Adoptons un point de vue critique : comment auto-évaluer votre travail

1. Devenons de critiques: [MUSIQUE] Êtes-vous un artiste, créateur ou un graphiste ? Voulez-vous améliorer votre travail, mais vous ne savez pas par où commencer ? Bonjour, je m'appelle Shayna South. Je suis un artiste, un surpenseur et votre instructeur pour la classe d'aujourd'hui. Mais en tout sérieux, être artiste, créateur ou designer entraîne beaucoup de peur et de doute de soi. Mais devenir critique dans votre travail de manière productive est une compétence qui fera vous un meilleur artiste à long terme. À moins que vous n'ayez un directeur artistique en veille ou actuellement à une école d'art, il peut être difficile de trouver des commentaires d'autres personnes, surtout si vous êtes pressé de prendre du temps. Dans ce cours, je veux vous montrer comment appliquer une lentille critique à votre mot et modifier vous-même. Vous serez en mesure de prendre des décisions meilleures et plus rapides au fur et à mesure que vous travaillez, utilisant des choses comme les Principles Of Design, les Principles Of Art, et quelques trucs et astuces que j'ai lorsque j'ai affiné mon processus. Je vais vous montrer quelques exemples d'application de ce processus à mon propre travail avec une pièce finie, et quelques travaux en cours. Critique ne signifie pas négatif. Cela signifie pouvoir s'écarter de votre propre ego et inspecter objectivement une œuvre d'art. J'espère que non seulement vous serez en mesure de modifier vous-même votre travail, mais aussi d'apprécier ce qui rend votre travail si génial. Même avec tous ces outils, vous ne pouvez parfois pas rivaliser avec des commentaires extérieurs. Je vais également vous montrer comment vous pouvez demander à votre famille et à vos amis, qui peuvent ou non être créatifs, comment ils peuvent considérer votre travail d'une manière critique et réellement productive. Préparez ces stylos rouges et passons à la critique. [MUSIQUE] 2. Votre Critique: [MUSIQUE] Pour le projet de classe, vous allez choisir un morceau que vous appliquerez ce processus afin de que vous appliquerez ce processus parcourir la liste de contrôle de ce cours, en prenant des notes au fur et à mesure. Vous pouvez le faire après avoir regardé le cours ou le processus en même temps que les leçons. Dans la galerie du projet, publiez une image de votre travail et partagez conclusions auxquelles vous êtes arrivé après votre critique. Vous pouvez ajouter autant de détails ou aussi peu de détails que vous le souhaitez, condition d'inclure des points positifs ainsi que des zones à améliorer. En prime, les cinq premiers élèves à publier un projet de classe recevront une critique complète de ma part. Allons de l'avant et commençons. [MUSIQUE] 3. Étape de l'édition: [MUSIQUE] Tout de suite. Je veux clarifier une chose très importante, savoir qu'il ne faut pas attendre d'avoir terminé le projet pour l'examiner de façon critique. Tout au long de votre processus, vous devriez vous poser les questions que nous allons aborder aujourd'hui. Au bout du compte, je vais vous montrer une critique d'un projet terminé. [BRUIT] Je vais également vous montrer quelques exemples de travaux en cours et de projets inachevés pour vous montrer ma logique et comment appliquer ce que vous apprendrez dans ce cours aux travaux en cours, non pas juste des pièces finies. [NOISE] Le projet terminé avec lequel je vais travailler aujourd'hui est une carte de vœux que j'ai faite pour le travail. C'est ce que je vais utiliser comme ligne de passage dans chaque leçon. Ensuite, j'intégrerai différents travaux en cours au fur et à mesure. Quand il s'agit d'éditer pour conception graphique, l'illustration ou d'autres formes d'art, je pense que c'est comme écrire. Vous avez votre plan, un brouillon approximatif, peut-être un deuxième brouillon approximatif que vous partagez avec quelqu'un. Ensuite, vous avez quelque chose qui est proche de la finale. C'est ainsi que je regarde le montage tout au long de mon travail. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de zoomer et d'entrer dans le bon espace de tête pour regarder de manière critique votre travail. [MUSIQUE] 4. Zoom Out: [MUSIQUE] Avant d' entrer dans la folie de notre critique, je vais vous demander de faire une chose très importante est-à-dire de faire un zoom arrière de votre travail. Nous voulons faire un zoom arrière maintenant que nous sommes physiquement mais mentalement. Cela signifie s'éloigner de votre projet et vous dégager la tête. Cela signifie aller se promener, nettoyer la maison, cuisiner le dîner, peindre les ongles, faire tout ce que vous devez faire pour sortir un peu de votre tête. Vous voulez entrer dans la critique, rafraîchi et avec une nouvelle perspective. y a de fortes chances que vous travailliez sur votre projet depuis un certain temps. Nous voulons sortir de cet espace de tête, y entrer comme si c'était quelque chose que vous n'aviez jamais vu auparavant. Une fois que vous avez fini de vous éclaircir la tête, il est temps de plonger. La première chose que j'aime faire est d'imprimer mon travail. Maintenant, si vous travaillez numériquement et que votre projet final sera numérique, peut-être l'imprimer n'a pas de sens. Mais j'aime bien avoir cette feuille de papier physique en main. J'aime prendre du recul physique par rapport à mon travail. Mais bien sûr, vous pouvez également effectuer un zoom arrière dans Photoshop Illustrator ou n'importe quel programme dans lequel vous vous trouvez. Mais le but est de prendre en charge votre projet en une seule fois. Au lieu de nous concentrer sur un petit détail de ce coin, nous voulons commencer par regarder tout le monde. J'aime déménager de l'extérieur et nous reviendrons donc à ces petits détails plus tard. Nous sommes maintenant prêts à entrer dans la partie critique de ce processus. 5. Mission/objectif: [MUSIQUE] Vous devriez maintenant avoir la tête claire pour regarder de manière critique votre travail. La première chose que j'aime faire est de regarder ma pièce son ensemble et de voir si elle remplit la mission du projet. Si vous regardez le travail des clients, la question serait est-ce que cela répond au mémoire que j'ai reçu de mon client ? Si vous n'avez pas de client et que vous travaillez simplement pour vous-même, vous avez peut-être créé une nouvelle pièce pour votre portefeuille, notez quel est l'objectif de cette pièce de portefeuille. C'est peut-être pour mettre en valeur vos compétences en lettrage, ou peut-être que vous montrez vos capacités de graphisme en créant un logo et un guide de style. Même s'il s'agit d'un projet inventé, allez-y et écrivez leur mémoire, donc nous avons une étoile du nord à suivre. Enfin, vous pourriez avoir une pièce que vous venez de créer vous-même. Vous essayez simplement d'améliorer vos compétences ou peut-être que vous faites de l'art pour l'amour de l'art. Au bout du compte, l'objectif est de vous assurer que vous réalisez ce que vous avez prévu de faire. C'est mon exemple. C'est une carte de vœux que j'ai faite pour le travail. Je tiens juste à noter que j'ai bloqué le logo, donc c'est ce que sont ces carrés noirs. où ils se trouvent, il y aurait un logo, alors prétendez que c'est là. Quoi qu'il en soit, il s'agissait d'une mission au travail où ils cherchaient une carte de vœux à envoyer pour la nouvelle année, et c'était à la fin de 2020. J'ai l'impression de ne pas avoir à expliquer pourquoi tout le monde était content de voir partir 2020, mais il est important de noter le moment choisi. La mission consistait à créer une carte du nouvel an reflétant le réveillon du Nouvel An suivant 2020. Quelque chose qui est léger mais qui n'est pas sourd à la réalité de ce à quoi ressemble la vie pendant une pandémie. La carte doit avoir l'impression d' insérer un nom de marque et d'utiliser les couleurs de la marque. Personnellement, je voulais concevoir quelque chose que je pourrais partager mon point de vue en tant qu'artiste sans trop distraire de la marque. Je voulais créer quelque chose que je pourrais également présenter dans un portefeuille, comment je travaille dans le respect des directives ou des normes de la marque. Le concept a été développé collaboration avec mon équipe et un de mes collègues a eu l'idée de faire une carte de vœux ressemblant à un appel vidéo. C'est le concept que nous avons fini par adopter, et c'était le résultat final. Même si nous sommes séparés, nous pouvons toujours célébrer ensemble. La première question que je me poserais