¡Aprende a dibujar! Ejercicios divertidos y sencillos para dominar la proporción, el sombreado y mucho más

1. Introducción: El dibujo es una habilidad aprendida. Cuando ves gente que tiene un talento insanamente talentoso, no empezaron de esa manera. Todos fueron el principiante una vez. Mi nombre es Brooke Glaser y soy ilustradora de tiempo completo, pero el dibujo no es algo que me vino naturalmente. Solía luchar con ello. El truco es aprender qué buscar, aprender a ver las cosas un poco diferente. Lo que vamos a hacer en esta clase es aprender algunos ejercicios para ojalá te ayuden a ver las cosas de una manera que quizás no normalmente. Te voy a enseñar las técnicas que utilizo para dibujar proporciones con precisión y rapidez, como el método del reloj, el método cuadrícula, el método de forma y el método de trazado. Nos vamos a sumergir profundamente en el aprendizaje sobre el sombreado. Voy a cubrir los diferentes tipos de sombras, cómo se ven diferentes, dónde ponerlas, y un montón de trucos para que ilustrarlos sea divertido y fácil. Te guiaré por todo mi proceso desde imagen de referencia hasta bocetos, color y sombreado. También estaré compartiendo algunos de mis consejos para lidiar con límites de capas y Procreate. Todo este curso se hará en Procreate, pero puede aplicarse fácilmente a los medios tradicionales. Si prefieres cosas como lápices o pintura o Kranz, no hay problema. También puedes seguir con facilidad. Al final de esta clase, podrás dibujar cualquier cosa que puedas ver y crear sombreado como un profesional. 2. Dónde encontrar los recursos de clase: Hola, amigos del arte. Bienvenidos a clase. Antes de saltar al aprendizaje, creé algunas fotos de referencia gratuitas e indicaciones de dibujo para los estudiantes de esta clase. Para descargarlos, ve a brookeglaser.com/draw e ingresa tu correo electrónico para desbloquear los freebies. El enlace se encuentra en la pestaña de proyectos y recursos. Esto te agregará a mi lista de correo electrónico, lo que significa que obtendrás mis ocasionales consejos, freebies y recursos para artistas. Puedes darte de baja en cualquier momento. Una vez que hayas hecho eso, te llevará a la página donde podrás descargar los freebies de la clase. Espero que estos te ayuden con tu viaje de dibujo. Feliz creación, amigos del arte. [MÚSICA] 3. Aprende a ver: El dibujo es una habilidad aprendida. Cualquiera que quiera, puede aprender a dibujar. Cuando ves gente que tiene un talento insanamente talentoso, no empezaron de esa manera.También tuvieron que aprender a dibujar. Algunas personas, recogen estas habilidades más rápido que otras personas. Pero todos empezamos como niños de cinco años que hacen garabatos terribles y extraños.Hay dos partes para aprender a dibujar.La primera parte es la coordinación de mano, ojo, y eso es sólo aprender a hacer realmente las marcas que pretendes hacer. Eso es algo que sólo toma práctica, como levantamiento de pesas, o hacer ejercicio, o aprender a andar en bicicleta. Es sólo algo que practicas y te mejores.La segunda parte es aprender a ver y en realidad ver las formas y formas de las que en realidad están hechos los objetos y luego traducir eso a la página.A menudo cuando se les pregunta cómo dibujar tan bien, los artistas sólo te dirán, simplemente dibujan lo que ven, lo cual estoy seguro puede ser muy frustrante y no es mucha ayuda porque todos vemos las mismas cosas, ¿por qué puedes dibujar mejor que yo? Pero el truco es aprender qué buscar, aprender a ver las cosas un poco diferente. Eso es lo que vamos a hacer en esta clase es aprender algunos ejercicios para ojalá te ayuden a ver las cosas de una manera que quizás no normalmente. Podrías haber oído hablar de los dos lados del cerebro antes de eso hay un lado que es realmente creativo y otro que es realmente analítico. Es cierto que hay diferentes partes del cerebro. Una parte trata de cosas creativas y ver formas y formas reales y el otro lado es altamente verbal.El lado verbal muchas veces anula el lado creativo que ve formas y cosas porque está tratando de ser un buen cerebro. Está tratando de trabajar lo más rápido que pueda y solo decirte de inmediato qué es lo que estás viendo. Por ejemplo, podríamos echar un vistazo a estas tijeras y el lado verbal de tu cerebro dice: “Oh, sé cómo se ven las tijeras hay dos círculos en la parte superior y es un puntiagudo en la parte inferior”. Pero eso en realidad no es cierto.Esto no es un círculo, esto en realidad es como una forma de huevo, por lo que es más ancho en la parte superior y más delgado en la parte inferior. Bueno, esto es como un extraño óvalo aplanado, es casi como una letra D, pero redondeado y aplastado. No es sólo un círculo. En particular, el primer ejercicio que vamos a hacer, el dibujo al revés está destinado a silenciar el lado verbal de tu cerebro y desalentarlo de intentar hacerse cargo. Vamos a hacer algo de lo que no puedo darle sentido y eso va a dejar que lo creativo y el lado de tu cerebro que ve formas más claramente tomen el centro de escena.Hay un par de cosas más que puedes hacer para incentivar el lado creativo de tu cerebro y desalentar el lado verbal de tu cerebro. Una de esas cosas es evitar las palabras. Si estás escuchando música, posible que quieras escuchar música sin palabras en ella.Definitivamente quieres encender tu teléfono en silencio sin vibraciones. Aún mejor si puedes ponerlo en otra habitación. Si es posible, encuentra un espacio tranquilo para trabajar en donde nadie te va a estar hablando o molestando. Eso tal vez no sea posible. Si solo tienes auriculares, puedes ponerlos y simplemente tratar de bloquear el sonido como puedas hacerlo. Otra cosa que es importante destacar es que el lado creativo de tu cerebro, la parte que ve formas. Tampoco hace un seguimiento del tiempo. Si estás en un límite de tiempo y tienes que estar en algún lugar, es posible que quieras establecer un temporizador. Eso también te da la libertad de simplemente relajarte y olvidarte del tiempo y simplemente meterte en el flujo de hacer realmente los ejercicios de dibujo. Entonces, empecemos. 4. Ejercicio 1: Al revés/accede al lado creativo del cerebro: He creado un lienzo que mide cuatro pulgadas por seis pulgadas porque ese es el tamaño de la imagen que vamos a usar. No es gran cosa si no es del mismo tamaño de lienzo que la imagen de referencia. El objetivo de este ejercicio no es crear una réplica perfecta de esta imagen, es despertar la parte de tu cerebro que te ayuda a ver las cosas que estás dibujando. He sacado la foto en mi app Fotos y voy a arrastrar y soltar esto por aquí de este lado para que pueda referirme a ella. Si toco en la app Fotos, pondrá un fondo negro y quitará estas miniaturas. Eso me va a ayudar para que pueda ver dónde está el borde de este dibujo, ya que solo es blanco y negro. Puede descargar esta imagen en la pestaña Mi proyecto. O si quieres hacer tu propia versión de este ejercicio, realmente puedes usar cualquier imagen simplemente volteada boca abajo. Estoy usando el lápiz HB, pero puedes usar cualquier pincel que quieras. De verdad, realmente no importa qué pincel estés usando para esto, no quieres algo que sea enorme, no puedes dibujar esas líneas muy bien, así que justo lo que sea pequeño ish. Algo que también te va a ayudar con este ejercicio es apagar la herramienta de forma rápida. Entonces voy a ir al ícono de Llave Llave, voy a ir a Preferencias, Controles de gestos, y en realidad voy a apagar esto porque probablemente estarás dibujando lenta e intencionalmente durante este ejercicio sin levantar tu pluma. Podrías enganchar accidentalmente la forma Quick, que cambiará la forma de tu línea por ti, y así es más fácil tener esto apagado para este ejercicio en particular. No olvides volver a encenderlo cuando termines. Hay un par de lineamientos. No quiero decir reglas, pero lineamientos para este ejercicio, no vuelvas ninguno de estos dibujos a la derecha hasta que termines. Derrotará el propósito de este ejercicio. Trabajar en líneas que se conecten entre sí. En lugar de ir todo el camino alrededor del borde, sólo va a funcionar mucho mejor de esa manera. Cuando tu cerebro intenta nombrar esto como : “Oh, eso es un ojo, eso es un bolsillo, eso es un reloj”. Trata de parar y pensar que eso no es, esa es una línea que curva de esta manera o una línea que se dobla de esta manera. Si te sientes atascado, adelante y cambia a una nueva sección del dibujo. Voy a seguir adelante y caminar por esto para que veas cómo se hace este ejercicio. Voy a empezar en esta esquina por aquí, y voy a empezar dibujando este triángulo que veo aquí. Después rellena las pequeñas líneas para llenarlo. No voy a ser perfecto, sólo estoy tratando de hacer lo mejor posible. Está bien si me quitan las proporciones, ajustando lo mejor que puedo ahora mismo. Ya terminé este dibujo y lo que voy a hacer ahora es que lo voy a dar la vuelta. Voila, este es el resultado de mi dibujo. Te puedo decir que mientras dibujaba, sentí que había muchas cosas que hice de verdad, muy mal con este dibujo. Pero cuando lo doy la vuelta y veo el resultado final, creo que es realmente impresionante. De nuevo, si me levanto mi original por aquí y te muestro la versión derecha--up, diría que es bastante decente. Todo eso viene de sólo prestar atención a dónde está cada una de estas líneas en relación entre sí. Todo se trata del resultado final, no se trata de cada pequeña pieza. Tan solo para tenerlo en cuenta cuando estés haciendo tus propios dibujos. Ahora que hemos terminado este dibujo, no olvides volver a encender tu forma rápida. 5. Ejercicio 2: El método de la forma/dibuja cualquier cosa: Una de las cosas con las que realmente me empantanan es que me succionen demasiado detalle, centrándome demasiado en cada pequeña parte del material de referencia. Uno de los trucos que uso para trabajar más rápido y hacer mi dibujo más rápido es descomponer las cosas en formas simples. La mayoría de las cosas se pueden descomponer en un círculo, un triángulo y un cubo o un rectángulo de algún tipo. Echemos un vistazo a esta rana por ejemplo, sus ojos son simples círculos los cuales están conectados por triángulos, su cabeza es como una forma trapezoidal, su cuello es un triángulo y la parte de su boca es un rectángulo largo. Sus dedos de los pies están compuestos por círculos y los dedos son como rectángulos largos. Incluso su brazo y mano son rectángulos o un triángulo. Su pierna trasera es algo así como una forma de U al revés, pero todo está hecho de formas simples. Ahora bien, no rastreo mis objetos. A mí me gusta usar mi propia interpretación artística. Simplemente dibujando lo que veo, ejercito más mis músculos de dibujo y sale un poco más único y estilizado, además si no me gusta algo de la fotografía que estoy usando, puedo cambiarla. Muchas cosas no se descomponen en formas tan obvias como esa rana. Te voy a guiar paso a paso por un ejemplo más complicado y al final, te mostraré cómo edito esas formas simples y las convierto en un boceto real que no parece que sea solo un montón de formas empujadas juntas. Lo que voy a hacer es que voy a venir aquí a un costado y voy a hacer esto en azul para que veamos la diferencia y sólo voy a dibujar lo que veo por aquí y así voy a empezar de nuevo con el pico y Voy a hacer como una forma triangular. Si quisiera, de nuevo, podría tal vez hacer ese triángulo que baja así y puedo simplemente suavizar eso como quiero y luego el triángulo que viene por aquí es triángulo redondeado también y luego voy a dibujar un círculo para su cabeza y estoy notando que la parte superior de su cabeza se encuentra con la parte superior de su pico, quiero que este círculo esté en la parte superior justo ahí. No me preocupa hacer esto perfecto, es sólo un boceto. Voy a agregar todo tipo de color y todo tipo de mejor refinamiento después y otra vez, veo que su cuello es algo así como ese trapezoide. No es un cuadrado perfecto, no es recto arriba y abajo, este lado de ese cuadrado es curvo. Eso es realmente básicamente lo que es, curvado y tal vez hasta un poco de una curva de ese lado y luego una forma de U para su cuerpo o puedo decir un huevo, podría