'êtes, commençons [MUSIQUE] 2. PROJET DE CLASSE: Votre projet pour ce cours sera de remue-méninges, concevoir et d'animer un personnage dans Procreate. Ce personnage peut être vous ou l'une de vos créations. mien sera un autoportrait avec le thème, si j'étais un personnage de D&D, que serais-je ? J'ai choisi ce thème parce que j'adore les trucs fantastiques, et j'adore raconter des histoires. Honnêtement, ce serait assez dope pour être une aventure. Ce thème crée un cadre pour nous déplacer librement à l'intérieur, et pourtant il étincelle le cerveau créatif. Nous allons préparer notre projet avec un échauffement de personnages. Ensuite, nous ferons quelques remue-méninges et des esquisses pour savoir quel genre de personne présentera notre illustration animée. Avec cette base solide, vous allez créer votre illustration en fonction de vos propres préférences et décisions de style. Les leçons vous guideront tout au long du processus de configuration de votre illustration pour l'animation, que nous ajouterons ensuite. Vous pouvez présenter un certain nombre d' éléments tels que des rubans ou des cheveux fluides, vêtements en mouvement, des flammes ou des surfaces étincelantes. Une fois que vous avez exporté votre art sous forme de GIF ou de clip vidéo, vous pouvez nous montrer votre œuvre finale. Cependant, je voudrais vous encourager à partager toutes vos démarches entre et vos travaux en cours. De cette façon, vous pouvez recevoir des commentaires et des éloges, et encourager d' autres élèves à surmonter leurs inhibitions. Commençons par réchauffer notre main de dessin et notre pensée créative dans la prochaine leçon. 3. Préparation de personnages: Afin d'étirer un peu nos muscles créatifs, nous commencerons ce cours par un échauffement. Cela vous aidera à vous détendre et créer une belle illustration dans les prochaines leçons Voici ce que je pense de la conception de personnages. Vous pouvez dessiner un cercle, un carré ou un triangle, avec un peu de créativité sur le dessus, vous pouvez créer des dessins de personnages intéressants et dynamiques. Ce sont les deux principes auxquels j' aime réfléchir lorsque je crée un personnage. La conception des personnages commence pour moi par deux choses. Premièrement, le thème de la forme, et deuxièmement, la pose et la silhouette. Qu'est-ce que je veux dire par thème de forme ? Vous avez probablement entendu parler du langage des formes et de la conception des personnages. Comment certaines formes peuvent évoquer un certain sentiment ou une certaine association. Selon cela, les personnages aux formes rondes ont tendance à paraître plus heureux, joyeux et dignes de confiance. Ceux basés sur des carrés peuvent se sentir plus calmes, forts et ancrés. Les personnages composés de formes triangulaires se révèlent souvent audacieux, dangereux ou intenses. Alors que cette théorie, comme beaucoup d'autres théories dans ce monde, devrait être prise avec un grain de sel. Il s'agit en fait d'un bon point de départ. J'ai préparé deux feuilles de travail pour vous, que vous pouvez imprimer pour dessiner ou utiliser numériquement. Au premier, j' aimerais que vous esquissiez quelques personnages. Chacun doit suivre un thème de forme, donc être centré autour de formes rondes, carrées ou triangulaires. Cela ne signifie pas que vous devez vous asservir à la forme et plutôt l'utiliser comme guide pour abattre les grandes masses. Un personnage peut généralement être divisé en trois grandes formes la tête, le torse et les jambes. Ceux-ci peuvent varier en hauteur et largeur et créer ainsi une dynamique intéressante. Essayez de vous libérer des sept têtes génériques dans la relation de taille corporelle ici. Soyez libre et explorez les possibilités. Ces croquis n'ont pas besoin d' éclairer votre conception finale. Ils peuvent le faire, mais ils sont principalement destinés à échauffer votre main et le cerveau de votre artiste. Sur la deuxième feuille de travail, nous allons prendre les croquis que vous avez réalisés et regarderons notre pose et la silhouette de nos personnages. Entre les deux, vous pouvez prendre un nouveau bout de papier et tracer le contour de vos personnages. Remplissez-les de noir pour obtenir leur silhouette. Votre personnage est-il toujours reconnaissable ? Les publications sont-elles bien lues ? La silhouette doit toujours montrer ses caractéristiques et ce qu'elle fait. Si vous souhaitez tracer légèrement les caractères sur la deuxième feuille de calcul. Analysez ce qui fonctionne bien et où se trouvent les points faibles et dessinez l'image tracée pour améliorer la pose et donc la silhouette. L'ajout de formes qui se détachent de la silhouette à la tête leur donnera une caractéristique reconnaissable par exemple. Déplacer les membres hors de la silhouette rendra la pose plus lisible. Créez consciemment l' espace négatif autour de la figure. Cela signifie que tout l' espace que le personnage n' occupe pas. Bien fait. Vous avez maintenant trois personnages avec des thèmes de formes différentes et une pose et une silhouette claires. Si vous voulez vous lancer un défi, créez un autre ensemble ou combinez deux formes dans un thème. N'hésitez pas à les partager avec nous dans la section Projet. J'espère que vous êtes tous réchauffés maintenant et prêts à faire des remue-méninges et des croquis. 