Técnicas de cine: crea composiciones cinematográficas

1. Introducción: Crear Composiciones Cinemáticas no necesita ser complicado No necesitas cuadrículas complejas. Guías, o alguna fórmula mágica para la narración efectiva. En esta clase voy a aclararte algunas cosas. Haciendo que el proceso de creación de composiciones sea mucho más fácil. Tener metas dentro de la fotografía y Cinematografía que sean realmente tangibles y alcanzables Soy Sean Dykink. He trabajado en el campo de la realización cinematográfica desde 2005 Y tuve horas de experiencia analizando composiciones y cómo contribuyen a la narración Esta clase trata sobre Enmarcado y Composición y cómo implementar técnicas compositivas para implementar técnicas compositivas contar una historia de manera efectiva Si eres un aspirante a fotógrafo o fotografía con alguna experiencia o tal vez sin Esta clase es para ti. Aprenderás por dónde empezar cuando se trata de Enmarcar y componer estrategias de tiro contar historias efectivas para obtener una comprensión más profunda de algunas de estas reglas compositivas de las que quizás hayas oído hablar Al final de esta clase, estarás armado con una estrategia práctica hora de acercarte, Encuadre y Composición para contar historias Entonces con eso, vamos a sumergirnos en la clase 2. Proyecto de clase: Muchas gracias por tomar esta clase. Estoy muy emocionada de poder formar parte de tu viaje cinematográfico Hablemos del proyecto para esta clase. Realmente, tu proyecto puede ser tan complejo o tan simple como te gustaría. una foto, toma varias fotos, crea una secuencia corta de tres tomas. Solo se asegura de demostrar el material aprendido e incluir, cuando sea posible, el proceso de pensamiento detrás de su proyecto. Una cosa a tener en cuenta es que muchas de las lecciones impulsarán ejercicios de lecciones, e incluso esos ejercicios individuales pueden contribuir a tu proyecto de clase. Por ejemplo, este breve lapso de tiempo es de lección Ejercicio de ochos y podría ser utilizado como mi proyecto de clase Y nuevamente, esto no necesita ser en el lapso de tiempo. Podría ser sólo una sola imagen. No todos los ejercicios de clase tienen que ser una gran obra maestra. Pero si te inspira un ejercicio de clase y quieres crear un proyecto de clase a partir de eso. Y yo te animaría a que lo hicieras. Vas a mejorar en el cine cuando salgas y lo hagas. Entonces, cuanto más pongas en las lecciones y en la clase general, más te vas a beneficiar. Los ejercicios cinematográficos no necesitan ser una obra maestra. Puede ser tan simple como trabajar en Encuadre y Composición usando tu smartphone y simplemente tomar fotos Esto me lleva a lo que vas a necesitar. Si tienes una cámara que pueda grabar un video, eso es genial. Cualquier cámara hará tu cámara de video, tu DSLR, un teléfono Cuando estoy inspirado para descubrir algún tipo de idea, o tengo un marco que quiero probar y no tengo cámara y ni siquiera mi teléfono para usar mis dedos como marcos y grabar las imágenes en mi mente, la mejor cámara para disparar es la que tienes contigo. Aunque eso signifique que tienes que usar tus manos para crear marcos como el gran Steven Spielberg Es importante divertirse mientras se aprende. Así que no te tomes demasiado en serio y trata de disfrutar del proceso. Si no lo estás disfrutando, tómate un descanso y vuelve a él con una perspectiva fresca o un objetivo específico en mente. No voy a incitar ejercicios en cada lección, pero eso no significa que no puedas salir a probar estas teorías y técnicas a medida que avanzamos. Nunca es una pérdida de tiempo. Estas lecciones son ejercicios. Va a agilizar tu experiencia y te impulsará a convertirte en una mejor Por lo que le animaría encarecidamente a que obtenga es práctico y práctico como sea posible Porque cuanto más te metes con algo de verdad, más tiene que dar sus frutos. Dicho esto, saltemos a nuestra primera lección. 3. Comunicación visual: Puede ser difícil decidir qué secrete visual para la historia que estás contando Y hay tantos factores diferentes involucrados en cómo una audiencia interpreta lo que ve en la pantalla Y algunas de esas imágenes pueden ser más efectivas que otras. Entonces, en esta lección, vamos a explorar algunos criterios amplios sobre cómo abordar la comunicación visual a través de la cinematografía Y sí, no es tanto una sorpresa. Contar la historia es lo que importa. Y eso significa lo que debería estar guiando nuestra cinematografía Y realmente cualquier aspecto dentro del cine. Al acercarse a un disparo, pregúntate, ¿qué estoy tratando de comunicar a través del disparo? Y se puede comunicar una serie de cosas a través de la cinematografía El shock podría ser dirigir tu ojo hacia un personaje u objeto en particular dentro del marco, quizás comunicando la importancia de esta persona o pensamiento. Los atajos simplemente revelan la ubicación geográfica de una escena, mostrándonos dónde se desarrolla parte de la historia y ayudan a crear contexto. Un shock también puede revelar al personaje quiénes son, su punto de vista, y esto se extiende a su relación con otros personajes y su estatus y poder. Un shock también puede ayudar a comunicar temas importantes en Salvar al soldado Ryan, un gran tema que recorre la totalidad de la película es la tragedia de la guerra. Esto se ejemplifica a través del movimiento de la cámara, el stock de películas , la velocidad de obturación y una serie de otros elementos cinematográficos Una toma también puede comunicar información que puede extraer una serie de emociones. El zodiaco de la película, eso sería miedo. Esta escena particular manipula los sentimientos del público hacia nuestro protagonista y este personaje secundario, la lista continúa Así que para mantener las cosas simples, y en mi opinión, la toma que mejor cuenta una historia, esa es la más efectiva y que puede ser poco vaga y un poco frustrante posiblemente Pero en esta clase, vamos a profundizar más en los detalles de lo que eso realmente significa Y a través de algunas técnicas teóricas y cinematográficas, espero que sea mucho más fácil entender esto Entonces aquí hay un ejemplo súper simple que filmé que espero ilustre este punto de pensar en lo que quieres comunicar a través de una toma. Tenemos a este tipo que está mirando su teléfono y vemos que su saldo bancario no está realmente ahí. Probablemente todos hemos estado ahí. El estrés de no tener dinero. Bien, entonces sí, nada demasiado loco. Pero esto es parte de la clase. Queremos filmar tantas de estas pequeñas secuencias de tomas como sea posible. que podamos seguir experimentando con diferentes ideas narrativas, diferentes composiciones, diferentes tipos de tomas Entonces realmente todo se reduce a solo esta toma. Esta es la razón por la que quería filmar esto porque me gusta un poco esta zona de nuestra casa y pensé que el bar casi se parece a la prisión. Eso me llevó a empezar a pensar en temas alrededor de esa sensación