Améliorez votre dessin à l’encre grâce aux techniques de hachures

1. Introduction: Bonjour, Je suis Jen Dixon et bienvenue à, Améliorez votre dessin d'encre avec des techniques d'éclosion. Dans ce cours, nous allons nous concentrer sur l'utilisation du stylo et de l'encre comme support, cependant, l' éclosion peut être réalisée avec un crayon, peinture, des pastels et de nombreux autres matériaux. Je travaille habituellement dans une variété de styles, mais j'aime revenir à cette simplicité épurée que vous obtenez avec le stylo et l'encre, et c'est particulièrement utile si vous voulez affiner vos compétences de dessin. Donc, que ce soit en dessinant un gribouillis aléatoire comme un design, ou même en préparant une illustration pour la reproduction, il est difficile de battre cette ligne noire nette. Donc, pour renforcer la confiance avec l'encre et c'est inévitable la permanence, nous allons dessiner dans un style appelé éclosion. Vous développerez la discipline grâce à ces exercices et posséderez vos compétences pour les futurs dessins, et peut-être même commencerez à l'intégrer dans des travaux expérimentaux. Alors rejoignez-moi sur ce projet, montrez-moi vos progrès et amusez-vous. 2. Parlons des hachures: hachure est une technique utilisée pour créer des zones de tonalité ou d' ombrage en dessinant des lignes parallèles fermées. Vous êtes peut-être déjà familier avec le hachage, qui éclosion avec une autre couche de ligne au-dessus de lui à un angle. Avant que l'impression couleur ne soit facilement disponible, les illustrations pour la reproduction ont reçu des qualités tonales et des dimensions par hachures. Il pourrait être reproduit en gravure, gravure, gravure bois, et seulement besoin d'encre noire pour l'impression finale. Albert Durer a largement utilisé cette technique dans son travail entre 14 et 15 cents. Dans l'illustration moderne, vous connaissez peut-être déjà les maîtres d'éclosion, Maurice Sendak, Edward Gorey, et ce merveilleux livre, The Story of Ferdinand, illustré par Robert Lawson. Il y a un joli toucher texturé pour sortir des dessins qui est à la fois compliqué et merveilleusement simple. Même si vous ne créez pas de dessin complexe, vous pouvez facilement intégrer les éléments de hachure dans vos croquis quotidiens, votre ligne et votre lavage, même vos peintures et vos travaux de médias mixtes. Il y a quelques bases différentes à retenir, mais à partir de là, vous pouvez devenir brillamment créatif. Examinons trois marques de hachure de base. Hachure linéaire, hachure simplement en lignes parallèles. Ils peuvent être longs, courts ou un mélange, pour briser des zones tonales ou indiquer des formes et des plans. Étrappement croisé, couche de lignes hachurées dessinées à un angle sur une couche existante de lignes hachurées. La superposition crée des tons plus foncés. hachures profilées utilisent des lignes courbes pour impliquer des formes et des contours plus organiques. 3. Matériaux nécessaires: Vous aurez besoin de quelques matériaux de base pour commencer notre cours. Pour le papier, je vais utiliser le tableau Bristol en format A4, ce qui est très similaire à la taille des lettres américaines. Ou, vous pouvez également utiliser Paint'on Multi Techniques de Claire Fontaine qui a une surface très similaire à la planche Bristol, étant qu'ils sont tous les deux très brillants et très lisses ou en une pincée, vous pouvez utiliser une cartouche de qualité papier pour l'instant. Cependant, je mentionnerai que si vous allez utiliser le papier Cartouche, la surface du papier Cartouche est beaucoup plus poreuse et donc, votre encre risque de saigner un peu dans la fibre de papier. Si vous allez suivre avec les exercices, vous pouvez trouver un peu moins frustrant si vous utilisez du papier cartouche, vous allez avec les exercices à l'aide d'un stylo à bille ou juste un crayon. De cette façon, vous ne risquez pas d'avoir saigné dans la fibre du papier. Tout ce que vous faites est une bonne pratique. Alors ne vous sentez pas mal si tout ce que vous avez est papier cartouche ou un carnet de croquis pour le moment. En ce qui concerne les fournitures de marché, vous allez me voir utiliser des choses comme le stylo uni Mitsubishi, le revêtement Steadler Pigment, ainsi que le Stabilo Point 88. Le point 88 est devenu très populaire ainsi