terminar eso y luego voy a decir, un rectángulo asqueroso para la sucursal. Cuanto más impreciso sea este rectángulo, más natural se va a ver. Si dibujo un rectángulo muy recto, como si hago líneas perfectamente rectas, esto se ve muy hecho por el hombre. Esto se parece más a que sería una barda en lugar de como un tronco de árbol natural y eso está totalmente bien. Esa es una elección estilística pero quiero que sea un rectángulo realmente asqueroso y luego añadiré otro pequeño rectángulo justo aquí para esta parte de la rama que simplemente sobresale. A pesar de que no lo veo, voy a dibujar toda la cola de donde se conecta a esta espalda. El motivo por el que dibujo a través del registro es porque si vengo aquí y podría accidentalmente empezar de nuevo aquí, bueno, esto podría funcionar, como su cola podría estar yendo por ese camino, pero cambia toda la orientación de su cuerpo. Sólo para hacer las cosas más fáciles, voy a entrar aquí y voy a dibujar a través, dibujar mi rectángulo ahí, dibujar mi rectángulo ahí y yo también le haré los pies y lo veo. Podrías dibujarlos como rectángulos rectos así, podrías dibujarlos como rectángulos curvados, o podrías dibujarlos como triángulos curvidos. Voy a hacer de esto un triángulo curvilíneo y tal vez como un triángulo ahí arriba, mirando por ahí atrás, luego triángulo, rectangular, triángulo. Enganche ahí, ahí mismo y luego también voy a dibujar esta forma aquí mismo. Ahora antes de que realmente haga eso, voy a decir como, guau, realmente puedo ver que las proporciones de esta forma de U se sienten muy mal para mí y entonces lo que voy a hacer es que sólo voy a redibujar. Ni siquiera voy a borrarlo, sólo voy a decir, vale, esto, quiero salir más allá de esa manera y queremos que se acerque un poco más y luego si quiero, puedo borrar esto para que pueda ver eso es en realidad la forma que quiero. Eso se siente un poco mejor para mí y podría tener que redibujar sus pies o lo que sea, pero sólo una evaluación como la misma, eso es un poco mejor. De nuevo, voy a entrar aquí. Ahora, cuando miro esta forma aquí mismo, en realidad veo un círculo completo. Puedo decir que es un círculo completo, cortado en cuartas y voy a convertir este negro para que lo veas un poco mejor. Puedo decir que veo esto siendo un círculo completo cortado en cuartos y esta sección aquí mismo, esa es esta curva justo ahí. Si eso tiene sentido, volveré a azul. Voy a decir, mira como curva ahí mismo tipo de como termina en la parte inferior de su línea de mandíbula y luego esta curva alrededor en como amplia U. No quieres que sea más baja? Yo quiero eso más bajo, así que voy a empezar aquí abajo y golpear eso ahí mismo. Ahora este es un boceto realmente confuso, desordenado y no necesariamente es preciso, pero eso es lo que pasa. Cuando hago estas elecciones estilísticas donde estoy, esto es como una forma de U que va así o su cuerpo es un poco más ancho o lo que sea, esto crea mi propia interpretación artística de esto. Podrías estar prestando atención a diferentes partes de este pájaro de las que soy y cuando entras ahí y visualizas como si me voy a asegurar que tengo esta cosita aquí mismo. Vas a ver las cosas de manera diferente a lo que soy yo. Vas a agregar esos detalles y eso es lo que va a ayudar a que sea único para ti. Pero esto sigue siendo un desastre, volvamos a limpiar el desorden. Lo que voy a hacer ahora es que voy a refinar mi boceto y así voy a bajar la opacidad aquí. Obviamente, si estás usando bolígrafo y papel, no puedes bajar la Opacidad. Si estás usando este ejercicio con bolígrafo y papel, una técnica que me parece útil es llevar mi boceto original y pegarlo a una ventana y poner una hoja de papel fresca encima de ella, entonces podrás ver fácilmente a través de tu boceto original debajo. Volvamos a limpiar el desorden. Crea una capa, baja la Opacidad y voy a dibujar en negro para poder verlo muy bien. Puedes dibujar en el color que quieras y voy a volver a dibujar mi boceto, pero esta vez voy a sacar lo que no quiero estar ahí, como el dibujo a través de ahí mismo, tal vez esto como círculo que viene todo el camino por aquí, no voy a dibujar eso y si hay alguna forma que quiera refinar o hacer un poco mejor, como si esta no fuera la forma que quiero y ahora sólo puedo redibujarla. Yo puedo repasar eso y ser como, quiero ese poquito más suave. Ahora es el momento de afinar eso. Ahora si apago esa capa de boceto debajo, y apago a este tipo, no está tan mal. Aquí está el secreto, no tienes que hacer todo exactamente como la imagen de referencia. También puedes exagerar totalmente las cosas y eso puede agregar algo realmente divertido. De verdad me encanta ese pico, así que voy a hacer su cabeza mucho más grande y voy a extender el tamaño de su pico para que pueda enfocarme en lo que creo que es la parte más interesante de las dos levas. 6. Ejercicio 3: Cuadrícula/el método del reloj, proporciones: El método de rejilla es genial para conseguir tus proporciones muy precisas o si quieres crear un dibujo realista. A mí me gusta pensar en esto como ruedas de tren en una bicicleta solo es para tu cerebro. Entrándote para ver mejor las proporciones. Te voy a guiar a través de este ejercicio con una cuadrícula realmente pequeña, pero a medida que ganes confianza, puedes pasar a una rejilla más grande, más espaciada. Ya no uso una grilla en absoluto, pero imagino una en mi mente. Eso es como las ruedas de entrenamiento. También voy a caminar a través de algunos trucos como el método del reloj, trazando arcos y formas para ayudarte a todos con tu velocidad y precisión. Lo que voy a hacer primero es que voy a hacer espacio para el dibujo para que pueda dibujar lado a lado junto a este camello. Estoy usando dos dedos para alejar y mover el lienzo alrededor de la pantalla. Voy a arrastrar mi cosecha y sólo estoy asegurándome de que esta línea central, así que aquí hay dos cuadrados y aquí hay dos cuadrados, así que esto debería ser aproximadamente del mismo tamaño de lienzo. Nota rápida aquí. Estos no tienen que ser del mismo tamaño, tu lienzo de dibujo puede ser mucho más grande o mucho más pequeño que tu foto de referencia. El método de cuadrícula se puede utilizar para dibujar algo más pequeño o más grande de lo que realmente es. Lo esencial es que tengas el mismo número de cuadrados en la cuadrícula en tu foto de referencia y la cuadrícula en tu lienzo de dibujo. Voy a demostrar cómo crear una cuadrícula digitalmente y procrear. Pero si estás usando papel, puedes crear tu propia cuadrícula reutilizable. Dibuja una cuadrícula con el marcador oscuro en un pedazo de papel. Si no tienes regla, puedes usar un borde recto como un libro. Si está lo suficientemente oscuro, podrás trazar la cuadrícula en tu foto de referencia. Si no está lo suficientemente oscuro, podemos usar el método de ventana que utilizamos en la última lección para trazar la cuadrícula en tu foto de referencia. A continuación, puede usar la misma cuadrícula en su hoja de dibujo. Si está lo suficientemente oscuro, podrás ver a través del papel, lo que en realidad no necesitas dibujar la cuadrícula en tu papel de dibujo, solo puedes usar la cuadrícula debajo del mismo. Si no está lo suficientemente oscuro, de nuevo, puedes usar el método de ventana. Ahora voy a encender la cuadrícula de dibujo en Procreate. Golpeé el ícono de la llave inglesa, Lienzo, y justo debajo de ese Recortar y Redimensionar, en el que acabamos de entrar, está la Guía de Dibujo. Voy a encender eso y voy a golpear, “Editar Guía de Dibujo”. Ahora, voy a acercarme porque probablemente no lo puedas ver. Muy delgada aquí es una guía de cuadrícula y puedo controlarlo aquí. Voy a bombear el espesor y la app de opacidad para que ustedes puedan verlo un poco mejor en cámara. En realidad también voy a darle la vuelta todo el camino negro, así que es sólo que tal vez se muestre un poco mejor, y también voy a aumentar el tamaño de la cuadrícula. Lo que voy a estar haciendo es que voy a estar dibujando esta rejilla de camello para rejilla en cada sección por aquí. Cuando estoy configurando el tamaño de mis rejillas, solo estoy pensando: “Vale, ¿ esto va a ser fácil para mí ver la forma de esta cabeza y replicarla por aquí?” Se puede jugar con esto para aquellos de ustedes que están queriendo seguir exactamente a lo largo, tengo esto alrededor de 700 píxeles y ahí está el fondo alineado aquí abajo y la línea media justo ahí. Si quieres mover la cuadrícula alrededor, puedes golpear esto y arrastrar este punto azul en el centro y se droga esa rejilla alrededor. Si por alguna razón quisieras inclinar la cuadrícula, podrías. Definitivamente no quiero inclinar la rejilla. También cuando estoy aquí digo que estoy como, “Oh no, en realidad no quiero inclinar la cuadrícula”, puedo tocarme dos veces los dedos para hacer deshacer. Yo quiero que esto esté en el centro. Con este método, lo que voy a hacer es que voy a crear una nueva capa para hacer bocetos y la voy a hacer rosa para que lo veas muy bien aquí. Al igual que el método de forma, voy a encontrar las formas básicas de las que está hecho este camello, como estos círculos, y los voy a transferir al cuadrado coincidente en esa cuadrícula de lona. Cuando digo como, “Sabes qué, el hocico de su boca es como un círculo”. Pero ese círculo, ¿a qué altura está en esta plaza frente a qué distancia está? Yo voy a venir aquí y voy a decir, “El círculo es de ese tamaño, ese más allá y tan arriba”, y lo mismo aquí. Ahí hay como un círculo más grande y eso es probablemente así de arriba y eso más allá. Entonces puedo conectar estos entonces puedo volver a detallar esto un poco mejor después. Entonces quiero conectar este cuello. El cuello comienza alrededor en la cima aquí, se baja hacia abajo, eso es sobre el centro inferior y eso se correlacionaría con esta plaza de aquí. Esa de lejos y esa muy abajo justo por ahí, entonces sale. Se va a ir así, y esto es como un espacio negativo. Eso es fácil para mí ver ahí mismo, así que ya lo sabes. Ahí mismo, hay un espacio negativo de eso. Entonces la parte superior de su cuello está justo por ahí. Se trata de esa altura, tal vez como a medio camino arriba y medio camino, un poco en el lado inferior de la mitad. No todo como a medio camino de la plaza, tal vez como de ese tamaño. De nuevo, no como todos, no centro muerto, tal vez un poco más alto, en algún lugar justo por ahí. Ahora he trazado todos estos puntos aquí, puedo entrar y ahí está mi curva de cuello y eso coincide bastante bien. Yo voy a hacer lo mismo aquí abajo. Va a empezar justo ahí y terminar justo aquí, que es más bajo que a mitad de camino, así que ish. Si conecto estos, cool. Ahora eso no es todo el camino hasta el cuello, así que vamos por ahí. A ver. Su cuerpo es como un huevo largo, sin incluir la joroba. Voy a hacer como una forma de huevo empezando justo por ahí ish, y este tipo, solo estoy pensando dentro este óvalo o dentro de ese cuadrado, justo a ahí. Entonces la parte inferior del óvalo, en algún lugar alrededor de ahí, la parte superior del óvalo está en algún lugar justo alrededor de ahí. A ver. Eso es uno dos, dos cuadrados sobre ish así. Entonces se va a hacer más estrecho por aquí, mucho tiempo. Conozco su trasero, si dijera que el círculo era así, la forma del huevo. Su trasero termina por ahí. Enfriar. No tiene por qué ser perfecto. De nuevo, si quisiéramos hacer una réplica perfecta, sólo tomaríamos una foto, no la dibujaríamos. No necesito que esto sea exactamente perfecto, pero conseguir las proporciones correctas es realmente útil, y este método de cuadrícula es realmente genial para obtener proporciones muy precisas. Ahora voy a exagerar aún más esa joroba. Ni siquiera voy a seguir eso. Cuando encuentre por qué son los bocetos, voy a estar como, “No, eso no es bueno o eso es genial”. Ahora voy a mirar las piernas aquí. Este tipo es como una plaza. Se va a unir, como casi una taza, así que ahí está esa sección redondeada. Aquí arranca sus piernas. Se va hacia abajo, si esto fuera un reloj, 12, 3, 6, 9, esto se dirigiría hacia las siete en punto. Hagamos lo mismo aquí. Son las 12 en punto, las tres, las seis en punto, las siete en punto. Sí, eso