Técnicas de edición de video: una guía práctica para crear ediciones visualmente atractivas

1. Introducción de la clase, ¡adelante!: Como editores de video, parte de nuestro trabajo es crear una edición invisible, una experiencia de visualización suave y sin fisuras que ayude a comunicar una idea, una historia, vender un producto, o promover la marca. Todo mientras conectas emocionalmente con un público. ¿ Cómo exactamente lo hacemos con éxito? Hola, soy Sean Dykink. Vivo en Vancouver, Canadá y llevo poco más de 10 años haciendo videos. La edición de video siempre ha sido algo a lo que gravité. Cuando empecé, no sabía por qué tomé ciertas elecciones de edición. Pero eventualmente supe después de juicio y error que funcionaban. Poco sabía que estaba aprovechando las técnicas de edición de video. Si luchas con el POR detrás si editar es bueno o malo, no busques más. Estoy aquí para enseñarte técnicas de edición de video para una edición exitosa. Obtenga una comprensión de cómo la historia da forma a una edición. aprender técnicas de edición de audio para ediciones de sonido sin fisuras. Aprende técnicas de edición de video que conectan emocionalmente al público con tu historia. Haremos todo esto creando un tráiler de video musical de 30 segundos. Tendrás toneladas de metraje para elegir. Tienes una creatividad infinita en cómo eliges contar la historia. Si tienes un proyecto en el que estás trabajando actualmente, te animo a que también abras ese proyecto y apliques lo que aprendes a medida que avanza. Completar este curso te ayudará a acercarte a cualquier edición con más confianza. Se te respaldará con un mayor conocimiento de las técnicas de edición de video para ayudar a afilar tu proceso de toma de decisiones y habilidades críticas de resolución de problemas. Esta clase es para principiantes e intermediarios. Se recomienda que tenga algún conocimiento de cómo utilizar un programa de edición de video elegido. No obstante, hay muchas técnicas de edición de video exploradas que no requieren que sigas junto con el proyecto de clase. Para los intermediarios, es posible que ya sepas usar un programa de edición. Te gustaría retocar tus conocimientos sobre técnicas de edición de video. A lo mejor estás al tanto de algunos de ellos pero estás abierto a verlos desde una nueva perspectiva. Estaré usando Premiere Pro para demostrar estas técnicas y recomendar el uso de este programa. No obstante, estas son grandes ideas que se aplican a cualquier programa de edición en cualquier proyecto en el que estés trabajando. No seas tímido si prefieres usar otro programa. Adelante y dale un impulso a tu edición con esta Guía Práctica sobre técnicas de edición de video. Haga clic en la lección. El siguiente... Es sólo que... En algún lugar ahí abajo. Adelante. Está bien, todavía estás aquí. Bueno, ¿a qué esperas? Basta con hacer clic en la lección. Vamos. Está bien. Entonces me sentaré aquí. Tengo todo el día. Está bien. No tengo todo el día. Basta con dar click en la siguiente lección. 2. Proyecto de la clase: Estoy muy emocionado de que hayas elegido unirte a mí en esta clase. Vamos a empezar con nuestro proyecto de clase, que es un tráiler de video musical de 30 segundos. Esto es de un proyecto que filmé y edité. Lo que es genial de este proyecto o cualquier video musical realmente, es que ya tienes el contenido. Tienes la música, que es la historia, que guía la mayoría de nuestras decisiones de edición. Otra gran cosa de los videos musicales es que el ritmo ya está ahí. Tienes la música, así que va a ayudar a informar tu toma de decisiones en la edición. Adelante y descarga los clips, echa un vistazo a ellos, revísalos, si tienes alguna idea, que estén desatando tu imaginación de cómo podrías editar esto, escríbelo. Probablemente evolucionará, probablemente cambiará. Esto es parte del proceso. Estar dispuestos a estar abiertos a los cambios creativos. Siempre pregúntate, ¿y si probé esto? ¿ Y si probé eso? No te atasques en una sola forma de pensar. Si tienes ideas, pruébelas. Si recibes retroalimentación que cambie esas ideas, deja que las cambie. Manténgase abierto al proceso. Si puedes estar abierto a esos cambios, va a hacer mucho más fácil tu trabajo. A medida que evolucionan nuestras habilidades, nuestro gusto evoluciona y nuestras ediciones cambiarán. Si estás usando Premiere Pro, siéntete libre de descargar los archivos del proyecto también. Te recomendaría usar Premiere Pro porque lo estoy usando para esta clase. Pero si prefieres usar un programa diferente y un programa mejor y otro diferente, usa ese programa. Se va a cortar menos aquí, hacer esto, hacer aquello, aunque habrá algo de eso. La mayoría serán grandes ideas que podrás aplicar a cualquier proyecto y a cualquier programa en el que estés trabajando. Con eso dicho, te animo, si tienes otro proyecto en el que estás trabajando, tal vez para un cliente o un amigo o un proyecto personal, trabajes en ese proyecto. Si te sientes ambicioso, toma tu proyecto personal y enfréntate al tráiler de video musical y al final de la clase, publícalos a ambos para retroalimentación. Mi objetivo es enseñarte técnica de edición de video, que puedas aplicarla a tu propio proceso de trabajo, a cualquier proyecto o a cualquier programa en el que trabajes. Entonces con eso dicho, empecemos. 3. Establecer la base de la edición mediante la historia: Cuando comienzas a editar un proyecto , puede ser muy intimidante saber por dónde empezar. Ahí es donde entra en juego la historia de tu proyecto y ayuda a guiar tus decisiones de edición desde el principio. En esta lección, vamos a aprender qué historia estamos contando y por qué. Si sabes qué historia estás contando y por qué la estás contando, te ayudará inmensamente cuando estés editando el proyecto. A Story tiene un principio, un medio y un fin, y tiene la capacidad de conectarse emocionalmente con un público. Lo que me gusta hacer es describir en una frase o dos historias que estoy tratando de contar con el metraje que tengo. Esto me ayuda a mantenerme enfocado en mi tarea, a evitar perder tiempo y a comunicarme eficazmente. También identificaré el principio, el medio, y el final de la historia, y dónde podrían caber ciertos elementos de la historia dentro de esa historia. Esto me ayuda a organizar mis clips, y me ayudará a diseñar en montaje o edición rugosa muy rápidamente. Con este proyecto de video musical, ya tenemos la historia, que es la canción. El cuento para este proyecto fue una niña baila en el centro de atención. Este es también el punto de partida de nuestra aventura en la habitación de estudio black-box predeterminada. Conforme explora su mundo exterior o las ubicaciones alternas, y también la mitad de nuestra historia. Ella comienza a dejar que su mundo interior se apoye más, lo que se muestra con el telón de fondo rojo. El telón de fondo rojo fue utilizado para significar su mundo interior, que es más seductor y asertivo. Ese telón de fondo rojo se hace cargo más y su personaje cambia, y ese es el final de la historia. En el tráiler de video musical, estás contando la misma historia, pero en formato condensado. Para contar esta historia condensada, comenzamos con el estudio de caja negra, luego pasamos a la fase de exploración, que es múltiples ubicaciones. Debido a que su personaje realmente está cambiando a