de estar atrapado. Y pensé, bueno, qué es una cosa que mucha gente siente atrapada por la falta de finanzas. Pensé, voy a ilustrar ese sentimiento sólo a través de una secuencia corta. Ahora bien, si esta idea realmente te llega a ti, al espectador, todo comienza con esa intención, con esa idea de lo que quieres comunicar a través de la toma. El siguiente paso es identificar el punto de interés. El punto de interés es el elemento o elementos visuales en una toma que están destinados a llamar la atención del espectador. No necesariamente tiene que ser un punto individual con el marco. Puede ser múltiples puntos. Y en el caso de esta toma, es una serie de cosas para comunicar, una idea, comunicar este tema de sentirse constreñido y atrapado. Entonces sí, claro que estoy tratando de usar las barras verticales de los pasamanos Y luego también estoy tratando de hacer uso de los colores, la luz exterior más fría contrastaba con la luz proveniente de otra habitación Y colocarme fuera de ese cálido resplandor en los tonos más fríos cuenta su propia historia porque los tonos más fríos pueden indicar imágenes más marcadas o en este contexto, simbolizan algún tipo de aislamiento e incluyendo la profundidad del fondo con la mesa y sillas vacías y flores sobre la mesa también da este tipo de interesantes pueden llegar a sus propias ideas de lo que eso significa. Pero sí me gusta el vacío de las sillas y cómo eso podría agregar a este aislamiento, el encuadre, y la proximidad de donde estoy colocado en relación con el borde del Combustibles limitando en sí mismo. Aquí no hay mucho espacio para la cabeza, y puede crear esa sensación de tensión e inquietud para el espectador Y luego finalmente, tenemos estas líneas diagonales que ayudan a guiar el ojo a través del marco de elemento a elemento. Entonces todos estos elementos estoy tratando de usar para ayudar a contar la historia. Ahora claro, estas son solo las decisiones narrativas que estoy tomando y mi intención de cómo quiero que esta toma en particular llegue a la audiencia no significa que realmente vaya a funcionar, pero al menos la intención y la justificación está ahí Tan importante como el punto de interés del marco son los puntos dentro del marco donde no quieres que tu audiencia se vea. Entonces, cuando estaba experimentando por primera vez con el tipo de encuadre que quería para esta toma, originalmente había tenido este tiro súper ancho y obviamente no lo usé porque, bueno, están pasando muchas cosas en este fotograma y muchos puntos de interés innecesarios donde el público puede perder su enfoque de lo que trata la historia Pero como sabía lo que quería comunicar dentro de la toma y dónde quería que mirara el público o el punto de interés, pude recortar, recortar todas las distracciones y orientar de manera más estrecha la atención del público hacia esos puntos de interés pretendidos Saber cuál es tu punto de interés te va a ayudar a determinar por dónde empezar incluso a la hora de enmarcar tu toma Y el punto de interés, claro, no necesita ser así de complicado. Simplemente podría ser esta toma de aquí. El punto de interés es mostrar el saldo bancario. Claramente es para dar contexto a lo que está mirando el personaje. Y mi objetivo era ser lo más claro posible con este fondo por lo tanto, está todo borroso O sea, aunque quisiera cortar el tiro aún más cerca, podría justificarlo. Por lo que es puramente conocido para revelar más de la historia a la audiencia. El punto de interés ayuda a involucrar a tu audiencia y comprender dónde deberían estar mirando dentro del marco, que les ayuda a su vez, entender lo que está sucediendo dentro de la historia, tanto a nivel lógico como a nivel emocional, somático Y qué haces un muy buen trabajo en eso, puedes evocar emoción dentro de la audiencia Y no estoy diciendo que esta secuencia esté evocando cualquier tipo de emoción Pero siempre y cuando te acerques a la cinematografía y tu secuencia de tomas con estas intenciones y metas en mente, eso es realmente todo lo que puedes hacer Tu esperanza es que dentro del marco e incluso dentro de la edición, que tus ideas lleguen a la audiencia de la manera pretendida que la interpreten de la manera que pretendiste. Eso es todo lo que puedes hacer. Si quieres salir y comenzar a filmar de inmediato y experimentar con tu propio punto de interés y comunicar tema y contexto e ideas a través de tus tomas. Hazlo seguro. Y otro ejercicio muy accesible es prestar atención a los programas o películas que estás viendo. Piensa en lo que cada disparo está tratando de comunicar. ¿Dónde están los puntos de interés dentro del marco? Y piensa en dónde se dibuja naturalmente tu ojo y dónde piensas que el cineasta quiere que mires dentro del encuadre y hagas esas cosas que coincidan Y esto es filmado contando la historia de manera efectiva. Entonces, para recapitular, hay tantas cosas diferentes que pueden comunicarse a través de la cinematografía Quieres comunicar lo que está sucediendo en la trama sabia en tu historia. Por lo que es fácil para la audiencia entender lo que está pasando dentro del marco. Pensar en contextos. Piensa en tus personajes. Piensa en temas, el punto general de la toma que estás tratando de lograr. Y una vez que sepas lo que intentas comunicar de un tiro a otro, considera cómo el punto de interés que puede contribuir a comunicar esa idea. Entonces, en la siguiente lección, vamos a definir algunos términos y discutir la diferencia entre encuadre y composición 4. La diferencia entre el enmarcado y la composición: En esta lección, vamos a definir algunos términos. Entonces estamos en la misma página. Encuadre y Composición van de la mano, pero también son algo diferentes Considero el marco, los límites en los que somos capaces de ver para poder mover el marco alrededor Podemos mover esas cuatro paredes del marco alrededor. Pero el marco en sí no cambia a menos que, por supuesto, estemos cambiando la relación de aspecto, pero esa es una conversación completamente diferente. Entonces ese es el marco. La composición, por otro lado, incluye todos los elementos visuales dentro del marco y la relación entre sí. Entonces, qué tan lejos están el uno del otro. Y eso incluye el del propio marco, qué tan lejos están los objetos del encuadernado del marco. Y podemos ajustar el marco y moverlo para cambiar esa relación. Pero también podemos simplemente mover los elementos visuales dentro del marco. A nuestro gusto. El marco o el balance de la imagen y la composición son los elementos visuales dentro del marco. Entonces ahora que entiendes la Diferencia entre Encuadre y Composición, es el momento de aprender por dónde empezar a la hora Enmarcar e imponer un tiro real 5. Crea composiciones efectivas: La Cinematografía Efectiva comienza con Enmarcado y Composición. Al intentar aprender más sobre Cinematografía y fotografía, probablemente notaste que hay muchas reglas y cuadrículas diferentes que la gente te dice que