Teoría del color para ilustradores: una guía divertida para principiantes sobre el color creativo

1. Teoría del color para ilustradores: una divertida guía para principiantes sobre el color creativo: ¿ Alguna vez has sentido que sabes qué colores te gustan pero simplemente no se ven bien juntos? Entonces esta clase es para ti. Soy Broke Glaser, ilustrador profesional. Incluso los dibujos más simples pueden verse increíbles con los colores adecuados. Esta clase es una exploración divertida, práctica de la teoría del color. Aprenderás a usar el color para dirigir los ojos de las personas y hacer estallar tus colores. Aprenderás a sombrear con color. Te mostraré varias formas de arreglar tus colores cuando simplemente no sientan que están funcionando. Aprenderás a elegir colores evocadores para enfatizar el estado de ánimo que estás tratando de crear. Te compartiré lo que necesitas saber sobre el color en el mundo real cuando estás imprimiendo y escaneando tu arte, los cinco tropiezos de color más comunes, y los divertidos trucos que los colores pueden jugar en nuestros ojos. Hay algo tan satisfactorio cuando se juntan los colores correctos así que espero que te unas a mí en esta divertida clase sobre el color. 2. tono: Lo primero que necesitamos entender son los bloques constructivos del color: tonalidad, valor y saturación. Estos tres diferentes elementos de color son con los que vamos a jugar para hacer de nuestras divertidas paletas de colores hermosas. Probablemente ya estés familiarizado con el tono. Los tonos son los diferentes colores del arco iris: rojo, amarillo, verde. Probablemente también has oído hablar de la rueda de color. Los tonos transitaron lentamente de un color a otro y forman un círculo. Este círculo, la rueda de color, es una herramienta excepcionalmente útil a la que nos vamos a referir a lo largo de toda la clase. Hay tanta sutileza en el cambio de un tono a otro. En qué momento cambia el color de azul a morado, o rojo a naranja. Esto puede ser altamente subjetivo y un matiz puede verse totalmente diferente dependiendo de los colores que lo rodean. Para tu primer ejercicio, quiero que reúnas artículos para el hogar que en su mayoría están hechos de un solo color. Asegúrate de agarrar varios artículos diferentes con el mismo color. Por ejemplo, vas a querer agarrar varios artículos rojos diferentes. Ahora colóquelos en un círculo pasando de un tono a otro. Mira cuidadosamente tus artículos; es un rojo un poco más en el lado morado o un poco más en el lado naranja. Si tienes disponible una superficie blanca, te recomendaría arreglar tus objetos en ella ya que te facilitará ver los colores. Ahora no dudo que ya conoces todos los colores del arco iris. Este ejercicio no se trata de identificar los colores del arco iris, se trata de abrir los ojos a los matices muy sutiles de los cambios de color entre cada uno de esos tonos. Mi esperanza es que este ejercicio realmente despierte la parte de tu cerebro que finalmente está mirando el color. Eso nos va a ayudar a través del resto de los ejercicios en esta clase. A medida que un bono añadido, es un ejercicio divertido y fácil que está prácticamente garantizado para llegar a algunos resultados realmente visualmente atrayentes. 3. Saturación: La saturación es lo intenso o vibrante que es el color. Si trabajamos con pintura física, es cuánto pigmento puro hay en el color. Con tus tubos de pintura, saturación máxima va a estar viniendo de la pintura que está directamente del tubo a menos que hayas comprado una pintura pastel u otra premezclada. En el arte digital, la saturación de pico está de este lado del recolector de color, el lado que es opuesto al gris. Esto está saturado y también esto. A medida que va más allá hacia el gris, se vuelve menos saturado. La saturación no se relaciona con lo brillante u oscuro que es un color, sólo con lo puro que es el color. Este precioso tono de rosa está completamente saturado y a medida que me muevo más en el gris, en estos preciosos rosados pastel, se está volviendo menos saturado. Lo mismo es cierto si agarro un color de por aquí. Este color es más oscuro, pero no quiere decir que esté menos saturado. Este color sigue saturado y a medida que me acerco al gris en esta escala, se vuelve más desaturado. Cuanto más gris en el color, más desaturado está. Por cierto, cada color tiene una gran versión, cual creo que es bastante ordenada. Hay toda una sutileza degradada. Los colores desaturados tienden a mezclarse con el fondo, mientras que los colores puros saturados salen hacia delante y captan tu atención. Un rostro común del artista de tropiezo es usar demasiados colores saturados en una pieza. Demasiados colores saturados es como usar todas las tapas en el correo electrónico. Si se siente como una piezas de arte gritándote cuando todo está saturado, cuando solo tienes unos pocos colores que están completamente saturados y algunos que están menos saturados. Normalmente terminarás con una pieza que tenga mucha más armonía. Personalmente me encanta usar pasteles suaves. Creo que son igual de hermosos como colores totalmente saturados. 4. Valor: la parte más crucial del color: Ahora en cuanto al valor, posiblemente el elemento más importante del color. El valor es cómo es claro u oscuro un color. A menudo se le conoce como brillo o ligereza. Donde no tienes suficiente contraste en tus valores, no puedes distinguir formas entre sí ni detalles entre sí. Si fueras a mirar al grupo A de gatos y al grupo B de gatos, cuál te parece más interesante. Lo más probable es que vayas a decir grupo B. La única diferencia entre estos dos grupos es la cantidad de contraste que el grupo B tiene valores más oscuros y más claros que el grupo A. Echemos un vistazo más de cerca. Esto es realmente importante, incluso en solo tus detalles. Por lo que las rayas en estos gatos del lado izquierdo son mucho más oscuras, mucho más profundas y sobresalen. Pero en el lado derecho, esas rayas son ciertamente más oscuras que el color base de las caras de los gatos, pero no son lo suficientemente oscuras como para marcar ninguna diferencia o para ser vistas. En realidad no de todos modos. Para entender los tonos, utilizamos una rueda de color. Para entender los valores, utilizamos escalas de valores, las versiones más claras de un color cuando le hemos agregado blanco, lo llamamos tinte, y las versiones más oscuras del color cuando generalmente agregamos negro, es lo que llamaríamos sombra. Con pintura real, lo haces agregando pintura en blanco o negro. En el arte digital, lo hacemos jugando con los deslizadores o moviéndonos en el recolector de color. En pro create, me gusta usar el ajuste clásico para esto. Algunos tonos naturalmente tienen valores más brillantes que otros tonos. Esto me llevó un tiempo llegar porque lo tenía en cabeza que cada matiz tenía la misma cantidad de valor. Cada matiz podría pasar de lo más claro posible a lo más oscuro posible. Pero en realidad eso no es cierto. Cada matiz tiene su propio rango de valor. Echemos un vistazo a un ejemplo de la vida real. Por lo que estoy usando el amarillo a lo más completamente saturado y lo más brillante que pueda ir. Eso