que Stabilo 68 aussi. Depuis la tendance du livre de coloriage adulte a vraiment décollé. Ils sont un stylo bon budget. Ils ont un grand point sur eux et ils viennent dans une variété de couleurs, pas seulement noir. Cela pourrait être une excellente façon de commencer avec les techniques de stylo et d'encre que nous allons faire aujourd'hui. Ces autres stylos sont un peu plus chers, un peu plus spécialisés, mais ils sont très bons et très légers aussi. Même le stylo Uni a tendance à être résistant à l'eau et à la décoloration. C' est une encre pigmentaire. Steadler est également imperméable à l'eau et une encre pigmentaire. Ils vont donc résister à l'épreuve du temps un peu plus que les Stabilos. Les Stabilos sont un peu plus bon marché et joyeux, mais ce sera un excellent moyen de commencer. D' autres choses que vous pourriez vouloir sont un ruban adhésif pour tenir votre papier, un peu de papier à gratter pour tester vos stylos avant de vous mettre sur le bon papier. Tu vas avoir besoin d'une règle et j'ai trouvé un carré très pratique. Je sais que c'est un triangle, mais on appelle ça un carré. Donc j'ai trouvé ça très pratique pour faire la grille que nous allons faire. Maintenant que vous avez tout cela en tête, j'ai ajouté tous les documents à une liste dans le PDF téléchargeable. Commençons. Vous pouvez voir la différence dans la façon dont le papier cartouche et le tableau Bristol se comportent lorsque vous appliquez un stylo sur eux. Le papier cartouche a une dent à elle, ce qui le rend plus approprié pour faire du travail au crayon parce qu'il a cette dent. Le graphite y adhère un peu mieux et vous obtenez cette belle sorte de texture de croquis. Alors que le conseil Bristol est beaucoup plus adapté aux illustrateurs et aux personnes qui font du travail d'encre. Donc, l'encre glisse en quelque sorte sur la surface plutôt que sur la cartouche. Vous pouvez voir qu'il est coincé et est un peu déchiqueté sur la dent du papier. C' est juste une différence de surface et comme je l'ai dit, si vous voulez essayer les exercices avec du papier cartouche, par tous les moyens s'il vous plaît faire. Mais vous pouvez obtenir de meilleurs résultats si vous utilisez peut-être un stylo à bille ou un crayon sur la cartouche et ensuite essayer la planche Bristol ou quelque chose aussi lisse parce que vous allez trouver une vraie différence dans les deux. 4. Projet : fonctionnalité du stylo: Si vous êtes comme moi, vous avez déjà une importante réserve de stylos et continuez à collecter plus. Je pense que c'est la moitié de la raison pour laquelle je suis devenu artiste, c'est pour ramasser des provisions. Ce premier projet est un peu un échauffement avec un résultat final très utile. Chaque stylo crée un style de marque unique en fonction du fabricant. La création d'une feuille de référence de personnalité de stylo vous aidera à choisir le bon stylo pour le travail sans deviner. Alors rassemblez vos stylos de différentes entreprises, mais limité au noir et peut-être sépia. Utilisez Bristol board ou le papier le plus blanc que vous ayez. Alignez vos stylos par fabricant et mettez-les dans l'ordre de plume de fine à large. Si un stylo n'est pas en parfait état, omettez-le de cet exercice, car vous créez un guide de référence basé sur les matériaux de meilleure condition. Si vous n'avez pas toutes les tailles de plume, allez avec ce que vous avez. Positionnez votre papier en portrait et imaginez-le comme une mise en page à deux colonnes. Avec chaque stylo, dessinez à main levée, une ligne horizontale de quelques pouces ou environ six centimètres en utilisant une pression neutre. À la fin de chaque ligne, écrivez la taille de la plume telle que 0,01 ou une lettre. Écrivez le nom du stylo au-dessus de la ligne. Si vous avez plusieurs tailles de plume par le même fabricant, vous pouvez ignorer l'écriture du nom pour chacun d'eux et simplement étiqueter la nouvelle marque lorsque vous changez de marque. Sous la ligne, faites un petit patch de hachures croisées autour de la taille de votre vignette, un squiggle et quelques points. Cela vous donnera une meilleure idée en un coup d'œil quel genre de marques que le stylo est capable de créer. Continuez jusqu'à ce que vous ayez échantillonné tous vos stylos. J' ai tendance à mettre aussi des stylos sépia comme référence, car