est est-ce que cela atteint l'objectif ? Est-ce que vous recevez ce message ? Pour ce projet, je peux dire oui, je suis très confiant que j'ai atteint tous ces points. C'est amusant, c'est léger. Il reconnaît la pandémie sans trop se concentrer sur elle et se concentrer sur l'obscurité de l'année écoulée, mais elle n'est pas non plus trop frivole. Nous ne faisons pas que prétendre que rien ne s'est passé et que tout était comme d'habitude. Cela permet d'atteindre définitivement les objectifs de la mission. La deuxième partie de mon objectif, mon objectif personnel, était de créer quelque chose dans mon style qui fonctionnait toujours dans le respect des directives de la marque, et je pense que j'y parviens définitivement. Ce sont toutes des couleurs de marque, mais il y a quelques petites touches un peu plus personnelles, comme les petits dessins au trait des visages. J'ai également ajouté de la texture ici et là. C'est peut-être un peu difficile à voir ici, alors je vais superposer une photo de mon ordinateur. C'est juste quelque chose que j'ai imprimé pour mon imprimante domestique, donc cela ne ressemble pas exactement à quoi ressemble la dernière pièce. Je peux dire oui en toute confiance que j'ai également atteint mes objectifs personnels avec ce projet. J'ai déjà répondu un peu à cela, mais une autre question importante que je me poserais quelles émotions ce projet évoque-t-il ? En regardant ça avec ma tête claire, en sortant de ce que je sais déjà, ça m'a l'air très joyeux. Tout le monde sourit et agite, fête, tout le monde passe un bon moment. Les couleurs sont joyeuses. J'ai juste une scène très heureuse et joyeuse ici. Certaines de ces questions peuvent sembler idiotes de se demander si vous êtes vraiment investi dans un projet, mais elles sont importantes parce que vous devez comprendre comment les autres personnes percevront votre travail une fois qu'il sera publié dans le monde. La troisième question que je me poserais, qui concerne l'objectif général, concerne le style. Est-ce que cela correspond au style souhaité et est-il cohérent ? Dans l'ensemble, je dirais oui. Je ne passe pas soudainement d' un peu d'ombrage à des zones fortement ombragées. Les seules lignes ici concernent les détails nécessaires, ce qui permet de distinguer les doigts ici. La ligne qui sépare le haut et le bas de la grille. C'est juste des choses essentielles. Cette partie, certainement, oui. J'avais un style spécifique avec lequel je travaillais, et je l'ai suivi. La deuxième partie de la question, je pense que j'aurais pu faire un peu mieux, car le style n'est pas totalement cohérent dans certains domaines. Par exemple, ici, c'est censé être Detroit. Nous avons ici un bâtiment, le Renaissance Center. Je n'avais pas de fenêtres. Ce bâtiment a des fenêtres partout, donc j'ai juste gardé ces lumières qui changent en haut des bâtiments, mais ici j'ai des fenêtres, j'ai des fenêtres éclairées. Ici, j'ai en fait des fenêtres sombres, non éclairées et qui en voient plus ici, donc ce n'est pas super cohérent. Si je devais revenir en arrière et recommencer, je pourrais le mettre à jour en ajoutant peut-être des fenêtres ici et là, même si ce je pourrais le mettre à jour en ajoutant peut-être des fenêtres ici et là, sont des fenêtres assombries. autre chose que j'aurais pu faire, c'est peut-être ajouter un peu plus de texture dans certains de ces arrière-plans. Ils sont très plats, ce qui est correct car cela crée des contrastes entre les figures au premier plan, mais en regardant cela maintenant, je me demande si une texture a pu aider à définir le scène un peu plus. C'est quelque chose que je pourrais faire différemment la prochaine fois. Mais dans l'ensemble, je suis toujours très content de la façon dont cela s'est avéré. Parfois, vous ne pouvez pas passer trop de temps sur un projet, vous devez évaluer l'importance de ce projet. J'ai beaucoup d'autres responsabilités dans mon travail, donc même s'il y a choses que j'aurais pu améliorer, je suis toujours satisfaite de la carte dans son ensemble. Je vais maintenant jeter un coup d'œil à un travail en cours. [NOISE] Je travaille la création d'une collection de motifs pour mon portfolio. J'essaie de me lancer davantage dans une carrière d'illustration et de design de motifs. C'est quelque chose que j'ai construit. Encore plus de collections de motifs et de motifs. La collection sur laquelle je travaille actuellement est inspirée par un cycle de vie de jardin. C'est un modèle que je vais créer en m'inspirant des paquets de graines. Mon objectif global avec l'ensemble de la collection de motifs est de créer quelque chose qui représente le cycle de vie du jardinage et le travail d'un jardinier. Je veux que mon motif de paquets de semences reflète un style spécifique qui comprendrait des éléments dessinés à la main comme ces lignes d'encre que vous voyez ici. J'aime aussi les choses qui ne sont pas tout à fait parfaites, donc j'aime bien l'esquisse de ces premières esquisses que j'ai faites. s'agissait que de croquis lâches basés sur des paquets de semences réels. Même si je n'applique pas l' intégralité de mon processus critique en ce moment, je pense toujours à mon objectif pour ce projet. Même si j'aime vraiment le look plus désordonné de ceux-ci, ce n'est pas le look ultime que je veux. Ce ne sont que quelques croquis de pratique. Après ces croquis d'entraînement, je les ai. Ici, vous pouvez voir que je joue avec différents styles. Ici, j'ai quelques gribouillis pour représenter du texte, mais je dis qu'il s'agit de radis. Ici, il n'y a pas de texte du tout, vous pouvez le voir. Ce n'est que des blocs de couleur, lignes d'encre désordonnées au-dessus. Ensuite, ici, c'est de toute couleur, il n'y a pas de lignes du tout. Cela représente quelque chose qui ressemble presque à une pièce imprimée avec des couches de couleur unie. En gros, je jouais simplement avec différentes approches pour voir quelle direction me distinguait et comment ce schéma pourrait ressembler à la fin. Veuillez également excuser ces taches d'encre folles ici, j'ai peut-être renversé une toute nouvelle bouteille d'encre. On y va. Nous sommes tous humains. Je pense que vous pouvez voir ici que je ne fais travailler les choses au fur que travailler les choses au fur et à mesure pour ne pas finir avec un dernier motif qui ne ressemble pas au reste des motifs de la collection. Je suis toujours en train d'évaluer, d'évaluer et de voir dans quelle direction je devrais aller. Je pense que cette section des objectifs couverte et nous allons passer à la prochaine leçon et parler un peu plus lisibilité et de textes. [MUSIQUE] 6. Lisible, lisibilité et texte: À la fin de la dernière leçon, j'ai dit que nous allons parler de lisibilité et de textes. Nous allons également discuter de la lisibilité. Vous vous demandez peut-être pourquoi je parle de ça avec cette carte de vœux. Quand je dis lisibilité, je parle de la façon dont quelque chose se lit, alias comment il est interprété. Même si le seul texte la page est ce bouton qui dit quitter, ici, je regarde comment quelqu'un interpréterait cela. Est-ce qu'ils interprètent ce que je veux qu'ils fassent ? Certaines questions pour ce projet que je me poserais seraient : premièrement , est-ce que cela se lisait pour la marque pour laquelle je le crée ? Je sais que c'est peut-être difficile avec les logos occultés, mais je pense que c'est clairement le cas avec les couleurs de la marque et les multiples placements des logos, c'est aussi un design très épuré et simple comme beaucoup de nos designs de marque. Une autre question pour cette pièce est est-ce que cela ressemble à un appel vidéo ? Je dirais oui, je pense que c'est le cas. C'est pourquoi ce bar ici est si nécessaire. Si je n'avais pas ce bar, cela ressemblera peut-être à un collage de gens dans différents endroits qui disent bonjour, mais en ayant cette barre là, indique qu'il s'agit d'un appel vidéo. J'utilise des symboles très courants ici pour refléter cela. Une autre question importante est est-il clair que ces personnes se trouvent dans des endroits différents ? C'était quelque chose que je connaissais pendant que je travaillais. Ici, c'est la nuit, c'est quelque part sur la côte est, peut-être New York, mais vous pouvez voir que depuis l'arrière-plan dans les fenêtres, vous pouvez également voir qu'ici, c'est censé être le Détroit skyline. Ici, nous avons des palmiers, on dirait que le soleil se couche , mais le soleil est définitivement encore dehors, et ici, nous pouvons voir