Sincronizar de labios de personajes expresivos: animación de emociones y lenguaje corporal | Vera Rehaag | Skillshare
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Sincronizar de labios de personajes expresivos: animación de emociones y lenguaje corporal

teacher avatar Vera Rehaag, Freelance Artist

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      [NUEVO] Introducción

      3:16

    • 2.

      Proyecto de clase

      2:17

    • 3.

      Diseño de personajes

      7:10

    • 4.

      Principios de interpretación

      2:56

    • 5.

      Habla y fraseado

      3:38

    • 6.

      Formas de la boca

      6:24

    • 7.

      Habla de los personajes

      3:48

    • 8.

      Ver y oír

      4:26

    • 9.

      Muestreo de doblaje de voz

      4:58

    • 10.

      Preparación

      3:49

    • 11.

      Animación básica

      12:16

    • 12.

      Limpieza, coloreado y exportación

      12:40

    • 13.

      Conclusión

      1:23

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

1258

Estudiantes

6

Proyectos

Acerca de esta clase


¡Hola!

Mi nombre es Vera, y seré tu profesora hoy.

¡Esta clase es sobre sincronización de labios en animación 2D La forma en la que hablamos es mucho más que un simple movimiento de labios.

Así que te enseñaré qué tener en cuenta al crear un personaje de animación. Compartiré algunas ideas y conocimientos básicos sobre interpretación, y, por supuesto, sobre cómo sincronizar la boca de un personaje animado con diálogo.

¿Esta clase es para mí?

Yo recomendaría esta clase para estudiantes de nivel intermedio, pero los principiantes que no tengan miedo a los desafíos también le sacarán partido. 
Tener conocimientos básicos sobre animación en 2D es una ventaja, pero no es un requisito previo.  Dado que todo el trabajo que yo hago y que compartiré durante el curso es en formato digital, es importante que te sientas cómodo con este medio. 
Si eres novato en la animación, pero te apetece enfrentar un desafío, ¡atrévete con esta clase!

¿De qué me servirá esta clase?

Esa es una pregunta muy válida. La animación en 2D, en general, te ayudará a comprender mejor las formas en tres dimensiones. ¡Elevarás el nivel de tu arte y ganarás confianza en el arte lineal y en los gestos! 

La sincronización de labios en particular es una forma divertida para, por ejemplo, enviar mensajes personalizados a amigos o crear invitaciones digitales únicas. Puedes usarla en tus propios proyectos para profundizar en las historias que estás contando, y dar vida a tus personajes.

¿Necesito alguna herramienta específica?

En este curso me verás usar más que todo Photoshop. Pero como esta no es una clase sobre habilidades de software, puedes usar cualquier herramienta que te guste y con características de animación.

Algunos ejemplos populares son Procreate (iPad), Clip Studio Paint o Toon Boom Harmony.

Acompáñame en esta travesía para poner palabras en la boca de caricaturas (¡te prometo que no es una nueva forma de difundir información falsa!).

Si dominas las herramientas de animación, se te abrirán muchísimas opciones para tus creaciones. 

Lo más importante es divertirse.



Si lo deseas, echa un vistazo a mi otra clase sobre animación en 2D aquí:
 



Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Vera Rehaag

Freelance Artist

Top Teacher


I'm Vera!

I have been arting ever since I could use fingerpaints.

After studying Communications Design, Illustration and 2D Animation, I eventually became a freelance illustrator and animator and began teaching on Skillshare in 2019. AND I LOVE IT!

As a teacher I want to help you to grow as an artist, inspire you and challenge you.
With my Classes I am doing my best to be both entertaining and informative, and thus make learning fun and easy!

While teaching is the thing I am burning the most for, I also have the great pleasure to call myself an award winning illustrator for children books. My day to day work includes also visual development for games and animated projects, art directing and making personal art pieces.