debes usar Pero en realidad no entran en buenas razones de por qué. Está en las próximas lecciones, voy a hacer todo lo posible para desmitificar algunas de estas reglas para que puedas aplicar más prácticamente estas ideas y teorías a tus La primera más común de estas reglas se conoce como la regla de los tercios. La regla de los tercios se define típicamente como una herramienta para crear composiciones visualmente atractivas o agradables. Ahora bien, no estoy completamente vendida en esto, y creo que me gustaría intentar redefinir esta regla Y para que podamos hacer esto, tenemos que ir a donde comenzó la regla. La regla de los tercios fue abordada por John Thomas Smith en 17 97 en su libro titulado comentarios sobre paisajes rurales. Y se refiere a una obra de Sir Joshua Reynolds. Reynolds habla, pero no del todo claro, del equilibrio entre oscuridad y luz y una pintura, John Thomas Smith luego amplía esta idea y la nombra oficialmente la regla de los tercios Esta cita directamente de su libro. Dos luces iguales distintas nunca deberían aparecer en la misma imagen. Uno debe ser principal y el resto subordinado. Tanto en dimensión como en grado. partes desiguales y las gradaciones llevan la atención fácilmente desde la segunda parte mientras que las partes de igual apariencia, bien que torpemente suspendidas como si no pudieran determinar cuál de esas partes se debe considerar como la subordinada y darle la mayor fuerza y solidez a darle la mayor fuerza y solidez Alguna parte de la imagen debe ser lo más clara y otra lo más oscura posible. Estos dos extremos deben entonces armonizarse y reconciliarse entre sí Y aunque la redacción puede ser un poco desafiante, mi principal comida para llevar es que la regla de los tercios está destinada a guiar el ojo fácilmente de una parte del marco a la otra sin que el espectador se sienta conflicto en cuanto a qué mirar Entonces la regla de los tercios divide una imagen en dos líneas horizontales equidistantes y dos líneas verticales igualmente espaciadas. Entonces estamos dividiendo la imagen en tercios. Los puntos de mayor importancia en tu imagen están destinados a ser colocados en los puntos de intersección de cada línea, y estos se conocen como Y recuerden lo que dijo John Thomas Smith, las partes desiguales llevan la atención fácilmente desde la segunda parte Entonces si filmo este paisaje rodado y organizo el cielo y la tierra por igual. Entonces 50% de las imágenes cielo, 50% de las imágenes aterrizan, entonces cada porción es igual y compitiendo por la atención. Si simplemente reorganizo el marco en partes desiguales, ya sea llenando el paisaje dentro de los dos tercios inferiores, o incluso llenando el cielo dentro de los Ahora he creado alguna jerarquía visual. Y esta organización también puede hacer uso de los tercios verticales. Entonces, en lugar de simplemente componer elementos visuales directamente en el centro del marco, ahora podemos hacer uso de la regla de los tercios para crear Composiciones dinámicas Nuestros ojos ahora tienen más razón para bailar alrededor de una imagen en lugar de ser guiados directamente al centro. Con base en la forma en que veo esta imagen, puedo ver como algo de esto es cierto, pero algo de ella es más matizada Cada imagen tiene sus propias características únicas que pueden o no beneficiarse mirándola estrictamente a través de la lente de la regla de los tercios. Ahora no estoy sugiriendo que solo sigas esta regla ciegamente cuando comienzas en fotografía o Cinematografía Creo que es importante entender cuál es la regla de los tercios. Pero lo más importante, creo que hay que entender el por qué detrás de esto. Y yo redefiniría la regla de los tercios como organizar el marco, creando alguna jerarquía ¿Y por qué sería importante eso? Bueno, mi pensamiento detrás de esto es si puedo estructurar el marco y los elementos visuales o mis puntos de interés, tengo más posibilidades de éxito para lograr que el público entienda lo que está mirando, dónde se supone que deben mirar, y cualquier significado detrás de la composición misma. Entonces volvamos a echar un vistazo al ejemplo bridge e intentar aplicar este razonamiento. Entender el porqué más profundo detrás la regla de los tercios o mejor aún, organizando nuestro marco. El punto de interés es este puente. Y sí, el skyline de la ciudad es también un punto secundario interesante para esta imagen. Pero si sabemos cuál es el punto de interés, entonces podemos usar la regla de los tercios para ayudar, ayudar a traer más enfoque y atención a nuestros puntos de interés. Por lo que organizar este puente disparó con dos tercios del cielo frente a los dos tercios del paisaje En mi opinión, creo que el cielo se ve un poco mejor aparte de las líneas de cabeza, realmente no aporta nada al tiro. Es más distrayente en mi opinión porque estoy tratando de averiguar qué cómo son estas vallas o pacas de heno y ¿qué tienen que ver con el disparo en sí Así que le quita un poco más a la foto, luego realmente le proporciona cualquier información útil Por supuesto, de alguna manera puedes argumentar a favor de esta toma si tuvieras que crear una secuencia de tomas con digamos, gente deslizándose cuesta abajo en tobogán o algo así , tendría mucho más sentido Pero en el contexto de esta toma, siento que tener más del cielo y el tiro funciona mejor porque hay menos detalle en el cielo. De esta manera una guía a su mirada hacia el paisaje, el puente, y el horizonte mismo. Y luego centrar la imagen tampoco funciona del todo por toda la información torno a nuestro punto de interés Esta información externa casi quita lo que estamos tratando de enfocarnos. Y creo que la imagen centrada se puede mejorar simplemente acercando o recortando todas las cosas dentro de nuestra composición en las que no queremos que el espectador se concentre Si no estás de acuerdo conmigo, está totalmente bien. Sólo te estoy animando a que al menos puedas justificar por qué estás usando la regla de los tercios. Entiende el porqué más profundo de cómo redactas una imagen. Entonces, para recapitular, la regla de los tercios es una forma de dividir una imagen en tercios, tanto horizontal como verticalmente Y para citar a John Thomas Smith, partes desiguales y las gradaciones llevan la atención fácilmente desde la segunda parte, en mis propias palabras, esto para mí significa crear alguna organización visual y jerarquía que guíe más fácilmente el ojo, la garganta y la Ahora claro, creo que está bien usar la regla de los tercios. Puedes usar la guía de regla de tercios en tu cámara para componer una toma. Pero también les voy a exhortar a que desvíen esa regla de los tercios guía. Intenta componer una toma sin usarla. Intenta pensar en la razón más profunda por la que lo estás usando. Y para mí eso significa crear organización dentro de tus composiciones. En la siguiente lección, vamos a profundizar en la desmitificación 6. Normas composicionales desmitificadoras: En esta lección, vamos a profundizar en las Reglas Composicionales Y voy a hacer todo lo posible para desmitificarlos por ti para que tengas un control más creativo sobre Para aclarar, cuando uso la palabra desmitificar, no es lo mismo que desacreditar Desmitificar significa dejar claro, hacer algo más fácil Entonces mi esperanza es que cuando exploremos estas reglas y pautas compositivas, voy a ayudarte a entender más profundo por qué hay detrás de por qué lo elegimos Así que no solo estás siguiendo ciegamente esta regla porque algún artículo o alguien en internet te sostiene que era esencial para convertirte en un buen fotógrafo o director de fotografía Quiero platicar un poco más sobre PowerPoints. Entonces los PowerPoints son donde se cruzan las líneas y se considera un lugar de sondeo visual Y que se deben colocar elementos visuales importantes en estas líneas que se cruzan Y por lo que entiendo, no hay realmente ninguna buena explicación a estos PowerPoints Realmente no sé exactamente de dónde vinieron. ¿Por qué seguirías una guía si no hay una buena razón para hacerlo? Bueno, podría haber una buena razón. Y un pensamiento común aquí. No soy el único que piensa que esto es que estas líneas que se cruzan podrían considerarse una versión simplificada de lo que se conoce como la proporción áurea Tened paciencia conmigo aquí. La proporción áurea, también conocida como la media áurea o la sección áurea, es un concepto matemático que describe una relación de aproximadamente uno a 1.618 Esta relación se utiliza a menudo en Arte y Diseño así como en fotografía. Y se utiliza para crear composiciones que son estéticamente agradables a la vista Se cree que la proporción áurea es estéticamente agradable porque se encuentra en muchos patrones y formas naturales en la naturaleza Y el ejemplo más famoso es la forma espiral de la concha La proporción áurea se puede utilizar para componer una imagen dividiendo el marco en una cuadrícula con líneas horizontales y verticales que están espaciadas según la proporción áurea. Esta cuadrícula se llama cuadrícula Phi, y lleva el nombre de la letra griega Phi, que se utiliza para representar la proporción áurea en ecuaciones matemáticas mediante el uso de una cuadrícula Phi, fotógrafo puede usar la proporción áurea para crear una composición que sea equilibrada y agradable a la vista. Entonces, muchos de los argumentos que apoyan la proporción áurea son que es agradable a la vista porque se encuentra en la naturaleza. Entonces no sé si ese es un argumento suficientemente bueno, pero es otra herramienta que podemos usar para experimentar a la hora de crear composiciones. Hay muchas otras reglas que vienen junto con la composición además de la regla de los tercios y la proporción áurea o cuadrícula Phi, las cosas se vuelven aún más complejas y hay incluso más reglas que esto. Un experimento interesante es poner todas estas rejillas diferentes una encima de la otra Y verás que cualquiera de estos puntos de intersección puede golpear aspectos importantes de la Composición y ciertas imágenes hechas de alguna manera siguen una de estas reglas, ya sea intencional Por supuesto, estoy sacando estas reglas de contextos un poco. Es más un experimento DIVERTIDO para probar. No estoy diciendo que no debas usar estas reglas o aplicarlas a tus propias composiciones. Lo que les estoy instando a que hagan es no seguir estas reglas ciegamente. Si vas a usar una regla compositiva, trata de averiguar el por qué más profundo detrás de ella y no te apoyes porque es agradable a la vista o porque se encuentra en la naturaleza, trata de descubrir el uso práctico más profundo que hay detrás de ella Entonces, por ejemplo, en nuestra lección anterior, platicamos sobre la regla de los tercios y cómo crea organización en jerarquía, facilitando que el espectador vea entre los diferentes puntos de interés que le ayudaron a descifrar la historia en la pantalla y cómo debería sentirse acerca de la imagen Un ejemplo de Mad Max Fury Road, mira el disparo. La línea del horizonte es muy baja dentro del marco, y esta toma no sigue particularmente ninguna de las Reglas Composicionales La historia que se cuenta aquí es que nuestros personajes son súper pequeños dentro del marco. Ilustrando cuán grande es esta tormenta. El contraste entre el tamaño de estos elementos visuales crea más miedo, ansiedad y tensión para el público que vive la escena. Pero, de nuevo, se puede argumentar a favor de cualquiera de estas Reglas Composicionales El punto es elaborar el plano que mejor cuente la historia. Si eso incluye usar algunas reglas para ayudar a crear esos disparos, y funciona para la historia Entonces genial. Has utilizado con éxito la herramienta en lugar de forzarla en tus Composiciones. Entonces, para recapitular, tenemos un puñado de cuadrículas compositivas que podemos usar como guía Pero recuerda, usamos la guía para ayudar a contar la historia en lugar de ajustarla a la guía. Ahora claro, voy a animar a que entiendas por qué estás usando una regla compositiva específica y cómo eso afecta la historia que estás contando Pero también podemos comenzar con la regla. Y luego más adelante, averigüe cómo afecta eso a la historia. Ajusta a partir de ahí y reshoot, tweak Prueba las cosas. He puesto estas superposiciones disponibles para su descarga para que puedas ponerlas en tu propio editor de video o foto preferido para hacer algo de experimentación Continuó iterando. Continúa cuestionándote por qué estás tomando las decisiones compositivas que estás tomando Es una progresión lenta. Tomará tiempo, pero diviértanse porque se supone que esto es PFK-1 Es DIVERTIDO experimentar con estas diferentes reglas y ver cómo podrían afectar la historia que estás contando. Mejoremos aún más nuestras composiciones explorando el concepto de Equilibrio 7. Equilibrio visual: Un concepto clave que los cineastas consideran dentro cada composición es equilibrado y Balance puede crear imágenes armoniosas, creando así Composiciones más Efectivas Y puede contribuir a la historia. papeletas se refieren a la disposición de los elementos visuales dentro una composición que crea un sentido de equilibrio y armonía Una composición se considera Balance cuando estos diversos elementos visuales tienen igual sondeo visual. Podemos utilizar estos bloques duplo para ilustrar esto de una manera muy sencilla Esta configuración es visualmente equilibrada. Cuando nos quitamos algunos de estos elementos en el lado izquierdo, nuestra mirada se estira más hacia el lado derecho Composición desequilibrada comercial. Una imagen equilibrada puede crear orden y organización a tu Frame, facilitando la visualización de los puntos de interés dentro de tu composición. Y creando una sensación de facilidad al visualizar la imagen. Por otro lado, una imagen desequilibrada puede estar desordenada y desorganizada, creando tensión e inquietud Pero esto puede significar mucho más dependiendo del