cette fenêtre en arrière-plan montre un climat froid, et ce n'est pas le cas tout aussi sombre que ces deux endroits. C'est peut-être quelque part en plein centre du pays. Donc oui, pour moi, il est écrit que ces personnes se trouvent toutes dans des endroits différents. Je vais faire ici une distinction entre lisibles et lisibles, techniquement ces mots sont interchangeables, mais je vais utiliser lisible dans ce contexte pour décrire comment quelque chose est interprété, et je vais utiliser lisible pour décrire à quel point quelque chose est clair dans un texte particulier. Ici, si je devais dire, est-ce lisible, ce petit mot reste ici. Je demande s'il y a suffisamment de contraste pour que je puisse voir le mot quitter ? Le contraste entre la couleur du mot et la couleur de l'arrière-plan est-il peut-être trop petit ? Est-ce difficile à lire ? C'est ce que je veux dire quand je vois lisible. Mais à part cela, je pense que je suis prêt à passer à l'une de mes œuvres en cours. Revenons aux paquets de graines. Avec ces paquets de graines, je veux qu'il soit très évident que c'est ce qu'ils sont. Je vais me demander, est-ce que ces paquets se lisent comme des paquets de graines ? Quelqu'un qui regarde un motif fabriqué à partir de ces modèles comprendrait-il qu' il s' agit de paquets de semences ? Si je suis totalement honnête avec moi-même, je ne pense pas que certains d'entre eux le soient. Par exemple, ce paquet de graines de tomate ressemble à une vignette de tomates si cool. Je ne pense pas que quelqu'un qui ne connaissait pas déjà mes intentions comprendrait qu'il s'agit d'un paquet de semences. Mais je ne veux pas non plus que ce projet soit très lourd de texte. Nous avons ici le nom de marque d' un paquet de semences et le type de graines qu'il s'agit. Je pense que c'est juste un peu trop, je ne veux pas que les mots détournent l'attention du design, c'est pourquoi j' ai testé certains d'entre eux sans mots du tout. En me posant ces questions, j'ai décidé de trouver un compromis et c'est ce que nous avons ici. Cette courge musquée, elle dit ce qu'elle est, c'est toujours un design simple. J'ai des éléments dessinés à la main à l'encre, mais c'est toujours simple et pas si occupé. Je ne suis pas opposé à une certaine activité, mais je ne veux vraiment pas que les textes dépassent les paquets de semences. En me posant ces questions, j'ai évité quelques maux de tête plus loin, puis j'ai pu réaliser ces croquis plus raffinés qui combinent ces deux éléments. Le seul texte sera soit le nom de l' usine, puis peut-être quelques prix ici et là que je ne pense même pas les avoir ajoutés. Ce sera juste le nom des plantes et ensuite mes illustrations. À ce stade, je pense que vous devriez bien comprendre ce dont je parle lorsque je parle de lisibilité, alors parlons maintenant un peu plus de lisibilité. Quand je me demande quelque chose est lisible, je demande si c'est clair. J'ai l'impression que ce sont deux très bons exemples, à côté de l'autre. Ce sont deux tableaux d'illustration que j'ai réalisés dans le cadre d'un projet de 100 jours l'année dernière, 100 jours de conteneurs. À gauche, il est très clair ici que ça dit Gumption, et puis il y a un petit slogan qui dit être audacieux là-dessus, que ce soit une bouteille de bière froide ou de bière ou quel que soit votre poison, mais vous peut clairement voir le mot Gumption. Il est distinct du contexte, nous savons exactement ce qu'il dit, donc il est lisible. Ici, c'est un peu plus difficile. Le mot que je jouais était Gusto pour ce contenant à épices, je sais que c'est ce que cela dit, mais si je faisais ça pour un projet réel, ce ne serait pas très bon. Il est difficile de voir ce qu'il dit. Je ne sais pas si quelqu'un qui regarde ça sans contexte, sans que je le dise, saurait que c'est ce qu'il dit. Ce G ressemble à un C. Ce S a ce tourbillon supplémentaire ici, c'est peut-être un peu incohérent, et ce n'était qu'un projet de pratique donc je n'ai pas le cœur brisé par ça, j'aime le look général, mais est-ce lisible ? Pas vraiment. Ce n'est pas très lisible pour moi. C'est quelque chose à garder à l'esprit. Surtout si vous créez pour un client ou une pièce de portefeuille, vous devez vous assurer que les gens peuvent lire vos mots. certains cas artistiques, c'est peut-être acceptable s'ils ne le font pas, mais pour la plupart, l'objectif est que les gens puissent lire des mots si vous les incluez dans votre travail. Ensuite, j'ai quelques autres exemples pour vous, qui sont encore meilleurs. En parlant ici de lisibilité, je pense qu'il est très évident que ces deux éléments ne sont pas très lisibles, ils ne sont pas très clairs. Ce mot, Têtu, ça a l'air bien. Je peux le voir, mais ici, il est dit ciment caoutchouc et ces lignes en arrière-plan ou vraiment distrayantes. n'y a pas beaucoup de contraste et n' aide pas non plus que le caoutchouc et le ciment ne soient pas des formes de lettres super épaisses, donc c'est difficile à lire. Voici un exemple différent, mais le mot Abondant. Il ne se passe rien vraiment en arrière-plan, mais le problème ici est que ce rose et ce vert sont très similaires en valeur et en dynamisme. Ces couleurs ici, elles vibrent les unes contre les autres pour que vous puissiez voir, mais cela me rappelle aussi ces illusions d' obstacles que regardait quand on est enfant. Le genre que vous devez vous rapprocher , puis reculer pour voir la scène, c'est ce qui me rappelle. Non, je dirais que ce n'est pas très lisible, non plus. Comme je l'ai déjà dit, ce sont des projets d' entraînement, donc je suis d'accord avec ça, mais si je devais peut-être scanner cela et transformer tout cela en autre chose, c'est quelque chose que je devrais réparer parce que est-ce qu'il est bon d'avoir le mot là si personne ne peut le lire ? J'ai déjà parlé de texte, mais parlons un peu plus du texte lui-même et copions. Comme je l'ai mentionné au début de ce cours, nous allons aller vers l'extérieur. De cette perspective zoomée vers l'arrière pour effectuer un zoom avant. Cela va s'appliquer davantage au graphisme qu'à d'autres types d'art ou d'illustration, mais c'est vraiment important. Lorsque je regarde le texte, je pourrais commencer par regarder la hiérarchie. Quelles sont les choses les plus importantes sur cette invitation ? En regardant cela en ce moment, les noms se démarquent d'abord pour moi, puis je vois ce dîner et je danse à suivre, puis je vois la date ici. C'est tout naturellement là que mon œil est allé. Ces très gros mots, la police du script n'est pas seulement script qui est différent du reste du texte, mais il est gras, il y a ces lignes plus épaisses donc c'est là que mon œil est allé en premier. Si je devais redessiner cela, je ne sais pas si je changerais un peu plus ça, mais le dîner et la danse à suivre ne semblent pas aussi importants que certains de ces autres articles ici. Il y a peut-être quelque chose que j'aurais pu faire pour aider la hiérarchie. Si vous travaillez avec du texte, peut-être que vous créez une affiche ou un dépliant, peut-être que c'est une couverture de livre, c'est quelque chose que vous allez devoir prendre en compte. Quelle est la hiérarchie ? Où va mon œil en premier ? Si mon œil va d'abord quelque part, s'agit-il de l'information la plus importante ou est-ce juste quelque chose qui n'est peut-être pas hors de propos, mais pas aussi important que quelque chose comme la date, disons. Autre chose qui est vraiment importante, c'est que si vous recevez des textes de quelqu'un d'autre pour un projet, si vous êtes le graphiste, ce n'est peut-être pas votre responsabilité de penser à la grammaire ou à l'orthographe, mais il est de votre responsabilité de copier quelque chose de la façon dont il est censé être copié. Si quelque chose doit être mis en italique parce qu'il s'agit du titre d'un livre, vous devrez peut-être le reformater parce que vous avez transféré un document Word vers InDesign. Cela fait partie des listes de contrôle qui sont vraiment importantes pour toute conception avec du texte, veillant à ce qu'elle corresponde exactement à ce qui vous a été fourni. Alors, même si ce n'est pas votre responsabilité, j'aime aussi rechercher des erreurs d'orthographe au cas où. Si votre client votre patron ou quelqu'un vous envoie un texto, il est probablement préférable de le regarder et de voir s'il y a quelque chose qui se démarque pour vous. Comme je l'ai dit, surtout s'il s'agit d'un client et je suis sûr que vous auriez quelque chose dans votre contrat qui indique que vous n'êtes pas responsable des erreurs d' orthographe s'ils fournissaient des textes ayant un erreur, mais c'est toujours une bonne chose à faire. Cela fait toujours partie de ma liste de contrôle. Mais pour l'instant, je vais passer à la prochaine leçon et parler de ce que sont les angles morts et de la façon de les surveiller. 