se puede decir porque los deslizadores están todo el camino arriba en esta esquina. Entonces aquí está mi color amarillo, y si muevo el deslizador y me meto en la gama azul, ¿cuál de estos colores parece que tiene un valor más ligero? ¿ Y si dibujo una X ahí mismo y una X ahí mismo? Si entrecerras los ojos, ¿cuál de estos colores es más claro? El amarillo, y probémoslo. Voy a desaturar estos colores para que podamos verlos en escala de grises. Entonces me voy a ir, ahora está muy claro que el amarillo es mucho, mucho más brillante que el azul. Vamos a intentarlo de nuevo esta vez usando una versión realmente ligera de azul. Entonces si dibujo una versión ligera de ese azul, y volveremos al amarillo y usaremos una versión ligera de amarillo. Dibujaré una X ahí dentro y una X ahí dentro, y la desaturemos y veamos. Todavía podemos ver que el amarillo sigue siendo mucho más brillante. Tiene un valor mucho más ligero que incluso el azul claro. ¿ Por qué es eso importante? Cuando estás usando dos colores diferentes uno al lado del otro, debes prestar cuidadosa atención a sus valores. Al igual que los lunares en este soplador de fiesta. Si no prestara atención a cómo estos colores contrastaban entre sí en términos de valor, asegurándose de que estos lunares fueran en realidad más brillantes, simplemente se fundirían en el fondo morado del soplador de fiesta así. No se puede suponer que solo mezclando pintura blanca en un color que va a crear suficiente contraste. O que simplemente empujando el deslizador de valor en procreate que va a crear suficiente contraste. Necesitas usar tus ojos para ver si crea suficiente contraste. Si estás trabajando en una pintura física, una gran manera de hacerlo es retroceder a 10 pies de lo que estás dibujando y ver si puedes ver la diferencia. Si puedes ver los detalles del pop. Si estás dibujando digitalmente, haz que tu pantalla sea más pequeña, esto te va a ayudar a ver si esos detalles realmente pop tan fuertemente como crees que lo hacen. Un truco para identificar los valores más brillantes y oscuros de una imagen es entrecerrar los ojos. Esto va a desenfocar todos los detalles y podrás ver más fácilmente cuál es el valor más brillante y cuál es el más oscuro. Crear una escala del blanco puro al negro puro es realmente fácil. Si estás usando un lápiz, simplemente empujas progresivamente un poco más duro. Si estás mezclando pintura, solo agregas un poco más blanco o un poco más negro en cantidades consistentes hasta que pases de un extremo de la escala al otro. Si lo estás haciendo digitalmente, solo te mueves en incrementos parejos por este lado del recolector de color hasta pasar del blanco al negro. No obstante, eso no es tan fácil de hacer con el color. En teoría, eso significaría moverse a través de la mitad superior en incrementos pares para ir al rango medio y luego por este lado e incluso incrementos para llegar hasta el negro. Veamos qué pasa cuando intentamos eso. Pero veamos qué pasa cuando desaturo esto. Podemos ver, está claro ver que esta parte superior no coincide aquí arriba. El color amarillo es naturalmente mucho más claro en valor. Por lo que estos colores en la mitad superior de este recolector de color son mucho, mucho más brillantes, por lo que necesitamos movernos a través de ellos mucho más rápido. Tenemos que ir mucho más lejos cuando estamos llenando nuestra escala de valor. Ve un poco más ligero, ve mucho más rápido. Ahora, desaturemos esto y veamos si está un poco más cerca. Simplemente voy a arrastrar esta escala más cerca nuestra escala original en blanco y negro para que sea más fácil de comparar. Esto está mucho más cerca de una escala de grises real. Se puede ver que nos fuimos mucho más oscuros con el amarillo mucho más rápido. Por lo que la mejor manera de entrenar tu ojo para ver qué tan oscuros o claros son los colores es crear escalas y compararlas con una escala en blanco y negro. He proporcionado algunas básculas que puedes descargarla y utilizarla para tu propia práctica. Los puedes encontrar en la pestaña Recursos si estás usando la versión del sitio web de skill share. Otra gran forma de practicar usando un buen rango de valor en tu arte es hacer estudios monocromáticos. Inktober es una gran oportunidad para practicar esto. Inktober es un evento anual que ocurre en octubre. La gente hace muchos dibujos en blanco y negro, y en realidad ni siquiera tienes que hacerlo en blanco y negro. También puedes hacer estos estudios en un solo color. Por lo que puedes hacer todos los tonos de azul, todos los tonos diferentes de azul o todos los tonos diferentes de rosa o todos los tonos diferentes de morado. El punto es usando solo un color, no tienes que prestar atención a asegurarte de que tus colores coincidan, y puedes enfocarte en asegurarte de que obtienes un buen rango de valor. 5. Arregla tus colores: 5 errores comunes de color: Hay varios errores de color muy comunes que cometen los artistas. Incluso me cojo haciendo el alambique. Si encuentras que el color de tu pieza simplemente no está funcionando, mira si estás experimentando uno de estos tropiezos comunes. Usando demasiados colores. A menos que estés dibujando arcoíris, las piezas más atrayentes tienen una paleta de colores limitada, y usa solo unos pocos colores. Sé que probablemente no quieras oír este. Este es duro porque me encanta el color y quiero usarlos todos. Pero confía en mí, si miras a tu alrededor a algunos de tus artistas favoritos, probablemente usen una paleta de colores limitada y sus piezas individuales también. No digo que no puedas usar todos los colores, solo digo que no puedes usar todos los colores en una sola pieza a menos que sea un arco iris. Tiendo a trabajar con tres o cuatro colores principales, más un blanco y negro. Ahora, usaré versiones más claras y oscuras de esos tres o cuatro colores principales para que pueda crear sombras y reflejos y alguna variación en la pieza. No cuento esos como colores adicionales, pero raramente, uso más que esos cuatro colores principales, blanco y negro. El excepción son las piezas que están hechas de arco iris. Veamos un ejemplo. En esta pieza, he usado el azul, un verde oscuro, naranja, y luego un pop de un verde liny amarillo. El color principal es el azul y no me he pegado a una versión de azul. Tengo un bonito azul profundo en la puerta, pero en la pared hay un azul más claro. El color más oscuro, mi versión de negro, he decidido hacer una versión de negro usando el azul, ya que ese es el color principal. Ahora, también notarás si miras la planta en la esquina inferior derecha, que el verde oscuro es, de nuevo, hay un color sólido principal de verde, pero también hay reflejos de una versión más oscura de ese verde. Lo mismo es cierto de la naranja. Hay versiones más oscuras de la naranja en la parte posterior de las macetas, una versión principal de naranja como el color principal, y luego hay una versión más ligera de naranja para crear reflejos en las macetas. Ese verde calcáreo, que casi luce amarillo cuando se dibuja encima de la planta en la esquina derecha, que se utiliza como acento. Se sale. Esos son mis cuatro colores principales, pero también me he