ils sont souvent utilisés dans des trousses de croquis et peuvent varier considérablement quant à l'intensité du brun. Vous pouvez voir la différence entre le copique et le marqueur zig artiste sur la page qui vous précède. Fondamentalement, vous pouvez créer une feuille de référence pour tous les stylos que vous possédez et si vous souhaitez en créer une pour les couleurs, vous pouvez en créer une de la même manière, mais probablement sans autant de marques d'exemple pour chacun. Les feuilles de référence de la personnalité du stylo sont satisfaisantes pour créer et vous donner un véritable sens du stylo à stylo, ce que chacun a à offrir à votre travail. Une fois que vous commencez à faire des feuilles de référence, vous pourriez vous retrouver à les fabriquer pour une variété de vos fournitures d'art. Je trouve mes peintures aquarelle références de montre très utile. Maintenant que vous avez votre feuille de personnalité de stylo, passons au prochain projet. 5. Projet : Patchwork de hachures: Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons créer un patchwork d'éclosion. La raison de ce patchwork est de commencer à former votre main pour faire des marques contrôlées cohérentes, que vous pouvez appliquer à n'importe quelle illustration dessinée à la main que vous créez. Assurez-vous de prendre des pauses régulières parce que j'ai promis que c'était plus dur qu'il n'y paraît. La première étape consiste à établir un cadre pour votre pratique d'éclosion. À l'aide d'un crayon pointu, créez une grille en lignes fines, avec un espace entre les colonnes et les lignes sur une feuille de Bristol. J' ai fait trois centimètres carrés avec un centimètre d'espace entre les deux. Pour les mesures américaines, gardez les carrés seulement un peu plus d'un pouce chacun. C'est important. Restez petit. Le nombre de lignes ou de colonnes n'est pas si important, remplissez simplement votre page. Pour la première rangée de carrés, concentrez-vous sur une ligne hachurée de 45 degrés. Résistez à l'envie de commencer par le milieu, mais plutôt, commencez à vous entraîner à rester cohérent sur toute la place, de haut en bas. Une note importante avant de continuer. Tirer une ligne vers vous, sera toujours plus facile et plus lisse que de repousser une ligne. Alors, dans la mesure du possible, dessinez-vous vers vous. Continuez cette pratique sur toute la rangée de carrés. J' ai augmenté la vitesse de la vidéo par endroits, alors n'hésitez pas à la mettre en pause jusqu'à ce que vous ayez rattrapé. Si vos lignes dérivent et les espaces varient entre les deux, c'est normal. Essayez juste de ralentir légèrement et n'oubliez pas de respirer. Essayez également d'éviter les corrections, car elles sembleront évidentes, et moins attrayantes visuellement que les incohérences. La ligne 2 doit être des lignes verticales de haut à bord inférieur. Continuez sur la rangée. La ligne 3 doit être de 45 degrés dans la direction opposée à la première rangée. Résistez à tourner votre papier pour rendre cela plus facile. Vous entraînez votre main et certains mouvements se sentiront nouveaux. rangée 4 consiste à pratiquer l'éclosion profilée. Ceux-ci sont souvent les plus difficiles et seront probablement écartés un peu plus loin. Pratiquez toute la rangée. La rangée 5 devrait s'entraîner à l'éclosion profilée dans une direction différente. Comme pour les 45 degrés, essayez d'éviter de tourner le papier pour le rendre plus facile. Entraînez votre main pour accepter de nouvelles façons de dessiner. Après avoir terminé le patchwork, revenez à la première ligne, deuxième colonne. Traverser le carré en utilisant une marque opposée de 45 degrés. Passez votre chemin vers le bas de la colonne, appliquant une marque opposée sur chacune d'elles pour obtenir un hachage croisé. Il vous reste plusieurs colonnes, alors essayez de modifier légèrement les angles pour obtenir des motifs et des tons différents. Laissez la première colonne seule comme référence. J' ai créé le même patchwork de hachure en couleur pour voir quels effets de couleur mélangée je peux créer. Essayez-le si vous avez les stylos pour cela. Travailler trois couleurs ou plus peut créer des résultats étonnants. 