Técnicas de edición de video: crea ediciones suaves: crea ediciones suaves:

1. Introducción: [ MÚSICA] Como editores de video, somos como magos. Cuida mis manos de cerca. Tomaré este as de corazones, lo pondré en medio de la cubierta, y lo sacaré hasta la cima. Ahí está, no está mal. Cuando un mago realiza un gran truco, no te das cuenta de un juego de manos. No te das cuenta de ninguna de las transiciones suaves empleadas para hacer que el truco funcione, pero lo que mejor hacen los magos es guiar la atención del público usando la desdirección. Por supuesto, no sé cómo hacer ninguno de estos trucos de cartas de lujo, pero pude crear juego de manos, desdirección, haciendo lo sí sé hacer, que es editar. Hola, soy Sean Deakin, cineasta y editor, y quiero enseñarte las técnicas para crear una edición suave. Una edición suave contiene una serie de técnicas de edición de vídeo. En esta clase, nos vamos a centrar en cómo crear conexiones visuales suaves entre tomas. Esto incluye principios de edición suave, creación de ediciones y transiciones suaves, movimiento suave, desenfoque de movimiento cinematográfico y técnicas prácticas de edición que puedes aplicar a tu propio proyecto. Nuestro proyecto de clase es un anuncio corto y emocionante para una marca de vodka. Esto no es necesariamente un tutorial paso a paso. Vas a tener mucha libertad para usar las técnicas de aprendizaje para crear tu propio edit y a tu manera creativa. Este curso es para editores de video intermedios, y se recomienda que tengas una comprensión básica de cómo editar. Estaremos utilizando Premiere Pro y After Effects para este proyecto. Dicho esto, hay muchas técnicas de edición de video de las que cualquier nivel de habilidad puede aprender, y aplicar a cualquier programa de edición. Si no quieres usar After Effects, aún puedes completar un proyecto dentro de Premiere. Las técnicas aprendidas en esta clase se basarán en la base de tus habilidades de edición y te darán las habilidades para crear ediciones y transiciones fluidas. Esta vez, no hay trucos de edición de video. As de corazones en medio de la cubierta, y sacudirlo. [ MÚSICA] 2. Proyecto de clase: Muchas gracias por tomar esta clase. Estoy súper emocionado con este proyecto de clase porque es corto y rápido y hay toneladas de espacio para experimentar aquí y para probar técnicas de edición suaves. Vamos a meternos en ello. Nuestro proyecto de clase es un anuncio corto para una empresa de vodka. La empresa, sin embargo, no es real. Yo lo hice por completo, así que tenemos un control creativo completo sobre lo que podemos hacer con esto. Eso también significa que si terminas creando tu propio proyecto, puedes publicarlo en tus propias redes sociales donde quieras, siempre sea solo para uso personal. Simplemente pido que me acrediten el curso y a mí mismo para que otras personas puedan descubrir y tomar la clase y crear su propio proyecto también. Seré bastante específico sobre cómo trabajo con este anuncio, pero siéntete libre de editarlo de cualquier manera que te inspires a que te parezca conveniente. Puedes cambiar los colores, puedes cambiar la longitud, puedes hacer anuncio de cinco segundos, un anuncio de un minuto, puedes hacer lo que quieras con esto. Pero te animo mucho a mantenerlo sencillo. No más de complicarlo porque se puede salir de las manos. Este no es un tutorial donde debes seguir junto con cada paso, pero las técnicas y procesos aprendidos serán muy aplicables a cualquier proyecto en el que trabajes. Voy a hacer todo lo posible para ilustrar técnicas y el proceso a través mi propio proyecto sin entrar demasiado en detalles porque no necesariamente es un tutorial de seguimiento . Adelante, descarga los activos incluidos y cárgalos en Premiere Pro para familiarizarte con ellos. Un recordatorio, este es un curso intermedio y el proyecto puede variar en dificultad dependiendo de lo que decidas hacer con él, desde muy simple hasta extremadamente avanzado, necesitarás algo de experiencia con edición y Premiere Pro. Tener una comprensión básica de cómo funciona Premiere Pro y fotogramas clave es un plus. También vamos a saltar a After Effects, hacer ajustes a movimientos y terminar nuestro proyecto. Seré un poco más específico en guiar por After Effects, pero de nuevo, alguna experiencia hay un plus. Si resulta que eres algo After Effects adverso, como yo, existe la opción de terminar tu proyecto en Premiere Pro, pero simplemente no hay tiempo suficiente en esta clase para pasar por eso proceso. No obstante, muchas de las cosas que pasaremos en After Effects serán aplicables a Premiere Pro. Si te estás quedando atascado con alguna de las técnicas o ideas, por favor siéntete libre de preguntar en la pestaña de la discusión. Una última cosa técnica a saber, uso una Lazy Susan electrónica que no fue la más eficiente, así que ten en cuenta que en algún momento en algunos de los disparos de rotación de botella, la Lazy Susan se detiene brevemente por un momento y luego vuelve a acelerarse, por lo que es posible que quieras cortar alrededor de eso. Antes de entrar en las técnicas de edición suave, vamos a hablar de cómo contar la historia de la marca. 3. Cómo contar la historia de la marca: [ MÚSICA] Normalmente puedes ahorrarte muchos dolores de cabeza al comenzar un proyecto en él mirando hacia el breve creativo. Un breve creativo es básicamente una lista de restricciones creativas que ayudan a guiar tu toma de decisiones creativas en un proyecto y contar la historia de una marca. Pero, ¿qué pasa cuando no tienes un breve creativo? En nuestro caso, no tenemos un breve creativo. Eso suma un nivel extra de desafío. Nuevamente para ser súper claro, esta es una marca completamente conformada. No te confundas, solo me estoy enviando un correo electrónico, haciendo un juego de rol esencialmente. Se supone que sea divertido, informativo, y educativo. Este es el primer correo electrónico que recibimos del propio equipo de marketing sobre qué tipo de anuncio están buscando. Parece que son una marca totalmente nueva. No tienen muchos detalles, pero sí mencionan que buscan un anuncio entre 10-30 segundos. Además, es un anuncio de vodka. Sabemos que nuestro público necesita tener 18 años o más, o 21 y más dependiendo de dónde vivas. Otra cosa que tenemos disponible adjunto es este anuncio en línea. Aquí tenemos la botella, el nombre, y el eslogan, abre tu mente, y un breve blurb sobre la bebida y la compañía misma. Ya con estas pequeñas cantidades de información, tenemos alguna idea de lo que es la empresa y lo que representan. Ahora, ya le he dado a esto un poco pensamiento antes incluso de filmar el anuncio corto, y yo también creé este anuncio en sí mismo. Ya sé a qué iba yo, así que sé que es hacer trampa. En primer lugar, si no tengo suficiente información y no me siento seguro de empezar a editar, haré preguntas. Te preguntaré, ¿cuál es el propósito del proyecto? ¿ Cuál es el objetivo del proyecto? ¿ Cuál es el punto? ¿ Qué queremos que haga el público después de verlo? ¿ Qué tipo de tono? ¿ Qué quieren que se sienta el público? ¿ Se supone que está desmayado, se supone que es grave? ¿ Cuánto dura la edición? Esto por supuesto te ayuda a ahorrar tiempo. Solo editando a la longitud que necesites. ¿ A dónde va a ir? ¿ Se va a poner en línea? ¿Se va a ir al teatro? ¿ Se va a ir, a dónde va a ir? Entonces a veces preguntaré, quién es el público objetivo. Pero muchas de las veces solo puedes ir con la información que te dan y llegar a tus propias conclusiones. Vamos a golpear “Enviar” y genial, tenemos una respuesta. Como puedes ver aquí, el equipo de marketing no sabe exactamente lo que quieren. Eso está bien. En casos como este, solo quieren que les des algo. Cuando haces eso, entonces se dan cuenta oh, en realidad queremos esto, o se dan cuenta de que eso es brillante. Sí, eso es exactamente lo que queríamos y van a tomar el crédito por eso. Vamos a darle a “Enviar”. He ido adelante y he juntado rápidamente y editado de acuerdo al requisito de longitud para este anuncio. Por supuesto, normalmente lo haré después de ver todas las imágenes y elegir mis selecciones. El edit es aburrido. realidad no hay nada emocionante en ello, pero es un buen lugar para empezar y te da una idea de cómo se están cortando las cosas, pero le falta carácter. No cumple con el propósito de la marca. A lo que me refiero con esto es que lo único que es reconocible en este producto es el logotipo, entonces los colores de la marca realmente. Tenemos que empezar a estratificar en algunas ediciones, algún efecto, algunas ideas para emular la marca, para ilustrar la marca, porque la propia marca tiene su propia vida y carácter. Podemos resolverlo mirando los atributos de la empresa e imitar esos atributos a través de técnicas de edición. El primer paso, naturalmente, vas a empezar a conseguir ideas como correo electrónico de lectura ya que estás revisando metraje. Es importante tomar nota de estas ideas y tenerlas en cuenta. Enseguida el nombre lo regaló para mí, Vrtigo, que es lo que algunos podrían experimentar con desequilibrio sugiere que posiblemente podemos alterar el ángulo de la cámara para ilustrar la marca a través del movimiento por creando rotaciones, o probablemente la idea más obvia sería crear un tiro y post Vrtigo para mostrar perspectiva de una manera única. Esto también habla de tener conversación. El disparo vertical te da esta perspectiva única que cambia constantemente a través de su movimiento. Eso contribuye a la misión de la empresa de ser abierto y receptivo a diferentes ideas y opiniones. Entonces también tenemos esta pista aquí donde dice, conversaciones tanto serias como deslumbradas, lo que podría contribuir al tono general de este proyecto. Este poco de información sobre la empresa, podemos empezar a dar forma a algunas ideas de cómo editar esto. ¿ Cómo crearías ediciones que sean serias y juguetonas que se basen en la conversación? Bueno, se podría pensar en el ritmo de una conversación, cómo eso podría incluir interrupciones. A lo mejor fluye muy bien. A lo mejor ese es el ritmo. O si pensamos en la conversación como un efecto, podrías pensar en un efecto de espejado de algún tipo. Porque cuando dos personas en una conversación, están