7. Taches de stores: Cette prochaine leçon peut être l'une des plus importantes pour l'auto-édition. Cela implique de rechercher les angles morts dans votre travail. Les angles morts sont fondamentalement des choses différentes que vous ne verrez peut-être pas vous-même. Lorsque vous travaillez sur un projet, vous êtes impliqué à chaque étape du processus, c'est un projet personnel. Vous venez à votre travail de votre propre point de vue unique, votre propre vision du monde, de votre propre culture, votre propre sens de l'humour, votre propre compréhension du monde. Fondamentalement, vous faites partie de votre travail et parce qu'il peut être difficile de s'en éloigner, il peut y avoir des choses que vous ne voyez tout simplement pas. Mais au bout du compte, il est de votre responsabilité surveiller l'un de ces angles morts parce que vous mettez du travail dans le monde et lorsque vous mettez du travail dans le monde, cela signifie que les gens peuvent y réagir et interpréteront les choses, que vous le vouliez ou non. Mon premier exemple d'angle mort serait un sens involontaire. J'ai ici une pièce sur laquelle je travaille depuis un certain temps et je n'ai tout simplement pas fini. J'aurais dû le remarquer plus tôt dans mon processus. Je pense que cela renforcera pour vous l'importance de vérifier votre travail au fur et à mesure. J'ai ici cette citation tirée d'un film et c'est censé être que tu aimerais vivre délicieusement. Ce n'est que lorsque je l'ai montré à quelqu'un d'autre et qu'ils étaient confus et ils dit, on dirait que j'aimerais vivre délicieusement ou que tu aimes vivre. Vous pouvez voir la confusion ici et c'est un exemple où je connais tellement la citation. J'avais fait une série de croquis. J'ai beaucoup aimé la mise en page et le design et je manque juste qu'il puisse être lu d'une autre manière et je pense que c'est juste parce que j'étais déjà très familier avec la citation. Mais pour quelqu'un comme moi qui n'est pas graphiste avant tout, je suis plutôt artiste et illustrateur, je me suis tellement emballé dans le design. Ça m'a complètement manqué. Vous en verrez probablement des exemples dans la nature. Un bon exemple que j'ai vu sur Internet, je filme ça pendant la saison d'Halloween est l'enseigne dans un magasin d'artisanat et il y truc ou une friandise ou c'est ce qu'il est censé dire. Je vais juste en insérer une photo ici. Je ne pense pas qu'il vous faudra beaucoup de temps pour comprendre ce qu'il semble dire. Ce sont tous deux de bons exemples d'angles morts. Heureusement pour moi, je ne l'ai partagé nulle part. Je n'en ai même pas encore fini avec le design. Je l'ai attrapé tôt et même si je ne l'ai pas attrapé, je ne pense pas que ce soit si important. Cela ne change pas totalement le sens. Je pense que beaucoup de gens auraient encore l'idée. Cependant, l'enseigne est probablement vendue dans des milliers de magasins aux États-Unis , de sorte que les enjeux y sont un peu plus élevés. D'autres choses à surveiller sont nos images ou nos symboles. Peut-être un symbole qui signifie quelque chose que vous ne voulez pas voir dans votre dessin et peut-être que vous n'avez même pas créé ce symbole exprès. C'est peut-être juste la façon dont certaines formes ont l'air ensemble. Peut-être qu'une partie d'une conception finit ressembler à une anatomie humaine. Cela arrive de temps en temps. Si vous avez vu ce documentaire sur la société de legging, vous savez peut-être de quoi je parle avec ces leggings hamburgers. Je classerais tous ceux qui ont des significations imprévues qui ont probablement des solutions assez simples. Il y a deux points principaux sur lesquels je vais aborder en ce concerne la représentation et l'inclusivité. Une question importante à poser pendant que vous travaillez, alors que vous faites une critique, est renforcer involontairement les stéréotypes ou tropes liés à la race, à l' âge, au sexe, à la sexualité, à la religion, tout ce qui précède. Certaines choses me manquent probablement, mais c'est quelque chose dont vous voulez être conscient. J'aime penser à certaines de ces choses qui deviendront parfois virales. Il peut y avoir un message sur les réseaux sociaux ou une illustration sur un site Web pour une très grande entreprise et tout le monde le regarde et dit : qui a approuvé cela ? Comment cela s'est-il passé ? Ce sont les tests que vous souhaitez faire avec votre travail. Y a-t-il quelque chose qui pourrait être mal interprété ? Certains de ces exemples viraux, rien n'est mal interprété. Peut-être que quelqu'un a pris une décision insipide et c'est aussi simple que cela. Mais je vais dans ce cours que vous avez intentions pures et que vous voulez vous assurer que vos intentions pures restent ainsi. Parce que les intentions ne signifient rien une fois que vous avez mis du travail dans le monde. En ce qui concerne l'inclusivité, cela signifie simplement être conscient des personnes que vous représentez dans votre travail. Désormais, selon une mission, si vous travaillez pour un client, cela peut varier. Si vous concevez une brochure pour un compte d'épargne-retraite, vous aurez probablement un public assez clair et tout le monde sera probablement dans la même tranche d'âge. Mais il y a peut-être des façons d'avoir représentations plus larges ou meilleures, donc au lieu de montrer, grand-mère et grand-père aux cheveux blancs, appeler les petits-enfants et tenir des aiguilles à tricoter, vous pouvez peut-être aller au-delà de ces stéréotypes. Il y a beaucoup de gens, 60 ans, 70 ans, qui vivent des modes de vie complètement différents. Je vous encourage vraiment à ne pas oublier de considérer les gens comme des gens et il existe différentes façons de le montrer dans votre travail, que vous travailliez avec des illustrations ou des photographies. Le troisième angle mort que je vais couvrir est la fausse déclaration. Je pense que celui-ci est assez simple et celui-ci s'applique peut-être un peu plus strict travail des clients ou à tout travail de marque. Pour ma position actuelle, nous avons des directives très claires sur l'utilisation de notre logo. Nous avons également des règles très spécifiques concernant les couleurs sur lesquelles notre logo peut figurer ou les couleurs que nous pouvons utiliser. Nous essayerions d'éviter les combinaisons de couleurs qui pourraient ressembler à nos rivaux. Nous avons également essayé d'éviter toute combinaison de couleurs avec notre logo sur des arrière-plans colorés spécifiques, de sorte que parfois notre logo peut ressembler à celui d' une autre entreprise car c'est très simple. En ce qui concerne les fausses déclarations dans un sens plus large, cela pourrait signifier que votre travail ne copie pas le travail de quelqu'un d'autre ou s'y ressemble étroitement. Ou peut-être travaillez-vous sur un projet de lettrage et que vous avez une police de script blanche sur fond rouge et que vous pensez que c'est incroyable. Vous êtes tellement content de la façon dont votre lettrage s'est passé et les gens le regardent et ils pensent qu'il est censé ressembler à une parodie du logo Coca-Cola, peut-être le blanc sur le rouge. Certains détails de votre petite étoile finissent par donner l' impression que c'est une carte de vœux de Noël. Ce n'est qu'un exemple simple de la façon dont une combinaison de choses peut ressembler à quelque chose que vous n'essayez pas de créer. C'est pourquoi ces angles morts sont si importants à surveiller car c'est quelque chose que vous pourriez facilement manquer, mais que vous pouvez facilement corriger avec quelques petits ajustements. Le dernier angle mort que je vais aborder est celui des tendances. Nous savons tous que les tendances vont et viennent. Il y a des tendances dans les choix de couleurs, il y a des tendances dans les styles d'illustration. Il existe des tendances en matière de logos. Nous les voyons tout le temps et ils sont faciles à aspirer. Parfois, sans même s'en rendre compte. Surtout si vous travaillez toujours vers un style établi, il peut être plus facile de tomber dans et de sortir des tendances. Nous dirons que ces illustrations suivent un peu une tendance. Je pense qu'avec les lignes sinueuses, c'est