4. Brainstorming et ébauche: [MUSIQUE] Maintenant que ma main est réchauffée et que ma créativité est activée, je vais vous laisser entrer dans mon processus. J'aime commencer par quelques brainstorming écrits et quelques croquis. J'aimerais vous inviter à marquer avec moi. Mais si quelque chose que je fais de notre façon, je pense que cela ne fonctionne pas pour vous, c'est tout à fait très bien. Ajustez le processus à quelque chose qui vous semble accessible et faites-le à votre manière. Quand je sens le désir de créer quelque chose, j'aime me fixer un cadre. Sinon, le monde s'est ouvert avec possibilités infinies et c'est très intimidant pour moi. Dans ce cas, je sais que je veux créer une illustration de personnage et que, plus tard, je souhaite ajouter une petite animation. Ça peut être tout ce qui bouge, les cheveux, les vêtements, la magie, le feu, l'eau. Je sais aussi que j' aime personnellement dessiner des trucs fantastiques. Pourquoi ne pas paraître l' illustration en conséquence ? Plus encore, je pense que je veux créer un personnage de RPG fantastique comme quatre Donjons et Dragons. Cela me donne un cadre de marée, mais avec encore beaucoup de marge de manœuvre à explorer. Brainstorming. Je fais souvent cela dans ma tête, mais je suppose que dans ce but je vais le visualiser. Lors du brainstorming, il est important de ne pas bloquer les idées. n'y a pas de mauvaises idées, mais vous passerez par un couple avant de trouver une bonne idée. Selon mon thème, je ne fais qu'écrire ce qui me vient à l'esprit. Une pensée va étinceler la prochaine. Je mets de côté 10 à 15 minutes ininterrompues pour le brainstorming. Il y a de nombreux aspects que je veux prendre en compte. Le thème général est clair, mais quels sont les liens qui s'y rattachent ? En plus de la décision concernant le type de personnage réel, j'ai pensé aux couleurs, aux articles, aux vêtements et à l'humeur. pensé que je pourrais vouloir dessiner un de mes personnages de D&D que je joue déjà, ou peut-être me mettre dans l'univers. Quels sont mes traits physiques ? Est-ce que je veux les casser ou m'en tenir à eux ? La joie de la fantaisie n'est pas que vous puissiez plier la réalité à votre volonté. Je remplis mon nuage de pensée avec des choses qui me viennent à l'esprit. Par exemple, les couleurs que j'aime peuvent correspondre au type d' illustration que je veux créer et à leurs associations pour moi. Types de vêtements et d'accessoires qui évoquent une certaine sensation qui pourrait soutenir un archétype ou me donner une silhouette intéressante ou un mouvement à appliquer plus tard, et quelle humeur générale je J'aimerais avoir dans l'œuvre d'art. Toutes ces choses vont influencer mes croquis, et donc l'idée finale de l'illustration. Si vous souhaitez utiliser le thème mais que vous ne le connaissez pas, j'ai créé une collection d'ethnies D&D et mots de passe de classe et d'associations à télécharger. La recherche est également un élément important de ce processus pour moi. J'aime Google excessivement les choses et utilise Pinterest pour collecter des visuels qui suscitent ma fantaisie. Une fois que j'ai rassemblé mes pensées et mes références, je commence à faire de petits gribouillis. Ils sont très lâches et rapides et sont la représentation visuelle de mon brainstorming. Ensuite, je pourrais collecter certaines de mes combinaisons préférées de tropes que j'ai imaginées. Peu importe à quel point sont rudes ou moches. Ils ne sont que la représentation de vos idées. Assurez-vous simplement de dessiner les éléments qui définissent pour que vous les reconnaissiez plus tard. Gardez l'échauffement à l'esprit et jouez avec le thème de la forme que vous mettez dans vos gribouillis. Peut-être qu'une itération vaut la peine d'être envisagée pour une seule et même idée, je cherche quelque chose d'intéressant visuellement. La précision thématique est secondaire. Gardez simplement à l'esprit quel est le but de faire une illustration de personnage qui contient quelque chose qui peut être animé. Maintenant, je choisis un croquis dans lequel je vois le plus de potentiel. Je fais attention à ces aspects. Ainsi, l'esquisse a fourni une représentation intéressante de l'idée que j'ai choisie, n'a pas de thème de formes cohérentes. La pose et la silhouette sont-elles quelque peu claires et peuvent facilement être améliorées à l'étape suivante ? Plus important encore, est-ce que cela m'offre la possibilité d'ajouter des éléments animés ? J'ai fait mon choix. Ce design me semble le plus intéressant et le plus relatable. Il a une forme et un caractère cohérents, mais la pose n'est pas géniale. Le croquis manque de détails. Je décide de m'inspirer de cet autre personnage, qui a en fait une forte posture et une silhouette et qui offre des détails intéressants. [MUSIQUE] Maintenant que j' ai trouvé ce que j'attends, je collectionne mes références visuelles en tant que tableau d'ambiance pour inspirer mon design final. Si vous le souhaitez, ajoutez vos résultats de brainstorming et croquis dans votre projet de classe et laissez-nous entrer dans votre processus. J'espère que vous avez choisi votre croquis préféré maintenant. Examinons de près la prochaine leçon. [MUSIQUE] 5. Analyse du mouvement: Avec notre esquisse initiale établie, nous pouvons maintenant prendre nos décisions pour quelles parties doivent être animées et planifier en conséquence. Si vous avez travaillé sur papier jusqu'à présent, il est temps de prendre une photo ou numériser l'esquisse pour l'étape suivante. Maintenant, je commence à attacher un peu mon croquis, apporter les changements qui me paraissent nécessaires et à noter où l'animation sera ajoutée. Jetons un coup d'œil à ce que nous allons travailler. Les références que j'ai examinées ont influencé les décisions de conception que j'ai prises dans cette esquisse, mais peut-être un changement ou deux pourraient être apportés pour l'améliorer