6. Projet : Pour en savoir plus: Maintenant que vous êtes à l'aise et confiant avec votre éclosion, prenons ces marques dans un nouveau territoire. Commencez à expérimenter avec des techniques mixtes. À l'aide d'aquarelles, peignez quelques images d'entraînement, essayez de superposer des hachures ou retirez un carnet de croquis et combinez ces techniques pour capturer rapidement une scène. Essayez de combiner le travail des points et les hachures. Il peut être très satisfaisant de créer de nouvelles textures inattendues. Explorez les encres colorées. Comme pour toute habileté de dessin, pratique vous gardera pointu et vous serez prêt à ajouter juste la bonne note à votre travail, quand vous en avez besoin. Pour ce projet, expérimentez. Montrez comment vous apportez votre éclosion habile dans votre art. 7. Merci: Merci d'avoir rejoint ma classe, améliorez votre dessin à l'encre avec des techniques d'éclosion. J' espère que vous avez apprécié les projets et que vous avez senti votre confiance grandir en améliorant votre travail de stylo. J' ai hâte de voir vos projets et vos expériences, alors n'oubliez pas de les télécharger. Passez une belle journée. 8. leçon bonus de 2021 sur les transitions d’encre: Bonjour, bienvenue. J' enregistre cette leçon bonus pendant cinq ans et près de 20 cours de Skillshare en tant que leader de l'enseignant. Quand ce petit cours est sorti, nous avons été encouragés à garder les choses vraiment courtes et douces. Depuis lors, nous avons tous appris que lorsque vous faites un cours en ligne, une taille unique ne convient pas à tous. Depuis, j'ai fait des cours aussi longs que nécessaire pour te donner le meilleur que je peux te donner sans que tu aies besoin d'un sac de couchage. Que vous veniez à ce cours pour la première fois maintenant ou rendiez pour rafraîchir et consulter ce nouveau chapitre de leçon, je suis si heureux que vous soyez ici. Dans le reste de cette classe, nous avons appris ce que sont les styles de hachures de base et leurs utilisations. Nous avons testé et appris les capacités de nos stylos à l'aide d'un tableau de personnalité de stylo et nous nous entraînons à construire nos muscles de la main et faire des marques cohérentes avec les grilles de patchwork d'éclosion. Ensuite, je vous ai montré quelques exemples de façons de mettre un peu d'éclat dans votre art et des croquis pour leur donner plus d'ombre et de dimension. Mais aujourd'hui, je veux vous en donner un peu plus avec quelques tirages en temps réel le long des démonstrations. Cette leçon bonus est une sorte de pont entre cette classe d'introduction sur l'éclosion et ma classe de camp de démarrage de dessin à l'encre plus avancée qui est sortie quelques années plus tard. J' aimerais que vous réunissiez trois stylos différents. J' utilise un Stabilo 68 qui a une plume assez épaisse, un Sakura Pigma Graphic 1 qui a une marque un peu plus mince, et un Monoline Studio en taille 05 de The Pigeon Letters. Le papier que j'utilise est la peinture de Claire Fontaine en blanc et il a une belle surface lisse. Utilisez tous les stylos que vous avez sous la main en trois tailles, et utilisez un papier lisse qui ne fait pas trop perdre votre encre ou votre plume. Une chose que je vais noter depuis les premières leçons, alors que je crois toujours que vous devriez faire tourner votre papier le moins possible pour mieux former votre main pour être forte dans la plupart des directions, j'ai développé l'arthrose et cela me donne une compréhension que, parfois, nous devons faire tourner notre papier pour nous empêcher d'éprouver de la douleur. La douleur n'est pas cool. Défier vos muscles et développer vos compétences est une chose, mais si vous avez besoin de modifier les techniques pour votre corps, faites-le. J' apprends activement à écrire et à dessiner avec mon stylo dans différents doigts pour me garder un peu plus à l'aise et j' apprends aussi à faire plus avec ma main non dominante. Parfois, il n'est pas pratique ou possible de faire pivoter votre papier, toile ou le mur sur lequel vous dessinez et à cette époque, il est bon d'être préparé. Mais je suppose que ce que je dis c'est écouter ton corps, défier, mais ne te mets pas dans la douleur. Maintenant, offrez-vous une boisson savoureuse, étirez vos doigts et commençons. Vous vous sentez peut-être déjà prêt à commencer avec les nouvelles choses, mais si vous voulez un échauffement rapide, voici une petite chose que j'aime faire avec l'un