très courant dans de nombreux espaces numériques. J'ai l'impression qu'ils ont beaucoup d'illustrations comme celle-ci qui sont amusantes, mais les gens sont un peu maladroits. Ils ne sont pas censés paraître super réalistes. Il n'y a pas beaucoup de lignes, c'est beaucoup de formes. Je dirai que j'ai une certaine texture ici, ce que nous sommes encore dans cette tendance très plate en ce moment. Je me suis un peu mélangé en ajoutant un peu plus de texture. Mais je suis en train de tomber dans une tendance ici. Et c'est tout à fait correct tant que vous en êtes conscient. Pour cela, il s'agit d'une œuvre d'art temporaire. Il s'agit d'une carte de vœux que j'ai fabriquée pendant un an pour un lieu et une heure spécifiques. Je suis d'accord pour suivre la tendance. Cependant, si vous travaillez sur un logo et que vous créez un guide de style pour une entreprise, disons qu'il s'agit d'une banque qui existe depuis 100 ans et qu' prévoit d'en rester 100. C'est alors que vous vous éloignez des tendances et que vous essayez de trouver quelque chose d'un peu plus intemporel. Cela dépend donc beaucoup du travail à accomplir. Même si vous créez vous-même, voulez-vous vous démarquer et développer davantage votre propre style ? Ou essayez-vous de jouer dans une tendance ? Une partie de mon travail consiste à gérer des comptes de médias sociaux Si je conçois un graphique à publier là-bas, il est logique de sauter sur une tendance pour obtenir visibilité et je sais que c'est fugace, c'est temporaire. Les choses que je publie sur ces comptes de médias sociaux peuvent rester là-haut pendant un certain temps, mais personne ne regarde en arrière et ne critique le design et dit que c'est périmé à moins que je ne publie cinq ans trop tard. Maintenant, si vous commencez par graphisme ou l'illustration, je ferais attention à me fier trop aux tendances ou à les laisser pénétrer dans votre travail. chose que j'ai beaucoup vu, ce sont ces logos qui sont préformatés. Ils ont peut-être les initiales de quelqu'un, puis il est entouré d'un cercle de fleurs. À ce stade, il est tellement surutilisé qu'il a l'air générique. Cela ne veut rien dire. Si tout ce dont vous avez besoin, c'est d'un logo parce que vous allez vendre travail à une foire artisanale et que vous voulez simplement quelque chose d'assez simple. C'est tout à fait correct. Cependant, si vous essayez de créer une entreprise ou de créer une entreprise, si votre logo ressemble à celui de tous les autres, il peut ne pas se démarquer. Il n'y a rien de mal à suivre une tendance tant que vous savez comment vous l'utilisez et comment elle peut apparaître en fonction du contexte et de la durée pendant laquelle vous souhaitez être pertinent. J'ai couvert quatre zones différentes d'angles morts ici, mais il y en a probablement d'autres dont je n'ai pas mentionné qui ne me sont pas venus à l'esprit lorsque je planifiais ce cours. Si vous en avez d'autres, hésitez pas à laisser des notes dans les discussions sur d' autres domaines où les gens pourraient négliger des choses ou manquer des choses dans leur travail. Dans la prochaine leçon, nous allons aborder certains des principes de base du design et de l'art. 8. Principes de l'art et de design : Partie 1: [MUSIQUE] Pour cette leçon, je vais passer en revue les principes de l'art et les principes du design. Maintenant, c'est quelque chose avec lequel j'aurais pu commencer ce cours, mais je voulais mettre en place cela de la façon dont je travaille. J'ai mentionné au début comment j'aime effectuer un zoom arrière et me déplacer vers l'intérieur. Cela fait partie de ce processus pour moi. Tous ces principes de l' art et les principes du design dont je parle, je travaille à travers la création de mon travail. Ils ne font que partie de moi et de mon processus. Ils sont probablement pour vous, que vous le sachiez ou non. Si vous êtes tout nouveau dans l'art, design, ou quelque chose de ce genre, vous ne savez peut-être pas qu'ils existent, mais vous les utilisez probablement comme vous travaillez déjà. J'aime utiliser cela comme dernière étape mon processus car il n'y a probablement pas de changements majeurs que je dois apporter, mais il y a peut-être de petits ajustements ici et là que je peux utiliser pour améliorer mon travail. Pour cette leçon, je vais utiliser la carte de vœux et quelques autres exemples. Premièrement, quels sont ces principes ? Comme je l'ai mentionné, je passe en revue les principes du design et les principes de l'art. Il y a un certain chevauchement ici, mais il y a quelques variations entre les deux. Je vais commencer par ce qu'ils ont tous les deux en commun. Les deux ensembles de principes comprennent l'équilibre et l'alignement, contraste, le mouvement et la répétition. Ensuite, l'accent, la proportion et les espaces blancs complètent la liste des conceptions. Le rythme, l'harmonie ou l'unité et la variété complètent les principes de l'art. Une chose importante que je tiens à souligner est que ce ne sont pas nécessairement des règles strictes que vous devez suivre, elles ressemblent davantage à des directives et à un langage à utiliser lorsque vous parlez de votre travail. Tout d'abord, je vais commencer par ce que ces deux-là ont en commun. Le premier est l'équilibre et l'alignement. Cela signifie que tout ce qui est dans votre travail a un poids et que nous voulons maintenir l'équilibre entre les choses. Cela peut signifier du texte s'il s'agit d'un document ou d'un design lourd de texte, couleurs, de textures, de choses comme ça. L'alignement peut également affecter l'équilibre en déplaçant le poids. Ici, je ne dirai pas d'alignement central, mais ce sont des divisions dans cette pièce. Il y a presque une ligne qui court ici et ici sur la carte, il y a ces quatre rectangles différents. J'ai joué avec le placement dans les scènes. Ce couple ici est au centre de cette scène. Ici, ils sont espacés. C'est un peu asymétrique. Mais j'ai un certain alignement ici. Il y a une ligne invisible avec le haut de sa tête. Il a la spatule , puis le sommet de ces palmiers. Nous regardons déjà cela un peu différemment de ce que nous étions auparavant. Vous pouvez le voir, je pense que cela a une assez bonne répartition de ce que j'appellerais le poids. Certaines choses qui représentent ce serait cette couleur jaune. Il est très lumineux, donc il attire votre attention. Vous pouvez plisser les yeux même pour voir ce petit peu mieux. Bien que quelque chose que je remarque maintenant est, cela a un alignement. Il y a presque une ligne droite qui va de cet espace entre ces fenêtres jusqu'au rideau ici. Si je devais modifier cela ou le refaire, c'est peut-être une zone que je changerais. Peut-être que j'ajouterais une autre partie du rideau ou quelque chose pour briser ça parce que ce n'était pas ce que j'allais chercher. Je veux que les choses soient naturelles. On dirait presque que je l'ai fait exprès, et je ne l'ai certainement pas fait. Je vais vous montrer un autre exemple très rapidement. [BRUIT] Cela fait partie des 100 jours de conteneurs dont j'ai parlé plus tôt. Ici, j'ai une petite boîte de pêches. J'aime cet exemple car il est équilibré différemment. Même si cette zone prend beaucoup plus d'espace que cette petite bande en bas, elle est lourde. simple fait d'avoir ce fond vert foncé porte beaucoup de poids. Ce fond blanc et ces couleurs orange plus clair ajoutent un certain poids en raison de l'espace qu'ils occupent. Mais c'est en fait assez équilibré à mon avis. Ensuite, pour couronner le tout, j'ai répété le vert avec ce petit onglet ici. Alors même cet exemple ici, si nous parlons d'équilibre, je pense que c'est comme la petite pompe, c'est la bouteille de parfum. Je pense que cela équilibre la lourdeur supérieure du flacon de parfum. Tout le poids est au sommet ici. Tout simplement en ayant cette corde ou ce tube, je suppose que vous diriez, et en ayant la pompe ici, cela ajoute juste un peu d'équilibre. On dirait que ça ne va pas se renverser. Notre prochain principe est le contraste. J'ai l'impression que celle-ci est probablement la plus explicite, mais fondamentalement, un contraste faible ou élevé peut complètement changer la conception. Vous aurez toujours besoin d'un certain contraste pour différencier les éléments les uns des autres et le texte de l'arrière-plan. Plus il y a de contraste entre les éléments, plus ils se démarqueront. Il est important de se rappeler que contraste ne se limite pas à la couleur. Il peut faire référence à des textures, des motifs, des