escuchando y respondiendo, escuchando y respondiendo. A lo mejor el efecto de espejado puede emular a dos personas diferentes que encuentran terreno en común. Sé que esto podría sonar ridículo, pero de esto se trata. Estás tratando de crear significado a partir de los pocos detalles que tienes. Te ayudará a idear algunas ideas de inmediato que puedes implementar y probar de inmediato. Incluso comenzaría a lanzar estos clips en la línea de tiempo antes incluso tener una edición aproximada juntos y probar algunas de estas ideas. Ve cuáles se pegan, ve cuáles se sienten bien, que estás emocionado, que se sienten bien para el proyecto, que se sienten bien para la marca, y toma nota de esas cosas. Eventualmente encontrarás una dirección a través de eso. Escucha tus primeros instintos aunque suene raro. No te preocupes por hacerlo bien. Estamos en la fase de exploración. Se puede equivocar. Simplemente empieza con esa idea y deja que evolucione a partir de ahí y trabaje con ella. Por ejemplo, mi primer instinto fue usar la música de síntesis de los 80s para esto porque sentí que quería golpear esa nostalgia del producto. [ MÚSICA] El problema terminó siendo que elegí música con letras específicas que no encajaban del todo con la marca. A mí me gusta el track, quería que funcionara, pero no pude encontrar del todo otro track que tuviera esa misma sensación y que no contuviera letras tan específicas. Acabo de deshacerme de esa idea. Yo quería que el efecto Vrtigo funcionara. Por una variedad de razones simplemente no funcionó del todo de la manera que quería. Seguramente podrías hacerlo funcionar, pero terminé soltando esa idea aunque hubiera sido tan perfecta porque la marca es Vrtigo y el tiro es Vrtigo. Bueno, no se los puede ganar a todos. No es realmente útil comprometerse con cada idea, obtendrás un puré de diferentes efectos. El edit se desenfocará y el público se confundirá cuanto a lo que intentas hacer con la edición. Si tienes toallitas estelares y se desvanece y diablos, lanzemos algunas transiciones venecianas ciegas ahí dentro, y luego tal vez algunos efectos de coloración, y agregas esos todos a la edición, va a ser un lío. Mi sugerencia, apégate a algunas ideas diferentes que realmente funcionan bien juntas y sirven al propósito de tu edición. Por ejemplo, en mi edición de proyecto, me he pegado mayormente a movimientos digitales y rampas de velocidad y también a través la impar edición invisible para mantener esa sensación de flujo moviéndose a lo largo de la edición. Otra cosa importante a destacar, las rotaciones animadas son probablemente algunos de los movimientos más notables, pero no lo usé en cada edición. Yo quería que mantuviera su especialidad y su importancia cuando se trataba de la propia marca. Traté de enfatizar mayormente este movimiento alrededor los disparos de producto héroe o botella para que atrajo más atención a la marca. Usar demasiado un efecto puede reducir el significado del efecto y crear previsibilidad en tu edición. Ahora, en algunos casos cuando se trata de un proyecto tan corto, es necesario establecer el estilo rápidamente para entonces podría ser útil usar un efecto en cada clip. Ahora que tengo todas estas ideas, puedo empezar a aplicarlas a mi edición en bruto y realmente crear un personaje a esta edición. Recordatorio, asegúrate de que tu secuencia esté establecida en 1920 por 1080, para que puedas hacer pleno uso de los movimientos digitales sin perder detalle en la imagen. Por supuesto, después de ajustar la configuración de la secuencia, todos tus clips 4K superarán el tamaño de fotograma de tu configuración de secuencia. Para gestos clips para que coincidan con el tamaño de fotograma, puede reducir manualmente cada clip o reducir manualmente un clip al 50 por ciento y copiar atributos de pegado al resto de los clips, asegurando que se seleccione el movimiento. Pero la forma más rápida es simplemente seleccionar todos los clips, hacer clic con el botón derecho y seleccionar “Establecer a tamaño de marco”. El uso de la función Establecer a tamaño de fotograma reducirá automáticamente los clips elegidos al tamaño de fotograma de secuencia, que es exactamente la mitad del tamaño de nuestros clips 4K. resumen, podemos agregar vida a la edición mirando el carácter de la propia marca. Estos atributos de carácter pueden luego traducirse en estilo de edición a través de diferentes técnicas de edición. No necesitas usar todas las ideas y definiciones, lo contrario corres el riesgo de tu edición se desenfoque. En la siguiente lección, vamos a hablar de emparejamiento en acción. 4. Comparar/cortar sobre la acción: [ MÚSICA] Cortar en acción o emparejar en acción es una forma práctica de crear un corte suave. El emparejamiento en acción normalmente se refiere a dos tomas diferentes cortadas juntas en la acción de un personaje o un objeto. Incluso puedes cortar el movimiento de la cámara. Básicamente, siempre y cuando estés cortando el movimiento o acción o movimiento, vas a tener un tiempo más fácil ocultando esa edición al público. Al hacer coincidir en acción, estás creando un puente visual entre tomas. Distraiga al espectador de la edición, porque están enfocados en el movimiento que conecta las dos tomas diferentes juntas. A medida que cortan un borrador aproximado de su historia, busque formas de conectar los disparos a través del movimiento. También intenta pegarse al corte entre clips con movimiento y dirección similares. De lo contrario puede ser una edición de secado. Al pasar por mi propia edición, encontré estas dos tomas que creo que van a cortar muy bien juntas. Tenemos el movimiento de la gorra y el movimiento del hielo atrayendo nuestra mirada, y cuando los conectemos juntos, los emparejamos en acción, ya vamos a tener algo súper suave a la vista. Es tan simple como eso. Además de emparejar en acción o cortar en acción, también busque oportunidades de traza ocular. El rastreo de ojos se refiere a dónde está mirando el público dentro del marco en un momento dado. Nuestros ojos se sienten más atraídos por los rasgos humanos. Los ojos colores brillantes, áreas de alto contraste, texto y movimiento. Nuestro proyecto de edición presenta mayormente movimiento, contraste, textos y colores brillantes. Nuevamente, debido a que tenemos metraje 4K dentro de la línea de tiempo 1080P, podemos reajustar la posición, escala y rotación de nuestros clips sin perder detalle. Por supuesto, el propósito de esto es para que podamos crear nuestro propio movimiento dentro cada disparo para crear cortes suaves y transiciones suaves. Ten en cuenta estas cosas con cada edición que hagas. A partir de este corte, nuestro punto de traza de ojos está aquí, y luego en el siguiente corte, nuestro punto de traza de ojos está aquí abajo en el fondo del vaso. Pero debido al hielo en movimiento, nuestro cerebro es engañado para que siga este movimiento de la tapa y abajo con este cubo de hielo. Hemos logrado igualar sobre la acción, pero no necesariamente sobre el rastro de los ojos. Incluso podemos extender ese editar un poco también. Podría incluso tenerlo apenas a punto de salir del marco. Una nota lateral rápida, podría haber escuchado que debería esperar a que el objeto en movimiento dentro del disparo deje el disparo antes de hacer un corte. Pero no siempre hay que hacer eso, porque el tope se mueve tan rápido y estamos recortando la acción, podemos salirnos con la suya con cortes que no necesariamente siguen las reglas de continuidad. Ahora he escalado hacia arriba en nuestro marco y ajustado la posición. Estamos trabajando con rastros de ojos un poco mejor de esta manera, porque el cubo de hielo aterriza en nuestro punto de traza de ojos muy rápidamente. Tus ojos no tienen que ajustar la posición entre estos dos disparos. Si quisieras manipular el marco para ajustarlo un poco mejor para trazar los ojos, puedes hacerlo. En este caso, creo que la composición de este tiro cercano no es tan grande. Es demasiado asimétrico para mí y es más difícil identificar que es un vaso cuando está tan cerca, podría incluso ser un jarrón o algún otro recipiente de vidrio. No me gusta tanto esa composición. El partido en acción funciona tan bien que el rastro de ojos no hace tanta diferencia en distraer tu ojo del corte. Pero volvamos a eso. Un mito sobre el uso de rastros de ojos es que necesitas cortar de un disparo a otro y tener lo que sea que te atraiga el ojo dentro de la posición idéntica de tu siguiente disparo. Pero ese no siempre es el caso, porque nuestro tiempo de reacción no es tan rápido. No es que veamos un disparo y inmediato sabemos lo que estamos mirando. En este caso, el hielo se está moviendo tan rápido y llegando a nuestro punto de traza ocular dentro de tres o cuatro marcos, nuestros ojos apenas se están ajustando al siguiente disparo antes de que tengamos oportunidad de ver lo que es pasando. En realidad en algunos casos quieres que tu punto de traza de ojos caiga en el siguiente disparo y su punto de traza ocular. Para recapitular, emparejar en acción o cortar en acción, es cuando se corta en el movimiento de un disparo al movimiento del siguiente disparo. No necesariamente es necesario que los movimientos se estén moviendo de manera unilateral, pero si se están moviendo en la misma dirección, es mucho más fácil que tu ojo siga. Si puedes crear un rastro de ojos más efectivo con tu corte en acción, entonces en teoría, tus ediciones serán aún más suaves. Pero no comprometas la composición ni la historia de tu edición o tu clip solo porque puedes lograr rastro de ojos recomponiendo tu tiro y post. ocasiones, cortar en acción es adecuado para ocultar las ediciones y crear un corte suave. 