et offrir une meilleure occasion d'ajouter un élément animé. Vous n'avez pas à vous contenter de votre esquisse initiale. Prenez-le comme base et faites-le évoluer à partir d'ici. longs rubans, capes et autres vêtements sont particulièrement adaptés pour être animés ultérieurement. Les cheveux ouverts ou les mèches simples qui traînent peuvent légèrement bouger. Peut-être que le personnage est un utilisateur magique ou peut-être aimez-vous les étincelles, les flammes ou d'autres éléments de ce genre. Ceux-ci pourraient être ajoutés en tant qu'ajout fantaisie flottant librement autour d'eux ou ils pourraient interagir avec eux. Mon personnage a cette petite flamme comme familière. Les éléments en métal et autres matériaux réfléchissants peuvent avoir un léger scintillement. Ce sont là les possibilités qui vous viennent à l'esprit en ce moment. Je vais vous expliquer en détail comment chacun d'entre eux est réalisé dans l' une des prochaines leçons. Mais pour l'instant, gardez les éléments aussi libres que possible. Ce que je veux dire, c'est qu'il n'y trop de chevauchement dans ces domaines. Chaque élément qui se chevauche peut rendre l'animation plus compliquée à intégrer. Je suis sûr que je veux que les tresses bougent et la petite flamme et j'ai ajouté quelques mèches de cheveux lâches. De plus, la plume et d'autres éléments de la sacoche peuvent également être une option. Vous avez peut-être remarqué que je n'ai pas de tissu en mouvement ici jusqu'à présent. J'aime juste la silhouette et je me pose telle qu'elle est et je n'ai pas vraiment vu une bonne occasion d' ajouter quelque chose comme ça. Mais maintenant, j'ajoute dans une cape, je pense que cela encadrera bien le personnage. Mais non, je vais avoir quelques chevauchements même si je vous ai dit de les éviter. Whoops. vous découvrirez Dans la leçon suivante, vous découvrirez comment je prépare cela pour structurer votre dossier. 6. Structure d'un fichier: Comme vous le savez Procreate est notre outil principal pour ce cours, je l'ai choisi parce qu'il est super simple à utiliser et j' aime pouvoir travailler où je veux. Si vous ne l'avez pas encore préparé, c'est le moment de sortir votre iPad, recharger et d' installer Procreate. J'espère que vous avez déjà travaillé dans cette application, mais pour être sûr, je vais vous guider étape par étape et vous montrer comment configurer votre Canvas. En haut à droite, vous pouvez appuyer sur le bouton Plus pour choisir ou créer un nouveau canevas. Choisissez l'une des conditions préalables ou créez le vôtre. J'utilise un format portrait qui, à mon avis, montre généralement une illustration de personnage. Vous pouvez effectuer un zoom avant et arrière avec deux doigts comme celui-ci. En haut à droite se trouvent des pinceaux, un outil de bavure, des gommes, des calques et le sélecteur de couleurs. Ici, vous pouvez ajuster la taille de votre pinceau et l'opacité. Nous allons commencer par une illustration, mais comme nous voulons animer quelque chose plus tard, configurons en conséquence. Activez l'aide à l'animation en touchant cette clé en haut à gauche, puis touchez « Canvas » et activez assistance à l' animation. La petite barre en bas apparaît. La barre affiche vos calques, mais en tant que cadres, vous n'en avez qu'un seul, mais vous pouvez en ajouter d'autres en appuyant sur « Ajouter cadre » ou dans le menu Calque avec un symbole Plus. Ajoutons l'esquisse au fichier, touchons la clé, puis accédons à Ajouter et sélectionner « Insérer une photo » si vous l' avez déjà sur votre iPad ou prenons une photo pour la prendre directement. Une fois qu'il est placé, vous pouvez le redimensionner avec deux doigts pour répondre à vos besoins ou appuyer sur « Ajuster à l'écran » pour obtenir la meilleure vue possible de l'image sans rogner. Je vais maintenant vous montrer trois éléments essentiels que vous devez savoir, alors écoutez attentivement. abord, la plus grande partie de l'illustration sera toujours de sorte que nous puissions définir cela généralement comme arrière-plan. Vous pouvez consolider plusieurs calques en une seule image en les regroupant ; balayez de gauche à droite sur les calques du menu pour les sélectionner , puis touchez « Groupe » en haut. En appuyant sur cette image dans la barre d'animation, vous obtenez un menu qui apparaît dans lequel vous disposez de quelques options. Lorsque vous activez l'arrière-plan, ce groupe de cadres sera toujours visible tout au long de votre animation, c'est ce que nous voulons maintenant. Deuxièmement, nous n'animons pas encore quoi que ce soit, mais je vais vous dire comment travailler avec Animation Assist maintenant, avec Animation Assist maintenant, et nous répéterons l' essentiel plus tard. L'ajout d'un cadre permet de créer un seul calque. Chaque calque sera visible pendant un certain temps et, en voyant plusieurs calques dans un ordre, les changements qui y sont apportés apparaîtront comme un mouvement. Cette illusion d'optique peut changer en fonction de la fréquence d'images que vous choisissez. Notre cerveau perçoit tout ce qui se trouve autour de 10 images par seconde et plus comme un mouvement. Vous souhaitez définir la fréquence d' images en conséquence. Dans la barre d'animation, appuyez sur « Paramètres » et réglez le curseur. Plus il y a d'images, plus il y a de travail, mais plus votre animation paraîtra fluide lorsqu'elle est terminée correctement. Je travaille généralement avec quelque chose entre 12 et 24 images par seconde, mais vous pouvez jouer avec les réglages plus tard et voir ce qui fonctionne le mieux. Comme mentionné précédemment, plusieurs