me quedó bastante bien. Boom. Entonces esto va directo hacia abajo, pero lo que realmente me encanta son estas curvas. Si arranca aquí y termina justo ahí, consiguiendo esa curva de esa pierna. Me encantó la forma en que esto se desmoronó. Yo voy a hacer lo mismo aquí. Lo que voy a hacer es que voy a apagar esta capa y voy a apagar la capa de rejilla. Eso se ve bastante bien. Pareja pequeña oreja sobre él y probablemente le puso un poco de ojo. Se ve realmente un boceto agradable, realista bien proporcionado. Lo que voy a hacer ahora es que en realidad voy a venir encima de aquí, y aquí es donde puedo empezar a exagerar o estilizar. Voy a elegir un color diferente para que lo veas muy bien y voy a bajar la opacidad en esa capa de ahí. Yo sólo voy a entrar aquí y sólo voy a crear un boceto más limpio. No me preocupa hacerlo terriblemente perfecto. Pero eso depende de ti. No está mal. No hay forma equivocada o correcta de hacer esto. Ciertamente podría exagerar su cabeza para que su cabeza sea más grande y eso podría hacer un divertido enfoque estilizado. Eso podría hacer un camello divertido. Sería más interesante ver más de su rostro. Ahora, su joroba podría hacerse más grande, sus piernas podrían ser más cortas o más gordas. Esto es todo donde se pone realmente divertido y depende de ti. Todo esto se trata de tu diseño. Esto es preciso, pero esto es divertido. Todo esto depende totalmente de ti. 7. Dibuja a partir de la imaginación: calcar vs. usar referencias: Hasta ahora hemos cubierto el dibujo exactamente lo que ves. Pero y si quieres dibujar algo que no existe, como un dragón, o una sirena, o una chica con tres ojos. Probablemente has tenido la experiencia de intentar sacar de tu imaginación y sentirte extremadamente frustrado. El asunto de nuestra imaginación es que en realidad no vemos las cosas en nuestra mente tan claramente como lo hacemos cuando vemos una foto de la vida real, es muy elusiva. Probablemente veamos algunas cosas en detalle muy claro o pedacitos y piezas aquí, pero no todo el cuadro. No podemos medir qué tan grande o pequeño es algo en comparación entre sí, porque podría ser sólo un sentimiento. O quizás solo estés visualizando las partes más importantes, las cosas que más sobresalen en tu cabeza. No necesariamente todos los detalles que lo componen que en realidad no son tan interesantes. Pero si echas un vistazo más de cerca a algunas criaturas imaginarias, podrías notar que en realidad están compuestas de cosas que, bueno podrían ser múltiples referencias. Al igual que una sirena es sólo una mujer y un pez. Podrás encontrar dos fotos, una sirena y un pez y combinar esas cosas. Lo mismo con los dragones. A lo mejor un dragón tendría alas de murciélago, y las garras de un león, y la cara de un lagarto. Esta es en realidad una de las razones por las que les animo a no rastrear. rastreo es rápido y fácil, pero no te permite acumular el músculo mental de ver cómo los objetos y las formas realmente inventan las cosas. Dibujar desde la observación es mucho más difícil que el rastreo, pero te va a ayudar a desarrollar el músculo mental para sacar de tu imaginación más adelante. Cuando entiendes cómo se componen las cosas reales, de qué formas están formadas, te facilita modificarlas cuando realmente estás dibujando. Otra razón por la que no quieres rastrear es que si quieres vender tu trabajo, no puedes simplemente replicar una imagen que encuentres en Google Images y venderla en tu tienda de Etsy. Si quieres trabajar con clientes comerciales, definitivamente tienes que tener cuidado de no estar robando el trabajo de otra persona. hecho de que no sepas quién era el fotógrafo, no significa que la imagen fuera libre para ser utilizada. ¿ Cómo te sentirías si encontraras una gran tienda de cajas estuviera usando una copia de tu arte y vendiéndola. No es genial, ¿verdad? Pero para dibujar bien, necesitamos usar fotos de referencia. Entonces, ¿qué se supone que hagamos? Usar imágenes de referencia está bien, siempre y cuando tu trabajo sea claramente diferente de las fotos. Aquí te dejamos una pequeña prueba que me gusta usar para mí mismo. Si conociera al fotógrafo cuya imagen usé como referencia, ¿estaría emocionado y orgulloso de mostrarles la obra de arte, o me sentiría avergonzado como si las hubiera arrancado? A mí me gusta usar múltiples imágenes. mí me gusta mirar un montón de imágenes diferentes y tener la idea de cuál es realmente la forma de un animal o de un objeto. De esa manera, no solo le estoy quitando a una persona, estoy usando todo un montón de imágenes para llegar a mi propia cosa. Copiar de una persona suele considerarse plagio, pero copiar de decenas de personas suele considerarse investigación. De hecho, cuantas más imágenes de referencia uses, vas a ver las cosas a través tu propia perspectiva y vas a ver tu propia toma única. Todos somos diferentes y todos vemos las cosas de manera diferente. No hay nada de malo en ver cómo otras personas dibujan cosas o usan imágenes de referencia. El caso es que no quieres simplemente dibujar de una fuente, quieres dibujar de muchas fuentes. De esa manera, cuando se trata de tu propio filtro de dibujo , vas a ser singularmente tú. A pesar de que estás aprendiendo del maestro es sobre cómo retratar la luz, o estás aprendiendo de algunos de tus artistas favoritos cómo usan diferentes formas de dibujar caras u orejas. Cuanto más estés combinando desde todos estos lugares impresionantes, más único va a ser lo que crees. No te limites a una sola forma de mirar la cosa, una imagen de referencia, un artista que admires. Busca inspiración en tantos lugares como puedas. Otra gran idea es tomar tus propias fotos de referencia. Puedes posarte y puedes usar el auto temporizador en tu cámara o tu iPad y por suerte, hay otras grandes alternativas. Me gusta utilizar un sitio web llamado Unsplash, donde los fotógrafos han donado sus fotos para ser utilizadas de forma gratuita, incluso en sus proyectos comerciales. A medida que utilizas múltiples referencias, vas a mejorar y mejorar dibujando. Va a ser más fácil para ti sacar de tu imaginación y vas a desarrollar tu propio estilo único. 8. Sorteo y la segunda parte de dibujar: Al inicio de clase, mencioné que hay dos partes para aprender a dibujar. Una es aprender a ver las cosas y la otra parte es realmente hacer la práctica, entrenar tu mano para que realmente haga los movimientos que pretendes que haga y eso solo toma práctica. Bueno, quiero darte un poco de motivación extra para conseguir esa práctica. Si compartes tu arte antes del 5 de julio de 2019, en Skillshare en los proyectos y en Instagram mientras me etiquetas en #DrawWithBrooke. Se te ingresará para ganar algunos premios. Va a haber unos cuantos premios. Habrá algunos ganadores también. Los ganadores van a ser elegidos al azar. No tienes que preocuparte por ser el mejor ilustrador o el más popular. Todo lo que tienes que hacer es jugar, dibujar, y compartir tu arte con nosotros. Habrá una membresía premium de un año de Skillshare, dos paquetes de los fantásticos pinceles de Lisa Bardot. Yo uso sus pinceles en mi trabajo todo el tiempo. Estos paquetes incluyen una tonelada de pinceles lo que hará que agregar textura a tu trabajo sea mucho más fácil y divertido. Para darte algo de inspiración, he creado una lista de prompt que puedes encontrar en la pestaña Recursos y esto es solo para ayudarte a empezar. Si quieres, puedes hacer uno todos los días, pero no tienes que hacerlos todos. De hecho, no tienes que hacer ninguna de ellas. Puedes hacer lo tuyo, lo que sea que te inspire. Yo solo quiero brindarte un poco de motivación extra para salir por ahí y practicar tu dibujo. También estaré presentando algunas piezas en mi propia cuenta de Instagram. Si quieres volver a subirte a eso, asegúrate de que estás usando el #DrawWithBrooke. 9. Color base y manejo de los límites de las capas en Procreate: Ahora, porque hago mi obra de arte para poder imprimirla realmente grande, suelo trabajar con un tamaño de archivo que es de 16 por 20, y muchas veces a 400 dpi. Eso significa que normalmente tengo seis capas con las que trabajar. Tengo que ser muy estratégico. Para que la edición sea fácil más adelante, si decido que quiero cambiar el color de su cuerpo o de su pecho o de su pico, quiero asegurarme de que ninguno de los colores se toquen entre sí. Yo quiero mostrarles eso. Esta capa de aquí mismo, si apago el color de fondo, cómo está el marrón de la rama, el blanco de su pecho, y el azul en su pico. Ninguno de estos se tocan entre sí. Es muy fácil para mí entrar aquí, y solo arrastrar y soltar, y cambiar ese color o cambiar ese color. Es muy fácil hacer eso. Aquí lo mismo. Ahora, tengo el negro, el amarillo, el naranja, y el rojo. Yo solo quiero mostrarles que hay espacio entre aquí. Si quiero hacer una gota de color sobre el naranja, no cambiará el rojo. No sólo es fácil hacer una gota de color y arrastrar hasta aquí, y cambiar los colores individuales, también es realmente fácil para mí agregar algo de textura. Si quiero agregar algunos detalles aquí o si quiero agregar un poco de negro oscuro, es fácil para mí hacer eso. No he entrado en el blanco ni me he metido en el marrón porque esta capa, ninguna de esas cosas es conmovedora, por lo que me hace realmente fácil agregar sombreado y diferentes texturas sin salir fuera de las líneas. Vamos a repasar los métodos para rellenar tus capas base: gota de color, y una herramienta de selección. Voy a hacer que el cuerpo de este pájaro sea negro o gris. No me gusta empezar con negro puro porque las sombras siempre son más oscuras que mi capa base. Yo quiero conseguir espacio para jugar con las sombras. Nunca uso negro plano para mis capas planas o negro puro para mis capas planas a menos que sea algo así como un detalle como un ojo. Lo que voy a hacer es que voy a tener una capa debajo de mi capa de boceto, y voy a bajar la opacidad de mi capa de boceto para que pueda verla. Pero que no es confuso cuando veo los bordes de mi contorno. mí me gusta usar un pincel que no tenga textura, algo que sea muy limpio y suave. El pincel de pluma de estudio debajo de entintado también es perfecto para este método. Ahora, voy a crear un contorno del pecho del pájaro. No hay huecos en este esquema porque voy a colorear gota migrar adentro. Este pincel hace un trabajo bastante bueno. A veces terminarás con como una línea funky, y eso te lo enseñaré. Intentemos usar un pincel más texturizado. Si entro aquí, y lo intento, y color caiga ahora, a veces lo que pasa es que obtienes estos contornos raros. Lo que puede ayudar con eso es el umbral de caída de color. Ahora mismo, cuando tomo este círculo, y lo arrastro y lo suelto, si miras este umbral, lo que he hecho es que he arrastrado esto, y lo he caído. No he levantado mi pluma. Ahora bien, si me deslizo hacia la derecha o hacia la izquierda, va a decir: “¿Cuánto de esto quieres que llene?” Al deslizarme hacia la izquierda, se puede ver que este pequeño hueco se está haciendo más ancho, y a medida que lo deslice hacia la derecha, bueno, quiero deslizar todo el camino hacia la derecha, llena toda la capa. Si puedo encontrar la mancha justo antes de que llene toda la capa, como este 60 para este pincel en particular, todavía hay un poco de como, porque este umbral de color se cae en una cantidad sólida de color. No ha caído en color texturizado, pero ya no está dejando un hueco en la línea entre la línea que dibujaste, y la línea en la que dejas caer el color. Puedes entrar aquí, y hacer que eso sea un poco más desmayado. Es por ello que me gusta usar un pincel liso sólido cuando está en carril en mis colores base. Aquí hay otra razón por la que me gusta mantener mi color base sólido en lugar de textura. Si dijera: “Sabes qué, quiero que este fondo sea amarillo o verde o morado”. Afecta dramáticamente esa coloración. Yo quiero poner colores sólidos abajo primero. También podrías evitar este problema siendo decisivo sobre el color de fondo desde el principio. Ahora, otra técnica para caer en color es utilizar la herramienta Selección. Empezaré aquí una nueva capa, y dibujaré algunas selecciones para esta pluma de cola aquí abajo. Puedo usar a este tipo. Si toco en un lugar, y golpeo en otro, va a hacer una línea perfectamente recta entre esos dos puntos. Si arrastro eso puedo, sólo dibujará donde quiera. Si cometo un error, puedo usar dos dedos para dar doble toque, y va a dar un paso atrás. Ahora, tengo una selección, y puedo caer color en esa selección. 