contexto. Una forma de pensar sobre Balance es imaginar un fulcro con pesos a cada lado, los lados izquierdo y derecho de una imagen Y ahí los elementos visuales actúan como los pesos. Cada elemento tiene su propio polo visual, y la cantidad de polo determina qué tan pesado es ese elemento visual dentro del marco. Hay una serie de factores que contribuyen al Equilibrio visual. Y para simplificar esta explicación, voy a estar usando gráficos en pantalla muy básicos El tamaño del objeto. Los objetos más grandes tienen más peso visual que los objetos más pequeños. La posición de un objeto. objetos que están más cerca del borde del marco pueden parecer más pesados que los elementos que pueden estar ligeramente descentrados Color. Los colores vibrantes tienen más peso que los colores apagados. Los colores más cálidos tienen un poco más de peso que los colores más fríos. Y si estamos pensando más en blanco y negro, entonces los tonos más oscuros tienen más peso visual que los más ligeros. Pero también es importante tener en cuenta el contraste que se crea al yuxtaponer porciones brillantes y oscuras de una imagen porque esas también tienen su propio Entonces tenemos textura y patrón, textura y el patrón pueden quizás técnicamente caer dentro de nuestras otras categorías. Pero debido a que estos atributos pueden ser tan fácilmente identificables, vale la pena mencionarlo. Grandes áreas con una textura más suave, puede Equilibrar, digamos que una textura más pequeña y detallada son ojo se siente atraído por líneas y detalles más intrincados porque nosotros, como los humanos somos buscadores de patrones, naturalmente buscando y completando patrones dentro de la naturaleza y la vida Y esto ha sido un medio de supervivencia. Por lo que el tirón en estas áreas texturizadas más pequeñas puede atraer mucho la atención. Líneas principales. Simplemente pon nuestras líneas que aparecen dentro de las imágenes y nuevamente, nuestros ojos naturalmente seguirán estas líneas dentro de una imagen. Y estas líneas pueden guiar al ojo en diferentes direcciones y contribuir al Equilibrio visual. Un subtipo de líneas principales son líneas de guía sugeridas donde no son perceptibles sino implícitas Entonces en este ejemplo, voy a hablar con otro personaje fuera de pantalla, justo por ahí Hola amigo. Oye, oye. Entonces puedes ver en este ejemplo, mi mirada, o donde estoy mirando hacia Sean fuera pantalla está creando una línea de liderazgo sugerida. Y el espacio negativo, esto se ajusta línea de avance. Mi lenguaje corporal, donde la posición de mi cuerpo al enfrentar está ayudando a equilibrar esta imagen por lo demás asimétrica. Así es. Y al cortar entre los dos de estos disparos, da una cantidad cómoda de espacio entre los dos personajes. Sí. Y no olvides que a esto también se le llama Espacio de Conversación o sala de plomo. Si estuviéramos más cerca del borde del marco, crearía mucha más tensión, totalmente, que vamos a explorar un poco más en la siguiente lección. Sí, ninguno de estos de los marcos está necesariamente equivocado. Simplemente cuentan diferentes historias. Tiene razón. Y muchas de las cosas que nos llaman la atención, como cosas que están enfocadas, personas, animales, caras Estos elementos visuales tienen mucho más sondeo. Porque Balance puede ser algo muy complicado de maniobrar. Quiero que simplemente tengas en cuenta estos elementos visuales a medida que avanzas en tu día. Nuevamente, no necesitas tener tu cámara puesta para hacer esto. Simplemente puedes Enmarcar una ubicación o ver con tus ojos y Enmarcar con tus manos, o simplemente identificar estos diferentes atributos visuales dentro de tu entorno Y si haces todas las cámaras contigo, encuadra la toma y considera el peso y la atención que exige cada elemento. Entonces, para recapitular, Balance pensable y una moda de izquierda a derecha cuando los elementos visuales en el lado izquierdo del marco y el lado derecho del marco están ponderados uniformemente Has logrado Balance. Y otra vez, no te preocupes, no es como un todo o nada, ya sea tu equilibrado o no. No va a ser perfecto, pero está bien. Usa tu mejor juicio. La práctica avanza. En esta configuración de Talking Eds, yo diría que no somos perfectos. Probablemente se esté inclinando un poco más hacia este lado. Y eso está bien. Hay muchos atributos visuales que contribuyen a las boletas electorales Tamaño, posición, color, tono, contraste, textura, patrón, líneas principales y realmente cualquier cosa que sea llamativa El equilibrio es un concepto importante a tener en cuenta a la hora de componer tomas Pero recuerda algo de esto es subjetivo si no vas a conseguir un tiro perfectamente equilibrado todo el tiempo. Así que no trates de ser perfecto al respecto. Experimenta, diviértete que recuerda pensar en cómo tus Composiciones cuentan la historia. E incluso sugeriría que se cree una imagen intencionalmente desequilibrada para ver qué historia cuenta eso En la siguiente lección, vamos a discutir más sobre Balance y algunas estrategias sobre cómo lograrlo. 8. Cómo lograr equilibrio: Para ayudarte a entender mejor el Balance dentro de tus propias imágenes, voy a repasar los diferentes tipos de balanceados y también proporcionaré más ejemplos dentro de esta lección Hay dos tipos de Equilibrio, simétrico y asimétrico equilibrio simétrico es donde los elementos compositivos se disponen por igual a cada lado del eje central mientras se logra una armonía visual general Este tipo de Balance se ve mayormente en tomas centradas de personajes o entornos u objetos con imagen especular, este también es un equilibrio mucho más fácil lograr dentro de tus Imagery Una imagen equilibrada puede crear una sensación de paz y tranquilidad, que puede ser utilizada para transmitir una sensación de calma o serenidad, o ese sentimiento de todo está en su lugar correcto Y esto se enfatiza aún más cuando se utiliza el equilibrio simétrico. equilibrio asimétrico se produce cuando los elementos no se distribuyen uniformemente en cada lado del centro del marco al tiempo que se logra una armonía visual general Y en este tipo de equilibrio, los elementos pueden estar dispuestos de una manera que cree una sensación de tensión visual, pero aún así mantiene un sentido de equilibrio general. Este tipo de Balance se ve a menudo donde los personajes están conversando entre sí. Al igual que en esta escena, tenemos este personaje en el lado izquierdo del fotograma, a este personaje en el lado izquierdo del fotograma, hablando con un personaje fuera de la pantalla en el lado derecho del fotograma, el espacio negativo y la línea principal sugerida equilibra cada una de estas composiciones Y también se puede lograr mediante uso de tiros por encima del hombro con el extremo sucio del marco con su hombro, equilibrando la imagen. El equilibrio asimétrico también es muy común dentro de las entrevistas Y nuevamente, tenemos el espacio de conversación o línea de liderazgo sugerida que