5. Crea movimientos suaves.: [ MÚSICA] En esta lección, aprenderemos a ganar más control y personalización sobre tus movimientos digitales utilizando fotogramas clave. Uno de los mayores errores cometidos cuando keyframe gráficos, o animación, o cualquier cosa en movimiento es utilizar sólo la interpolación lineal. Cuando hablamos acción en vivo o gráficos animados, interpolación es lo que sucede entre los fotogramas clave. interpolación es la forma en que su software determina los valores entre estos puntos. Por ejemplo, digamos que estamos animando este cuadrado morado. Animaremos la escala, por lo que crearemos un fotograma clave al principio de nuestro clip y nos moveremos hasta el final y crearemos otra clave, y porque quiero animar esto de 0-100, pasemos a nuestra primera fotograma clave. Establezca eso en cero, y por defecto obtenemos esta interpolación lineal entre nuestros fotogramas clave, que comienza abruptamente y termina abruptamente. Se trata de una velocidad constante a lo largo de la totalidad de la animación. Ahora si queremos ver qué está pasando visualmente aquí, podemos hacer click en este triángulo a la izquierda de nuestra propiedad de escala, y ahora abre este lío aquí mismo. Para obtener una mejor vista de lo que está pasando aquí, podemos hacer clic en esta delgada línea gris en la parte inferior de nuestro gráfico de velocidad, y esta otra delgada línea gris en nuestro gráfico de valores. Hay dos gráficos, dos formas diferentes de ver visualmente lo que está pasando con nuestra animación. Tenemos el gráfico de valores aquí arriba, que mide valor a lo largo del tiempo, y el gráfico de velocidad aquí abajo, que mide la velocidad a lo largo del tiempo. Si nos movemos de izquierda a derecha, dependiendo de dónde esté un cabezal de reproducción, se está cruzando con nuestra línea de valor aquí mismo, y se puede ver que se está moviendo de manera lineal de 0-100 a un ritmo constante. Mira hacia abajo nuestro gráfico de velocidad, podemos ver aquí nuestra velocidad está en cero. Pero una vez que llegamos a nuestro primer fotograma clave, bam, estamos a una velocidad que se mantiene constante a lo largo de la totalidad de la animación. Este tipo de movimientos no ve ni se siente orgánico o real realmente de ninguna manera porque no creo que haya nada en la naturaleza que se mueva así. Incluso los movimientos mecánicos tienen alguna variación de velocidad y carácter para ellos. Eso no significa que no se pueda usar la interpolación lineal. Basta con tener en cuenta el tipo de look que ofrece y que no se ve el más natural. Para crear movimiento realista, necesitamos cambiar el modo de interpolación. El lugar más obvio para empezar, y tal vez ya estás haciendo esto es cambiar tu interpolación para relajarte o relajarte. Haz clic derecho en el fotograma clave, haz clic en “Easy Out” cuando comienza una animación y “Easy In” cuando termina una animación. Ahora hemos cambiado nuestra interpolación de lineal a tener curvas Bezier. Cualquier curva que cree dentro del gráfico de valores se considera una curva Bezier. Las funciones de facilidad de entrada y facilidad de salida son solo tipos de curvas muy específicos disponibles en el menú de fotogramas clave. Con esto ahora hemos logrado animaciones de entrada y salida muy suaves. Nuestro gráfico de velocidad también ha cambiado. Se puede ver que estamos empezando en cero, acelerando hasta la velocidad máxima aquí mismo, y luego disminuyendo de nuevo a cero. Por lo que el gráfico de valores es diferente en que mide el valor a lo largo del tiempo en lugar de la velocidad. Cuanto más pronunciada es la pendiente, más rápido es el movimiento, mientras que las pendientes más bajas, el movimiento es mucho más lento. Es genial porque ahora tienes dos formas diferentes de ver la información de lo que está pasando entre tus fotogramas clave. Solo usar easy out, in Bezier curvas es la forma más rápida de obtener movimiento orgánico suave cuando keyframe, y a veces estos presets fáciles de facilidad no son suficientes para tu animación, y para obtener más personalización y control sobre lo que estás haciendo, simplemente puedes ajustar las asas por tu cuenta. Asegúrate de que cuando estés ajustando estos manejadores tienes seleccionado el reescalado automático del rango. De lo contrario, porciones de tu gráfica van a salir fuera de la vista. Cuando estás ajustando las asas en tu animación, puedes ver nuestro gráfico de valores y nuestro gráfico de velocidad está cambiando, y podemos conseguir algunos looks realmente interesantes solo meternos con las curvas. Podrías haber tenido este problema en el que estableces tu fotograma clave en cero y tu segundo fotograma clave en un 100 y estás pensando, bien, va a ir de 0-100. Pero luego lo vuelves a tocar, y es como, “Wow, ok. [ RISAS] Escalamos más allá de nuestro segundo fotograma clave”. Cuando no estás mirando el gráfico de animación, es muy frustrante porque estás viendo, espera un segundo, mi primer fotograma clave está establecido 100 y mis segundos fotogramas clave en cero. ¿ Qué está pasando aquí? Esto no tiene ningún sentido, y es porque no estás mirando lo que está pasando visualmente cuando solo ves los fotogramas clave. Si quieres evitar este tipo de conductas, es sencillo. Simplemente mantén tus curvas entre estas dos líneas horizontales imaginarias y estarás bien. El orden de las operaciones que más sentido para mí es solo para arrasar tu animación primero con fotogramas clave lineales, luego agregar tus alivios, tus curvas Bezier, y luego entrar en tu gráfica y suavizar todo, consigue la velocidad y el cronometraje de la forma que quieras. Obtienes mucho más personalización, y el look es mucho más único para todos y cada uno de los proyectos que asumas. Lo que te recomendaría que hagas ahora es experimentar con curvas de animación y ver qué tipo de movimientos únicos se te puede llegar. Edita el gráfico de valores donde sea posible, no es posible editar el gráfico de valores en posición dentro de Premiere Pro, y te explicaré por qué no puedes hacerlo en una lección posterior. Pero no te adelantes demasiado con tu propio proyecto antes de ver las próximas lecciones porque te ayudarán a decidir el mejor flujo de trabajo para tu resultado deseado. Recap, usando curvas Bezier facilita, te da un aspecto más orgánico a tus movimientos. Para obtener aún más control y personalización sobre tus movimientos, abre tu gráfico de animación y realiza ajustes a partir de ahí. Recuerda, el gráfico de velocidad y el gráfico de valores son dos formas diferentes de transmitir información con tu interpolación de movimientos. hay absolutamente nada malo en usar curvas Bezier, facilidad de entrada, facilidad de salida, pero es bueno saber cómo usar esta función, así que cuando estás en una situación en la que necesitas ajustar tu facilita más específicamente, se puede. [ MÚSICA] 6. Motion Blur: [ MÚSICA] Para que tus movimientos se vean aún más realistas y tus ediciones aún más suaves, tendremos que añadir desenfoque de movimiento. Al ver películas, esperamos ver cierta cualidad de desenfoque de movimiento dentro de los movimientos de la cámara y los objetos en movimiento. Poder recrear el desenfoque de movimiento similar dentro nuestro propio proyecto ayudará a vender los movimientos y las ediciones de manera más efectiva. Ahora, por lo general, podría abrir After Effects, abofetear algunos fotogramas clave, luego habilitar el desenfoque de movimiento, y este es un flujo de trabajo fino, especialmente para proyectos con movimientos más complejos. Pero en algunos casos, puede que tengas algunos movimientos animados simples, no necesariamente quieres mover todo a After Effects. En este caso, para mantener las cosas simples y mayormente fáciles, más sobre eso más adelante, podemos usar el efecto Transformar. Es importante para esta lección que ajustes de secuencia coincidan con los de los clips. No te preocupes, va a tener sentido en la siguiente lección. Pero por ahora, si quieres seguir y probar estas ideas, sugiero crear una nueva secuencia que coincida con la configuración de tu clip. Añadamos el efecto Transformar. Haga clic en su capa, navegue hasta el panel Efectos, escriba transformada, luego notará que hay dos efectos de transformación. La única diferencia de lo que puedo decir es que una tiene la casilla de verificación Escala Uniforme desmarcada y la otra tiene marcada la casilla de verificación Escala Uniforme. [ RISAS] No hay una gran diferencia entre los dos, no sé por qué necesitan tener dos, pero este efecto, te voy a advertir, es un poco glitchy en algunos casos. Porque queremos que nuestra escala se mantenga uniforme, eliminaremos este primer efecto y apegaremos al segundo efecto Transformar. Notarás de inmediato que, el efecto Transformar tiene todas las mismas propiedades que nuestros efectos de movimiento. La única diferencia es que tenemos la capacidad de cambiar el sesgo de nuestro cubo y podemos ajustar el ángulo del obturador. Podrías haberte preguntado qué significa realmente el ángulo del obturador. Lo ves y piensas ¿ cuál es este número arbitrario? Esto ya lo he explicado antes en mi clase de técnicas de cine, por lo que te daré las notas de cierre. Cuanto menor o menor sea el ángulo de obturación, menos desenfoque de movimiento estará presente. Cuanto más alto o más ancho sea el ángulo de obturación, más desenfoque de movimiento. Esto se debe a que cuanto más tiempo golpee la luz al sensor o película de una cámara, más larga será la exposición captando más movimiento dentro de un fotograma individual. El punto dulce para el desenfoque de movimiento cinematográfico es de 180 grados. No necesitas pegarte al obturador de 180 grados si prefieres más o menos desenfoque, pero solo debes saber que un ángulo de obturación de 180 grados dará resultados que se vean más cerca de las películas. Ahora que entiendes lo que es un ángulo de obturación, puedes hacer una elección mucho más informada al marcar en el tipo de desenfoque de movimiento que buscas. Para nosotros, tiene más sentido pegarse a un obturador de 180 grados porque el proyecto fue disparado en un obturador de 180 grados. El desenfoque de movimiento de nuestros movimientos será el más realista y se mantendrá el más fiel a lo que se disparó al pegarse a un ángulo de obturación de 180 grados. Deseleccionar Usar Ángulo de Obturador de Composición porque no tenemos una composición dentro de Premiere Pro determinando cuál es ya el ángulo de obturación. Ajuste nuestro ángulo de obturación en 180. Una vez que hagamos esto, cualquiera de los movimientos de fotogramas clave que aplicamos dentro de nuestro efecto Transformar contendrá desenfoque de movimiento. Probemos esto agregando un fotograma clave a nuestra posición. Vamos a mover esto realmente por aquí, vamos a