10. Sombras: dónde añadirlas: Vamos a hablar de sombras. Hay dos sombras. La primera sombra de la que vamos a hablar, es una sombra de reparto. Una sombra de fundición es cuando la luz golpea a un objeto y ese objeto proyecta una sombra. Si hicieras títeres de dedos con una luz en la pared, eso sería una sombra de yeso. Esta luz de aquí mismo, está siendo lanzada por esta vela. Lo mismo con esta sombra en el escritorio aquí mismo de estas flores. Ahora, hablemos de la segunda sombra, que es la sombra la que compone la forma del objeto. Echemos un vistazo a estas flores. Notarás que no todo es el mismo tono de chuletas, y no el mismo tono de amarillo. Pero estas flores, son del mismo tono de amarillo. Pero si miras de cerca, aquí mismo, es un color mucho más oscuro que aquí y aquí arriba. Esta es la sombra de forma, la sombra transicional, la sombra de la que está conformada esta cosa. Ya que esta dirección es de donde viene la luz, este es el lado brillante, y aquí es donde la luz no la está golpeando porque es un objeto redondo, y así es más oscuro de este lado. Ahora, algo que hay que saber de sombras proyectadas, es que la calidad de la luz los va a afectar. Ahora mismo, estoy sentado frente a una gran ventana brillante y es un día nublado. Luz suave difusa. Obtienes estas sombras así, que son muy suaves y difusas alrededor de los bordes. Especialmente esto. Esto es tan borroso. No es un contorno duro, sobre todo a medida que me alejo de la mesa. Pero si tengo una luz dura como una linterna brillante, o si este fue un día soleado brillante, voy a encender esto, y mira lo duras que son ahora las líneas de esta sombra. Si yo tomara esto y brillarlo sobre las flores, esa es una sombra mucho más afilada. Otra cosa a destacar, cuando me acerco a un objeto con mi luz brillante, la sombra se hace más corta, y cuando me alejo, la sombra se hace más larga. Si vengo encima de un objeto, casi puede hacer desaparecer esta sombra de yeso. Las sombras actúan un poco diferente en los objetos redondos que en objetos de borde cuadrado o afilado. Los objetos redondos tienden a tener una transición gradual, mientras que los objetos cuadrados tienden a tener un plano áspero, donde esa sombra se encuentra ahí mismo, ese es el final del plano de esta caja. A pesar de que la luz es difusa y suave, y todas estas sombras son realmente suaves, aquí es muy distinta. Hablemos de algunas formas más complejas, como por ejemplo, esta cara de Buda. En realidad, al igual que estábamos hablando en la porción de dibujo, la mayoría de las cosas se pueden descomponer en formas simples, y la mayoría de las sombras se pueden descomponer en bordes redondos o afilados. Echemos un vistazo a la conexión de nariz a ojo aquí mismo. Ahora se trata de una forma redonda, pero es más una sombra dura, sobre todo desde el puente de la nariz hasta el interior justo aquí, esa es una línea dura. Eso se debe a que este es un avión, igual que vimos los aviones de las cajas, en comparación con este lado. Pero a medida que bajamos a esta forma aquí dentro, se convierte más en una transición suave gradual. Si echamos un vistazo a los pequeños cuadrados realmente que componen el cabello aquí dentro, notarás que también son muy llanos. Aquí mismo, esta es una zona muy luminosa, y esta es una zona muy oscura. Es una línea distintiva muy afilada que separa cada lado de ese pedacito de pelo. Ahora bien, esto es diferente a los ojos. Los ojos son una sombra muy suave. Ahora este es el punto más brillante aquí mismo. Este es probablemente el punto más alto de este ojo redondo. Poco a poco se oscurece hasta que está aquí arriba. Poco a poco, poco a poco se oscurece aquí abajo porque esto se está elevando. Está subiendo y luego alrededor. Este lado, no está siendo golpeado por la luz. Echemos un vistazo a eso. Si lo recojo aquí ahora la luz está justo aquí y es poco a poco, poco a poco, eso es porque esta es una forma redonda de este globo ocular. Lo mismo con los labios. Están curvados, pero es un plano diferente. Va hacia abajo y hacia adentro. Este lado es brillante y este lado es oscuro, y es una línea dura. Ahora esta forma, es un poco más redondeada. Es una transición gradual desde lo más alto, el punto que más sobresale, esa es la parte más alta del labio, ese es el punto más brillante. A medida que va más abajo, se pone un poco más en sombra, un color más oscuro diferente. Nuevamente, todo se puede desglosar básicamente en, parte de él puede ser redondo y parte de él puede ser cuadrado. Pero cualquier cosa que sea un plano afilado, se convierte en una línea dura y todo lo que sea un cambio gradual, como aquí arriba, se vuelve blando. Hablemos de sombras en ilustración. La primera sombra que quiero señalar aquí, es esta sombra azul oscuro de aquí. Esta es una sombra de fundición. Está echada por la gota de miel contra la taza de té. Lo que quiero señalar aquí, es que esto no es todo un solo color sólido de azul. Por lo general, las sombras son más oscuras que el objeto en el que realmente están. Pero debido a que se trata de una sección más oscura de azul, eso significa que esta parte de la sombra es más oscura, y ésta en realidad es una sección más clara de azul. Eso significa que la porción de sombra, es más ligera aquí arriba de lo que está en la parte inferior. Te voy a mostrar un par de consejos y trucos para hacer estas sombras sin tener que ir realmente manualmente y ajustar el color. Eso es una sombra de fundición. Hablemos de sombras de forma. Sombras que en realidad son sólo parte de la forma de la forma que es el objeto. Por ejemplo, esta taza de té. Esta taza de té tiene un azul más oscuro por aquí y luego poco a poco viene en un azul más claro. Ahora, eso es diferente al borde de la taza de té. Aquí mismo, otra vez, donde hay este azul oscuro, ese es un lado de la taza de té, y este es el labio de la taza de té. Esto en realidad está en la sombra y esto está siendo golpeado por la luz. Esto no es una transición suave aquí, esto es muy difícil. Esta es una línea sólida. Pero si le echo un vistazo al panal, están entre un objeto redondo y un objeto cuadrado. Voy a apagar la miel en realidad de esto. Esta no es del todo una línea sólida dura, esta es un poco de una línea texturizada por lo que le da un borde ligeramente más suave. Esa fue mi forma de comunicar que estos no son necesariamente duros, duros, pero son sólo una transición suave entre un lado del avión y otro. Echemos un vistazo a otro ejemplo aquí. Estos conos de helado, no son un sólido de amarillo. La sombra comienza por un lado y ésta transita lenta y poco a poco de un color oscuro, a un color más claro, a la sombra más clara del cono de helado. También, es una transición texturizada. Déjame mostrarte cómo se vería si solo tuviera estas líneas duras. En lugar de tener una transición suave, ver cómo esto es simplemente muy texturizado, no son líneas sólidas, se mueve gradualmente de una a otra en contraposición a, esto es oscuro, esto es ligero. Si mostré esto con todo ahí, se ve gracioso. Esta no es una transición muy suave. Si utilizara este mismo sombreado duro en todo en esta ilustración, probablemente lo comunicaría bien. Pero porque esto es tan diferente de la forma en que he hecho sombras en el propio cono de helado, y en las manos, y las uñas, esas son sombras mucho más texturizadas. Esto se ve fuera de lugar. Ahora un truco que podría usar con esta línea dura, es que podría usar mi herramienta de manchas y podría manchar las sombras para que se mezclen. Eso se ve mucho mejor que este de aquí. Echemos un vistazo a un ejemplo más aquí. Yo quiero mostrarles la canasta aquí mismo con este burro. Sé que esta canasta con sólo mirarla, es crestas redondeadas. Eso lo he comunicado porque he creado algún sombreado en cada sección de la cresta. También he dibujado estas líneas aquí mismo para indicar que son los palos los que componen esta forma tejida. Ahora esta línea aquí mismo, actúa como un contorno a la vez, pero también crea la parte más oscura de esa sombra. He creado una parte oscura de esa sombra, y luego he creado un medio tono, o donde la transición entre la parte más profunda de la sombra es, al medio tono, a la parte más brillante de la sombra. Pero lo que también he hecho, son estas líneas curvas, ayudan a indicar la forma de esta canasta. Si hubiera dibujado líneas rectas aquí así, no se siente igual. Parece una canasta, pero ahora en lugar de una canasta que está redondeada como estas, eso es como muy bulboso, esto es mucho más plano. La forma de las líneas que utilizas, también te va a ayudar a indicar cómo es 3D algo. Hablamos de dirección de la luz antes. Cuando estás empezando a hacer ilustración, es lo más sencillo simplemente decidir que, “Oye, mi luz va a venir de una dirección”. Tú decides qué dirección es esa y simplemente lo intentas. En el mundo real, no suele haber una sola fuente de luz. A lo mejor tienes una ventana y a lo mejor tienes una lámpara. Podría haber muchas direcciones de luz diferentes. Pero es muy complicado tratar de imaginar todas esas cosas. En este caso, la luz probablemente esté viniendo de arriba en esta esquina de aquí. Pero no me apegé a eso estrictamente. Yo me hice algunas cosas. Por ejemplo, si la luz venía de esta dirección, esta sombra en el haz debería estar aquí abajo, y debe resaltarse aquí arriba, no debería estar luciendo así. Pero me volví perezoso. Tomé esta abeja y la copié y la pegué por aquí. Eso está bien. Esa es mi interpretación artística. Esta ilustración no parece que esté completamente equivocada sólo porque esta sombra en esta abeja no es perfecta. Si mezclas demasiado estas cosas, se pondrá confuso y es posible que no puedas precisar por qué algo no se ve bien. Pero podría ser porque las sombras y los reflejos no están en el lugar correcto. La mayoría de las sombras y reflejos en este cuadro, provienen en su mayoría de esta dirección. En esta ilustración aquí, este es un lugar extraño para que venga la luz, porque de alguna manera es como si la luz viene de aquí y la luz viene de aquí. Bueno, acabo de encontrar que era más fácil comunicarlo al tener esta sombra aquí porque creaba un poco más de contraste en los dedos. Eres el artista y llegas a decidir lo realista que quieres ser con tus sombras, y lo no realista que quieras estar con tus sombras. En teoría, la luz probablemente debería estar viniendo de esta dirección en esta ilustración, porque hay una sombra detrás de su pierna aquí y en la canasta. Pero si le miro la pierna aquí mismo, no es así como funciona. Si la luz viniera de esta dirección, el punto culminante estaría aquí y la sombra estaría por aquí. Pero parte del propósito de las sombras, es indicar que una cosa está frente a otra cosa. Ya que estas piernas eran del mismo color, quería crear algo de sombra en esta pierna trasera, para que pudieras ver que estaba detrás de esta pierna. Yo lo compuso. Nuevamente, esta es la interpretación artística. Usa sombras donde creas que serán de ayuda. 