medida que descubre su mundo interior, podemos moverla lentamente en los telones rojos y luego eventualmente dejarlo hacerse cargo del marco y consigue los momentos más intensos de telón de fondo rojo como el de cámara lenta. Recuerda, esta es solo la primera edición. Estamos siguiendo la estructura áspera de los elementos de la historia. Como editores, tienes tu propia visión única de cómo se debe contar la historia. Se pueden reorganizar estos elementos en consecuencia. Aquí la idea no es hacerlo bien. Reorganiza estos elementos de la historia a lo que sientes que es o podría ser la historia. Aquí la idea es solo inventar tu propia interpretación de lo que es la historia para que tengas un marco que guíe tus opciones de edición. Ahora que entiendes cuál es la historia, es el momento de identificar los objetivos y la meta general del proyecto. ¿ Por qué estás contando la historia? ¿ Qué intentas decir con ello? ¿ Estás tratando de influir en las personas para que se sanen, para comprar un producto, para suscribirse? A lo mejor estás tratando de conseguir donaciones. Sea lo que sea, necesitamos identificar cuál es la meta para que podamos crear objetivos para llegar a esa meta. Cuando se trataba de este video musical, queríamos que el espectador se interesara por la música y que eventualmente siguiera al artista, e intentamos definir objetivos más pequeños para alcanzar esa meta general. Por ejemplo, queríamos exagerar al público. Queríamos que el público quedara hipnotizado por todas las localizaciones del baile. También queríamos mantener su atención. Queríamos contar con los artistas, pero no queríamos que eso dominara el video y se sintiera como una pieza de actuación exclusivamente. Cada uno de estos objetivos apunta de alguna manera a nuestra meta general. El objetivo general y los objetivos nos ayudan a determinar nuestras decisiones de edición. Volvamos a esos objetivos. Queríamos exagerar a la gente. Por lo que utilizamos cortes más rápidos. Queríamos que la gente se sintiera hipnotizada y cautivada por los bailes y localizaciones, lo que usamos cortes de partido para ayudar al espectador a rebotar de una imagen a otra rápidamente. Casi parece un poco lo mágico porque el cuerpo está fluyendo de un lugar a otro. En esta lección, identificamos cuál es la historia que estamos contando y por qué la estamos contando con nuestros objetivos y nuestra meta. Como editores, todos tenemos diferentes miradas creativas. Por lo que no tengas miedo de contar la historia a tu manera. La próxima vez que veas un espectáculo o comercial, o lo que sea, intenta identificar cuál es la historia y cuál es el propósito de la historia. ¿ Están tratando de venderte en un producto? ¿ Están tratando de conseguir que cambies de opinión sobre algo? Piensa en estas cosas. Ya que este es un video musical, vamos a editar primero la música. En la siguiente lección, vamos a elegir las partes de la canción que mejor sirvan a nuestra historia. 4. Editar la música al servicio de la historia: En esta lección, vamos a estar editando nuestra música en un formato de tráiler de video musical condensado. Ya que la música cuenta una historia de un proyecto, comenzará con editar música primero. Sabemos cuál es la historia para el video musical de larga duración. Sigue siendo lo mismo para este tráiler. El propósito es similar al video de larga duración, pero el objetivo general será algo diferente. Queremos que el público se interese en ver el video completo después de la canción y de igual manera, revisando el resto de la obra del artista. El edit también se utilizará en redes sociales. Una pieza más corta es a lo que estamos apuntando. Muy bien, así que empecemos por sentar la pista de audio. Abramos también tus formas de onda para que veas lo que estás editando. Es una gran representación visual de la música. Normalmente averiguaría cuál es la mejor parte de la pista? ¿ Qué narra mejor una historia de la pista? Entonces averiguaré cómo terminarlo para que podamos cortar este tráiler alrededor de 30 segundos más o menos. Por lo general requieren cortar dos secciones de la misma vía juntas. Hacemos esto para que nuestro proyecto siga siendo coherente, para que podamos elegir las mejores partes de la canción. Esto hará que la pieza sea más corta y podremos tener más flexibilidad en qué partes de la canción queremos elegir el más destacado. Esto es lo que aterricé aquí mismo. Haz un corte aquí al 55:22. Lo que me gusta de esta parte del track es que cuenta una historia de la canción y de la letra, y empieza despacio. Tenemos un poco de acumularse y luego cae el ritmo. Ya hay algunos picos y valles en la canción. Siempre quieres estar pensando en cómo llevar a tu público a un viaje del punto A al B, nunca es un ritmo estático. Tiene altibajos, ritmo rápido, ritmo lento. Quieres elegir partes únicas interesantes de la canción y siempre recuerda estar contando la historia al mismo tiempo. Ahora el ritmo cae y luego la canción sigue así por un tiempo ahora, así que queremos cortar a otra cosa. Sigamos tocándolo sin embargo para ver dónde queremos acabar con esto. Muy bien, así que vamos a seguir adelante y terminar esta parte de la pista aquí mismo. Si fueras a ir al final de la canción sólo para entretener la idea como tal vez queremos terminar en el final de la canción. Aquí está el final de la canción, ¿y sabes qué? En ocasiones en una edición, trato de incorporar el final o el final verdadero de la canción al edit musical. Pero en este caso siento que la canción se hunde en energía, y para mí simplemente no siente que deba terminar energéticamente hacia abajo. Si eso tiene algún sentido. Yo quiero que el público se vaya hipnotizado, lleno de energía. Recuerda, queremos que el público se avise después de que vean esto. Queremos terminar en una nota energéticamente alta, tan llena de energía. Encontré esta parte de la canción a las 1:27:22. El motivo por el que me gusta esto es porque hay montones de sonidos interesantes pasando, la pista cambia de tono y también cuenta la historia, solo quiero verte brillar bebé. Suena gracioso con la música que viene de mi boca. A mí me gusta como DJ termina esta parte de la canción, diciendo ir. Es casi como un llamado a la acción como ir, ve a ver el video completo. Se podría pensar que estoy buscando demasiado en esto, pero estamos aquí para rociar pequeños detalles donde podamos y justificar la historia que estamos contando a cada uno de los suyos. Hay un montón de opciones para elegir. Esto es lo que elegí y esto es lo que creo funcionó bien, pero probablemente tengas una idea diferente. Todo el mundo tiene ideas diferentes, así que ve por ello. Prueba algo diferente. Ahora, voy a tomar las porciones que decidimos que queríamos conservar. Simplemente los etiquetaremos para poder ver y borraremos el resto del clip. Ahora escuchemos este corte juntos y eso termina dejando nuestro audio completo para el trailer a alrededor de 33 segundos, lo cual es un gran inicio. Ahora es el momento de hacer un recapitulación de lo que hemos aprendido en esta lección. Elige la parte de la canción que cuenta una historia de lo mejor. No te olvides de los pequeños detalles, añaden significado a tu edición. Cuando puedas encontrar significado en los pequeños detalles, la edición más matizada será. Hará que sea más interesante. Los pequeños detalles agregan color a tu trabajo. Aunque el público no recoja todos esos pequeños detalles, hay algo que decir sobre cómo metemos las cosas a nivel subconsciente. Lleva al público en un viaje. Cualquier edición en la que estás trabajando necesita tener un comienzo, medio y final interesante y emocionante con un montón de picos, muchos valles, muchos giros y giros siempre mantienen a tu público adivinando hacia dónde va editando. En este caso, elegimos parte. 