Much of my private work i... Ver perfil completo

Level: Intermediate

Valoración de la clase

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Transcripciones

1. [NUEVO] Introducción: El habla es cultura, personalidad, vida. Si quieres dar vida a tus personajes animados, llegaste al lugar correcto. Hola, soy Vera. Soy animadora e ilustradora de Alemania. Mucha de la inspiración para mi arte viene de todo el rol, como los eventos LARP y muchos D&D Para este tipo de juegos de rol, es esencial crear personajes creíbles. Doy profundidad y dimensión a mi personaje mirando por dentro y preguntándome, ¿qué tipo de experiencias formaron esta persona y cómo se muestra esto al exterior? Además de elementos visibles obvios, mucho es actitud y cómo hablan e interactúan con los demás. Aprenderás en esta clase cómo aplicar esto a un personaje animado. Los pasos que tomaremos juntos irán más allá de técnico y directo al núcleo del habla y el lenguaje corporal. ¿ Qué estás haciendo? Ninguna persona real habla así, o tal vez lo hacen, pero entonces yo asumiría que algo terrible les ha sucedido. ¿ Qué estás haciendo? Nuestro tono, lenguaje corporal y expresión facial transmiten mucho significado. ¿ Qué estás haciendo? Analizamos diferentes formas de decir esta frase. Cada uno destacará un aspecto diferente del estado de ánimo y manierismo del individuo y cómo éstos se muestran en gestos y expresiones faciales. Empezaremos con una introducción a los principios de actuación para que comprendas un poco mejor cómo poner significado y personalidad en la forma en que alguien habla. Vamos a repasar entendiendo palabras más como formas y bits de sonido en lugar de su ortografía. Además, lo que hace que un personaje único a pesar de las formas genéricas de Es hora de mirar lo que los hace diferentes. ¿ Muestran sus dientes? ¿ Qué hace la cara cuando están hablando, entonces cuando te metes en la sincronía de labios? Voy a estar haciendo esto en Photoshop. Pero esta no es una clase de software así que siéntete libre usar las herramientas con las que te sientas cómodo. Si bien algún conocimiento sobre animación o ilustración sin duda puede ser una ventaja aquí, todavía recomendaría esta clase a cualquiera de nivel intermedio o principiantes con una curiosidad ardiente por líneas en movimiento. No importa si eres aficionado o profesional, aprender más sobre la animación te dará una nueva comprensión del diseño de personajes, la narración de cuentos y las dimensiones. Para hacer todo más fácil, echa un vistazo a mis recursos. Podrías hacer tu propio diseño de personaje o llegar directamente a animar y simplemente usar el mío. Al final de este curso, podrás aplicar cualquier línea de diálogo a cualquier personaje. Estoy deseando conocer nuevos personajes con actitud en el proyecto de clase. Vamos a ir a esta aventura. 2. Proyecto de clase: Proyecto de clase; sube de nivel tu arte llevándote bien. La animación puede parecer un poco desalentadora. Eso lo sé por experiencia. Pero yo mismo encontré que una vez que comienzas, en realidad no es tan difícil. Espero que tengan a la misma revelación. Te guiaré al respecto en las siguientes lecciones, y me gustaría invitarte a seguir los pasos conmigo y aplicarlos a medida que avancemos. Lo que me encantaría ver en tu proyecto de clase es lo siguiente : Un diseño de personajes adecuado para la animación. Esto puede ser de un personaje original tuyo que quieras dar vida, o puedes usar el briefing proporcionado para seguir mis pasos. Por favor, no seas tímido para incluir tus bocetos, hojas de expresión y dibujos de gestos también. forma una hoja de boca, ya sea en una forma genérica que muestre cómo te acercas a la simplificación, o formas de boca que son un modelo para el diseño de tu personaje. Una sincronización de labios animada. Esto puede ser tan simple o tan complejo como quieras que sea. Puedes animar un simple rostro sonriente como ejercicio, o tu personaje en todo su esplendor. Escoge lo que se siente desafiante pero lograble para ti. Siéntase libre de usar una de las voces en off proporcionadas o grabar una línea propia. Yo quisiera que se sintieran alentados y colmenados por este reto. Estoy 100 por ciento seguro de que puedes hacerlo. Tomar cada paso del camino podría sentirse duro, pero al final te dará una gran sensación de logro. Esté estructurado sobre tu enfoque, mira la referencia, toma descansos y lo más importante, diviértete. En la primera lección, comenzaremos por crear un diseño de personajes para la animación. 3. Diseño de personajes: Diseño de personajes, cómo abordarlo desde el punto de vista de la animación. Antes de saltar a las cosas de la basura, necesitaremos un personaje en el que respirar vida. Puedes usar un personaje propio, que ya has creado, o puedes empezar desde cero. Mi diseño se basará en el mismo personaje que utilicé en mi primera clase de Skillshare sobre animación, cual puedes encontrar vinculada en la descripción. Esta sesión informativa es opcional para que usted siga junto con. El personaje es una chica duende. A menudo se esconde en las sombras y podría asustar a la gente con su aspecto animal rugoso y ferociosidad pero es cariñosa y amable de corazón. Siempre es bueno buscar referencia. A mí me gusta ir en Google o Pinterest y simplemente aplastar en algunas asociaciones directas que tengo en mi cabeza, y luego colecciono lo que se me ocurre. En este caso, escribo Goblin, niña de ocho años, pícaro, gato enojado, cosas así. Con un punto de referencia al stat desde, puedes saltar a bosquejar tus ideas. Pero sostén tus caballos, esto va a ser por animación. Tengo un par de punteros para ti, eso te ayudará a lo largo de este curso a llevarte bien. Estos son algunos principios clave que me gusta recordarme. Dibujo sólido, esto significa, tratar de cambiar la forma de pensar de formas planas a formas 3D, y siempre pensar en volumen, peso y equilibrio. Empieza a pensar en el cuerpo de tu personaje como una serie de formas simples en el espacio tridimensional, y desvíalo para entenderlo mejor. Si sigues su superficie con líneas puedes encontrar su forma y masa en lugar de limitarte a enfocarte en los contornos. Construye tu personaje a partir de esferas, cajas, y cilindros en lugar de círculos, cuadrados y triángulos, le dará mucha más profundidad. Trata de alejarte de la simetría en tu diseño, y recuerda siempre, volumen, peso y equilibrio. Esto hará que tu trabajo sea mucho más animado y atractivo. Apelación. Esto no quiere decir que todos tus personajes tengan que ser atractivos, significa que deben ser interesantes de mirar. Dale a tus personajes un diseño dinámico con elementos que respalden su personalidad. No aplicarán a cada persona norma de apelación pero ese no es el objetivo. El punto principal es, que deben cumplir con su propósito en el contexto para el que ustedes los crearon. A continuación te presentamos algunos consejos sobre cómo hacer eso. Construyó tu personaje con una variedad de formas. No uses la misma compilación para cada nuevo personaje. Abraza lo que hace que cada uno de ellos sea interesante, carismático y único empujando y exagerando sus formas. Juega con