asegurado de incluir un negro oscuro, que es de nuevo ese azul oscuro, y también versiones de gris y blanco. Ahora bien, podría haber hecho de la parte superior de cerca todo un montón de colores diferentes, pero para atar todo, decidí usar los cuatro colores principales que ya estaba usando y no crear mucha más unidad en esta pieza. Si una pieza está viendo caótica o abrumadora, intentaré emparejar mi paleta de colores y eso casi siempre trae más unidad a mi arte. En caso de duda, menos como más, poco puedes agregar más color al gusto. Es lo mismo con cocinar. No quieres abrumar tu platillo con todo un montón de especias al azar. Quieres que las especias se complementen entre sí. Siempre puedes agregar un poco más de especias, o en nuestro caso, color, si las cosas se sienten contundentes. Pero no quieres tirarlo todo al principio, porque es mucho más difícil decir lo que está pasando. De qué color está chocando con qué. Es mucho más difícil arreglarlo cuando no se puede decir lo que está pasando. Usando demasiados colores saturados. Los colores altamente saturados son hermosos y me encantaron. Pero hacer que todos los colores en tu arte estén altamente saturados, es como comer todo un buffet de postre. Parece una gran idea, pero te puede dejar sintiéndote no bien. Demasiados colores saturados es como estar en Time Square con todos los banners parpadeantes por todas partes. Todo está tratando de captar tu atención y no sabes dónde buscar. Las piezas excesivamente saturadas tienden a parecer un poco infantiles, caricaturas y a veces amateurish. A menos que esa sea mirada vas por infantil o caricatura, quieres tonificarlo con una saturación. Usa la saturación para algunos de los colores y no en toda la pieza. Veamos cómo usar un rango de saturación puede ayudar a esta pieza. En este momento todo está muy saturado, y casi te duele los ojos mirarlos. Incluso bajando la saturación del suelo, ya se llena mucho mejor. Si desaturamos las hojas de los árboles, empieza a ponerse un poco más tranquilo, y luego nos movemos a la presencia en la espalda del camello, cambiando el rosa del presente de abajo así como los de arriba. Por último, desaturarán los marrones neutros y las borlas alrededor del cuello de los camellos. Al usar un rango de saturación, hemos mejorado mucho esta pieza. No usar suficientes contrastes y valores. Muchos artistas principiantes comienzan a retirarse con lápiz y papel. Deben querer dibujar últimamente porque, bueno, es difícil borrar líneas oscuras si cometes un error. Como principiante, es posible que no tengas la confianza de hacer unas líneas y formas realmente oscuras porque puede dar miedo comprometerte con una forma, pero eso significa que es difícil ver cuál es el dibujo a menos que estés realmente cerca de él. Igual que estarías si estuvieras dibujando muy cerca del lienzo. Eso tiene sentido. Pero el contraste es vital importancia si quieres que tu trabajo se vea en el mundo real. Si estás en línea, el contraste te va a agarrar la vista en la versión de una miniatura. Alguien va a dar click en esa miniatura para verla más grande. Si estás en un museo, te vas a atraer a una pieza del otro lado de la habitación. Vas a querer que tenga contraste, y si te sientes atraído por esa pieza, vas a caminar más cerca de ella. Si tu pieza se siente plana, intenta hacer que algunas de las áreas más oscuras sean aún más oscuras, o que las zonas más claras sean aún más claras. Siempre me esfuerzo por tener un color casi negro o negro en mis piezas y un casi blanco o muy cercano al blanco. No considerando los antecedentes desde el principio, estoy constantemente por conseguir esto. Es un error especialmente fácil de cometer si estás trabajando digitalmente. Los colores y el contraste se ven completamente afectados por su entorno. El color de fondo cambiará todo sobre la forma en que tus colores están leyendo. Si comienzas con un fondo blanco y al final, decides tal vez un fondo azul sería bonito en esta pieza, podrías conseguir un despertar grosero cuando encuentres que los temas de tu pintura se mezclan con el fondo, o peor aún, el equilibrio de todos tus colores ya no funciona. Considerando el color de tu fondo, te ahorrará de tener que retocar y recolorear un lugar entero. Por favor, aprenda de mis errores. Considera el color de fondo al principio. Siendo demasiado literal con el color. En primer lugar, la ilustración es una versión estilizada de la realidad, si los colores de tu paleta coinciden, cuantos menos, probablemente no le va a importar si los objetos son, no son literalmente el color que se supone que son. Por ejemplo, las piernas de flamencos no son una marina profunda. Su atractivo melocotón, pero pensé que este color traería más contraste y luciría mejor en esta pieza. Los unicornios no son realmente reales, así que no importa de qué color sean. Pero, ¿qué pasa con las ramas alrededor de estas flores? En la vida real eso sería verde o marrón. Pero esta genial coincide con la paleta de colores, por lo que no importa. Piensa primero en la paleta de colores que te atraiga, y en lugar de sentirte atrapado por lo que se supone que son los colores, si queríamos realismo, tomamos una foto, no dibujamos una imagen. Incluso entonces, las fotos suelen ser corregidas de color para hacerlas más atractivas e incluso películas. Las películas usaban la calificación de color, cambian la forma en que se ven los colores de la película, las imágenes, y usan luces de colores para realzar el estado de ánimo. Ni siquiera las películas son de color realista. Si no vas por arte estilizado, pero te preocupas más por el realismo, no quieres confiar solo en cuál es tu memoria de lo que es un color. El color no siempre es lo que creemos que es. Es altamente afectados por los colores que lo rodean, y el color de la luz que se está reflejando desde el sujeto. De verdad quieres poner atención a tus fotos de referencia si vas por realismo y no dependes solo de lo que tu cerebro asume que es el color. Usar el color en el arte, es como emparejar tu atuendo o decorar una habitación. Probablemente tengas más experiencia combinando buenos colores juntos de lo que te das cuenta. Esto se puede hacer totalmente. 