5. Conectar las pistas musicales utilizando el ritmo: En esta lección, te voy a enseñar cómo conectar dos secciones separadas de nuestra música juntas usando el ritmo. Tenemos que hacer esto para que nuestra música suene como una pista unificada. ¿ Te acuerdas de una escuela primaria? En clase de música, tu profesor te enseñaría el tiempo de la música mediante el uso de aplausos y enseñaba ta, ta, tt, ta. Eso lo recuerdo, y me enseñó mucho sobre cómo contar un ritmo de música, y esencialmente vamos a utilizar las mismas técnicas que nos enseñaron en clase de música ahora mismo. Ahora, echemos un vistazo a la canción y empecemos a contar el ritmo. Voy a hacer doble clic en la línea de tiempo para que pudiéramos ver qué está pasando. Bueno, hasta abrir las formas de onda un poco más. Ahora, vamos a escuchar la pista e intentar identificar el ritmo. Boom, boom, boom. Todo listo naturalmente vas a poder recoger el ritmo. El siguiente paso a hacer sería contar el beat, 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2 y 3 y 4 por lo que hay cuatro beats por medida. Volvamos a jugar y te mostraré 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2, y podrás descifrar el primer beat, el segundo beat, y el tercer beat, el cuarto beat de cada medida. Eso va a ser extremadamente útil cuando intentas cortar música y cortar varias partes de la misma pista juntas. Otra gran manera de marcar el ritmo es agregar marcadores a cada cuarto de nota e incluso a cada octava nota. Entonces vamos a dar click en el clip y contar el beat con los marcadores 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y así se obtiene el punto. Contemos el final de la pista aquí, 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2 y 3 y 4 y 1. Está bien. Ahora, contemos la segunda parte de la pista. Vamos a extender un poco esto así que tenemos algunos lead up, 1 y 2 y 3 y 4 y 1 y 2 y 3. Está bien, bien. Tenemos las partes que queremos conectar al ritmo. El ritmo se mapea con los marcadores, vamos a resolver esto aquí. Vamos a extender esto, Oh, me perdí un ritmo, ahí vamos. Tienes que sentir la música, así que este es el ritmo que queremos terminar aquí mismo. Se puede ver el ritmo con la forma de onda aquí. Estamos terminando este clip justo al inicio de este beat, y este también es beat one. Esta parte de la pista también es vencida uno, 1 y 2 y 3 y quieres igualar el ritmo de cada pista juntos. Golpear una de cada pista va en conjunto, vencer a dos de cada pista va en conjunto, y así sucesivamente y así sucesivamente. Pongamos estos primeros beats juntos, necesita algo de trabajo, y su última letra está cortada. Si tan sólo movemos este clip hacia abajo y vamos a extender esto, sólo vamos a escuchar este solista. Todavía va a volar, dice que queremos que eso escurra un poco. Podías oírlo respirar, así que vamos a tirar un poco hacia atrás. Vamos a escuchar, esto llega un poco temprano. Vamos a empujar el clip sobre un marco. Sí, eso suena mucho mejor, lo que significa que esto solo toma tiempo y práctica para conseguir el momento correcto. Es posible que incluso necesites que alguien lo escuche y diga, oye, esto suena bien. Habrá momentos en que agregaste algo juntos y sonará justo en este momento y al día siguiente estarás como, ¿en qué estaba pensando? Eso está totalmente bien, es sólo parte del proceso. Escuchemos esto otra vez. Eso conecta realmente bien, todavía hace falta algo de trabajo, pero está sonando muy bien, y aquí está el recapitulación. Usa marcadores para mapear el ritmo de las pistas musicales. Cuando estés cortando dos partes separadas de la misma pista juntas, asegúrate de que estás cortando el primer beat, el segundo beat, el tercer beat, o el cuarto beat de cada track para que la música corte sin problemas, y luego la música fluye en el momento adecuado. Abre ese audio para que puedas ver las formas de onda, es una representación visual del beat y lo hace mucho más fácil a la hora de editar audio. Si no has terminado todo en ese audio, adelante y hazlo ahora, y te veré en la siguiente lección. Donde vamos a aprender a editar nuestro audio en el punto cero. 6. Editar audio en el punto cero: En esta lección, vamos a suavizar la música, y hablar de por qué podrías estar experimentando clics y pops en tu audio. Empecemos con esta técnica de edición de audio. Añade siempre fundidos en todo tu audio. Permítanme explicar por qué. Cada pista de audio tiene lo que se llaman samples, y estas muestras parecen ondas. Estas olas ascienden y descienden más allá del punto cero, que se encuentra aquí. Ahora, si cortaras este audio en la parte superior de la ola aquí y reproducirlo, conseguirías un pop en el audio. Si fueras a cortar en el punto cero o en el punto donde la ola está centro, no escucharás el pop. Ahora te voy a mostrar cómo agregar fundidos a tu audio en un instante. Configuré mis transiciones de audio para que sean dos fotogramas disueltos y en Premiere, lo harías yendo a Editar, Preferencias, Línea de tiempo. Entonces puedes ver aquí, Audio Transition Default Duration. Lo configuré en dos fotogramas, hago clic en “Ok”, y luego necesito configurar mi tecla de acceso rápido, así que tengo acceso rápido a esa transición de audio predeterminada. Así que ve a Editar, Atajos de teclado, y luego escribe en la barra de búsqueda justo aquí, Aplicar transición de audio. Puedes ver aquí he puesto mi tecla de acceso rápido en Y, lo que quieras, solo asegúrate de configurarlo porque vas a usar mucho esto. Haga clic en “Ok”. Esto nos permitirá agregar audio se disuelve rápidamente a todo nuestro audio. En cualquier proyecto en el que estés trabajando, solo puedes seleccionar todo, presionar la “Hotkey” para la transición de audio predeterminada, y luego obtendrás transiciones de audio en cada parte de tu audio muy rápidamente. Es ideal para prevenir pops de audio y suavizar tu audio muy rápidamente. Tomemos una escucha. Ya suena más suave, pero aún podemos retocar el audio desde aquí. Ahora podemos entrar y extender son a través de resolves, para obtener el sonido que queremos. Entonces lo que busco aquí, vamos a solo esto. Yo quiero sacarle el aliento, porque se podía oír que todavía está respirando un poco. Pero también quiero que se sienta que este clip está terminando lo más suavemente posible. Así que hasta podría simplemente retroceder un poco. A lo mejor sólo voy a hacer esto, bájalo un poco. Sí, estoy de acuerdo con eso. Entonces voy a solista mi próximo clip y a ver si eso suena bien. Creo que le corté un poco su palabra aquí, así que vamos a retirarla un poco. Vamos a retroceder un poco más. Entonces estamos metiendo toda la palabra ahí ahora, pero aún siento que podría suavizar un poco más, así que probemos esto. Intentemos tirarlo un poco más. Sí, eso suena bien creo. Unsolista nuestra segunda pista de audio y escuchemos toda la pieza. Sí, bonito. En esta lección aprendimos la importancia de usar fundidos en todo nuestro audio, asegurando que siempre estamos editando en el punto cero para evitar clics o pops. También recuerda configurar tu tecla de acceso rápido de transición de audio predeterminada que puedas agregar transiciones de audio muy rápidamente.