Técnicas de realización de cine: Ajustes de cámara para narración

1. Presentación de la clase. ¡VAMOS!: Estás en el lugar filmando algunas imágenes épicas. Tienes algunos movimientos enfermos y algunos ajustes de cámara enfermos. Cargar ese metraje, aquí vamos. Es tan granulado, está sobreexpuesto, es naranja, es azul. ¿ A quién bromeas? No eres cineasta, ni siquiera sabes usar tu cámara. No, sacas esa cámara de la basura y das click en este curso. Esta clase parece una locura. Técnicas de cine: Ajustes de cámara para la narración de cuentos. Porque este curso es para ti, el principiante que estaba decidido a aprender lo básico, pero también aprender lo más avanzado también, porque tus ambiciones van más allá del modo auto. Diablos, tal vez quieras hacer esto para ganarte la vida, tal vez te paguen por hacer esto. A lo mejor te pueden pagar por hacer esto. Impresionante. Saca de ella, da click en la primera lección. Aprenderás de Sean, quien tiene más de 10 años de experiencia trabajando como creador de video. Wow, estos tipos tienen suerte. Te enseña lo que significan todas estas extrañas palabras y por qué son importantes para el cine. Bonito. Más importante aún, contar historias. Recoges tu propia cámara y aprendes todo sobre cómo usar estos ajustes manuales. Incluso pruebas algunas de estas teorías en tu teléfono, y la cámara de tu amigo también. Será mejor que le devuelvas eso, lo has tenido desde hace meses. Sigues observando y obtienes conocimientos técnicos sobre la configuración de la cámara, las técnicas de filmación y cómo usarlas para contar tu historia de forma creativa. Wow, wow. Absorbes las técnicas de aprendizaje como una esponja, terminando el curso, volviéndote más confiado en usar tu cámara, creando material de archivo que se vea más cinematográfico, profesional y pulido. Empiezas a darte cuenta. Este material técnico es importante. Me da la libertad de ser creativo y contar historias increíbles. Vuelve ahora y filma esa secuencia que estropeaste la primera vez. Publica tu proyecto en la galería de proyectos y obtén comentarios increíbles. Ahora ya estás listo para asumir más proyectos con todos tus nuevos conocimientos y experiencia. Sí, tú, mi amigo eres impresionante. Impresionante. 2. PROYECTO DE CLASE: Me alegra que hayas elegido tomar mi clase. Empecemos discutiendo nuestro proyecto de clase. Estarás creando una secuencia corta de tomas para contar una mini historia usando el modo manual en tu cámara sin espejo DSLR, o incluso en tu iPhone. A lo que estamos apuntando es una secuencia corta de menos de 30 segundos con tantos o tan pequeños tiros como quisieras. Tu historia podría ser un día en la playa, caminando por el bosque, lo que quieras, solo mantén simple. Tendré más consejos en Lección 19 sobre filmar tu secuencia. Entraré en más detalle en la siguiente lección sobre lo que creo que es una historia. Pero por el bien de este proyecto, cuando uso la palabra “historia”, sólo me refiero a un simple principio, medio y final. No hace falta que cambie la vida. Por ejemplo, podrías hacer algo como esto, una secuencia de tres disparos, o algo más complejo. Aquí la idea es mostrar las técnicas aprendidas después de tomar el curso y aplicarlas a tu secuencia de tomas. También queremos ver las elecciones técnicas que has tomado para lograr tu secuencia de historias. Los puntos de bonificación van para quienes publican sus especificaciones técnicas en cada disparo. Esto podría colocarse dentro de la propia secuencia de disparo con un gráfico o escrito debajo de tu video subido cuando publiques tu proyecto en la galería del proyecto. medida que avanzas por las lecciones, inspírate en lo que aprendes y experimente con las ideas a medida que surgen. Si puedes, mira mientras tienes la cámara en la mano, para que puedas mover los diales y probar la cámara mientras miras y aprendes. Lleva tu cámara contigo lugares después de ver la lección y prueba cada técnica aprendida. Lo más grande que te animaría a hacer es experimentar. No te preocupes por conseguir el tiro perfecto. Simplemente consigue algo en cámara y repite el proceso. Usa tus ideas de historia como tu guía para tus tomas. Si ahora no tienes ninguna idea, estoy seguro que tendrás algunas después de ver más lecciones. Lo que es tan grande de un proyecto como este es que es corto y dulce. Es bajo compromiso y tendrás altas ganancias en aprendizaje y experiencia. Una cosa con la que siempre me complace es que no se desperdicie ninguna oportunidad. Incluso las veces que sientes que, oh, ese disparo fue terrible, podrías entrar y ver tus tiros y ser súper feliz con ellos, o podrías pensar, oh, en realidad, estos son tiros terribles. Pero no estás perdiendo mucho. Podrías simplemente tizarlo como otra experiencia de aprendizaje. Tomaría eso como una palabra de aliento. Si no estás contento con tu trabajo, solo inténtalo de nuevo. Falla rápidamente. Esto forma parte del ciclo de aprendizaje. Lo que necesitarás es el acceso a una cámara. Puede ser una DSLR, cámara sin espejo o iPhone con una aplicación para controlar la configuración manual de video. Cualquier cámara con ajustes manuales le irá bien. Si estás usando un iPhone o un Android, recomiendo cualquiera de las apps que aquí se enumeran. Te permitirán tener un control total sobre tu configuración de video, que nuevamente, es esencial para esta clase. Debido a que hay tantas marcas de cámaras diferentes, esto no va a ser una clase pasando por menús mostrándote dónde están las cosas en los menús, porque es diferente para cada cámara. El objetivo de esta clase es enseñarte a aplicar los ajustes universales y las técnicas de filmación para empezar en cualquier cámara con modo manual. Hay mucho que aprender cuando empiezas a filmar por primera vez con tu cámara. Puede ser un reto porque hay muchos ajustes y funciones en una cámara y todos están interconectados. Entonces si estás alterando una cosa, lo más probable es que vas a afectar otra cosa. Habrá momentos o lecciones completas dedicadas a proporcionar mucha información a la vez sobre un ajuste o técnica de cámara dado. También habrá momentos donde esta información se aplicará a ejemplos prácticos. La información no sólo se mantiene teórica. Durante estos momentos de carga de información, haz lo posible para mantener la calma. Toma notas si es necesario. Hacer preguntas. Es importante entender cómo y por qué funcionan estos ajustes para que tengas control total a la hora de aplicarlos prácticamente a tus proyectos de video. Mi objetivo es enseñarte escenarios cinematográficos, sus usos en situaciones prácticas, y cómo apoyan la historia para que puedas aplicar estos principios a todo tipo de cineastas, desde cortometrajes hasta YouTube e incluso hasta trabajo de cliente pagado. Espero que estés emocionado por empezar. Vámonos. 3. Los ajustes de la cámara y la historia: El objetivo de este curso es tener una comprensión más profunda de tu cámara y cómo utilizar su configuración a través de la teoría y la técnica con el fin de crear grandes imágenes. El motivo por el que aprendemos a usar nuestra cámara al máximo, es para cumplir con el propósito de las historias que elegimos contar. Sabiendo que todas estas lecciones contribuirán a mejor cine te llevará por el curso, y junto con algunos de los contenidos más desafiantes que pueda presentar. Una historia tiene un principio, un medio, y un fin, y tiene la capacidad de conectarse emocionalmente con su público. El propósito de una historia depende de la persona que lo cuenta, y también puede cambiar de acuerdo a la persona que lo interprete. Podrías estar contando una historia a través de la comedia de bocetos para entretener a tu público de YouTube. A lo mejor tu historia es un anuncio corto donde estás tratando de vender un producto, o tal vez estás tratando de persuadir a alguien para que reconsidere sus pensamientos sobre algo con un video ensayo sobre un tema determinado. Sean cuales sean los objetivos de tu historia, el objetivo es conectarte emocionalmente. A lo mejor haces reír, llorar, o hacerlos enojar, y al final de una historia exitosa, podría persuadir al espectador para que tome acción, para hacer un cambio, para comprar un producto, o para que se sienta bien momento que alivia su día. Mira hacia abajo. Volver arriba. ¿ Dónde estás? Estás en un barco. Sé que soy uno de los muchos influenciados por los comerciales de Old Spice. Me hicieron reír y pensar lo genial que era el marketing, y cuando lo veo en la tienda, honestamente, elijo comprarlo a pesar de que conozco el marketing detrás de él. Yo estoy en un caballo. No todos los anuncios o películas se conectan con éxito a su público. El fracaso es parte del proceso. Pero es bueno saber a qué pretendemos, que es una conexión con el público. Cómo elegimos filmar algo cambia drásticamente la forma y el público interpreta su significado e intenciones. Hay muchos elementos que entran en la narración, incluyendo la historia misma. En este curso, nos estamos enfocando en una parte pequeña pero importante de hacer películas en cámaras con modo manual aprendiendo sobre la configuración de la cámara y las técnicas de filmación y cómo ayudan a filmar las historias que quieres contar. Tu siguiente objetivo es empezar a pensar en qué historias quieres contar. ¿ Cómo quieres afectar a tu público? ¿ Quieres inspirar? ¿ Crear curiosidad? Hacer reír a la gente? Decidir sobre intenciones simples como estas es una gran manera de crear propósito para tu proyecto. Si estás luchando para encontrar una intención, mira el contenido que estás viendo en este momento. ¿ Cómo te golpea ese contenido? Después de verlo, ¿te sientes feliz? A lo mejor lloras. A lo mejor estás inspirado. Esto es una locura. Si evoca alguna emoción dentro de ti, entonces se conectó emocionalmente con éxito. Dependiendo de cómo te haga pensar o sentir después, es una buena señal en cuanto a cuál fue la intención del cineasta. Todo lo que estoy ofreciendo es la verdad, nada más. Recuerdo que después de ver la Matrix por primera vez, me volé, y me inspiré a pensar profundamente en las cosas. Podría sonar cursi, pero en su momento su historia me ayudó a pensar a través problemas con los que estaba lidiando de una manera diferente. Si estuviera enfrentando algo desafiante en la vida, simplemente encendería una Matrix y la observaría, solo una zona fuera. Ya he visto la película más de 30 veces y es sólo una película importante para mí. A lo mejor hay una idea arrastrándose en la que quieres probar. Podrás probar ideas a medida que aprendes nuevos conceptos y técnicas. Para cuando termines con todas las lecciones, tienes más técnicas y conocimientos para respaldar las historias que quieres contar. Recuerda, la razón por la que aprendemos los entresijos técnicos de nuestra configuración de cámara y técnicas de filmación es para narración más efectiva ayude a amplificar los puntos previstos de una historia e impactar en gran medida a su audiencia. Para recapitular. Una historia tiene un principio, un medio, y un fin, y conecta emocionalmente con su público. Averigua cuáles son las intenciones de tu historia para sus espectadores. ¿ Es para inspirar, para reír, para llorar? Esto te ayudará a lograr las metas que tienes en tu proyecto. Aprendemos técnica y ajustes de cámara para que podamos contar historias más efectivas. Esta es una pequeña porción del cine, pero una muy importante de entender con el fin de obtener una imagen de aspecto adecuado para empezar. En la siguiente lección, vamos a aprender sobre la apertura. 4. Apertura: Una parte importante de contar historias efectivas es tener el control total de tu cámara. Empecemos con apertura, una función importante al exponer adecuadamente una imagen y ajustar su profundidad de campo. El apertura es el mecanismo de apertura en una lente el cual permite que la luz llegue a un sensor de cámara. Si miras a esta lente, puedes ver que el orificio de la cámara está conformado por estas cuchillas de apertura. Pueden hacer que el agujero sea más grande o más pequeño. Esta apertura se mide en f-stops. Cuanto más grande es el número f, más pequeño es el agujero o menos luz se deja entrar, y cuanto más pequeño es el número f, más grande es el agujero y más luz se deja entrar. Nuestros ojos actúan muy parecidos a una abertura de lente. Nuestras pupilas se encogen para dejar entrar menos luz o dilatar para permitir que entre más luz dependiendo de nuestro entorno. Abrir y cerrar la abertura es una forma de alterar la exposición de una imagen. Apertura también determina algo llamado profundidad de campo, que es la porción entre los elementos más lejanos y más cercanos de lo que ve la cámara, que se consideraría en foco. Si pongo mi abertura en un número f bajo, el agujero en la lente se abre y tiene lo que se llama una profundidad de campo superficial. Al abrir la abertura, la profundidad de campo se contrae, menos de mi disparo está en foco, por lo que ahora es más fácil ver la profundidad de campo. Ahora para ilustrar esto de una manera diferente, si miras la configuración que tengo aquí, he colocado mi cámara en un deslizador. A esta profundidad de campo poco profunda, si deslice mi cámara desde la parte posterior del deslizador hacia el frente, se puede ver claramente toda la profundidad de campo moviéndose junto con la posición de las cámaras. Si pongo mi abertura en un número f alto, el agujero en la lente se vuelve más pequeño y se logra una gran profundidad de campo. El bokeh o bokeh de una imagen también se ve afectado por la apertura. Bokeh es en realidad una palabra japonesa que literalmente se traduce como desenfoque o neblina. Bokeh es todas las porciones fuera de foco de una imagen. Diferentes lentes juegan bokeh de diferente calidad. Se puede usar sutilmente o con un efecto más dramático. Mira, sé que se trata de mucha información que has tomado, así que he incluido una hoja de tramposos en el panel de recursos, imprimiéndolos o tenerlos guardados como imágenes en tu teléfono para que puedas referírselos mientras grabas según sea necesario. De acuerdo, esto lleva tiempo y practica. Sé amable contigo mismo. Para resumir, la apertura es el mecanismo en la parte posterior de la lente que se utiliza para iluminar u oscurecer una imagen, y también se utiliza para determinar cuánto de una imagen está enfocada. Recuerda, cuanto más pequeño sea el f-stop, más amplia se abrirá la abertura permitiendo que pase más luz y tenga menos profundidad de campo. Cuanto menor sea la abertura, menos luz pasa a través, y mayor será la profundidad de campo. El apertura también crea bokeh, que es todas las partes de una imagen que están fuera de foco. Cuanto menor sea la apertura, más bokeh estará presente en tu tiro. Si aumenta su apertura, el bokeh se volverá menos perceptible. En la siguiente lección, vamos a aprender más sobre lo que afecta la profundidad de campo. 