proporciones. Lo maravilloso de la animación es, que no tiene que retratar la realidad uno a uno, refleja la realidad, y el diseño que se basa en la realidad tiende a ser más relable. El clave es encontrar aspectos que definan o apoyen la personalidad de tu personaje y potenciarlos, para hacerlos más atractivos e interesantes. Por último pero no menos importante, manténgalo sencillo. Más de complicar un diseño hará que sea más difícil leer y también consume mucho tiempo dibujar. Tendrás que animar eso, y si tienes que mover cada línea única lo harás, y confía en mí en esto, maldecirte por cada línea extra que has dibujado en este deseo. Piensa realmente duro si ese botón extra es realmente esencial para el diseño o si hacerlo menos pero más grandes botones podría no ser la mejor o más inteligente idea. Estoy empezando con mi propio diseño de personajes para este personaje. También hubo para la animación, pero como esto tiene un enfoque diferente el diseño tiene que ajustarse un poco para que se ajuste mejor a mis necesidades. Analicé mi trabajo, y tomé algunas notas sobre lo que veía como problemático o no funcionaba demasiado bien y lo que me gustaba del diseño general. Entonces empecé a jugar con las formas y el diseño. Arreglé algunos pequeños problemas y seguí adelante para descifrar detalles. Al duende le gusta esconder su cara para que la gente no se asuste demasiado, pero ¿realmente necesito esto en el hundimiento de labios? Ese es un pensamiento tonto, Vera. Muy redundante para ponerle una máscara a este personaje. Me enfoqué mucho más en lo que pasaba debajo del capó. Me puedes ver usando diferentes colores para diferentes elementos. Esto me ayuda a separarlos más adelante cuando uso el modelo como referencia en mi animación. Se puede ver Mantuve las formas generales muy cerca del diseño original pero arreglé algunos problemas con partes del cuerpo conectándose de maneras extrañas, y descubrí cómo se ve el personaje con el capó apagado. Mi punto principal sin embargo, fue tener una boca que me dé un poco más de opciones a la hora de hablar, ahora es mucho más grande. Una vez que estoy contento con mi diseño, lo guardo como un JPEG o un PNG para poder usarlo como referencia en mi proceso de animación. Me encantaría ver tus bocetos de personajes, hoja de referencia, y diseño final en tu proyecto de clase. Para resumir, tome como punto de partida un diseño existente o utilice el briefing. Ten en cuenta, dibuja formas con profundidad, equilibrio y peso en lugar de solo formas. Crea tu personaje con un propósito específico en mente. Divida las cosas en formas simples, y por ende, aspectos de su diseño para que sea más atractivo. No tengas miedo de cambiar las cosas. Mantenlo sencillo. En la siguiente lección hablaré un poco de actuación. 4. Principios de interpretación: Principios de actuación. Toda acción humana tiene un propósito. Poner palabras en la boca de un personaje es sólo una parte del trato. Voy a llegar a eso. Pero déjame hablar de actuar por un momento. Nosotros como seres humanos somos criaturas empáticas; nuestras reacciones son siempre la respuesta automática de nuestros valores y experiencias. Cuando alguien nos habla, no nos fijamos en la boca para escuchar mejor cuáles son las palabras que están diciendo, no, percibimos a la persona frente a nosotros, analizamos su lenguaje corporal y facial expresión con el fin de poner todo en un contexto más grande. Entender y transmitir este es nuestro trabajo como animador. No tenemos el objetivo de ser nosotros mismos el actor porque podríamos enfocarnos demasiado en el aspecto de la acción física. Nuestro objetivo es ser un director empático, entender la respuesta objetiva y emocional del personaje en este momento, y mover su cuerpo y rostro de una manera que muestre el pensamiento. Tenemos que averiguar qué necesitamos que el personaje diga en lugar de simplemente decir. La personalidad de tu personaje también juega un papel en eso. Determinará qué tan fuertes son sus respuestas emocionales visuales, si se mueven en grandes movimientos o más bien limitados, y si, por ejemplo, tratan de ocultar eso a través de reacciones. Si estudias a personas en tu vida y conscientemente tratas de entender sus acciones y reacciones, te ayudará en gran medida a mejorar tus habilidades para traducirlas a tus personajes animados. Actuando muestra sólo una parte muy selectiva y condensada de la vida real. Pero hará que tu personaje sea más relable, más creíble cuando sus acciones estén basadas en la vida real. Para resumir, actuar es comportarse creíblemente en circunstancias de pretensión con un propósito teatral. Que el personaje piense visiblemente, no se centren en el hacer. El lenguaje corporal y las expresiones faciales transmiten mucho sentido. Los valores del personaje y así su personalidad, determinarán la respuesta automática o emoción a un obstáculo o conflicto. A continuación, palabra escrita versus palabra hablada. 5. Habla y fraseado: Habla y fraseo, la música de la conversación. Toda persona tiene su forma única de hablar. Algunos hablan despacio, algunos hablan rápido, algunos hablan muy alto, algunos hablan muy tranquilo, algunos muestran sus dientes mientras hablan, y algunos apenas mueven la boca. Tómame, por ejemplo, no muevo mucho la boca cuando estoy hablando porque soy un alemán perezoso. Nuestro lenguaje realmente no requiere mucho esfuerzo de boca y lengua. Hablar mucho inglés es en realidad bastante agotador para mí. En todos los casos sin embargo, tenemos una cosa en común. Todos abrimos la boca en vocales y la cerramos en consonantes. Esto significa que no hay una forma correcta de mostrar el movimiento del labio de un personaje. Todo se trata de golpear las vocales y consonantes correctas para hacer que las cosas se sientan legit. A lo mejor has visto uno de esos videos por ahí, donde alguien tomó una famosa pieza de película y le puso una nueva voz. Muy a menudo este texto alternativo es total mumbo jumbo y no tiene mucho sentido más que ser palabras reales. Sabes que los peces pueden oírte pensar justo antes de estornudar. Gordito, chuff, cap. ¿ Quién era gordita, chuff, amigo? Pero funciona porque están golpeando las vocales y consonantes correctas. Se ve y se siente bien. No te complices demasiado las cosas para ti mismo por esto. Sé que puede sentirse un poco desalentador, pero realmente la mayor parte de ella es solo intuición y observación. Hablar se parece mucho a la música. Nos espantamos por partes y enfatizamos a los demás y componemos algo que tiene sentido en su conjunto. Pero así como no necesariamente se oye cada nota que está escrita en la partitura, no se oye cada parte de las palabras que se hablan. No pronunciamos cada sílaba a la perfección. Trata de pensar en formas y sonidos de palabras más que en palabras. A veces se filtran entre sí. A veces hay una ruptura en medio de una palabra que no esperarías o un énfasis que eclipsa al resto. Esto es lo que se conoce como fraseo en este contexto. De todas formas, déjame cubrir una base universal para ti que te ayudará a entender los principios de hundimiento de labios en general, que puedas tomarlos y doblarlos a tus necesidades. Para resumir, mantener la calma y recordar fraseo. Vocales; boca abierta, consonantes; boca cerrada. Mientras golpees las formas de la palabra grande, eres de oro. En la siguiente lección, hablaré de cómo poner esto a la acción. 