Retratos expresivos en acuarela: captura emociones y personajes

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston, y hoy nos sumergimos en el mundo expresivo del retrato Esta clase está diseñada para explorar las posibilidades dinámicas y emotivas de la acuarela, ayudándote a capturar no solo la semejanza, sino la esencia y el estado de ánimo de tu sujeto Estaremos trabajando en un retrato que transmita emoción a través de colores fluidos y formas abstractas He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión abajo. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en compartir habilidades haciendo clic en el botón de seguir en la parte superior. Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que agarra tus pinceles y acuarelas y únete a mí para desbloquear el potencial expresivo del retrato en desbloquear el potencial expresivo del retrato acuarela 2. Tu proyecto: Muchas gracias por acompañarme en este viaje artístico. Entonces, en la sesión de hoy, nos vamos a centrar en dominar técnicas de acuarela que resalten el carácter y la emoción de los retratos Exploraremos cómo usar lavados de color, efectos de goteo y pinceles de detalle para agregar profundidad y expresión en la cara Al combinar enfoques espontáneos de acuarela con trazos detallados controlados, desarrollaremos un retrato que no solo retrata un rostro sino que cuenta una historia a través de su paisaje vívido y emocional En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría saber sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar, repasemos todos los materiales y suministros que necesitará seguir. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un gotero de agua para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar junto conmigo. Ahora, sigamos adelante y comencemos el dibujo. 4. Cómo bocetarlo: Entonces las caras son una de las cosas más difíciles de dibujar. Entonces, si quieres ir directo a la plantilla, eso está perfectamente bien. Y me voy a tomar mi tiempo para asegurarme de que el dibujo sea perfectamente correcto. Pero te mostraré cómo comencé, y completaré el dibujo de la cámara para asegurarme de que esté completamente refinado para la plantilla, que podamos subir al escenario de pintura con un contorno seguro y claro. Voy a empezar trazando donde quiero que la cara esté usando un círculo grande. A lo mejor hasta voy a tener la cara a la mitad del papel. Está un poco desconcentrado, lo cual me parece bien. Podemos contrapesar eso agregando más peso en el cabello aquí Así que todavía se sentirá equilibrado, aunque no esté en el medio, aunque no sea simétrico. Aún se puede crear equilibrio con composiciones asimétricas Las cejas. Simplemente trazando líneas generales para comenzar. Tenemos línea central y tercios ásperos de la cara, el tercio inferior. Añado dos casi tercios más, no del todo. Ahora, trato de dividir esto en quintas lo cual es más fácil decirlo que hacerlo, pero después de un tiempo, se siente un poco más natural Aquí es donde estarán los ojos. No tiene que ser detallado para empezar. Al dibujar figuras, quieres intentar y abstenerte de pensar en las cosas directamente. No pienses en ojos. Piensa en la forma que estás viendo y cómo se relaciona con otras formas porque todos tenemos una idea de cómo se ve un ojo, y en realidad no es lo que estamos observando. Unos mechones de pelo aquí. La nariz estará aquí. Verás estoy rebotando por todas partes No voy a zonificar en una sección porque entonces me voy a perder Estoy tratando de pensar en un panorama más amplio. Unos cuantos goteos verticales aquí, creo. Como dije, va más de este lado que de este lado para recuperar ese ligero contrapeso Ahora, generalmente la esquina de la boca coincide con el lado del iris allí y el labio superior es más corto que el labio inferior. Y muchas veces, podemos definir un rostro por las sombras. De hecho, así es como interpretamos el mundo a través de la luz y sombra y la curvatura de las cosas y las sombras que provocan. Entonces eso es lo que estoy viendo, en realidad. No estoy pensando que esto sea una nariz. ¿Cuál es la forma de esa sombra? Para que puedas ver cuántas líneas de construcción hay para poder acertar este dibujo. Entonces no estoy necesariamente esperando que lo dibujes tú mismo si quieres llegar directo al escenario de pintura. Ya veo que tengo algunas correcciones más que hacer. Pero antes de llegar a eso, simplemente te mostraré rápidamente cómo una vez que haya trazado todo, puedo entrar y simplemente comprometerme con algunas de estas líneas. Y estas líneas más duras que estoy pintando en este momento permanecerán después de que frote las líneas más claras debajo. Entonces la idea con el dibujo para un boceto es básicamente ser lo más mínima posible. Sólo estamos dibujando todo lo que necesitamos para guiarnos con la pintura. Si fuera posible pintar sin un dibujo, sería perfecto. Pero desafortunadamente, necesitamos una guía visual. Dibujar por el bien del dibujo es muy diferente dibujo con la intención de pintar. Se puede ver como de este lado, estoy comprometiendo una línea más oscura. Entonces cuando vengo con mi lápiz, puedo regresar y hacerlo mucho más claro. Entonces voy a hacer eso por toda la composición y hacer una plantilla limpia y agradable para ti. Entonces, nos vemos cuando comencemos la pintura. 