5. Qué afecta la profundidad de campo: La profundidad de campo es un rasgo único que se ve fuertemente afectado por la apertura. Pero hay algunos otros factores que controlan la profundidad de campo, y entender estos factores no sólo le dará una comprensión más profunda de su cámara, sino que también tendrá más control sobre la profundidad de una imagen. En la última lección, discutimos cómo la apertura afecta la profundidad de campo. Cuanto mayor sea la abertura, menor será la profundidad de campo. Cuanto menor sea la abertura, mayor será la profundidad de campo. Existen otros tres factores que controlan la profundidad de campo. El largo de una lente también afecta la profundidad de campo. Si abriera la abertura a F2.8, podría esperar que la profundidad de campo se volviera más superficial, por lo que aprendimos en la lección anterior. En su mayor parte, esto es cierto. Pero al filmar en el lado más ancho de, digamos una lente 24-70 mil, si abro el F-stop a F2.8, verán que, en este disparo gran parte de la escena aparece en foco. Esto se debe a que cuanto más ancha sea la lente, más profundidad de campo mantenemos. No obstante, si acerco a 70 mil, notarás que el disparo se vuelve más comprimido. El primer plano y los elementos de fondo se aprietan juntos, apareciendo más cerca el uno del otro. También se comprime la profundidad de campo. A longitudes de lente más largas, se logra una profundidad de campo menor. La distancia de enfoque también tiene un efecto en la profundidad de campo. Centrarse en un sujeto cuando está cerca de la cámara proporciona una profundidad de campo más superficial. Centrarse en el mismo tema más lejos crea una mayor profundidad de campo. El tamaño del sensor de la cámara también afecta la profundidad de campo. Estoy simplificando un poco esto, pero no creo que las especificaciones técnicas de un sensor sean enormemente importantes. Todo lo que realmente necesitas saber es esto. Típicamente, cuanto más pequeño es el sensor de la cámara, mayor es la profundidad de campo. Cuanto mayor sea el tamaño del sensor, menor será la profundidad de campo. Es por ello que tantos cineastas quieren una cámara de fotograma completo, porque el sensor más grande proporciona una profundidad de campo menor, que mucha gente considera cinematográfica. Si estás trabajando con una cámara que tiene un sensor más pequeño, pero quieres una profundidad de campo poco profunda, puedes compensarlo usando las otras dos cosas que afectan la profundidad de campo, lo que está aumentando la longitud de tu lente, o acercar a tu sujeto a la cámara. profundidad de campo tiene muchas variables, y entender cómo cada uno de estos factores afecta la profundidad de campo, le permitirá mantener el control de diferentes situaciones de filmación con una variedad de engranajes. Para recapitular, cuanto más larga sea la lente, menor será la profundidad de campo. Cuanto más ancha sea la lente, mayor será la profundidad de campo. Cuanto más cerca sea la distancia de enfoque, menor será la profundidad de campo. Cuanto más lejos sea la distancia de enfoque, mayor será la profundidad de campo. Un tamaño de sensor de cámara grande da una menor profundidad de campo. En tanto que un tamaño de sensor más pequeño da una mayor profundidad de campo. En la siguiente lección, discutiremos los muchos usos prácticos de apertura y profundidad de campo. 6. Apertura y profundidad de campo: aplicación práctica: En la última lección, discutimos qué son la apertura y profundidad de campo y cómo afectan a una imagen. Pero, ¿cómo eliges una abertura, y cuándo controlarías la profundidad de campo y cómo ayudan estos ajustes con la narración de cuentos? Averigüemos. Desde el punto de vista de la narración, la profundidad de campo tiene un gran impacto en cómo un público interpreta una imagen. Como narradores dentro del cine, controlar la profundidad del disparo es una gran manera de guiar el ojo del espectador. Cuando se utiliza una profundidad de campo poco profunda, el ojo se dibuja hacia una porción muy pequeña del marco. Puedes usar este enfoque poco profundo para enfatizar un importante punto de trama en la historia. La poca profundidad de campo también puede llamar atención sobre la emoción o el mundo interior de un personaje. Un espesor de buen gusto en. Oh Dios mío, incluso tiene una marca de agua. También puedes usar una profundidad de campo poco profunda para guiar el ojo del espectador de un sujeto a otro. Al igual que en la secuencia de Young Victoria, se puede ver la profundidad de campo desplazándose a través de cada uno de estos disparos. Los tiros y el foco son cuidadosamente coreografiados con los movimientos de los actores, los asientes, el giro de cabezas. Tenemos la sensación de que todos están metidos en algo. La profundidad del campo y su movimiento, ayuda a ilustrar esto. Aquí tienes una de mis escenas favoritas de Whiplash. El enfoque poco profundo guía al ojo a puntos importantes de la historia. Cómo el protagonista, Andrew, ha derramado sangre, sudor y lágrimas. Literalmente, se puede ver la sangre y el sudor en los símbolos, sus manos, su cabeza, es increíble. La locura cantidad de enfoque en los instrumentos e incluso sólo en las partes de los instrumentos mismos, realmente me comunica que todo se trata de la música. Está dispuesto a sacrificar todo por la música. Una mayor profundidad de campo permite al espectador elegir qué mirar y puede crear contexto para una escena al incluir más de la toma y el enfoque. Disparos de enfoque profundo como en este, de Children Of Men, nos permite ver gran parte del mundo y su entorno en foco. La gran profundidad nos ayuda a captar el ambiente, y también nos permite experimentar el impacto de esta explosión, tanto visual como emocionalmente. También, vemos en esta escena desde Austin Powers, la mayor profundidad de campo ayuda a vender la comedia. Si el fondo de esta escena se difuminara, no tendría el mismo efecto. En la película, Full Metal Jacket, podemos ver la mayoría del marco está en detalle, incluyendo a todos los soldados. Esto da un sentido de igualdad que importa todo soldado en el marco. Aun cuando un personaje es más prominente en el cuadro, los soldados de fondo siguen enfocados. Dependiendo del contexto de una escena o historia, apertura se puede utilizar para dirigir el ojo del espectador, ayudándolo a enfocarse en aspectos importantes de la historia y el carácter. Por lo que es genial pensar en qué historia estás contando y usarla como tu guía para elegir qué apertura usar. También es importante señalar que en diferentes situaciones de filmación y con diferentes presupuestos y engranajes, cambio de apertura diferirá. En una situación donde hay un equipo, un foco polar, un camión de luces, entonces tienes mucho más control sobre tu iluminación, que puedas elegir la mejor abertura para tu historia. Cuando eres un equipo de un solo hombre filmando una boda con tu cámara sin espejo en un presupuesto, la iluminación y la configuración cambian drásticamente, y se vuelve muy difícil mantener una apertura y profundidad de campo consistentes a través de tu tomas en una escena. En mi experiencia personal, intento usar la apertura para la historia primero. No obstante, si estoy limitado por el engranaje, hay situaciones en las que tengo que hacer compromisos. Si puedo, también pienso en filmar en una apertura consistente a lo largo de una escena para tener una calidad de imagen similar, a lo largo de las tomas de una escena. En ocasiones, elegir aperturas es puramente práctico o basado en limitaciones de engranajes. Me muevo entre elegir aperturas dependiendo de la situación. Yo sí pienso en la historia, y sí pienso en dónde quiero que mire el espectador. Pero si estoy en una habitación con poca luz, voy a abrir esa abertura lo más amplia posible a F2.8 o 1.4 para que la cámara se exponga adecuadamente. O digamos, estoy en un gimbal donde está sucediendo mucho movimiento. A menos que haya una buena razón para que dispare con poca profundidad de campo, no voy a hacer eso. Voy a mover mi abertura hacia arriba hasta 5.6 o F8 para que más esté en foco. Es más fácil establecer mi enfoque en un tema y mantener ese sujeto en foco con mayor profundidad de campo. Por lo que existen razones prácticas para elegir la apertura también. Si estoy en una situación en la que tengo control sobre la luz, pensaré en lo que quiero que mire el público. Digamos, en un entorno de entrevista, quiero que el espectador se concentre en el entrevistado. No quiero distraer al espectador poniendo todo en foco, pero tampoco necesariamente quiero disparar a una abertura tan baja para que solo una astilla del sujeto esté enfocada. Si avanzan para hacer un punto, o se inclinan hacia atrás para pensar, van a sumergirse dentro y fuera de foco y esto sólo va a ser distraer para el espectador. Pero por supuesto, hay excepciones a esto. Hay un baile entre apuntar a usar una abertura para ayudar en tu narración y usarla por razones prácticas. Para recapitular, en esta lección hemos aprendido acerca de cómo usar la abertura para ayudar en la historia que estás contando. Enfoque superficial llama la atención sobre los puntos de trama y el mundo interior de los personajes. enfoque más profundo llama la atención sobre el mundo exterior y nuestro entorno. También podemos utilizar la apertura y profundidad de campo para mantener enfoque crítico y exponer una imagen adecuadamente. En última instancia, utilizamos la apertura y profundidad de campo para guiar el ojo del espectador. En la siguiente lección, vamos a discutir ISO. 7. ISO: “ Es granulado, tan granulado”. Tener un conocimiento profundo de ISO nos ayudará a elegir la configuración ISO adecuada para sacar el máximo provecho de nuestro sensor de cámaras. Antes de tener nuestras DSLR de lujo, cámaras sin espejo y teléfonos inteligentes, el cine era la única forma de capturar una imagen en movimiento. Una tira de película está recubierta con químicos que reaccionan a la luz, y la rapidez con la que puede reaccionar a una determinada cantidad de luz, está determinada por la velocidad de la película o ISO. Cuanto mayor sea el ISO, más rápida será la reacción. Cuanto menor sea el ISO, más lenta será la reacción. ISO, la Organización Internacional de Normalización, desarrolla y publica normas internacionales. Velocidad cinematográfica siendo uno de ellos. Muchas personas usan el término ISO al referirse a la sensibilidad de la cámara o la velocidad de la película, y esto es en realidad incorrecto. El motivo por el que no se pronuncia ISO, es porque es un acrónimo, y debido a que la Organización Internacional de Normalización tendría diferentes acrónimos en diferentes idiomas, decidieron pronunciarlo ISO, que se deriva del griego “isos”, que significa igual. Pero he sido adoctrinado con decir ISO, y mucha gente no sabe esta información, y no te juzgará por decir ISO. Para mí es un hábito, y así es como lo veo por ahora, pero prometo que intentaré arreglar esto para futuros cursos. El film en una cámara digital es el sensor. ISO sobre película nos ayuda a entender cómo afecta la ISO a una imagen en las cámaras digitales. Pero es importante señalar que no funcionan del todo igual. Aquí está el descargo de responsabilidad. No soy un experto técnico en sensores de cámara e ISO. Echa un vistazo a los enlaces en las notas a continuación, si quieres bajar por el agujero de conejo que es ISO. Por ahora, sólo voy a hacer mi mejor esfuerzo para conseguirte lo básico. ISO en cámaras digitales afecta a cuatro cosas. El brillo de una imagen expuesta, el ruido en una imagen, rango dinámico y la precisión del color. Cuanto menor sea el ISO, más oscura será una imagen expuesta. Cuanto mayor sea el ISO, más brillante será una imagen expuesta. ISO también afecta el ruido producido en una cámara digital. Por lo general, cuanto menor sea el ISO, menos ruido general, y cuanto mayor sea el ISO, empezarás a ver más ruido en general. ruido más alto también puede causar lo que se llama ruido de crominancia, y eso aparece como píxeles de color. ISO también afecta el rango dinámico. Rango dinámico es cómo una cámara graba las partes más brillantes y oscuras de una imagen. En una toma como esta, por ejemplo, donde quieres capturar las hojas de este árbol y del cielo al mismo tiempo, vas a estar limitado por el rango dinámico de la cámara. O podemos capturar los detalles del árbol y sus hojas, volando el cielo, o podemos subexponer el árbol y sus hojas, y mantener los detalles en el cielo. En cámaras con alto rango dinámico, tienes una mayor capacidad para grabar los detalles dentro de sombras y reflejos. Por lo general, queremos capturar tanto detalle como sea posible. Un ISO menor da un mayor rango dinámico, y un ISO mayor, un rango dinámico menor. ISOs superiores también afectan la precisión del color. En las ISOs inferiores, los colores son más precisos. Una vez que hayas empujado el ISO a alto, en cierto punto, verás que los colores están empezando a desmoronarse. Los colores se vuelven más pálidos e inexactos en general. A lo largo de las ISO inferiores, los cambios de color son bastante sutiles. Una vez que alcanzas cierto ISO es muy notable. Asegúrate de mantener esos ISO abajo, y recuerda, cada cámara es diferente, y renderizará el ruido y los colores de manera diferente, aunque estén en el mismo ISO. Recapitulemos esta lección. Cuanto menor sea el ISO, más oscura será la imagen, produciendo menos ruido, y ofreciendo típicamente el mayor rango dinámico, junto con una mejor precisión del color. Cuanto mayor sea el ISO, más brillante será la imagen, produciendo más ruido, y menos rango dinámico, con una precisión de color reducida. En la siguiente lección, discutiremos cómo usar ISO en situaciones reales de filmación. 