está equilibrando esta composición asimétrica Y hay un poco más para liderar el espacio y espacio para hablar que solo crear equilibrio y una cantidad cómoda de espacio entre dos personajes. También tiene que ver con crear continuidad espacial. El espacio puede ayudar al espectador a comprender mejor dónde se encuentra cada elemento aproximadamente dentro de la escena. Estas líneas principales sugeridas no necesariamente tienen que contener estrictamente a dos personas, sino que también podrían ser edificios. Justo la forma de construir se enfrenta puede justificar a tiro asimétrico El equilibrio asimétrico también se logra comúnmente mediante el uso elementos de fondo u otros elementos colocados fuera del centro E interesante experimento es tomar algunas de estas tomas anchas fueron películas. Y podemos borrar algunos de los elementos visuales de un lado de la pantalla y ver cómo se siente eso. En este caso, ahora, se siente desequilibrado sin este elemento aquí arriba a la derecha. Es mucho más desafiante lograr un equilibrio asimétrico porque confías en valores de color, brillo y oscuridad junto con la textura y el tema para pesar cada lado del marco, que de alguna manera puede ser subjetivo Por lo que el objetivo del equilibrio asimétrico o simétrico es crear encuestas visuales iguales en todo el marco para crear una imagen armoniosa ¿Y por qué quieres armonía? Si bien la armonía crea orden y organización dentro del marco sin crear la tensión que hace una imagen desequilibrada, somos capaces de mirar los diversos puntos de interés dentro de una composición con facilidad Pero eso no significa que no puedas tratar las Imágenes desequilibradas. Y sobre todo en el programa Mr. robot, utilizan imágenes desequilibradas todo el tiempo Esta es una elección deliberada que también imita a nuestro personaje principal, Eliot está en nuestro mundo, está al borde de la sociedad, un poco paria Por lo que este tipo de Cinematografía tiene sentido para un espectáculo como este, colocándolo en los bordes exteriores del cuadro y aumentando la tensión e inquietud para Por lo general, cuanto más cerca estén los elementos visuales del borde del marco, más tensión vas a sentir al ver ese elemento. Y por supuesto, las líneas principales sugeridas pueden aumentar esa tensión si también se mueven hacia el borde del marco. Aquí tienes un marco rápido para ayudarte en el ejercicio de esta lección. Cuando me acerco a una ubicación, buscaré elementos visuales que contribuyan a un equilibrio simétrico o asimétrico Esto me ayuda a determinar cómo podría acercarme a una ubicación y proporcionar posibles ideas de tomas. Y la mayoría de las veces vas a obtener una mezcla de equilibrio asimétrico y simétrico dependiendo de tus opciones de ángulo, arquitectura, una variedad de características diferentes de características diferentes de tu ubicación y el Storytelling Con equilibrio simétrico es fácil centrar el sujeto o la escena general y en su mayoría obtener una imagen armoniosa. Acercarse al equilibrio asimétrico es complicado, pero con nuestras lecciones anteriores, ejemplos de peso visual, hace que sea un poco más fácil discernir dónde el peso visual dentro del marco podría tener el mayor agujero y ayudará a informarle sobre cómo volver a encuadrar para crear equilibrio o reorganizar físicamente reorganizar Así que trata de no pensar en el Balance como equilibrado o desequilibrado Es una especie de escala móvil en algunos casos, porque todos los elementos visuales en la pantalla van a atraer los ojos de diferentes personas de diferentes maneras. Entonces es un poco subjetivo. También tienen este sentido innato. Cuando vemos algo equilibrado o no, probablemente vas a estar componiendo automáticamente una toma a donde te sienta equilibrada Pero esto viene con mucha práctica. Vas a tener que perfeccionar tus habilidades. Vas a tener que experimentar con diferentes tipos de Balance. Y luego más tarde, revisar el metraje o fotografías y decidir, ¿logré el equilibrio que lo quiero? Y ¿ese Balance o no Balance contribuye a la historia que estoy contando? Entonces, para recapitular, Balance es un concepto crucial a la hora de crear imágenes, y puede ayudarte a crear armonía dentro de tus Hay dos tipos de Balance, equilibrio simétrico y equilibrio asimétrico El equilibrio simétrico se basa más en imágenes incluso centradas o imágenes reflejadas, mientras que el equilibrio asimétrico puede ser un poco más dinámico y crear un poco más de tensión visual, pero aún mantiene una sensación de Considera tu ubicación y otros elementos dentro del marco que contribuyen a un equilibrio simétrico o asimétrico desde su, considera cómo puedes componer tus tomas para crear equilibrio, o incluso poner las cosas fuera de balance intencionalmente En la siguiente lección, voy a ayudarte a entender cómo crear profundidad dentro de tus imágenes. 9. Profundidad de marco: Las imágenes en pantalla a menudo se proyectan en un plano 2D, como este de aquí Esto puede dejarnos con algunas imágenes planas y sin inspiración. Pero hay algunas cosas que podemos hacer para crear más profundidad dentro de nuestras imágenes. Entonces, en esta lección, vamos a discutir cómo crear profundidad en tus imágenes para proporcionar una experiencia más inmersiva para tu audiencia Profundidad de fotograma se refiere a tomar una imagen bidimensional y hacerla parecer como si fuera tridimensional Así que tomando un tiro que se vea muy plano, como éste, con algo de trabajo, podemos hacer que parezca que tiene más profundidad para ello. Al igual que podemos saltar a la pantalla o llegar a nuestra mano dentro de la pantalla y ser parte del entorno. Y crear profundidad realmente crea esa experiencia realista e inmersiva para una audiencia Y esto puede ser muy importante para tu historia porque puede poner tu público en ese estado cinematográfico. Viendo la hipnosis, donde suspendes tu incredulidad. Están inmersos en las imágenes de la pantalla. Y a su vez, eso puede ayudar a crear una mayor probabilidad de éxito para tu historia y su propósito. Para crear profundidad en una toma, es importante comenzar con creación de capas dentro del marco. Esto significa crear un primer plano, medio y fondo distintos , lo que crea una experiencia dinámica e inmersiva Esto también hace que sea más fácil para la audiencia entender en qué elemento visual deberían enfocarse. Y en la siguiente lección, vamos a explorar algunas estrategias para crear esa profundidad dentro de tu cinematografía 10. Crea imágenes inmersivas: Ahora que entiendes el marco y su importancia, es el momento de aprender algunas estrategias para crear imágenes inmersivas Comienza con profundidad de campo. profundidad de campo se refiere exactamente a lo que está enfocado dentro de una toma, abrir la abertura y comerciar una profundidad de campo menos profunda ayuda a separarme del fondo, creando capas más distintas Filmar la escena con una profundidad de campo profunda