5. Tonos de piel: Entonces para empezar, vamos a empezar con los tonos más claros de la piel, y voy a usar rojo cadmio para Muy pálido y diluido para empezar. Sólo estamos haciendo la base ligera, y voy a tomar un poco de amarillo, amarillo cadmio, quizá también un poco de ocre amarillo, y un poco y Y estos cinco colores en la parte inferior de mi paleta, tengo rojo cadmio, amarillo camium, ocre amarillo, siena quemada y sarín siena quemada Conforman todos los tonos de piel diferentes. Voy a tener un tono rojo más cálido, y justo arriba, voy a hacer un tono castaño o siena quemada Y puedes verme aplicarlo. Y he acelerado el metraje porque lo hace un poco más comprensible. Si fuera la velocidad normal, entonces es posible que no puedas ver el contexto completo porque está un poco demasiado estirado. Entonces, si me ves pintando la zona de la nariz, acelerada sabrás que eso es lo que voy a buscar, y puedes pausar el video y ponerte al día. Pero si es tiempo normal, no solo la clase sería mucho más larga, sino que no sabrías a dónde planeo ir con ese lavado porque mucho está mojado sobre pintura húmeda, así que hay que pensar con anticipación toda la dirección y motivación del lavado, no solo los primeros trazos, porque así es como lo conectamos todos juntos incorporando todos estos tonos en un solo lavado, y se puede ver en la parte inferior ahí, agregué un poco más de rojo. Y así tengo diferentes colores en mi paleta que acabo de mencionar. Pero en serio, estoy pensando más en la temperatura. Entonces donde quiero que estén las zonas más cálidas de la piel, obviamente agrego rojo y las zonas más frías, es más marrón porque es, claro, menos cálido que el rojo, a pesar de menos cálido que el rojo, que sigue siendo de un color cálido. Y me puedes ver mojando un poco más de pigmento ya que el agua está mojada ahí Y si fuera velocidad normal, muy lenta, puede que no te des cuenta de eso y tendrías que volver a mojar el papel o el papel estaría demasiado seco y crearía bordes duros, que no es lo que quiero. Entonces, aunque entiendo algunos aspectos de que el metraje se acelere, hace que sea un poco más difícil de poner en práctica. En realidad entender la dirección, creo que en realidad es un poco más útil. El panorama más amplio, la idea más grande de lo que estoy tratando de lograr es un poco más comprensible y en contexto cuando lo ves más acelerada. Más adelante, seremos muy atrevidos con tonos y colores. Pero para comenzar un sketch, estoy siendo un poco más cauteloso y trabajando mi camino de claro a oscuro para que aunque haya errores, no deberían ser tan importantes Solo los estoy construyendo poco a poco, agregando un poco de azul ahí encima del naranja, que es un color complementario. Pensando en dónde están las sombras incluso en esta etapa, aunque sean muy ligeras. Tengo un pañuelo en mi mano izquierda para mojar algunos bordes para que no sean todos bordes duros, y pueda controlar un poco mejor los tonos Se puede ver que estoy usando un pincel de tamaño mediano. Obviamente no es un pincel muy grande, y tampoco es un pincel fino y detallado. A pesar de que sí tiene una punta muy pequeña. Eso es lo que me gusta de estos pinceles. Los verás usando la mayoría de mis clases porque tienen ese punto muy fino. No son caras, y también pueden contener mucha agua. A 6. Bordes suaves y duros: Ya ves, me estoy pintando la nariz aquí, y estoy tratando de lograr un borde duro justo en el centro ahí. Entonces, al seguir junto con la pintura o incluso simplemente viendo esto antes de intentar la pintura, trate de ser consciente de dónde estoy apuntando a ser líneas suaves, bordes suaves, y donde estoy tratando de lograr bordes duros y todo lo demás entre bordes perdidos y encontrados porque eso implica la textura y la superficie. Entonces para este ejemplo en la nariz, esa línea afilada bajando por el medio que indica al espectador que hay una curva en el plano de la nariz, y ayuda a agregar esa profundidad y ese sentido de forma freedi Lo mismo en la mejilla. Ahí también hay algunas líneas duras. Y todo c es bastante liso. Se pueden ver solo gradaciones sutiles estas no tienen por qué ser perfectas, claro Solo necesitas una indicación de eso y lo emocionante de la acuarela y el arte en general la pintura es que el espectador llene esos vacíos por ti. Entonces, siempre indiques aproximadamente lo que estás tratando de declarar, tratando de implicarlo en lugar de indicarlo directamente, entonces eso debería ser lo suficientemente bueno. Entonces, aunque estamos usando tonos claros en este momento, todavía lo estoy seccionando un poco Entonces ahora estoy pintando la sombra debajo de la nariz, y estoy usando amarillo con un poco de púrpura, y puedes usar púrpura directamente del tubo o puedes mezclar azul y rojo para hacer ese morado. Estoy teniendo una pequeña transición agradable ahí. Y, claro, esperé a que el papel estuviera completamente seco debajo antes de pintar esta sombra. Siempre que intentes pintar una segunda capa encima de una capa anterior y quieras que esté completamente separada, tienes que asegurarte de que el papel esté completamente seco debajo. Así que aquí hay un poco de detalles intrincados tratando de guardar algunos de los blancos en las fosas nasales en los pedacitos en la parte Cuando se trata de pintar tonos de piel para mí, generalmente solo me apago a los rojos, ya sea rojo camium o zar y carmesí, amarillos, eso es amarillo cadmio o ocre amarillo Y dependiendo de cómo me sienta, los uso en diferentes cantidades. No hay una regla establecida sobre cuál es la correcta. Si sientes que quieres un estado de ánimo diferente, puedes experimentar con aquellos en diferentes combinaciones, esos colores. Y luego, claro, tengo que usar sus cumplidos para las sombras para que sea emocionante y atractiva Entonces como pueden ver, acabo de mezclar un morado, que es un cumplido de amarillo Y ahí hay azul, que es un cumplido de naranja, que es la siena quemada Y puedes incluso si quieres, agregarle un toque de verde porque ese es el complemento del rojo. Y verás más tarde, realidad usamos mucho verde en esta pintura, no necesariamente en los tonos de piel, sino para los fondos, la ropa, los ojos. Oh 7. Pintar la nariz: Ahora estamos empezando a pasar a la siguiente etapa porque hemos agregado muchos tonos claros, y creo que me siento listo para comenzar a agregar algunos detalles más a la nariz con tonos mediados. Así que estoy usando negro puro con un poco de azul