8. ISO: aplicación práctica: Discutamos cómo aplicar prácticamente ISO a una variedad de situaciones de filmación. ¿ Cómo elijo a qué ISO disparar? Bueno, porque las cámaras digitales no se renderizan en el ruido más bonito, tiendo a apuntar a conseguir la imagen más limpia posible. Eso generalmente significa filmar en la configuración ISO más baja que ofrece una cámara. También apunto al mayor rango dinámico, y la forma de hacerlo es filmar en el ISO nativo de tu cámara. Al filmar en ISO nativo, no se requiere que la cámara aumente el voltaje al sensor. Por lo general, aquí es donde el sensor de la cámara funciona mejor. Cada cámara tiene diferentes ISOS nativos y renderiza el ruido de manera diferente, por lo que puede volverse un poco abrumador. Podría requerir que busques en línea para encontrar el ISO nativo de tu cámara. Para simplificar las cosas, en el mejor de los casos, intenta apegarte a disparar en el ISO nativo de tu cámara. De lo contrario, te recomendaría disparar a la ISO más baja tu cámara puede ir. En entornos más brillantes, será mucho más fácil mantener bajo tu ISO. Pero disparando en ubicaciones de atenuación, te encontrarás incrementando tu ISO. Cada cámara es diferente cuando se trata de ISO. algunos son más sensibles que otros. Esto significa que en ISO más altos, es posible que obtienes mucho ruido en las sombras, y es importante entender los límites de tu cámara. Prueba esto. Encuentra una tela negra y una película en un espacio con poca luz. Sube tu ISO hasta que empieces a ver ruido en la tela. Una vez que descubras hasta dónde puedes empujar el ISO de tu cámara y aún así obtener una imagen limpia, toma nota de ese ISO y apunta a filmar por debajo de ese punto. Recapitulemos. Tanto las ISOs altas como las ISOs bajas tienen sus pros y sus contras. Para simplificar las cosas, dispara al ISO nativo de tu cámara o apégate a ISO base. Cada cámara tiene diferentes capacidades de poca luz, y con una mejor tecnología, cada vez es más fácil grabar una imagen limpia. Es posible que tengas que probar tu cámara en ISOS más altos para determinar qué cantidad de ruido es aceptable para ti. Intenta trabajar en un rango ISO por debajo de esa marca. Antes de aprender sobre la velocidad de obturación, vamos a discutir las tasas de fotogramas, a continuación. 9. Velocidades de cuadro: Todo una película es son imágenes individuales parpadeando frente nuestros ojos a una velocidad determinada que se llama la velocidad de fotogramas. Cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas, más suave será el movimiento. Hay una serie de velocidades de fotogramas estándar entre las que elegir. Veinticuatro fotogramas por segundo es el estándar cinematográfico para el cine, y la mayoría de las películas que se ven en la pantalla grande se rodan a 24 fotogramas por segundo. El motivo de esto fue para mantener los costos más razonables. A 24 fotogramas por segundo, obtienes una velocidad de fotogramas lo suficientemente rápida como para crear movimiento fluido a la vista mientras mantiene bajos los costos de stock de película. Estamos acostumbrados a ver 24 cuadros por segundo, así que al ver cualquier otra frecuencia de fotogramas en los cines, simplemente es raro. Recuerdo ver El Hobbit en cines que se proyectó a 48 cuadros por segundo y lo odiaba. Ya que vemos cosas que son cinematográficas a 24 fotogramas por segundo, si prefieres un look más fílmico, te recomiendo filmar a 24 fotogramas por segundo. Treinta fotogramas por segundo es el estándar de difusión para la televisión en América del Norte llamado NTSC. Veinticinco FPS es el estándar de difusión para la televisión en países europeos y de Medio Oriente con dos tipos diferentes de formatos llamados PAL y SECAM. Estos formatos todavía se utilizan hoy en día, pesar de que los televisores en la actualidad pueden pasar por encima de estas limitaciones de la frecuencia Además, tenemos streaming, YouTube, Twitch, Netflix, que no están limitados por NTSC, PAL o SECAM, y no necesariamente están reproduciendo a 25 o 30 fotogramas por segundo. Si estás filmando noticias o disparando principalmente para su transmisión, lo más probable es que estés filmando en 25 o 30 fotogramas por segundo para encajar dentro de los estándares de radiodifusión. También se utilizan sesenta cuadros por segundo para difusión, deportes en particular. Obtienes movimiento suave y esto tiene sentido porque los deportes se mueven rápidamente y quieres poder capturar y ver toda la acción. YouTube y Twitch también tienen algunos videos para su reproducción a esta velocidad de fotogramas, y son más comúnmente utilizados para videojuegos. Admito que esta es una explicación muy simplista de diferentes velocidades de fotogramas, pero si estás produciendo contenido en línea, tienes mucha flexibilidad en qué velocidades de fotogramas elegir para filmar y elegir la salida, también. Siempre tienes la opción de convertir las tasas de fotogramas y publicar. Esto tiene mucho más matiz, por lo que si estás produciendo proyectos para puntos de venta específicos como transmisiones y otros proveedores a la carta, necesitas estar buscando en los requisitos técnicos antes de comenzar a filmar. Si quieres enfatizar o llamar la atención sobre el movimiento, aquí es donde disparar a velocidades de fotogramas más altas como 60, 120, 240, y más allá son grandes opciones. Al filmar a 60 fotogramas por segundo y conformarse a 24 fotogramas por segundo de reproducción, estás ralentizando el metraje en dos veces y media. Si filmas a 120 fotogramas por segundo y conformas tu metraje para reproducirse a 24 fotogramas por segundo, tu metraje se está ralentizando ocho veces. Este tipo de cámara lenta agrega drama a un tiro. Mejora ciertos momentos de acción o trae claridad y atención a un movimiento. También puede crear una sensación de ensueño al metraje. La cámara lenta es una gran manera de llamar la atención sobre puntos de historia o momentos impactantes en el viaje de un personaje. Esto no quiere decir que filmara todo en cámara lenta. Algunos proyectos no incluyen un solo disparo a cámara lenta, pero algunos proyectos que filmaría incluyen 24, 30, 60 y 120 fotogramas por segundo. Algunos son enteramente a cámara lenta. Pregúntate esto, ¿ralentizar el derribado se adapta a la historia que estoy contando? ¿ Este momento, disparo, o secuencia realmente se beneficiaría de esto? Otro propósito para usar cámara lenta es cuando se filma de mano. Si estás haciendo algún tipo de movimiento con la cámara y necesitas más estabilidad, entonces disparar a una velocidad de fotogramas más alta y ralentizarlo en postes realmente suavizará bastante la cámara temblorosa. Para los efectos de este proyecto de clase, recomendaría apegarse a reproducir su metraje a 24 fotogramas por segundo para un look cinematográfico al tiempo que permite opciones para cámara lenta. En última instancia, depende de ti decidir qué velocidad de fotogramas es la mejor para tu proyecto. Para recapitular, 24 fotogramas por segundo es el estándar cinematográfico, 25 fotogramas por segundo es el estándar de difusión para los países de Europa y Oriente Medio, 30 fotogramas por segundo es el estándar de difusión para América del Norte. La cámara lenta se puede utilizar para suavizar las tomas de mano temblorosas. Usa cámara lenta para agregar impacto a tu historia, pero asegúrate de que sirva a la historia que estás contando primero. En la siguiente lección, hablaremos de la velocidad de obturación. 10. Velocidad de obturación: La velocidad de obturación junto con la apertura, contribuye a la exposición de una imagen, pero también controla el desenfoque de movimiento. El obturador es una cortina mecánica que cubre el sensor de la cámara. Cuanto más tiempo esté abierto el obturador, más tiempo estará el sensor de la cámara exponiendo la imagen, haciéndola más brillante. Una velocidad de obturación más rápida da como resultado que menos luz pase y que el sensor exponga la imagen por menos tiempo, haciéndola más oscura. El único que controla la velocidad del obturador es la forma en que una cámara captura el movimiento. Cuando el obturador esté abierto durante más tiempo, los sujetos en movimiento se difuminarán en la imagen final. Cuanto menos tiempo esté abierto el obturador, menos desenfoque de movimiento obtendrá con los objetos en movimiento. Porque estamos grabando video en cámaras digitales y no imágenes para este curso, quiero explicar cómo funciona la velocidad de obturación en cine tradicionales y algunas cámaras de cine digital de gama alta. Una nota lateral son DSLR, persianas de cámara sin espejo no funcionan de esta manera. Implementan un obturador electrónico que enciende y apaga el sensor de la cámara. Si grabo video en mi Sony, se puede ver que nada está pasando mecánicamente con la velocidad de obturación. Todo es electrónico. No lo puedes ver. Pero para entender mejor la velocidad del obturador para el video, vamos a sumergirnos en cómo filmaron película antes de que lo digital fuera una cosa. En las cámaras de imagen en movimiento, el mecanismo de obturación se llama obturador de disco rotativo. Se ve así. El modo en que trabajan es girando frente a una puerta de película de cámaras de cine exponiendo la película basada en el ángulo del obturador. A medida que la película se mueve más allá de la puerta de la película, el obturador gira, permitiendo pasar una cierta cantidad de luz para cada fotograma de película. El obturador puede operar en diferentes ángulos. Cuanto más ancho sea el ángulo, más desenfoque de movimiento. Cuanto menor sea el ángulo, menos desenfoque de movimiento. Esto se debe a que con un ángulo más amplio, la película está siendo expuesta a la luz en movimiento por un periodo de tiempo más largo. Un ángulo más corto equivale a un tiempo de exposición más corto. cine típicamente rodaría a un ángulo de obturación de 180 grados, y ahora como estamos acostumbrados a ese tipo de movimiento, nos parece lo más natural. O en otras palabras, si quieres que tus videos parezcan película, dispara a un ángulo de obturación de 180 grados. En cualquier proyecto en el que trabaje, seguiré mayormente esta regla de filmar a un ángulo de obturación de 180 grados. Con la mayoría de las cámaras DSLR y sin espejo, la velocidad del obturador se registra en fracciones de segundos. Si quiero replicar el desenfoque de movimiento fílmico o obtener un ángulo de obturación de 180 grados en una cámara digital. La regla es establecer tu velocidad de obturación para duplicar la velocidad de fotogramas. También están estas ingeniosas calculadoras de ángulo de obturación para velocidad de obturación que convierten para ti. Si estoy disparando a 24 fotogramas por segundo, y quiero desenfoque de movimiento fílmico a un obturador de 180 grados, ajustaría mi velocidad de obturación a 148 de segundo. Está bien. Pero a mi cámara no le hace el 148 de segundo. Bueno, entonces lo pones a 150th de segundo, que es la opción más cercana a duplicar tu velocidad de fotogramas. Si querías disparar a 30 cuadros por segundo. Sigue la regla de duplicación y configura tu velocidad de obturación a 160 de segundo. Ve que quieres disparar a 60 cuadros por segundo y ponerlo en, sí, lo has adivinado 120th de segundo. Normalmente filmo todo en un ángulo de obturación de 180 grados. No obstante, no siempre es necesario seguir estas reglas. Pero solo recuerda que te darán resultados que se sentirán más cinematográficos. Para recapitular esta lección, la velocidad de obturación es otra herramienta para exponer la imagen. Cuanto más tiempo esté abierto el obturador, más luz entra, y cuanto mayor es el desenfoque de movimiento, más corto se abre el obturador, menos luz entra y menos desenfoque de movimiento se captura. Te recomiendo que te pegues a la regla de obturación de tu obturador siendo el doble de la cantidad de tu velocidad de fotogramas para que obtengas desenfoque de movimiento cinematográfico. En la siguiente lección, veremos aplicaciones prácticas para la velocidad de obturación. 11. Velocidad de obturación: aplicación práctica: Después de la última lección, podría estar pensando, si filmar en ángulo de obturación de 180 grados resulta en desenfoque de movimiento fílmico, entonces ¿por qué no disparar en ángulo de obturación de 180 grados todo el tiempo? Bueno, la mayoría de las veces esto es genial, pero hay momentos que podrían llamar a velocidades de obturación más altas o más bajas. En la mayoría de los casos, se prefiere filmar en ángulo de obturación de 180 grados. Desde un punto de vista narrativo, la mayoría de las películas utilizan un obturador de 180 grados. Hay momentos en los que se prefiere disparar con un ángulo más alto o más bajo. Si optas por utilizar un ángulo de obturación más alto, obtienes más desenfoque de movimiento. En algunas películas, podría crear una mirada de ensueño o algo dramática, como en la película Gladiador durante esta escena de lucha. El director, Michael Mann, utiliza también un obturador más lento. No estoy exactamente seguro de por qué. Podría ser porque filma muchas escenas nocturnas con poca luz para aumentar la exposición. Me he dado cuenta de que a algunas personas les gusta mucho y a otras no. Se trata de un uso sutil del efecto que podría ser la razón por la que pasa en gran medida desapercibido. Se puede ver al pausar algunos de los movimientos que el desenfoque de movimiento es más notable que un típico ángulo de obturación de 180 grados. Vamos a retocar eso y detenernos. Mira el desenfoque de movimiento aquí. Este efecto también se utiliza en escenas para emular una sensación drogada. Me había saltado la fase de enredo y fui directo a la fase dual. Permitiendo al espectador ver lo que está experimentando el personaje. Este efecto es realmente genial. Pero una vez que lo has filmado con esa velocidad de obturación, todo tiene esa cualidad de desenfoque de movimiento, y es irreversible. Es por eso que prefiero no usar esas persianas. Si de verdad quería, siempre puedo añadir más desenfoque de movimiento o efectos de estator y post. Tener flexibilidad es más importante para mí que hornear en el look de obturador lento. Donde creo que realmente brilla un obturador más lento es cuando se usa una fotografía de lapso de tiempo. Dado que estás tomando una fotografía y no estás limitado por las velocidades de fotogramas, puedes ralentizar el obturador más allá de 1/124 de segundo y exponer durante algo así como un segundo y obtener algunos increíbles senderos de desenfoque de movimiento. Si filmas con un ángulo de obturación inferior, obtienes menos desenfoque de movimiento, lo que resulta en un aspecto hiper-real, y eres capaz de ver los detalles de los objetos en movimiento y una imagen mucho más clara. Mucha gente se mezcla esto con una imagen de aspecto más nítida. No obtienes una imagen más nítida al filmar a una velocidad de obturación más alta. No es más afilado. Simplemente hay menos desenfoque de movimiento que te permite ver los detalles de los objetos en movimiento. Podrías decidir usar una mayor velocidad de obturación para momentos en los que quieras aportar claridad a los objetos que se mueven más rápidamente o tal vez estés filmando una secuencia de acción donde quieras menos desenfoque de movimiento para mejorar la acción. Un obturador más alto también puede aportar claridad a puntos de una historia y puede mejorar el estado emocional actual de un personaje. Ahorro El soldado Ryan es conocido por su uso de un ángulo de obturación más pequeño. El director de