Adobe Illustrator : améliorer vos couleurs

1. Faites monter vos couleurs d'un cran !: Bonjour tout le monde. Je m'appelle Hayden Aube et je suis Illustrateur et Graphiste. Eh bien, la plupart de la progression dans l'art est un jeu assez lent. De temps en temps, vous apprenez cette technique qui vous apporte immédiatement des améliorations. J' aime appeler ça le nivellement. Donc, aujourd'hui, nous allons prendre l'un des domaines les plus redoutables de l'art, qui est la couleur et vous montrer des moyens simples mais efficaces d'améliorer votre propre capacité avec elle. Maintenant, ce n'est pas une classe sur la théorie des couleurs, mais plutôt un compliment à où que vous soyez actuellement avec votre propre compréhension de la couleur. Donc, vous apprendrez quelques choses sur la théorie des couleurs dans cette classe. Mais plutôt que de vous en charger, je vais vous montrer des techniques étape par étape que vous pouvez facilement mettre en œuvre dans votre art aujourd'hui. Nous allons couvrir trois techniques différentes qui peuvent être utilisées à de nombreuses étapes différentes tout au long de votre propre processus. Les techniques que nous allons examiner seront effectuées dans Adobe Illustrator. Mais il y aura une technique pour laquelle nous allons aller dans Adobe Photoshop. Maintenant, si vous n'avez pas Photoshop, ne vous inquiétez pas car il existe des tonnes d' alternatives gratuites qui peuvent faire exactement ce que nous allons couvrir aujourd'hui. Une fois que vous aurez appris ces techniques pour améliorer vos couleurs, nous allons en fait l'appliquer à l'une de vos œuvres précédentes grâce à notre projet de classe. Maintenant, si vous n'avez pas un vieux travail à utiliser, je vais vous fournir des alternatives que vous êtes plus que bienvenus à utiliser à la place. Voici juste un aperçu rapide de certains des résultats auxquels vous pouvez vous attendre. Donc, si vous avez une compréhension de base d'Adobe Illustrator et que vous voulez voir vos couleurs passer au niveau supérieur. Alors ce cours est pour vous. On se voit là-bas. 2. De grands changements avec peu d'efforts: Si vous avez suivi mon cours, Make a Fantasy Weapon, alors cette première technique va vous être familière, et c'est Ajuster la balance des couleurs. Vous allez découvrir que toutes les techniques de cette classe peuvent être utilisées à tout moment tout au long d'un projet, mais il y aura des points particuliers quand c'est le plus utile. Ajuster la balance des couleurs est vraiment utile lorsque vous avez un groupe spécifique d'objets et que vous voulez modifier la couleur de tous d'entre eux à la fois. Disons que c'était une illustration que j'ai envoyée à un client, et peut-être qu'ils sont revenus me voir et qu'ils m'ont dit que tout avait l'air super, qu'ils aimaient vraiment. Mais il devait être sur un fond sarcelle au lieu de celui-ci orange. Comme nous pouvons le voir, en faisant cela, nous perdons complètement la poignée. Cette poignée ici est en fait assez complexe. Il y a beaucoup de couches différentes les unes au-dessus des autres, il y a des dégradés avec plusieurs arrêts différents. Donc, faire des changements à l'ensemble de la poignée prendrait beaucoup de temps si je veux aller un par un et changer ces couleurs. Si je clique juste sur cette forme ici, par exemple, et que je vais dans la fenêtre Dégradé, vous pouvez voir que j'ai quatre nuances différentes dans ce dégradé. Comme je l'ai dit, c'est assez complexe. Ce que je vais faire, c'est que je vais sélectionner tout ce dont je veux changer la couleur, parce que j'ai séparé par illustration en ces différents calques. Tout ce qui se trouve sur la couche de poignée est vraiment ce que je veux affecter maintenant. Donc, je vais juste sélectionner tous ces éléments, et je vais aller jusqu'à Modifier, Modifier les couleurs, Ajuster la balance des couleurs. Ajuster la balance des couleurs, nous pouvons modifier toutes les couleurs que nous avons sélectionnées, et cela ne va pas seulement s'appliquer aux couleurs unies, mais aussi aux dégradés, effets ou autres éléments avec lesquels nous travaillons. Ce que nous devons faire est d'activer l'aperçu. Si vous essayez simplement de cibler des