movernos un poco más allá, y luego movemos eso todo el camino hasta allí. Mueva los fotogramas clave más cerca juntos para aumentar la velocidad de movimiento. Ahora lo puedes ver. [ inaudible] Lo pausamos. Se puede ver el desenfoque de movimiento dentro de nuestro cubo. Nosotros lo volteamos todo el camino a 0. Sin desenfoque de movimiento. Haz clic en él todo el camino hasta 360, obtienes una intensa cantidad de desenfoque de movimiento, pero recuerda, quieres apegarte a un desenfoque de movimiento de aspecto cinematográfico realista. Se adhieren al obturador de 180 grados, o se adhieren al obturador en el que se disparó el proyecto, lo más probable es un obturador de 180 grados. El desenfoque de movimiento ahora nos da una mirada mucho más realista a nuestros movimientos y cualquier movimiento digital que aplicemos dentro de nuestro proyecto coincidirá con el desenfoque de movimiento de los movimientos que se hicieron en cámara. Para el muestreo, podrías apegarte a bilineal. Todo esto significa es que la computadora está usando menos procesamiento, pero la calidad del desenfoque de movimiento no es tan suave. No obstante, cuando lo cambias a bicúbico, el equipo está procesando más información lo que debería resultar en un desenfoque de movimiento más suave de mayor calidad. Pero en su mayor parte, no noto una diferencia. Es posible que notes una diferencia en el proyecto en el que estás trabajando, y si ese es el caso y necesitas la más alta calidad, apégate al bicúbico. No he hecho ninguna prueba al respecto, así que no sé cuánto más efectivo es, pero diría que vaya con la mejor calidad de los dos dependiendo de su proyecto. Para recapitular, si quieres vender tus movimientos digitales a la audiencia, necesitas agregar desenfoque de movimiento. Cuanto más alto sea tu ángulo de obturación, más desenfoque de movimiento obtendrás, menor será tu ángulo de obturación, obtendrás menos desenfoque de movimiento. Para ese look fílmico, apégate a un ángulo de obturación de 180 grados, o simplemente haz coincidir tu ángulo de obturación con el que sea el ángulo de obturación con el que se disparó el proyecto. Puedes lograr el desenfoque de movimiento usando el efecto Transformar dentro de Premiere Pro. Sólo ten cuidado, porque puede ser un poco glitchy. Para movimientos simples, proyectos, animaciones de texto, es genial, pero para proyectos y movimientos más complejos, sugeriría terminar su proyecto dentro After Effects y habilitar el desenfoque de movimiento allí. 7. Premiere Pro VS After Effects: Ahora que tienes una mejor idea de cómo crear movimiento orgánico, realista, quiero asegurarme de que entiendas los pros y los contras de usar Adobe Premiere Pro versus After Effects. [ MÚSICA] Empujaría para usar el efecto Transformar cuando estás creando animaciones simples dentro de Premiere Pro, esto podría ser efectos de texto. Por ejemplo, para mis clases, uso el efecto Transformar para mis títulos porque son simples y para crear un proyecto After Effects y luego agregar desenfoque de movimiento a mis efectos de textos y después tengo que cambiar el texto. Entonces si tengo un error tipográfico encendido, tengo que cambiarlo de nuevo que tengo que volver a After Effects y sólo toma mucho más tiempo hacerlo. Para material de archivo que coincida con la configuración de tu secuencia, Es un gran efecto que te permite lograr rápidamente animaciones de aspecto After Effects dentro de Premiere Pro de forma rápida y sin tener que abrir arriba After Effects en primer lugar. Pero voy a decir que sí tiene sus inconvenientes. El mayor inconveniente de usar Adobe Premiere Pro para keyframes personalizados es que no es el más fácil de usar. Es posible que te encuentres ajustando la ventana gráfica de animación constantemente a medida que realizas ajustes en movimientos entre dos tomas. No se pueden ajustar estos manejadores en su lugar, y no hay tantas opciones de visualización de gráficos disponibles. También se puede ver con la propiedad de posición, solo tenemos la capacidad de animar el gráfico de velocidad y no el gráfico de valores. En tanto que en Adobe After Effects, tenemos esta habilidad. Por el momento en que estás usando clips 4K dentro de una línea de tiempo de 1080p, puede ponerse muy glitchy trabajar con el problema con los clips de Forky dentro de una línea de tiempo de 1080p, usando el efecto de transformación es que obtienes estos puntos de anclaje onky al alterar la propiedad de rotación. Una vez que haces emparejar el 4K recortado a un punto de anclaje de 1080p ajustando la posición y el ancla, luego genial, gira en el centro del clip. Pero entonces eventualmente obtienen la extraña falla donde cuando dejé de reproducir el metraje, el marco saltará y se posicionará. La única forma de obtener una representación precisa del efecto es renderizar los clips con el efecto Transformar, que no es una solución muy práctica hora de agregar y ajustar fotogramas clave. Si Adobe corrige este efecto y tal vez hace que los gráficos de animación dentro de Premiere Pro sean un poco más fáciles trabajar consideraría usar el efecto de transformación para proyectos con secuencias de 1080p que contengan clips 4K. Si quieres apegarte a usar herramienta de transformación de Premiere Pro y no sea glitchy, entonces apégate a usar tus clips 4K dentro de una secuencia de cuatro cursos, o usa tus clips de 1080p dentro de una secuencia de 1080p. Ten en cuenta que si vas por encima de la escala 100 por ciento, perderás calidad en tu imagen. Si estás haciendo movimientos animados, eso no significa que no puedas empujar más allá del 100 por ciento. Basta con tener en cuenta que cuando empujas más allá del 100 por ciento, estás perdiendo calidad en tu imagen. Esto no importa tanto si estás usando estrictamente la escala como parte de una transición. Por ejemplo, en este proyecto que completé completamente usando la herramienta de transformación en Premiere Pro, me he pegado a usar la escala solo en mis transiciones. De esta forma, el espectador puede ver lo que está sucediendo durante las tomas y puede ver toda la calidad de la imagen. Pero durante las transiciones los movimientos están ocurriendo tan rápido que la degradación de la calidad no importa tanto. Considerando el tiempo de entrega, las cantidades de diferentes cortes que tuve que hacer para este proyecto. Considerando que los clips eran 1920 por 1080, tenía más sentido crear estas transiciones dentro de Premiere Pro. After Effects también tiene sus beneficios, menos glitchy, más fácil de trabajar, y también puedes crear tu secuencia 4K dentro una línea de tiempo de 1080p, utilizando el re-encuadre digital. Cuando estés creando rotaciones digitales, verás menos del cultivo cuando te empujes más adentro. Pero por supuesto, After Effects toma tiempo para aprender. Es fácil para tus proyectos, conviértete en muy complejo y toma más tiempo para requerir más potencia informática. Tendrás que visualizar más del movimiento dentro de Premiere Pro antes de pasar las cosas a After Effects, no quieres trabajar demasiado por delante y no quieres trabajar demasiado por delante y empezar a añadir facilitadores a tu animación porque After Effects no interpreta adecuadamente estos cambios de interpolación. Por lo que vas a tener que ajustarlo en After Effects de todos modos, apegarte a la interpolación lineal con Premiere Pro, áspero el look y la sensación y los movimientos, para que puedas ajustar tus ediciones con los movimientos mismos y luego ajustar la cantidad de facilidad dentro de After Effects. O puedes hacer esos ajustes fáciles dentro de Premiere Pro, luego volver a semana dentro de After Effects. De cualquier manera, vas a tener que hacer esos ajustes dentro de After Effects. Si quieres aprovechar al máximo tus clips 4k dentro de una línea de tiempo de 1080p. [ RISAS] Ahora que tienes todas las opciones frente a ti, puedes decidir cuál es el flujo de trabajo adecuado para tu proyecto. Para resumir, Premiere Pro y el efecto de transformación son geniales cuando estás trabajando con movimientos simples, animaciones simples y cuando estás trabajando con clips que coinciden con la configuración de tu secuencia. Si quieres empujar digitalmente en el marco sin perder detalle y no preocuparte tanto por el recorte en los clips, entonces querrás usar tus clips 4K dentro de una secuencia de 1080p. Pero entonces se recomienda que pases las cosas a After Effects. Pero por supuesto agrega un nivel extra de complejidad. Desafortunadamente, al importar tu proyecto Premiere, After Effects no interpretará correctamente las curvas de Bezier. Se recomienda visualizar su proyecto dentro de Premiere Pro mediante fotogramas clave lineales, luego Crear curvas personalizadas y terminar su proyecto dentro de After Effects. Muy bien, antes de entrar en After Effects, vamos a explorar cómo unir dos tomas usando composición, acción, y fotograma clave al movimiento. 