mezclado ahí para mantenerlo emocionante. Yo uso tinte neutro. Trato de usar siempre tinte neutro porque como dice, es neutro, así que puedes influir en otros colores ahí si lo quieres más fresco o más cálido. Entonces empiezo por la izquierda y me muevo hacia la derecha, y como dije, agregué azul para empezar, pero luego incorporé un poco de marrón ahí para mantenerlo interesante a medida que avanza. Y puedes pausar el video o volver a verlo tantas veces como quieras Puedes usar atajos de teclado para ayudar a maniobrar el video en control donde quieras ver para que puedas seguir exactamente No hay presión. Puedes tomarte tu tiempo con esto, divertirte un poco. Se puede ver dentro de las fosas nasales, estoy agregando pigmento espeso, y luego estoy usando agua para activar ese pigmento y crear un borde suave Entonces, aunque sea un detalle sutil, puedes ver cómo las sombras oscuras dentro de las fosas nasales realmente no tienen una línea dura Se mezclan suavemente en la sombra debajo de la nariz. Por supuesto, hay que pensar en lo rápido que se seca el papel, porque como digo, en la mayoría de mis clases, húmedo esté el papel, más se mezclará y creará una línea suave, y el borde podría incluso desaparecer Pero si está seco, entonces habrá una línea muy dura, y el borde será muy obvio. Entonces lo secé completamente, e hice uso del tintado, que es cuando se seca completamente el papel y muy rápidamente repasa todo el asunto con una capa del color que quieras Yo usé azul en ese ejemplo. Y esa es otra forma de reactivar tu pintura porque como decía, si el papel está seco, entonces vas a conseguir bordes duros en lugar de suaves. Entonces, lo que puedes hacer es secarlo completamente, así que está todo uniformemente seco, completamente seco, y luego muy rápido con pinceladas grandes, rellena esa área que quieras uniformemente sin agitar el pigmento, y luego todo volverá a estar mojado o al menos húmedo, y puedes comenzar a mezclar más tono porque el tiempo se acaba con la acuarela Uno de los mayores retos de la acuarela, por supuesto, es conseguir la consistencia correcta y cómo eso interactúa con el papel dependiendo de lo húmedo que esté Y ya pueden ver, eso es lo que hago en mi paleta aquí. No sólo estoy pensando en el tono, ya sea lo suficientemente claro o lo suficientemente oscuro, o la temperatura, qué color exacto es, sino que también estoy pensando en el grosor o la debilidad de la mezcla. Si está demasiado diluido, entonces en cuanto le ponga pincel al papel, se derramará de mi pincel y si los papeles ya están mojados, creará mucho movimiento que en realidad está fuera de mi control. Y en algunos casos, eso es exactamente lo que queremos cuando estamos haciendo el fondo abstracto o las grandes texturas expresivas. Pero cuando estamos haciendo los detalles finos, no queremos eso. Así que tenemos que tener un poco más de control, y tenemos que tener un pigmento más grueso. 8. Los tonos medios: hora de considerar lo diluido o espeso que debe ser tu pigmento y lo mojado que debe estar el papel o lo seco que debe estar, tiene mucho que ver con la intuición al final porque para mí cuando empecé y muchos estudiantes, claro, tienes que pensarlo conscientemente en tu mente, y lleva mucho tiempo y energía después de un tiempo, a través de hacer tantas pinturas si miras a través de la galería de estudiantes, puedes ver que los alumnos sí la recogen. Tienen una intuición. cómo reaccionará el papel y cómo lograr diferentes efectos. Por ejemplo, ahora, solo moje la esquina superior izquierda de la pintura porque quiero lograr una bonita línea suave donde voy a aplicar pigmento relativamente grueso. Pero debido a que el papel está mojado, se va a difuminar. Y desgraciadamente, porque me estaba concentrando tanto en la pintura y acertando esa técnica, me olvidé de presionar un acorde en ese punto Pero se puede ver cómo lo apliqué. Es bastante grueso. De ahí por qué hay algunas marcas de pincel seco en el borde. Pero poco a poco, notarás en ese lado izquierdo donde está el agua, se va a difuminar y ahora voy a agitarla con pigmento más húmedo con un pincel más grande Así que sí trato de explicar cuando estoy pintando fino o cuando estoy usando pigmento grueso. Pero es una práctica útil intentar trabajarla tú mismo para obligarte a pensar ello porque en realidad es entonces cuando empezarás a ver resultados en ti mismo y mejoras en tu pintura, porque tendrás una comprensión de cómo funciona el medio para ti mismo. De igual manera, a la hora de seleccionar y mezclar colores, tuve que mirar hacia arriba cuando estaba empezando, tuve que buscar exactamente qué colores hacen qué. Pero ahora puedo mirar cualquier tema o cualquier pintura y averiguar cómo puedo mezclar eso con estos colores. Tengo en mi paleta. Entonces ahora obviamente me estoy arreglando el pelo o el fondo. Es bastante ambiguo por el momento porque quiero crear algunas texturas emocionantes Y mi esquema de color es este verde turquesa. Entonces voy a usar toda una gama de diferentes greens en esto y blues. Pero puedes explorar diferentes colores. Si el verde no es el color para ti, puedes intentar usar morado o azul o incluso naranja, sea cual sea el color que quieras experimentar rosa. Se puede ver que he creado algunos goteos artificiales a la izquierda Normalmente trataría de crear eso orgánicamente inclinando mi papel y, como, tocando el lienzo sobre la mesa para permitir que los goteos se caigan Pero no pude conseguir el ángulo correcto de la cámara para ponerla en cámara en el metraje. Entonces los pinté en mí mismo. Puedes explorarlo tú mismo si quieres, y estaré encantado de emocionarme de ver tus resultados si lo haces. Ahora puedes ver cómo poco a poco estamos construyendo el tono de tonos claros a medios. Todavía estamos en medios tonos por el momento. Y también voy a pintar el cabello en capas. Así que hemos pintado la izquierda para su primera capa, y volveremos a eso más adelante para hacerla más dinámica y darle más definición. Ahora trabajando hacia abajo sobre el ojo izquierdo de arriba a abajo. Vamos a tener que crear la ilusión de profundidad, y lo hacemos usando sombras. Pero está un poco demasiado húmedo, así que me muevo. Entonces agrego estos pocos mechones de cabello, líneas con curvas y remolinos, prácticamente coincidentes con el mismo tono que el resto del cabello, entrecruzándose 9. 