traits ou des remplissages, vous pouvez ajuster ces cases à cocher. Je vais juste les laisser pour l'instant. Selon que vous travaillez en RVB CMJN, ces curseurs seront différents, car RVB, nous avons les curseurs rouges, verts et bleus. Selon l'espace colorimétrique dans lequel vous vous trouvez, ils fonctionnent toujours exactement de la même manière, c'est-à-dire que si vous déplacez le curseur vers la gauche, vous obtiendrez un pourcentage négatif ici, ce qui signifie que vous supprimez autant de cette couleur de votre sélection. Donc, en faisant glisser le curseur rouge vers la gauche, je retire le rouge de ce que j'ai sélectionné. Par la même note si je le fais glisser vers la droite, j'ajoute plus de rouge, et vous pouvez voir que lorsque j'ai commencé à augmenter cela, nous obtenons de plus en plus de rouge dans cette sélection de couleurs. C' est là qu'une certaine compréhension de la façon dont les couleurs sont composées peut être très utile, mais ce n'est pas nécessaire. Par exemple, je sais que je veux que cette poignée soit plus d'une couleur orange. Pour obtenir cela, je dois supprimer un peu de bleu de la sélection, et ajouter du rouge et du vert, et ça va commencer à me donner une couleur orange, comme ceci. Maintenant, si vous ne savez pas exactement comment le rouge, vert et le bleu composent différentes couleurs, c'est très bien parce que vous pouvez juste gâcher avec ces curseurs jusqu'à ce que vous obtenez vraiment quelque chose que vous voulez ou obtenir ce que vous cherchez. Comme c'est souvent le cas avec moi, parfois je ne sais vraiment pas quelles couleurs je cherche, alors je vais juste jouer avec eux jusqu'à ce que je commence à obtenir quelque chose qui a l'air sympa. Une chose que vous allez remarquer est qu'à un certain moment, ces curseurs cesseront de faire des effets lorsque vous glissez dans une direction particulière. Donc, si je réinitialise ça, et si je commence à enlever le rouge, vous allez voir à un certain moment, vous l'avez déjà frappé, ça ne fait aucune différence. Je peux continuer à enlever le rouge et ça n'a pas l'air différent du tout. Ce que ça veut dire, c'est que tu as pris tout le rouge que tu peux. Il est également intéressant de noter que si vous voulez que la nouvelle couleur que vous fabriquez soit plus claire que l'original, vous voudrez que le total de ces pourcentages soit positif. Par exemple, peut-être que c'était autour de 11, c'était 17, mais peut-être que c'était comme un négatif cinq ou six ou quelque chose comme ça. Au total, j'ai ajouté plus de couleur que ce que j'ai enlevé, et à cause de la façon dont fonctionne RGB, cela va me donner une couleur plus claire. L' inverse est que si je veux rendre ma couleur plus foncée dans l'ensemble, je veux enlever plus de couleur que je ne l'ajoute. Donc je peux faire baisser beaucoup le bleu, le vert vers le bas aussi, ajouter un peu de rouge, mais nous avons quand même une couleur plus foncée que nous avons commencé avec. Mais il suffit de désactiver l'aperçu pendant une seconde et vous pouvez voir que cette nouvelle couleur, il est plus sombre. À la fin de la journée, plus vous jouez avec cet outil, plus vous allez le comprendre et avoir une idée de ce qui se passe lorsque vous déplacez chaque curseur dans chaque sens. Vous pouvez également cliquer sur Mode Couleur et le passer en Niveaux de gris, puis en cliquant sur Convertir, c' puis en cliquant sur Convertir, comme vous vous attendiez, vous n'avez plus de couleurs à utiliser, vous êtes juste et travaillez avec des nuances de gris. En ajustant le curseur, vous pouvez supprimer le noir et donc le rendre plus léger. Cette case à cocher Convertir s'affiche lorsque vous changez de mode de couleur. Si vous avez commencé en niveaux de gris et que vous passez à RVB, vous devez cliquer sur cette case Convertir pour les effets qui ont lieu. Je vais revenir à la couleur que je cherche, qui est plus orange, qui est plus orange, quelque chose que les choses peuvent se démarquer assez bien dans ce contexte. En fait, je pense que dans l'ensemble, je voulais être un peu plus léger. Comme je l'ai dit, je m'assure que j'ajoute plus de couleur que je ne l'emporte, donc quelque chose comme ça. Une fois