6. Sombreado con color: Yo quiero hablar de color y sombreado. La tendencia cuando estamos creando sombreado es simplemente crear una versión más oscura del color que estamos dibujando para crear el sombreado. Digamos, por ejemplo, que voy a crear un tono de piel que es este color. Ese es un bonito tono PG. Pero la tendencia podría ser querer bajar un poco y hacerlo más oscuro y decir, esa podría ser una bonita versión de sombreado y si quiero hacer algo un poco aún más oscuro que eso, tal vez me vaya a oscurecer así. En teoría, estos colores, este tono claro, medio, y más oscuro, que podrían hacer algún tono de piel agradable en teoría. Bueno, veamos cómo se ve en la práctica. Así se verían esos colores de tono de piel si los usas en tu ilustración real y se ven terribles. Son oscuras y grises y sucias a diferencia de esta versión de tonos de piel. ¿ Por qué este se ve tanto mejor? Porque estos son en realidad mucho más saturados. Lo que hicimos antes fue que acabamos de pasar de este tono de piel aquí y simplemente bajamos y simplemente lo oscurecimos y en cambio, lo que está pasando aquí, si dejo caer este primer color, notarás que está aquí arriba y es ligereza media y es desaturado pero se ve melocotón y bonito y si agarro y caigo por aquí, lo que pasa es que nos saturamos mucho más con nuestro color de sombra y además, quiero que te des cuenta en realidad también lo cambiamos muy ligeramente en el tono, así que estamos en realidad yendo un poco más rojo. Ahora, un gran atajo para esto, si estás usando arte digital es usar un modo de mezcla. Al igual que por ejemplo, este sombreado se creó en realidad con un modo de fusión por lo que esto está encendido multiplicar. Ahora bien, no puedes usar un modo de mezcla si realmente estás pintando. Pero si estás dibujando con herramientas digitales, puedes usar esto. Esto es sólo un modo de mezcla. Si enciendo esto completamente y en normal, realidad es aproximadamente el mismo color que el tono base de la piel, pero se multiplican, profundizan y oscurecen ese color. Ese es un atajo agradable, fácil, pero no siempre uso modos de mezcla en mi arte. Digamos que no voy a usar una máscara de mezcla y quiero hacer este sombreado manualmente a mano. De lo que voy a hacer, tengo este bonito tono marrón rico, lo marcaré ahí mismo. Este bonito tono marrón rico ya está bastante saturado, su ciertamente más saturado de lo que era nuestro tono melocotón y es un poco oscuro y también está en como un tono naranja-rojo justo aquí. Lo que no quiero hacer es simplemente oscurecerme así. No quiero simplemente mover el tobogán oscuro. Lo que quiero hacer es ir más saturado. Veamos cuál es este color de aquí. Si se me cae eso. Mira eso. Está mucho más saturado y se puede ver la diferencia de nuestro tono de piel original a nuestro tono de piel sombra, mucho más saturado y más oscuro también. Aquí está el nivel de oscuridad del tono base de piel, y aquí está el nivel de oscuridad del tono de piel de sombra. Es un poco más oscuro pero está mucho más saturado. Es así como pensaría en saturar y desaturar mis sombras. No pensaría sólo en volverme más oscuro. También pensaría en ir más saturado y también muchas veces realmente sí ayuda también cambiar tu tono también. Esa es otra técnica. No tienes que pegarte sólo al tono, esta naranja te aquí, podrías ir aún más oscuro en el lado rojo o podrías ir aún más claro en el lado amarillo para los reflejos también. Estas son cosas en las que pensar cuando estás sombreando y resaltando con color. 7. Sorteo: gana un año de Skillshare: Para celebrar el lanzamiento de esta clase, voy a estar haciendo un sorteo. Voy a estar regalando un año de Skillshare. Para entrar, todo lo que tienes que hacer es publicar un proyecto en esta clase. Tu proyecto puede ser cualquiera de los ejercicios de esta clase. Pueden ser tus bocetos de color de diferentes armonías de color. Puede ser la foto de los objetos domésticos dispuestos en la rueda de color. Puede ser tu paleta de colores favorita. Podría ser una obra de arte que ya has hecho, que te encantan los colores en. Puede ser lo que quieras. Solo necesitas publicar un proyecto. El plazo para entrar es el 14 de julio de 2020. El ganador va a ser elegido al azar, y voy a estar anunciando al ganador en la pestaña de discusión de esta clase. Si tienes un amigo que también quisiera entrar al sorteo, puedes compartir dos meses de Skillshare gratis con ellos para que también puedan agregar un proyecto y ser ingresados al sorteo. Hay un enlace por dos meses gratis en la descripción de esta clase. Estoy muy emocionado de ver tus proyectos. 8. Temperatura de color: El color rueda se puede dividir en temperaturas; están los colores cálidos y los colores fríos. Los colores cálidos son los rojos, y las naranjas, y los amarillos; mientras que los colores fríos son los azules, los verdes y los morados. Podemos conseguir unos bonitos maridajes y un gran contraste cuando emparejamos colores cálidos y fríos juntos. Los colores fríos tienden a hundirse en el fondo, y los colores cálidos tienden a salir hacia adelante. Ahí está esta cosa llamada neblina atmosférica. Si alguna vez has estado en una montaña o en una vista alta con vistas a la ciudad, habrás presenciado esto. Cuando miras más lejos en la distancia, las cosas se vuelven un poco más nebulosas, un poco más suaves. No son tan nítidas y afiladas, y tienden a estar un poco en el espectro de color más fresco. Tienden a estar un poco en el lado azulado, púrpura, sobre todo cuanto más lejos se mira. Si viste un camino de montaña, camino, muy lejos en la distancia, realmente te darás cuenta de esto. La temperatura de los colores también puede afectar el estado de ánimo de una pieza. Los diseñadores de interiores a menudo utilizarán colores más cálidos como el amarillo y el rojo para hacer que un espacio se sienta más acogedor. Usarán colores más fríos como el azul para hacer que un espacio parezca más espacioso o calmante. Ahora hay un par de colores, verde y morado. Entonces están en la cúspide de cálido y fresco. Al mirar la rueda de color, ahí en el borde de los colores cálidos y fríos. Muchas personas dirán que algunas versiones de green son realmente cálidas, y algunas versiones de green son realmente cool. Definitivamente lo mismo se puede decir del morado. Hay mucho espacio para la subjetividad en las teorías del color. No hay reglas duras y rápidas que siempre sean 100 por ciento verdaderas. 9. Estado de ánimo, emociones y significados implícitos del color: El color es una de las mejores herramientas que tiene el artista para evocar una emoción o un estado de ánimo con sólo una mirada. Muchos de los sentimientos que asociamos con los colores son tan segunda naturaleza para nosotros que está casi inconsciente. Probablemente te vayas, “Oh, duh”, cuando yo pongo un par de estos. Pero como artistas, el color es otra herramienta. Cuanto más entiendas las herramientas que tienes que usar, mejor las podrás usar para hacer un buen arte. Especialmente si el objetivo de tu arte es evocar una emoción específica. Es importante tener en cuenta que la rueda de color se divide en temperaturas; cálida y fresca. Rojo, amarillo, naranja, esos son el lado cálido de la rueda de color. Estos colores para mí conjuran fuego y sol y días brillantes, felices. Colores fríos, y estos serían tus azules, verdes y morados, estos colores a menudo se asocian con cosas que son frescas y tranquilas, como el agua y los bosques y la noche. Los colores cálidos a menudo se consideran colores de alta energía, de alta emoción, son colores muy activos. Eso pueden ser emociones felices o emociones violentas, como escenas de sangre y guerra a menudo se usarían con colores cálidos. Los colores fríos, por otro lado, a menudo se pueden considerar colores lentos y de baja energía. Son colores bajos emocionales. Cuando nos sentimos deprimidos, decimos que nos estamos sintiendo azules. Pensemos en el rojo. El rojo se usa a menudo como algo que usamos para la pasión y el amor, pero también puede usarse para transmitir poder y violencia. Es un color muy poderoso. El naranja se ve a menudo como cálido y ardiente y