couches regroupées formeront une seule image. Cela sera particulièrement utile lorsque vous avez plusieurs éléments que vous souhaitez animer. En supposant qu'il y ait des cheveux et des tissus qui seront animés, vous vous retrouverez probablement avec un groupe de groupes contenant deux couches. Il faut garder à l'esprit que Procreate a un calque. La puissance de l'application est limitée et vous devez garder cela à l'esprit lorsque vous créez votre illustration. En appuyant sur la clé, puis sur Canvas, vous pouvez trouver les informations Canvas et les calques. Il vous indiquera exactement le nombre de couches que vous avez utilisées et le nombre de couches restantes. Troisièmement, vous avez la possibilité d'attribuer un premier plan comme vous l'avez fait avec un arrière-plan, sélectionner un groupe ou un calque, le toucher dans la barre d'assistance et de sélectionner « Premier plan ». Les éléments contenus resteront toujours au-dessus de tout le reste de votre œuvre d'art. Il peut être utilisé pour superposer des éléments tels que des membres ou des accessoires proches de la caméra. N'oubliez pas que le premier plan ne peut contenir d'animation. Utilisez-le plutôt pour ajouter un ombrage simple , une vignette créative ou pour les éléments susmentionnés qui doivent être devant. Vous devriez commencer maintenant et tout ce que vous devez savoir viendra dans la leçon dans laquelle je vous montrerai comment ajouter la motion. Pour l'instant, passons à autre chose et préparons l'illustration. 7. Préparer l'illustration: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment j'aborde mon illustration et je vous montrerai quel est mon style, décisions et mes techniques. Veuillez noter que cela peut être très différent de la façon dont vous abordez vos illustrations et œuvres d'art, mais c'est tout à fait très bien parce qu' il n'y a pas de bonne façon de faire de l'art. Je vais souligner quelques aspects techniques qui pourraient être utiles pour ce processus spécifique. Allons-y. Vous avez déjà traversé les premières étapes de la recherche des bons articles avec moi et j'aime réfléchir aux couleurs avant de travailler sur les détails. Dans le cas de cette illustration, j'ai dessiné ce personnage comme une personne ayant un héritage quelque peu okie-sh. Je m'associe à une certaine gamme de tons de peau, principalement verts et bruns, pourraient également entrer dans des tons violacés. Procreate dispose de cet excellent outil pour les harmonies de couleurs dans la fenêtre Color Picker. Jouer avec ça m'aide à trouver les couleurs sur lesquelles je veux fonder mes œuvres d'art. Appuyez sur l'écriture sous les couleurs pour choisir un préréglage. Il s'agit d'associer les couleurs selon différentes règles d'harmonies de couleurs. Jouez un peu et voyez celui qui correspond le mieux à vos choix de style. Avec le vert, j'ai décidé de l'associer à de l' orange et du violet. Je pense qu'il est important de trouver une couleur qui puisse servir de point de mire. Cela pourrait être accompli en étant celui qui est le plus propre en termes de saturation, celui qui est le plus présent ou qui se distingue en termes de valeur. Non, je ne parle pas de la couleur la plus chère ici. Par valeur, je veux dire à quel point la couleur est claire ou foncée par rapport aux autres couleurs de l'image. J'aime vérifier ma structure de valeur en regardant mes œuvres d'art en niveaux de gris. Pour ce faire, remplissez un calque vide sur le dessus de blanc et transformez-les tous en teinte ou en saturation. Cela vous aidera à voir si les couleurs que vous avez choisies sont bien distinguables et si elles peuvent attirer l'attention sur des zones sur lesquelles vous ne voulez pas attirer l'attention. Maintenant, j'ai peint un croquis de couleur brute sous mon dessin, inspiré de mon tableau de référence et de mes décisions de couleurs initiales. Cela m'aidera à définir l'œuvre finale , car il est parfois aussi bon de voir ce que vous ne voulez pas dans votre œuvre. Puisque j'aime faire de l'art au trait épuré, je dessine maintenant mon croquis dans l'étape suivante pour définir davantage le design des vêtements et travailler mes accessoires. Je suis fan de broderie, donc je l'ajoute très probablement au gilet. Quelque chose d'aussi bruyant peut facilement éloigner le focus et je veux éviter cela. De plus, j'ai regardé de nombreux dessins de harpes et je ne pouvais pas tout à fait m'installer sur celui que j'aime le plus, mais quand je le dessinais, il s'est transformé en cygne ou en canard. J'adore ça. Vous pouvez voir que je retourne ma toile de temps en temps. Cela peut avoir des raisons différentes. Par exemple, un meilleur angle pour dessiner une ligne spécifique ou simplement pour rafraîchir mes yeux et ainsi mieux reconnaître les éléments étranges de mon dessin. doit y avoir des éléments animés qui chevauchent ma silhouette sur calques séparés pour que je puisse mieux les gérer en cours de route. Ensuite, je remplis soigneusement la silhouette de mon personnage avec une couleur unie, ce qui le rendra plus pratique et plus rapide à colorer. En faisant glisser deux doigts de gauche à droite sur son calque, j'active le verrou Alpha. Cela bloque toutes les parties du calque transparentes, donc non peintes. Lorsque je dessine maintenant sur ce calque, je ne colorerai que tout ce qui est déjà peint, dans ce cas, la silhouette. En gardant mon croquis couleur présent en arrière-plan, je prends mes décisions finales pour le dessin. J'avais l'impression que les stylos étaient beaucoup trop légers, alors je déplace davantage la couleur dans la gamme violette pour