que vous avez les couleurs comme vous le souhaitez, et cliquez sur OK. Ensuite, comme vous le verrez, il est apporté ces modifications à tout ce que vous avez sélectionné. Je peux même revenir à cette forme initiale sur laquelle nous avons cliqué pour regarder le dégradé, et vous verrez que chaque arrêt de ce dégradé a été modifié pour refléter ce que nous avons fait dans Ajuster la balance des couleurs. C' est un excellent outil pour sélectionner un groupe d'objets qui ont une seule couleur, puis les convertir en une nouvelle couleur individuelle. Mais que se passe-t-il si vous avez beaucoup de couleurs avec lesquelles vous travaillez à la fois, et que vous voulez apporter des modifications qui vont les influencer toutes ? C' est ce que nous allons regarder ensuite. 3. Harmonisez votre palette: Maintenant, cette technique suivante ne fait pas toujours le plus grand changement, bien qu'elle puisse le faire. Mais je trouve que c'est plus utile lorsque vous finissez une pièce et que vous voulez y ajouter une touche finale. La pièce avec laquelle je vais travailler pour cet exemple est déjà à un endroit vraiment génial en termes de couleur, j'utilise certaines des techniques que nous allons couvrir dans la section suivante. J' ai fait une palette qui, je pense, est à un endroit fort, mais je sens vraiment que je peux utiliser une touche finale, un rassemblement final. C' est là que j'utilise des superpositions de couleur car je pense qu'elles peuvent faire une grande différence à ce stade. Je vais créer un nouveau calque au-dessus de tous mes autres, je vais juste nommer cette superposition, et je vais créer juste un rectangle qui se trouve au-dessus de tout. Ma toile est 800 par 600. Je vois à travers cette attaque, et ensuite je vais juste mettre ça. Oui, pour qu'il repose sur tout. Une bonne façon de le faire est d'utiliser les options Aligner ici. Si vous l'avez aligné sur le tableau d'art, vous pouvez cliquer sur cette ligne horizontale et la ligne verticale. Maintenant, je sais que ce droit au centre. Ce qu'on va faire avec cette forme, c'est qu'on va juste lui donner une couleur plate. Allons au vert. Il y a quelques façons de changer le mode de fusion d' un objet, l'une est de venir à « Opacité » ici et juste cliquer dessus, puis vous les obtiendrez tous ici. Mais nous allons utiliser la fenêtre Apparence. Je l'ai déjà ouvert, mais si vous allez juste à « Fenêtre », « Apparence », vous pouvez l'obtenir à partir de là. Je trouve cela comme juste un moyen plus facile de garder une trace de tous les effets que j'ai appliqués aux objets. Encore une fois, nous avons ici l'Opacité, et je vais juste cliquer ici, et je vais commencer par utiliser le mode de fusion de superposition. Immédiatement, nous pouvons voir que la couche verte que nous avons faite influence maintenant tout ce qui est assis en dessous, maintenant semble assez drastique en ce moment et nous allons la changer, d' autant plus que j'ai dit que couleurs dans cette pièce, je sens déjà qu'ils sont point assez fort, donc je ne veux pas jouer avec eux trop, mais cela peut vous donner une idée de la taille d' un changement quelque chose comme ça est possible de faire. Quelques-unes des façons que nous pouvons changer cela, évidemment, nous pouvons essayer de sélectionner différentes couleurs pour la couleur de remplissage, et nous verrons que cela influence de différentes manières. Si nous décidons que c'est trop fort, nous pouvons réduire l'opacité. Fais ça ici, on veut juste que l'effet fasse un peu. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de différents modes de mélange à choisir, et au fil du temps et grâce à l'expérimentation, vous commencerez à comprendre ce qu'ils font et ceux qui fonctionnent le mieux pour vous. Personnellement, je trouve que Overlay et Soft light sont celles que j'utilise environ 90 pour cent du temps, mais comme je l'ai dit, ma recommandation est que vous les essayez tous. En fait, je vais fournir une ressource ici dans la classe que vous pouvez télécharger, et ce sera juste un aperçu de la façon dont les différents modes de fusion interagissent. Pour cette pièce en particulier, je vais utiliser Soft Light, et pour Opacity, je vais la mettre à 25, ce