8. Cómo crear una transición fluida: En muchos casos, tendrás oportunidades de recortar la acción entre dos tiros. Pero también hay momentos en los que se quiere conectar dos tomas diferentes juntos que a primera vista podrían no parecer conectar muy bien. Quiero conectar este chupón de cal con este tiro de producto final y ya se puede decir que este tiro de héroe tiene este movimiento de salida de muñecas, pero nuestro tiro de lima no tiene ningún movimiento además la lima cayendo y luego salpicaduras de vodka por todas partes. Ya, al mirar esta toma, sé que voy a tener que emparejar en acción con este vaso y utilizar un zoom digital. Noté enseguida que ya estamos logrando algún emparejamiento de composición también porque tenemos esta forma cilíndrica aquí con el cristal y el reflejo y cuando golpeamos el siguiente tiro, tenemos esta forma de cilindro de esta botella. El corte de partido es donde se corta para que coincida con la composición o acción de dos tomas diferentes y técnicamente, el partido corta propósito real es unir dos escenas separadas. Si puedes encontrar una manera de emparejar también los elementos compositivos de una toma a la siguiente, también estarás haciendo uso de la técnica de traza de ojos, que agrega un elemento extra de edición suave y significado a tu edición. Podemos hacer un poco de ajustes para emparejar un poco más estos dos tiros juntos y obviamente, ya estamos logrando rastros oculares porque el ojo del espectador presumiblemente estaría en el centro del fotograma porque es el punto focal de esta composición desde ese disparo hasta éste, ya estamos más o menos en la etiqueta y podemos moverla un poco para utilizar la traza de ojos un poco más eficazmente. Para igualar estos disparos un poco mejor, lo que voy a hacer es, tomar nuestro tiro de cristal y moverlo hasta la Capa 2 y solo abriremos esta capa para poder acceder a nuestra opacidad. Antes de ajustar mi opacidad, voy a extender el clip sobre nuestro clip de botella y voy a bajar la opacidad para que podamos conseguir una piel de cebolla o un look de superposición y podemos ver aquí que ya es bastante bueno. Pero porque soy perfeccionista, quiero que se vea aún mejor y lo que puedo ver aquí también es que en realidad, el tiro de botella está un poco torcido. Eso lo arreglaremos ajustando nuestra rotación. Entonces también voy a aumentar la escala de la botella para que coincida con la escala de la clase. Ahora tenemos algo que está juego ya mucho mejor y me voy a poner en la botella dolling fuera en este punto aquí mismo. También lo que quiero hacer antes seguir adelante con este tiro es asegurarme de que el disparo esté centrado y puedo decir en este momento que no lo es. Sé que esto se está poniendo muy nicpicky, pero porque se supone que es un tiro centrado y no está del todo centrado, no quiero dar ninguna oportunidad para que el público se distraiga. Yo quiero que el foco esté en la historia de esta marca. Daré click en “Mi monitor de programa”, navega para ver. Tengo las guías de show habilitadas, pero no hay guías, así que voy a mostrar a mis gobernantes y luego puedo dar click en las “Rulers”, arrastrarlas al centro, que es 960, y lo que podemos hacer es que tú puedas haga clic derecho en su “Guía”, haga clic en “Editar guía” y si desea obtener aún más específico, escriba 960 para la mitad de nuestro marco. También podemos hacer lo mismo haciendo clic en una “Guía horizontal” de arriba hacia abajo a 540. Ahora podemos ver el sensor de un marco. Ahora conocemos los ajustes que necesitamos hacer a nuestra botella y a nuestro vaso para asegurarnos de que estén centrados. La nota lateral rápida sobre las Guías aquí es que también puedes usar las Guías como una herramienta útil para lograr el rastreo de ojos. Usando tus Guías, puedes encontrar tu punto de rastreo ocular desde un disparo y emparejarlo al siguiente disparo. Voy a volver a convertir mi opacidad a 100, y voy a hacer una edición aquí. Ahí es donde ocurre el corte. Ya estoy notando que la etiqueta vertical del vodka tampoco está del todo centrada y me parece un poco extraño, así que podría simplemente bajarla un poco y pude ver ahí está la cosecha, así que No quiero bajar tan lejos. Incluso ahí, se ve mucho mejor. Estamos haciendo coincidir en composición con estas formas y ahora queremos igualar en acción. Ahora, antes de empezar a añadir fotogramas clave a este clip, necesito determinar dónde quiero que esté el corte. Porque sí me gusta este movimiento aquí y quiero cortar en el movimiento, no quiero alejarme aquí mismo porque la emoción del tiro está justo por aquí donde todo esto el vodka se está derramando. Si espero para crear el movimiento después de eso, vodkas ya se derramaron, nos hemos perdido el punto alto de ese clip. Yo quiero que esta edición sea emocionante, quiero que se siga moviendo. Lo que haré es hacer una edición por aquí donde todavía hay mucho movimiento dentro del tiro. Entonces conectaré los dos tiros juntos. [ MÚSICA] Porque tenemos un golpe de dolly en nuestro tiro vertical de héroe vodka, pero no tenemos una dolly aquí fuera en nuestro tiro de cristal. Bueno, lo has adivinado. Tenemos que crear un zoom digital con nuestra toma de cristal. Podemos añadir algunos fotogramas clave. Uno al final, mueva unos fotogramas y añada un fotograma clave adicional. Después acercaremos el primer fotograma clave para que estemos creando un zoom digital como este. Vuelve a jugar y notarás que la botella no se está alejando a la misma velocidad. Podemos igualar el vidrio a la velocidad de la botella o hacer que esta edición sea aún más efectiva. Lo que voy a hacer es aumentar la velocidad de la botella dolly hacia fuera creando un zoom digital hacia fuera. Esto es más efectivo porque con una velocidad más rápida, el público necesita tener un tiempo de reacción más rápido para captar el corte. En un fotograma clave al inicio del tiro de héroe en escala y también añadiré uno en posición porque tendremos que ajustar la composición del disparo de botella a medida que alejamos el zoom. Agregaremos fotogramas clave unos fotogramas más tarde. Aleja más esta toma de ella, ajusta la composición para que no tengamos muestra de cultivos y reproducimos de nuevo. Hemos mejorado el disparo, pero entonces se puede ver ahora tenemos ese golpe jarring en el tiro de botella justo aquí. Creo que podemos suavizar eso con algunas curvas bezier en nuestro retoque final y si no, tendremos que hacer retoques más adelante de todos modos. Debido a que es más difícil rastrear movimientos más rápidos, aumentar la velocidad del movimiento que conecta cada disparo hará un mejor trabajo ocultando la edición. A solo la velocidad de nuestros disparos, podemos usar nuestras curvas bezier o podemos cambiar la distancia entre nuestros fotogramas clave. En última instancia, harás una combinación de ambos pero como no estamos ajustando nuestras curvas bezier, solo reduciré la distancia de nuestros fotogramas clave. Voy a echar un vistazo al corte otra vez. Ahora mismo se siente como que la botella es un poco lenta, así que ajustaré los fotogramas clave ahí. Se ve un poco mejor, y sé que no tenemos tanto espacio para mover este fotograma clave en esta toma de clase, pero lo voy a mover en sólo un poco más. Impresionante. Eso se ve mucho mejor. recapitulación, siempre estamos buscando estas oportunidades para conectar dos tiros juntos a través del movimiento y la composición coincidente. Al tiempo que presta atención al rastreo de ojos, empareja la composición o el punto de rastreo del ojo ajustando tu opacidad a las capas de piel de cebolla, y por supuesto, hay otras formas de hacerlo, como usar tu guías o cursor del ratón del usuario para obtener una idea aproximada del rastro de los ojos mientras se alternan de ida y vuelta entre cada disparo. Igualar tanto la calidad del movimiento como la coincidencia de la velocidad te dará una transición más suave de disparo a disparo y recuerda una vez que añades el desenfoque de movimiento y hagas algunos ajustes finales dentro de las secuelas, se va a ver mucho mejor. [ MÚSICA] 9. Reasignación del tiempo: Estos dos disparos ambos contienen movimiento de cámara, uno siendo un dolly out y otro siendo un dolly adentro. Con algún trabajo, podríamos conectar estas dos tomas usando remapeo de tiempo o ramping de velocidad. [ MÚSICA] El remapeo de tiempo o ramping de velocidad es una forma de acelerar o ralentizar tu clip. Esto se puede utilizar de formas prácticas o narración de cuentos para hacer que una edición funcione, tiempo sabio para dramatizar la toma, para pasar rápidamente a través de una secuencia. Hay tantas formas diferentes de usar rampas de velocidad. Pero en este caso en particular, les voy a mostrar cómo utilizar una rampa de velocidad como herramienta para la transición entre dos tiros. Tenemos que emparejar este tiro de dolly out a esta dolly en tiro. Para ello, voy a hacer clic derecho en este clip. Seleccione velocidad/duración o el control de teclas rápidas, nuestro comando R, seleccione velocidad inversa. Ahora lo reproduciré y es muy lento, la velocidad de conexión no es correcta, pero podemos arreglarlo con rampas de velocidad. Para acceder a la reasignación de tiempo, puede hacer clic derecho en este pequeño icono de efectos aquí abajo, navegar hacia abajo a la reasignación de tiempo, seleccionar velocidad. Ahora verás que tenemos esta barra en el medio, cual podemos hacer click y arrastrar para aumentar la velocidad o disminuir la velocidad. Seleccione P para la herramienta de plumilla y haga clic en un punto de la gráfica. Voy a volver a cambiar a mi herramienta de selección usando hockey V y luego hacer clic y arrastrar abrir estas asas. Ahora tengo estas dos asas disponibles, lo que me permite crear una rampa de velocidad. Si muevo este lado del clip hacia arriba, ya verás que estamos creando una rampa de velocidad. Vamos de tiempo real a 317 por ciento y sólo podemos aumentar esto un poco más. A lo mejor iremos a como 720 y nos aseguraremos de que tus asas estén afectando el movimiento real de las muñecas. Se puede ver que el clip se mueve por todo el lugar y eso es sólo porque estamos manipulando la hora del clip. Se va a acortar y alargar en el tiempo dependiendo de cómo manipulemos estos mangos. Voy a volver a jugar esto. Se puede ver que poco a poco aceleramos. No es perfecto, pero es algo y ahora podemos hacer lo mismo con esta toma de aquí. Haga clic derecho en el icono de efectos. Seleccione la velocidad de reasignación de tiempo, pulse P para la herramienta Pluma. Extiende los mangos abiertos y luego crea otra rampa de velocidad de este lado, porque quiero que la velocidad coincida con este tiro, que es del 721 por ciento a este tiro. Sé que las muñecas no coinciden exactamente en velocidad. Pero están lo suficientemente cerca que creo que si ajuste esto para que coincida con la velocidad saliente de mi otra rampa de velocidad, vamos a conseguir algo bastante cerca. Ahí vamos. Está bien. Vamos a reproducirlo. Está bien, así que sí tenemos un poco de salto aquí. Haré un corte ahí porque creo que solo se está poniendo al día ahí. Entonces también tenemos un poco de baja en este tiro. El nombre del juego aquí es para asegurarte de que estás cortando a la altura de la acción. Si no lo haces, entonces vas a bajar eso y va a matar la energía entre los dos tiros. Tenemos un disparo rampando lentamente a alta velocidad. Cuanto más rápida sea la velocidad y el disparo, más fácil es ocultar la edición. También estamos cortando a la altura de la velocidad o la altura de la