Únete a mí en la siguiente lección donde vamos a aprender sobre reverberación y su flexibilidad en la edición de audio. 7. Usar la reverberación para una edición musical flexible: Ahora tenemos este final. Simplemente no está funcionando. Nuestro final todavía suena áspero. ¿ Por qué elegí terminar en este ritmo? Bueno de nuevo, está lleno de energía y mantiene nuestra pieza general corta y rápida. A pesar de que parezca un pequeño detalle, creo que [inaudible] en nuestros objetivos y meta general. Una forma de lidiar con el final incómodo es agregar reverberación al final de nuestra pista. Ayudará a que la música se sienta más concluyente y casi como si fuera un final natural para la canción. Encontremos la porción donde queremos reverberar, que será el final de nuestro clip. Tomemos una escucha. Cuando DJ diga “Go”, simplemente lo terminaremos ahí. Tan solo retírelo un poco. Bien. Eso sonará muy bien. Ahora vamos a seleccionar esa parte del clip, copiar pegar y colocarlo en la pista tres. Ahora haga clic en ventana, Mezclador de pistas de audio para abrir la ventana del mezclador de pistas de audio. audio uno, dos, y tres corresponde a la pista uno, dos, y tres en nuestra línea de tiempo. En Premiere, agrego la reverberación al mezclador de pistas de audio. De esta forma, solo necesito crear mis parámetros una vez, y cualquier audio, en esta pista específica, tiene aplicados esos mismos filtros. Haga clic en este triángulo y haga clic en Reverberación, Estudio Reverb, y luego Editar efectos. Ahora no voy a entrar en mucho detalle sobre cómo editar estos efectos porque eso podría ser todo un video en sí mismo. Además realmente no tengo la pericia, solo sé cómo hacer que suene bien con la experimentación. Ahora haga clic en Preajustes. Vayamos al Gran Salón. Queremos mucha reverberación para que suene bien. Haremos el tamaño de la habitación 100, así que es bonito y grande; agrega algunas reflexiones tempranas al audio, sube el ancho. Queremos que sea lo más grande y en auge posible. Bajaremos la mezcla seca a cero por ciento y golpearemos la mezcla húmeda hasta un 100 por ciento, por lo que no escuchamos nada del audio fuente original, y solo estamos escuchando los efectos del filtro aplicado. Ahora el play head se está deteniendo en esta parte porque piensa que este es el final del proyecto a pesar de que tenemos reverberación aplicada a esto. Queremos escuchar la reverberación, así que duplicemos el clip inferior, arrástralo, y esto se convertirá en el nuevo final del proyecto. Esto sólo será una solución temporal para que podamos escuchar nuestra reverberación sonar. Eso está bastante auge. Vamos a hacer algunos ajustes más. Adelante y agrega tanta o tan poca reverberación como quieras, solo asegúrate de que suene concluyente. Si prefieres simplemente copiar lo que estoy haciendo aquí, eso está totalmente bien. Estos son los parámetros. Ahora sigo pensando que esta porción duplicada del clip incluye demasiado del audio antes de que DJ diga “Go”, así que voy a cortar eso y añadir una transición de audio. Usar reverberación es una gran manera de terminar [inaudible] cuando no se tiene un final natural a una canción o si preferimos una parte diferente de la canción por completo. Adelante y termina de editar esa reverberación. En la siguiente lección, vamos a aprender sobre cómo puedes usar la música para avisar a tu público. 8. Atraer a la audiencia con música: En la última lección usamos reverberación para unificar nuestra pista y para terminarla en un lugar incómodo. También de manera involuntaria, avisamos al público con la reverberación. En esta lección, voy a hablar ese concepto y de los beneficios de usar esta técnica. Echemos un vistazo al final del tráiler de video musical editado. En este caso, la reverberación señala el final del video. Amplifica y trae foco al texto. Todo lo que ves en la pantalla son las palabras, fuera ahora. Si crees que estoy sobreanalizando esto, está bien pero echemos un vistazo al final del video con la música desvaneciéndose. Esto funciona también a su manera pero no aporta tanto enfoque al texto, lo que respalda nuestro objetivo general. Las señales musicales también son una gran manera de señalar cambios de humor, pasar de feliz a triste, o pasar de una idea a otra, o incluso de una canción a otra. Aquí tienes un ejemplo de mi intro de Skillshare. Escuchar una historia para vender un producto o para promocionar marca. ¿ Cómo exactamente lo hacemos con éxito? Se puede ver aquí que empiezo en serio y luego la música reversa y transita a un estado de ánimo diferente, una idea diferente, un pensamiento nuevo y luego la música vuelve a patear para introducir el título del video. Aquí la idea es que la música está señalando con reverberación al público para indicar un cambio de humor o una idea nueva. Ayuda a que el público se facilite a un nuevo estado de ánimo, se convierta en una nueva idea. Volví a hacer esto al final del video para realzar la comedia de la situación. En técnicas de edición de video. Haga clic en la lección. El siguiente, es solo en algún lugar ahí abajo. Adelante. El sonido reverbe agregando énfasis al ruido de la habitación y la incomodidad de sentarse solo en silencio. La música vuelve a patear para que el público piense que me voy a sentar ahí todo el día. Está bien. Entonces me sentaré aquí. Tengo todo el día. La música hace pensar al público que crea que está sucediendo un nuevo pensamiento o idea y te hace preguntarte, hay más en este video? Está bien, no tengo todo el día. Basta con dar click en la siguiente lección. Pero entonces claro, apago el video, la música reverbe y es gracioso porque, engaño al público para que piense que el video va a seguir para siempre. Al menos tal vez, algunos del público. Usa la música en tu video para avisar a un público de una nueva idea, un nuevo pensamiento, un nuevo estado de ánimo. Las señales musicales pueden ayudar a resaltar la estructura de tu edición y hacer que sea más fácil de seguir. Puedes ser tan obvio o sutil como te gustaría al editar tu música. Recuerda, la música sirve a tu historia. Adelante y termina de afinar ese audio y en la siguiente lección, hablaremos de los diferentes tipos de ediciones de video. 