La conception graphique est l’art de combiner des images, du texte et des idées pour créer des œuvres qui attirent l’attention du spectateur afin de communiquer un message spécifique. Comme les graphistes se demandent toujours comment faire, ils ont mis au point une série d’astuces et de techniques pour que leur travail soit organisé et efficace.

La meilleure façon de comprendre les éléments de conception est de les considérer comme étant les blocs de construction de tout projet. Même le portefeuille de conception graphique le plus complexe peut être décomposé en éléments fondamentaux comme les lignes, les formes et les polices. Quant aux principes de conception – parfois appelés “principes de l’art” – ce sont des règles qui permettent de définir et de réglementer la façon dont ces éléments interagissent entre eux, avec leur contexte et avec leur public. Bien que les éléments de conception et les principes de conception soient tous deux des concepts importants à connaître, cet article se concentre sur les éléments de conception, qui sont considérés comme étant les caractéristiques les plus fondamentales de tout projet de conception graphique.

Image via Temi Coker
Image via Temi Coker

Les sept éléments de base de la conception graphique sont la ligne, la forme, la couleur, la texture, le type, l’espace et l’image. Chacun a ses propres points forts et points faibles. Maîtrisez ces éléments de base et vous ferez passer votre portfolio de conception graphique au niveau supérieur.

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Ligne

Des lignes sont toujours bien plus que de simples points reliés entre eux. En fonction de leur forme, de leur poids, de la longueur et de leur contexte, les lignes peuvent vous aider à organiser l’information, à définir les formes, impliquer le mouvement et à transmettre les émotions.

Lorsqu’il s’agit de choisir les lignes appropriées pour les projets, les concepteurs ont de nombreuses possibilités. Les lignes peuvent :

  • ..être horizontales, verticales ou diagonales.
  • ..être droites, incurvées ou en forme libre.
  • …être en zigzag ou créer d’autres motifs.
  • …être solides, cassées ou implicites.

Les lignes invisibles que l’on trouve dans les grilles des dessins imprimés servent de guides, offrant aux projets plus de structure et de direction. Quant aux lignes visibles, avec leur poids et leur forme, elles peuvent être utilisées pour communiquer une variété de messages et d’ambiances dans le travail final d’un concepteur.

Pensez aux types de lignes que vous voyez dans votre vie quotidienne et rappelez-vous les types de messages qu’elles vous transmettent. En fonction de leur contexte, les lignes sombres plus lourdes peuvent communiquer la stabilité – ou indiquer une menace. Les lignes griffonnées peuvent suggérer l’excitation, la confusion ou le désordre. Les lignes en zigzag peuvent exprimer l’électricité ou la colère, tandis que les lignes ondulées peuvent suggérer la fragilité, l’élégance, l’incertitude ou la beauté.

Étant donné que même des lignes simples peuvent transmettre tant de choses, les concepteurs doivent toujours réfléchir soigneusement à la manière et au moment de les utiliser pour qu’ils aient le plus grand impact possible.

Dans le cadre de la sélection du personnel Skillshare par Dylan Mierzwinski, Améliorer votre jeu d'art : Les éléments et les principes de la conception
De la sélection du personnel Skillshare par Dylan Mierzwinski : Améliorer votre jeu d’art : Les éléments et les principes de la conception

Forme

Aux fins de la conception graphique, les formes sont mieux comprises comme des zones, des formes ou des figures contenues dans un périmètre délimité ou un contour fermé. Il existe deux types de formes que tout graphiste devrait comprendre : les formes géométriques et les formes organiques (ou “à flux libre”).

Les formes géométriques peuvent inclure des formes bidimensionnelles ou tridimensionnelles. Elles sont créés par un ensemble de points reliés par des lignes droites ou courbes et sont généralement abstraites et simplistes. Les formes géométriques peuvent être des triangles, des pyramides, des carrés, des cubes, des rectangles, des pentagones, des hexagones, des octogones, des décagones, des cercles, des ellipses et des sphères.

Les formes biologiques sont beaucoup moins uniformes, proportionnelles et bien définies. Elles peuvent être symétriques ou asymétriques. Elles peuvent comporter des formes naturelles, comme des feuilles, des cristaux et des vignes, ou des formes abstraites, comme des taches et des gribouillis.

Les gens associent souvent les bords et les anneaux arrondis avec la positivité, la communauté, l’amour, l’amitié et l’harmonie. Les carrés et les rectangles peuvent suggérer l’équilibre, la fiabilité et la force. Et les triangles ont des associations culturelles avec la science, la religion, l’histoire, la civilisation et le pouvoir. Si vous choisissez un certain ensemble de formes, vous pouvez transmettre la stabilité, la fiabilité et l’organisation. Choisissez-en d’autres, et vous communiquerez le chaos, la création et le plaisir.