4 estados de la humedad del papel: Ahora puedo empezar a trabajar en ese ojo otra vez. Porque puedo decir si el papel está reluciente, entonces está demasiado mojado. Entonces necesito permitir que el agua se absorba adecuadamente en la pintura para que no tenga ese brillo. Pero todavía está mojado. Se nota que ahí hay humedad de asiento, pero tendrás más control cuando solo esté medio mojado. Nuevamente, es difícil poner estos conceptos abstractos en palabras, realmente, pero generalmente hay cuatro o cinco niveles de humedad. De papel, y cada nivel crea diferentes efectos. Cuando el papel está en su punto más húmedo, cuando está completamente saturado de agua, esto permite que los colores fluyan libremente y se mezclen entre sí con facilidad Entonces este estado es ideal para crear esos gradientes suaves y lavados como estaba hablando antes Es perfecto para establecer los tonos iniciales y establecer el estado de ánimo general de la pintura Sin embargo, el control puede ser un desafío ya que la pintura tiende a extenderse salvajemente Entonces el siguiente nivel es húmedo, que es, por supuesto, un poco menos húmedo que el estado completamente saturado, pero aún tiene suficiente humedad para permitir que los colores se mezclen suavemente a la vez que ofrece Este nivel es excelente para agregar capas y construir colores sin perder los efectos de pintura inferior Es un equilibrio delicado, pero muy versátil para entre capas. Entonces tenemos papel húmedo, que tiene humedad mínima. Y suele ser consistente con un brillo suave sin que el agua se acueste alrededor Entonces, si miras tu papel desde un ángulo, puedes ver que es un brillo suave en lugar de una superficie completamente reflectante Y este estado es perfecto para agregar detalles finos y sutiles efectos texturales, como lo he estado haciendo alrededor de la nariz, como lo haré alrededor de los ojos, la pintura solo se extenderá ligeramente, por lo que permite precisión sin los bordes duros que vienen con papel seco Y con papel seco, obviamente ofrece el más alto nivel de control. La pintura con pincel seco permite textura muy clara a líneas finas y detalles, y los colores permanecen exactamente donde los coloca, lo que obviamente es ideal para bordes afilados y detalles finales. Se puede ver con estas líneas, el papel está húmedo y húmedo. Entonces pienso entre esas cuatro líneas porque realmente, hay tantos niveles diferentes de humedad y papel, pero para minimalizarlos y hacerlo más simple, solo podemos pensar en ellos en esas cuatro etapas húmedas, húmedas, húmedas y secas Y eso es lo que me pasa por la mente. Lo desgloso en esos cuatro para que sea sencillo, así puedo referirme a los que tengo en mente, y sé qué esperar en cada uno de esos niveles. A medida que pintamos, nos movemos por diferentes etapas. que solemos comenzar, por supuesto, con técnicas húmedas para establecer una base. Y luego obviamente nos movemos de la humedad y luego humedad para más refinación y detalles a medida que avanzamos. Y luego una vez hechas esas capas, entonces pasamos a la segunda capa. Por supuesto, algunas capas como el pelo de la izquierda, el fondo, no necesitamos hacer mucho refinamiento. Entonces después de eso estaba húmedo y luego húmedo, como que lo dejamos secar por sí solo. Y áreas donde se necesitan grandes gradientes y grandes sombreados Eso sólo se puede hacer cuando está húmedo. Tampoco se puede hacer eso cuando está húmedo porque el pigmento no se moverá lo suficiente. A veces es útil tener una botella de spray. Tengo uno aquí, y lo he usado de vez en cuando solo para re zonas húmedas si se secan demasiado rápido. Por lo que observar el brillo en el papel te ayudará a medir su humedad y predecir mejor cómo interactuará con nuevas capas y 10. El ojo izquierdo: Podría explicarte exactamente lo que estoy haciendo línea por línea, trazo a trazo. Pero también creo que me será útil explicarte mi proceso de pensamiento para que puedas entender la forma en que pienso sobre cómo interactúo con los pigmentos y el agua y el papel. Para que puedas abordarlo a tu manera y adaptar lo que quieras para adaptarlo a tu propio estilo. Porque si tuviera que mencionar que estoy agregando una mezcla de tinte neutro con azul cobalto sobre papel húmedo con una textura mantecosa, entonces me gustaría que entendieras a qué me refiero exactamente con papel húmedo o papel húmedo y lo que puedes lograr con eso o qué pigmento como mantequilla se compara con un pigmento parecido al café o té Porque los colores que estoy usando son en realidad una parte muy pequeña de lo que se necesita para pintar. Cuando empecé a pintar, y creo que puedo ver a muchos estudiantes principiantes pensando de la misma manera es que mezclar los colores es lo más importante. Tener saber qué colores usa un artista y luego cómo mezclar cierto color requiere mucho enfoque para alguien que está comenzando. Pero en realidad, el tono y la consistencia es más importante. Entonces creo que sería más útil para mí explicarte la naturaleza general de la acuarela en lugar los pigmentos específicos que estoy usando. Porque, por ejemplo, este verde que estoy usando ahora, podría ser verde viridiana que estoy usando Pero también podría mezclarlo yo mismo usando azul turquesa, y un poco de ocha amarilla que tengo en mi paleta también Hablemos un poco de las pestañas. Para que puedan ver, primero pinté las sombras de las pestañas, y las sombras se ajustan al tipo