9. Edición de videos, parte 1: En esta lección, vamos a empezar a discutir las ediciones de video. Entender cuándo y por qué usarías ciertas ediciones, te ayudará a través de todo el proceso de edición. Las ediciones de video son como magia. Pueden ocultar errores, hacerte sentir de cierta manera acerca de una persona, producto o cosa. Ayudan a reestructurar historias y hacen avanzar las historias. Voy a sonar como un disco roto aquí. Utilizamos ediciones de video para contar una historia y para mover emocionalmente al espectador. Poderosa narración puede crear una fuerte respuesta emocional y provocar que el espectador se inspire a aprender algo nuevo, a verse obligado a cambiar de alguna manera, o a hacer algo. Nuestras historias pueden cambiar a las personas, razón por la cual valen la pena contar. El motivo por el que elegimos algunas ediciones sobre otras es para servir el propósito de la historia. Dicho esto, la mayoría de las veces queremos estar creando una edición invisible, por lo que nuestro público puede estar inmerso en la emoción de la historia y no sacarse de la historia por jarring ediciones. Con eso dicho, entrémonos en ello. El corte estándar. Este corte es exactamente lo que suena. Es sólo un corte de un disparo a otro. Es genial para hacer avanzar la historia y revelar nueva información mostrando una nueva perspectiva. Cortar a la acción. Lo que estamos haciendo aquí es cortar de un disparo a otro, mientras un sujeto está en movimiento. El movimiento del personaje u objeto hace que el espectador se enfoque y siga el movimiento, haciendo que la edición sea menos jarring. También se puede cortar en pequeñas acciones. Algunos de estos cortes están cortando a la acción y esencialmente es el personaje. Atrae al público más profundo en la historia. El salto cortó. El corte de salto es cuando cortamos de una parte de un clip a otra parte del mismo clip, de ahí salto corte. También puedes cortar de un disparo a otro que sea de un ángulo similar para obtener el mismo efecto. Es una gran manera de cortar en acción rápidamente para mostrar el paso del tiempo, esa conveniencia y energía a una escena. También se puede utilizar para resaltar la realidad emocional de un personaje, como hacer esa ansiedad induciendo llamada telefónica o tener un colapso mental. Esto se usa a menudo en películas de acción y puede ser muy sutil. Los cortes de salto ayudan a llevar un flujo a la acción y también enfatiza la violencia de la escena. Remapeo de tiempo. El mapeo oportuno es cuando se acelera o ralentiza un disparo. Acelerar un disparo en una edición es una gran manera de ocultar un corte. Al disminuir la velocidad en disparo acelerado, crea más énfasis en el disparo que elijas para frenar, lo que te permite ver una escena u objeto en detalle. También puedes acelerar un disparo para llegar rápidamente a la siguiente acción en la secuencia. En ocasiones, este efecto, combinado con cortes de salto puede sentirse algo antinatural y hacer que el personaje parezca sobrehumano. El J y L corte. Los cortes J y L llevan el nombre de la forma del corte solo audio y video en tu línea de tiempo. Son ediciones basadas en audio, lo que significa que se escucha el audio de una sola toma, continúa con la siguiente toma, o se escucha el audio de la siguiente toma. antes de ver el video. El corte J crea anticipación y es una gran manera de pasar de una escena a otra. Me temo que lo que estás describiendo es esquizofrenia. No, no es esquizofrenia. Quizás lo más importante, esta técnica llama la atención sobre detalles importantes de la historia, como en esta transición de escena donde despertador de Neo de la siguiente escena se escucha pitido antes de que lo veamos. Demuestra que Neo todavía está atascado en la matriz y necesita ser despertado al mundo real. Con el corte L, el audio de un clip actual continúa hasta el siguiente clip. Es una gran manera de mostrar de qué está hablando un sujeto, mostrar visuales sobre su diálogo. Eso es mucho. Sí. No acabas de imprimir la tusa de esa cosa, imprimimos muchas joyas. Al igual que el corte J, el corte L también llama la atención sobre detalles importantes de la historia. Yo la llamo, y ella ha cambiado su número, así que me acerqué a Anda Garty para traerle algo. Pensé, dale un San Valentín temprano. Tanto los cortes J como los L se usan con frecuencia cuando dos personajes están hablando entre sí. Puede crear un flujo sin fisuras al diálogo. Espera, ¿esto es real? Sí. Está bien. Entonces espera, me disculpo, ¿de acuerdo? Tengo que ir a estudiar. Mónica. Sí. Lo siento, lo digo en serio. Cuando los cortes J y L no se usan en una escena de diálogo, puede sentirse más como una transacción o impersonal. Llegas dos horas tarde. Ya sé, es culpa mía. ¿ Tienes el dinero? Dos de los grandes. Como puedes ver, estas sencillas ediciones de video se pueden utilizar de varias maneras para contar historias efectivas. Volveremos a entrar en más ediciones de video. Pero antes de hacerlo, empecemos en el aspecto visual de nuestro proyecto eligiendo selects. 10. Elegir selecciones: La primera parte del proceso de cualquier edición es revisar todo el metraje en su totalidad y luego elegir las mejores porciones de esos clips, que se denominan selects. Hacer esto nos da una vista de pájaro de qué clips podrían encajar mejor en la edición del proyecto. Hace que la cantidad de metraje sea mucho más manejable cuando comenzamos a editar nuestro proyecto. En cierto modo, elegir selecciones es el comienzo de nuestra edición en bruto. Hay diferentes enfoques a la hora de elegir selects, el mío es simple. Empezaré haciendo clic y arrastrando cada una de mis carpetas individuales de material de archivo a su propia secuencia. Haga clic en cada carpeta y arrástrala hacia abajo hasta el ícono de papel aquí abajo. Creará una nueva secuencia con todos mis clips en el orden en que están organizados en carpeta. La nueva secuencia se puede encontrar en la carpeta que se utilizó para crear la nueva secuencia. Renombraré mis secuencias selects agregando la palabra selects al final de mi título de secuencia y luego la moveré a mi carpeta de secuencias. Yo veo a través de todo el metraje y como estoy revisando el metraje, si digo algo que me guste o una parte que creo que podría contar bien la historia, recortaré esa porción y la moveré hasta la segunda pista de mi línea de tiempo. Todas las porciones de copa de arriba serán mis selecciones, y todos los clips de abajo son clips que sé que probablemente no usaré o se pueden usar más adelante para resolver un problema que podría estar teniendo. En este caso, la mayoría de las mejores tomas ya están cortadas para ti. Puedes seguir adelante y elegir selecciones del metraje que no necesita sincronizarse con la música. Cuando se trata de las piezas de performance y danza, necesitan sincronizarse con la música. Lo que podría sugerir para esos clips es mantenerlos como están, tomar nota de las ubicaciones que más te gusten o de las actuaciones que más te gusten. Pero por ahora, aguanta fijando puntos de entrada y salida o haciendo cortes en las piezas de performance y baile. Esto lo explicaré más cuando lleguemos a la lección de edición aproximada. Adelante y crea tus secuencias de selecciones a partir de tu metraje, luego pasa por todo el metraje que no necesita sincronizarse con la música y elige tus selecciones. Además, no olvides tomar nota de tus tiros favoritos de ubicación de baile y de rendimiento. Este proceso hará que la edición sea mucho más fácil de manejar. En la siguiente lección, vamos a pasar por más ediciones de video. 