polices, etc. Je pense que ce sont deux exemples intéressants à examiner ensemble. Ici, nous avons un contraste assez élevé entre les mots ici et ensuite ce fond très clair. Nous avons cette couleur anthracite noir foncé et un fond crème. Ensuite, nous avons un contraste beaucoup plus subtil entre cela, je suppose, peut-être un autocollant, il s'agit d'une étiquette sur un emballage, puis ce serait la bouteille. Il ne se distingue pas autant. Il y a encore assez de différence pour déduire qu'il s'agit d'une étiquette sur un colis. Il s'agit alors un peu plus d' une expérience à faible contraste. Si vous êtes quelqu'un qui porte du maquillage, ce pinceau ou le bronzant se décline parfois dans une combinaison de couleurs très proche l' une de l'autre et vous le mélangez à votre pinceau. C'est ce que je voulais reproduire ici. À distance, vous n'allez pas vraiment le voir, mais c'est un exemple de faible contraste intentionnel. Alors un peu moins intentionnel est ce mot, Ruddy, ici. J'ai utilisé une peinture métallique et c'est difficile à voir. Je ne suis pas sûr que vous puissiez voir ça sur la vidéo ou non. Vous ne pouvez vraiment le voir que s'il capte la lumière d'une certaine façon. Ensuite, nous avons du mouvement. Le mouvement désigne la façon dont votre œil se déplace autour de la pièce. Que voyez-vous en premier, puis où va votre œil ensuite ? ce qui est plus illustratif, il peut également faire référence à la façon dont l'action est démontrée. En regardant cette pièce, il n'y a pas forcément une tonne de mouvement que quelque chose qui me démarque tout de suite parce que les choses sont équilibrées, les couleurs, le contraste. C'est une scène assez organisée. qu'il n'y a pas beaucoup de mouvements Je dirais qu'il n'y a pas beaucoup de mouvements autour de la pièce. Mais dans ces scènes individuelles, il y a du mouvement. Il y a très clairement des mouvements avec tout le monde. Ils ont les mains levées comme s'ils agitaient. Nous avons également quelques mouvements ici dans la scène enneigée en arrière-plan. Cela indique un certain mouvement. On dirait qu'il neige activement. Celui-ci pourrait être un peu plus statique parce qu'à part sa main, qui est un peu couverte, il n'y a pas une tonne de mouvement ici. est peut-être quelque chose que j' envisagerais si je devais redessiner ça. Mais je dirais que dans l'ensemble, il y a peu de mouvements dans ces différentes scènes. Juste pour vous montrer un exemple, je n'ai pas une tonne d'exemples qui sont vraiment lourds de texte, mais je pense qu'il serait utile de le montrer, est juste la liste de contrôle de cette classe. Même si cela n'est pas très conçu, il existe toujours un sens du mouvement. partie, si vous êtes un lecteur anglais, vous lisez de gauche à droite, donc nous avons tendance à toujours regarder d' abord dans ce coin supérieur gauche ce coin supérieur gauche, puis nous descendons de là. Puisqu'ils sont en gras, ils se démarqueront. Mais il y a du mouvement ici parce que mon œil saute immédiatement sur ce titre, puis sur tous ces sous-titres. Ensuite, je saute ça parce que c'est groupé ensemble, donc je vois cette seconde. Puis je saute ici, puis je saute un peu plus. Ce n'est pas un grand mouvement. Il ne s'agit pas d'une pièce fortement conçue, mais il y a encore une certaine direction et une certaine hiérarchie ici. Ensuite, nous avons un schéma ou une répétition. Les éléments répétés de votre conception créent cohérence et un langage visuel. Cela peut inclure des polices cohérentes, des formes répétées, des lignes et des symboles, des couleurs répétées, et la liste continue et continue. La répétition peut aider à stabiliser la conception. C'est une pièce équilibrée ici, lorsque je parlais de mouvement, et c'est en partie à cause de la répétition. L'agitation répétée de la main, c'est un thème tout au long, puis les touches répétées de couleur avec ce jaune, puis, même s'il est bloqué, le logo a également été répété tout au long. Sans avoir un logo giflé au milieu de cela, nous avons le logo parsemé que vous ne perdiez jamais de sens de ce qu'est le thème. Une autre forme de répétition consiste simplement à avoir ces quatre rectangles. Cela crée un sentiment d'équilibre et de stabilité. Je pense que c'est peut-être l'un de mes principes préférés juste parce qu'il se faufile sur vous. Je ne pensais pas forcément en créant ceci : « Oh, je vais répéter ces rectangles, ou je vais répéter des agitations à la main. » C'était logique pour le design. La répétition ne signifie pas que tout ce que vous faites doit avoir des rayures ou des pois dessus. Cela peut signifier beaucoup de choses différentes. Ce sont tous ces principes communs. Je vais continuer avec le reste des principes du design, puis nous passerons aux trois derniers principes artistiques. 9. Principes de l'art et de design : Partie 2: Le prochain principe de conception est l'accent. Il s'agit essentiellement de demander quelle est la hiérarchie de votre conception ? Que voyez-vous en premier, deuxième, troisième, etc. Ensuite, un suivi à cela serait la première chose que vous voyez est-elle la plus importante ? Nous avons examiné cet exemple d'invitation plus tôt lorsque nous parlions de lisibilité et de lisibilité dans le texte. C'est une autre occasion de regarder la hiérarchie, voir ce qui est souligné dans un design. L'une des choses qui peuvent mettre l'accent sur quelque chose serait le contraste. Un autre domaine serait également la répétition. Pour ce design, je dirais que le logo se distingue un peu, même si vous ne pouvez pas le voir ici. Mais c'est quelque chose que je pense c'est très évidemment souligné, peut-être d'une manière un peu plus subtile, mais cela se démarque assez rapidement lorsque vous regardez la carte. Je pense que c'est un autre bon exemple d'accent, même s'il n'y a vraiment que trois mots là-dessus. Mais d'abord, vous voyez la gumption, puis vous voyez le slogan : Soyez audacieux. Maintenant, si je devais ajouter le nom du produit, du café bleu froid quelque part ici, je voudrais que cela se démarque, peut-être même avant ce petit slogan Be Bold. C'est quelque chose auquel je penserais. Je pense que la raison pour laquelle l'accent est mis sur les principes du design est parce que le design est un peu plus axé sur la résolution de problèmes que l'art pour l'art. Ensuite, nous avons une proportion. La proportion fait référence à la relation entre la taille et le poids des différents éléments. En revenant à ma carte de vœux, vous allez en avoir marre de regarder ça, mais j'ai ce cours, je parie. Mais nous avons ici de nombreux exemples de proportions. Nous avons que les gens sont au centre des préoccupations. La proportion est utilisée pour montrer où ils se trouvent dans l'espace. On peut dire que les bâtiments en arrière-plan sont plus loin dans le loin. En installant les bâtiments, nous pouvons dire qu'ils sont peut-être plus haut dans le bâtiment eux-mêmes. S'ils étaient plus bas, peut-être que nous ne verrions que des bâtiments monter en arrière-plan ici, mais nous pouvons en voir le sommet. J'ai ici des variations proportionnelles. On peut dire qu'elle est plus proche de la caméra. Il est plus en arrière, Ghréline loin. Ensuite, nous avons le coucher de soleil et ces palmiers au loin. À titre d'illustration, notre proportion peut essentiellement créer des illusions d'optique. Tout cela se trouve dans votre seul morceau de papier plat, mais nous avons toujours une idée de la scène et de l' emplacement des choses en raison de la proportion et de l'échelle. Nous aide également à nous concentrer sur le point principal. Même s'il se passe beaucoup en arrière-plan ici, cause des proportions, nous savons que ces personnes sont plus importantes que ce qui se passe ici. Une autre zone où nous pouvons examiner la proportion serait la proportion du jaune vif au bleu. Dans l'ensemble, il s'agit d'une carte bleu-vert. n'y a vraiment pas autant de morceaux de jaune ici que de nuances de bleu. Disons que ce cadre de fenêtre était jaune et que cette affiche ici était peut-être jaune. Peut-être que leurs murs sont peints en jaune. Cela serait complètement différent, mais le rapport entre le jaune le bleu ici est assez important. C'est un autre exemple de proportion, même si je ne parle pas de taille, qui pourrait se rapporter davantage au poids du jaune vif. Il a beaucoup de poids ici. Ensuite, notre dernier principe de conception est l'espace blanc. Maintenant, ce n'est pas tout à fait aussi applicable ici. L'espace blanc