Selon la psychologie de la Gestalt – une théorie de conception prédominante – les spectateurs donnent un sens aux conceptions en les considérant comme un tout plutôt que comme leurs parties individuelles. En choisissant des formes intéressantes et appropriées, vous êtes sur la bonne voie pour offrir aux spectateurs une conception plus agréable à l’œil et qui attire l’attention.

Couleur

La couleur peut être un outil utile pour communiquer une ambiance ou susciter une réponse émotionnelle de votre spectateur. La théorie des couleurs et la roue chromatique constituent un guide pratique pour les graphistes qui souhaitent sélectionner une couleur unique ou combiner plusieurs couleurs de manière harmonieuse – ou intentionnellement discordante.

En matière de conception graphique, certaines couleurs sont regroupées dans des catégories spécifiques.

  • Les couleurs primaires (rouge, jaune et bleu) sont définies comme les couleurs à pigment pur à partir desquelles toutes les autres sont réalisées. Il n’est pas possible de mélanger toute autre couleur pour obtenir du rouge, du jaune ou du bleu. Mais en les mélangeant, vous obtiendrez toutes sortes de nuances.
  • Les couleurs secondaires (violet, vert et orange) sont le résultat immédiat du mélange de deux couleurs primaires : Le rouge et le jaune donnent l’orange, le bleu et le rouge donnent le violet, le jaune et le bleu donnent le vert.
  • Les couleurs tertiaires (rouge-orange, jaune-orange, jaune-vert, bleu-vert, bleu-violet et rouge-violet) sont les six couleurs qui résultent du mélange d’une couleur primaire et d’une couleur secondaire.

Les harmonies de couleurs sont créées lorsque deux ou plusieurs couleurs sont choisies en fonction de leur position sur la roue chromatique.

  • Les couleurs complémentaires se situent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique.  Elles sont très contrastées et peuvent exprimer la vivacité et l’énergie ou être visuellement dérangeantes, selon la façon dont elles sont utilisées. Le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires.
  • Les schémas de couleurs analogues utilisent des couleurs qui se situent l’une à côté de l’autre sur la roue chromatique. Ils sont agréables à l’œil et peuvent créer un sentiment d’harmonie et de calme au niveau d’une conception. Cependant, ils peuvent aussi sembler ternes s’ils sont mal utilisés ou s’ils ne sont pas dynamisés par d’autres éléments contrastants.
  • Les schémas de couleurs triades utilisent des couleurs qui sont espacées de manière égale autour de la roue chromatique. Ils sont très vibrants et nécessitent un équilibre pour être agréables à l’œil.
  • Les schémas de couleurs complémentaires divisés utilisent une couleur de base et les deux couleurs qui sont adjacentes à sa couleur complémentaire. Ils offrent un grand contraste visuel sans être gênants, ce qui explique pourquoi tant de concepteurs les préfèrent.
  • Les schémas de couleurs tétradiques ou rectangulaires utilisent deux ensembles de couleurs complémentaires. Parce qu’ils comportent quatre couleurs, les schémas tétradiques offrent aux concepteurs une myriade de variétés et de résultats possibles.
  • Les schémas de couleurs carrés comportent quatre couleurs qui créent la forme d’un carré sur la roue chromatique. Ils offrent également de nombreuses possibilités de conception, mais devraient toujours être équilibrés lorsqu’ils sont utilisés.

Lorsque vous réfléchissez à vos schémas de couleurs, vous pouvez également décider quelle teinte et quelle nuance sont appropriées pour votre projet. Les couleurs pastel peuvent sembler calmes ou peu confiantes, tandis que les teintes vives peuvent être synonymes d’amusement et de bonheur, ou sembler bon marché dans le mauvais contexte. Les teintes foncées évoquent le sérieux et le professionnalisme, mais elles peuvent aussi donner l’impression d’être sombres ou ennuyeuses si vous ne faites pas attention.

Selon les experts, les êtres humains ont des réactions psychologiques différentes aux couleurs en fonction du contexte culturel. Il est important de connaître les associations de couleurs de votre public et de les exploiter ou de les éviter, en fonction des objectifs de votre projet.

Comment utiliser la théorie des couleurs

Apprenez à évoquer certains sentiments et certaines réponses chez vos spectateurs grâce à l’introduction originale à la conception graphique du designer Dominic Flask sur Skillshare : Exprimer l’émotion avec la théorie des couleurs.

Texture

La texture est la sensation que procure une surface – pelucheuse, lisse, rugueuse, douce, gluante ou brillante. La plupart des graphistes doivent transmettre visuellement la texture en utilisant des illusions pour suggérer comment leur travail pourrait être ressenti si les spectateurs pouvaient le toucher. La maîtrise de la texture est un élément important pour procurer un aspect soigné et professionnel aux conceptions.