de ángulo de ese pómulo alto Están ligeramente inclinados. Y esperé a que eso se secara completamente, y luego me mudé a este pequeño pincel, donde puedo aplicar una especie de textura de pincel seco, líneas muy finas, curvas. Y hasta el momento, es una de las únicas partes de la pintura donde he añadido ese tipo de detalle. El resto es todo tipo de mezcla en lugar de muchas líneas delgadas. Y luego a la hora de pintar el ojo, primero pinté los trozos blancos del ojo. Por supuesto, en realidad no son blancos. Pero pinté una especie de profundidad de ellas sombras más oscuras en los bordes y más claras en el centro. Y me aseguré de que estuviera completamente seco antes de pintar el iris. Y es algo similar con el iris. Lo mojé todo y luego pigmento alrededor del borde para mezclarlo suavemente hacia adentro Y luego esperé un poco más, y ahora estoy agregando este pigmento oscuro oscuro. Y este papel sólo está ligeramente húmedo, por lo que mantendrá su forma. La pupila del ojo, la fosa negra, mantendrá su forma, pero quiero que sea agradable y suave en el borde Y de hecho, en la parte superior de la pupila donde se encuentra con la parte superior del ojo, quiero que se mezcle con esa sombra La paciencia es una de las cosas más importantes en acuarela. Y eso es algo con lo que he tenido que aprender a lidiar porque a veces sabes lo que tienes que hacer, pero simplemente no puedes hacerlo porque el papel está demasiado húmedo o está demasiado seco. Así que solo tienes que esperar un poco más o tienes que volver a secarlo o rociarlo con el spray de agua dos. 11. Comienza con el cabello: Si encuentras que tus líneas son demasiado duras, siempre puedes volver atrás y volver a suavizarlas, fregándolas con un poco de agua o pigmento como lo estoy haciendo ahora Quiero que la mitad superior de la pupila sea un poco más suave. Así que en realidad estoy agregando un poco más de pigmento en la capa del borde solo para ablandarla. Ahora, voy a succionar un poco de pigmento de la parte inferior usando un cepillo limpio, fregando en la parte inferior, solo para que quede claro en la parte inferior y oscuro en la parte superior Añadiendo un poco más de sombra por encima del ojo y debajo de la ceja mientras se seca, y ahora voy a tomar un poco de acuarela blanca o gouache blanca y muy precisamente agregar un par de Y estos puntos blancos cuando están bien posicionados, dan la ilusión de un ojo mojado porque están reflejando las luces nítidas. No necesitamos mucho, esos dos puntos hacen el truco. Ahora solo estoy suavizando este borde para darle un poco más de ilusión de curva. Ahora podemos empezar a pensar en una sección completamente diferente. Vamos a agregar otra capa al cabello de la izquierda porque ese ojo izquierdo ya está hecho. Entonces estoy mezclando algún pigmento muy espeso, algo negro y azul. Bueno, en realidad, es más una turquesa. Es un azul muy verdoso. Y estoy usando la capa inferior para pintar negativamente algunos reflejos, en realidad. Voy a mezclarlo a medida que trabajemos más abajo. Estoy usando la punta de mi pincel. Para conservar algunos de esos colores de fondo y trabajarlo en esos pequeños mechones de cabello que hicimos en la frente, unos aerosoles de la pistola de agua, solo para encenderla, reencenderla porque era pigmento grueso se seca más rápido obviamente que el pigmento altamente diluido Entonces si quiero mezclarlo, necesito reactivarlo con un poco más de agua, darle un poco más de vida Usa un poco de agua pura a la izquierda. No quiero agitar lo que ya hemos hecho. Yo sólo quiero que se mezcle. Por lo que es bastante difícil de ver con el reflejo de la luz. Pero yo uso agua pura ahí solo para crear un borde suave, una transición suave de esa oscuridad a la verde de abajo. Y entonces, como dije antes, mientras esperamos que se seque, podemos aprovechar los diferentes niveles de humedad. Ahora voy a tomar un secador de pelo para secarlo completamente para ver qué tenemos, a qué nos enfrentamos. Y ahí se puede ver cómo se ha ido el reflejo, cómo se mezcla mientras se mantiene el flujo y la dirección. 12. Detalles vs. abstracción: Lo que realmente me emociona de pintar retratos en acuarela es la interacción entre la precisión y abstracción y cómo eleva la pintura no solo de una mera semejanza a una pieza que en realidad tiene un emoción y resuena un poco más con el público o los espectadores Y una de las formas más llamativas lograrlo es a través del contraste entre rasgos finamente detallados como los ojos y la nariz y la boca que estamos haciendo más tarde, y luego el tratamiento expresivo más abstracto del cabello en el fondo como lo estamos haciendo ahora. Entonces este efecto dinámico, esto crea una profundidad visual que realmente puede cautivar y enganchar Entonces ahora estamos trabajando en ese cabello expresivo en este momento. Estamos contrastando la precisión de los rasgos faciales y el fondo y el cabello, lo estamos tratando de una manera más abstracta, suelta. Y este enfoque no sólo resalta el rostro del sujeto al enmarcarlo dentro de un tipo fluido de rango dinámico de trazos, sino que además agrega una calidad artística casi eeeal a la pintura Entonces el pelo y el fondo, estamos ejecutando con esta técnica de mojado sobre mojado. Estamos permitiendo que los colores se mezclen libremente en el papel. Estamos usando formas orgánicas, y de hecho, estamos usando mezclas de colores bastante impredecibles, pesar de que todo está en el reino del verde. Eso es una especie de color central, pero estamos agregando un poco de azul en. Más tarde estaremos agregando un poco de ocre amarillo, así que realmente estamos explorando y siendo aventureros con Por lo que este enfoque ex estructurado puede sugerir movimiento y emoción. Entonces agrega una capa de interpretación más allá de lo literal. Yo solo lo trae más que un simple intento realista porque a pesar de que estamos tratando