s'adapter au gilet et mettre en évidence le contraste entre la chemise blanche et le doublet violet. Je garde le rendu aussi simple que possible, mais j'ajoute un peu de texture et d'ombres d'occlusion ; celles-ci améliorent la forme et leur donnent plus de volume. Les cheveux étaient un peu trop rouges, et je déplace davantage la teinte vers brun-orange et j' ajoute également des reflets et des ombres. Allumer mon cadre d' objets animés les fait se démarquer dans leur blanc, mais il est bon d'imaginer que ce seront les éléments avec du mouvement, dessinant le focus vers le haut et encadrant le visage. La préparation est presque terminée maintenant. Je n'ai qu'à séparer l'illustration au premier plan et à l'arrière-plan. Mon croquis d'avant m'aide à trouver la bonne ligne. Je duplique le calque de couleur pour plus de sécurité, coupe l'autre calque en deux et je déplace les pièces en conséquence dans les bons groupes pour l' avant et l'arrière-plan. Sans doublon de couleur, vous pouvez voir une petite ligne à l' endroit où elle a été séparée, donc je garde le doublon en arrière-plan. Enfin, je peins dans le manteau et le groupe d'animation, dont le premier plan se chevauche. Il était aussi violet, mais j'ai senti que c'était un peu trop violet, alors j'ai changé de couleur pour refléter la plume de l'autre côté. C'est ça. Vous voyez, j'ai pris quelques décisions de conception attrayantes mais pas trop compliquées à animer. Je pense que l'une de mes pièces pour animaux de compagnie est que lorsque vous regardez une émission d' animation ou un film, vous pouvez clairement voir quelle partie de l'arrière-plan sera animée plus tard, car elle est trop simplifiée. Je pense que c'est la raison pour laquelle j' aime trouver un moyen, ni trop propre, ni trop bâclé, ni trop rugueux, ni trop détaillé. Mais vous devez définir votre propre point d'intérêt. Laissez-moi vous rappeler que chaque ligne que vous faites devra être animée, alors choisissez judicieusement mon ami. Avant de finalement animer Go, je vais vous expliquer rapidement comment fonctionne réellement l' animation dans la prochaine leçon. 8. Les bases de l'animation: Nous en sommes presque au point où je vous montre comment exactement l'animation est ajoutée à l'illustration, mais tout d'abord, un petit cours intensif sur la façon d'animer dans cette application folle. Dans Procreate, les cadres sont équivalents aux calques ou aux groupes de votre illustration. Considérez les cadres comme des morceaux de papier contenant chacun un dessin et le dessin est un peu différent sur chaque nouvelle feuille comme des pages d'un flip book, juste numérique dans ce cas. Les montures représentent un moment dans le temps et ajoutent à l'illusion du mouvement lorsqu'elles sont jouées rapidement. Procreate vous permet de gérer, de réorganiser ou de sélectionner les images en appuyant sur le bouton Calques vers le haut à droite ou directement dans la barre d'assistance à l'animation en bas. Maintenez la touche enfoncée et faites-la glisser pour déplacer un calque vers un autre endroit dans l'ordre des calques, et vous pouvez voir qu'il change vers le bas dans la partie 2 de l' aide d'animation. Pour une meilleure compréhension, l'ordre des images de bas en haut se situe dans la barre d'assistance à l'animation du début à la fin. décochez un calque ici, l'image sera supprimée de l'aide à l'animation. Vous pouvez également toucher les cadres directement dans la barre d'assistance située en bas. Maintenez la touche enfoncée et faites glisser le cadre pour déplacer le cadre vers un nouvel endroit. Lorsque vous touchez un cadre, vous obtenez ce petit menu qui vous permet de le supprimer ou de le dupliquer. Mais vous pouvez également modifier sa durée, qui fonctionnera comme une copie de cette feuille de papier ou de ce cadre qui restera juste après son original pour la quantité de cadres que vous choisissez. Dans le menu Paramètres, vous pouvez modifier la lecture que vous obtenez. Je recommande de coller à la boucle pour notre objectif. Avec un curseur pour les images par seconde, vous pouvez régler la vitesse de lecture de l'animation. Vous pouvez également parcourir les dessins d' avant en arrière en touchant vers le bas sur la barre d'aide à l'animation et en allant à gauche et à droite. Il y a généralement deux types d'animation différents que j' utiliserai : le premier type ajoutera un sens de la vie et du mouvement, mais sans montrer de mouvement. Confus ? Je sais. Voici ce que je veux dire. C'est ce que j' appellerai l'animation culinaire. Le résultat est obtenu en dessinant la même chose au même endroit pour quelques images. Grâce à la texture du pinceau, les calques seront tous un peu différents et l'animation finale aura un effet un peu nerveux. Je les utiliserai principalement pour ajouter des reflets sur du métal ou d'autres surfaces réfléchissantes. Mais vous pouvez également les utiliser sur d'autres éléments fixes votre illustration pour leur donner ce look animé. Pour l'autre type, le but est de créer un mouvement visible. Tout en prenant en compte la masse et le volume de l' objet, vous changez sa position d'une image à l'autre. Pour un résultat convaincant, amortissez le début et la fin d' un mouvement en ajoutant plus de cadres. Cela imitera l' accélération et le ralentissement. Plus un segment de mouvement est couvert d'images, plus le mouvement sera lent. Inversement, un mouvement rapide est dessiné dans moins de cadres. Pour un mouvement calme, sans accélérer ni ralentir, vous pouvez répartir les dessins uniformément dans le temps et l'espace. Cela peut rendre les choses un