des pochoirs que j'ai. Je trace les formes et les utilise comme cadres pour certaines lignes de base. Juste une petite éclosion linéaire pour que les yeux et la main travaillent ensemble. Jetez une courbe ou une vague dans certaines lignes si vous le sentez. Je montre mes marques à la vitesse réelle ici, mais les premières formes étaient certainement plus lentes jusqu'à ce que je commence à me réchauffer. Je suis un grand fan de l'art comme le font les athlètes pour le sport. Avant de dessiner ou de peindre, j'aime faire une feuille de gribouillis d'abord pour faire couler le jus du cerveau et activer les muscles. Si vous n'avez pas de pochoir, vous pouvez tracer autour de petits objets ou dessiner des formes à main levée. C' est l'échauffement qui compte, pas les pochoirs ou les formes. Jetons un coup d'oeil sur la raison pour laquelle nous sommes en train d'éclosion. Qu' est-ce que vous avez besoin de montrer dans les lignes ? Près de loin, de la lumière à l'obscurité ? Ou peut-être les deux. J'ai montré quelques-uns de mes livres préférés plus tôt dans la classe, mais regardons vraiment quelques-unes des pages maintenant. Dans Ferdinand, j'adore comment l' illustrateur Robert Lawson utilise l'épaisseur de trait pour montrer la distance. Consultez les épaisses marques d'hachures courbes le long du bord de la tour. Il semble proche parce qu'il nous donne un sens de l'échelle pour les textures de la scène. Une texture plus grande est logiquement plus proche. Les petites trappes délicates sur le mur semblent très éloignées et le toit à l'arrière médian du dessin utilise de magnifiques hachures de croix sur des hachures linéaires pour transmettre des ombres sombres sur une surface cannelée. Lawson utilise brillamment des marques dispersées et brisées pour donner une impression de surface continue, laissant l'esprit du spectateur remplir les blancs. Le style d'Edward Gorey est complètement différent. Il couvre la plupart des surfaces avec de petites marques en utilisant la direction et la densité pour montrer chaque élément de la scène. Son travail a tendance à paraître plat, mais c'est par design. C' est un peu claustrophobe et surréaliste et tout dépend de ses techniques d'éclosion. Il sait certainement comment utiliser la lumière et l'obscurité et proche et loin quand il le veut comme vous pouvez le voir dans cet exemple pour ces ailes. Selon la partie de l'histoire que vous lisez, les ailes sont profondément hachurées pour paraître plus 3D sur scène, mais lorsqu'elles sont inactives, les ailes sont plates et n'ont que des lignes linéaires légèrement courbées. Il utilise l'éclosion pour raconter l'histoire même sans mots. Enfin, où sont les choses sauvages. Sendak utilise la couleur à la fois comme ligne et blocs d'arrière-plan pour ses hachures. Il est si intelligent et aide à transmettre non seulement chaque élément sur la page, mais aussi l'heure de la journée. couleurs plus vives et moins de lignes aident à montrer les scènes de jour, tandis que des couleurs d'arrière-plan légèrement assombries et plus foncées avec des hachures plus denses créent un effet de soirée ou de nuit. De quoi avez-vous besoin ? Vous voudrez planifier cela avant de dessiner comme l'ont fait ces artistes. Comment obtenez-vous une vraie sensation de loin à proche ou de sombre à la lumière ? En pratiquant des transitions dans l'éclosion. Obtenez une feuille de papier lisse et la plume de stylo la plus grosse des trois que vous avez, tracez une série de lignes parallèles avec un espacement assez uniforme. À partir d'une extrémité, tracez des lignes perpendiculaires près les unes des autres, mais en les étalant au fur et à mesure que vous voyagez vers la droite. Maintenant, plisser les yeux pour brouiller un peu les marques. Voyez-vous comment plus les lignes sont proches, elles semblent plus sombres, elles semblent dans l'ombre, ou même plus loin de vous ? Faisons un autre mais compliquons légèrement les choses. Commencez exactement de la même manière, mais maintenant nous allons ajouter hachurages à un angle de 45 degrés aux premières marques. Sprint et vous pouvez voir que tout cela semble un peu plus plat. La différence est plus subtile dans la transition. Maintenant, essayez encore plus des lignes du haut vers le bas et faites moins de points lorsque vous voyagez vers la droite. Que