11. Consejos de sombreado con medios físicos: En esta siguiente lección, voy a estar demostrando cómo y dónde colocar sombras en Procreate. Algunas técnicas digitales nos permiten crear sombreado más rápido y si estás usando herramientas analógicas como lápices o marcadores, necesitarás agregar tus sombras manualmente. Te quiero dar solo un par de consejos para crear colores más oscuros si estás usando lápices de colores o marcadores. El primero es, si estás usando un marcador, puedes entrar aquí y dibujar tu forma. Deja que esto se seque por un segundo. Entonces cuando vuelvas a entrar y vuelvas a dibujar encima de eso, va a venir con un color más oscuro. Ahora, otra forma de hacerlo es rellenar con tu tono más claro y luego agarrar un marcador de color más oscuro y añadir tu sombreado de esa manera. Si estás usando lápiz de color, esto es aún más fácil porque solo puedes entrar con tu primera capa de color, y luego solo puedes empujar más duro para crear ese color de sombra más oscuro. Digamos que estás usando un color rojo. También puedo crear sombreado usando colores que están al lado de este color en la rueda de color. Un color que está al lado del rojo es el naranja. Puedo entrar aquí y añadir un poco de naranja aquí y esto ayudará a crear un tono más oscuro de rojo. Si es demasiado naranja, puedo subir arriba con solo un poco más rojo, pero ahora puedes ver esto luce mucho más redondeado, mucho más rojo oscuro en las esquinas. Otra muy divertida, y no voy a meterme demasiado en la teoría del color aquí, pero si usas el color opuesto en la rueda, así que si el rojo está a un lado de la rueda de color y el verde está enfrente. Si uso una cantidad muy pequeña de verde, va a crear la ilusión de un rojo más oscuro y si uso mucho verde, Va a parecer que es verde encima de un círculo rojo. Se quiere ser realmente suave con la cantidad del color opuesto que se utiliza porque demasiado de él hará que parezca el color opuesto de la rueda de color. Si quieres aprender más sobre la teoría del color, tengo toda una clase sobre eso. 12. Técnicas de sombreado en Procreate: Ahora que tengo mi capa base de color, las puedo ver todas ahí mismo. Voy a empezar a hacer algo de sombreado. Entonces lo primero que voy a hacer es añadir algo de sombreado a este log por aquí y quiero empezar una nueva capa y en realidad voy a estar usando un pincel de Lisa Bardot. De verdad me encantan sus pinceles y este, voy a usar el mismo color del tronco, pero sólo me voy a ir un poco más oscuro. Ahora, echemos un vistazo a esto. Entonces me voy a enloquecer y voy a decir, Breb ¿qué estás haciendo? Eso se ve terrible, pero aquí está el divertido truco de fantasía. Lo que voy a hacer es que voy a usar lo que se llama máscara de recorte. Entonces voy a tocar esta capa aquí y voy a tocar “Máscara de recorte”, y va a contener todas esas sombras que acabo de hacer a este log aquí mismo. Entonces esto es con la máscara de recorte fuera, está en todas partes y esto es lo que pone la máscara de recorte. Para que esa máscara de recorte, lo que hace es cualquier cosa en la capa que le esté recortando que dondequiera que haya algo en esa capa, lo va a mostrar. Entonces si enciendo esto, verás que el cofre blanco de los dos puedo me puso un poco descuidado y se subió a ese espacio, pero no se está mostrando en ningún otro lugar. Entonces todo lo que necesito hacer es entrar aquí y simplemente borrar eso de ahí arriba y ese registro se ve bastante bien. Ahora bien, no quiero que mi log sea solo una textura sólida. Yo quiero que tenga un poco de forma. Entonces voy a decir que el rayo viene del rayo superior. Por lo que la parte inferior de este registro va a ser texturizada y la parte superior va a ser de un color más claro. Entonces lo que voy a hacer es tener este shader de tablón de madera seleccionado, y sólo voy a tocar y agarrar mi cepillo de goma de borrar, y entonces lo que va a hacer es que va a tirar hacia arriba el mismo cepillo que estaba usando para mi lápiz, para mi borrador y luego puedo entrar aquí y puedo, estoy todavía en el pincel, voy a usar el borrador y simplemente empezar a borrar ligeramente la mitad superior de ese tronco. Para que ahora se vea un poco más tridimensional. Por lo que la parte inferior del tronco está a la sombra y la parte superior del tronco está a la luz. Ahora, estoy usando un lienzo muy grande y me voy a quedar sin capas muy rápido. De hecho, si intento agregar dos capas más, no puedo. Entonces, ¿qué pasa cuando tienes capas limitadas? Te mostraré otro truco divertido. Entonces lo que vamos a hacer es usar algunos de los modos de fusión. Yo quiero sombrear la parte inferior de este pico. Entonces voy a entrar aquí y voy a seleccionar usando mi herramienta de selección. Entonces ahora que hice mi selección, voy a sombrear todo esto, e idealmente me gustaría tener un verde más oscuro y un azul más oscuro y un rojo más oscuro, pero es un dolor tanto seguir cambiando de colores y tratar de mantener esto pista de mi sombra consistente. Entonces voy a elegir un gris claro, un gris de tono medio y voy a usar, me gusta mucho este pastel al óleo o tal vez este pastel suave, y voy a entrar aquí y voy a añadir algo de sombreado. Voy a asegurarme de que sea realmente más grueso, arriba cerca del borde del pico, porque ahí es donde la sombra sería la más oscura, y mira eso, eso no se ve genial, ¿verdad? Pero usemos alguna capa de mezcla. Entonces voy a golpear el n justo al lado de en esta capa y eso va a abrir los modos de fusión y si juego con algunos de estos, empiezo a conseguir un color diferente y realmente me encanta usar “Multiply” y “Linear Burn” y” Burn”, pero también me encanta usar algunas de estas contrastantes. “ Overlay” hace grandes cosas para mí, no esta vez, pero también lo hacen algunas de estas otras y todo esto se trata realmente de preferencia personal. Esta vez voy a usar “Linear Burn” y voy a llevar mucho más abajo la “Opacidad” y ahora tengo algo de sombreado en este pico. Entonces esa es una forma de hacer mucho sombreado realmente rápido con una capa y lo cool es, si cambio, ya que estoy usando un color neutro como un gris de tono medio, si cambio colores de este pico, digamos que quiero, solo por diversión, cambia esto a un color gris. Ese sombreado aún funciona. Por lo que es fácil de editar porque no tienes que cambiar el color de la sombra. tanto que con este color de registro aquí abajo, si cambiara este color del tronco a, digamos como un marrón amarillento. Realmente necesitaría entrar ahí y cambiar el color de ese sombreado. Entonces voy a entrar aquí y quiero crear un poco de redondez en este pico superior, y eso es un poco demasiado oscuro para mi gusto. Entonces todo lo que voy a hacer es que voy a entrar aquí y voy a bajar la opacidad. Este control de deslizador es tu opacidad de pincel, y este encendedor controla el tamaño del pincel. Entonces voy a mantener el tamaño del pincel igual y solo voy a bajar la opacidad, y eso me va a dar una sombra mucho más tenue y por supuesto, siempre puedo usar mi herramienta de borrador para ablandar los bordes, manchar que hacia fuera o usa herramienta de manchas para mancharlo. Quiero crear alguna definición en los pies aquí, y también me gustaría alguna ayuda para mantenerme dentro de las líneas. Es realmente fácil subir accidentalmente al cuerpo o al tronco. Entonces lo que voy a hacer, voy a seleccionar sólo esta capa. Entonces voy a usar dos dedos y los voy a sostener en esta capa aquí, y se puede ver que he seleccionado estos pies, pero voy a dibujar en esta capa. Entonces cuando lo seleccione, sólo me va a permitir dibujar dentro de esa selección. Por lo que no puedo salir de esa selección. No me estoy metiendo en el cuerpo, así que eso me da una línea muy, muy limpia, y voy a hacer lo mismo aquí. También quiero crear algo de sombreado debajo del vientre por aquí. Quizás incluso alguna sombra debajo de los pies porque los pies estarían creando una sombra en el tronco. Aquí está el problema, si selecciono el registro, no me va a impedir que dibuje sobre esos pies porque esta capa de sombra está por encima de todo. Entonces, ¿qué puedo hacer? Lo que puedo hacer es excluir esos pies. Entonces voy a seleccionar los pies y voy a invertir esa selección. Entonces minimizo herramienta de selección y la voy a invertir, y ahora voy a entrar aquí y voy a crear sombreado bajo los pies, pero no me va a permitir dibujar en los pies. Entonces vamos a quitarnos esta selección. Ahora todavía tengo esas lindas líneas limpias para mis pies ahí mismo, pero también tengo un poco de sombreado bajo sus pies. El fastidio sobre usar un gris de tono medio es que, bueno, hace que todo se vea gris. Al igual que no particularmente salvaje sobre este gris en este hermoso cofre pálido-amarillo del pájaro. Entonces voy a crear una nueva capa y voy a estar usando más color. Bueno, esto se ve realmente genial. Definitivamente no funciona en el pecho del pájaro, en la porción azul del pájaro. Entonces lo que voy a hacer es, voy a encender esto a “Multiplicar “y si no me gusta la forma en que este amarillo se ve contra su cuerpo azul, lo que puedo hacer es convertir Alpha lock en esta capa aquí mismo, la capa amarilla, y puedo elegir un color azulado y puedo rellenar con un color azul, y si eso es demasiado oscuro, bueno, entonces puedo elegir un color azul más claro. Para activar el bloqueo Alpha puedes deslizar con dos dedos hacia un lado. Entonces de nuevo, eso son dos dedos deslizándose hacia un lado para encenderlo. Se puede ver que está encendido con estos pequeño tablero de ajedrez y desliza hacia la derecha para apagarlo. Si alguna vez no puedes recordar estos atajos, siempre puedes usar. Simplemente puedes tocar la capa y hay una copia selecta y bloqueo Alpha. El bloqueo alfa me impide dibujar fuera de las líneas. Entonces aquí, si traté de dibujar fuera del sombreado que ya he creado, no puedo, no me va a permitir. También voy a añadir algunas líneas aquí a su cola. Aquí se ven impresionantes las líneas en su cola, pero quiero volver y agregarle algo más de sombra. Entonces voy a volver a mi capa de sombras y en lugar de mi capa de detalles aquí mismo, y voy a asegurarme de que sólo pueda tocar estas plumas de cola. Entonces voy a seleccionar usando dos dedos en la capa de cola justo ahí, y voy a asegurarme de que estoy en un gris de tono medio. Voy a usar mi cepillo pastel de piel suave y voy a entrar aquí y voy a crear algún sombreado donde el tronco está echando una sombra sobre la cola. Si quisiera oscurecerme, me vendría bien un gris de tono medio más oscuro. Ahora lo otro que quiero hacer es dejar claro que esta cola está detrás de esta cola. Entonces voy a volver a seleccionar la capa de cola, pero recuerda seguir dibujando en mi capa de sombras, y voy a crear algunas sombras aquí mismo. Entonces puedo decir claramente que esta cola está detrás de esa. Ahora no todo es sombreado, también hay resaltado y este es mi color base, lo que significa que puedo ir más claro con un punto culminante. Entonces digamos que quería hacer este pico muy brillante y así lo que haría es elegir un color blanco y un pincel realmente liso, como tal vez mi pincel de estudio, y crearía un resaltado blanco así. Por lo que esto hace que el pico se vea realmente brillante y vidrioso y húmedo. Es por eso que los reflejos blancos suelen estar en los ojos y a veces verás como un poco como una mirada vidriosa así. Eso se debe a que los ojos están mojados y brillantes. En este caso, no creo que realmente quiera que mi pico sea tan brillante. Entonces lo que voy a hacer es crear un punto culminante general aquí. Nuevamente, voy a crear una selección, y voy a crear sólo un poco de luz suave. Entonces lo bonito de crear una selección es que crea una línea dura en el borde de la selección, y entonces realmente puedo cambiar suavemente y poco a poco, crear como una gradación de color en el interior. Tan bien, eso parece nieve en su pico. Pero gracias a la magia de mezclar capas, puedo entrar en aligerar y puedo jugar con estos diferentes ajustes. Personalmente me gusta superponer bastante, uso que mucha y luz suave es probablemente mi favorita porque la luz suave, en este caso se ve super, super suave. Entonces esto es con eso apagado, y eso es con él puesto y así realmente sí agrega un poquito de destello. Realmente agrega un bonito poco de interés visual. 