11. Edición de videos, parte 2: En esta lección, vamos a explorar más ediciones de video. El montaje. El montaje es una técnica donde se corta una serie de tomas juntas para mostrar un paso del tiempo. Se puede mostrar el viaje de un personaje de un punto a otro, o para mostrar un personaje cambiante a lo largo del tiempo. Podría ser una elección estilística o conducir a casa un punto. Hay muchas formas de usar el montaje. Se disuelve la cruz. El cruce disuelto se utiliza principalmente para mostrar un paso del tiempo. Muchos editores principiantes usarán cross disuelves en cada edición. No hagas esto. Sé intencional con cada edición elegida, desvanecen de entrada y salida. Los feeds se suelen utilizar para comenzar una escena o una película y para terminar una escena o una película. También es una gran opción cortar a negro para terminar la escena y cortar de negro para comenzar una escena. Cutaways e inserciones. Un corte es cuando el editor corta a una toma que no pertenece en el mismo espacio o tiempo de la escena actual. Por ejemplo, esto podría ser un flashback o toma de algo en lo que el personaje está pensando o hablando. Los cutaways nos dan la capacidad de ver el mundo interior del personaje. También se pueden utilizar para recordar al público piezas importantes de la historia y crear significación. Un inserto es cuando has cortado a otro disparo dentro del mismo espacio y tiempo de la misma escena. Podría ser algo con personajes sosteniendo o tiro más detallado de alguien completando una acción. Las inserciones son una gran manera de ayudar al público a entender la escena en general mostrando más detalle e información. Inserciones construyen sobre el mundo de la historia al mostrar los intrincados detalles de la escena. Edición transversal y paralela. Transversal es cuando el editor, cortes entre dos secuencias separadas ocurriendo al mismo tiempo. A menudo se usa para construir tensión en secuencia, pero a menudo puede dibujar paralelismos entre las dos escenas. Al igual que en esta escena de Snatch. En una secuencia, tenemos dos perros persiguiendo a un conejo y luego esta otra secuencia sucediendo simultáneamente con dos secuaces persiguiendo a Tyrone. Corte de partido. Un corte de partido es cuando cortamos de un disparo a otro, donde ambos tiros coinciden en composición o acción. En un video musical, confiamos en gran medida en cortes de partido para fusionar nuestras ubicaciones, principalmente a través de la acción y colocación de nuestra bailarina. Durante los momentos de exploración de la ubicación, obtenemos una sensación de los personajes en su mayoría a tierra y sus movimientos a medida que cambia su entorno. Esto también permite cambios rápidos de disparo porque el bailarín no se mueve de la posición, lo que facilita el seguimiento de la edición. El corte de partido también puede ser audible así. O emparejar una palabra con la acción, como en este ejemplo de Hot Fuzz. No, quiero decir, ¿cuál quieres ver primero? Me estás tirando de la pierna. [ Ruido]. El partido cortó puentes dos tiros juntos y puede crear significado. El corte invisible. El corte invisible es un corte tan mágico para mí y es tan satisfactorio cuando se hace correctamente. El corte invisible es invisible. No se supone que veas dónde está el corte. Esto permite una toma de aspecto largo y transiciones sin fisuras entre escenas. También se puede utilizar para mostrar el paso del tiempo. En películas como Birdman y 1917. Mantienen la impresión de que estas son una toma de películas, pero están llenas de cortes brillantemente escondidos a lo largo de la película. corte de aplastamiento. Aquí es donde tengo diferencias de opiniones. En realidad no creo que un corte de aplastamiento sea sus propios cortes. Esto está a punto de estallar. Creo que dependiendo del contexto un corte Smash, solo puede ser un corte regular o un corte, o un inserto o un corte match, déjame simplemente llamarlo la técnica de aplastamiento. Esta es una técnica que se utiliza para pasar de la calma a la intensa. Un corazón humano es tal misterio. O tiene la intención de llamarlos. En realidad, depende del contraste entre los dos tiros separados y donde se hace el punto de corte. Es abrupto y llama tu atención. Ahora acabamos de pasar por todas las ediciones de video y es súper emocionante ver cómo podemos aplicar estas ideas a cualquier edición en la que estamos trabajando. Recuerda, cada corte que hagas es intencional. Debe servir a la historia, y a la meta general de la historia, y a los objetivos que alcanzan esa meta. Ahora volvamos a nuestro proyecto principal y empecemos con nuestra edición en bruto. 12. Crear el proyecto de boceto de edición: Ahora es el momento de empezar en un corte rudo. Esta es una parte muy importante del proceso porque nos ayuda a ver nuestras imágenes, cortadas juntas en una secuencia lógica o principio, medio y fin. Nos da un lugar para empezar. Tenemos algo tangible con lo que podemos trabajar. En la edición aproximada, simplemente estamos estableciendo la estructura de la historia. Recuerda en la lección 1, discutimos la historia de este proyecto. Entonces tenemos un principio, un medio, y un final para guiar nuestra edición en bruto. Al principio, nuestro personaje principal inicia en el estudio Black box. Podríamos empezar con ese disparo. En el medio, explora múltiples localizaciones y descubre su yo interior, cual está representado por el telón de fondo rojo. Podríamos ir a múltiples ubicaciones y luego parpadear en el fondo rojo. Entonces eventualmente, podemos usar una cámara lenta para mostrar el yo interior y su forma completa. Entonces al final, encuentra el equilibrio. Esto podría ser una mezcla de las localizaciones, el estudio Black box, tal vez las piezas de performance y toda la otra buró que tenemos todo en uno. Esto es solo una idea de cuál puede ser la estructura rugosa, pero es un proceso sencillo paso a paso que es fácil de seguir. Cuando empiece a editar el proyecto, configuraré dos líneas de tiempo separadas. Abriré ambas líneas de tiempo al mismo tiempo. El de arriba serán mis selecciones y el de abajo será mi secuencia principal. Cuando empieces a editar tu primera edición aproximada, haz clic y arrastra todo el clip hasta tu línea de tiempo principal. Sincroniza el clip con la pista musical. Todas las piezas de performance y las piezas de baile se sincronizan en el endpoint con la música. Debe ser tan simple como hacer clic y arrastrar a la línea de tiempo. Una vez sincronizados tus clips, elimina la pista de música del clip, elimina las partes del clip que crees que no vas a usar, y luego repite el proceso. Pon las superposiciones en cámara lenta, no necesitan estar sincronizadas. Podemos colocar estos clips en cualquier lugar que queramos. Otra cosa a mencionar, también necesitamos incluir el nombre del artista, The Castons, el nombre de la pista, Spotlight, y la bailarina destacada, Joyce Nguyen. Podría colocarlos al inicio del video. Entonces tal vez al final del video, podemos incluir un llamado a la acción, como salir ahora o lo que creas que suena bien. No te sientas limitado a colocar estos elementos gráficos, si tienes otras ideas de dónde podrían ir en la línea de tiempo, dale un tiro. Adelante y crea tus propios elementos gráficos. Usa animación, diferentes fuentes, o podrías usar los archivos PNG que he incluido en la carpeta de activos del proyecto. Obtener clips en la línea de tiempo y conseguir un corte realmente áspero es una manera tan buena de empezar con algo. Es imperfecto, pero es un lugar para empezar. Adelante y usa el principio, el medio y el final de la historia como mapa para maquetar tus clips y elementos gráficos preferidos. En la siguiente lección, vamos a aprender sobre ritmo y ritmo. 