n'est pas un changement majeur. Quant à la couleur, je vais utiliser Swatch ici. C' est la couleur que j'ai choisie pour le sable, donc c'est une couleur orange. La raison pour laquelle je fais ça, c'est que je pense que ça aide à renforcer le fait que tu es dans le désert. Prendre cette couleur de sable et l'appliquer à tout le reste grâce à cette superposition de couleur, vous donne l'impression qu'il y a du sable dans l'air et qu'il y a de la lumière qui réfléchit sur le sable et qui est jeté tout le reste. Ça le rend vraiment plus réaliste. Ce qui est génial avec cette technique, c'est qu'elle n'a pas seulement à être faite sur la pièce entière comme je l'ai fait, si vous voulez cibler une zone spécifique pour utiliser l'une de ces superpositions, c'est tout ce que vous avez à faire. Par exemple, je veux apporter un peu plus de couleur dans le ciel, et pour ce faire, je vais créer un autre calque, mais je vais juste le créer pour qu'il ne soit au-dessus que des couches de ciel de mon soleil. C' est ce que vous voyez en arrière-plan. Encore une fois, je vais prendre l'outil Rectangle, et je vais créer un rectangle qui est la forme de la toile, et je vais l'aligner en utilisant ces outils ici. Pour cette superposition, je veux vraiment travailler du rose dans le ciel, et en fait, j'ai déjà créé une nuance ici de la couleur que je veux utiliser, et en ce qui concerne le mode de fusion, je vais utiliser Color. C' est juste ici. La raison pour laquelle j'utilise Color est parce que je suis en fait très satisfait de la luminosité et de la saturation du ciel, c'est seulement la teinte que je veux changer. Maintenant, si vous voulez mieux comprendre la teinte, la saturation, la luminosité, vous pouvez réellement ouvrir la fenêtre Couleur, vous allez « Fenêtre », « Couleur », et en utilisant cette liste déroulante ici, vous pouvez changer comment vous changez les couleurs en HSB, qui signifie teinte, saturation, luminosité. Juste en manipulant ces curseurs ici, vous pouvez avoir une idée de ce que font ces trois différents aspects de la couleur. La luminosité est comme si elle sonne qu'elle la rend plus foncée ou plus claire, la saturation est la quantité d'une couleur qui est réellement travaillée dedans. Vraiment, c'est comme de faibles saturations peuvent tout à fait délavé , une saturation élevée peut être assez vibrante, et puis la teinte est la couleur réelle elle-même comme voulez-vous un bleu, voulez-vous pourpre ? Ce que nous faisons en utilisant le mode de fusion des couleurs, c'est nous nous concentrons sur la section de teinte ici, et ce qui se passe, c'est notre forme qui est assise sur le soleil et le ciel, elle prend la teinte de ce rose, et ensuite l'appliquer à ce que la saturation et la luminosité de ce qui est en dessous il est déjà. Je vais juste retourner à mes Nuanciers et choisir ce rose à nouveau. J' aime vraiment comment cette couleur fonctionne dans le ciel, mais je ne veux pas qu'elle remplisse tout le ciel. Donc, au lieu de faire un remplissage solide comme il est en ce moment. Je vais en faire un dégradé. Je vais ouvrir la fenêtre Gradient. Encore une fois, vous allez à « Fenêtre », « Gradient », et en fait ce que je vais faire, c'est juste que je vais saisir cette nuance rose et la faire glisser sur le dégradé, et il va immédiatement transformer ce remplissage solide en dégradé. Vous pouvez voir ici un exemple de ce que le remplissage ressemble actuellement. Le remplissage que je veux faire, est à peu près je veux que cet effet ait lieu en bas ici, être rose en bas, et comme il va vers le haut il se transforme plus en la couleur jaune orangé, originale du ciel. Pour ce faire, je vais faire en sorte que mon gradient ait deux arrêts et ils vont tous les deux être le même rose. Vous pouvez simplement faire glisser ces radiations pour vous en débarrasser, puis faire glisser à cette Nuancier sur. Je veux deux de ces roses et rien d'autre. J' en veux un à chaque extrémité du gradient, et je veux que l'une soit une opacité à 100 %, et l'autre soit zéro pour cent d'opacité. Ça veut dire qu'il passe de complètement solide à complètement invisible. À partir de là, je peux utiliser l'outil Dégradé, qui est juste ici, et je peux dessiner