13. Calidad de la línea: mantén la atención de la gente durante más tiempo: Cuando las cosas son todas iguales, se vuelven predecibles, y aburridas, y así lo que queremos hacer con nuestros dibujos es crear mucho interés visual. Calidad de línea realmente te puede ayudar con eso. Si miro a esta puerta, esta línea azul oscuro que va alrededor de ella, es muy suave, a diferencia de estas hojas-cosas de aquí, son muy texturizadas. Esta suavidad frente a esta textura, incluso esta textura dentro de aquí, con estas líneas, estas líneas también son muy texturizadas. Ese contraste crea interés visual. Nos da algo que mirar por aquí. No nos limitamos a mirar esto y no tenemos nada más que ver. Aquí hay un montón de cosas que ver. Otra cosa que puede afectar la calidad de la línea es la variación. Estos listones en la puerta, no todos son del mismo grosor, no todos son del mismo ancho. Algunos de ellos son muy delgados, y algunos de ellos son más gruesos, y eso nos da algo para rebotar alrededor. Por ejemplo, mi ojo puede ser dibujado en esta área de aquí, y entonces tal vez se dibuja en esta área, o en esta área, y si todas estas lamas fueran del mismo grosor en todo el camino, no las notaría tanto. Pero porque hay variación, me da más que mirar, a este dibujo. Otra cosa que puede afectar la calidad de tu línea es, algunas líneas son más oscuras y algunas son más claras. Por ejemplo en esta planta de serpiente aquí, no todas estas líneas son iguales, las estriaciones de color verde oscuro. Algunos de ellos son más delgados, algunos de ellos son más gruesos. Algunos de ellos son un poco más ligeros, o un poco más manchados, y algunos de ellos son más oscuros. El ligereza y la oscuridad también te pueden dar alguna variación en la calidad de tu línea. La calidad de la línea no se refiere sólo a las líneas en contraste entre sí, también puede referirse a las líneas como sí misma. Una razón por la que esta línea aquí mismo, esta línea central blanca, no es un solo grosor en todo el camino. Es un poco lleno de baches y un poco de aspecto de enigma. Si yo hiciera de eso una línea sólida, simplemente no sería tan interesante. Nuevamente, la calidad de tu línea no son solo estos pequeños guiones comparados entre sí, también es la calidad de esta sola línea también. Las líneas en este cactus aquí, realidad no son una sola línea, pero crean algunos intereses visuales porque no todas son la misma ligereza y oscuridad. Porque algunos de estos son más ligeros. A pesar de que esto no es técnicamente una sola línea, en realidad es una serie de puntos, visualmente lo vemos como una línea. Lo que hace que este sea un poco más interesante es que, tiene algunas partes vertidas o algunas más ligeras. No todo es la misma oscuridad. El oscuro y la luz, esa variación también puede afectar la calidad de tu línea. 14. Mantente motivado: No lo olvides, nada aplastará la alegría de dibujar tanto como compararte con otras personas. Guarda tus dibujos originales. Nada te dará tanta satisfacción como se ve cuánto has crecido tú mismo. Aunque no te guste lo que haces ahora, si te aferras a ello, vas a ver progreso, vas a ver una diferencia. Tener esos dibujos originales van a poder motivarte y animarte mejor que cualquier otra cosa realmente. 15. Notas finales y proyecto: Antes de entrar en tu proyecto de clase, quiero decir, muchas gracias por ver esta clase y realmente espero que te haya sido de ayuda. Si te resultó útil esta clase, quiero pedirte un favor. Por favor comparte esta clase con un amigo que crees que también ayudaría. Si esa persona no tiene habilidadcompartir, puedes compartir un enlace con ellos para que puedan obtener dos meses gratis. Ahí en la pestaña Proyectos, si compartes tu trabajo en Instagram, me encantaría ver lo que ustedes chicos están creando. Usa el hashtag, DrawWithBrooke, y estaré compartiendo algunos de esos por cuenta propia. Me pueden encontrar en papelplaygrounds. Si quieres estar al día con lo que estoy haciendo, ya sea una nueva clase de habilidadcompartir un taller presencial o cualquier otro evento, puedes unirte a mi newsletter y el enlace está en la siguiente descripción. Para tu proyecto de clase comparte una imagen que utilizas con cualquiera de los ejercicios de la clase. Puede ser uno de los que usamos como ejemplo o podría ser algo completamente diferente. Estoy tan emocionado de ver lo que ustedes crean. No olvides si necesitas alguno de los recursos que hay en la pestaña Proyectos, y si tienes alguna pregunta, por favor siéntete libre dejarlos en la pestaña de la comunidad. Ve por ahí y crea cosas chicos, no puedo esperar a ver qué haces. 16. Extra: feedback para estudiantes, parte 1: Hola amigos del arte. En este video, voy a estar dando algunos comentarios sobre el arte estudiantil. Estos artistas formaron parte de un taller y presentaron su arte para obtener algunos comentarios. Antes de sumergirnos en el video, solo quiero hacerte saber que el arte es totalmente subjetivo y lo gente considera que es un buen arte o hacer las cosas mejores es totalmente subjetivo. Lo que me gusta, puede que no te guste, y eso está totalmente bien. Mi intención con esta retroalimentación es ayudar a la gente a subir de nivel, pero honestamente, el gusto es diferente. Te podría encantar la forma en que estas piezas de arte son como son, y eso está totalmente bien. No hay forma correcta o incorrecta de dibujar y no hay estilo correcto o incorrecto. Todo se trata de encontrar lo que te guste. Entonces toma lo que te guste de esta sesión de comentarios e ignora el resto. Vamos a sumergirnos. Mónica ha compartido un hermoso dibujo de acuarela de un tucán. Un par de cosas que puedes hacer cuando estás tomando fotos de tus imágenes de acuarela es editarlas para que salgan un poco más brillantes. Por ejemplo, lo que quiero mostrarles es cómo voy de esto, que es la foto original, a esta, que es un poco más brillante. Voy a estar usando la app Fotos en mi iPad. Si tienes un iPhone, puedes hacer lo mismo aquí. Si tienes un dispositivo Android, puedes encontrar una app como Snapseed, pero también estoy adivinando que hay alguna otra app de edición de fotos que está incorporada en el teléfono. A pesar de que tu interfaz puede no tener el mismo aspecto, definitivamente puedes encontrar el mismo tipo de herramientas similares. En la app Fotos, voy a tocar “Editar”, y en el lado derecho, hay todo tipo de herramientas de edición diferentes a las que puedes prestar atención. El primero que voy a buscar se llama exposición. Ahora cuando estoy editando una foto, las cosas a las que quiero poner atención es el blanco del periódico. Este blanco es muy, muy oscuro, y así quiero ponerlo hasta lo más cerca de un blanco real como pueda. Otra cosa a la que quieres poner atención es a cualquier negro que esté en el arte porque quieres que también se mantenga lo más oscuro posible. Con la exposición, si subo esto todo el camino, lo que notarás es que esto es realmente brillante, pero en los greens del fondo, está soplando. Está quitando parte del detalle ahí dentro. No quiero ir al 100 por ciento, pero en realidad creo que podría ir a algo así como 50 o algo en esta app. Nuevamente, si estás usando unas apps diferentes para hacer esto, será tu arte, tu foto, las condiciones serán todas diferentes, por lo que debes prestar atención a lo que funciona en tu caso particular. Seguiremos bajando aquí, y al siguiente al que quiero poner atención es el contraste. Si miramos las áreas negras de esta foto, lo que verás es que es difícil ver si alguna de estas áreas es más oscura o no. Aquí, lo haré un ejemplo exagerado. Si bombeo el contraste hacia arriba, realmente no puedo decir ninguna diferencia entre los negros. Todo se parece a un negro plano. Si hago manivela esto todo el camino arriba, sobre todo en la cola aquí, realmente se puede ver que hay algunas zonas donde hay negro más oscuro y algunas zonas donde hay negro más claro. Ahora, por supuesto, el contraste bombeado tanto simplemente se ve horrible porque todo se acaba de aplanar. Por lo que quieres jugar y encontrar un lugar donde no esté distorsionando el resto del arte, pero en realidad puedes ver algo del contraste en la cola. Ahora lo siguiente que quiero buscar es calidez y tinte. Ahora esto podría llamarse balance de blancos en otra app, pero a veces lo que sucede cuando tomamos fotos es que el blanco del papel gira, puede ser un poco en el lado azul o un poco en el lado rojo, a veces un poco un poco en el lado verde. Este calor y tinte o balance de blancos , puede marcar una gran diferencia. Hemos ajustado la exposición en esta foto en particular, y esta foto en particular está en realidad bastante limpia, por lo que esto no va a marcar una gran diferencia, pero podría ser en la tuya. Si pongo la calidez todo el camino hacia arriba, se puede ver como, wow, eso lo sesga a realmente una especie de naranja, y si tengo que sesgarlo todo el camino hacia abajo, esto es un azulado muy ligero. En este caso, si miro el blanco, es difícil de decir sin tener un ejemplo blanco real junto a él, pero creo que solo golpeándolo un poquito hacia el lado más azulado, va a sacar algunos de los blues y greens en este pintar, y yo haré lo mismo con la carpa. De nuevo, el tinte, si lo traigo todo el camino arriba, está trayendo como un tinte rojizo, y todo el camino hacia abajo, está trayendo un tinte verdoso. Pero quiero que esto sea como muy, muy ligeramente [inaudible]. Esto es neutro y esto es sólo un poco más verde. De hecho, podría bajarlo un poco. Por lo que sólo saca los greens dentro de ahí. Entonces tocaré hecho y tendré una pieza terminada. De nuevo, si quería comparar el original, puedo tocar “Editar” y podría golpear “Revertir”. Vuelve al original y puedes ver qué diferencia solo esas sencillas ediciones realizadas. Betsy Thomas presentó este dibujo en forma de asombroso del tucán. De lo que quería señalar sobre esto, me gusta mucho cómo ha exagerado diferentes rasgos de este tucán. Ella ha tomado y dicho como, “Oh, me gusta mucho el pecho de este tucán”, y realmente lo hizo una parte mucho más grande del pájaro de lo que realmente está en la foto. Si quieres dibujarlo de manera realista, no quieres hacer eso. Pero si quieres dibujar estilísticamente, que es mi preferencia, esto es exactamente lo que quieres estar haciendo. Quieres decir como, oye, esta es la forma que me gusta. Esta es la parte del ave que creo que es más interesante y enfatizamos esas cosas. A mí me gusta que ella sea realmente sobredimensionada, la parte del pecho, pero también el pico. Este pico es un poco más recto, pero ha optado por seguir esta línea justo aquí y realmente convertirla en una porción curva. Esto es algo que podrías encontrar a Betsy que vas a querer hacer en todos tus dibujos. Intenta encontrar donde puedes continuar una línea desde una sección del dibujo hasta la siguiente sección. Por ejemplo, esta forma de la cabeza en el pico. Eso es algo que podrías encontrar se convierte en una elección estilística para ti. Annette K. planteó una gran pregunta sobre cómo rotar estas imágenes. Tengo una imagen en Procreate y si tomo dos dedos y lo giro y lo giro, entonces voila, ahora tengo este dibujo al revés. Pero esta imagen no está en Procreate, en realidad está en la app Fotos. Ahí es donde lo he metido arriba. Si toco “Editar”, veamos aquí hay un botón aquí abajo que tiene un movimiento de recorte y rotación. Una vez que toque eso, traerá estas opciones aquí arriba para rotar la imagen. Si tienes otras preguntas específicas de Procreate, recomiendo encarecidamente echar un vistazo a mi clase de Intro a Procreate, que te ayudará a averiguar algunas de estas cosas que hacer dentro de Procreate. Ahora, otra cosa que quería señalar fue en ese caso, ella tiene esta interpretación realmente divertida y peculiar del tucán por aquí. Pero una cosa que estoy notando es que esta línea de aquí es que no es muy suave. También vi lo mismo en los dibujos de Taylor Ashbrook también. Esto es tan guay. Ella mostró todo su progreso aquí. Se puede ver este es su primer borrador como en realidad simplemente copiando estas formas, y a medida que va, ha dibujado y retrocedido sobre estas formas, y aquí está sólo la versión retractada final. Lo que quiero señalar aquí es que esta calidad de línea realmente temblorosa puede ser una elección estilística total. Absolutamente puedes hacer eso y se ve realmente genial. Esto se ve realmente bonito en las ramas, pero muchas veces cuando eres principiante en el dibujo, tu mano no es muy estable. Hay un par de cosas que puedes hacer para mejorar la firmeza de tu mano. Uno de ellos está dibujando rápidamente. Incluso ahora, si dibujo realmente, realmente, despacio, se puede ver hasta mis líneas no son muy suaves. Pero cuando lo dibujo rápidamente, se