que llama nuestra atención a cada capa a la vez. En el caso de esta toma, puedes ver que todos nuestros elementos de primer plano, medio suelo y fondo están Están todos aplastados juntos. Entonces, al ajustar la profundidad de campo podemos concentrarnos en el foco de esta toma, ayudando a guiar el ojo del espectador hacia lo que es más importante dentro del marco. También un consejo profesional aquí. Si quieres una profundidad de campo aún más baja, sujeta la bolsa de tu cámara y haz zoom. Al acercar el zoom, comprime los elementos en el marco Tratar una menor profundidad de campo. La perspectiva significa literalmente la forma en que miras algo. Esto puede referirse al ángulo de una cámara con respecto a una escena en particular. Por ejemplo, es común a la hora de comenzar dentro del cine o la fotografía componer tomas Enfréntate. Esto muestra claramente al sujeto en marco, pero carece de profundidad. Ese disparo frontal da como resultado líneas horizontales y verticales que pueden comunicar estabilidad Y esto podría estar bien para este tipo de tiro. Estas líneas horizontales y verticales también pueden actuar como vías para el ojo, que podrían guiar nuestro ojo hacia la izquierda o hacia la derecha o hacia arriba y hacia abajo en todo el marco, pero carece de la profundidad deseada. Por lo que ajustar tu perspectiva cambiando el ángulo de la toma puede resultar en la creación de líneas diagonales, que pueden ser utilizadas para dirigir el ojo del espectador de manera similar a las líneas horizontales y verticales creadas en nuestro ejemplo anterior. No obstante, ahora estamos dando la ilusión de que el I está viajando sobre el eje z con las líneas diagonales creadas. Y esta línea conduce a nuestro ojo más profundo en el espacio bidimensional, creando la ilusión de profundidad Básicamente es prestar atención a las líneas iniciales dentro de tu imagen y ajustar tus ángulos para que esas líneas principales se muevan en diagonales Al filmar puntos de interés como personajes en pantalla o en este ejemplo yo, lo mejor es mantenerlos más alejados de la pared para crear distintas capas. No voy a estar sentada directamente contra la pared porque eso va a hacer que parezca que soy parte de la pared más que en una capa separada. Si me alejo más de la pared, estoy dando más espacio y distancia. Es entre yo y la pared, lo que da una mejor oportunidad de crear capas de aspecto distinto. También puede considerar ensuciar su marco, que incluye el primer plano que normalmente está desenfocado y llenar el primer plano de Passat hacia Pero una cosa a tener en cuenta es que necesita adaptarse a la historia. En este caso, realmente no se ve bien. Parece que a lo mejor alguien me está espiando. contraste se puede crear componiendo elementos brillantes junto a los oscuros Y es por ello que los disparos de silueta pueden ser tan efectivos. Estas tomas de silueta parecen tener más profundidad debido a las diferencias en brillante y oscuridad, podemos ver claramente que estas dos cosas son diferentes. Y cuanto mayor sea la diferencia, más claras se destacan las capas entre sí, mayores los puntos de contraste dentro una imagen pueden ser lugares de interés dándonos un mayor control sobre la atención del público. Otra forma menos obvia de crear profundidad es usar el color. La razón por la que esto es menos obvio es porque esto generalmente requiere el uso de luces están descubriendo ubicaciones que contienen contraste de color, lo cual obviamente es un poco más raro. Echa un vistazo a esta rueda de colores. Puedes ver por ti mismo las diversas combinaciones de colores que contrastan entre sí. Nuevamente, cuanto mayor sea el contraste, más fácil es diferenciar las capas dando a la imagen 2D la apariencia de profundidad. Entonces puedes ver aquí esta configuración de cabeza parlante. He intentado crear contraste de color con los tonos cálidos y los tonos fríos para crear algo de profundidad en este pequeño espacio. En la mayoría de las circunstancias, enfocarse en crear profundidad dentro del marco ayudará a sumergir a la audiencia más profundamente en su historia, otorgando efectivamente mayor importancia la historia que se está contando Pero no se trata necesariamente golpear a cada una de estas guías. La historia es lo primero y la composición de aspecto más plano funciona mejor para tu historia, y eso está bien Solo recuerde encontrar formas de utilizar estas estrategias de creación de profundidad para mantener una experiencia de audiencia inmersiva A veces hay varios grados de profundidad dentro de cada composición que creamos cuando no podemos acceder a cada técnica para crear la máxima profundidad de marco. Entonces, para recapitular, la profundidad de negociación dentro de sus composiciones puede convertir la pantalla bidimensional en una experiencia inmersiva Hay varias formas de crear profundidad, enfocándose en crear múltiples capas al incluir elementos de primer plano, medio y fondo Podemos crear una separación más clara entre estas capas ajustando nuestra profundidad de campo. Haciendo uso del contraste tanto dentro de la luminancia como del color. Haciendo uso de ángulos dinámicos de cámara para tomar esas líneas horizontales o verticales en líneas diagonales, guiando el ojo del espectador más profundo dentro de la imagen. Y lo más práctico, que es ajustar los elementos compositivos dentro de tu marco, separándolos unos de otros, creando espacio físico entre ellos. Y siempre considera la historia que estás contando a la hora de crear profundidad. En la siguiente lección, te voy a dar un gran consejo que te ayudará a entender mejor cómo abordar la iluminación que tienes disponible 11. Cómo trabajar con luz disponible: Hay muchas situaciones en las que no tienes tiempo para poner luces. No es apropiado configurar luces o simplemente no tienes acceso a equipos de iluminación. Pero eso está bien porque en esta lección, voy a enseñar una gran cosa que te va a ayudar a aprovechar al máximo el deleite que tienes disponible. Entonces, ¿cuál es el truco? Es iluminación upstage. La iluminación upstage se origina en el teatro. En el teatro, la iluminación upstage se refiere a cualquier dejar que se establezca, upstage Y la iluminación upstage puede aumentar el contraste en tus Composiciones, creando en última instancia más definición y profundidad Para entender el dejar upstage en el contexto de la realización cinematográfica, primero debemos mirar la línea de acción La línea de acción es esa línea invisible que conecta a dos sujetos. Entonces en este ejemplo se puede ver que tenemos dos personajes en un sofá hablando entre sí. Y esa línea de acción es esa línea imaginaria que conecta la acción que está sucediendo entre ellos, que es ellos hablando entre ellos. La línea de acción no se limita a dos personajes que pueden estar entre realmente cualquier cosa. Entonces, cuando entiendas dónde está la línea de acción, puedes determinar la mejor ubicación para