ou l'espace négatif crée un sentiment d'équilibre. Il peut être utilisé pour entourer un objet ou un élément pour donner à l'œil certaine marge de respiration et est nécessaire, surtout lorsque vous travaillez avec des textes. De vastes espaces blancs peuvent également aider à équilibrer le texte lourd ou les conceptions. Ce n'est pas le meilleur exemple. Il n'y a techniquement pas d'espace blanc ici, mais il y a un espace négatif. Le négatif fait référence à l'espace d'arrière-plan , sauf que vous le traitez comme une forme. Par exemple, nous voyons ici la ligne d'horizon, mais c'est sa propre forme techniquement. C'est bleu foncé, le ciel nocturne est une forme. C'est de cela que nous parlons. Ici, je n'ai pas beaucoup d'espaces vides, mais ils sont parsemés. Ici, il n'y a vraiment rien sur le terrain. Le ciel est assez ouvert et vide. Au lieu de dessiner un soleil et un coucher de soleil plein, j'y fais allusion ici parce que je voulais qu'il y ait un endroit où les yeux peuvent se reposer. Je ne voulais pas rendre ça super occupé ou trop nuire à la scène. C'est ce que j'ai essayé de faire dans tous ces domaines. C'est vraiment celui qui a le plus de détails car il y a un petit plan sur le rebord de la fenêtre ici. Cela contribue à créer un sentiment d'espace. Mais j'ai essayé d'être très conscient de ne pas rendre cela trop encombré. Je veux que les gens comprennent simplement ce qu'est la scène sans trop entrer dans les détails. Mais j'ai un meilleur exemple d' espaces blancs pour vous. En rappelant cette invitation, vous pouvez voir que nous avons beaucoup d' espaces blancs partout ici. Cela consiste en partie à compenser ce texte très épais en ayant cet espace, nous avons de la place pour respirer. Nous ne sommes pas submergés par le texte. Il y a même beaucoup d'espaces blancs autour de ce texte ici parce que j'utilise une police si légère. Si j'utilisais quelque chose de plus lourd et de plus sombre, je réduirais les espaces blancs et cela semblerait beaucoup plus occupé. Mais j'ai réduit quelques espaces blancs même temps en ayant tout dans toutes les majuscules. S'il s'agissait d' un texte normal avec des majuscules et des lettres minuscules, il y aurait un peu plus d'espace ici. Ici, tout est dans toutes les majuscules. Je pense que c'est un peu difficile à lire. Nous laissons cet exemple ici alors que nous passons à nos trois derniers principes de l'art. La première d'entre elles va être rythmique. rythme est la relation entre différents éléments qui travaillent ensemble malgré des différences de taille, de forme, de couleur, etc. Mais vous pouvez avoir du mouvement dans une pièce sans rythme. C'est là que le rythme est un peu différent. C'est presque comme du mouvement et un peu de jugement, on juge s'il y a du rythme ou non. Je pense que la façon dont je vois cela dans cette pièce, c'est parce qu'on a ce chapeau ici avec le même motif que le manteau, mais il est brisé par son visage. Il y a ici un sens du mouvement et du rythme. Mais en ayant son visage ici pour briser le combo chapeau et manteau. Il n'y a guère plus d'intérêt ici qu'il n'y en aurait si ce n'était qu'un dessin d'un manteau ou même si vous vous débarrassez de son visage, disons que c'était juste un chapeau flottant et le manteau. Il y aurait toujours un sens du rythme à cause de l'espace blanc qu'il y a comme cet écart bizarre. Puis soudain, le manteau serait intrigant et peut-être un peu mystérieux. Mais je pense qu'il y a vraiment un sens du rythme ici. Non seulement son visage est montré, mais son visage a un peu plus de détails aussi, donc il y a une sorte d'ombrage et ce genre de contraste ce genre de blanc plat avec un motif. n'y a pas de détails d'ombrage ici, c'est assez simple. vais voir si je peux trouver un autre bon exemple de rythme. Je pense que cela a aussi un très bon sens du rythme. Nous avons des mouvements très clairs ici. Je regarde cette pièce et je suit cette ligne ici. Cette courbe imite un peu cette courbe. Pas exactement, mais il descend définitivement dans cette direction du haut à droite vers le bas à gauche. Ensuite, le rythme vient en quelque sorte de la répétition des parapluies et de ces vagues océaniques. Je dirai que celui-ci est l'un des plus difficiles à mettre en mots pour moi, et je ne pense pas que je sois le seul qui soit difficile parce qu'il est si subjectif. Mais je ressens un fort sens du rythme avec ça. Parlons ensuite de l'harmonie ou de l'unité. Cela ferait référence à la répétition de formes, de lignes, de formes, couleurs, etc., car elles créent un sentiment d'unité dans une pièce. Je pense que nous pouvons simplement regarder ce même exemple ici. Pensez qu'il y a un fort sentiment d'unité et d'harmonie, et cela est renforcé par les éléments qui se répètent. Nous avons déjà parlé de répétitions et de schémas. Ceux-ci vont de pair avec l'unité. Il y a un regard unifié ici. Je dirais également que c'est peut-être comme un sentiment de paix ou de plénitude. Ce n'est pas que tout l'art doit être pacifique, mais il peut être un moyen de le comprendre. Vous pourriez avoir de l'harmonie dans une pièce très sombre simplement par la répétition de certaines formes. En regardant un autre exemple ici, je pense qu'il y a certainement un sentiment d' unité avec cet exemple de fard à joues, cause du motif répété du plad. Nous avons le cercle ici, ce cercle, puis le cercle du fard à joues. Juste ce genre de choses subtiles qui s' unissent pour créer une petite pièce harmonieuse. Ensuite, en revenant à la carte de vœux très vite, je vais toucher au rythme. Je pense qu'il y a vraiment un sens du rythme ici. Je l'ai déjà mentionné, mais je pense qu'une partie de cela est une sorte de répétition de l'onde de main répétée associée aux variations des différentes scènes. Aucun d'entre eux n'est pareil, les gens ne sont pas tous posés de la même manière. Ce n'est pas quatre couples différents jumelés. Nous en avons un jumelé, tous deux levant la main. Premièrement, il a juste son bras autour d'elle et il sourit. Ils ont leur chapeau et leur équipement de fête, il y a donc assez de répétitions et variations ici pour créer un sens du rythme. En ce qui concerne l'unité, j'ai l'impression que je n'ai plus besoin de frapper la tête avec ce projet. Mais il y a certainement de l'unité ici. En gros, tout ce que j'ai dit auparavant au sujet de la répétition dans cette pièce crée vraiment un sentiment d'unité. Rien ne se distingue comme étant complètement déplacé. Je dirais que la seule chose qui me fait un peu , c'est la texture de cet arbre ici, juste parce qu'il n'y a pas de contraste aussi fort entre les textures ailleurs. Il y aurait vraiment le seul domaine qui pourrait être un peu en décalage avec l'unité. Mais à part cela, je pense que c'est une pièce très agréable, unifiée et harmonieuse. Enfin, notre dernier principe artistique est la variété. variété reflète cette section de proportion dont nous avons parlé dans les principes du design. La variation est ce qui rend qualités telles que l'accent, la proportion possible des qualités telles que l'accent, la proportion ou le contraste en mélangeant des tailles, des formes, des textures, des couleurs et plus encore. Comme nous l'avons parlé plus tôt avec proportion, variété va fonctionner de manière très similaire, une variété de scènes, une variété d'alignement et de configuration. Ce serait incroyablement ennuyeux si tout se ressemblait. La variété est vraiment cruciale pour cette pièce, tout comme il y en a trop d'autres. Je vais vous montrer un autre exemple. En revenant à notre petite pêche, je pourrais avoir toutes ces pêches dans une direction et être très statiques et immobiles. En fait, il n'y aurait rien de mal à cela qui puisse paraître vraiment agréable. Mais ici, je mélange la variété en les faisant retourner et retourner tout autour. Les feuilles sont placées à différents endroits. Ce ne sont pas toutes des pêches verticales. Ils ne sont pas en lignes très droites. C'est un peu aléatoire. Pour moi, cela crée une ambiance amusante et fantaisiste. Si je les avais en rangées diagonales strictes comme celle-ci, toutes les feuilles pointent vers la droite et vers le haut, je pense que ça aurait l'air vraiment mignon. J'en serais toujours content, mais ça aurait un sentiment différent, une humeur différente. En revenant à notre invitation, variété est vraiment importante ici parce que cela fait partie de ce qui met l'accent et de ce sentiment de hiérarchie dont j'ai parlé plus tôt. S'il s'agissait de la même police, la même taille, elle ne se démarquerait pas du tout. Cela ne ressemblerait pas vraiment à une pièce conçue. Je vais vous laisser une dernière note avant de terminer cette leçon, et c'est que ce sont des lignes directrices. Ils sont destinés à vous aider à créer du bon travail. Ce sont des méthodes éprouvées pour créer des œuvres d'art et de design. Mais vous pouvez définitivement enfreindre ces règles et directives. Il s'agissait d'un aperçu assez rapide. Il y a des cours sur Skillshare à ce sujet. Si vous voulez perfectionner ces compétences, je vous recommande vivement de voir ce qu'il y a d'autre sur Skillshare. Mon objectif est de vous armer de ces outils pour modifier votre propre travail. Mais il y a beaucoup plus dans votre travail que de suivre les principes de l'art et du design. Passons à la prochaine leçon où je vais vous expliquer comment demander des commentaires à vos amis et à votre famille, surtout lorsqu'ils ne sont pas créatifs. 