fotografía, Janusz Kaminski, menciona en entrevista que usar un ángulo de obturación de 45 grados le permitió obtener una mirada staccato con los movimientos de los actores. Dijo que había una crujiente a las explosiones, y también dice que le dio una mirada un poco más realista. El uso de la velocidad de obturación debe ser determinado por tu historia primero. Dicho esto, aumentar o disminuir la velocidad de obturación cantidades mínimas no afectará realmente el desenfoque general del movimiento al I. perceptible Si decides usar eso por razones de exposición, eso está totalmente bien. Otra buena razón para ajustar tu velocidad de obturación es cuando encuentras parpadeo. Muchas lámparas, luces fluorescentes, monitores de computadora, etc., pueden funcionar a una frecuencia diferente a nuestra velocidad de obturación. La solución simple para parpadeo es ajustar tu velocidad de obturación hasta que ya no veas parpadeo. Yo diría que en su mayoría filmo usando un ángulo de obturación de 180 grados. Puede que haya momentos en que voy a subir la velocidad del obturador para reducir el desenfoque de movimiento y aumentar el detalle de los objetos en movimiento, y sobre todo durante los disparos a cámara lenta. Supongo que después de esta lección, debería intentar cambiar un poco las cosas y experimentar con algunos tipos diferentes de desenfoque de movimiento. Recapitulemos. Una velocidad de obturación más lenta aumenta el desenfoque de movimiento lo que puede dar una sensación soñadora, dramática , o incluso drogada, como ver una imagen en cámara lenta y rápida al mismo tiempo. Un obturador más rápido disminuye el desenfoque de movimiento, lo que puede crear un aspecto más realista y puede dar una vista más detallada de los objetos que se mueven rápidamente. Si sí te encuentras en una situación de parpadeo, intenta ajustar tu velocidad de obturación hasta que no veas ninguna, o hay muy poco de ella. En su mayor parte, puedes filmar usando un ángulo de obturación de 180 grados. Si optas por aumentar o disminuir drásticamente el ángulo de obturación, asegúrate de que sirva a la historia que estás contando. En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo exponer adecuadamente una imagen. 12. Cómo exponer correctamente una imagen: Una buena exposición es clave para crear imágenes que se vean geniales y tengan más flexibilidad en la corrección de posproducción. En esta lección, determinaremos los pasos para exponer adecuadamente una imagen. Una exposición adecuada es increíblemente importante para retener el detalle en tus imágenes y para lo más, flexibilidad en la posproducción. Está sobreexpuesta. Si sobreexpones una imagen y sopla los reflejos, la cámara no está capturando ninguna de esa información. Cuando lances eso a tu software de edición, te vas a decepcionar porque cuando intentas bajar esa exposición, no hay información ahí y se vuelve, bueno, se vuelve inutilizable. Lo mismo vale para las sombras. En algunas situaciones, subexponer la imagen da como resultado que las sombras pierdan todos los detalles. En otros, da como resultado altos niveles de ruido. Entonces, ¿cómo obtenemos una buena exposición? El primer paso es activar algunos ajustes de lectura de exposición. Un buen lugar para iniciar es con el histograma. La mayoría de las cámaras tienen un histograma y lo que hacen es decirte dónde están las sombras y los reflejos de una imagen. Los picos del lado izquierdo de la imagen representan sombras, y los picos del lado derecho representan los reflejos. Todos los demás valores de luminancia se encuentran en el medio. Subexponer resulta en que los picos caen lejos a la izquierda y se puede ver que empezamos a perder detalle en las sombras. Al sobreexponer, podemos ver los picos moviéndose más hacia la derecha mostrando que los aspectos más destacados se están volando y estamos perdiendo detalle. En mi opinión, la mejor herramienta para gestionar la exposición sería usar un monitor de forma de onda. Pero muchas de estas cámaras DSLR más pequeñas sin espejo no las tienen. Se puede, sin embargo, alquilar o comprar un monitor externo para un mayor control sobre la exposición. Personalmente no soy dueño de un monitor externo, pero sí los rento si los necesito. Te explicaré cómo funcionan en Premier Pro. En muchos programas de edición, tienes un monitor de forma de onda y es lo mismo que lo que verías en un monitor externo con la configuración de forma de onda. Aquí tenemos nuestras sombras aquí abajo, nuestros tonos medios o gris medio por aquí. Entonces tenemos nuestros aspectos más destacados aquí mismo. Si miras a la izquierda, puedes ver estos números desde el 0-100, lo que nos dice lo brillante u oscuro que es la exposición. El modo en que lees un monitor de forma de onda es de izquierda a derecha, igual que una imagen. En el lado izquierdo de este marco, se puede ver a Gavy sosteniendo este corrector de color y se puede ver aquí mismo en el monitor de forma de onda. Por ejemplo, tenemos esta franja negra aquí, y eso está en algún lugar por aquí en la forma de onda. Se oscurece aquí con estas ventanas y luego esta tira de luz que está justo aquí. Estas son las ventanas negras y esa tira de luz se pone en marcha y luego las ventanas otra vez, aquí mismo. Entonces tenemos esta franja gris y está justo aquí. Se puede ver, ahí mismo. Este blanco, bam, ahí mismo. Entonces todos estos colores y valores de luminancia dispersos por todas partes. Este gran trozo viejo de aquí, acuerdo, ¿qué crees que sea? Es el tono de piel de Gavy. Los aspectos más destacados son alrededor de 60 IRE y luego probablemente algo de su barba justo aquí. Sombras, barba, su pelo, y esto, vale, ese es mi logo proxy para editar. Entonces tienes este pequeño bache aquí, que otra vez, ese es el marco de la ventana justo aquí. Espero que esto te dé una mejor idea de cómo funcionan las formas de onda. El sistema de zona fue desarrollado por los fotógrafos Ansel Adams y Fred Archer, y fue creado para determinar la mejor exposición para ciertas situaciones. Por ejemplo, si miramos el gráfico del sistema de zonas, se puede ver que va desde cero, que representa el negro puro, hasta el 10, que representa el blanco puro. Todos los demás valores de iluminancia se encuentran en el medio. El sistema de zona fue creado originalmente para el desarrollo cinematográfico, pero aún me parece que tiene sus usos en video, al usarlo como guía de referencia. Esto nos muestra más o menos dónde las cosas necesitan terminar en nuestras herramientas de medición. Echemos un vistazo a este tiro de aquí. Se puede ver que mi tono de piel está expuesto alrededor de 70 IRE. De acuerdo, puedes ver mi barba en forma de onda, así que vamos a recortar eso, y ahora puedes ver solo mi piel. Ahí lo tienes. puede ver que es apenas entre 60 y 70 IRE, que está justo alrededor de donde debe estar mi tono de piel y sus reflejos. Ahora digamos que expongo mis tonos de piel por encima de 70 IRE. A pesar de que lo he evitado recortar, seguiría siendo considerado para la exposición. Esto significa que no solo estamos exponiendo para evitar que nuestros histogramas y formas de onda recorten los reflejos y aplasten las sombras. También estamos exponiendo para diferentes tonos y dónde se encuentran dentro del sistema de zonas. Se puede utilizar el sistema de zonas como guía. Recuerda, si sobreexpones un poco, o subexpones un poco, puedes ajustarlo a su zona adecuada o exposición en post. Por supuesto, esto está dentro de lo razonable. Siempre apuntar a la mejor exposición posible. Exponer una imagen puede ser complicado porque no todas las cámaras tienen el rango dinámico que puede capturar todos los detalles y reflejos y sombras al mismo tiempo. Cosas como el sol, las luces brillantes o las ventanas son naturalmente increíblemente brillantes. Mucho tiempo, sobre todo si no tienes luces o una cámara con alto rango dinámico, necesitarás apagarlas para obtener una exposición adecuada de un sujeto. Es decir, cuando miras el sol, el cielo o las luces brillantes, son naturalmente muy brillantes. Por lo que en cámara es más aceptable soplar los aspectos más destacados de estas fuentes. Una última herramienta que uso mucho son las cebras. Esta función me parece muy útil en situaciones de alto contraste, iluminadas con mucha luz. El modo en que me gusta usar cebras, ponlo en 100 por ciento. Eso significa que cuando los aspectos más destacados de mi imagen estén sobreexpuestos, verás todas estas líneas que parecen líneas de cebra y aparecen en las partes que están sobreexpuestas. Voy a exponer todo el camino hasta llegar al borde de la sobreexposición. De hecho, incluso comenzaría con una lectura de sobreexposición que sopla los aspectos más destacados y luego bajaría lentamente mi exposición hasta que todas las cebras hayan desaparecido en las partes de la imagen que no quiero que me vuelen. En esta toma de aquí, he mantenido el cielo sobreexpuesto para que cuando entre al marco, no soy una silueta y aún puedas ver mi cara. La iluminación de silueta también está bien. Pero al menos con las cebras, sabemos lo que estamos soplando y si queremos ser intencionales al respecto o no. Como puedes ver, una exposición adecuada puede convertirse en algo complicado de maniobrar dependiendo de la situación junto con el tipo de engranaje e iluminación a la que tengas acceso. En mi opinión, si quieres asegurar la mejor exposición y tener la mayor flexibilidad en post, esto es lo que recomendaría. Usa tu histograma o formas de onda para obtener un conjunto de exposición adecuado. Entonces asegúrate de que tus cebras estén ajustadas al 100 por ciento para que sepas si estás sobreexponiendo los aspectos más destacados o no. De esta manera, puedes llegar a ser deliberado sobre si quieres o no optar por soplar los aspectos más destacados. Además, piensa en dónde se encuentran las cosas en el sistema de zonas y cómo quieres manipular esos tonos. He filmado con otros profesionales del video a lo largo de los años y ven mi pantalla llena de cebras y ajustes de exposición y son como, “Whoa, ahí pasa mucho”. Siempre respondo con, “Simplemente no confío en esta pequeña pantalla LCD”. Entonces, ¿por qué lo dejaría al azar, sobre todo cuando tienes estas herramientas que te pueden decir cuando las cosas están sobreexpuestas? Deberían usarlos. Para resumir, sobreexponer la imagen resulta en perder detalle y reflejos, y subexponer los resultados en la pérdida de detalles en las sombras. En algunas situaciones con luces brillantes, el sol, o ventanas, es aceptable soplar los reflejos. Usa tu histograma o formas de onda para obtener una exposición adecuada. cebras son geniales para saber exactamente cuándo estás volando los aspectos más destacados. Por lo que recomendaría mantener eso encendido, y si no tienes cebras, apégate a usar el histograma. Intenta salir afuera y filmar en situaciones brillantes, situaciones oscuras, amanecer, anochecer, amplia luz del día. Realmente pon esas herramientas de lectura de exposición a través del timbre para conseguir cómodo ajuste buena exposición. En la siguiente lección, vamos a aprender sobre cómo la apertura, la velocidad de obturación y la ISO pueden funcionar armoniosamente. 13. Armonía entre apertura, velocidad de obturación e ISO: Entender la exposición adecuada es sólo una parte del rompecabezas. El otro es entender cómo usar la apertura, la ISO y la velocidad de obturación armoniosamente mientras se obtiene una exposición adecuada. Sabemos cómo es la exposición adecuada. Utilizaremos los ajustes de histograma y cebra para obtener una lectura adecuada de una escena. Pero, ¿cómo llegamos ahí? Aquí está mi enfoque recomendado. ¿ Cuál es el propósito de tu disparo? ¿ Estás tratando de enfocar la belleza de las flores en primer plano? ¿ Estás tratando de mostrar la inmensidad de la ubicación en la que estás? Piensa primero en tu historia y en su propósito. Mantén constante tu velocidad de obturación. A lo que me refiero con esto es elegir la cantidad de desenfoque de movimiento que quieres y apégate a ella. Te recomiendo disparar a un ángulo de obturación de 180 grados, que es ajustar tu obturador al doble del número de la velocidad de fotogramas a la que estás filmando. No ajuste el obturador para obtener una exposición adecuada, manténgalo constante. Solo cambia la velocidad de obturación al cambiar tu velocidad de fotogramas para asegurarte de que se mantenga en un ángulo de obturación de 180 grados, o si estás tratando de lograr un look creativo para una toma en particular dentro de una secuencia. Dado que tu velocidad de obturación es constante, lo primero que debes decidir al filmar es si quieres mucho de tu entorno enfocado, o si quieres una profundidad de campo poco profunda, o tal vez quieres algo en el medio. Una vez que elijas la profundidad de campo, intenta mantener este ajuste constante durante todo el rodaje de una escena para mantener la consistencia. Después de tener una configuración de apertura preferida, usa tu ISO para afinar la exposición a lo largo de tus tomas de escena. En la mayoría de los lugares de interior y lugares sombreados o nublados, esta técnica funcionará bien. Pero cuando estás en lugares al aire libre iluminados, no tienes otra opción que aumentar tu ajuste de apertura, lo cual no siempre es ideal, pero a veces necesario. La otra opción es utilizar un filtro ND. Un filtro ND actúa como gafas de sol para tu cámara, cortando la cantidad de luz que entra en la lente. Esto permite disparar al 2-8 a plena luz del día. Si estás haciendo la mayoría de filmar fuera en situaciones soleadas brillantes, recoger un filtro ND variable es una gran idea. Me voy a contradecir un poco aquí. El mejor de los casos, las opciones ideales a la hora de ajustar la exposición es ajustar la iluminación del entorno o usar una cámara de cine con un ND incorporado. Tendríamos nuestra velocidad de obturación a 180 grados para mantener el desenfoque de movimiento fílmico, tendríamos una apertura constante ajustada a nuestra preferencia por la escena y para una profundidad de campo consistente, y tendríamos nuestro ISO ajustado a la necesidad de la cámara de configuración para una imagen limpia. Pero esas son situaciones ideales. Eso podría requerir más tiempo, más tripulación, más dinero, equipo más avanzado. El hecho es que, con cámaras DSLR y sin espejo, los filtros ND pueden ser un dolor. Cuando tienes un crujido de tiempo, es fácil ignorar esos filtros ND. Prueba esto. Saca tu cámara contigo para dar un paseo. Intenta configurar un tiro. Realmente no importa lo que dispares. Podría ser una flor o un árbol o un auto en movimiento, lo que sea. Antes de exponer una toma, piensa en cuál es la mejor combinación de ajustes para