puede ver que la línea es mucho más suave. Entonces cuando te mueves muy, muy, lentamente algo como esto. Una técnica que utilizo en esta pantalla de vidrio, es muy fácil para mí sujetar mi mano. Te darás cuenta de que no estoy moviendo toda la mano, en realidad me estoy moviendo de la muñeca, así que eso me ayuda a mantener una línea más suave también. Otra cosa es otra vez, si te mueves rápidamente. Verás muchas veces en bocetos de artista lo que harán se llama fantasma. Dibujarán la línea muchas, muchas veces para que puedan acostumbrarse a ese movimiento, y luego pueden subirse a eso y trazar eso de una manera más rápida, más cómoda porque lo han dibujado varias veces. Es como practicar el movimiento. Entonces una vez que lo hayas practicado varias veces, puedes hacerlo más rápido. Esto puede ser absolutamente una elección estilística. Creo que Annette aquí tiene líneas realmente lisas en los picos y los bordes exteriores. Te gustaría asegurarte de que es intencional tener esta sección menos suave aquí. Nuevamente, es totalmente una elección estilística. Se puede hacer uno u otro. Pero si encuentras que estás creando involuntariamente estas líneas temblorosas, que de nuevo, esto en realidad se ve realmente genial y puedes decir que Taylor realmente lo ha hecho. Ella ha practicado suavizar estas líneas aquí, y se puede decir que tiene mucho más confianza en sus líneas finales. Esto obviamente es muy poco intencional. Nuevamente, totalmente, puede ser una elección estilística, pero si sientes que estás teniendo sin querer líneas onduladas o temblorosas y te gustaría que fueran más suaves, intenta dibujar más rápido, prueba el método fantasma, y prueba moviendo no sólo los dedos, sino moviéndose desde la muñeca o desde el codo. Si tu superficie de dibujo es más grande, es más fácil dibujar desde el codo para crear una curva lisa o una línea recta en lugar de mover las manos o los dedos para hacer esas líneas. Hablando de fantasma, puedes ver esto en acción con Venu. Siento mucho si estoy masacrando tu nombre. Pero puedes ver que han usado este bonito efecto fantasma aquí mismo para descifrar como : “Oye, ¿a dónde realmente quiero que esta forma del cuerpo de pájaro vaya aquí mismo?” También puedes ver que lo han hecho aquí arriba en la cara. Esto nuevamente les ayuda a crear exactamente la línea que quieren crear aquí mismo, y exactamente la línea que quieren crear aquí mismo. No es solo como entraron y dijeron: “Está bien, voy a hacer esto una vez, y esa es la decisión final que he hecho. Tengo que atenerme a eso”. No, han entrado y han dado vueltas, y de esa manera, puedes elegir. Si bajaba la opacidad aquí, como si hubiera dibujado con un lápiz realmente a la ligera, entonces podría decir como: “Está bien, en realidad creo que esta línea es la mejor ahí mismo”. Esa técnica de fantasma puede ser realmente, realmente útil y puede ayudarte a practicar esos movimientos. De lo que he notado aquí, me encanta esta interpretación. Dibuja por aquí mismo. Esta es totalmente una perspectiva única de esto. Esto es como ver la forma y decir: “Sabes qué, en realidad me gusta que esto sea un poco más suave y redondo y como tener un flujo un poco más dinámico en la cola”. Algo que también he notado, esta es una gran interpretación porque el cuerpo está inclinado yendo así, mientras que el cuerpo está muy vertical en este dibujo, el óvalo del cuerpo aquí mismo está inclinado. Ahora, cuando estás dibujando, todo esto es una interpretación artística. Se puede decir: “Sabes qué, en realidad me gusta esto y esto me da la sensación de movimiento con este pájaro”. Puedes quedarte con eso. La única cosa que yo podría, si quieres mantener la inclinación del cuerpo de esta manera, en realidad podrías entrar aquí y también inclinar la cabeza del mismo para que la cabeza del pájaro se incline de esta manera. Ahora, claro, tendrías que redibujar el cofre del pájaro, pero es una buena manera para que puedas descifrar : “Oye, tal vez quiero que este pájaro esté mirando una dirección totalmente diferente. A lo mejor quiero que el pájaro mire hacia abajo”. Entonces puedes imaginar cuál sería la conexión entre la línea ahí. Hermosa obra Venu. Yo quería señalar para Amy Z. Ella también ha hecho este impresionante dibujo aquí. Amy Z también tiene un cuerpo ligeramente inclinado, resultado de que el cuerpo se incline hacia atrás así, pero la cabeza del pájaro se inclina de esta manera. El óvalo de la forma no es recto arriba y abajo como si fuera recto arriba y abajo justo aquí, está inclinado hacia atrás. Esto crea una vibra totalmente nueva al ave. El pájaro se siente mucho, mucho más vivo, como si pudiera saltar y volar en cualquier momento. Sí, veo a mucha gente diciendo como, “Oh, mi conejo al revés dibujo. No es exactamente lo mismo que la versión real, pero eso en realidad es algo bueno. Es un proceso creativo. No estamos tomando fotos, estamos creando nuestras propias interpretaciones de este arte. A lo mejor no quisiste decir que el pájaro se incline hacia atrás, y en realidad quieres que sea recto arriba y abajo, pero esto en realidad es un accidente feliz porque lo que puedes hacer desde aquí es abrazar el hecho de que, “Oye, esto en realidad se ve un poco diferente. El sentimiento de este dibujo es un poco diferente a esta foto”. Eso es lo que va a traer cuando abrazas los errores que cometes. Esto va a traer en tu estilo. Esto va a traer en su toma única, sus elecciones artísticas únicas. Porque esto se ve bien, si algo que haces eso es un error, no se traduce bien, entonces tal vez no quieras tenerlo ahí dentro y quizá sí quieras arreglarlo. Pero en este caso, creo que esta forma realmente crea mucho más parecido a la vida del pájaro. Entonces, yo no arreglaría esto. Yo mantendría esto como es y pasaría a las etapas de coloración. Nuevamente, todo no tiene que ser perfectamente como se supone que sea. No tiene que ser una réplica perfecta de la foto. De lo contrario, solo tomaríamos una foto, a menos que por supuesto tu objetivo sea realista, y en ese caso, intenta quedarte lo más cerca posible de tu referencia. Diana Hewitson envió esta encantadora foto que usó con el método de cuadrícula. Ella tomó estas fotos de estos azafranes al sol y usa el método de rejilla para hacer un trabajo realmente fantástico de traducir estas formas en su pintura acuarela, e hizo un trabajo tan genial, ni siquiera se puede ver la cuadrícula en aquí. De verdad, muy bien hecho. No hemos pasado por el sombreado, pero creo que algunas cosas de sombreado realmente ayudarían con estos dibujos de azucarero. Lo que he hecho es, acabo de dibujar sobre esto y quería señalar dónde y por qué dibujé sobre esto. Esta foto en realidad es muy desafiante dibujar al sol, porque hay tantas sombras proyectadas. Lo que tiendo a hacer en estos casos es, estoy tratando de crear el look de los pétalos siendo uno encima el uno del otro para que se pueda ver un poco mejor la forma de la flor. Pero eso es realmente complicado porque hay todas estas sombras aleatorias diferentes, así que tengo que inventarlo. Entonces, lo que he hecho aquí, he venido aquí, y si apago esto, verás aquí mismo en esta flor, es realmente difícil decir como, oye, qué pétalo está arriba y qué pétalo está en el fondo. Entonces, he dibujado sombras en la parte inferior de los pétalos que deberían estar debajo. Aquí mismo, se puede ver que este pétalo está en el frente. He hecho algunas sombras justo aquí. Justo a lo largo del borde de donde está este pétalo que está en la parte superior. Eso también lo he reforzado realmente. Cuando estas flores se rizan en el borde, van a ser brillantes en la parte superior donde se sienta el sol entonces y van a estar más oscuras debajo de eso. realmente lo hemos exagerado. Diana hizo un muy buen trabajo con eso. Se puede ver que tiene algunos reflejos blancos bonitos por aquí. Yo sólo lo exageré demasiado para que lo pudieras ver un poco mejor. Otro lugar que vi probablemente podría usar un poco más de definición estaba en esta flor. Este pétalo de aquí, la curva del mismo es mucho más corta. Esto en relación con el tamaño del pétalo, esto podría ser aplastado. Lo que hice fue simplemente borrar este borde y acercar esa curva, un poco más. Yo también hice lo mismo aquí mismo. En este pétalo, la curva de la flor viene todo el camino hacia arriba. En realidad no se puede ver la parte inferior de la misma. Se puede ver como aquí mismo tienes la curva del pétalo y luego la parte inferior del mismo. Pero como no vemos que lo mencioné, esto es totalmente subjetivo. No se puede hacer esto totalmente. Las flores son impresionantes para esto porque son tan abstractas, una orgánica que lo que les hagas, se ven bien. No tiene que ser como una réplica exacta de la foto, pero como estamos tratando de ejercitar nuestros músculos de dibujo, solo pensé que lo señalaría. No es totalmente necesario. De nuevo, acabo de entrar aquí y crear sombras a lo largo de los bordes para que pueda enfatizar la idea de como, oye, este pétalo de aquí, estaría en sombra porque está debajo de estos dos pétalos aquí mismo. Hermosa obra Diana. 17. Extra: feedback para estudiantes, parte 2: Cat hizo un fabuloso trabajo de recrear estos conos de pino. Lo que realmente quiero señalar aquí, en primer lugar, es que es tan útil sacar de la vida. La diferencia de dibujar de una foto versus dibujo de la vida es que realmente tienes que decidir como, hey, ¿dónde están las líneas que quiero guardar? ¿ Cuál es la forma en realidad? Cuando usas una foto, ya está aplanada para ti. Dibujando de la vida realmente, realmente ejerce esos músculos en tu cerebro que te ayudaron a ver formas y tomar tus decisiones por ti mismo donde crees que deberían ir las cosas. Ahora, dice Cat: “Tomé el consejo de Brooks y fui un poco liberal con la idea de sombrear en lugar de intentar reproducir exactamente dónde estaban las sombras y los reflejos. A mí me gusta la sensación boquisa que me dieron, pero definitivamente fui demasiado ligera en las sombras de caché, acuarelas, secas, más ligeras, y éstas casi desaparecieron. No estoy seguro de mi intento de sombreado. Traté de dar una impresión de sombreado sin ser demasiado detallado y no estoy seguro de que funcionara”. Lo que yo diría es que esto se ve fenomenal. Gat's hizo un fabuloso trabajo de crear sombreado en áreas justo aquí. Tienes la parte oscura donde esto está lanzando una sombra sobre esta parte del cono de pino, así que eso hace un trabajo realmente, realmente genial, y dejar estos bordes blancos justo aquí realmente ayuda a crear esa ilusión de como, hey, esto está encima y esto está debajo. Lo único que diría si quisieras agregar es que podrías agregar una sombra de forma entera encima de esto para crear la idea de que todo el cono de pino sea redondo, así que he creado eso aquí mismo. Ahora, he usado sólo las sombras de este lado del cono de pino. Gato, probablemente estabas dibujando estos conos de pino en otro lugar y solo colocas estos conos de pino aquí para los propósitos de la imagen, pero por eso elegí este lado para crear esas sombras porque si entrecerras, puedes ver que este lado del cono de pino es un poco más oscuro. Si realmente estaría exactamente el lado más oscuro es así, pero solo lo ordeno y lo pongo alrededor de esas áreas. Ahora, también podrías fingir y simplemente hacer el otro lado. Este fue mi primer intento de agregar algo de sombreado a esto y acabo de dibujarlo por aquí. Eso no es en absoluto cómo se forma este cono de pino, pero así es como lo hice desde mi imaginación. Todo esto hace es crear la ilusión de que el propio cono de pino sea redondo, pero honestamente, incluso solo esto por sí mismo se ve muy bien también. Annette K. ha hecho una ilustración muy divertida de una oruga. Annette hizo algunas grandes preguntas sobre contornos y cambiar los colores. Normalmente cuando entro y hago mi color, redibujo sobre mi boceto y no guardo mis líneas de boceto. Pero de vez en cuando, he puesto mucho trabajo en mis líneas de boceto y quiero conservarlas. He tomado la imagen de Annette y he separado las líneas de boceto en su propia capa y el color está en su propia capa, así que voy a estar