feliz. Vemos mucha naranja alrededor de los tiempos de otoño. Muchas fotos antiguas de timey están en sepia, que es de un color naranja-marrón. Por esa razón, el naranja también puede crear una sensación de nostalgia. El amarillo es primavera y un color feliz. Es muy positivo, pero también puede ser una señal de advertencia. Piensa en las señales de tráfico. El amarillo es un color de advertencia. El amarillo era un color brillante muy brillante, altamente energético, y el estado de ánimo del amarillo es fuerte, entusiasta, es muy llamativo la atención. El verde es el color de la naturaleza. Es tranquilo, relajante, pero también se puede utilizar, sobre todo en dibujos animados. Se puede usar para significar algo que es malvado o tóxico o ajeno. Ahora, el azul es fresco, calmante, muy lento, pero también puede ser frío o triste. Es posible que veas un tinte azul en películas de miedo. El azul puede sentirse un poco siniestro, un poco en el lado oscuro. Puede ser muy frío helado. El púrpura a menudo se asocia con algo rico o real. El púrpura a menudo se asocia con algo misterioso o algo lujoso. El rosa se ve a menudo como femenino o joven, y tal vez incluso inocente. El blanco se trata mucho de pureza y limpieza. Pero eso también se puede ver como estéril. Dependiendo de cómo utilices el blanco, puede ser muy limpio y moderno, o puede ser frío y aislante, como un hospital estéril. El negro se utiliza a menudo como un color muy clásico y sofisticado. Apple incluso usa el negro para crear una sensación de una vibra de gama alta en su comercialización e incluso en sus productos. Ten en cuenta que incluso usar uno de estos colores en solo una parte de tu arte puede crear ese sentimiento en esa parte del arte. No tienes que estar haciendo una pieza de un color entero para crear esa vibra o ese estado de ánimo a partir de ese color. Ahora bien, es importante señalar que muchas asociaciones de color son culturales, y los colores pueden tener significados salvajemente diferentes en diferentes culturas. Por ejemplo, en China, el color rojo tiene un significado diferente al que lo hace en Estados Unidos. Red tiene lazos con la buena fortuna y muchos otros sentimientos positivos que no entendemos intuitivamente en EU porque no está ligado a nuestra cultura o celebraciones. Al igual que las decoraciones rojas, blancas y azules que vemos el 4 de julio simplemente no tendrán el mismo significado patriótico para alguien cuyo país no tenga una bandera roja, blanca y azul. 10. Haz que tus colores destaquen y dirige la mirada de la gente: Otra forma súper cool de que el color es útil es en dirigir los ojos de las personas. Puedes decirle a la gente cuál es la parte más importante o interesante de tu arte con solo usar el color. Ahora, hay tres formas principales que podemos usar para hacer esto, pero todas están basadas en el mismo principio. Cuando hay un área que es claramente diferente del resto de la pieza, nuestros ojos naturalmente saltan ahí. Nuestro cerebro dice: “Oye, eso se destaca, eso es diferente. Tengo que prestar atención a eso”. Puedes hacer eso usando un matiz que sea diferente al resto de la composición. En este ejemplo, destaca la niña porque destaca su vestido rojo. Eso se debe a que, uno, no hay otro rojo en su entorno, sino también, dos, porque el rojo y el verde son colores complementarios. El rojo sale aún más ya que está rodeado de verde. También puedes hacer esto usando un área de saturación más fuerte que el resto de la pieza. Por ejemplo, el rojo de este vestido es mucho más notable que el resto de este cuadro. Cuanto más saturados sean los colores, más probable es que veamos esos colores. Es posible que desee utilizar colores saturados para las partes más importantes de su dibujo. Mi manera favorita es poniéndolos en zona de mayor contraste de valor en el lugar quiero que la gente luzca primero. Eso sería poner el área con los colores más oscuros y claros justo al lado del otro. Es por eso que los ojos dibujados son tan pegadizos. Tienen una zona de negro oscuro y luego muchas veces tendrán un destello blanco sobre ellos. Ese contraste de realmente oscuro y realmente ligero es muy llamativo. En esta pieza, probablemente tu ojo se dibuje hacia la puerta en el centro porque hay estas líneas muy oscuras, el azul oscuro, oscuro justo al lado del contorno blanco, y esa es la zona de mayor contraste. Entonces probablemente tu ojo va a rebotar alrededor de la pintura porque he agregado en la planta en la esquina derecha, hay un área de azul realmente oscuro en la base de la planta, y luego tu ojo simplemente salta alrededor y alrededor. Realmente buen uso del contraste, sobre todo en valor, llevará tu ojo a través de una pintura. 11. Armonías de color: recetas para las buenas paletas de colores: armonías de color son una gran herramienta para elegir diferentes colores que van a quedar bien juntos. Para ayudar a entender las armonías de color, quiero que creéis cuatro bocetos de color. Ahora, el punto de estos bocetos es no estar aseados y limpios y ordenados con tu color, es experimentar con estas diferentes armonías de color para que puedas entenderlos mejor. Está totalmente bien si tus bocetos son muy desordenados. Ni siquiera tienes que tener un boceto realmente bonito y limpio. Eso está bien. Tampoco tienes que preocuparte por conseguir el sombreado o resaltar en esto. El primer color armonía es monocromática. Los esquemas de colores monocromáticos son fáciles. Son solo un solo tono en todo su rango de valor, por lo que pueden ir todo el camino al negro al blanco, y toda la gama de color dentro de eso. Es increíble lo que puedes hacer con un solo color. De hecho, esta es una gran manera para que te obligues a practicar tu rango de valor. Las piezas monocromáticas pueden verse realmente, realmente hermosas. armonías de color análogas son colores que están en orden natural del arco iris. Estos son los colores que están uno al lado del otro en la rueda de color. Hacen paletas de colores realmente hermosas, fáciles, efectivas. A menudo vemos estas paletas de colores en la naturaleza. Al igual que si estás en un bosque, probablemente no vas a ver un tono de verde, pero probablemente vas a ver un montón entero de tal vez como un pálido claro, casi amarillo-verde a un profundo casi azul-verde. Una forma divertida de usar esto es elegir un color dominante y luego un color de soporte y un color de acento. Para mí, ese color dominante suele terminar como el color de fondo, sólo porque el fondo ocupa tanto bienes raíces de una pieza. El color o las armonías de cortesía son probablemente el color más importante de la armonía. Al menos los uso todo el tiempo. Por lo que los colores de cortesía están opuestos entre sí en la rueda de color. Estos pares de colores tienen un contraste muy alto y pueden ser muy llamativos de atención, tanto es así que si los usas en partes iguales, la misma saturación, van a chocar. La regla para los colores complementarios es que quieres usar uno para resaltar el otro. No quieres usarlos en proporciones 50-50. Se desea utilizar uno como color principal y el otro como color de acento. Las marcas usan colores complementarios para