6. Formas de la boca: Formas de la boca, los primeros pasos para tu animación de sincronización de labios real. Ahora que ya sabes en qué enfocarte en los sonidos que querías mostrar, veamos cómo mostrar realmente las formas de la boca. Pasaré por un par de las formas más comunes y te daré algunos ejemplos de en qué contexto sonoro los usaría realmente. Esto no se va a centrar en los estilos específicamente. Es más como una forma general de simplificar las formas de la boca. Entraré en detalles sobre estilos y semejantes en la siguiente lección. Estas formas están enfocadas para enfatizar lo que hacen elementos específicos, dientes, mandíbula, lengua. Si lo deseas, toma notas como bocetos para cada una de las formas y hazlas tuyas. Nuestra lengua por supuesto, juega un papel muy importante al hablar, pero en realidad no la vemos tan a menudo. Se puede ver un poco la lengua cuando sube detrás de los dientes para sonidos como en aguja, dardo, amor, y tendencia. Esta forma de boca se utiliza para sonidos largos O y U. Los labios básicamente forman el sonido que están haciendo y vemos un poco la lengua en la espalda. Usa la forma para sonidos como en remolcado, cono, tío, o brebajes. Tenemos el sonido O corto que se exhibe con la boca abierta. El mandíbula un poco más extendido, cuando sale ese sonido. Se puede encontrar en palabras como barrena, oxígeno, tienda, y caja. Esta forma de boca es probablemente la más utilizada porque se utiliza para vocales cortas como en manzana, elefante, Internet, up. Esta forma se utiliza para sonidos E largos. Se ven los dientes pero hay un hueco. Úsalo para sonidos como en lo profundo, cerveza, o real. La posición de boca cerrada se utiliza para visualizar sonidos como en bomba, mafia o orgullosos. Otra posición muy utilizada es esta con los dientes cerrados, como se usa para muchas consonantes como en sidra, oscura, queso, género, justicia, normal, triste, hoja, tortuga, Zorro. Un sonido que es muy específico e importante para el idioma inglés, y una pesadilla para muchas otras nacionalidades, sobre todo los alemanes es éste. Cubre palabras como ladrón, baño, o tres. Este es divertido para sonidos como un teléfono, zorro, velo, voto. Apretamos un poquito nuestro labio inferior con los dientes. Es divertido exagerar. El sonido R puede ser variado. O bien usa una boca abierta con ambas hileras de dientes superiores e inferiores mostrando, la mandíbula inferior retrocedió un poco, o bien ve con debajo de mordida para una visualización un poco más exagerada del sonido. Esto se utiliza para sonidos como en cohete, tenedor o conejo. Este es probablemente el más pequeño que obtendrán nuestros labios cuando los juntemos en sonidos como en tranquilos, lindos, o débiles. El sonido L tiene la lengua tocando el techo de nuestra boca detrás los dientes como en limón, almohada, bola. Esta forma de boca es opcional porque podemos reemplazarla en la mayoría de los casos por una de las otras formas. Pero en casos específicos, esto te dará un mejor resultado. Por ejemplo, en palabras como karma o galón. Se trata de una boca abierta con los dientes superiores mostrando. Los labios se tiran un poco más anchos que para las vocales cortas. Como puede ver, estos dibujos son muy exagerados y simplificados. Ahora, mirando mis maravillosos videos de referencia, probablemente notaste que no todas las palabras de ejemplo eran la mejor opción para la respectiva forma y pregunta. Algunos sonidos engullaban sobre el que iba a ser el foco del ejemplo. Siempre ten en cuenta, el contexto es clave. Recuerda también que la gente necesita respirar. Esto no siempre sucede con la boca abierta. Buscar palabras, vacilar y tartamudear también necesitan una forma. Observar a la gente hablar o filmarse hablando te ayudará a aplicar estas cosas a la animación. Si hiciste tu propia hoja de referencia para formas de boca, por favor recuerda añadirla a tu proyecto de clase y compártela con nosotros. Para resumir. Una palabra por sí sola no hace el sonido, significa el contexto de la frase. Exagerar y simplificar. Ten en cuenta definir también los elementos tácitos. En la siguiente lección, te daré algunos consejos de cómo puedes personalizar y definir a tu personaje hablando. 7. Habla de los personajes: Hablar caracterizado, único para cada personaje. Ahora que tenemos un punto de partida, me gustaría elaborar un poco sobre los aspectos del diseño. Como mencioné, todo el mundo tiene su forma única de hablar. Eso no sólo se aplica a los sonidos que están haciendo, también se aplica a la cara general, y sobre todo al área de la boca. En primer lugar, siempre querrías considerar el estado de ánimo del personaje, y preguntarte cómo se refleja en su rostro. Una persona feliz podría sonreír, las esquinas de la boca se levantaron. Un personaje enojado probablemente tendría un movimiento bucal muy exagerado, dependiendo de su personalidad. Si trataran de reprimir la emoción, la boca podría estar muy tensa y pequeña, o soltaban, y sucede lo contrario. La boca se pone muy grande y suelta. Recuerda que la animación te permite hacer cosas que no son posibles en la realidad. No sólo en términos de formas y formas exageradas, también en términos, por ejemplo, de dientes. Para mi diseño, quería que el personaje tuviera este diente grande. Esto sería visible el 99 por ciento del tiempo. Pero, ¿qué pasa con los otros dientes? Algunas personas muestran sólo su fila superior o inferior de dientes, y algunas personas no tienen dientes. Decidí darle dientes a mi personaje y expresiones específicas, o mejor dicho, quitar todo menos el colmillo en ciertos momentos. Son un elemento narrativo, y enfatizan su ferocidad. Le da cierto elemento animalista. Piensa en estas cosas cuando tomas las formas genéricas de la boca para ponerlas en modelo para tu personaje. Accidentalmente tropecé con este video de Mary Elizabeth Kelly en TikTok. Demuestra muy bien cómo la boca puede cambiar a todo el personaje. Aquí hay aún más actores que actúan con la boca. No señor Schnibley, prefiero que hablemos en la oficina del director. ¿ De verdad quieres saberlo, mamá? Garanteche, los pantalones. Cuando juegas el Juego de Tronos, ganas o mueres. Yo soy Batman. Morirás. No, yo soy el más joven. Gran error, gran, enorme caramelo de boca. Me parece que esto es bastante buena inspiración porque demuestra en gran variedad el uso del área general de la boca, la cara y los dientes cuando la gente está hablando. Si lo desea, puede agregar una hoja con formas de boca y expresiones específicas para su propio personaje al proyecto de clase, y mostrarnos un poco de su proceso de pensamiento. Para resumir, descubre qué es único sobre la forma en que habla tu personaje. Tu animación, tu libertad. Enloquece y haz lo que sientas que tiene sentido. Piensa en los dientes. Ten en cuenta las emociones. En la siguiente lección, te enseñaremos algunas cosas bastante técnicas pero importantes sobre nuestra percepción. 