acción del disparo y luego conectando eso a la altura de la acción del siguiente disparo y la parte más rápida del siguiente disparo. Boom. En la lección anterior, hablé de cortar en la altura de la acción. Ese fue un principio importante a la hora de cortar ese chapoteo de vodka al tiro de héroe. Queremos cortar en la altura de la acción porque no queremos que la energía o el flujo solo se mate en medio de una edición, quieres que cada edición se añada al siguiente. Cortar en la altura de la acción es importante mantener esa energía fluyendo de disparo a disparo. Una cosa adicional que podemos hacer para suavizar aún más estas rampas es agregar curvas Bezier a las rampas. Haga clic en el mango, esto revelará asas adicionales. Haga clic en cualquiera de las manijas, puede mover el ratón a izquierda y derecha para ajustar la cantidad de curva. Obtenemos una facilidad fuera y luego rampa en el medio y luego facilidad en o un salto completamente loco en el medio. A medida que ajustaste tu rampa de velocidad, tu clip se moverá por todo el lugar y en lugar de sacar el clip y hacer clic y arrastrar el borde del clip, sugeriría usar el herramienta de deslizamiento, usando tecla de acceso rápido, Y, simplemente se deslizará todo el clip sobre. El poco de retocar, en realidad podríamos hacer aún más suave el movimiento. Un último consejo sobre rampas de velocidad y lo siento si esto es obvio cuando estás acelerando, está totalmente bien para subir la velocidad. Si decides ralentizar las cosas, asegúrate de no ir por debajo fotogramas de tu clip o puedes conseguir un look tan tartamudo. Entonces, para recapitular, ramping de velocidad es donde se incrementa o disminuye la velocidad con fines de narración, por razones prácticas y en este caso, y cubrimos cómo usar ramping de velocidad para conectar dos diferentes tiros juntos. Cuanto más rápida sea la velocidad en el corte, típicamente más suave será la edición. Asegúrate de cortar en la altura de la acción para maximizar el efecto de las rampas de velocidad. También piensa en combinar tus rampas de velocidad con el movimiento digital y por supuesto, posibilitando el desenfoque de movimiento en tus movimientos digitales también. Todos estos elementos combinados, puedes crear algunas transiciones muy suaves. Muy bien, entonces ahora quiero que te lleves todas estas diferentes ideas que hemos discutido hasta este punto e intentes incorporarlas a tu edición. Hazte un corte rudo con tus fotogramas clave lineales generales para el movimiento y luego en la siguiente lección, vamos a tomar ese corte rudo e importarlo a After Effects. 10. Importar proyectos Premiere en After Effects: Terminé una edición donde he creado el look básico de lo que voy a buscar. Echa un vistazo. [ MÚSICA] Todavía es un poco áspero alrededor de los bordes con el movimiento, pero eso está bien. En esta etapa, todo lo que estamos haciendo es desbastar el movimiento con fotogramas clave lineales, porque sabemos que After Effects no va a interpretar las curvas Bezier. Si realmente lo necesitas, siempre puedes hacer algunos pequeños retoques a tus clips dentro de After Effects. Pero aparte de eso, esta es prácticamente la estructura general de mi historia. Los retoques finales de Bezier sucederán en After Effects junto con cualquier enmascaramiento o tal vez incluso gráficos en movimiento. Algo que podría parecer un poco extraño de hacer, pero tendremos mucho más sentido una vez que abras tu proyecto After Effects es configurar todos tus clips en dos capas de vídeo separadas. [ MÚSICA] Simplemente mueve todo esto hacia arriba, eso hacia arriba. Ahora cada pieza de video obtiene su propia capa. También sugeriría usar fotogramas clave para sus fundidos en su audio lugar de que el audio predeterminado se disuelve. De nuevo, te explicaré la razón por la que más adelante en esta lección. Salvaremos nuestro proyecto y nos adentraremos en After Effects. Porque queremos importar nuestro proyecto de Adobe Premiere, navega hasta File, Import, Import Adobe Premiere Project. Selecciona tu Proyecto de Clase, Abierto, y luego aquí tenemos la ventana del importador Premiere Pro. Seleccionar Secuencias. Mostrará todas sus secuencias de trabajo, incluidos sus nidos, para que pueda volverse abrumador. No es necesario importarlos todos. Simplemente selecciona la secuencia que es tu secuencia de trabajo. Asegúrate de importar también tu audio. Ahora verás aquí que llena nuestro panel de proyectos Adobe After con todo nuestro metraje, y mantiene abiertas todas las carpetas, lo cual no es necesario, así que las cerraré. [ MÚSICA] Entonces tenemos nuestra secuencia de proyectos justo aquí. Como puedes ver, se toma la secuencia del proyecto y la convierte en una composición After Effects. After Effects trabaja con composiciones que es el equivalente a secuencias en Premiere Pro. Después de hacer doble clic para abrir la composición, puedes ver aquí ahora por qué elegí colocar todos mis clips en capas separadas, porque así funciona After Effects. Funciona en capas. Si tenía todos mis clips Premiere Pro como antes , se pone un poco desordenado. Por usar transiciones de audio predeterminadas como esta, importará a After Effects como su propia transición, lo que hará que tu proyecto de After Effects mucho más confuso de mirar. De esta manera, es más fácil tomar todo. Aquí puedo ver que tengo todos mis clips de audio. Si realmente quiero, puedo seleccionarlos, hacer clic derecho en la etiqueta y cambiarlos todos, y hacer lo mismo con mis videoclips, y cambiarlos todos por algo completamente diferente. También puedes ver que tenemos estos pre-comps, que es el equivalente a un nido en Premiere Pro. Puedo seleccionar todas mis pre-comps en After Effects, seleccionar la Etiqueta y cambiar esas a un color diferente también. Ahora puedo ver aún más claramente lo que está pasando en mi comp After Effects. Para resumir, antes de importar su proyecto de Premiere, asegúrese de configurar todos los medios en capas separadas, modo que cuando importe a After Effects, su línea de tiempo es un poco más fácil a los ojos. Usa fotogramas clave para tus fundidos de vídeo y audio en lugar de transiciones predeterminadas para reducir las capas no deseadas adicionales en After Effects. Asegúrate de aprovechar las etiquetas en After Effects, solo que mucho más fácil de ver porque confía en mí, After Effects puede llegar a ser muy complejo. [ MÚSICA] 11. Ajustar curvas de bezier en After Effects: Empezaremos animando este movimiento aquí mismo. Navega a la capa y haz clic en el pequeño triángulo a la izquierda. Abrir transforman. Ya verás aquí que tenemos disponibles estas propiedades de transformación, que son muy similares a las disponibles dentro Premier Pro bajo la pestaña Controles de efectos. Para acercar y obtener una mejor vista de nuestros fotogramas clave, podemos hacer click en esta lupa aquí abajo y arrastrar eso. Se pueden ver estos primeros fotogramas clave un poco más fáciles. Para acceder al gráfico de animación, haga clic en el icono del gráfico que se encuentra aquí. Cuando seleccionamos eso, obtenemos nuestro editor gráfico. Pero no vemos nada en este momento porque no tenemos resaltada ninguna de nuestras propiedades enmarcadas clave. Una vez que lo resaltes, entonces verás, está bien, tenemos nuestra propiedad de escala en forma gráfica, y también podemos Mayúss-click en nuestra propiedad de rotación para habilitar la vista gráfica de múltiples propiedades y sus fotogramas clave. Si prefieres usar el gráfico de velocidad, puedes seleccionar este icono de lista aquí abajo para revelar tus opciones de visualización de gráficos. En este punto, no quiero usar el gráfico de velocidad, así que seguiré usando el gráfico de valores. Si esto es demasiado abrumador para ver todos estos fotogramas clave todos a la vez, entonces solo trabaja con una propiedad a la vez. Podemos empezar con la escala. Mantenga pulsada Opción o Alt mientras hace clic en esto primero, esto le permitirá arrastrar un manejador fuera del fotograma clave. En este caso, quiero alejar el zoom digital. Tómalo muy rápido y luego despacio poco a poco al final. Recuerda, porque este es el gráfico de valores, pronunciada sea la curva más rápido será el movimiento. Debido a que estamos alejando digitalmente, nuestra curva se está moviendo hacia abajo, disminuyendo en escala. Tendré la primera caída de fotograma clave muy dramática y luego añadiré un manejador al segundo fotograma clave para agregar esa facilidad muy gradual. Opción Alt, haga clic y arrastre. Lo que también puede hacer es mantener presionado Shift para restringir estos manejadores a esta línea gráfica. Eso es genial porque no queremos estas líneas se vean así, porque entonces nos encontramos con este problema donde la curva Bezier supera el valor del segundo fotograma clave, dándote eso boomerang o bungee jump look. Asegúrate de mantener pulsado Shift para que la curva de Bezier no exceda el valor de segundo fotograma clave. Podrían haber notado que a medida que estoy ajustando las curvas, el gráfico está evitando automáticamente cada fotograma clave salga de la parte superior o inferior del gráfico. Eso se debe a que tengo mi altura de gráfico de zoom automático activada. Si quieres ver todos tus fotogramas clave a vez dentro del editor de gráficos, haz clic en el icono “Ajustar todos los gráficos a ver”. Estoy contento con este tipo de facilidad, pero ya puedo decir que cuatro marcos no lo van a cortar. Voy a querer mover todo un poco para que la facilidad sea más gradual. Voy a mover el fotograma clave. Ahora de nuevo nos topamos con este problema, así que solo haré algunos ajustes. Ahora tengo la calidad de movimiento que busco en nuestra propiedad a escala. Ahora crearé una curva muy similar en mi propiedad de rotación. En este caso, porque quiero una rotación fluida y alejar al mismo tiempo, es importante que mis fotogramas clave estén exactamente en el mismo fotograma para que el movimiento sea sincrónico. Mantenga la opción Alt y arrastre un mango. Haré lo mismo con este punto. Mantenga pulsada la tecla Mayús para restringir los puntos en el eje horizontal. Ahí ahora tenemos una curva de aspecto similar pero puedes ver aquí nuestra rotación sobre se extiende solo