capturar ese momento, objeto o secuencia. ¿ Cuál es el propósito del disparo? ¿ Cómo encaja en la historia? Esto es sólo un ejercicio, así que las cosas no tienen que ir demasiado profundo aquí. Después de conocer el propósito de tu disparo, sigue los pasos anteriores y ajusta tus ajustes para una exposición correcta. Por ejemplo, estaba filmando aquí para parte de una de mis lecciones y me sentía tonta y quería conseguir unas tomas excesivamente sentimentales. Por lo que decidí cambiar mi velocidad de fotogramas a 60 fotogramas por segundo para un efecto sobredramático. Fui por una profundidad de campo poco profunda en F2.8 para enfatizar también la sensación sentimental de ensueño. Entonces también cambié mi ISO a 1600 que es el ISO nativo para mi cámara. Estaba nublado y tenía cobertura de árbol, así que no necesitaba un filtro ND. Además, esto te da una idea de lo fácil que es simplemente filmar una secuencia rápida. No me lo tomé en serio. Acabo de disparar lo que me vino a la mente primero. Voy a tocar la secuencia para recapitular. Aquí vamos. Al ajustar la exposición, recuerda mantener constante tu velocidad de obturación. Determina a qué apertura quieres disparar luego ajusta la ISO para lograr una exposición adecuada. Si se encuentra en un área iluminada y necesita filmar a baja apertura, utilice un filtro ND para ajustar su exposición. En la siguiente lección, hablaremos de algunas de las matemáticas detrás de medir la luz. Suena súper aburrido, pero confía en mí, una vez que obtienes este concepto, realmente te va a ayudar a entender cómo cada ajuste de exposición afecta al otro. Así que quédate por eso. 14. La relación entre apertura, velocidad de obturación e ISO: En esta lección, exploraremos la conexión entre apertura, ISO y velocidad de obturación. Entender cómo se conectan te dará mayor control sobre la exposición cuando estés ajustando cualquiera de estos ajustes. Mencioné en la lección sobre el uso de la abertura, que medimos la luz en lo que se llaman paradas. Una parada es simplemente duplicar o cortar a la mitad la cantidad de luz que deja entrar la cámara. Si cambiara mi f-stop de f2.8 a f4, eso sería disminuir una parada de luz o reducir a la mitad la cantidad de luz que mi cámara deja entrar. Ahora lo mismo va para la velocidad de obturación. Si cambio mi velocidad de obturación de 1/50 de segundo, a 1/100 de segundo, también estaría reduciendo a la mitad la cantidad de luz que deja entrar mi cámara, que de nuevo, estaría disminuyendo la cantidad de luz en una parada. Por último, lo mismo ocurre con la ISO. Si cambio mi ISO de 200 a 100, de nuevo, estaría reduciendo a la mitad la cantidad de luz y disminuyendo la cantidad de luz en una parada. Esto significa que si está cambiando alguno de sus ajustes de exposición, puede determinar rápidamente si necesita reducir a la mitad o duplicar otro ajuste de exposición para mantener una exposición adecuada. Una vez que entiendas que simplemente estás duplicando o reduciendo a la mitad la cantidad de luz, puedes averiguar rápidamente qué configuración necesitas cambiar en una situación dada. Entonces por ejemplo, en este rodaje de aquí, estamos filmando a 30 fotogramas por segundo, 1/60 de segundo velocidad de obturación, apertura a f4, e ISO a 1,600. Decidimos entonces que queremos cambiar nuestra velocidad de fotogramas a 60 fotogramas por segundo para cámara lenta. Al hacer esto, necesitamos cambiar nuestra velocidad de obturación, a 1/120th de segundo, o tan cerca como lo permita nuestra cámara. Recuerda, para mantener un desenfoque de movimiento fílmico, la regla es disparar con una velocidad de obturación que sea el doble de nuestra velocidad de fotogramas. Al cambiar nuestra velocidad de obturación de 1/60 a 1/120, estamos disminuyendo la luz en una parada. Si cambio nuestra abertura de f4 a f28, eso sería aumentar la luz en una parada. O puedo cambiar nuestra ISO, de 1,600 a 3,200, que también estaría aumentando la luz en una parada. Porque quiero mantener una apertura constante a lo largo de estos dos disparos, me queda con ISO. Ahora si miras estas tomas de lado a lado, puedes ver que tienen diferentes ajustes, pero exposición idéntica. Otro ejemplo sería esta escena aquí. Estamos filmando a 24 fotogramas por segundo, 1/50 velocidad de obturación, apertura está establecida en f5.6 e ISO en 800. Quiero crear una profundidad de campo aún más superficial, así que cambio mi f-stop a f2.8. Entonces en este caso, estamos disminuyendo nuestra apertura de f5.6 en una parada a f4, y luego otra parada a f 2.8. Hemos disminuido la exposición general en dos paradas. Para mantener una exposición idéntica a nuestra toma anterior, necesitaremos ajustar uno de nuestros otros ajustes de exposición, ISO o velocidad de obturación. Recuerda, la única razón para ajustar la velocidad de obturación es cuando se cambian las velocidades de fotogramas, o si queremos un tipo específico de desenfoque de movimiento. No estamos cambiando la velocidad de fotogramas y queremos mantener una película como el desenfoque de movimiento, por lo que nos queda con ISO. Entonces disminuiremos la ISO de 800 a 400. Esa es una parada. Después de 400 a 200, que es otra parada. Nuevamente, tenemos dos tomas con diferentes ajustes y exposición idéntica. Cuanto más dispares, esto se convertirá en una segunda naturaleza y no estarás haciendo cálculos en tu cabeza. Simplemente empezarás a ajustar automáticamente los ajustes a tu gusto. Por ejemplo, cuando estás filmando una boda o un video corporativo, algo donde tienes que correr y armar, confía en mí, no estarás teniendo tiempo para sentarte y hacer estos cálculos, vas a estar moviéndote demasiado rápido y no lo harás quieren perderse el tiro perfecto. Pero cuando decidas cambiar tu velocidad de fotogramas, sabrás exactamente lo que necesitas hacer para mantener la exposición coincidente. Esta es una idea simple y es increíblemente beneficioso entender, que al ajustar la exposición, simplemente estamos duplicando o reduciendo a la mitad la cantidad de luz. Entonces prueba esto. Enfoque en diversos objetos dentro de una variedad de situaciones de iluminación. Establece tu exposición para tus ajustes preferidos, toma una foto o graba algún video. Entonces estropear cualquiera de los tres ajustes. O súbelo unas cuantas paradas o baja unas cuantas paradas, e intenta averiguar qué otros ajustes puedes ajustar para mantener la exposición adecuada de tu disparo anterior. Entonces ahora tenemos diferentes ajustes, pero la misma exposición. Esto es parte ejercicio y parte práctico. Esto podría aplicarse más a las personas en situaciones de rodaje con armas de fuego corriendo, con muy pocas cantidades de engranajes o control sobre la iluminación. Idealmente, vamos a tratar de mantener constante nuestra apertura a lo largo de una escena tomas. Vamos a estar manteniendo nuestra velocidad de obturación, donde tenemos desenfoque de movimiento cinematográfico, lo que solo realmente requiere que lo cambiemos si estamos cambiando nuestra velocidad de fotogramas. Lo más probable es que estés intentando cambiar tu iluminación y ND. Si no tienes esas cosas, tu ISO. El mejor modo de aprender es salir y filmar cosas. Naturalmente empezarás a trabajar cómo ajustar tus ajustes y qué ajustes funcionan dónde, y con qué tipo de luz. Para recapitular, un stop es una medida de la luz. O estás reduciendo a la mitad o duplicando la cantidad de luz que deja entrar la cámara. Entender este concepto te ayudará a determinar a qué establecer la exposición rápidamente. Trabaja en ello hasta que se convierta en segunda naturaleza. En la siguiente lección, vamos a aprender sobre el balance de blancos. 15. Equilibrio de blancos: Usar la configuración de balance de blancos en tu cámara es de suma importancia a la hora de apuntar a la precisión del color, y puede crear algunos looks únicos en la cámara. Para entender el balance de blancos, primero necesitamos aprender sobre las temperaturas de color. temperatura del color es la calidez o frescura de una fuente de luz. Diferentes fuentes de luz tienen diferentes temperaturas de color. Por ejemplo, las bombillas aparecen cálidas, y la luz del día parece más fresca. La temperatura del color se mide en lo que se llama Kelvin. Extrañamente, cuanto más cálido sea el color, menor será el número y viceversa. El ajuste del balance de blancos es la forma en que le decimos nuestra cámara cuál es la temperatura de color de una escena general. Cuando establecemos balance de blancos, estamos diciendo a nuestras cámaras cómo se ve el blanco bajo cierta luz, haciendo que los colores se vean como deberían. Por ejemplo, si lleno la luz del día, establecería el balance de blancos de mi cámara en 56,00 Kelvin, que es aproximadamente la temperatura de color de la luz del día. Si estoy filmando en mi sala de estar, con bombillas de tungsteno, pondría mi balance de blancos en 3,200 Kelvin, que es lo que suele ser la temperatura de color de una bombilla de tungsteno. El motivo por el que estoy usando valores aproximados es porque la temperatura de la iluminación varía mucho. La luz del día cambia drásticamente con la salida del sol y la puesta del sol entre 2,000 a 3.000K, crepúsculo entre 7.500 y 10.000K. El alumbrado de la tarde al estar alrededor de 5.500K, y nublado, aproximadamente alrededor de 6.500K, varía. Si no sabes cuál es la temperatura de color de la iluminación en una ubicación o escena específica, necesitarías obtener una tarjeta blanca o una tarjeta gris del 18 por ciento. Para capturar balance de blancos personalizado, coloca tu tarjeta blanca o gris bajo la misma luz en la que planeas filmar. Cada cámara es un poco diferente. Así que busca la configuración del balance de blancos, luego selecciona Personalizado, y luego apunta tu cámara a la tarjeta blanca en Heck capture. Se puede ver aquí me está diciendo que la luz que se refleja fuera de la tarjeta entra en 8,300 Kelvin, sobre todo porque está nublado, y la hora del día que fue durante la puesta del sol. Intentemos establecer un balance de blancos para esta luz aquí. Selecciona balance de blancos personalizado, captura de golpe, y obtenemos un balance de blancos de 3,100K, pero espera, ¿qué es esto? Dice M6. Hay otro ajuste para la precisión del color, y eso es lo que se llama tinte. Los tintes de una imagen o bien ajustan el color verde o magenta. rayos del sol tienen un tinte verde o magenta para ellos, y es muy difícil de ver en esta diminuta pantalla LCD. Cuando acabo de establecer mi balance de blancos ahí, es decir que la luz tiene un tinte verde a ella. Al ajustar el tinte magenta en seis puntos, la cámara está contrarrestando el tinte verde que viene de esta luz. Ahora la cámara tiene un balance de blancos adecuado para cualquier cosa encendida bajo esta luz. Es por ello que es tan importante establecer el balance de blancos en diversas situaciones, nunca se sabe la calidad de la luz con la que se está tratando, y esta es la mejor manera de obtener el balance de blancos más preciso. ¿ Y todos estos otros preajustes de balance de blancos? ¿ Y el tono y el balance de blancos automático? En realidad no los uso. Está bien, si de verdad quieres usar un preset, puedes. Pero en esta clase, estamos apuntando a tener un control manual completo. Tener control manual completo de tu cámara, y ser más preciso con tu balance de blancos te ayuda a no tener que depender de los presets y a captar con el tiempo una comprensión más profunda de las temperaturas Kelvin en diferentes entornos. A medida que utilizas tu tarjeta de balance de blancos, comenzarás a ver una tendencia en diferentes situaciones de iluminación. Por ejemplo, a la luz del día, estoy apuntando a filmar a 5.600K, en nublado o en forma, estoy rodando alrededor de 6.500K, o incluso 7.000 K. Iluminación interior, puedo salirme con la suya rodaje a 3.200K, a veces incluso tiro a 3,600K. Estudia gráficos Kelvin, consigue una tarjeta de balance de blancos o una tarjeta gris del 18 por ciento. Una vez que te familiarices con los patrones de temperaturas de iluminación en diferentes lugares y situaciones, podrás ajustar tu balance de blancos bastante bien, sin usar un carrito. Recapitulemos. El balance de blancos es un ajuste que le dice a la cámara cómo se ve el blanco bajo cierto tipo de luz. Se ajusta para temperaturas de color cálidas y frías y también compensa un tinte verde o magenta. Usa una tarjeta de balance de blancos, aprende la escala Kelvin y memoriza las temperaturas de color de ciertas condiciones de iluminación, para que puedas ser rápido en el dial al disparar. En la siguiente lección, vamos a hablar qué balance de blancos elegir en diferentes situaciones de iluminación. 