captar tu atención. Los usan mucho en logotipos, pero suelen usar uno como acento, por lo que todavía no lo están usando la mitad y la mitad. Probablemente usarán 75 por ciento azul y 25 por ciento amarillo, o tal vez jugarán con valor, para que uno de los colores sea más brillante y uno más oscuro. Nuestros cerebros están orientados a percibir diferencias, por lo que el color que agarra tu ojo puede ser fácilmente el que está en minoría. Destaca el que es diferente a todo lo demás. Si estás haciendo una pieza que es dominantemente de un solo color, es probable que el color del acento atraiga tu atención. Entonces en tu arte, ¿cuál es la parte más importante a la que quieres que te vaya tu ojo? ¿ Se puede hacer de eso un color de acento? Cuando estoy haciendo un esquema de color, y solo quiero agregar un poco de variedad o un poco de pop, voy por defecto a agregar el color complementario. No soy un stickler sobre que el color sea exactamente opuesto en la rueda de color. Si estoy trabajando con azul y amarillo, no necesito que ese amarillo sea exactamente opuesto al azul. A mí me gusta jugar con un par de amarillos diferentes. ¿ Me gusta un amarillo que sea un poco más del lado calcáreo? ¿ O me gusta un poquito más de un amarillo de mariposa caliente? Simplemente juego y veo cómo me gustan estos diferentes amarillos en comparación con ese azul. Los colores son fluidos en la rueda de color, se mueven muy sutilmente de uno a otro, y todos vemos el color un poco diferente también. mí me gusta considerar estas armonías de color como puntos de partida, no recetas precisas a las que tienes que apegarte, pase lo que pase. Los colores complementarios divididos son similares a los de cortesía, pero en lugar de usar el color que es exactamente opuesto en la rueda de color, van a ese color opuesto y se dividen a ambos lados del mismo. Yo uso mucho este pellet de color. Bueno, yo sí. Dobo un poco las reglas, así que a veces usaré el color de cortesía real, y luego otro color al lado, como en esta florería, el azul y el amarillo son en realidad colores opuestos. Entonces usé un rojo también. O a veces usaré dos colores uno al lado del otro, y el color complementario opuesto a ese, como el naranja y el azul en este ejemplo. Color tetradic, las armonías, esto es esencialmente dos juegos de colores complementarios. Esto es un poco más avanzado, pero te llevas dos juegos de colores de cortesía. En este ejemplo, he agregado algunas muestra en el centro de los círculos de color para que puedas ver cómo estos colores se transforman realmente en valor, y en realidad terminan como esos colores en la rueda de color, porque yo pensar mirando a este rosa pálido y este pálido púrpura azulado, no es obvio dónde se sientan en la rueda de color. Pero en este caso, tenemos el naranja y el azul, y el rojo y el cian. Esos dos son colores opuestos. Entonces uso un azul extra para agregar un poco más de variedad también. Me encuentro usando esto de manera involuntaria en lugar de empezar y decir: “Voy a usar una armonía tetradic de color, así que para lo que valga la pena. Pero cada regla está destinada a romperse y estas no son las únicas formas en que los colores se ven bien juntos. Si estoy siendo completamente honesto contigo, rara vez empiezo pensando : “¿Qué armonía de color debo usar? En cambio, normalmente empezaré con una paleta de colores que me parece visualmente atractiva. Entonces a medida que empiezo a aplicarlo a mi boceto, me daré cuenta de que quiero retocar ligeramente el color. En ese punto, es cuando me referiré a estas armonías de color. Cuando las cosas no están funcionando bien con mis colores elegidos, me referiré a estos y veré si no puedo usar algunos de estos estándares seguros para ajustar lo que ya tengo. Digo todo esto porque si quieres ir con tu tripa, ve con tu tripa. Pero a menudo me sorprende encontrar que los colores que elijo son a menudo inintencionalmente cercanos a una de estas armonías de color. A medida que trabajas en tus bocetos de color, quiero que recuerdes incluir siempre colores neutros. Quieres incluir un poco de blanco claro, un poco de negro oscuro, y esa puede ser la versión más ligera de uno de los colores en tu paleta de colores, y la versión más oscura de uno de los colores en tu paleta de colores. No solo uses colores totalmente saturados en estas armonías de color. Se desea utilizar un rango de valores y un rango de saturaciones. Sube tus bocetos de color a la clase navegando a la pestaña Proyectos y Recursos, y haciendo clic en la pestaña Crear proyecto. Si ya has creado un proyecto, puedes editarlo y actualizarlo con tus bocetos de color. Puedes agregar un título a tu proyecto, contarnos un poco al respecto y subir una foto dentro del proyecto. La foto de portada será la imagen que represente tu proyecto, así que asegúrate de subir tanto un proyecto de portada como también una imagen en tu proyecto. Debes hacer esto desde la versión del sitio web de Skillshare. A partir de esta grabación, no podrás subir imágenes ni tus proyectos en la app Skillshare, así que asegúrate de usar una versión de sitio web. 12. Crear tus propias paletas de colores: En la última lección, les dije, generalmente no empiezo con las tradicionales armonías de color. Probablemente te estés preguntando, bueno entonces ¿cómo hace Brooke sus paletas de colores? Aquí está el gran secreto. Yo miro las cosas que creo que son bonitas, y hago palets de color a partir de ellas. Busco inspiración prácticamente en todas partes. Guardo nuestro, me encanta Pinterest tableros. Tomo fotos de cosas que creo que son bonitas y creo palets de color a partir de esas. También hago investigación de color de tendencia con colores. Mucho trabajo de mi cliente está en el mercado infantil, así que trato de mantenerme al día con lo que esas tendencias son en los mercados infantiles. EmilyKitty es un gran recurso para lo que es tendencia en la ropa infantil. Luis of Love Print Studio hace los tableros de humor más hermosos y encuentro mi sabor de color y sus gustos de color son muy similares. Veo mucho diseño de interiores inspirado beau ho moderno, y uso colores inspirados de ahí. Hay muchos otros recursos basados en tendencias que puedes usar. Etsy es un gran mercado creativo. Pantone tiene su color del año. WGSN hace locos informes de tendencias caros, pero están muy bien investigados. Cuando estoy de compras, a veces voy a entrar a la sección de ropa para niños o la sección de tarjetas de felicitación y voy a ver qué colores son tendencia en esas áreas y qué hay en esos mercados. El punto principal es que para mí, investigación del color es realmente divertida y no se limita a una sola fuente. Bueno, siempre estoy manteniendo el ojo fuera para grandes paletas de colores nuevas. La verdad es que tengo un montón de paletas de colores a las que vuelvo una y otra vez. Probablemente te hayas dado cuenta de que algunos de tus artistas favoritos, tienden a usar los mismos esquemas de color en su arte una y otra vez. Esto es realmente fácil de ver en Instagram donde algunas personas tienen feeds increíblemente curados. Para mí, es realmente fácil empezar con una paleta de colores que ya he