10. Commentaires: [MUSIQUE] Même ce cours est une question d'auto-édition, en critiquant votre travail par vous-même. Je serais réfuté si je ne vous donnais quelques conseils pour demander des commentaires aux autres. Bien que nous puissions essayer de sortir de nos propres têtes, vous ne pouvez toujours pas remplacer commentaires de personnes différentes de vous, qui ont des perspectives différentes, des expériences de vie différentes, c'est tout vraiment important. Même si vous n'avez pas beaucoup de créatifs dans votre vie, vous pouvez toujours demander de l'aide à votre famille et à vos amis tant que vous leur donnez des instructions très spécifiques et que vous suivez leurs conseils avec un grain de sel. abord, je pense qui vous allez demander des commentaires. Par exemple, peut-être que votre mère aime tout ce que vous créez et tout ce que vous faites. Elle n'est peut-être pas la meilleure personne à qui aller pour obtenir des commentaires critiques. Ou peut-être connaissez-vous quelqu'un qui porte un grand jugement et qui déteste tout. Ils trouveront quelque chose qui ne va pas tout ce qu'ils sont montrés. Ils ne sont peut-être pas non plus la meilleure personne à faire des commentaires. Ce sont toutes des choses à prendre en compte lorsque vous demandez de l'aide à quelqu'un. Ensuite, vous devez vous assurer que vous demandez des commentaires très précis. Lorsque vous partagez votre travail, vous ne voulez pas simplement le présenter à quelqu'un et lui demander s'il le souhaite ou non, ou beaucoup de questions oui ou non. Parfois, quelqu'un peut vraiment aimer quelque chose, mais il ne peut pas expliquer pourquoi. Il en va de même si quelqu'un n'aime vraiment pas quelque chose. Cela peut se produire lorsque vous demandez des commentaires à des parents et à des amis, ou même parfois à un patron ou à un client. C'est pourquoi il est toujours important de demander des commentaires spécifiques. Un exemple est que vous pouvez dire : « Hé, s'il vous plaît, regardez cette affiche que j'ai conçue. Je veux savoir si le message est-il clair ? Pouvez-vous me dire quelles les parties les plus importantes de cette affiche et y a-t-il des fautes de frappe ? » En posant ces questions, vous ne demandez pas vraiment de commentaires sur le look ou la palette de couleurs, mais ils tracent des questions auxquelles les gens pourront répondre. D'autres questions à éviter, comme vous l'aimez, que pensez-vous de ce design ? Comment l'aimez-vous ? Est-ce bien ? Ces choses sont toutes très basées sur l'opinion. Si vous demandez des commentaires de ces personnes, vous pouvez demander leur avis, mais sachez simplement que vous obtiendrez un autre type de commentaires qui pourrait être très subjectif. Les meilleures questions à poser seraient quelles émotions cela vous fait ressentir ? Comment vous sentez-vous ? Voyez-vous un message derrière cette pièce, si oui, quel est ce message ? Ce style vous rappelle-t-il un lieu et un certain temps ? affirmative, quand et où ? qui est important dans le cadre de ce processus est de se souvenir, surtout si vous demandez de l'aide à vos amis et à votre famille, c'est qu'ils vous rendent service. Vous leur demandez de regarder quelque chose et de le regarder d'un œil critique. Vous ne voulez pas devenir défensif s'ils disent quelque chose avec lequel vous n'êtes pas d'accord ou peut-être blessant vos sentiments. En tant qu'artiste, designer ou tout type de création, vous devrez vous attendre à un certain nombre de commentaires négatifs. Même si leurs commentaires semblent négatifs, essayez de les regarder objectivement et de faire un zoom arrière une fois de plus. Ils n'essaient pas de vous blesser ou d'attaquer votre travail. Il est important d'essayer de ne pas prendre les choses trop personnellement. Maintenant, quelqu'un pourrait être un abruti pour vous. C'est toujours possible. Mais il y a de fortes chances qu'ils essaient vraiment de vous aider. Quelque chose peut être difficile à entendre, mais c'est peut-être le feedback que vous devez entendre. Enfin, comme je l'ai déjà dit, prenez tout avec un grain de sel. C'est votre projet. C'est vous qui êtes le responsable. Vous pouvez prendre et laisser certains commentaires et décider à quel point ils sont cruciaux ou bénéfiques. Je sais que je dis deux choses ici. Gardez l'esprit ouvert, écoutez les autres, mais l'essentiel est simplement de garder la tête froide. Prenez les commentaires et continuez comme bon vous semble. Si vous n'êtes toujours pas sûr de la façon demander des commentaires, j'ai un exemple de langue dans les ressources de la classe, alors assurez-vous de les consulter. Une dernière remarque pour demander des commentaires est que vous pouvez toujours rechercher des groupes d'artistes sur Facebook ou Reddit, ou même faire partie de votre communauté, des groupes qui se rencontrent en personne. Si vous souhaitez obtenir des commentaires de la part d'autres créatifs, il y a certainement des ressources disponibles. [MUSIQUE] 11. PROJET DE CLASSE: C'est maintenant à vous d'appliquer tous ces principes, ainsi que les outils et astuces que j'ai partagés avec vous dans votre propre projet. Tout d'abord, choisissez un projet à critiquer. Il peut s'agir d'un travail en cours, ou de quelque chose que vous avez réalisé il y a quelques années. Le but est de le regarder avec des yeux frais en utilisant ce que vous avez appris dans ce cours. Ensuite, passez en revue le processus en classe pour évaluer votre travail. Pour ajouter à votre projet de classe ici sur Skillshare, accédez à l'onglet Projets de classe, téléchargez une image de votre travail et indiquez clairement quelle était votre mission, votre objectif ou votre mémoire de projet. Ensuite, partagez quelques découvertes et conclusions que vous avez faites, ce qui fonctionne bien et ce qui pourrait être amélioré. N'oubliez pas que les cinq premiers élèves à publier un projet de classe recevront une critique complète de que je partagerai avec vous en privé. 12. Conclusion: C'est tout pour la classe d'aujourd'hui. J'espère que vous vous sentirez plus confiant en critiquant votre propre travail et votre auto-édition. N'oubliez pas de consulter l'onglet Ressources de classe de cette classe. C'est là que vous trouverez une liste de contrôle critique que vous pouvez utiliser pour effectuer ce processus par vous-même. Vous y trouverez également des liens vers les principes de l'art et les principes du design. Je tiens également à vous rappeler que c'est ainsi que je travaille. C'est le processus que j'utilise pour critiquer mon propre travail. mesure que vous devenez un artiste ou un designer plus développé, vous trouverez vos propres façons d'éditer vous-même. N'hésitez pas à ajouter et à supprimer de cette liste. Je vous recommande de prendre notes et d'être attentif pendant que vous travaillez. Vous trouverez peut-être des éléments que vous souhaitez ajouter et supprimer de ce processus qui fonctionnent mieux pour vous. Merci beaucoup d'avoir été critique avec moi aujourd'hui. Veuillez prendre un moment pour laisser un avis. En suivant ce cours, je suis sûr qu'il va sans dire que vos commentaires sont très importants pour moi et pour tous les enseignants présents sur Skillshare, afin que nous puissions toujours améliorer nos cours. Vous pouvez me suivre ici sur Skillshare pour de nouveaux cours et visiter ma page pour découvrir tous mes cours précédents. Vous pouvez également me suivre sur Instagram @ShaynaSellArt pour obtenir les dernières mises à jour. On se voit dans le prochain cours. [MUSIQUE]