8. Ver y oír: Ver y escuchar. Algunos consejos técnicos y insights y cómo nosotros como seres humanos percibimos las cosas. Antes de llegar a la parte real de sincronización de labios y animación, necesito hablar un poco de ciencia. Lo siento, no te asustes. No es tan malo. En la ciencia, aprendemos que la luz viaja más rápido que el sonido. Por ejemplo, cuando estás viendo fuegos artificiales, puedes ver las luces antes de escuchar el sonido o en una tormenta eléctrica, puedes ver el rayo antes de escuchar realmente el estruendo. El tiempo que pasa entre el relámpago y el estruendo en realidad te puede decir lo lejos que está. Como scout, aprendí que cuando cuentas los segundos entre el rayo y el estruendo, y divides ese número por tres, obtienes la distancia a la tormenta eléctrica en kilómetros. sonido y la luz son ambas ondas que nuestro cerebro percibe como vibración viajando a velocidad significativamente diferente a través del aire y lo tanto las categoriza como dos cosas diferentes. Si bien las ondas sonoras dependen del aire como medio, luz realmente no necesita el aire para ser transportado, que lo hace increíblemente mucho más rápido. El motivo detrás de eso es porque la materia es lenta, la cosa que viaja por el aire, es simplemente mucho más lento porque se ralentiza por las partículas. La luz sin embargo, sólo dispara a través, no le importa. Esto significa que nuestro cerebro está estropeado y toma las cosas mucho más serias cuando tiene pruebas visuales antes de escuchar algo. ¿ Qué significa eso para la animación? Simplemente significa que nuestro cerebro mimado está acostumbrado a ver antes de escuchar. Por eso cuando estamos animando una sincronización de labios, tenemos que mover la animación un poco por delante del audio. No mucho, se trata solo de 2-4 cuadros tal vez pero ayuda a nuestro cerebro a aceptar que las cosas que vemos están alineadas con lo que estamos escuchando. Por supuesto, hay excepciones a estas reglas. Por ejemplo, cuando tu personaje está hablando y diciendo algo que termina en una posición de boca cerrada, como mamá, tienes que alinear estos sonidos con la animación, de lo contrario, tendrás el sonido transportando después de la boca ya cerrado, simplemente se vería realmente raro. Mamá, tú rock. O si alguien está aplaudiendo, intentas golpear los latidos del aplauso exactamente en tu animación porque de lo contrario se sentiría apagado. Sea lo que sea que estés haciendo cuando estás animando, puedes animar perfectamente en los beats y luego moverlo adelante o planeas tu animación desde el principio en consecuencia 2-4 fotogramas por delante y poner los beats en el lugar para los casos antes mencionados. Si vas por el primer camino, tenemos que llenar estos después del hecho y podrías arruinar tu tiempo. No tengas miedo. Además, nuestros cerebros siempre están un poco por delante. Eso significa que estamos respirando antes de hablar. Estamos formando O formas con la boca antes de que salga el sonido y cosas así. Ten en cuenta estas pequeñas cosas cuando estás animando una sincronización de labios para que tu animación se sienta un poco más real y realista. Esa es mi explicación científica. Ahí vas. Para resumir, estamos viendo antes de la audiencia. Mueve tu animación un poco por delante de tu audio. Golpea las posiciones de boca cerrada en el ritmo, golpea ruidos repentinos en el ritmo y anticipa sonidos en tu animación como respirar y dar forma a tu boca para obtener sonidos. En la siguiente lección, presentaré algunas muestras de audio. Vámonos. 9. Muestreo de doblaje de voz: Muestreo de voz en off, una línea y unos cuantos estados de ánimo para elegir. Probablemente ya tengas una idea para tu animación de lo que te gustaría que dijera tu personaje, eso es genial. Pero en caso de que no lo hagas, he grabado un par de ejemplos para ti de una línea con contenido ambiguo, pero con connotaciones emocionales diferentes a la misma. Déjame mostrarte algunos ejemplos de cómo podrías empezar con esto, y luego pasaré a una línea que elijo para animar. Tenga en cuenta, si lo desea, puede enfocarse únicamente en las expresiones y movimientos de labios. Incluí algunas posando también, así que mis bocetos tienen un aspecto de acción física en ellos para apoyar a los dos, pero esto depende totalmente de ti. Divertido. Hola, ¿qué haces ahí? Este se sintió divertido y un poco confiado o incluso mocoso. Su pose es muy relajada, tal vez estaba enfocada en otra cosa y mira hacia arriba para ver lo que sea. Ella es curiosa pero también un poco descarada en cómo se cruza la línea. Enojado. Hola, ¿qué haces ahí? El renglón tiene mucha tensión aquí. El movimiento y la cara de su cuerpo lo expresan con extremidades rígidas, movimientos audaces, y mirada muy intensa en su rostro. Este personaje está listo para la confrontación. Neutral o feliz. Hola, ¿qué haces ahí? Esta es la versión más neutral de esta línea. Podría estar feliz o simplemente curiosa. Añadí un poco de observación tranquila antes de que ella decida hacer la pregunta. Triste, decepcionado, o desmotivado. Hola, ¿qué estás haciendo? Se siente un poco abajo en esta variación, algo le espera y está broody, sentada en el suelo. Se llama su atención pero no hay mucho interés, por lo que obtenemos un poco de una reacción melosa. Escéptico o curioso, dos versiones. ¿ Qué haces ahí? En la primera versión, es muy directa e inquisitiva. Su tono suena casi acusador, y se siente un poco como una mamá que vio a su hijo haciendo algo que no deberían hacer. Hola, ¿qué estás haciendo? La segunda versión es a la vez curiosa y escéptica. Hay mucho más cuidado en su actuación. Sorprendido, confundido, curioso. Hola, pero ¿qué estás haciendo? Con un poco vacilante ahí dentro, muestra no sólo sorpresa y curiosidad, sino también confusión. Me encanta usar sus oídos para apoyar las emociones conflictivas en su voz y su despistada expresión facial. Adisqueado. Hola, oh, ¿qué haces ahí? Suena como si entrara en algo que realmente no esperaba y probablemente tampoco quería ver. El rostro feliz y relajado cambia rápidamente a shock, luego a disgusto, y luego se inclina hacia atrás, repelida por lo que sea que se enfrente. Me encanta la variedad de emoción que atraviesa por aquí así que esta es la línea que escojo para animar. Si lo desea, puede grabar su propio audio para esto. Simplemente puedes usar tu teléfono o usar tu computadora con programas como QuickTime o Audacity. Esto podría ser un saludo, feliz cumpleaños, o un cumplido a un amigo. Para resumir, utilice una de las líneas proporcionadas o grabe su propio audio. Sugerencia, cuanto más larga sea la línea, más transiciones y oportunidades de actuación. Pero manténgalo bajo 5-6 segundos, ya es mucho. En la siguiente lección, te mostraré cómo configuro un archivo para animación en Photoshop. 