ligeramente. Nuevamente, sabemos de dónde viene esa extraña mirada. Seleccionando sólo la propiedad de rotación, podemos ver que viene de la curva Bezier superando el valor del segundo fotograma clave. Una vez que tienes tus fotogramas clave en el mismo fotograma en tu línea de tiempo y cada propiedad teniendo una curvatura similar, entonces solo se trata de ajustar la duración del movimiento sí hasta obtener el look que deseas. Después de trabajar a través de sus curvas, posible que note que desea reajustar algunos de sus clips. Es posible que notes que podrían no haber sido cronometrados correctamente. O a medida que agrega curvas, te das cuenta de que el tiempo puede necesitar cambiar. Mantenga pulsado Control o Comando mientras hace clic y arrastre el cabezal de reproducción. [ RUIDO] No solo estarás fregando los visuales, también obtendrás una vista previa de audio, que te permitirá tener en cuenta tu música a la hora de volver a cronometrar y empujar tus clips. medida que estás trabajando a través de tus animaciones, probablemente te encuentres moviendo entre dos tomas diferentes con bastante frecuencia para asegurarte que la animación esté igualando. Si desea acceder rápidamente a sus fotogramas clave activos, puede hacer clic en su “Capa”, luego presionar la tecla U para revelar las propiedades con todos sus fotogramas clave activos. También puede acceder rápidamente a propiedades individuales escribiendo P para posición, S para escala, R para rotación y A para punto de anclaje. Para recapitular, usa tu editor de gráficos para ajustar tus curvas. Para evitar abrumar, anima una propiedad a la vez. Asegúrese de que los fotogramas clave de cualquiera de sus propiedades activas coincidan para mantener el movimiento sincrónico. No mencioné esto en esta lección, pero también podrías usar tu botón de icono Easy Ease aquí para crear una curva en todos tus fotogramas clave a la vez y luego ajustarte a partir de ahí. [ MÚSICA] 12. Motion Desenfoque en After Effects: En este punto, es una buena idea habilitar el desenfoque de movimiento. desenfoque de movimiento cambiará drásticamente el aspecto de tus movimientos y el desenfoque adicional nos permite crear más fácilmente una transición suave entre dos tomas que contienen movimiento. Se puede encontrar el icono de desenfoque de movimiento a la izquierda del icono del editor de gráficos haga clic en él para habilitar el desenfoque de movimiento. Pero el desenfoque de movimiento no funcionará a menos que actives el interruptor de desenfoque de movimiento en cada capa, ayuda Controlador y Command para seleccionar todas tus capas a la vez, y luego selecciona el interruptor de desenfoque de movimiento para activar todas tus capas a la vez. Comando de desplazamiento A o Comando de control A para anular la selección de todos. Después de habilitar el desenfoque de movimiento, puedes salirte con movimientos más grandes y más veloces porque los detalles finos de la imagen están borrosas y solo tenemos que enfocarnos en este blob borroso en lugar de en los detalles finos . Hay menos que interpretar visualmente. Para hacer ajustes a tu ángulo de obturación, navega a tu composición Haz clic derecho, selecciona Ajustes de composición y en la ventana de ajustes de composición, haz clic en la pestaña “Avanzado” y puedes ver aquí tenemos esta sección de desenfoque de movimiento justo aquí y mira eso. Nuestro ángulo de obturación por defecto está establecido en 180 e incluso puedes ajustarlo en efectos posteriores a 720 grados, lo que crea algún desenfoque de movimiento salvaje. No recomendaría esto necesariamente porque nuestro metraje fue filmado a un ángulo de obturación de 180 grados. Pero la opción está aquí, puedes hacer ajustes, lo cual es muy cool. Cambia eso de nuevo a 180. Otra cosa que no noté hasta ahora, nuestro primer disparo, se incrementa la escala, lo cual es extraño. No estoy seguro de cómo sucedió eso, pero para solucionar esto, podemos hacer doble clic en nuestra comp o nido gratis, “Seleccione” nuestra toma anidada y toque S para escala para abrir solo la propiedad de escala. Aquí se puede ver que está al 100 por ciento queremos que sea al 50 por ciento. Ahora se parece a lo que hace dentro de nuestro proyecto premier. Después de habilitar el desenfoque de movimiento, he aumentado la diferencia de escala y rotación entre mis fotogramas clave para realzar la intensidad en drama del disparo y el movimiento mismo. Para resumir, cuando se habilita el desenfoque de movimiento, es aún más fácil ocultar nuestras ediciones porque el aumento del desenfoque de movimiento hace que sea más difícil enfocarse en cualquier punto dado en el fotograma entre el disparos conectando. También puedes encontrar que puedes dramatizar mucho más sus movimientos con el desenfoque de movimiento recién agregado. 13. Dimensiones separadas: [ MÚSICA] Ahora, es hora de abordar nuestro próximo disparo. Lo que es diferente en esta toma es que ahora estamos tratando con una nueva propiedad, la propiedad de posición. Al hacer clic en esto y cargarlo en el editor de gráficos, se puede ver que tenemos dos gráficos separados y eso se debe a que la posición tiene un valor x y un valor y. Cuando estás lidiando con posición, estás lidiando con ambas coordenadas. Al intentar agregar una curva en nuestro gráfico de posiciones, no funciona. Pero puedes hacer clic derecho y fotograma clave, Easy Easy In, Easy Easy Easy, puedes agregar eso, pero no hay forma de personalizar la curva en absoluto. Eso se debe a que tanto las coordenadas x como y están conectadas. No podemos ajustarlos individualmente cuando están conectados. Para separar los valores x e y, puede hacer clic con el botón derecho en su propiedad Posición y, aquí mismo, seleccione Separar dimensiones. Ahora tenemos la capacidad de personalizar nuestra posición x y posición y. Sostenga la opción, haga clic y arrastre, y cree nuestra curva. 14. Consejos rápidos de movimiento suaves:: [ MÚSICA] Es fácil quedar abrumado por el editor de gráficos, sobre todo cuando estás animando múltiples propiedades simultáneamente. Esto puede llevar a errores comunes que tienen soluciones algo simples. Si estás notando que el movimiento continúa por una propiedad pero no por otra, esto puede significar que no has igualado tus fotogramas clave salientes y entrantes. En esta toma, yo estaba tan invertido en conseguir que el movimiento se viera bien, pero pasé por alto los fotogramas clave salientes, y de alguna manera terminaron en fotogramas separados. Asegúrate de que tus fotogramas clave estén en el mismo fotograma para garantizar un movimiento sincrónico. En esta combinación de disparos, he introducido rotaciones más complejas en la mezcla, y estoy conectando dos tomas similares. Al conectar dos disparos similares, puede ser útil hacer coincidir los puntos de anclaje de disparo a disparo. En esta toma, desde la botella ancha pour shot hasta la cercana, nuestro punto de anclaje está por defecto en el centro del marco para cada disparo. No necesariamente sabemos dónde está este punto de anclaje en relación con la botella al comparar estos dos tiros. Pero si animas tu punto de anclaje para que se bloquee en una porción específica de un objeto de un disparo a otro, posible que te resulte más fácil al igualar rotaciones. En estos dos tiros, he emparejado mi punto de anclaje a este pequeño labio en el cuello de la botella. Eso ayudó a asegurarme de que mi rotación fuera consistente de disparo a disparo, coincidiendo con mis animaciones de rotación, y luego solo tener que preocuparse realmente por mi posición y escala. Si estás viendo todas las curvas de propiedades animadas a la vez, no necesariamente obteniendo una imagen precisa de lo que está pasando con cada curva, intenta animar una curva a la vez. También puedes usar la rueda de desplazamiento del ratón mientras mantienes el control para ampliar aún más el editor de gráficos. Esto no será posible a menos que tenga desactivada la altura del gráfico de zoom automático. Hacer clic y mantener pulsado el botón central del ratón también le permitirá acceder rápidamente a la herramienta de mano para hacer clic y arrastrar y ajustar su vista. Si notas un movimiento específico en tu proyecto que no se ve bien, otra cosa que podrías hacer es mirar cuántos fotogramas clave estás usando para lograr el movimiento. Más fotogramas clave no necesariamente significa mejor. Puede complicar fácilmente las cosas y hacer que tus movimientos terminen con un aspecto peor, sobre todo si no eres un animador de tiempo completo, intenta simplificar tus movimientos y usar menos fotogramas clave. Para resumir, si estás teniendo problemas con tus movimientos, asegúrate de que tus fotogramas clave estén igualados. Empareja esos puntos de anclaje entre tomas similares para facilitar la animación de rotación. Ajusta el uso de tu gráfico para que tengas una idea precisa de lo que está pasando con cada propiedad. También intenta usar menos fotogramas clave. [ MÚSICA] 15. Ediciones invisibles: El edit invisible es el que no ves, y eso es lo que la convierte en una técnica tan poderosa hora de querer crear transiciones sin fisuras. Las ediciones invisibles se pueden utilizar de varias maneras, para reunir muchas tomas para aparecer como una toma larga. También se puede usar para conectar dos tomas o escenas diferentes juntas sin problemas. El corte invisible también es una forma práctica de cortar juntos tiros desafiantes que serían muy difíciles de hacer en una toma. Te recomendaría encarecidamente que revises el trabajo de este editor. Se llama Eddie Hamilton y frecuentemente ha hecho películas como esta donde hay ediciones invisibles, rampas de velocidad y recrea muchos tipos diferentes de movimiento digital ya sea para tener una sensación a través o conectar dos tomas diferentes juntas sin problemas. Al crear una edición invisible, una máscara es tu mejor amigo. Todo lo que estamos haciendo es agregar máscaras a nuestras diversas capas para empalmar sin problemas los dos tiros. Empecemos con este tiro de aquí. Asegúrate de hacer click primero en tu capa, haz clic en la “Herramienta Forma”, ubicada en la barra de herramientas. Si haces clic y mantienes pulsado, puedes ver que hay una variedad de formas