usado que sé que funciona muy bien y usarla de una manera nueva. Una forma en que usaré la misma paleta de colores pero tener lo que se siente como un resultado completamente diferente es que un color será el color principal y el otro serán colores de acento. Pero en una nueva pieza de arte, usaré la misma paleta de colores, pero en su lugar elijo un color diferente para ser el color principal, mientras que el resto de los colores son piezas de acento. En términos prácticos, así es como lo haría, si tengo una foto de algo que creo que es realmente hermoso y tiene una gran paleta de colores, lo dejaré caer en procreate, y usaré la herramienta cuentagotas para crear mi propia paleta de colores. Para aquellos de ustedes que no trabajan digitalmente y no usan procreate, Canvas tiene otra gran herramienta para esto. Puedes subir una foto y automáticamente creará la paleta de colores para ti. También tienen algunas grandes paletas de color prefabricadas, que también son divertidas de explorar. Normalmente ajustaré un poco el color de lo que estoy cayendo los ojos. A menudo lo haré un poco más o menos desaturado. Por lo general, en una pieza sólo elegiré uno o dos colores para estar completamente saturado, y normalmente no decido cuál de esos estará completamente saturado hasta que me acerque a terminar la paz. Si bien elijo mis colores reales, mis hughes reales al principio mismo de la paz, normalmente no elijo mis valores hasta que realmente lo estoy aplicando a la ilustración. Yo decidiré, oye, ¿qué tan oscuro debe ser este color, cuándo sé en qué parte del cuadro o de la ilustración que quiero ponerlo? No estoy decidiendo qué tan claros u oscuros serán mis colores cuando esté creando la paleta de colores. Ahora, siempre tengo alguna versión de blanco y negro en mis paletas de colores. Por lo general ese negro no es en realidad negro, pero es una versión muy oscura de uno de los colores que ya estoy usando en mi paladar. Lo mismo es cierto con el blanco. En realidad podría ser un rosa o amarillo realmente pálido, pero está cerca del blanco. Tener un color realmente oscuro y muy claro en mi pieza realmente le da la oportunidad de agarrar el ojo a alguien. Al trabajar en la pieza, a menudo cambio mi paleta de colores. Mi paleta de colores no está puesta en piedra. No tienes que hacer bien tus colores la primera vez que lo intentas, rara vez lo hago. Probablemente ya tengas colores que son favoritos para ti. Probablemente seas mejor en esto de lo que ya te das cuenta. Piensa en tu atuendo favorito, ¿ hay una paleta de colores a la que solo siempre acudes, o tu propia habitación, o tu vida de ensueño, tu espacio de sueños, cuáles son las paletas de colores ahí? 13. Ese no es el color que crees que es: cómo el color engaña a nuestros ojos: El color es extremadamente subjetivo porque en realidad no vemos el color con nuestros ojos. Lo vemos con nuestros cerebros, y nuestro cerebro interpreta todo lo que nos rodea y luego nos da una evaluación instantánea de lo que piensa que es el color. Por lo que nuestros cerebros no ven el color por sí mismos. Interpretamos el color por todas las cosas que lo rodean y las condiciones de iluminación de ese objeto. Echemos un vistazo a este tablero de ajedrez. ¿ Cómo compararías un cuadrado A y un cuadrado B? ¿ Me creerías si te dijera que son exactamente del mismo color? Mi cerebro está realmente convencido de que B es mucho más ligero que A, pero no lo es. Dibujaré una línea conectándolos porque mi cerebro ni siquiera la verá hasta que tenga esta línea conectándolos. Por las plazas que rodean el azulejo B, y el hecho de que este tubo parece que está lanzando una sombra, eso es lo que hace que esta plaza se vea tan diferente. A medida que trabajas con tus propias paletas de color, posible que encuentres que lo que se ve bien sobre un fondo blanco o como justo en la paleta antes de que llegue a tu pieza, podría verse completamente diferente cuando empieces a combinar esos colores. Es probable que vayas a necesitar retocar para que tu paleta de colores funcione en conjunto y eso está totalmente bien, y eso es normal. Eso se debe esperar. Nuestros cerebros no todos toman la misma información y asumen que algo es del mismo color. A lo mejor recuerdas este vestido. Algunas personas dicen que es azul y negro, y otras dicen que es blanco y oro. Veo blanco y dorado, aunque el vestido real resultó ser azul y negro. El motivo por el que me gusta muchos de ustedes perciben que esto es blanco y dorado es por su entorno. Eso se debe a que mi cerebro piensa que este vestido está iluminado por la luz del día brillante. Si ves como negro y azul, tu cerebro probablemente piense que esto está iluminado por luz artificial interior. Es posible que hayas visto este cuadro de Seurat. Este estilo de pintura se llama puntillismo, y el puntillismo es un truco increíble del ojo. Desde muy lejos, simplemente se ve como secciones enteras de color sólido, pero cuando nos fijamos realmente de cerca, nuestro cerebro está simplemente metiendo todos estos pequeños puntos en un solo color, pero en realidad hay mucha variación en el color aquí. Cuando utilizas colores de cortesía en pequeñas cantidades, pueden crear la ilusión óptica de que un color sea un poco más oscuro. Por ejemplo, de cerca, el abrigo de esta mujer está conformado por un amarillo con unos puntos de este color azul. Al alejarme, ya no parece que sean puntos azules. En realidad se ve como la versión más oscura del amarillo. Las impresoras han logrado perfeccionar esta técnica. Por lo que si están limitados por tener unos cuantos colores selectos para imprimir, pueden usar pequeños puntos diminutos para crear una increíble variedad de colores. El naranja en este tigre sólo se ve como naranja porque estos puntos rojos y amarillos están espaciados en la cantidad justa para crear la ilusión del naranja. 14. Impresión y escaneado: color en el mundo real: Si tu arte termina alguna vez en una computadora o si necesitas enviarlo a una impresora, es probable que quieras saber sobre CMYK y RGB. CMYK es la forma en que se reproducen los colores usando tinta, es cómo se imprimen los colores, mientras que RGB es la forma en que se muestra el color usando la luz, es la forma en que las computadoras, los teléfonos y los televisores muestran el color. Entonces, ¿cuál debes usar cuando estás creando arte digital o guardando tus escaneos de tu arte físico? La respuesta no es tan simple como me gustaría que fuera, y necesitas entender por qué antes de tomar la decisión correcta para ti. Echemos un vistazo a esta gráfica. En el mundo real, hay una increíble cantidad de colores, y hay más color que podemos ver con nuestros ojos humanos que una computadora o tinta puede reproducir. Por lo que la mayor parte de esta gráfica representa la cantidad de color que los humanos pueden ver. El círculo más grande aquí son los colores que RGB puede mostrar. Un RGB puede mostrar muchos más colores de los que puede CMYK. Ahora, puedes convertir una imagen RGB en una imagen CMYK, porque cuando conviertes una imagen a CMYK, simplemente elimina cualquiera de esos valores RGB, y los reemplaza con la conjetura más cercana del