10. Preparación: Configuración de indicaciones para animar en Photoshop. Espero que elijas una línea de diálogo para que animes ahora. Puedes etiquetar conmigo para esbozar las poses o expresiones de la historia áspera en la siguiente lección. Antes de llegar a eso sin embargo, les mostraré la configuración en la que estaré trabajando. Estaré animando en Photoshop, pero puedes usar cualquier herramienta que funcione mejor para ti. Alternativas para la animación podrían ser Clip Studio Paint, Toon Boom Harmony, o Procreate en el iPad Pro. El último no admite audio en ambos aunque, por lo que requeriría que te pongas un poco creativo. Todo bien primero lo primero, poner en marcha Photoshop. Crea un nuevo Lienzo. Escogí el formato de video estándar; 1,920 por 1,080 pero realmente puedes ir con lo que quieras para tu animación. Ahora, para obtener la configuración correcta para nuestra animación, es necesario habilitar la línea de tiempo debajo de Ventana y luego hacer clic en “Crear línea de tiempo”. Esto te dará una línea de tiempo de tus capas como fotogramas. Si quieres que tu fondo esté ahí durante todo el tiempo, asegúrate de que este marco se extienda a lo largo de toda la línea de tiempo. Debajo de las capas de dibujo hay una capa para audio. Basta con dar click en ese símbolo de nota pequeña para impartir el audio que te gustaría utilizar en tu animación. Esto también te dará una indicación de cuánto tiempo debe expandirse tu capa de fondo. Si necesitas una mejor visión general sobre tu línea de tiempo, puedes arrastrar esta pequeña flecha hasta aquí. Por un lado, te mostrará una vista detallada de algunos fotogramas, y por el otro lado, mostrará toda la línea de tiempo. Siguiente cosa importante, establece tu velocidad de fotogramas. Tradicionalmente, esto sería de 24 fotogramas por segundo para la animación dibujada a mano. Nuestros cerebros son capaces de percibir algo como un movimiento desde ocho fotogramas por segundo hacia arriba. Si quieres reducir tu animación, toma esto como un reto. Crear una nueva capa te dará una duración muy larga por defecto. Me gusta ajustar la capa vacía a una longitud de dos cuadros y arrastrándola al botón de nueva capa, la dupliqué. Entonces lo repetiré hasta tener un montón de dos capas largas de marco que pueda usar. Si arrastras la capa en tu línea de tiempo junto a otra, las amontonará en un grupo de videos. Esto puede hacer que la visión general sea un poco mejor, pero para el principio, normalmente estoy manteniendo las cosas separadas bajo grupos normales. Se puede ver aquí que tengo algunos paneles de controles fantásticos por encima de mi línea de tiempo. He vinculado las fuentes de estos en la descripción. No son esenciales sin embargo, pero pueden hacer tu vida un poco más fácil. Una vez que tengas toda esta configuración, puedes empezar. Para resumir, crea un Lienzo digital del tamaño que elijas. Configura la línea de tiempo. Asegúrese de establecer los fotogramas por segundo en 24. En la siguiente lección, entraremos en la animación. Vámonos. 11. Animación básica: Animación áspera, sentando las bases. Sí, finalmente llegamos a la parte de animación. Coge una bebida y acompáñate. Esta será una larga. Ahora tienes todas las herramientas a mano para hacer tu propia animación de sincronización de labios. Si lo deseas, puedes mantenerlo súper simple y animar una cabeza flotante o una cara sonriente si solo quieres ir a practicar la sincronización de labios o eliges el modo jefe. Esto incluirá el torso del personaje o incluso todo el cuerpo y podría implicar cosas como actuar con toda la figura, movimientos complejos y apéndices que se mueven en codependencia. Elige lo que se sienta cómodo contigo y concéntrate en el disfrute, por favor. El proceso de animación puede llevar mucho tiempo y quiero que sientas una sensación de logro después de abordar esto, no frustración. Mi ejemplo incluye el cuerpo del personaje y estaré guardando mis explicaciones de aplicación general. Puedes aplicarlos a tu trabajo sin importar lo que elijas. Lo primero que hice fue buscar una imagen de la forma de onda de mi audio. Se puede visualizar esta representación del audio con muchos programas. Utilicé Audacity, que es una herramienta de edición de audio gratuita. Acabo de tomar una captura de pantalla de la forma de onda y poner eso en mi lienzo de Photoshop. Esto me ayuda a entender los ritmos de audio, la duración de las pausas, y sobre la relación de la oración. Hola, ¿qué haces ahí? Tomando mis bocetos de la lección anterior como inspiración, sabía más o menos lo que iba a buscar. También me grabé actuando la escena fuera. Entonces empiezo con poses clave. Esto me permite tener en cuenta el movimiento general. No me atasco en los detalles y veo cómo funciona mi visión. Esto también me permite hacer cambios rápidos sin tener que volver a trabajar demasiado si noto en esta etapa que la sensación con esta posando está apagada. Las poses clave están destinadas a transmitir los principales latidos de la historia de tu movimiento. Con el audio como guía, es un poco más fácil determinar qué y dónde deben estar tus posturas clave. Recuerdo que estaba totalmente perdido cuando empecé con animación porque el concepto de poses de narración era un poco demasiado abstracto para mí. ¿ Cómo debo saber cuándo, qué pasa, me preguntaba. Bueno, eso es lo que pasa. Simplemente lo decides. Tener metraje de referencia, acciones de cronometraje en tu vida cotidiana, y solo tener una sensación de cuánto tiempo tardan las cosas te ayudará. No te desesperes, todo se necesita práctica. Una vez que estoy contento con mis poses clave, agrego posiciones de boca áspera a los marcos como nota mental. Al pasar por el audio, trato de clavar los ritmos más importantes. Hola consigue una gran boca abierta que representa esta gran vocal. Además, el personaje está contento por ahora. También agregué transición al infeliz ew. Elegí la forma de la boca con dientes más expuestos. Esto realmente enfatiza el lado salvaje del personaje. La siguiente transición fue un disparo en la oscuridad porque no estaba del todo seguro de cómo quería que esto se disputara, pero eso está bien. Además, la forma inicial de esta parte de la sentencia aún no estaba del todo donde quería que golpeara. De hecho terminé cambiando un par de estas formas durante mi animación rugosa y mi fase de limpieza. Pero lo que había ahí desde el inicio fue un énfasis en el son ustedes y yo uso la pose para R con la mandíbula inferior extendida. Esto también subraya muy bien la acción del diente. Lo que quedó también fue la lengua espiando para allá al final. Entonces empiezo a refinar las poses clave agregando la boca, los ojos, la nariz y las orejas al personaje. Nota al margen, recomiendo mantener cosas que están separadas del cuerpo principal para más adelante, como pelo y ropa. Se mueven de forma codependiente al movimiento del cuerpo principal. Enfócate primero en la forma y masas de tu propio personaje. Ahora, como recuerdan, la línea de tiempo está configurada para darnos 24 fotogramas por segundo. Eso haría un total de 120 imágenes para una animación de cinco segundos. Eso es bastante. Nadie tiene tiempo para eso. Pero por suerte, nuestro cerebro es incapaz de distinguir todas estas imágenes individuales de todos modos, así que podemos engañarlo un poco. Estaremos trabajando en dos. Eso significa una imagen por dos fotogramas. Ten esto en cuenta a medida que avanzamos. Estoy llenando los