comment je veux que mon dégradé aille. Comme je l'ai dit, je veux qu'il soit le plus fort en bas et le plus faible en haut, donc je vais tenir « Shift », et juste glisser vers le haut comme ça. Comme ça, j'ai apporté quelques changements très subtils mais très bénéfiques à la couleur globale de cette pièce. Pour vraiment avoir une idée des changements que nous faisons, je vais juste vous montrer une comparaison entre cela et comment cela a commencé. Juste en regardant ces deux-là, vous pouvez voir qu'il y a un peu plus d'harmonie avec les changements que nous avons faits, et vraiment c'est parce que nous avons pris des couleurs et appliqué à tout. Nous avons pris cette orange et nous avons ajouté un peu de cette orange à chaque couleur de la pièce, et à cause de cela, toutes les couleurs fonctionnent naturellement ensemble. La dernière chose que nous allons faire est de regarder ce que je crois être la façon numéro 1 d'augmenter votre jeu de couleurs, et vous pouvez l'utiliser à tout moment de votre processus. Nous allons juste devoir aller un peu à l'extérieur d'Illustrator pour le faire. 4. Les calques de réglages, votre nouveau meilleur ami (partie 1): La dernière technique que nous allons couvrir va nous emmener dans Adobe Photoshop. Si vous n'avez pas Photoshop, c'est tout à fait correct car il y a beaucoup d'alternatives gratuites là-bas, et celle que je recommanderais est Gimp. G-I-M-P, car il est disponible à la fois sur Mac et Windows et je sais qu'il offre ce que nous allons couvrir. Je vais laisser un lien vers elle dans les notes ainsi que la section des ressources sur cette classe. En ce qui concerne Adobe Illustrator, utilisation de la couleur peut devenir très limitée, et c'est pourquoi nous allons utiliser Photoshop. C' est parce que c'est un programme spécialement conçu pour éditer des images. Personnellement, j'utilise cette technique probablement plus que les deux autres, et je l'utilise surtout au début de la pièce et à la fin d'une pièce. Au début, je l'utilise pour définir mon schéma de couleurs initial et à la fin, je l'utilise pour toute touche finale et ajouter un peu de cohésion à l'ensemble de la pièce. Encore une fois, comme toutes ces autres techniques, vous constaterez qu'il existe de meilleurs scénarios pour vous de l'utiliser. Je vais faire des ajustements à ce motif de trous de hobbit que j'ai fait et à ce stade dans la pièce, le design est fini, et j'ai les couleurs que je veux plus ou moins utiliser. Mais en ce moment, ils ne travaillent pas aussi bien ensemble que je le voudrais. Comme avec la pièce que nous venons de faire, j'ai l'impression qu'il y a une touche d'harmonie qui pourrait être ajoutée. Ce que je trouve être le moyen le plus rapide de simplement exporter des images à partir d'Illustrator, est d'utiliser l'exportation pour le Web ou enregistrer pour la fonctionnalité Web, et vous pouvez trouver que sous fichier, exporter, enregistrer pour le Web, et vraiment facilement ici vous pouvez il suffit de sélectionner ce que vous voulez l'enregistrer comme, je vais choisir un JPEG. Je vais juste laisser ça à ça. Je ne vais pas modifier les paramètres en ce moment. Appelons ça des trous de hobbits. Maintenant, nous allons ouvrir l'image que nous avons enregistrée dans Photoshop, et à partir d'ici, nous allons utiliser des calques de réglage. Tous les calques de réglage se trouvent ici dans la fenêtre Calques. Comme vous pouvez le voir, à mesure que vous faites défiler, il y a beaucoup d'options différentes et nous ne allons pas les couvrir toutes. En fait, on va rester avec trois aujourd'hui. Le premier que nous allons couvrir est les courbes. courbes peuvent être une chose difficile à comprendre et ce n'est pas après que je l'ai utilisé pendant longtemps que j'ai finalement commencé à l'obtenir moi-même. Mais si vous ne le comprenez pas complètement, c' est tout à fait bien parce que je vais vous donner des directives générales pour travailler avec, et à la fin de la journée, comme nous l'avons fait dans les autres techniques, vous pouvez simplement continuer à jouer avec elle jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose que vous aimez et que vous pensez que cela fonctionne bien. Je vais également