16. Equilibrio de blancos: aplicación práctica: En la última lección, discutimos qué es el balance de blancos, cómo establecerlo y la importancia de una tarjeta de balance de blancos. Pero hay algunos otros factores importantes a considerar a la hora de elegir el balance de blancos para tu sesión. Echemos un vistazo a algunos consejos sobre cómo aplicar el balance de blancos en situaciones reales de filmación. La iluminación mixta es increíblemente común. Estarás filmando en situaciones con luminarias de todo tipo. No es ideal, pero a veces simplemente no hay forma de evitarlo. Cuando puedas, apaga las luces en el interior y usa la luz natural que entra desde el exterior. luz natural renderizará los colores más bonitos y naturales. No tendrás que preocuparte por que los moldes de color extraños golpeen a tu sujeto y no tendrás que lidiar con el dolor de cabeza que la iluminación mixta puede causar en post. Esto es especialmente cierto cuando se trata de iluminación mixta, golpeando tonos de piel. La mejor opción para un espacio es limitarlo a una fuente de luz. Pero hay muchas situaciones que esto no es posible. Eventos especiales y bodas son notorias por este tipo de situaciones. Digamos que tienes iluminación dividida con dos temperaturas de color diferentes, tungsteno y luz diurna. En este caso, deberá elegir uno u otro. Establece tu balance de blancos en 3.200 K y la luz de tungsteno que golpea el lado izquierdo de mi cara se equilibra y la luz del día golpeando el lado derecho de mi cara se vuelve más fría. El panorama general también se ve más fresco. Establece tu balance de blancos en 5.600 K. La luz del día golpeando el lado derecho de mi cara se equilibra y el tungsteno que golpea el lado izquierdo de mi cara se vuelve más cálido. El panorama general se ve más cálido. La iluminación mixta puede ser muy interesante y puede comunicar diferentes tipos de ideas. No vamos a meternos en eso en esta clase. Pero muchas películas usan el color para lograr cierto tono o sensación. Simplemente es realmente genial. No se pretende juego de palabras. Si tienes iluminación mixta que está golpeando a tu sujeto desde todos lados y es un lavado de luz mixta, entonces selecciona el balance de blancos que compensa ambos. Por ejemplo, aquí tenemos un lavado de luz del día y el tungsteno golpeó a nuestro sujeto desde el mismo lado. Si lo equilibramos para la luz del día, sale demasiado caliente. Si lo equilibramos para tungsteno, demasiado frío. Pongamos nuestro balance de blancos en 4,300, así aterrizamos entre 3,200 K y 5,600 K. Terminamos con una imagen más equilibrada. Cuando estás ajustando correctamente el balance de blancos para compensar la supuesta temperatura Kelvin de una escena, posible que encuentres que el balance de blancos adecuado es menos deseable que un balance de blancos ajustado. Por ejemplo, la temperatura de color de la luz de las velas se sienta alrededor 2,000 K. Si estableces el equilibrio correcto, obtienes una imagen que no se ve bien, o al menos no coincide con el calor de la luz de las velas. Disparar a un balance de blancos incorrecto más alto para retener el ambiente cálido podría ser preferible en este caso. Otro ejemplo sería filmar un tiro al amanecer o al atardecer donde el supuesto balance de blancos está en algún lugar entre 2,000-3,000 K. Si pongo mi balance de blancos a 2,500 K, obtenemos un tono increíblemente azul, que puede ser muy interesante. También es importante notar que, sí, el sol está en un balance de blancos de 2,500 K. Pero si miras el ambiente de la escena en su conjunto, la luz del sol no está golpeando realmente a todo. Por eso el color general es azul. Es necesario tener en cuenta cuánto de la fuente de luz de cierta temperatura está golpeando tu entorno. Además, si miras más de cerca, podrías ver que también está nublado en el tiro. Por lo que el balance de blancos general debe ser más cálido para compensar esto. Pongamos nuestro balance de blancos al otro lado del espectro, a 9,500 Kelvin. Mira esto, obtenemos una imagen muy cálida. Prefiero esto más porque así es como interpreto un amanecer, para ser de color cálido. Es importante pensar en la fuente de luz y cuál es su balance de blancos, pero también en la luz ambiental general y en qué es ese balance de blancos. Dependiendo de tu historia, puedes optar por filmar un tono más fresco, y esa es otra gran opción. También puedes encontrar un lugar en algún lugar intermedio a decir, 5,600 K, que normalmente me gusta hacer, y luego puedo hacer pequeños ajustes al color en post. Pequeños ajustes al balance de blancos están bien. Puedes calentar o enfriar una imagen en post, pero ten cuidado, si intentas hacer grandes cambios en el balance de blancos de tu imagen en post, tienes que lidiar con potenciales moldes de color extraños, flexión, colores que no parecen precisos, y simplemente no tener suficiente flexibilidad desde la imagen para corregir un disparo en post. Podría resultar en un disparo inutilizable. El motivo de esto es que la mayoría de estos sistemas de cámaras sin espejo DSLR son de 8 bits, mientras que algunos renderizan colores a 10 bits. Aquí no necesariamente son importantes los términos técnicos. Pero lo importante es entender que cuantos más bits pueda disparar tu cámara, más información de color puede capturar. Esto da como resultado una transición más suave entre colores y más flexibilidad al editar colores en post. Es por eso que quizá hayas escuchado a muchos cineastas prefiriendo la película en formato crudo. Raw ofrece una flexibilidad increíble, lo que te permite cambiar tu balance de blancos en post. Si estás disparando crudo, no te preocupes por ello. Puedes arreglarlo en post. Si no estás filmando en crudo, asegúrate de que apuntes a conseguir los colores previstos en cámara para que no tengas que lidiar con el dolor de cabeza que viene cuando estás tratando de arreglarlo en post o cuando tienes que volcar un particular disparo debido a moldes de color no deseados. Tenía unas tomas en una catedral que inicialmente me gustó mucho y luego me di cuenta demasiado tarde que filmé una de estas tomas en 3.600 K y la otra en 4.300 K, pensé que establecería el balance de blancos correcto, pero obviamente no. Traté de arreglarlo en post, tuve una marcha muy dura de ello. Si hay una próxima vez, lo subexpondría más para conseguir un look de silueta, establecer balance de blancos personalizado, y tal vez incluso traer una luz para compensar lo brillante que es la ventana. Ocurren errores. Vivimos y aprendemos. Fallamos. Intentamos ganar. Pequeños cambios en Kelvin para imágenes de ocho o 10 bits están bien. Grandes cambios. Estar atentos. Para recapitular, la mayoría del tiempo, querrás usar un balance de blancos adecuado. Pero podría haber ciertas condiciones de iluminación en las que quizás prefieras usar un balance de blancos incorrecto para marcar con un look diferente. Con iluminación mixta, si puedes, intenta limitarlo a una temperatura de color para evitar un lavado de color. Si no tienes más remedio que filmar un lavado de luz mixta, intenta encontrar el balance de blancos que aterriza entre las dos fuentes de luz diferentes. Si es parejo y viene de dos direcciones separadas, elige una temperatura y deja que la otra se mantenga caliente o fría. Esta es una complicada y se necesita práctica y experiencia. Saca tu cámara contigo dondequiera que vayas. Practica establecer tu balance de blancos para diferentes tomas o escenas. Prueba a dejar tu tarjeta de balance de blancos en casa y usa tus gráficos de Kelvin para determinar la mejor configuración de balance de blancos. Sólo tienes que practicar, practicar, practicar. En la siguiente lección, vamos a hablar de perfiles de imagen. 17. Perfiles de imagen: Los perfiles de imagen pueden recorrer un largo camino en hacer que tu metraje sea más flexible en el post, o crear un look que te guste en tu cámara. Es importante entender qué perfil de imagen es el adecuado para tu flujo de trabajo de creación de películas, que puedas sacar la mejor imagen de tu cámara. Encontrarás un menú en la configuración de tu cámara con una serie de perfiles de imagen, o estilos de imagen. Estos ajustes permiten ajustar y cambiar parámetros que determinan las características de una imagen. Estas características controlan la saturación, el contraste, la nitidez y el color de una imagen grabada . Cada marca de cámaras tiene sus propios perfiles de imagen, enviados con cada una de sus cámaras, y ofrece una variedad de looks para adaptarse a escenas específicas. En las cámaras Canon, tenemos una serie de estilos de imagen, y todos están diseñados para adaptarse a un tipo específico de imágenes. El paisaje tiene un impulso en la saturación para hacer pop los colores de un tiro de paisaje. Entonces tenemos retrato, que al parecer es genial para retratos. Estos se llaman perfiles de imagen estándar, y se ven bastante bien en cámara. El único problema es que una vez que arrojas eso en un monitor grande, ves que estás perdiendo una tonelada de detalle en los reflejos y sombras. No todos los perfiles de imagen se crean iguales, algunos son mejores que otros a la hora de proporcionar un buen rango dinámico, a vez que dan un aspecto decente dentro de la cámara. Si tienes una exposición adecuada y balance de blancos, los perfiles de imagen estándar no necesitan tanto trabajo en post, pero ofrecen menos flexibilidad en rango dinámico, y cuando se gradúan los colores. Existen otros perfiles llamados perfiles de registro, que te dan una imagen más plana, de bajo contraste, de baja saturación. Cada marca tiene su propia versión de esto, C-Log, S-Log, V-Log, y así sucesivamente. El motivo de esto, es porque está diseñado para capturar un amplio rango dinámico. Puedes mantener más detalles dentro de tus reflejos y sombras. Un perfil de registro también permite más flexibilidad en la posproducción. Si estás filmando en situaciones en las que necesitas capturar un alto rango dinámico, o muchos reflejos brillantes y sombras oscuras dentro de una misma imagen, este perfil es una gran opción. El inconveniente para iniciar sesión es que necesitarás hacer más trabajo en post para que la imagen vuelva a lucir normal, lo cual es un arte en sí mismo. Si tienes el tiempo y el conocimiento de cómo colorear el material de registro de grado, o tienes otro curso sobre la clasificación de color que estás interesado, entonces ve por ello. Si no estás seguro de la clasificación del color, y no te preocupa mucho tener ese poco extra de flexibilidad, entonces prueba a filmar en un perfil estándar. He trabajado tanto con perfiles estándar, como perfiles registro, y disfruto usando ambos. Todo se reduce a la escena o proyecto en particular en el que estoy trabajando. En lo personal, por el momento, estoy filmando en una cámara Sony. Nunca he disfrutado filmar en los perfiles de registro de Sony, y encontré que el color corrigiendo el metraje era bastante desafiante. He estado usando un perfil personalizado llamado E-O-S-H-D Pro Color. Me gusta filmar usando la versión estándar de esto, y también hay una versión de registro en la que puedo filmar para que coincida con mis tomas de perfil estándar. Para proyectos con un giro rápido y menor presupuesto, mayoría tiro en estándar. En esos tiros difíciles, donde quiero maximizar el rango dinámico, cambié a log, y igualar el look de mi perfil estándar en post. Este perfil en particular, aunque es un perfil estándar, es mucho mejor que la mayoría de los demás, y es específico de las cámaras Sony. En mi cámara Canon, no tengo un C-Log disponible, pero he instalado un perfil de registro gratuito, llamado Cinestyle, que se puede encontrar en la página web de Technicolor. También he filmado en un estilo de imagen neutro, y he ajustado un perfil personalizado para obtener un aspecto de baja saturación, bajo contraste y baja nitidez para emular un perfil de registro. El cielo es el límite cuando se trata de perfiles de imagen, y realmente se reduce a la preferencia personal, o simplemente puedes seguir mi preferencia y Google la mejor configuración de perfil de imagen. Es genial filmar en estándar para facilidad y velocidad, pero recomendaría encarecidamente rodar en un perfil de registro, y tomarme el tiempo si el presupuesto lo permite, para marcar en tu look in post. Para recapitular, Si quieres más flexibilidad, ten el tiempo, presupuesto, y las habilidades o ganas de ser hábiles en la clasificación de color, luego dispara con el perfil de registro. Si quieres ahorrar tiempo en el post, y no te importa sacrificar un poco de rango dinámico, apégate a un perfil estándar. La siguiente lección es todo sobre el enfoque. 18. Qué es el enfoque: Tener control sobre tu imagen no se limita simplemente a la exposición, y el color, el enfoque es otro aspecto muy importante a la hora de filmar. Entender el enfoque en teoría y en la práctica beneficiará enormemente su trabajo. El enfoque es esencialmente lo nítida o suave que es una imagen capturada, dependiendo de su configuración de apertura. A medida que gira el anillo de enfoque a la derecha o a la izquierda, estás empujando o tirando de la profundidad de campo. Si recuerdas la lección sobre apertura, hablamos sobre la profundidad del campo, y cómo se ve afectada por qué apertura eliges. Si disparas a un pequeño número f, como f2.8, tendrás una profundidad de campo poco profunda, y al girar el anillo de enfoque, es muy notable que estás moviendo las cosas dentro y fuera de foco. Con un número f mayor, no lo notas tanto porque tienes más profundidad de campo con la que trabajar. La profundidad de campo tiene diferentes niveles de enfoque aceptable. Ahí está el punto más agudo de una lente al que queremos apuntar a la hora de obtener el enfoque, y luego están las partes de enfoque aceptables que rodean ese punto más agudo. Estos puntos son aceptables, pero no tan buenos como el punto de enfoque más agudo. Echemos un vistazo a algunas lentes para entender el enfoque un poco mejor. Las lentes vintage más antiguas tienen marcas para una representación visual del enfoque. Entonces, por ejemplo, en esta lente de aquí, se pueden ver muchas marcas, no se abrumen no es tan confuso como parece. Aquí tenemos un anillo de apertura. Debajo del anillo de enfoque, nuestra escala de distancia hiper focal muestra la medición en pies y metros. Las marcas blancas son metros, y las amarillas en pies. Esto te muestra a qué distancia algo está enfocado. Si muevo mi lente a cinco pies, lo que sea que esté a cinco pies de distancia estará enfocado. También puedes ver aquí que esta lente puede enfocarse tan cerca de 0.45 metros, esto es lo que se llama a las lentes distancia focal mínima. Cada lente tiene un MFD, y algunos incluso tienen habilidades macro. Macro es increíblemente útil para la flexibilidad mientras se dispara en una lente. Ahora lo que es genial de estas lentes vintage es que nos dicen a qué distancia tenemos enfoque aceptable. Por ejemplo, si estoy disparando a f8, y me enfoco en el tema que está a cinco pies de distancia, mira aquí los ochos correspondientes, crean un bonito espacio entre ellos. Todo entre estos ochos, si se dispara al f8, será un enfoque aceptable. Por lo que el punto de enfoque más agudo será a cinco pies, y los puntos de enfoque aceptables estarán aproximadamente entre cuatro pies y medio y seis pies y medio. Esta es también una lente vintage, que se considera un poco más suave en enfoque que la mayoría de las lentes más nuevas, por lo que los resultados variarán. Básicamente, se trata de una representación visual de la profundidad de campo disponible. En este lente zoom vintage, se puede ver que la cantidad del zoom también afecta a la profundidad de campo. En ángulos [inaudibles], tienes una mayor profundidad de campo. Al filmar en f11, y amplió todo el camino hacia fuera 35 mill, nuestro rango de enfoque aceptable ahora es más o menos de tres pies a poco menos de seis pies. Podemos ver desde el punto de vista de la cámara que la cámara vintage a cinco pies está en foco. El lente a cuatro pies está enfocado, pero el lente a tres pies está apenas fuera de foco. En longitudes de zoom más largas, tienes una profundidad de campo más pequeña. Básicamente porque cuando estás filmando en una lente larga, los elementos de una imagen se comprimen junto con la profundidad de campo. Nuevamente, si volvemos al zoom, se puede ver que en f11, las marcas están empezando lentamente a encogerse hasta tener poco menos de cuatro pies a alrededor de cuatro pies y medio de enfoque aceptable. Desde el punto de vista de la cámara, se puede ver que la cámara a cuatro pies está en enfoque agudo, la cámara vintage apenas está fuera de foco, y la lente a tres pies también está fuera de foco. Es importante tener en cuenta cuando se está configurando el enfoque, los marcadores de distancia se calculan desde el sujeto hasta el sensor de la cámara, no hasta la parte frontal de la lente. Es por eso que las cámaras tienen estas marcas, este marcado se le llama marcador plano de película. En las cámaras digitales, aquí es donde se encuentra tu sensor de cámara. Es posible que hayas visto algunas imágenes detrás de escenas donde los tiradores de foco están usando cintas de medición para establecer el foco. Están midiendo la distancia de un sujeto al sensor de cámara o plano de película con el fin de determinar dónde establecer el enfoque perfecto. Ahora lo más probable es que no estés usando una cinta métrica para ganar enfoque crítico en tus cámaras DSLR o sin espejo, pero es bueno saber cómo funcionan estas cosas para que puedas sentirte más cómodo con el enfoque. Para resumir, entender estos conceptos te ayudará a tener más conocimiento sobre cómo funciona el enfoque, y a volverte más cómodo en general al enfocarte. Aprender sobre las marcas en las lentes nos ayuda a saber cómo funciona el enfoque, y nos da una mayor comprensión de cómo la apertura, y las longitudes de las lentes afectan lo que será punzante y en enfoque aceptable. En la siguiente lección, vamos a aprender la mejor manera de enfocar. 