dibujos entre mis poses clave ahora. Te das cuenta de estas líneas aquí en el costado con números y trazos en ellos? A estos se les llama diagramas de tiempo. Ellos me ayudan a planear mi posición de desglose y en el medio, así que todas las imágenes que conectarán la clave posan. El número en la parte superior es el que estoy empezando. El de abajo es el que estoy trabajando. Esto significa que la línea representa una porción del tiempo que pasa que puede ser de longitud variable dependiendo de lo lejos que estén las poses clave en el tiempo. En la posición de los trazos horizontales se simulan qué tan cerca del primer o segundo marco está el dibujo sobre esta posición y el tiempo. Para conseguir un movimiento orgánico, a menudo amortiguo el inicio y el final de un movimiento. A esto se le llama lento dentro y despacio. Más dibujos significa movimiento más lento, menos dibujos, movimiento más rápido. A menudo se puede ver un trazo en el centro muerto o en uno de los tercios de una línea, que generalmente representa lo que se conoce como el desglose. Yo mismo trabajo de pose clave a pose clave vía esta posición intermedia. Puede estar más cerca de una u otra posición clave. Eso siempre depende de la moción. Una vez establecidas estas, voy derecho a partir de poses ya establecidas y salto de ida y vuelta entre los dibujos que llenarán el movimiento. Si bien estoy trabajando y no sólo frotando la cabeza de juego a través de mis dibujos para ver cómo funcionan en acción, también estoy usando la llamada Piel de Cebolla. Puedes habilitarlo haciendo clic en este icono en la parte superior derecha de tu barra de línea de tiempo y encontrarlo en el menú emergente. Los ajustes de Onion Skin te permiten definir el rango de fotogramas que te gustaría ver. Piel de cebolla activada luego te muestra marcos antes y después del que estás dibujando actualmente. Al dibujar, siempre estoy teniendo en cuenta los principios importantes de la animación para una acción animada y divertida. Aplastar y estirar a las masas es muy relevante para darle a un rostro cierta realismo. Abrir la mandíbula da como resultado una forma más estirada y entrecerrar los ojos hace que la cara se squash. Puedes enloquecer de verdad con esto. Juega con la blandura de la carne. grandes movimientos suelen iniciarse con anticipación. Esto significa que la parte del cuerpo cargará energía por un corto momento, moviéndose en la dirección opuesta antes de entrar en el movimiento previsto. Por ejemplo, doblar las piernas antes de saltar. También sumaré un poco de rebasamiento en el camino, que es básicamente lo contrario de la anticipación. El elemento que llegue a su posición final rebasará un poco la portería y luego se asentará de nuevo en ella. Esto debería quedar un poco más claro a medida que nos movemos junto con la animación. Una vez que haya establecido el movimiento corporal áspero y las expresiones faciales quiero que pase mi pequeño duende, estoy pasando a agregar pelo y ropa. Como puedes ver, decidí dejar una capucha grande fuera, el pelo y la ropa se mueven con el cuerpo pero suelen estar arrastrando un poco atrás y son un poco compensados. Por lo que una vez que la cabeza se desplace hacia abajo, el cabello permanecerá en la última posición durante unos fotogramas antes de seguir el movimiento del cuerpo. También seguirá adelante después de que el cuerpo se haya parado, swing un poco antes de que se trate de un descanso. Lo mismo va para la ropa. Ten en cuenta el material de tus apéndices mientras animas. Cuanto más pesado sea el material, más lento y más lento reaccionará. Cuanto más ligero sea, más fácilmente se moverá con el cuerpo principal. Aquí está la animación rugosa final. Hola, ¿qué haces ahí? Se puede ver que me quedé muy rudo y suelto. Yo no definí todo y muchas veces sólo dispuse hitos del cuerpo o de la ropa que me parecían importantes en un escenario. Puedes trabajar tan suelto o tan refinado como te gustaría. Creo que mientras no estés confiando en alguien más para finalizar tu animación, no hay daño en ella. Solo necesitas poder entenderlo y trabajar con él en el camino. Así que solo diviértete. En resumen, incluir la forma de onda de tu audio puede ayudarte a cronometrar tu animación y mantener una visión general. Decide qué incluirá tu animación. Si trabajas con un cuerpo de tu personaje a la clave grande posa primero, trabaja de grande a pequeño. Decidir sobre las posiciones bucales más importantes y anotarlas. Una vez que tengas tus poses clave, añade los detalles como la cara. Agrega poses de transición para llenar el movimiento. Los diagramas de tiempo pueden ayudarte a planear tus acciones. Agrega apéndices como cabello y ropa solo después de haber descubierto el movimiento de tu cuerpo principal. Recuerda lo siguiente. Squash y stretch, anticipar, arrastrar, seguir a través, rebasar, y lento dentro y despacio. Pasemos a la limpieza y coloración. 12. Limpieza, coloreado y exportación: Limpiar, colorear y exportar, atar las cosas. Esta siguiente parte del proceso de animación puede tomar otra longitud variable de la eternidad. Tenga en cuenta que mi manera absolutamente no tiene que ser a su manera. Podrías, por ejemplo, tener un estilo muy suelto y divertido en mente y tal vez tus animaciones ásperas ya estén tan apretadas y funcionando bien que solo puedes llamarlo dunsies. Eso depende totalmente de ti. Yo, sin embargo, soy un perfeccionista nitpicky insufrible y esto se refleja en mi animación limpia. Podría verme redibujando líneas mil millones de veces en esta lección. Dibujar un marco a menudo me llevó más de media hora, así que por favor no hagas las matemáticas. Yo quiero animarte a que encuentres una forma de animar que sea divertida para ti y que podría ser muy diferente a mi enfoque. Pero nuevamente, mis consejos y guías a lo largo esta lección aún deben ser aplicables a su trabajo. Vamos a saltar. Para mantener mis archivos de Photoshop a un tamaño razonable, primero exporto mi animación aproximada como un video. Vaya al menú desplegable bajo Archivo, haga clic en “Exportar” y seleccione “Render Video” en la parte inferior. En la ventana que aparece, se puede determinar la ubicación y el nombre del archivo así como el formato, tamaño y muchas otras cosas. Yo uso H264 y realmente no toco nada más. Una vez renderizado, puede arrastrar el video a otro archivo de animación que configure y se colocará como un objeto inteligente. Ahora, puedo empezar a limpiar. Lo que me gusta hacer es, tener el diseño del personaje arriba en algún lugar para que pueda mirarlo en todo momento. Empiezo con un marco que sentí que era representativo del personaje y no como una extraña transición o algo así. Este marco también regresará como referencia más adelante. Podrían verlo de vez en cuando en baja opacidad mientras trabajo en otros cuadros. Esto me ayuda a tener en mente las relaciones [inaudibles] y las masas. Para la limpieza, también me pego con una mezcla de pose para posar y animación recta para mantener todo consistente. Apenas hago, por ejemplo, marco 50 y luego directamente hago marco 52. Siempre habrá un ida y vuelta entre fotogramas que suelen 8-16 