peu plus faciles lorsque vous posez abord quelques positions clés entre lesquelles vous remplissez ensuite l'espace. Par exemple, dessinez le premier dessin, puis dessinez le dernier dessin, puis trouvez le milieu entre eux. La peau d'oignon est un excellent outil pour vous aider. Dans le menu Paramètres, vous pouvez voir deux curseurs. La partie supérieure définit la quantité d'images que vous souhaitez voir avant et après le cadre sur lequel vous vous trouvez actuellement, et la partie inférieure vous permet d'ajuster l'opacité. Il faut s' habituer à la première fois avec l'animation et la peau d'oignon. Ne vous découragez pas. Pour mieux vous concentrer sur le cadre actuel, utilisez les couleurs de peau d'oignon, qui teindront le cadre précédent d'une couleur et le cadre suivant une autre. Vous devriez maintenant avoir une idée générale approximative ce que je vais faire dans la prochaine leçon et comment. L'animation n'est pas facile à enrouler la tête, donc si vous rencontrez des problèmes, ne vous inquiétez pas. Vous serez plus à l'intérieur dans la prochaine leçon. Je couvre ces bases très détaillées dans ma classe, From Dot to Line to Mass : An Intuitive Approach to Animation in Procreate. Allez voir si vous vous sentez un peu perdu ici. Veuillez prendre tout le temps dont vous avez besoin. Parfois, c'est juste une question d' essais et d'erreurs. Vous avez ça. Ensuite, enfin, ajouter l'animation. 9. Ajouter le mouvement: Il est temps de plonger. Nous allons maintenant ajouter des éléments animés à l'illustration. Avec une idée approximative de ce que je suis allé accomplir, je crée quelques notes visuelles pour ma planification. numérotation des images me donne une meilleure vue d'ensemble. Ensuite, je dessine cette chronologie pour les images 1 à 12 et je donne une lettre à chaque élément animé. Ce faisant, j'ai essayé visualiser comment je pense animations et comment je veux que les mouvements se chevauchent dans le temps. Avoir tout bouger au même rythme avec les mêmes rythmes serait un peu ennuyeux, alors j'essaie de donner à chacun sa propre chronologie, pour ainsi dire. C'est vraiment à moi d'y penser et cela va changer en cours de route. Puis je commence à dessiner ma petite flamme familière. J'utilise la brosse légère préinstallée pour cela. Vous pouvez le trouver dans les brosses standard sous luminance. Pour les éléments naturels comme celui-ci, aller tout droit, donc du début à la fin, image par image, est une bonne approche. Cela le maintient naturel et fluide. Mais je veux qu'il soit bien en boucle, alors j'ai mis un duplicata de la première image à la fin, que je supprimerai plus tard. Cela aide à retrouver cette forme. Il suffit de se détendre et de garder à l'esprit que les flammes changent, se divisent, rétrécissent et croissent de façon aléatoire. Le mien a commencé par deux de ces pointes qui se séparent et se dissolvent au fil du temps. Il y a un mouvement constant. La phase de flamme est une animation culinaire pour la plupart. J'ajoute un clignement au milieu, sinon c'est la même paire d'yeux et de bouche dessinés encore et encore. Ensuite, je commence à travailler avec des tresses. Je commence par une pose extrême quelque part au milieu au lieu d'aller du début à la fin tout droit. C'est ce qu'on appelle la pose pour poser. En définissant les extrêmes de votre animation, il est plus facile de planifier votre animation et conserver la cohérence du volume des objets. Quelle est la partie à la tête du mouvement ? Qu'est-ce qui traîne derrière ? Vous devez garder à l'esprit ces autres choses. L'extrémité légère de la tresse est la dernière chose à suivre son mouvement, de sorte qu'elle arrivera en dernier dans la pose extrême et suivra comme dernière chose aussi. Au lieu de simplement revenir à la première image, la dernière image dépassera un peu la première position avant de se transformer en balançoire vers l'extérieur dans la boucle suivante. Une fois que ces éléments essentiels de l' émotion sont établis, je peux aller tout droit du début à la fin, comblant les lacunes. Gardez toujours à l'esprit le volume et la forme de l'élément que vous animez. Si vous l'écrasez ou que vous l' étirez un peu, il faut toujours avoir le même volume et le même poids que lors de votre jointure initiale. Les mèches de cheveux sur la tête, j'anime tout droit devant et renverse l' extrémité pour une boucle appropriée. Vous pouvez voir le problème avec cela, puisque les poils se rétrécissent et poussent un peu au hasard, c'est pourquoi vous planifiez et construisez vos animations en premier, les enfants. Ensuite, j'essaie une variation où au lieu de redessiner, je duplique la plume et la bouteille d'encre, les déplaçant légèrement dans chaque cadre à l' aide de l'outil de transformation. Mais j'ai fini par ne pas trop aimer ça , donc je n'y vais pas. Essai et erreur, essais et erreurs. L'animation a tendance à être différente lorsqu' elle est colorée au lieu de simples lignes. Vous pouvez choisir d'animer complètement sans lignes, même si cela tendance à être beaucoup plus rapide et a un look très charmant. Mais je suis une personne qui aime les dessins au trait pédantiques fastidieux, je dois donc faire les deux. Une fois la couleur de base remplie, les tresses obtiennent des reflets et des ombres. Je les peint avec un pinceau texturé et je les garde en vrac. J'ajoute des reflets animés au bouton métallique et aux yeux et j'ai dessiné une lumière de jante sur la main. Ce ne sont que des animations de cuisine simples, donc la même chose dessinée au même endroit sur chaque image. Si vous voulez que cela soit un peu