13. Ritmo: En esta lección, vamos a hablar de ritmo y ritmo. Al igual que la música, las historias que contamos en la pantalla tienen diferentes tempos, beats, y ritmo general. Llevan al espectador en un viaje. Hablemos de estas ideas con más detalle. En primer lugar. El ritmo. Oye. Oye. El ritmo es el momento de los cortes. Podría ser la longitud de un disparo, Cómo va. Bien. Gracias, ¿tú? Bien. Bien. Sí. Realmente bueno. Bien. Podría ser el espacio entre diálogo, o el espacio que se mantiene en el momento antes de que algo suceda. Te ves genial. Gracias. Podría ser lento en puntos o rápido, o en algún lugar intermedio. El ritmo es el resultado del ritmo. Todos los diferentes cortes, beats, momentos, espacios entre diálogo y acción, crean un ritmo general a un video. El ritmo es como una montaña rusa, quieres momentos de velocidad, emoción, energía. También quieres momentos de lenta anticipación, tensión, un momento para respirar. El ritmo puede ayudar a un público a interpretar o sentir momentos en la historia como se pretenden. Pregúntate esto. ¿Para qué llama esta historia que estoy contando? ¿A qué se refiere esta escena? Claramente quieres que diga algo. A lo mejor estamos tratando de lograr la anticipación, intención en las pausas. Yo sólo. Estamos a la espera de una respuesta. Entonces no cortamos. Me voy a la cama. El personaje se queda con la respuesta que no quiere. Entonces no cortamos. A lo mejor es una discusión. El ritmo de las ediciones imita el ida y vuelta del diálogo. Todo el mundo sabía que estás cabreada. En serio, así es como quieres iniciar esta conversación. Oh lo siento, ¿cómo te gustaría que iniciara la conversación? Ni siquiera te preocupes por ello. Correcto. Para que lo subas en tres meses a partir de ahora. veces eres un asno. Oh, soy un culo. Porque quiero hablar contigo. Porque sabes que no quiero hacer esto ahora mismo y no lo dejarás ir. El relato dicta el ritmo. Un muy buen ejemplo de ritmo es de la película Baby Driver. El filme está fuertemente influenciado por su track musical y sigue el ritmo de la música. Todo está maravillosamente agotado, pero no hasta el punto de la previsibilidad. Hay momentos de anticipación en las persecuciones de autos con lenta acumulación, luego energía explosiva. está latiendo el corazón del pecho de la milagrosa fuga mientras bebé se tira a un estacionamiento seguro, somos recompensados con un tiro largo como un descanso del ritmo abrasador, tenemos oportunidad de respirar, pero estamos aún se quedó sintiendo la tensión de saber que aún no estamos del todo a salvo de la policía después de la huida. Si quieres conseguir un realmente buen sentido del ritmo y el ritmo reloj Baby Driver. Entonces, ¿cuáles son algunas formas prácticas de saber cuándo hacer un corte? Con un video musical, tenemos el ritmo de una canción para determinar el ritmo de las ediciones. Las notas octava, las notas trimestres, las medias notas, las notas completas, y las medidas completas de la canción se pueden utilizar para trazar cortes y darnos una variedad de enlaces a nuestra edición. Esta podría ser una forma de abordar el ritmo. No sólo estamos cortando al ritmo. ritmo y el ritmo se basan mucho en sentir la edición también. Con ediciones basadas en música hace que sea mucho más fácil sentir el corte porque es similar a sentir la música. Pero cuando se trata de escenas de diálogo o escenas que no tienen ningún elemento que obviamente estén guiando el tempo, podría ser un proceso más intuitivo donde se necesita sentir el ritmo del diálogo de la narración, o la persona que habla con cámara. Una forma de hacerlo es simplemente reproduciendo el clip y luego golpeando la barra espaciadora para detener el clip cuando siento que se debe hacer la edición. Seguiré con este proceso hasta que se sienta bien. Podrías tomarte un descanso de la escena y volver a verla, dándote cuenta de que el ritmo sigue apagado, entonces volverías a cortar y repetir el proceso hasta que se sienta bien. Entonces, dicho eso, otra técnica podría ser para una escena sin música, podrías simplemente agregar música que se sienta adecuada a la escena para inspirar una comprensión diferente de la escena y cuál podría ser su ritmo, y experimentar y hacer ediciones informadas. Lo contrario también puede ser cierto. Simplemente apagando todo tu audio por completo no estás usando pistas audibles en absoluto. De hecho, estás usando movimiento de los actores o de la escena. El movimiento de sus ojos, de sus manos y quizá decisiones instintivas aún más sutiles que podrías tomar a partir de si no poder escuchar nada. De hecho, la mayoría de la forma en que edito, incluso con música y sonido habilitados, es mirar los movimientos del actor o el movimiento de la cosa o una cámara. Esos movimientos tienen su propio ritmo y ritmo y pueden insinuar posibles puntos de corte. También podría empujar un clip alrededor, cuadro por fotograma y luego reproducirlo hasta que se sienta bien. Esto obviamente incluye mucha experimentación y ensayo y error. Esto puede ser súper frustrante para algunos de ustedes, pero es más una cosa de sentimiento. posible que tengas que tomarte un descanso y volver a verlo, conseguir que alguien lo vigile por ti y que se sienta de él, es el ritmo correcto? ¿ Esto se siente bien? No hay fórmula, así que solo sigan practicando. Por lo que para resumir esta lección, ritmo es el momento de los recortes y también el momento de los momentos entre las acciones y el diálogo. esto se pueden incluir incluso efectos de sonido y efectos visuales. ritmo es el resultado general del ritmo, todo esto requiere práctica. Vuelve a tu edición y comprueba el ritmo de nuevo. ¿ Se siente bien? O puedes esperar hasta que lleguemos a la última lección sobre refinar la edición. Antes de meternos en eso, vamos a ir a la Lección 12. Rastro de ojos. 14. Seguimiento de ojos: Al editar una historia, queremos crear una experiencia visual suave para el público. En esta lección, vamos a hablar de una técnica llamada el rastro del ojo, que hace exactamente eso. Al ver una película, nuestros ojos se atraen a partes específicas de la imagen. Lo más probable es que sean los ojos de un personaje, el movimiento en el marco, o tal vez un objeto de colores brillantes. El rastro de ojos es una técnica utilizada para dirigir el ojo del espectador de una parte de la imagen a otra, o de un disparo a otro. Esta escena que estamos viendo es increíblemente suave. Tu mirada no tiene que moverse lejos de una parte del marco en el primer disparo, a la siguiente parte del marco en el siguiente disparo. Mis ojos están rastreando las señales, aterrizando en los ojos, y luego rastreando las señales, luego entrar en el texto, y luego volver a los ojos. Hay un flujo natural al movimiento del ojo. Como editores, no tenemos mucho control sobre lo que mira el espectador en una toma continua de movimiento. Esa es la elección del director. Pero en la edición, tenemos mucho más control sobre dónde se ve el espectador. En una imagen, nuestros ojos son típicamente dibujados hacia el rostro de otra persona, el movimiento de una acción o la cámara, y el color y contraste, y la composición. Podemos utilizar esta información para ayudarnos a determinar a qué parte del marco se podría atraer un público. Esto nos puede ayudar a hacer una edición informada. En nuestro video musical, la mayoría de las veces nos atraen el movimiento de los bailarines y su rostro, porque está en la misma posición relativa a lo largo de la secuencia, hemos logrado rastros de ojos. Seguimos sus movimientos de un cuadro a otro sin esfuerzo. Debido a que este video utiliza muchas tomas similares para lograr su estilo mágico, obtendrás una gran cantidad de clips conectándose con rastros de ojos. ¿ Hay otras formas de hacer esto? Piensa en algunas otras ediciones creativas que pueden guiar el ojo. Siempre podrás usar el rastreo de ojos todo el tiempo. No necesariamente querer, no lo fuerces, si sacrifica la emoción, la coherencia, o el ritmo de la historia. El trazado de ojos es otra herramienta a utilizar para guiar la atención del espectador hacia ciertos elementos de la historia. Recuerda, nos atraen los rostros, movimiento, el color y el contraste, y sobre todo, nos atraen a buscar sentido dentro del marco. ¿ Cuáles son algunas formas creativas y significativas en las que puedes usar el rastro de ojos en tu edición, sin sacrificar la emoción, claridad y el ritmo de tu historia? En la siguiente lección, hablaremos de refinar nuestra edición. 