de agregar detalles en los rasgos faciales, mi objetivo no es en realidad convertirlo en un retrato realista. Ya sabes, la precisión en los rasgos faciales solo sirve realmente como punto de anclaje. Y eso es para cualquier retrato. Atrae primero al espectador y le permite conectarse con el sujeto a nivel personal. Así que el minucioso detalle en los ojos, los labios, y los tonos de piel, capta la semejanza, pero también las emociones sutiles y la personalidad del sujeto Por lo que estos detalles sí requieren una mano controlada y una aplicación reflexiva. Es más del lado pensante del cerebro que del lado lúdico del cerebro. Déjame simplemente interponer aquí mismo ya que estoy agregando un poco de gouache blanco ahí, pero la estoy manteniendo muy diluida o ligeramente diluida No es muy gruesa para que coincida con el mismo tono que la capa inferior. No quiero que sea blanco puro. Entonces volviendo a lo que estaba diciendo antes, la clave de este enfoque es el equilibrio. Las características claramente definidas deben mezclarse a la perfección en las partes más fluidas de la pintura sin que una eclipse a la otra Los elementos abstractos deben realzar y no distraer de los puntos vocales a enfrentar Y este equilibrio se puede lograr eligiendo cuidadosamente dónde colocar los elementos de detalle y dónde dejar que la pintura fluya más libremente. El uso de color, tono e incluso trazos direccionales pueden ayudar a guiar el ojo suavemente a través de las diferentes áreas de la pintura. Muchos de los mechones de cabello son bastante intencionales con la forma en que fluyen como esos mechones ahí. Ahora estamos pasando a los labios, y estoy usando rojo camium para eso, el rojo más vibrante Me vendría bien una pizca de rosa ópera. No vamos a usar un rojo muy vibrante porque se verá fuera de lugar, pero ya verás a medida que se seca, va a ser un poco más sometido. 13. Los labios: Pintar los labios puede ser bastante desalentador y desafiante, pero eso no significa que no pueda ser divertido al mismo tiempo Es como todo. Estamos abordando muchos temas diferentes, y todos ellos tienen sus cualidades únicas que son divertidas de expresar Un poco agradable de prueba y ejercicio, de verdad. Estoy tratando de descomponerlo en escalones más pequeños. Entonces por el momento, se ve bastante plano. Hemos tomado ese tipo de rojo anaranjado, y acabamos de agregar sutiles codazos de otros colores ahí, especialmente alrededor de los A medida que empieza a secarse, podemos empezar a pinchar un poco más de un pigmento más oscuro alrededor del borde para que empiece a tener un poco más de volumen Se puede buscar alguna anatomía. Es decir, en realidad nunca he estudiado anatomía tan a fondo. Pero a través de pintar y dibujar tantos rasgos faciales, como que tengo una idea en mi mente sobre el proceso de la misma. La estructura básica de los labios. Entonces obviamente hay más en los labios que solo el contorno. Tenemos que considerar el volumen, los pliegues, cómo se curvan naturalmente alrededor de los dientes y las encías Y esta comprensión ayuda a pintarlas con un aspecto más natural y expresivo. Como dije antes, el rojo es un color complementario al verde, y el verde es el color principal en este, la principal fuente de color. Entonces elegí este rojo ya que es una declaración bastante contundente que contrasta con ese verde ve bien juntos, pero cuando se trata que elijas un color y tu combinación de colores, puedes pensar en colores complementarios u otras direcciones que quizás quieras bajar. Elegir el color correcto de los labios es una declaración muy personal, de verdad. No son solo de un color plano también. Tienes que pensar en las variaciones que puedes incluir ahí, ya sea rojo, rosa, morado, incluso azul y naranjas para contrastar en los oscuros y el sombreado Ya sabes, para un look natural, podrías comenzar con un color base más claro, como hice aquí y poco a poco agregar tonos más oscuros a las esquinas y la línea donde se encuentran los labios. Poco a poco vamos agregando un poco más de profundidad y realismo a medida que continuamos. Definitivamente hay un punto dulce a la hora crear volumen y tono en acuarela, y se encuentra en algún lugar entre papel húmedo y seco. También podrías sería una idea muy útil, y algo que yo también he hecho, es practicar estas características independientemente de ellas mismas. Entonces, si te sientes demasiado abrumado para hacer todo el cuadro, tal vez puedas dividirlo, puedes mirar al ojo izquierdo y simplemente hacer una pintura de cerca de eso en una hoja de papel más grande o la nariz o los labios Podrías simplemente crear un pequeño borde con cinta adhesiva y solo enfocarte en los labios y luego unirlo. Estoy tratando de agregar un poco más de estructura alrededor de la barbilla ahora. A pesar de que todavía planeo pintar los labios. Aún no he terminado los labios. Necesito hacer esta capa inferior primero porque es todo interactivo Todo se mezcla de alguna manera. Hay una conexión perfecta. Y sé que si hago mis oscuros más oscuros de los labios, será imposible hacer la pintura debajo 14. Consejos técnicos: Entonces te puedo dar algunos consejos técnicos que podrían ayudarte a la hora de pintar estas características. Por supuesto, las capas son un concepto fundamental de acuarela, comenzando con un lavado ligero para definir la forma general y el relleno de los labios Y a medida que se seca, agregamos formas más definidas para las áreas oscuras, y esto naturalmente acumula profundidad y crea gradación Ahora podemos ser bastante audaces como estamos ahora. Por supuesto, las zonas más oscuras son donde la luz no puede llegar, como, las comisuras de los labios y la boca y donde los dos labios tocan en el medio Entonces la primera parte fue básicamente húmeda sobre seca, y la usamos para crear bordes afilados y más control. Y es útil para adivinar los bordes y agregar detalles