plus net et moins tordu, faites une sélection à l'aide d'un outil de sélection à main levée et dessinez-le avec un pinceau texturé. Maintenant, je retourne à la plume et à la bouteille d'encre. Je n'étais pas satisfait du mouvement. C'était un peu trop hâtif et raide. Au lieu de cela, je me concentre sur la plume en y ajoutant des cadres de cuisson, je crée ici aussi un sentiment de mouvement, comme un léger vent qui la touche. J'espère que vous pourrez suivre mon approche. Si des éclaircissements sont nécessaires, n' hésitez pas à le demander. Je suis ici pour répondre à toutes les questions que vous pourriez avoir. Dans la prochaine leçon, je vais entrer dans les détails pour une autre astuce d'animation très cool. 10. Trick de cercle: Comme vous l'avez probablement remarqué, je n'ai pas encore ajouté l'animation de la cape. Je vais le faire maintenant et je vais vous montrer un truc vraiment cool. Vous pouvez l'appliquer à tout ce qui fait un mouvement, comme des rubans, des cheveux ouverts ou un manteau. Faisons ça. J'ai dessiné un cadre de la cape qui va souffler derrière cette figurine. C'est notre point de départ auquel l'élément en mouvement reviendra dans la boucle. J'ai dessiné cette jolie main levée et sans trop de pensées, et ça a eu cette ligne ondulée en bas. Nous allons tracer la forme en ajoutant un nouveau calque, puis joindre de manière négligente en cercles qui suivent approximativement sa forme comme celle-ci. Le mouvement se fera du bas à gauche vers le haut à droite. Maintenant, l'astuce consiste à faire attention aux vagues qui traversent l'élément. Pour vérifier cela, nous allons utiliser les cercles et les déplacer petit petit dans la direction où le vent souffle. Cela n'a pas besoin d'être soigné et bien rangé, mais vous voudrez peut-être conserver ces guides sur une couche distincte. Cette animation peut bien fonctionner si vous allez tout droit, mais j'aime l'aborder avec un peu plus de planification. Je veux que le mouvement soit lent et ne distrait pas trop. Je décide de dupliquer les cadres des cheveux et autres et de les déplacer vers l'avant dans ma commande. Ce que cela devrait faire, c'est qu'ils feront boucle deux fois en même temps, la cape se boucle une fois. Cela a maintenant l'avantage de voir déjà combien de cadres je vais devoir remplir, et il est plus facile de planifier le placement des cercles. Le mouvement est agréable et constant dans un sens. n'y a pas de mouvement de haut en bas, ce qui signifie que les cercles peuvent s' aligner le long de cette ligne comme celle-ci. Vous pouvez aller tout droit et déplacer les cercles un peu vers le haut et vers la droite dans chaque image. Mais comme il devrait revenir à la première image pour une boucle propre, gardez cela à l'esprit et déplacez une copie de celle-ci jusqu'à la fin. Cela vous permettra d' inverser les cercles de la fin à quelque part au milieu de la seconde moitié pour assurer une transition quelque peu uniforme. Encore une fois, si vous voulez qu' un passage se déplace plus rapidement, déplacez les guides un peu plus en avant. L'étalement doit être plus grand, si vous voulez qu'ils ralentissent n'importe quel point, réduisez la différence d'image à l'autre. Pour un mouvement homogène, conservez la différence constante pour chaque cadre. Une fois que vous avez ces cercles, vous pouvez dessiner l' élément qui s'enroule bien autour des formes des cercles, comme dans le premier cadre. Le mode de mélange des couleurs des cadres secondaires dans vos paramètres de peau d'oignon est votre ami. Il sera donc moins déroutant de regarder toutes ces vagues et ces cercles. Vous pouvez tracer la ligne comme un autre guide juste pour mieux vérifier tout. Ou si vous vous sentez confiant, dessinez-le simplement sur une nouvelle couche, casse-cou. J'ai désactivé les cercles maintenant et je vais tout droit dès le début pour ajouter les côtés du manteau. Si vous voulez être super minutieux, ajouter des constructions de cercle pour eux serait très utile, mais comme vous pouvez le voir, le style de l'aile à main levée fonctionne aussi. Enfin, j'ajoute la couleur pour donner plus de poids à la chose et voilà, c'est fait. La vérification du cercle peut être appliquée aux quatre éléments mentionnés comme les rubans, les vêtements, les mains ou les cheveux ouverts. Vous devrez peut-être ajuster la technique et essayer un peu, mais il ne s'agit essentiellement que de l'animation en général. Bon boulot. Vous pouvez désormais ajouter quelques touches finales comme la superposition de textures, certains éléments de premier plan, l' ombrage ou une vignette. Ensuite, je vais vous montrer comment exporter cette beauté dans la prochaine leçon. 11. Comment exporter: Quelle que soit l'animation que vous avez décidé d'ajouter à votre œuvre, c'est le moment de la partager avec le monde entier. Pour exporter une animation avec Procreate, touchez la clé et accédez à la page Partager. Lorsque vous regardez en bas où il est écrit Partager des couches, vous pouvez trouver différentes options pour exporter votre animation. GIF est le format le plus couramment utilisé sur le Web et parcourt vos images en boucle. Selon la qualité souhaitée, vous pouvez choisir la résolution maximale prédéfinie ou prête pour le Web. La taille estimée de votre fichier est affichée en haut. PNG animé est fondamentalement le même, vous donnera une qualité un peu plus élevée en général, mais les fichiers sont plus volumineux et ils ne sont pas trop souvent pris en charge. MP4 animé crée une vidéo composée de JPEG, la taille du fichier a tendance à être un peu plus petite. Enfin, HEVC vous