ajouter un lien dans la section notes et ressources de cette classe, si vous voulez faire une lecture plus approfondie sur les courbes et comment cela fonctionne. Ce que vous voyez ici s'appelle un histogramme et ce qu'il vous montre de gauche à droite est les points les plus sombres de l'image, jusqu'aux points les plus légers de l'image, donc ce que ces différents pointes indiquent, sont vraiment combien de ce ton ou cette nuance est présente dans l'image. Par exemple, si nous regardons l'extrême droite ici, cela va représenter le vrai blanc, comme le blanc le plus blanc pourrait obtenir, nous voyons un gros pic. Cela va être représenté par ces cheminées ici dans la pièce. Ce qui commence à devenir un peu difficile à comprendre, c'est que, ce n'est pas seulement de représenter des nuances de gris, donc pas de noir à blanc, mais cela représente aussi les couleurs. repensant à l'époque où nous travaillions avec la teinte, la saturation et la luminosité des couleurs, vous pouvez même aller et considérer cela comme une échelle de luminosité pour toutes les couleurs. Par exemple, les pointes autour d'ici qui sont à l'extrême gauche, ceux-ci vont représenter certaines des couleurs plus sombres. Ce sera certaines de ces couleurs de bois ici, ainsi que ces dalles de pierre juste en face de ces maisons. Ceci étant dit, plutôt que de travailler avec cette partie de courbes qui regarde toutes les couleurs, nous allons en fait cibler individuellement un à la fois, les trois canaux de couleur différents avec lesquels nous travaillons. Parce que nous travaillons en RVB, cela signifie que nous allons travailler avec le rouge, le vert et le bleu. Je vais commencer par le rouge d'abord. Cet histogramme ici ne traite que du rouge et il vous montre donc les pointes où le rouge est le plus présent. Parce que nous avons beaucoup de bruns foncés dans cette pièce, c'est pourquoi il y a un si gros pic ici, parce qu'il y a beaucoup de rouge dans ces bruns. Ce que je vais faire, c'est que je vais tracer trois points, distance relativement égale ici, je vais mettre un ici, un ici, et un là. Ils ne sont pas exacts. Ce n'est pas une grosse affaire. En fait, vous n'avez même pas à le structurer de cette façon. C' est juste une bonne façon de cibler individuellement les sombres, les tons moyens et les points forts d'une pièce. Peut-être que je pense à toutes les couleurs de gamme moyenne dans la pièce. Je veux qu'ils aient plus de rouge en eux. Je peux prendre ce point du milieu et le faire glisser vers le haut. Si vous regardez, vous allez voir qu'il va y avoir du rouge en train d'être ajouté à beaucoup plus de ces couleurs. Vous pouvez le remarquer, comme les verts changent un peu et les bruns deviennent de plus en plus rouges. C' est parce que j'ajoute plus de rouge à cette gamme de couleurs. Je veux que le rouge soit une couleur forte dans cette pièce. Je veux surtout qu'il soit vert et rouge donc, je vais juste le laisser, peut-être pas si haut, mais je vais augmenter les tons moyens un peu pour le rouge, juste comme ça. Ensuite, je vais aller à la chaîne verte. Encore une fois, pour le vert, je vais juste le tracer de la même façon. Comme je l'ai dit, je veux vraiment que le vert soit vraiment présent dans les couleurs plus vives. En fait, je vais prendre ce point ici et l'augmenter. Vous pouvez même voir le changement qui se passe comme je le fais dans la pièce, et vous pouvez voir beaucoup de couleurs plus vives sont plus d'une sensation de vert à elle. Je vais en fait diminuer le vert dans l'ombre, juste parce que je veux que les couleurs plus foncées soient plus du rouge et que les couleurs plus vives soient plus du vert. C' est juste la décision que j'ai prise. En réduisant le vert dans l'ombre, je laisse passer plus de rouge. Enfin, je vais aller au bleu et je ne veux pas que le bleu ait une présence très forte dans cette pièce. Je vais encore tracer ces points, et nous pouvons voir cela en regardant l'histogramme que la majorité du bleu arrive dans la gamme de tons moyens, juste au milieu ici. C' est le point sur lequel je vais vraiment me concentrer. Je vais juste faire tomber ça parce que ça va avoir le plus grand impact ici. Je pourrais tout réduire si je le