19. Enfoque de ajuste: Aparte de llevar una cinta métrica contigo o usar las marcas en tus lentes de cámara para enfocar, hay algunas otras herramientas y ajustes útiles a la hora de obtener el enfoque. Usar la función de zoom en tu cámara es una de las mejores opciones a la hora de obtener un enfoque nítido. Amplíe digitalmente todo el camino y consiga que la imagen se vea lo más nítida posible. Algunas cámaras te permiten acercar mientras grabas, otras no. Es genial tener la función de zoom mientras graba porque a veces tu sujeto se mueve, o si tienes problemas para ver en esa pequeña pantalla, si tu obturador sigue enfocado, siempre puedes acercar mientras grabación para reenfocar. Algunas cámaras tienen lo que se llama foco máximo. Básicamente, todo lo que hace es resaltar las partes de una imagen que están enfocadas. En ocasiones, establecer el punto máximo de tu enfoque a bajo arrojará los mayores resultados. De esta manera el LCD de tu cámara no estará lleno de contornos rojos y solo se te mostrarán los puntos más nítidos de la imagen. El máximo de enfoque funciona detectando bordes de mayor contraste en tu escena. Si encuentras que no tienes suficiente contraste, puedes aumentar la configuración de picos de enfoque para que pueda detectar los bordes más fácilmente. autofoco en algunos casos está totalmente bien. Por ejemplo, filmar a alguien caminando hacia la cámara es muy difícil de enfocar manualmente. Se puede hacer, pero quizá quieras apegarte al autofoco para esto. Otra gran opción para el autofoco es cuando se usa un gimbal. Es genial para seguir a alguien mientras hace movimientos complejos y cambia la distancia entre tú y tu sujeto. Algo de lo que hay que tener cuidado es la caza de foco. La caza de enfoque es cuando tu cámara intenta averiguar en qué enfocarse. Si estás usando primer plano en tus tomas, como árboles u hojas, tu cámara terminará cambiando el enfoque a medio tiro, así que usa autofocus con cuidado. Algo que me ha ayudado a la hora de ajustar el enfoque es averiguar de qué manera necesitas girar tu anillo de enfoque para conseguir un enfoque lejano o un enfoque cercano. Entonces cuando lo averigües, métete atascado en tu cerebro que si te estás centrando en algo lejos, giras tu lente de esta manera y cuando te acercas gira tu lente de esta manera. Sé que esto suena súper simple y sencillo, pero he visto muchas veces al editar metraje donde el operador de cámara entra en pánico en una toma importante y no puedo recordar de qué manera girar el anillo para conseguir el enfoque adecuado. Dicho eso, el enfoque toma mucha práctica. Lo más grande que puedo decir sobre el enfoque es usarlo para contar tu historia. Úsalo para dirigir el ojo del espectador, úsalo para dirigir la atención hacia la emoción de un personaje. En esta toma, sin regalar spoilers, podemos ver que Homelander está claramente molesto por algo. El enfoque superficial llama la atención sobre su mundo interior, pero también muestra que el enfoque está todo en él, que es egocéntrico. Al aterrizar, los bastidores de cámaras se enfocan a la casa donde planea ejercer su poder y energía. De esta manera, el foco actúa como un contenedor para su enojo. Esta es sólo mi interpretación. Podrías ver esta serie y decidir por ti mismo. Cuando intentes mostrar detalles, asegúrate de que estén enfocados. Al intentar guiar el ojo de los espectadores atrayendo el foco, asegúrate de obtener un cambio de enfoque intencional suave de un sujeto a otro. Cualquier cosa ligeramente fuera de foco o postura de enfoque descuidada puede parecer un error no intencional. Esto está en foco, esto, esto está fuera de foco. El espectador empezará a preguntarse, ¿qué fue eso? Se distraerán y tu disparo perderá su propósito de dirigir el foco y la atención del espectador. Esto no significa que no puedas disparar las cosas fuera de foco. Me encanta la mirada fuera de foco, pero sólo cuando parece intencional o si sirve a la historia. Asegúrate de que tus opciones de enfoque parezcan intencionales. Prueba esto. Siéntate en tu silla o sofá favorito o tal vez en un banco de parque, apunta tu cámara sobre objetos a diversas distancias. Intenta ajustar primero el enfoque, si está disponible, usando las marcas de pies y medidores en tu lente. No todas las lentes tienen éstas. Después intenta usar tu zoom digital para perforar y obtener el enfoque correcto para un objeto. Intenta alejarte más, intenta acercarte más. Pruebe la distancia focal mínima para su lente o lentes. Ajusta la abertura para que puedas crear más desafíos de enfoque. Esta es una gran práctica y te dará una buena idea de las limitaciones y fortalezas de tus lentes a la hora de enfocarte. Para recapitular esta lección, usa la función de zoom de tu cámara para ajustar tu enfoque. Si tienes un máximo de enfoque disponible, usa eso en tándem con la función de zoom. Practica tus habilidades de enfoque. Asegúrate de que tu enfoque, ya sea dentro o fuera de foco, sea deliberado y sirva a la historia que estás contando. A continuación, voy a compartir algunos consejos sobre el rodaje de tu secuencia de historias. 20. Filmación de tu secuencia narrativa: El motivo por el que aprendemos sobre los aspectos técnicos del rodaje en cámaras digitales, es para que podamos contar historias más efectivas. El tiempo que has dedicado aprendiendo y aplicando estas técnicas y configuraciones, en aplicación práctica ayudará en una mejor narración de historias. También espero que te sientas mucho más cómodo, y conocedor a la hora de empezar a operar cualquier cámara con modo manual. Entonces ahora viene el siguiente gran paso, que es crear tu secuencia de cuentos cortos, para que puedas mostrar lo que has aprendido. Recuerda, una historia tiene un principio, un medio, y un fin, e idealmente conecta con su público. El punto de este curso es tener una comprensión más profunda de tu cámara y su configuración, para cumplir con el propósito de las historias que quieres contar. El propósito de un disparo, una secuencia, o la historia general depende de ti. Para los efectos de este curso, no estamos buscando la perfección. Estás experimentando, entrenando, probando cosas por el bien de probar cosas, y aprendiendo de la experiencia. Por favor sea amable contigo mismo durante este proceso. Hay una tonelada de variables que entran en contar una historia efectiva. No los hemos cubierto todos porque esta clase está enfocada principalmente en la configuración de la cámara. Ten en cuenta que, cuando estás trabajando en este proyecto, estás mostrando principalmente lo que has aprendido, configuración de la cámara sabia y cómo se aplica a la historia de tu secuencia o disparo. Estás encuadrando, movimientos de tiro , editando música, todos contribuyen, pero son secundarios al objetivo principal de este curso, que es mostrar una comprensión del material aprendido. Haz lo mejor posible para usar la configuración de tu cámara para contar la historia. Eso significa lograr una exposición adecuada, enfoque deliberado, color preferido, temperatura, junto con elegir el ISO más limpio, manipular la profundidad de campo, elegir las velocidades de fotogramas y su desenfoque de movimiento. No te preocupes, lo harás genial. Con eso dicho, aquí te damos algunos consejos sobre qué filmar y cómo filmarlo. Tu historia no necesita ser elaborada. Ir a un lugar. Piensa en tres tomas que podrían contar la historia de las personas en ese lugar o de la ubicación misma. O tal vez estás siguiendo a un animal o a un insecto, limítate a filmar tres tomas que crees que cuentan mejor la historia. Retrocede mucho e incluye mucha de la escena que estás filmando, para que el público pueda ver hacia dónde te acercas. Captura algunos detalles importantes que podrían revelar más sobre la historia que estás contando. Mantenlo sencillo. Incluso puedes contar la historia en dos tiros, o incluso un disparo. ¿ Qué pasa al principio, al medio, y al final? Alguien cava un agujero, luego planta una semilla, y finalmente riega el suelo. Super-simple, nada loco. O filmar a alguien haciendo algo, haciendo galletas, tocando guitarra, o tal vez trabajando. Podrías tener el tiempo y los recursos para apuntar a crear una conexión emocional, y eso es genial. Si no, no te preocupes demasiado por ello, intenta enfocarte en cómo las técnicas que has aprendido en este curso pueden ayudar a la historia que estás contando y sus propósitos. Por ejemplo, veamos la secuencia que filmé. Quería filmar el primer día de primavera y traer un poco de paz y calma e inspiración a los días de la gente. Pensé que mis intenciones para el rodaje estarían bien complementadas usando una profundidad de campo extrema, superficial, usando F2. Disparando en cámara lenta, 120 fotogramas por segundo, con desenfoque de movimiento fílmico 1-250th de segundo y filmando al balance de blancos de 5600 K, pero también agregué calidez adicional en post. Podría haber cambiado mi saldo de blancos en ubicación a algo más cercano a los 6500 K para lograr un look más cálido, pero no lo hice. Ahora si hubiera filmado todo con un enfoque más profundo en 24 fotogramas por segundo, y cambiara mi balance de blancos a algo más fresco, cambiaría toda la sensación de los disparos, la historia y su propósito guiaron mis elecciones técnicas. Siempre miramos primero hacia la historia al tomar decisiones técnicas. Dicho esto, puede que estés enfrentando retos como, condiciones de iluminación, tener muy poco, o tal vez tengas demasiada luz para servir mejor tu historia. Debemos adaptarnos, cambiar, y desafortunadamente, a veces comprometernos. No te reirás. No llorarás. O haz lo que hace Stanley Kubrick y no te conformes con nada menos. Es conocido por adaptar diferentes lentes para tener diferentes habilidades inicio. Zeiss creó su propia lente ultra rápida, un f/0.7 para que Cooper pudiera filmar bajo la luz de las velas. Creo que también modificó las lentes utilizadas en chaqueta de metal completo, para que pudiera mantener un enfoque profundo para adaptarse a la idea de que cada soldado era importante en el marco. Es decir, estoy siendo lengua en mejilla aquí. Obviamente, no todos somos Kubricks con todo el tiempo, y presupuesto para adaptar nuestro equipo para lograr ciertos ajustes que se adapten a la historia. Pero esto solo muestra la longitud, cineastas irán a contar una historia de la manera que consideren conveniente, sin dejar que las limitaciones técnicas descarrilen su visión. Por lo que al menos podemos inspirarnos en esto para quizá encontrar otras formas de superar, desafiantes situaciones de filmación. Para resumir, una historia tiene un principio, un medio, y un final, y puede hacer un impacto emocional. El objetivo final de una historia es crear un cambio. Mantén tus proyectos sencillos. Intenta limitarlo a unos cuantos tiros. Piensa en términos de lo que sucede al principio, medio y final de tu secuencia. Piensa en cómo quieres que tu secuencia llegue a tu público. ¿ Cuáles son tus intenciones, hacer reír a la gente, llorar? Para hacerlos enojar? Diviértete. Experimenta y comete errores para que puedas aprender de ellos, y asegúrate de publicar tus proyectos terminados en el Panel de Proyectos, para que todos puedan ver tu trabajo y puedas obtener retroalimentación. Te veré en la siguiente lección para recapitulación final. Buena suerte. 