finos Lo usaremos nuevamente al final para crear un poco más de detalle y líneas sutiles que puedan darle un poco más de textura, como las pequeñas grietas de los labios, los reflejos de la luz. Y claro, podemos usar acristalamiento como lo hicimos antes con la nariz. Los lavados iniciales son secos y se aplican bastante finos. Pero debido a la transparencia de la acuarela, podemos hacerla un poco más oscura. Podemos oscurecer el tono y agregar volumen de esa manera. Entonces por supuesto, tenemos pincel seco, que podemos usar para posiblemente agregar más textura a los labios. Los reflejos en el labio inferior porque si miras, no hay reflejos de luz en el labio superior porque está orientado hacia abajo, pero el labio inferior refleja la luz que viene de arriba, y posiblemente podamos usar pincel seco más adelante para crear un poco más de textura allí que aparecen en la parte inferior la forma y curvatura de los labios juegan un papel importante en expresar emociones también. Los labios son tan expresivos como los ojos, realmente, porque un ligero retoque en la curva de la sonrisa o el fruncido de los labios pueden transmitir toda una gama de emociones Entonces, si prestas atención a estas pequeñas sutilezas, pueden cambiar drásticamente el estado de ánimo y el carácter de tu retrato Entonces, una vez que he agregado los tonos generales, siempre vuelvo con un cepillo limpio y húmedo, no con un cepillo húmedo para mezclar suavemente los bordes alrededor del tono de la piel. Y esto asegura que no haya líneas duras a menos que el estilo que busco lo exija. Porque queremos integrar los labios de forma natural en el rostro. No queremos que parezca que está atascado ahí. Entonces estoy buscando áreas principalmente, de nuevo, las comisuras de los labios para difuminar ahí fuera. Ahora voy a empezar a pintar la sombra en la barbilla. Y se puede ver como la luz y los tonos son bastante dinámicos. Si miras el labio superior, puedes ver que es más claro, luego está oscuro entre los labios, luego vuelve a encenderse en el labio inferior. Luego hay sombra debajo de ese labio inferior. Entonces cuando el mentón se curva, tenemos el reflejo de la luz otra vez. Y luego debajo de la barbilla ahora mismo tenemos sombra, así que va claro, oscuro, claro, oscuro. Y todo esto transmite al espectador la forma del rostro y le da la ilusión de profundidad y volumen Y dependiendo de cuán nítidas o lisas o cómo estructures o incluso esculpes estas formas, cambia el estado de ánimo y el carácter del retrato que estás 15. Forma tonal: Ahora voy a empezar a hacer un poco más de trabajo tonal en el lado derecho de la cara Y como vamos haciendo esto, voy a hablar de la consistencia de la pintura acuarela. Antes hablábamos de la humedad del papel, y ahora la consistencia de la pintura impacta significativamente cómo se comporta en el Y este es otro aspecto que cuando dominas puede potenciar en gran medida tu control y expresión en la pintura. Por supuesto, la acuarela se puede mezclar en diversas consistencias desde muy gruesa, como una pasta hasta muy delgada, como un lavado ligero. Y cada consistencia interactúa manera diferente con el papel y afecta la textura general, opacidad y fluidez de la pintura Así que comenzando con la consistencia más espesa, absolutamente nada de agua Pintura gruesa con poca o ninguna adición de agua, tiene una consistencia similar a la de la pasta, típicamente directamente del tubo. Pero incluso a veces en mi paleta, es incluso más gruesa que eso. Es bastante opaico y se puede usar como lo hicimos en el lado izquierdo, para crear colores oscuros fuertes, pero también colores muy vibrantes Si estamos usando rojo camium puro, ese será un color muy brillante y fuerte Y nos da un alto control sobre los trazos porque es muy gruesa. Y además, es el mejor tipo de consistencia para usar para las marcas de pincel seco, también. Y si tuvieras esta pintura en una paleta inclinada, esta pintura ni siquiera se movería Se pegaría como pegamento. Por lo que esta consistencia es perfecta para agregar detalles finos y marcas de pincel seco e incluso un poco de trabajo de capa inferior Entonces estoy planeando usar algo de esta consistencia espesa en el lado derecho para el cabello más adelante. Y el siguiente a lo largo está ligeramente diluido. Así que la pintura ligeramente diluida tiene un poco más de fluidez que la pintura gruesa, pero aún mantiene bien su forma Sólo se moverá ligeramente sobre una paleta inclinada apenas incluso eso, si acaso , indica una textura más mantecosa Y esta consistencia es ideal para aplicaciones donde se desea tanto la intensidad del color como un poco de difusión, como definir bordes suaves o agregar volumen a objetos sin permitir que el color se extienda con demasiada libertad. Espero que no sea sobrecarga de información, y sé que no estoy hablando directamente de lo que estoy haciendo en la lona ahora mismo, pero en cierto modo, soy porque esto es lo que me pasa por la mente. No estoy necesariamente pensando en las cosas como, Oh, necesito agregar un poco de siena quemada aquí mismo Estoy pensando en la humedad del papel, estoy pensando en qué consistencia estoy usando Entonces por eso estoy hablando de consistencias ahora mismo porque ahí mismo, estoy usando medio tono Los trazos de pincel que estoy usando ahora mismo. ¿Y qué significa medio tono? Bueno, la pintura de medio tono consiste en un equilibrio entre pintura y agua, obviamente, y fluye mucho más fácil que las pinturas más gruesas de las que acabamos de hablar. Pero aún mantiene un buen nivel de control. Se movería lentamente sobre una paleta inclinada. Tendría un poco más de movimiento. A diferencia de los otros, empezaría a sangrar naturalmente hacia abajo si lo fueras a sostener en una paleta, permite trazos más amplios que comienzan a exhibir transparencia acuarela Antes de eso, el pigmento sería demasiado grueso para mostrar