voulais vraiment, mais je vais juste le faire. Il est important de noter que bien que je ne change que le canal bleu et en ce moment, je n'affecte pas seulement le blues dans ma pièce. Chaque couleur qui a du bleu va être affectée. Par exemple, même si ces collines ici, elles semblent vertes, il y a en fait une quantité considérable de bleu pour eux. En fait, si je vais à Info Fenêtre et mettre en surbrillance ceci, vous pouvez voir dans ce petit panneau d'informations ici, il vous donnera les valeurs rouge , vert et bleu de cette couleur que vous avez actuellement votre souris sur. On peut voir qu'il y a en fait un peu de bleu. Pour plus d'informations à ce sujet et comment cela fonctionne, j'ai également ajouté une ressource pour le système de couleurs RVB afin que vous puissiez pleinement comprendre comment il crée des couleurs à partir des trois canaux. Vous constaterez peut-être que lorsque vous travaillez avec ces courbes, les choses peuvent devenir un peu folles si vous poussez la courbe trop loin. Par exemple, quelque chose comme ça, ça a l'air cool, mais ça devient aussi un peu fou, certainement pas ce que je vais faire. En règle générale, lorsque je travaille avec des courbes, j'essaie de ne pas obtenir la courbe car elle va de gauche à droite, pour descendre vers le bas. Je trouve juste que quand ça arrive, généralement ça te donne un aspect moins naturel, ouais moins que naturel. Bien sûr, si c'est ce que vous allez faire, alors ça peut être un excellent moyen d'y parvenir, mais c' est là que je suis avec. Ensuite, nous allons réellement regarder les niveaux. Je vais revenir aux calques d'ajustement, et je vais cliquer sur « Niveaux ». 5. Les calques de réglages, votre nouveau meilleur ami (partie 2): Encore une fois, Levels est un outil assez facile à utiliser, mais il peut être difficile à maîtriser. Pour nos besoins, nous allons juste utiliser le curseur inférieur ici. Tout comme nous l'avons fait avec les courbes, nous allons le faire un canal à la fois. Encore une fois, rouge, vert et bleu. Donc, ce curseur représente ici les niveaux de sortie de chaque canal. Donc, sans être trop technique, cela signifie que plus nous faisons glisser le curseur noir ici, cela signifie que plus nous allons ajouter de rouge à toutes les couleurs vraiment. De la même manière, plus nous laissons glisser le curseur blanc, plus nous enlevons le rouge de toutes les couleurs. Donc, une bonne façon d'aborder l'utilisation de Niveaux est d'utiliser le curseur noir lorsque vous voulez plus de cette couleur et d'utiliser le curseur blanc quand vous voulez moins. Donc personnellement pour ça, je veux plus de rouge. Donc je vais bouger un peu le curseur noir, juste un peu. Je veux plus de vert. Je vais faire la même chose, peut-être un peu plus que le rouge et je veux moins de bleu. Donc, je vais utiliser le curseur blanc maintenant et composer ça jusqu'à là. La dernière couche de réglage que nous allons utiliser est la luminosité et le contraste et , en partie, nous l'utilisons à cause de ce que le travail dans Niveaux vient de faire à notre pièce. Dans les niveaux, nous introduisions la couleur dans les blancs et dans les noirs de notre pièce et naturellement cela réduit juste le contraste de celle-ci. C' est pourquoi il est important pour nous d' utiliser la luminosité et le contraste pour augmenter le contraste. Bien sûr, à la fin de la journée, tout dépend effet que vous allez chercher ou de l'apparence que vous voulez. Si vous voulez plus d'un look délavé, alors vous pouvez juste le laisser ici. Cependant, je veux que mes couleurs apparaissent un peu. Je vais donc augmenter le contraste en utilisant ce calque de réglage. C' est le plus simple des trois. Tout ce que vous devez faire est de faire glisser le contraste jusqu'à ce que vous arriviez dans un endroit où vous aimez vraiment, quelque part comme là. Cool. Parfois, vous pourriez vouloir revenir en arrière et peut-être peaufiner quelques choses. Par exemple, laissez-moi revenir à Niveaux et peut-être ramener le bleu un peu plus, peut-être pas tellement rouge. Si vous voulez réellement que ces couches de réglage ne prennent pas aussi fort d'un effet, vous pouvez en fait réduire l'opacité. Alors peut-être