Il existe différentes façons d’expérimenter avec la texture dans votre travail de conception. Si vous êtes inspiré par la nature, vous pourriez travailler avec des textures organiques, en vous inspirant des feuilles, de l’écorce des arbres, des pierres, de la fourrure, des fleurs, de l’herbe et de la terre. 

Ou vous pouvez créer un motif abstrait en répétant uniformément des éléments bidimensionnels, puis utilisez ce motif pour créer des arrière-plans texturés. Envisagez de travailler avec une typographie texturée afin d’apporter un intérêt visuel supplémentaire.

Si vous vous intéressez à la photographie, vous pouvez également apprendre à incorporer des images dans votre fond d’écran afin de superposer votre travail. Pour accentuer le contraste des textures, ajustez la saturation des couleurs et les niveaux de transparence de votre photo et voyez comment cela affecte l’ambiance de votre conception.

Type

Que vous choisissiez une fonte ou que vous créiez votre propre typographie pour un projet de conception graphique, il est important de s’assurer que la police que vous utilisez est lisible et appropriée à votre sujet. La police a un impact sur l’ambiance générale d’une conception. Il faut donc se demander si vos lettres doivent être imprimées ou écrites, et si elles doivent avoir des angles aigus ou arrondis.

Le poids de votre lettrage est également un élément important de votre conception. En général, les lettres larges ou épaisses indiquent que les mots qu’elles représentent sont importants. Toutefois, si vous n’êtes pas vigilant, elles peuvent aussi sembler lourdes ou perturber l’équilibre d’un dessin. Les lettres fines peuvent confier l’élégance ou la modernité, mais elles peuvent également sembler fragiles. Si vous n’arrivez pas à choisir une seule fonte ou une seule taille, vous pouvez peut-être en intégrer plusieurs dans la conception finale de votre logo. Mais en général, il convient de ne pas dépasser trois dans un projet donné.

Se familiariser avec la création de caractères

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Espace

L’espacement est un élément essentiel de la boîte à outils de tout concepteur. Il peut donner de l’air à une conception, augmenter son impact visuel, équilibrer les éléments visuels plus lourds et mettre en valeur les images ou les messages que les spectateurs doivent retenir. Sans suffisamment d’espace, une conception risque d’être trop encombrée visuellement pour être comprise par votre public.

L’espacement peut séparer des objets ou les relier. Un espacement étroit entre les éléments visuels indique qu’ils ont une relation forte, tandis qu’un espacement plus large indique qu’ils sont moins liés. Lorsque vous entourez un élément visuel d’espace, vous soulignez son importance, mais l’espace peut également suggérer la solitude et l’isolement.

L’espace positif désigne l’espace occupé par les éléments visuels sur lesquels un concepteur souhaite que son public se concentre. L’espace négatif désigne tout le reste, y compris l’arrière-plan. De nombreux concepteurs font l’erreur de se concentrer uniquement sur la création d’un espace positif, mais un espace négatif organisé est tout aussi essentiel à une composition cohérente et visuellement intéressante. Si vous prêtez attention à la façon dont l’espace négatif affecte votre conception, il peut faire passer votre projet du statut d’amateur à professionnel.

Image

Que les graphistes utilisent des photographies ou des illustrations, ils comptent sur des images pour attirer l’attention du public et exprimer des messages spécifiques. Une image fonctionne simultanément à plusieurs niveaux : elle fournit un contexte à la communication d’un concepteur, ajoute le drame ou l’action nécessaire et crée une ambiance générale.

Lorsque vous incorporez des images dans votre travail, il est essentiel de trouver une image qui représente l’histoire correcte et maximise l’intérêt visuel. Vous pouvez choisir une image avec beaucoup de couleurs et de textures contrastées, ce qui offre aux spectateurs un festin visuel pour maintenir leur intérêt. Vous pouvez également mettre en évidence un élément spécifique d’une image pour indiquer où se situe le point central de leur attention.

Les images sont peut-être les outils visuels de communication ayant le plus d’impact. Si vous utilisez judicieusement leur pouvoir à bon escient, votre œuvre transmettra plus que vous ne l’auriez jamais imaginé.

Mélanger images et design

Temi Coker, artiste du numérique de renom, guide les apprenants à travers le processus de mélange de photographies et d’art numérique pour obtenir des résultats originaux.

Conclusion

Vous pouvez utiliser les éléments de conception de toute forme ou mise en page qui nécessite du texte, des images et des idées pour exprimer quelque chose d’unique, que ce soient des affiches, des panneaux d’affichage, des brochures ou des emballages. Apprenez à choisir et à utiliser judicieusement chaque concept, et vous serez sur la bonne voie pour créer des conceptions graphiques originales, communicatives et visuellement attrayantes.

Written By

Dacey Orr Sivewright

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