simplemente dibujando en las líneas de boceto, y debajo de eso está todo el color que le ha puesto. Nuevamente, las líneas de boceto son por sí mismas. Lo que haré es crear un bloqueo Alpha en la línea de boceto. Yo lo usé tomando dos dedos y deslizando hacia la derecha. Ahora esto, puedo decir que la cerradura Alpha se pone en esto porque tiene como un pequeño tablero de ajedrez. Lo que voy a hacer es entrar aquí y se me cae el color que este morado está aquí abajo y puedo llenar estas áreas donde las líneas tocan el cuerpo. Se puede ver que estoy siendo descuidado cerca del fondo aquí donde se encuentran las piernas. De hecho dibujé accidentalmente como en esa sección. Bueno, todo lo que voy a hacer es que también voy a muestrear sosteniendo los dedos hacia abajo en el color que quiero usar hasta que aparezca ese cuentagotas. Ahora tengo ese color del pie y puedo entrar aquí y puedo decidir exactamente en qué momento quiero que entren estos. No quiero el morado por aquí. Yo lo quiero todo el camino hasta ahí para poder guardar todas esas líneas que Annette ha puesto mucho trabajo en hacer una línea realmente agradable, suave y limpia aquí. Todavía puedo tener líneas completamente limpias ahí mismo. Guardé esa línea bonita, limpia, lisa que y eso sí, pero también la he quitado para que ya no vea los contornos. Ahora, por supuesto, los contornos son totalmente una elección estilística. Si te gustan los contornos negros, puedes guardarlos absolutamente. Otra cosa que podrías hacer es incluso hacer que estos contornos sean del mismo color pero más oscuros. Ahora tengo los contornos del pie ahí mismo. Esto puede ser realmente divertido cuando consigues cosas como rayas en el medio aquí. Podría venir y hacer una franja verde brillante entre todas las rayas aquí mismo. Este puede ser un efecto realmente divertido. A lo mejor quiero hacer algunos de estos naranja aquí. Ahora tengo rayas naranjas en lugar de rayas negras. Esta puede ser una técnica realmente útil para rellenar la línea si quieres guardarla en lugar de volver a dibujarla sobre ella. Celine escribió: “Me pareció un poco difícil con las líneas variables. mí me gustaría tener un punto de enfoque principal, pero como hice las líneas de base las más gruesas, no estoy seguro de que las decoraciones en el globo destaquen lo suficiente. Cualquier consejo que tengas sobre cómo mejorar la imagen sería muy apreciado”. Lo primero que yo diría es que cuando se tiene un boceto, no hay forma de decir cuál va a ser el área dominante de enfoque porque color juega un papel tan enorme en donde se dibuja tu ojo en una imagen. Ahora, tengo toda una clase sobre teoría del color y recomendaría encarecidamente que revisen eso. Pero quiero repasar un par de consejos rápidos aquí. Lo primero que quiero señalar es, acabo de llenar aquí una versión rápida del hermoso globo de Celine. Este no es su color. Puede que no haya elegido estos colores. Podría tener un sabor de color totalmente diferente al que yo. Pero lo que quiero señalar es que si tienes estas líneas gruesas oscuras, un color oscuro, sobre todo si el resto de la imagen es realmente ligera, destaca mucho. Pero si lo haces un color más claro o si lo haces mezclar con el fondo, así que por ejemplo, lo hice igual que una versión más oscura del cielo aquí, entonces realmente se mezcla. No aparece casi tanto, a pesar de que esas líneas son realmente gruesas. Ahora, otra cosa que podrías hacer es que puedes crear algunos puntos de interés más oscuros y contrastados. He hecho estos pequeños adornos aquí arriba. Los he hecho muy oscuros, y así que realmente destacan cuando están en un globo ligero. Si el globo era más oscuro, si todo el globo era de este color más oscuro, podría no sobresalir tanto. Pero aún así, este globo es una porción tan grande de la imagen, el color siendo un color tan notable también va a dibujar tu ojo más al globo y a las decoraciones aquí arriba. Nuevamente, revisaría esa clase de teoría del color para aprender un poco más sobre cómo puedes usar el color para dibujar tu ojo. Creo que tienes algún bonito interés visual por aquí. De nuevo, el color realmente hará un gran impacto si tienes líneas gruesas aquí abajo o no. Espero que eso ayude. Diana ha hecho un trabajo realmente excelente de agregar algunas lindas líneas e interés visual a esta hermosa flor. Lo que realmente me gusta de lo que Diana ha hecho es que le haya agregado tanto líneas gruesas como líneas delgadas, así que tienes algunas lindas líneas gruesas aquí mismo. Entonces tienes unas lindas líneas delgadas justo aquí. Eso es realmente, muy bonito. Otra cosa que me gustó que Diana ha hecho es que ella lo ha hecho de manera muy intencionada. Si miras la imagen original, verás que hay algunos pliegues en las flores justo aquí y aquí mismo, y aquí mismo. Esos pliegues realmente ayudan a indicar que el pétalo se está curvando alrededor. Diana lo ha hecho, agregó que detalles extra en estos pétalos de manera intencional aquí. Realmente parecen que los pétalos se están doblando en sí mismos. Diana ha hecho un gran trabajo no sólo de sumar intereses visuales, sino intereses visuales que tiene sentido, que se vincula con la forma en que originalmente fue esta imagen. También ha hecho algún trabajo hermoso en las hojas sobre del lado izquierdo por aquí. Originalmente, si vamos al original, se puede ver que ha hecho un gran trabajo de crear algunas formas realmente interesantes para empezar, sobre todo para agregar este toque de color. Aquí a pesar de que no golpea toda la hoja, esto es realmente bonito porque eso también crea intereses visuales cuando tienes esta línea aquí, pero luego hay una sección más oscura y hay una sección más clara. Eso apenas implica que la luz o la sombra golpee ese pétalo. Pero también ha vuelto y añade unas líneas realmente bonitas dentro de aquí. Lo que me gusta es que no sólo se ha ido recta y luego recta y recta, ha hecho un gran trabajo de curvar estas líneas para que realmente vuelvan a sentir que la hoja misma se está curvando. Estas líneas curvas realmente ayudan a agregar forma sin siquiera tener que sombrear. Incluso si no hubiera este lado más oscuro del pétalo justo aquí, realmente sentirías que el pétalo se está doblando solo por estas líneas mismas, gran obra Diana. Venu ha hecho una ilustración increíble que estoy tan emocionado de compartir contigo. Esta ilustración ha tenido tanto pensamiento, pero detrás de ella. Si revisas su proyecto, realmente puedes ver la consideración que se pone en el flujo, como esta de aquí es este flujo de esta imagen, y luego incluso esto de aquí por las líneas justo aquí imitan realmente este lado. Ella ha puesto una tonelada de pensamiento increíble, las flores y los detalles, todas las formas y sombreado, todo esto es realmente, realmente increíble. Honestamente lo único que señalaría, y de hecho esta ilustración está totalmente bien como es. Hay un par de cosas que podrías ser capaz de hacer, así que debido a que hay tanto pensamiento asombroso puesto en todas estas flores, puede competir con el punto focal de la ilustración. Hay un par de cosas que podrías hacer potencialmente para aumentar eso. Podrías oscurecer la imagen central aquí lejos de las hojas. Acabo de hacer que esta parte de la ilustración sea un poco más oscura. Lo que he hecho es que he ajustado las curvas y esto es algo que podrías hacerle a toda la imagen. De hecho, así se vería si no viera una imagen completa. Lo que esto hace es que realmente empuja los colores más oscuros para que sean un poco más profundos, y los colores claros también siguen conservando su ligereza. Esto es algo que solo puedes hacer en la computadora, no tienes que volver a dibujar nada en absoluto. Sólo para mostrarte muy rápido cómo hice esto, separé las dos latas y se alejó de las hojas. Entré en este ícono de varita mágica y golpeé las curvas, golpeé la capa, y luego solo agrego un punto justo aquí y lo arrastro por ahí hasta que encuentre un buen punto para que esté aumentando los oscuros de lápiz de color que tienes agregó al mismo tiempo que conserva lo último de las luces. Eso es algo realmente fácil, así que no tienes que preocuparte por redibujar todo este asunto. Otra cosa que podrías hacer es que en realidad podrías agregar más espacio entre las hojas y los personajes. Si fuera a alejarme, realmente puedo decir dónde está el foco de esta ilustración. Ahora bien, si tienes una obra física de arte, no vas a poder alejarte, pero si caminas a 10 pies de distancia y miras tu ilustración, hace el mismo efecto de alejarte. Realmente puedo ver, hey, este es el foco de mi ilustración mientras que el original es mucho más apretado, así que es mucho más difícil ver dónde termina eso. Ahora, una cosa que quiero señalar que Venu le fue muy bien con esto es que evitó lo que se llama tangentes. Ninguna de estas hojas está cruzando frente o tocando incluso al pájaro, o la rama, o la ranura. Viene realmente realmente muy cerca aquí mismo. En ese caso, tal vez quieras borrar esto solo para dar un poco más de espacio para respirar ahí mismo para que realmente puedas ver el borde de la ranura, pero ella no entró aquí y accidentalmente tocó esto porque cuando haces eso, hace más difícil ver la separación entre las piezas de la imagen. Esta es una pieza realmente fenomenal, bien hecha Venu. Taylor ha hecho un trabajo fabuloso con esta ilustración de granero. Me encanta el grosor y la variación de las líneas. Hay algunos que van arriba y abajo y otros que van de lado a lado. Es un trabajo realmente excelente. Yo también por cierto amo a este último. Algo que he notado, Taylor dijo que no sentía que esta pieza estaba bastante terminada. El único motivo por el que se me ocurre es que el granero y la hierba de aquí son colores muy similares, por lo que no hay mucho contraste entre este borde aquí. Ahora hay mucho contraste entre el granero y el cielo, y hay mucho contraste en este lado porque aquí hay este bonito verde saturado oscuro que realmente separa este lado del granero del campo. Ahora, Taylor ha estado haciendo esto realmente locos, increíbles, divertidos mashups de animales, y también dijo: “Oye, esta pieza no se siente terminada”. Lo que hizo fue agregar esta hojas saturadas de color verde oscuro a su alrededor para crear una viñeta. Esto también ayuda a dibujar el ojo hacia adentro hacia el animal. Yo sugeriría tal vez hacer algo similar con esta pieza aquí. Todo lo que tendría que ser es quizá saturar algunas de estas áreas verdes. Podrías saturar el cielo sólo un toque si quisieras. En este ejemplo, también aligeré un poco el granero. Ahora es realmente fácil ver la diferencia entre el granero y el campo. Creo que eso podría ayudar a que esta pieza se sienta un poco más terminada. Ni siquiera tienes que ponerte tan saturado de la hierba si prefieres un look más silenciado, pero incluso el original creo que es fantástico, bien hecho, deberías estar muy orgulloso de esta pieza, Taylor. 18. Mejora tu color: Por lo que acabas de terminar esta clase de dibujo y quieres llevar tu arte al siguiente nivel. ¿ Alguna vez has sentido que sabes qué colores te gustan, pero simplemente no se ven bien juntos? Entonces esta clase es para ti. ¿ Qué separa a los aficionados de los profesionales? Pros entienden la importancia de la teoría del color. Incluso los dibujos más simples pueden verse increíbles con los colores adecuados. Esta clase es una divertida exploración práctica de la teoría del color. Aprenderás a usar el color para dirigir los ojos de las personas y hacer que tus colores salten. Aprenderás a sombrear con color. Te mostraré varias formas de arreglar tus colores cuando simplemente no sientan que están funcionando. Aprenderás a elegir colores evocadores para enfatizar el estado de ánimo que estás tratando de crear. Te compartiré lo que necesitas saber sobre el color en el mundo real, cuando estás imprimiendo y escaneando tu arte, los cinco bloques de tropiezo de color más comunes, y los divertidos trucos que los colores pueden jugar en nuestros ojos. Hay algo tan satisfactorio cuando se juntan los colores correctos. Espero que se unan a mí en esta divertida clase sobre el color.