15. Refinar el boceto de edición: Refinar la edición áspera da vida a nuestra historia. Usando algunas de las técnicas de edición aprendidas podemos aportar sentido y flujo visual a nuestro proyecto. Ahora es nuestra oportunidad de experimentar y dar algunas ideas de edición diferentes de try. Pregúntate esto. Diviértete, experimenta con el ritmo, prueba diferentes ediciones, reacomoda la estructura de los disparos. Conforme estoy editando, siempre estoy pasando rápidamente por estos tres pasos en mi cabeza. Paso 1, reviso la edición y me pregunto ¿qué está funcionando? ¿ Qué no funciona? Identificar los problemas que necesitan ser resueltos. Por ejemplo, algo no está del todo bien con estos recortes aquí, no se puede entender del todo lo que es. Por lo que reproducción despacio. Se ve gracioso porque los movimientos no están coincidiendo de un cortes a otro. Eso me lleva al Paso 2, intento resolver los problemas dentro de la edición usando técnicas de edición. El problema que estoy enfrentando aquí es que el corte en la acción no es del todo en una parte adecuada de la acción. ¿ Cuáles algunos reajustes pueden asegurar que el flujo de un clip siga al siguiente clip? Aquí vamos. Es mejor. Ahora, en el segundo clip, sólo tuve la sensación de cubrirlo ahí. La reacción ocurre con bastante rapidez, como los verrugas rebotan fuera de ese movimiento. Pero estoy de acuerdo con eso por ahora. Vamos a ver clips de YouTube atrás. Se ve bastante bien. Entonces ella lente aquí de esta extraña manera. Voy a tener que volver atrás y hacer algo al respecto. A lo mejor estás teniendo problemas de ritmo. Usa lo que has aprendido del video de ritmo y ritmo y aplica esos principios. A lo mejor una edición de un disparo a otro es jarring, pero no por un corte en la acción, sino por un problema de rastros oculares. ¿ Cuáles son algunas formas creativas en las que puedes guiar el ojo del espectador para que luzcan donde quieras? Constantemente estamos pasando por esos dos pasos, identificando problemas y luego resolviéndolos usando la técnica de edición. Paso 3, si no puedo averiguar qué pasa con la edición o aún no estoy contento con ella. Volveré a visitar la fase de experimentación. Seguiré en bicicleta por estos pasos hasta que me sienta feliz con la edición y la estructura. Paso 4, eventualmente obtendré retroalimentación a través de este proceso. Ayuda a resolver problemas que no notes o problemas que tienes problemas para resolver. Ahora, es hora de que experimentes con tu propia edición. Después de aterrizar en una edición con la que estás contento, identifica qué posibles problemas podría tener la edición, qué técnicas de edición podrían resolver estos problemas. Publica tu trabajo y progreso o tu pieza terminada. Diviértete, experimenta, prueba cosas nuevas. Buena suerte. 16. ¡Resumen final y agradecimientos!: Sí. Tú lo lograste. Espero que lo hayas logrado. ¿Lo terminaste? espero que hayas terminado el proyecto. Hemos cubierto un montón de técnicas. Entonces, si sigues teniendo problemas para entender algunos de los conceptos. O si necesitas una referencia rápida, regresa y vuelve a ver algunas de las lecciones Haz una pregunta en la sección de comentarios. A lo mejor hay alguien ahí que sepa la respuesta. Yo podría. Voy a tratar de responder a la pregunta de manera oportuna. Es hora de la recapitulacion final. Uno, la historia de tu proyecto guía la edición. Identifica qué historia estás contando el principio, el medio y el final y mientras la cuentas, los objetivos y la meta general. Dos, lleve a su audiencia al viaje con su audio y video. Elige las partes que mejor cuenten la historia y tengan el mayor impacto emocional. Tres, cuenta el ritmo de la pista de música para cortar uno y dos y tres y cuatro y conectar diferentes secciones juntas sin problemas. Cuatro, editar audio en el punto cero mediante el uso dos fotogramas de audio se disuelve como punto de partida en cada transición de audio Esto eliminará todos los clics y pops. Cinco, la reverberación es una gran herramienta para la edición de audio flexible, especialmente cuando se edita una pista de música en un punto incómodo Seis, usa la música para tu audiencia. La música puede indicar cambios de humor, nuevos pensamientos e ideas y hacer que ciertas partes de una edición sean más fáciles de seguir. Siete. Cuando se usa con un propósito, los cortes y transiciones de video pueden ayudar a contar tu historia y mover emocionalmente a una audiencia. Ocho. Haz que tu edición sea más manejable eligiendo seleccionados que cuenten mejor tu historia Nueve, usa el principio, mitad y el final de la historia de tu proyecto para elaborar rápidamente una edición aproximada. Diez, El ritmo de un proyecto correctamente puede ayudar a comunicar historias, emociones e ideas a una audiencia tal como se pretende ritmo y el ritmo están muy basados en los sentimientos y se necesita tiempo y experiencia para aprovechar 11 Dirija la atención del espectador usando el rastro ocular. Recuerda priorizar primero la historia, su resonancia emocional y su ritmo 12, identificar problemas dentro de la edición y resolverlos usando técnicas de edición. Estás resolviendo problemas, 13. Pregúntate, ¿y si Experimenta, juega, diviértete, abres a nuevas ideas Voy a sonar como un disco rayado por última vez. La historia es tu guía. En caso de duda, recurra a la historia de tu proyecto para obtener la respuesta. Ahora es el momento de la gran revelacion. Sube tus proyectos a la página de la galería para que todos podamos ver tu increíble trabajo. No puedo esperar a ver la creatividad y las ideas que pones en estos proyectos. Y si tienes proyectos personales en los que trabajaste junto a esta clase, sube esos para que podamos ver cómo aplicaste las técnicas de edición al trabajo del mundo real. Si te gusta esta clase y la encuentras valiosa, por favor deja tu opinión y recomiendala a un amigo o alguien que conozcas que también pueda encontrar valor de ella. Además, asegúrate de seguir mi perfil para estar al día. Hemos aprendido muchas técnicas de edición de video, pero todavía hay mucho más por aprender. Bien. Un enorme agradecimiento a usted por participar en esta clase y publicar su proyecto terminado. Gracias. Nos vemos pronto.