fotogramas separados para un inicio y luego trabajaré en los que están en el medio, tal y como expliqué en la lección anterior. Otra cosa que hago es cambiar de trabajar en un marco en específico y en una parte del cuerpo o detalle. Es fácil perder la pista de las masas de elementos. A veces me centraba únicamente en las orejas, por ejemplo, y limpiaba esto por un par de marcos. De esta manera, no me pierdo en los detalles y realmente puedo enfocarme en la moción. Un elemento que, por alguna razón, no agregué en mi animación áspera fue el capó. Creo que quería mover las cosas, así que fue mayormente pereza. Trabajar con él ahora en la animación limpia sin embargo, no fue tan fácil como esperaba. El paño cae en tantos lugares, la gran solapa se movía más de lo esperado con los brazos y me olvidé la parte del capó balanceándose detrás del cuerpo a veces. Pero al final salió bien. Sólo puedo recomendar al menos anotar partes importantes de estos elementos antes de que finalices tus líneas. Echemos un vistazo a mi expediente aquí. He trabajado mayormente en dos como se mencionó antes. Cada cuadro está expuesto por dos marcos pero en algún lugar de estas líneas cambio a unos por una parte. Esta fue una elección que hice para este cambio muy rápido. La opción de ir por unos fue enfatizar el cambio de feliz a asqueroso y hizo que todo el movimiento fuera un poco más suave. Esto es otra cosa donde ningún enfoque es correcto o incorrecto. Algunas personas incluso podrían animar todo en unos. Si quieres hacer eso, hazlo. Nadie puede detenerte. Simplemente me gusta hacer un uso de combinaciones de unos y dos. Así que solo prueba las cosas y descubre qué funciona mejor para tu trabajo específico. También, ella se da cuenta de algo en este mismo momento y este pensamiento se apoya en el parpadeo que pongo aquí. La gente parpadea para evitar que se sequen los ojos. Esto sucede rotonda cada cuatro segundos. Todos los demás parpadean o falta de, generalmente indica que algo sucede dentro de la cabeza de la persona. Tan solo piensa en parpadear nervioso o estar tan concentrado que mires fijamente. Por último, quiero enfatizar que no hay vergüenza en copiar sus marcos. Si solo cambian las partes en un periodo de tiempo, solo copia y pega el resto. Trabaja de manera inteligente, no duro. Una vez que estoy satisfecho con la animación de limpieza, una vez más la exporto como un video. Pero antes de entrar en colorear, déjame apuntar un par de cosas. Arcos, arcos siempre deben jugar un papel importante en tu animación. Descubre cómo todos los elementos forman arcos con el movimiento. Romper estos arcos invisibles en tu movimiento romperá la suavidad y le dará un hipo a tu animación. Ve el rebasamiento de los brazos mientras se detiene. Recuerda que las cosas tienen masa y se detendrán a diferentes tasas. Lo mismo va para el cabello y las mangas que siguen a través en el movimiento y el pendiente que también arrastra detrás. También puedes ver muy bien lo [inaudible] de los marcos hacia inicios y finales del movimiento, frenando y desacelerando. Echemos un vistazo a las formas de la boca y ralentizemos un poco esto. Hola, hola, ¿qué haces ahí? El desplazamiento de imagen y sonido es un poco mejor reconocible así. Observe las transiciones que hice. La boca va de la gran forma feliz a una amplia expresión disgustada. Los dientes muestran claramente. Una vez que se inclina, su boca también se vuelve mucho más pequeña en las expresiones, un poco presionada y bajo tensión. Todos los elementos están ahí para apoyar la idea principal. Para colorear la animación, una vez más tomo la limpieza antes exportada y la coloco en mi archivo de Photoshop como un objeto inteligente por arrastrar y soltar. Entonces creo tendencias de acuerdo a la animación mediante el uso de la Varita Mágica para seleccionar el blanco alrededor de mi figura y presionando shift y command e I. Selecciono su forma en este marco. En ocasiones la herramienta Lasso necesita ayudar a limpiar un poco la selección y luego la llena de un color plano. Elegí este tono de piel para este propósito. Este es el primer paso. Hazlo por cada fotograma de tu animación. Después activo el bloqueo Alpha para cada marco para poder pintar sólo en las áreas coloreadas, sin pintar sobre líneas fuera del personaje. Una vez más, estoy seguro de que hay mil millones de formas de hacer esto, pero así es como trabajo. Si quieres iluminarnos a todos con tu enfoque favorito personal, por favor déjalo caer en los comentarios. Ahora, estoy pasando por los marcos una y otra vez para colorear en los elementos individuales en su respectivo matiz. Cuando elegí los colores en mi proceso de diseño de personajes, presté especial atención a los valores de colores. Entonces qué tan claros u oscuros son en relación. Elegir colores de valores variables ayudará a distinguir visualmente las partes. Puedes habilitar una configuración de prueba para ver tu trabajo en blanco y negro como puedes ver aquí. Ahora que tengo todo coloreado muy bien, agrego sombreado simple a cada marco para darle más profundidad. Todo esto es, por supuesto, totalmente opcional para ti. Elegí un bonito gris púrpura oscuro, las capas establecidas para multiplicarse y una opacidad del 40 por ciento. Estas capas están configuradas para recortar a mis capas de color agrupadas. Cada marco de sombreado solo aplica su contenido a los píxeles que ya están coloreados. Una última y última vez, exporta tu video vía File, Export, Render Video y ya terminamos. Hola, hola, ¿qué haces ahí? Para resumir, ¿no? Mi manera no es la ley, pero espero que te inspire. Elige qué tan suelto o limpio quieres trabajar. Exporta animación rugosa como un video para colocarla en un nuevo archivo como un objeto inteligente. Empieza con un marco que sientas representa bien a tu personaje. Tener presente el diseño de tu personaje para usarlo como referencia. Salta para mantener una visión general de masas, movimientos y detalles. Cambia tu proceso si te atascas. Recuerda los principios clave de la animación. Trabaja de manera inteligente, no duro. Exportar limpieza como un video para pasar a colorear. Usa Varita mágica y Lasso para selecciones rápidas y limpias. Hacer uso de la cerradura Alfa y el recorte. Agrega sombreado a tu gusto. Cómprate un pastel para celebrar. Tú lo hiciste. 13. Conclusión: Enhorabuena, aventurero. Esto seguro fue mucho insumo y lo lograste hasta el final. Creamos un personaje, aprendimos sobre actuar y hablar, y lo más importante, creamos una animación viva, respiratoria y habladora. Creo que es una de las experiencias más mágicas ver que tu propio trabajo cobra vida y habla, aunque sea un poco raro cuando es tu propia voz. Espero que hayas aprendido mucho sobre cómo actúan y hablan los seres humanos, y cómo aplicarlos a tus propias líneas móviles. Esto sin duda fue un reto y debes estar orgulloso de ti mismo. No puedo esperar a ver todos tus proyectos y me gustaría animarte a añadir también trabajo en curso o cosas inconclusas. Me encantaría verlos. Si hay alguna pregunta abierta, por favor no dudes en ponerte en contacto conmigo. Muchas gracias por su empresa. Hasta la próxima vez, adiós.