equipo a cuál sería ese color CMYK. Sin embargo, los resultados suelen ser decepcionantes, porque CMYK simplemente no es tan vibrante. No tiene tantos colores disponibles, y el problema es no puedes tomar algo que hayas hecho o guardado en CMYK y luego convertirlo a RGB, porque el equipo no sabe qué colores quieres cambiar. Se necesita un artista con un gran ojo como tú para hacer ese tipo de magia. En el pasado, las impresoras imprimían ilustraciones usando CMYK tradicional, y eso son sólo cuatro tintas. CMYK significa cian, magenta, amarillo y negro. Es increíble lo que pudieron hacer. Si alguna vez has mirado de cerca periódicos viejos, podrías haberte dado cuenta de que algunas imágenes estaban hechas de pequeños puntitos realmente juntos. Al igual que el puntillismo, esos pequeños puntos de cuatro colores hicieron una impactante cantidad de colores, y mezclando esas tintas juntas en diferentes proporciones, podrían producir una cantidad impresionante, pero no ilimitada de colores. No obstante, como la tecnología ha avanzado, también lo ha hecho la impresión. Ahora, muchas impresoras usan más que sólo esos cuatro colores. Algunos usan cian claro junto con cian. No es raro tener seis u ocho impresiones a color, en lugar de ese tradicional cuatro CMYK. Existen técnicas especiales de impresión como el uso de lámina de oro o impresión UV que pueden agregar aún más colores que los tradicionales CMYK no siempre podían. Por lo que al crear arte en el espacio de color CMYK tradicional, estás limitando los colores disponibles para ti incluso en el mundo de la impresión moderna. Ahora bien, definitivamente hay excepciones a esto, si sabes que tu trabajo se va a usar en la impresión offset, que casi siempre significa que es CMYK tradicional, posible que quieras comenzar tu trabajo en CMYK, pero offset la impresión casi siempre se usa para trabajos de imprenta gigantes, creo que como cientos de miles de volantes, pero si tu arte se va a imprimir en pequeños lotes, digamos unos 100, o si no sabes si tu arte se va a imprimir en absoluto, bueno, entonces es probable que puedas usar RGB de forma segura. Muchas impresoras ahora incluso solicitan archivos en RGB, y hacen cualquier convergencia necesaria en su extremo. En mi opinión, no tiene sentido limitar tus colores prematuramente mediante el uso de los antiguos espacios de color CMYK. Al menos así es como me siento, y siempre puedo convertir a CMYK y hacer las ediciones necesarias si necesito convertir CMYK, sobre todo teniendo en cuenta que muchas impresoras son cada vez más hábiles en expandir el rango que su CMYK se imprime, las impresoras tradicionales pueden imprimir. Entonces, ¿deberías usar RGB o CMYK en tu arte digital? Esa es una elección personal y si nunca quieres lidiar con la pérdida de colores al convertirte a CMYK, entonces tal vez serás feliz si comienzas a trabajar en CMYK desde el principio. Para ustedes acuarelos por ahí, ¿alguna vez han tenido la experiencia de crear una pintura de acuarela hermosa y vibrante y luego se han decepcionado escanearla en su computadora y encontrar que los colores simplemente no son los mismos? Culpa eso a tus luces de escáner. Las luces que usan tus escáneres para capturar tu pintura simplemente podrían no ser capaces capturar esas hermosas violetas o morados que tus pinturas son capaces de hacer, otra razón por la que las ilustraciones originales son mucho más valiosas que una impresión. Puedes usar herramientas como Photoshop para aumentar la vitalidad y saturación después de escanear tu arte en, o podrías saltarte el escáner por completo. Conozco a algunos artistas que han tenido gran éxito en el departamento de color al tomar fotos de sus pinturas. Por supuesto, es más difícil obtener una foto perfectamente plana y asegurarse de que sea de alta calidad, y hay algunos costosos servicios de gama alta que pueden fotografiar y escanear su obra de arte para una mejor precisión del color. Un problema de color más que debes tener en cuenta; tu arte se mostrará ligeramente diferente en cada pantalla y se imprimirá de manera diferente a cada impresora. Cada pantalla se calibra de manera diferente, por lo que muestran los colores de manera diferente. La forma más fácil de ver esto, si tienes un iPhone y conoces a alguien que tiene un Android, abre la misma página de Instagram y compara tus pantallas, vas a ver una diferencia significativa en la forma en que esos dos dispositivos muestran color, y esto es cierto en todos los dispositivos. Los televisores muestran el color de manera diferente a los portátiles, y los portátiles varían de un portátil a otro. Puedes comprar un calibrador para tu computadora, y esto te ayudará a asegurarte de que tu pantalla esté mostrando colores lo más fieles posible a la vida, pero aunque hagas eso, no significa que todos los demás estén calibrando sus pantallas. Otra locura es que las impresoras varían de impresora a impresora. Tampoco hay verdadera consistencia entre ellos. He trabajado con una impresora de inyección de tinta que imprimiría la misma pieza de arte de manera diferente dependiendo del día, ¿por qué? Bueno, días más húmedos secarían las tintas más rápido o más lento y eso cambiaría ligeramente la forma en que terminó ese color. Si estás trabajando en un proyecto que requiere que obtengas tus colores un 100 por ciento exacto, puedes trabajar con una impresora profesional usando Pantone Colors. Pantone es una empresa que trabaja para crear colores estandarizados en todo el mundo, por lo que podrán igualar exactamente el color que desee. Será mucho más caro imprimir de esa manera, pero si absolutamente necesitas control sobre tus colores, esa es la mejor manera de hacerlo que sé cómo. Entonces en mi opinión, es útil entender estas cosas, pero darse cuenta de que simplemente no tienes control total de la forma en que se muestra o imprime tu color, y eso va a estar bien. Si utilizas una buena combinación de colores para empezar, tu arte seguirá luciendo bien, incluso con esas variables locas que están fuera de tu control. Si tu valor y contraste entre tus colores es bueno, tu pieza seguirá luciendo bien, aunque haya una ligera diferencia entre lo que hiciste y lo que imprimió tu impresora. 15. Notas finales: Si te resultó útil esta clase, quiero pedirte un favor, por favor deja una crítica positiva, un comentario, o un proyecto. Tu interacción con la clase realmente ayuda a que suba en los rankings de Skillshare para que otras personas puedan encontrarlo. Incluso un simple agradecimiento por la clase en los comentarios realmente hace una gran diferencia, y me hace sentir bien. Si tienes un amigo que mencionó que están luchando con el color, siéntete libre de mencionarles su clase. Ocasionalmente comparto trabajo estudiantil en Instagram, y si quieres que comparta tu proyecto, compártelo en Instagram usando el hashtag draw con Brooke y etiquetame en los parques infantiles de papel. 16. Más información: ¿ Buscas tu próxima clase? Tengo clases de dibujo, intro a Procreate, animación en Procreate, e incluso cómo ganarse la vida como artista. Podrás encontrar todos estos en mi página web o en mi perfil de Skillshare. Aprendizaje feliz.