21. ¡Resumen final y agradecimientos!: Sí. Ya lo has conseguido. Honestamente, eso fue mucho material que cubrimos. Espero que te hayas inspirado para llevar tu cineasta al siguiente nivel. No te sientas mal si necesitas volver a ver alguno del material que podrías estar luchando por entender, o si tienes alguna pregunta, adelante y pregúntalos en la pestaña de discusión y yo los responderé en cuanto pueda. Aquí vamos. El recapitulación final. Elige primero la configuración de tu cámara en función de tu historia y de su propósito. Pero recuerda, hay razones prácticas para elegir ajustes, especialmente si estás limitado por la luz o el engranaje. Apertura es el mecanismo de apertura en lente nueva que controla la luz. Cuanto mayor sea la abertura o menor sea el número f, más luz está dentro y menor será la profundidad de campo. Cuanto menor sea la abertura o mayor sea el número f, menos luz se deja entrar, y mayor será la profundidad de campo. Además de la apertura, los otros factores que alteran la profundidad de campo son, qué tan cerca está un objeto, la distancia focal de la lente y el tamaño de su sensor de cámara. El enfoque profundo trae contextos a tus escenas, entorno y personajes mundo exterior. Enfoque superficial dirige el ojo del espectador y puede llamar la atención sobre los detalles del mundo interior de los personajes. ISO nativo es la sensibilidad general de una cámara a la luz. Cuanto menor sea el ISO, más oscura será la imagen producirá menos ruido y normalmente ofrecerá el mayor rango dinámico junto con una mejor precisión del color. Cuanto mayor sea el ISO, más brillante será la imagen, produciendo más ruido y menos rango dinámico con una precisión de color reducida, adhieren a la toma de fotografías en el ISO nativo de su cámara. De lo contrario, te recomendaría disparar a la ISO más baja tu cámara puede ir. Elige tu velocidad de fotogramas primaria para filmación y reproducción en función de dónde entregarás tu proyecto final. cámara lenta enfatiza el movimiento, llama la atención sobre los momentos y la historia revela mayores detalles de una acción y puede ser una herramienta para suavizar las tomas de mano y el post. La velocidad del obturador controla el desenfoque de movimiento y la exposición. Cuanto mayor sea la velocidad del obturador o menor sea el ángulo del obturador, menos tiempo se expone una imagen, lo que resulta en menos desenfoque de movimiento. Cuanto menor sea la velocidad del obturador o mayor sea el ángulo del obturador, más tiempo se expone una imagen dando como resultado más desenfoque de movimiento. Esta es una herramienta para contar una historia. Use con precaución y recuerde la importancia de la regla de 180 grados y su efecto sobre el desenfoque de movimiento de aspecto fílmico. Confía en tus lecturas de exposición, el histograma, forma de onda y las herramientas de cebra son geniales para garantizar que no estás perdiendo el detalle de una imagen, como recortar los reflejos o aplastar las sombras. Al ajustar la apertura, la ISO o la velocidad de obturación por un tope, bien estamos duplicando o reduciendo a la mitad la cantidad de luz. El ajuste del balance de blancos es la forma en que le decimos nuestra cámara cuál es la temperatura de color de una escena general. Usa tu balance de blancos, o tarjeta gris del 18 por ciento para lograr un balance de blancos adecuado de la escena. Los perfiles estándar son geniales para la velocidad y facilidad. O si estás limitado por el tiempo y el presupuesto, sí rinden un rango dinámico más bajo, perdiendo detalle en tus sombras y reflejos y tienen menos flexibilidad en el post. Filmar en LOG es la mejor opción para flexibilidad y post, dando un alto rango dinámico, más detalle dentro de una imágenes, sombras, y reflejos. LOG sí toma tiempo para ajustar y publicar. Sí, es muy genial que puedas usar la cinta métrica para ajustar enfoque o incluso usar las marcas de tu lente para obtener el foco. Pero en su mayor parte, por favor utilice su función de zoom en su cámara para obtener el enfoque. Peeking es también una gran herramienta. Siempre vuelve a comprobar tu enfoque. Diviértete, experimenta, intenta lo mejor posible. Falla y aprende de errores que no puedes aprender sin intentarlo primero, sube tu secuencia de disparo terminada a la página de proyectos, que otros estudiantes se puedan inspirar a crear los suyos propios, y así podrás obtener retroalimentación. Si has disfrutado de esta clase y la has encontrado valiosa, por favor deja una opinión y lo recomiendo a un amigo o a alguien que conozcas, que crees que podría encontrar valor de ella también. Por favor también sigue mi perfil para estar al día con las nuevas clases. Si no has visto mi clase de técnicas de edición de video, dale un reloj y aplica las técnicas de aprendizaje a la secuencia que acabas de filmar para esta clase. También muchas gracias por ver. Estoy muy agradecido por las respuestas que he recibido desde que empecé a crear cursos, y simplemente estoy muy contento de que la gente esté aprendiendo y creciendo en su trabajo. Me siento muy bien que pueda ser parte de ese viaje. Un enorme agradecimiento a usted por participar en las lecciones y publicar su trabajo. Gracias. Te veré pronto. 22. Lección extra: Desglose del video de entrada: Me di cuenta de que perdí una gran oportunidad de compartir mi propio proceso de pensamiento con configuración de la historia y la cámara usando como ejemplo mi película de introducción. Entonces en esta lección, voy a hablar a través de la intro película para este curso. Al hacer esto, espero poder ayudar a ilustrar aún más cómo la historia y otros obstáculos podrían influir en la configuración de la cámara y en las elecciones de toma de películas. Esta película introductoria tenía unas cuantas capas. Estaba destinado a mostrar lo que los estudiantes aprenderían en el curso, así que quería que el espectador sintiera como si pudieran ver partes de sí mismos en el personaje. El proyecto de clase es crear una secuencia corta. Esta película de intro fue casi como mi propio proyecto de clase para esta clase, es una especie de meta. También quería hacer algo diferente a un video de introducción de cabeza parlante y hacer mi mejor esfuerzo para practicar lo que predico, que es usar la historia para conectarme con tu público. Sabía que para esta clase quería crear una secuencia de cuentos cortos que pudiera agregar a la galería de proyectos para patear las cosas para los estudiantes. Pero entonces por supuesto, me dejé llevar un poco y pensé lo increíble que sería si mi introducción fuera mi proyecto de secuencia de cuentos cortos. Naturalmente, seguí mis ideas y las dejé crecer y lo escribí como un guión suelto. En la lección 3, discutimos qué es una historia. Una historia tiene un principio, medio y fin; y tiene la capacidad de conectarse emocionalmente con su público. Vamos a descomponer la película de intro. En un principio, presentamos a nuestro personaje principal y al narrador a quien también podemos considerar otro personaje en esta historia. inicio también presenta el problema, que es que no tiene un gran agarre de su cámara y de sus ajustes dando como resultado no los mayores tiros, y esto lleva a lo que se conoce como el llamado a la aventura. O el personaje principal puede aceptar la derrota y dejar su cámara en la basura o respondió el llamado para conocer más sobre su cámara y crecer en esa habilidad. El medio de la historia presenta el viaje o la solución, que es mi clase. No estoy tratando de insinuar que mi clase va resolver todos tus problemas cinematográficos, espero que sea útil, pero en la introducción obviamente está por encima de lo más alto a propósito, así que eso se suma a la comedia de la misma. El medio también contiene de qué se trata la clase porque necesito que el alumno entienda en qué se están metiendo. Típicamente en el medio, tenemos lo que se llama acción ascendente, que es donde el personaje se presenta con obstáculos y los supera, y luego más obstáculos, después superar esos hasta llegar al clímax de la historia. En este caso, la acción ascendente es el personaje absorbiendo nueva información y aplicándola prácticamente en diferentes situaciones de filmación. No necesariamente vemos aquí los obstáculos explícitamente, y en su mayor parte, la acción ascendente es rápida y en su mayoría libre de dolor para nuestro personaje, porque quería que los estudiantes se animaran y se emocionaran por aprender más que pensando en los problemas que enfrentarán al tomar el curso y aplicarlo a situaciones de filmación. Hay tantos obstáculos que se interponen en nuestro camino como cineastas, así que no quise poner más de una carga al espectador. Queremos que sea emocionante y alentador. Mirar lo positivo, fue más importante en este caso. El medio de nuestra historia también incluye el clímax, que es cuando nuestro personaje vuelve a la ubicación inicial donde comenzaron todos sus problemas. En este caso, vuelve a filmar la secuencia, seleccionando ajustes de cámara más adecuados para su proyecto, haciendo que logre su objetivo. Esto es cuando llegamos al final de la historia, que es después de que nuestro personaje haya resuelto el conflicto principal. Se ha dado cuenta de cómo usar esta cámara, está bien para irse. Esta parte de la historia incluye cuando obtiene retroalimentación impresionante y filma nuevos proyectos utilizando sus nuevos conocimientos, y luego la carta final con su reacción. Esa reacción final en muchos trailers de películas sería considerada el botón. Por lo general, se burla del público y para excitar un poco más al público. El motivo por el que puse eso ahí fue porque quería que el personaje principal también estuviera reaccionando a la propia tarjeta de título. Es una última cosa para que el público se entusiasme con este increíble curso. Cuando originalmente escribí esto, no tenía todo exactamente como estaba en la edición final. Cada etapa del proceso de producción incluye sumar o restar elementos de la historia. Yo sí, sin embargo, tenía un propósito para la historia, que es que la gente se inscriba en mi clase. Al pasar por el proceso de escritura y rodaje y edición, constantemente estaba sopesando mis opciones de qué elementos de la historia guardar y soltar. Eso fue determinado por el propósito de mi historia. Por ejemplo, originalmente, tenía otro segmento entero donde estaba sentado en mi sofá mirando mi cámara y luego finalmente decidiendo salir a filmar una secuencia. Estás sentado ahí mirando tu cámara. Tu cámara mirándote fijamente. Tú mirando a tu cámara. Tu cámara mirándote fijamente. Estás listo para hacer algo épico. Después de filmarlo y ponerlo en la edición áspera, decidí que no era necesario porque no estaba sirviendo al propósito de las historias. Uno, no agregó nada que no sepamos ya del personaje. Esta escena aquí, creo que revela mejor personaje. Mantener la escena conmigo en el sofá, mirar la cámara sería redundante. Dos, cortarlo nos ayudó a meternos en la carne de la historia más rápido y presenta el problema más rápido también, que espero se relacione con el espectador. Ayuda a retener la atención del espectador y los mantiene comprometidos. En caso de duda, pregúntate, ¿esta idea de elemento afecta la configuración de la cámara, etc.? ¿ Sirve al propósito de la historia? No tengo una tonelada de experiencia filmando a mí mismo, así que esto fue muy desafiante. Porque me estaba filmando, hice un par de cosas para facilitarme la vida. Estas cosas sirven tanto a la historia como no necesariamente sirvieron a la historia. Déjame explicarte. En su mayor parte, estaba disparando a 24 cuadros por segundo. También disparé a 60 fotogramas por segundo para algunos de este tipo de tomas aquí, y disparé a 120 fotogramas por segundo para estos dos disparos de aquí. En su mayor parte, me estaba pegando a un ángulo de obturación de 180 grados para todas las velocidades de fotogramas con la excepción de ésta, que se disparó a una cuatrocentésima de segundo. Podrías estar preguntando por qué, y la razón al principio fue porque quería ser más dramática. Yo quería que la cámara realmente sobresalga. También me preguntaba cómo sería si bajara la velocidad del obturador y aumentara el desenfoque de movimiento del movimiento. Eso podría haber sido interesante también. Pasando adelante, elegí una ISO 1600 porque es la ISO nativa de mi cámara. Podría no haber elegido un f-stop de 5.6 si fuera capaz de operar la cámara. Porque no pude llenarme y operar al mismo tiempo, elegí una abertura que me mantendría en mejor enfoque. No tenía las mejores herramientas para enfocar, así que utilicé este rodillo de espuma para enfocarme y confié en que cuando respondiera el marco y me sentara en esta silla, estaría dentro del campo aceptable de mi cámara para enfocarme. puede ver en algunos de los tiros, no es el más agudo, podría ser más nítido , pero elegir un f-stop más alto me dio un poco más de profundidad y un poco más de espacio para el error a la hora de enfocar. Cuando se trataba de balance de blancos, utilicé luces equilibradas de luz diurna en 5600K, así que puse mi balance de blancos en 5600K. Por eso esta luz de aquí atrás es tan cálida, porque en realidad es 2800K. Pero lo que esto hace aquí es que nos da un bonito contraste con el color, y además añade un poco de calidez a la escena. Otra cosa interesante de esta luz aquí, y no me di cuenta de esto en su momento, pero si se reproduce este disparo a una velocidad diferente, se puede ver que tiene un parpadeo muy débil. También el parpadeo, afortunadamente, no estaba en mi cara, es sólo en las paredes de aquí, y eso no lo hace un gran trato para mí. También filmé en resolución 4K. No tocamos esto en este curso, pero lo que 4K nos permite hacer es colocar un clip 4K en una secuencia HD y tener la capacidad de recortar la imagen y acercar digitalmente la imagen sin perder calidad. La resolución 4K es el doble del tamaño de la resolución HD. Puedes o bien mantener la imagen a una escala del 50% y llegar a ver la totalidad de la imagen o puedes acercar hasta un 100%, recortando efectivamente la imagen donde quieras sin perder calidad cuando emites tu video a HD. Debido a que no tenía la capacidad de operar la cámara, utilicé la resolución 4K para darme la capacidad volver a recortar y publicar en caso de que mi encuadre estuviera apagado. Enfréntate a ti mismo es súper difícil, así que necesitaba esta flexibilidad. En esta toma conmigo en cámara lenta, no tenía 4K disponible, y se puede ver que estoy más lejos a la derecha del cuadro porque no pude verme a mí mismo. Otro de los beneficios de filmar en 4K, que ayudó a la narración, fue que me permitió estos zooms rápidos y locos. Esta clase parece una locura. Esos zooms esencialmente esperan algo de lo que se supone que son momentos cómicos o realizaciones de personajes. Todos estos pequeños movimientos se acumulan, construyen anticipación, ponen énfasis en el carácter y la historia, y realmente están ahí para ayudar a guiar el enfoque y la atención del público, tanto en pantalla como emocionalmente. Wow. Para que lo veas aquí, estoy usando el 4K para re-recortar en el ratón y mi cara para mostrar el pánico que está viviendo el personaje. Si solo fuera a cortar esto sin hacer zoom en cada vez, la secuencia se ve más plana. Con el zoom digital, puedo salirme con la suya casi pareciendo una toma totalmente nueva. Además, esto ilustra la idea de que siempre quieres estar agregando algo nuevo al marco si vas a recortar a la misma toma para que estés brindando al público información nueva que sea relevante para la historia. Si no te estás dando ninguna nueva información, entonces quizás quieras considerar cortar la toma o usar una nueva toma por completo. Uno de los últimos elementos que agregué fue el uso de cámara lenta. Utilizo un poco de movimiento para enfatizar y sobredramatizar momentos como el clic del ratón. Tenemos la anticipación acumulada y exagerada, que contrasta con la realidad o la reproducción en tiempo real del metraje. Es gracioso porque esperas ver metraje épico y luego consigues estos terribles movimientos de karate y metraje subpar. El uso de cámara lenta para sobredramatizar y crear anticipación, ayuda a vender la comedia. Nuevamente, esto sirve a mis intenciones de conectarme con el público usando el humor, convertir estas intenciones para servir al propósito de mi historia, que es animar a la gente a tomar mi curso. Eso es todo para esta lección, chicos. Espero que haya sido útil, y espero que ayude a ilustrar cómo cada elemento del proceso de producción está determinado por el propósito general de la historia que estás contando. Muchas gracias por ver. Gracias por las críticas increíbles chicos. Tengo muchas ganas de verte en mi próximo curso muy pronto.