se passe-t-il lorsque vous ajoutez une autre couche de lignes opposées à 45 degrés ? Ça marche, mais ça n'a pas l'air particulièrement intéressant, n'est-ce pas ? C' est quelque chose que nos illustrateurs préférés savent et nous apprenons ici. Si vous commencez de la même manière mais laissez vos marques varier légèrement en longueur et en placement, vous avez un effet visuel beaucoup plus intéressant. Il semble que la lumière et l'ombre soient plus impliquées. Ajouter la première couche de marques d'angle de 45 degrés, mais les briser un peu donne plus d'intérêt visuel et de texture. Ajouter la dernière couche de marques opposées à 45 degrés, encore une fois, brisée et décalée sur le patch, donne un look plus agréable et professionnel. Il donne à votre imagination juste plus à mâcher. Vous pouvez toujours entrer et ajouter quelques marques supplémentaires pour créer un effet plus dramatique, mais n'oubliez pas de plisser vos yeux souvent pour vérifier si votre transition se mélange uniformément. Ensuite, je veux que vous expérimentiez avec deux largeurs de ligne en même temps. Créez d'abord le même patch de transition sombre à lumière avec le stylo épais, puis voyons ce qui se passe lorsque nous apportons la plume la plus fine. J' ajoute beaucoup de la même chose pour les marques directionnelles, mais ça a l'air maladroit. Voici comment éviter ce regard maladroit lorsque vous mélangez les épaisseurs de ligne. Faisons-le ensemble. Dessinez les premières marques, mais pas tout le chemin vers la droite. Écaler leurs longueurs. Soyez un peu plus aléatoire, mais toujours espacez-les vers la droite. Maintenant, entrez avec le stylo fin, mais laissez-le s'étendre bien au-delà de ces traits plus épais. Rappelez-vous comment à Ferdinand les marques proches étaient épaisses et concentrées, mais les marques de recherche semblent lointaines ? Eh bien, c'est un peu différent parce que les marques sont mélangées et vous obtenez une sensation de profondeur dans le côté gauche, mais visuellement, il se sent plus léger vers la droite, et donc il semble plus près. Ça a l'air un peu déroutant, je sais. Mais selon l'effet que vous voulez, votre largeur de ligne et la façon dont vous l'appliquez ont le pouvoir de raconter une histoire visuelle très différente. Pour comprendre cela, vous devez expérimenter et étudier des exemples d'autres artistes que vous admirez. Demandez-vous toujours comment ils ont fait ça ? Alors essayez-le. Dans ce dernier exemple, j'ai également apporté un stylo de taille moyenne pour améliorer la transition. C' est évident, surtout quand on plisse les yeux, ce qui est maladroit et qui a une transition plus douce. Pour notre dernière pratique de transition, regardons le bateau dans Where the Wild Things Are. Vous voyez le bateau de Max à la lumière du jour et de côté, le bateau semble assez bien éclairé. L' avant de son bateau est censé arriver à un point, donc il s'éloigne légèrement de nous pour le faire. Il n'est pas aussi proche de nous que le côté. Pour montrer ce changement de profondeur, Sendak utilise des éclosions brisées pour passer de l'obscurité de cette zone au côté plus plat et bien éclairé du bateau qui est plus près de nous. Pratiquez un patch dans un style similaire jusqu'à ce que vous ayez une sensation pour une transition en douceur de l'obscurité à la lumière, de loin à proche. Je ne me suis pas inquiété de dessiner le bateau en premier ou d'être parfaitement précis parce qu'il s'agit de construire votre style naturel de marquage, pas de copier Maurice Sendak exactement. Utilisez d'autres artistes comme inspiration pour créer votre propre façon de faire les choses. Ce que vous voyez est la première fois que j'ai essayé d'imiter cette partie de l'illustration du livre. J' apprends avec vous alors que je mets ce que je sais en pratique avec l'exemple. La prochaine fois que j'ai essayé de le dessiner, je sais que je peux m'en sortir avec moins de marques et il sera plus léger et plus proche à cause de cela. J' espère que vous avez apprécié cette leçon bonus. Si vous êtes prêt à en faire plus avec le dessin à l'encre, j'espère que vous prendrez mon cours de camp de démarrage à l'encre pour une expérience beaucoup plus approfondie. Merci beaucoup de vous joindre à moi pour cette leçon de bonus anniversaire et passer une belle journée.