entre las que puedes elegir. Pero elegiré la herramienta Ellipse porque quiero enmascarar el fondo de este vaso, que tiene una forma similar. Si la capa en la que estás trabajando no está habilitada, todo lo que terminarás haciendo es crear una capa de forma, así que asegúrate de que tu capa esté habilitada. No hay necesidad de tener el reflejo en la toma, así que haz clic y arrastra. Mientras estoy arrastrando, puedo sostener la barra espaciadora para mover toda la forma, o puedo mantener pulsada la tecla Mayús para reducir la escala, el ancho y la altura. Sólo voy a tratar de conseguir la forma del fondo de ese vaso, y lo soltaré. Seleccionando el punto, puedo usar las asas para completar esa forma. Si me muevo hacia atrás en mi línea de tiempo, se puede ver que estoy recortando todo el tiro, así que voy a mover mi máscara hacia arriba. Porque necesito una mejor vista de toda mi máscara, puedo usar la rueda de desplazamiento de mi ratón para alejar con mi vista y ajustar mi máscara desde aquí. Vuelve a acercar, y ahora tengo bastante buen corte. El único problema es que el corte es muy duro, es muy duro, lo que podemos hacer es suavizar eso con algo de emplumado. Voy a hacer clic en mi capa, si no ves la capa de máscara, puedes golpear “M” por máscara, eso va a subir la capa de máscara. Simplemente alternaré este triángulo para poder ver el resto de las propiedades, navegar a Pluma y plumarlo un poco. Después de agregar emplumado, estoy notando que podemos ver algo del reflejo del vaso, así que meteré en nuestra máscara un poco. Está bien si el emplumado está sucediendo en la parte inferior de nuestro vidrio porque con el desenfoque de movimiento, lo va a suavizar aún más. Además solo ves la máscara durante la transición. Ahora iré a este clip y le añadiré una máscara. Porque tenemos una viñeta, tenemos un color morado más oscuro en el borde de nuestro clip aquí, y en el borde de nuestro clip aquí mismo. Lo que podemos hacer es crear un sólido para nuestros antecedentes que no veamos transparencia alguna en nuestra toma. Antes de hacer eso, voy a añadir una máscara a nuestro tiro de gota de lima. Haga clic en mi tiro de gota de lima, y luego nuevamente haga clic en la capa de forma y agregue la máscara. Ahora solo voy a frotar cuadro por fotograma, asegurándome de que mi clip no esté recortando y lo sea. Cambiaré a mi herramienta de selección, seleccionaré cada parte de mi máscara. No quiero cortar esa gota de lima, solo voy a redondear esto un poco más que coincida con la viñeta un poco mejor. Lo que también creo que haré es agregar una animación a esta máscara que consigamos una transición más suave. Empieza aquí mi máscara, escribe M en tu capa para trayectoria de máscara, crea un fotograma clave, avanza en tu línea de tiempo, y luego haré clic y arrastraré justo este punto, aumenta esto un poco también. Echemos un vistazo. Ahora agreguemos el emplumado. Ya que mi capa de máscara está seleccionada, podría escribir F para pluma, tal vez hasta 400. No tengas miedo de manivela ese emplumado. Sí, creo que esto funciona bien. Para hacer frente a la transparencia, vamos a añadir un nuevo sólido y recrear el fondo morado. Volvamos a subir a Capa, Nuevo, Sólido y luego usar el cuentagotas para seleccionar un color cercano al borde, porque queremos que el borde de nuestra máscara coincida con el color sólido. Nuestro sólido está ahora encima de todas nuestras capas. Me alejaré de mi secuencia manteniendo la opción y usando la rueda de desplazamiento, y cerraré esta capa sólida para que coincida con nuestra toma de vidrio pour. También me limitaré a mover esta capa por debajo los tiros en los que no queremos ver transparencia. Ahora echemos un vistazo aquí. Ahora se puede ver lo que está haciendo nuestro sólido. Si lo apago, lo vuelvo a encender, puedo ver que el color es sólo un poco más brillante que el borde de nuestro marco aquí, que no es algo que realmente queremos. Lo que haré es volver a colocar este color para que coincida más de cerca con el fondo. Esto sólo se necesita un poco de ajuste, hasta que obtienes algo que funcione. Ahí, eso no está mal. Si se ve bien sin tu desenfoque de movimiento, entonces sabes que estás en un buen lugar. Porque ahora cuando volvamos a habilitar nuestro desenfoque de movimiento, se va a hacer aún más transparente. [ MÚSICA] No está mal. Para recapitular, el corte invisible es el corte invisible que conecta dos tomas diferentes, escenas, y se puede utilizar para crear la apariencia de una toma larga. [ ANTECEDENTES] Por supuesto, es una gran herramienta para cortar secuencias largas que de otra manera no se podrían hacer dentro de un solo disparo. Al crear tus propias ediciones invisibles, la máscara es tu mejor amigo. Tecla el camino de la máscara según sea necesario, y también asegúrate de proporcionar plumas generosas para mezclar las tomas y las tomas de conexión. Nuevamente, el desenfoque de movimiento ayudará a resolver también la edición invisible. [ MÚSICA] 16. Proyecto de After Effects y ajustes de exportación: Cuando estés listo para exportar tus proyectos desde After Effects, hay algunos ajustes que querrás cambiar para garantizar una salida de la más alta calidad. El primero es cambiar nuestra profundidad de bits del proyecto After Effects. profundidad de bits se refiere a la información de color que se almacena en una imagen. Cuanto menor sea la profundidad de la broca, más podrás ver los pasos entre los colores o bandas, y cuanto mayor sea la profundidad de la broca, suave será la gradación del color. An After Effects de forma predeterminada se establece en ocho bits por canal, y como estamos tratando con todas estas viñetas y gradientes intrincados, es importante que establezcas la profundidad de bits de tu proyecto algo superior a ocho bits por canal, preferentemente 32. Cualquier tipo de gradación de color suave, como una viñeta, puede causar fácilmente bandas si la profundidad de la broca es demasiado baja. Para cambiar la profundidad de bits de tu proyecto After Effects, haz clic en este pequeño ícono aquí mismo, dice 8 BPC, ocho bits por canal, lo que abre nuestra configuración del proyecto y nuestra pestaña de color. Cambiaremos esto de ocho bits por canal a 32 bits por canal. Ahora, voy a hacer clic en Ok, y también se asegura de que tu espacio de trabajo esté donde quieres que termine. Mi proyecto quiere terminar probablemente más alrededor de 13 segundos. También notarás que después de cambiar a 32 bits After Effects se ejecutará aún más lento. Trabajar en ocho bits por canal es útil para mantener tus efectos y ediciones funcionando sin problemas. Tan solo asegúrate de cambiarlo de nuevo a una tasa de bits más alta al exportar final. Ahora vamos a pasar a Exportación de archivos, agregar a Render Queue. Después puedes hacer clic en el módulo Salida aquí para cambiar algunos ajustes. Nos apegaremos al formato QuickTime, pero vamos a cambiar nuestras opciones de formato, y cambiar Apple ProRes 422 a DNxHR. Simplemente prefiero este Kodak sobre el tiempo rápido específicamente porque siento por mis pruebas que los gradientes y viñetas terminan teniendo mejores resultados y reduce el potencial de bandas en nuestra exportación final. Es muy importante también cambiar esto de 8 bits a 10 bits porque mostramos este proyecto en 10 bit y no estamos usando ningún gráfico ni nada por el estilo, 10 bits nos dará buenos resultados. Click Ok, estoy bien con eso, y voy a dar click Ok. Elige tu ubicación a la que quieras dar salida , y pulsa Render. Para recapitular, trabajar en modo de 8 bits es genial cuando quieres mantener tu computadora funcionando sin problemas mientras estás trabajando en tu proyecto. Simplemente asegúrate de cambiarlo al exportar final a una profundidad de bits más alta para evitar cualquier problema de bandas. Por supuesto, esto es más un problema con un proyecto como este donde hay viñetas pesadas y gradientes muy finos. Al exportar, asegúrate de estar a una profundidad de bits mayor que ocho bits. 17. ¡Recapitulación final y gracias!: Enhorabuena por terminar la clase. Espero que te hayas divertido mucho creando este proyecto, y no puedo esperar a ver qué se te ha ocurrido. Por supuesto, hay toneladas de cosas que conforman una edición suave. En esta clase, principalmente hemos repasado los elementos visuales, las transiciones visuales. Por supuesto, antes incluso de entrar en esas suaves ediciones, hablamos de cómo contar la historia de la marca y esto es tan importante. Story es la base para tu edición, busca formas de emparejar en acción o cortar en acción entre dos tiros. Asegúrate de que no solo estás usando fotogramas clave lineales, prueba a usar facilitadores para un movimiento de aspecto más natural. No te limites a confiar en esas teclas rápidas fáciles de facilitar. Asegúrate de que estás ajustando tus gráficos, consigue ese aspecto y tacto personalizados. Para una edición aún más suave habilita el desenfoque de movimiento ya sea mediante el uso del efecto de transformación o importando tu proyecto a After Effects. Además de estas técnicas, también podemos igualar la composición y tratar de encontrar formas de emparejar composición y acción juntos tiempo que también tenemos en cuenta, iTrace, rampas de velocidad junto con invisible Las ediciones también son grandes formas prácticas de crear una edición suave. Si tienes un proyecto listo, no dudes en subirlo, no podemos esperar a verlo y ayudará a otras personas publicar sus propios proyectos e inspirarse en tu trabajo. Muchas gracias por tomar mi clase y realmente te agradecería que siguieras mi perfil para nuevos lanzamientos de clase y regalos. Si encontraras valor fuera de esta clase o tienes comentarios críticos que darme, me encantaría escucharlo. Por favor deja una reseña, me ayuda a aprender y crecer en mi propia enseñanza y brindarte mejor contenido para ti. Muchas gracias por tomar esta clase y recuerda, historia es tu guía. Espera, nos olvidamos de enviar nuestro proyecto. Hagámoslo. Aquí te dejamos una edición para revisión. Con ganas de saber de ti. Pieza fuera, manda. Recibimos un email de vuelta bastante rápido. Tocar en la edición se ve muy bien. Tenemos algunas visiones más pequeñas. No, tenemos mucho trabajo que hacer.