tu cámara en relación con tu fuente de luz principal. Entonces en este ejemplo aquí, ¿ dónde crees que sería la mejor colocación de la cámara? Bueno, primero, podemos identificar dónde está la principal fuente de luz aquí mismo. El nombre más técnico para esta fuente principal de luz se llama la luz clave. Y luego determinar dónde está la línea de acción. Estoy involucrando con este libro. Eso significaría que la línea de acción está entre el libro y yo. Entonces realmente cualquier ángulo de cámara en el lado opuesto de la luz clave y la línea de acción está haciendo uso de la iluminación upstage De modo que podemos llenar múltiples ángulos de cámara en el lado opuesto de la luz clave y la línea de acción utiliza iluminación upstage Y la razón por la que la iluminación upstage es tan efectiva es porque aumenta el contraste dentro de la imagen, creando una forma y definición y separa al sujeto de su fondo, esencialmente creando profundidad, convirtiendo tu imagen 2D en imagen 3D Para que veas que la disminución de la luz va de brillante a oscura Así que esencialmente estamos filmando en el lado de la sombra de mi cara. Otra forma de entender la iluminación upstage es considerar la colocación de su cámara en relación con su luz clave La cámara para el acceso al sujeto debe ser perpendicular a la luz clave para el acceso del sujeto con el fin de aumentar la forma de la sombra. Así que puedes ver aquí estamos una vez más filmando en el lado de la sombra de mi cara, negociando un contraste más profundo, la forma, la definición y la profundidad. Ahora bien, si coloco mi cámara en la misma dirección que la luz clave en el mismo ángulo. Están en el mismo eje. Apuntar la cámara y la iluminación en la misma dirección nos da una luz más plana y uniforme Esto no significa necesariamente que esté mal, simplemente es diferente. Y te ayuda a entender qué técnicas necesitas emplear para crear más definición en forma o para retroceder y crear una Luz de aspecto aún más plano. Por lo general, sin embargo, dejar upstage se ve mejor y se ve más como dice la gente, cinematográfico Tengo que señalar que en este ejemplo, nuestros antecedentes también están ayudando a crear ese contraste. Así que todavía obtenemos un poco de profundidad aquí. Realmente, cualquier ángulo en el lado opuesto de la fuente de luz principal te ayudará a crear más profundidad a tus Composiciones. Entonces, en otras palabras, si el eje del sujeto de cobardía se alinea con la luz clave al eje del sujeto, obtenemos esta plana Y a medida que empezamos a mover la luz clave al eje del sujeto perpendicular a la cámara al eje del sujeto, entonces obtenemos más definición, más profundidad, más contraste. Entonces con este conocimiento, puedes controlar la cantidad de contraste, definición y profundidad dentro de tus tomas, y usar la Luz Disponible de la manera que mejor se adapte a tu proyecto. Puede que no quieras una iluminación dramática para el video de entrenamiento corporativo, pero para un cortometraje dramático, esto puede tener sentido. Así que un gran ejercicio aquí es simplemente prestar atención a las películas y televisión que estás viendo. Considera de dónde viene la principal fuente de luz en relación con los actores y la cámara en la escena. Y lo más probable es que la mayoría, si no todos los disparos, cuenten con el eje de luces clave perpendicular al eje de las cámaras. Y observe con un contenido más dramático, cómo la iluminación puede moverse aún más al alza. También recomiendo encarecidamente agarrar a una amiga y salir y probar estos métodos por ti mismo o filmarse a sí misma como lo hice yo Y probando estos métodos. Echa un vistazo a tus tomas y toma nota de la posición de tu luz clave en relación con la cámara. ¿Qué te parece que prefieres para el concepto en el que estás trabajando? Entonces, para recapitular, una de las mejores y más fáciles formas de subir de nivel tu iluminación es filmar con tu luz clave al alza Y en el contexto de la realización cinematográfica, esto significa que estás filmando en el lado opuesto de la luz clave, o fuente principal de luz y la línea de acción Recuerda que la línea de acción es esa línea invisible que conecta la acción que tiene lugar dentro de la escena. Filmar en el lado de la línea de acción donde se posiciona la luz clave dará como resultado una Luz más plana y uniforme Una forma más simplificada controlar la cantidad de contraste, definición y profundidad dentro tus imágenes es considerar el eje de la cámara al sujeto en relación con el eje del sujeto de las luces clave, mantener estos ejes perpendiculares ayudará a crear forma Al colocar ambos ejes en la misma dirección o paralelos entre sí, obtenemos una imagen más plana y aspecto más uniforme 12. Reflexiones finales: Enhorabuena por completar la clase, y espero que esta clase te haya resultado útil para juntar todas las lecciones. Aquí hay un resumen final. Cuando contar una historia a través tus visuales es importante preguntarte, ¿qué comunica esta toma Y claro, ¿cuál es tu intención detrás del disparo mismo? ¿Estás tratando de proporcionar contexto, revelar rasgos de carácter interesantes, comunicar temas más grandes Intentó ser lo más específico posible. Una vez que sepas lo que buscas, es momento de identificar los puntos de interés dentro de tu composición. ¿Dónde esperas que se vea el espectador? Piensa en organizar los elementos compositivos dentro de tu marco Hablamos del razonamiento detrás de la regla de tercios y la grilla Phi o la sección dorada. Y estas cuadrículas pueden ser útiles para crear organización y jerarquía a sus Composiciones Pero lo más importante, considera cómo Balance puede contribuir a armonizar tu imagen o agregar niveles de tensión Y no te olvides de crear profundidad dentro de tus imágenes. Convirtiendo el 2D en 3D. Si tu público siente que está en la escena, como si estuviera ahí, esto puede ayudar a suspender su incredulidad Y también puedes usar la luz que tienes disponible para ayudar a aumentar esa profundidad, aumentando la definición y el contraste, creando un aspecto cinematográfico Y recuerda que la práctica avanza. Diviértete, experimenta y revisa tus metraje o imágenes más adelante, analizando cómo las Composiciones que has creado podrían contar una historia. Estoy deseando proyectos de clase senior. Y recuerda, esto no necesita ser súper elegante o complejo. Simplemente puedes enviar una foto que tomaste en tu teléfono. Por supuesto, si quieres crear un proyecto más complejo con una secuencia de tomas o un cortometraje o lo que sea. Te animo a que hagas esto también. Y voy a proporcionar la mejor retroalimentación constructiva que pueda. Si aún no lo has hecho, por favor sigue mi perfil para nuevas clases, actualizaciones y sorteos ocasionales Y por favor deje una reseña o comentario como bienvenido ya que me ayuda a mejorar mi oficio y servirle mejor. Gracias de nuevo por tomar la clase. Y recuerda, la historia es tu guía