offre également une vidéo, mais elle peut avoir un arrière-plan transparent. Lorsque vous appuyez sur le format de votre choix, il affiche un aperçu de l'apparence de votre animation avec la fréquence d' images dans laquelle vous avez travaillé. Vous pouvez modifier les images par seconde ici si vous le souhaitez. Vous n'avez pas vraiment besoin de modifier les paramètres à moins que vous ne souhaitiez, par exemple, exporter l'animation avec un arrière-plan transparent. Maintenant, appuyez sur « Exporter » dans le coin supérieur droit, et c'est fini. Une dernière chose pour la prochaine leçon, quelques autres exemples et conseils pour aller plus loin. 12. Autres applications: Avec notre œuvre principale terminée, permettez-moi de vous montrer quelques exemples supplémentaires pour votre inspiration. Plus vous vous sentez à l'aise en ajoutant mouvement à des choses qui ont de la dimension et de la profondeur, plus vous pouvez, bien sûr, impressionner votre public et votre maman. Mais il est également assez avancé et il existe d'autres techniques plus simples et plus rapides pour pimenter les choses. L'animation culinaire est assez simple à réaliser. Vous pouvez l'ajouter à n'importe quoi littéralement et l'œuvre se démarquera instantanément. Cette illustration présente exclusivement des animations culinaires. En outre, il dépeint une autre grande utilité, la typographie. Vous aimez plutôt le lettrage ou souhaitez ajouter de l'écriture à votre art ? Ajoutez une animation subtile avec un effet de cuisson. Mais peut-être êtes-vous plus ambitieux que cela et vous aimeriez vraiment faire l'animation image par image avec un vrai mouvement. Dans cette version, j'ai illustré un assistant Kenku. La magie qu'ils possèdent se voit dans le ton flottant et la baguette crachant de la lumière. Cette première animation est principalement réalisée déplaçant un peu le livre dans chaque image. La lumière provenant de la baguette s'accélère avant exploser dans une petite pluie d'étincelles. Vous pouvez le regarder avec la peau d'oignon pour voir où les cadres sont plus proches les uns des autres. C'est là que le mouvement est le plus lent. Lorsque vous appliquez un mouvement comme j'ai ajouté aux manches ici, il est important de planifier votre animation. abord, examinez le nombre d' images que vous souhaitez utiliser et la rapidité de l' animation. Posez d'abord les positions extrêmes , puis remplissez les cadres entre les deux. Souvenez-vous également que les choses ralentissent lorsqu'elles atteignent un tournant, alors échelonnez les images de plus près dans ces zones. Dans cette œuvre, le tissu est un mouvement fluide, animé avec presque aucune ligne qui n'utilise pas le tour du cercle. C'est plus comme une animation culinaire avec les bandes texturées des vêtements qui poussent l'œil à voir un mouvement plus complexe qu'il n'y en a. Si vous voulez essayer cela, gardez le modèle simple pour commencer. Rappelez-vous la direction du mouvement et réfléchissez à la façon dont les choses vont se plier. Pensez à toutes les dimensions : haut et bas, gauche et droite, profondeur et temps. J'ai hâte de voir vos selfies fantastiques animés dans la galerie des projets. Passons maintenant à la dernière leçon pour terminer ce cours. 13. Le mot de la fin: Vous l'avez fait. Félicitations. Nous avons tout couvert, du réchauffement adéquat de votre main à la créativité en passant par le brainstorming d' idées pour l'illustration, peinture et l'animation dans Procreate. Vous avez appris comment structurer correctement le fichier et utiliser l'aide à l'animation, qui donne un aperçu de mon approche de l'illustration, et vous correctement le fichier et utiliser l'aide à l'animation, qui donne un aperçu de mon approche de l'illustration, avez également appris quelques bases de l' animation. Cela vous donnera l'inspiration pour créer votre propre autoportrait animé. Nous espérons tous voir votre travail en cours et vos œuvres d'art finales dans le projet de classe. S'il vous plaît, n'oubliez pas de laisser un avis honnête pour ce cours afin d'aider vos condisciples et moi. S'il y a des questions ouvertes, n' hésitez pas à me contacter et à me suivre pour obtenir des informations sur les futurs cours. Merci encore d' avoir pris celui-ci. Jusqu'à la prochaine fois, adieu. 14. Bonus : Bloopers: Bienvenue dans l'animation. Armés d'un iPad et de Procreate, nous allons plonger. spoiler. Apprenez comment communiquer. pour but. Nous allons mettre en œuvre cela avec la magie. Non, nous le reprenons pour commencer à animer. Et un tas de nouveaux personnages. Il nous donne une certaine liberté de créer et d'être inspiré, tout en stimulant votre créativité avec vos décisions et vos préférences en matière de conception. Créez votre illustration en fonction de vos préférences et de votre choix de style. Selon votre conception. Cependant, j'aimerais vous encourager à partager également vos pas entre votre travail en cours et tout ce que vous vous sentez à l'aise. Commençons par réchauffer notre. Afin d'étirer notre moufle créatif. Prochaine leçon. Il suffit d'adapter le processus à quelque chose qui ressent et fonctionne correctement pour vous. Si vous le souhaitez, partagez votre autocollant ou scannez-le également. Si vous avez travaillé sur le papier jusqu'à présent, c'est le moment. Je l'ai choisi parce que c'est super. Je vais vous donner une cuisson rapide. Un ruban ou une cape. Allons-y. Une dernière chose avant de terminer le cours. Vous avez eu des idées et comment j'aborde. Mon Dieu. N'oubliez pas de laisser un avis honnête pour votre mandat. Je leur répondrai toujours.