que je ne veux pas que les Niveaux aient fait autant. Je peux en fait réduire un peu l'opacité et l'effet ne sera pas aussi fort, quelque chose comme ça. Donc, une fois que vous l'avez dans un endroit où il est beau, nous pouvons faire ma partie préférée qui est la comparaison. Tout ce que vous avez à faire est d'activer et de désactiver ces couches et de voir la différence que vous avez faite. Donc c'est vraiment intéressant maintenant de voir comment même si j'ai commencé avec quelque chose que je pensais être assez bon, après avoir fait ces changements, il y a une telle différence et à mon avis, ça semble beaucoup, beaucoup mieux. Donc, juste à partir du peu de temps que nous avons passé dans Photoshop, il est vraiment facile de voir combien de puissance vous pouvez vraiment avoir là-bas avec travailler avec les couleurs. Cela peut sembler un peu intimidant au début, mais si vous prenez le temps d'expérimenter ces différentes couches de réglage, vous obtiendrez le coup assez rapidement. Si vous voulez vraiment tirer le meilleur parti de ce que Photoshop a à offrir, il y a des tonnes de différents calques et effets de réglage en dehors qui peuvent vraiment aider votre illustration. Cela dit, si vous ne touchez jamais autre chose que les trois que nous avons passés aujourd'hui, vous allez toujours obtenir de très bons résultats. Maintenant que nous avons un tout nouvel arsenal dans le traitement de la couleur, ensuite, nous allons mettre ça à l'épreuve. 6. Mettez à niveau votre ancien travail: Juste en étant assis ici et en regardant comment ces différentes techniques sont faites, vous avez maintenant toutes les informations dont vous avez besoin pour augmenter la couleur dans votre propre travail. Cela étant dit, en ce moment, bien que cela puisse paraître très frais dans votre esprit très rapidement, les choses que nous avons apprises peuvent commencer à fuir. La meilleure façon de faire ce béton pour vous est de l'appliquer dès que possible, c'est pourquoi nous avons le projet de classe. Nous allons prendre un travail précédent et nous allons appliquer une ou plusieurs des techniques que nous avons apprises en classe. Tout ce que vous aurez à faire est de poster la pièce originale, puis à quoi la pièce ressemble maintenant que vous avez apporté les modifications, puis juste une brève description de la technique ou des techniques que vous avez utilisées pour le faire. Si vous n'avez pas une pièce avec laquelle travailler, c'est tout à fait bien. Je vais fournir un couple dans la section des ressources. N' hésitez pas à télécharger l'un d'entre eux et à y apporter les modifications. J' espère qu'en prenant ce cours, vous avez maintenant un nouvel ensemble d'outils qui peuvent vous aider avec le monde redoutable de couleur et je sais que certaines des techniques peuvent sembler un peu déroutantes au début, en particulier celles que nous avons faites avec Photoshop. Mais la chose importante à retenir est qu'avant tout, la meilleure chose à faire est juste d'expérimenter. Jouez autour des curseurs, essayez quelques options différentes. Finalement, vous allez obtenir quelque chose que vous aimez et au fil du temps, vous allez développer une compréhension de la façon dont la fonctionnalité fonctionne réellement. Si vous avez des questions sur ce que nous avons fait aujourd'hui, vous pouvez les poster dans la discussion communautaire et je vous répondrai dès que possible. Je vais le surveiller de près. De cette façon, si vous êtes coincé n'importe où, nous pouvons vous faire passer et passer à la section suivante. Si vous avez apprécié la classe, tout ce que je vous demande c'est de laisser un avis positif et si vous êtes intéressé pour plus de mes cours, tout ce que vous avez à faire est de cliquer sur mon nom ici sur Skillshare. Enfin, je veux juste vous remercier d'avoir pris le cours. J' ai beaucoup de plaisir à les faire, mais à la fin de la journée ils ne sont pas pour moi, ils sont pour vous les gars et ça signifie vraiment beaucoup que vous prenez le temps de les prendre, participer à la discussion et c'est vraiment excitant de voir ce que vous venez avec. Merci encore. J'espère que tu apprends beaucoup et j'ai hâte de voir ce que tu trouves.