su transparencia, pero ahora estamos empezando a meternos en capas 16. Los párpados derechos: Así que los medios tonos son excelentes para lavados generales que requieren intensidad de color, y son útiles en áreas de pintura que necesitan un nivel medio de saturación y transiciones graduales de un color a otro, porque estamos permitiendo que el agua tenga un poco más digamos y menos control, menos control directo de nosotros, y el agua tiene más de un control, tenemos a tipo de rendirse al agua cuanto más le añadamos. Y luego después de los medios tonos, claro, es tonos cuartos, que de nuevo son, mucho más ligeros y contienen mucha más agua que la pintura. Y esta consistencia correrá libremente sobre una paleta inclinada. Y lo hace ideal para crear lavados que cubren grandes áreas sin la necesidad de colores saturados, capas inferiores como el verde grisáceo que tenemos en el lado derecho Los tonos cuartos son perfectos para establecer el estado de ánimo de una pintura con matices sutiles y principalmente, sí, elementos de fondo suaves No llaman demasiado la atención porque son más ligeros. Y muchos de los tonos en la cara también son este cuarto de tono en este momento. Entonces después de eso, tenemos los tonos más ligeros, más diluidos de todos y en realidad no hay tantos aquí porque simplemente hay muy ligero Muchos de ellos están en los tonos de piel en este momento. No hay muchos en ningún otro lugar. Los tonos más claros contienen la proporción más alta de agua a pintura Son muy fluidos y simplemente se caerían de la paleta si la tuvieras inclinado. Estos lavados se utilizan para teñir el papel. Entonces, en lugar de necesariamente usarlas directamente para un acabado final, usamos lavados ligeros para teñir, tal vez, como hice con los labios y la nariz Realmente usamos los tonos más claros para propósitos de estratificación. Digamos que terminé el cuadro, y creo que su cara está un poco pálida. No hay suficiente color ahí cuando puedo mezclar un tono muy ligero, muy diluido, usar un pincel muy grande y pintar sobre toda la cara en solo tres trazos con un pincel grande. Y para eso se usarían los tonos y lavados más claros usarían los tonos y lavados Pero podrías hacer esto fuera del retrato. Se podría pintar todo un cielo usando esta técnica usando lavados diluidos muy ligeros Realmente realza la luminosidad de la pintura acuarela. Y es lo mejor para usar a la hora de hacer capas. Si planeas hacer un montón de capas, puedes establecer una buena base para obtener más detalles. Por supuesto, hay todo un espectro desde pintura gruesa hasta pintura completamente diluida, igual que la humedad del papel de absolutamente saturado a completamente seco Entonces establecemos estos cinco niveles diferentes de consistencia para darnos una mejor idea, un ancla, un referente en el que pensar. Y eso es lo que pienso en mi cabeza cuando estoy tratando llegar a las consistencias adecuadas, porque todas tienen efectos diferentes Por control o detalle, tiendo a ir por pinturas más gruesas. Por textura o volumen, voy por pinturas ligeramente diluidas. Para transiciones suaves, voy por tonos medios para tonos de ambiente y cuarto de profundidad, y luego por ligereza, ligereza para tintes para transmitir efectos de luz sutiles, luego uso los tonos y luego por ligereza, ligereza para tintes para transmitir efectos de luz sutiles, más claros más Entonces puedes experimentar con estos y supongo que podemos hablar de armar los dos ahora, poner lo que sucede cuando pones diferentes consistencias de pintura con diferentes niveles de humedecimiento de papel 17. El ojo derecho: Ahora estoy pintando el iris y pupila en el lado derecho Y de este lado, estoy experimentando con este toque amarillo en su ojo Entonces estoy usando amarillo cadmio para lograr ese amarillo y un poco de rojo cadmio Y estoy haciendo esto no sólo para mostrarte cómo puedes incorporar otros colores, cómo puedes experimentar con diferentes gustos porque a lo mejor quieres hacer esto con azul o puedes experimentar con rojo o el morado incluso, lo que quieras. Pero también a nivel personal, solo siento que quiero crear un poco más de interés, no mantener los dos ojos luciendo simétricos, agregando este pequeño toque único de amarillo en el ojo ahí. Es el mismo enfoque que el otro ojo. Sólo estoy agregando amarillo a la mezcla. Entonces empiezo de ese amarillo, y ahora estoy mezclando ese azul turquesa que está siendo la pieza central principal y el tema central de esta pintura Y el resto de la pintura está seca. El resto del ojo está seco. Para que veas cuando agrego en este iris, no se desangra porque quiero que haya una línea dura. No quiero ir, claro, al blanco de los ojos, solo pintando en la forma general, y la mitad va a estar en sombras. Por eso he pintado la mitad de ella de verde y luego dejé la otra amarilla. Entonces estoy rellenando alrededor del borde del otro lado y usando la punta en mi cepillo para conectar los dos extremos del círculo. Déjeme continuar con lo que estaba diciendo antes. Entonces, si lo desglosamos todo y reconocemos las cinco consistencias diferentes de pigmento, consistencia espesa, ligeramente diluida, medios tonos, tonos cuartos, y tonos diluidos más claros, Y luego además de eso, consideramos los cuatro niveles de humedad del papel húmedo, húmedo, húmedo y seco, luego en realidad los juntamos, y tenemos 20 variaciones diferentes, y todo lo que haces con la acuarela cae dentro de esas 20 variaciones diferentes 20 suena como mucho, pero cuando piensas que todo en toda acuarela cae en estos 20, entonces en realidad lo hace un poco más comprenhendb porque puedes decidir lo que quieres lograr y luego puedes averiguar en qué puedes averiguar En la práctica, estas combinaciones proporcionan un kit de herramientas versátil para expresar una amplia gama de todas las visiones artísticas que desea lograr. Cada variación permite efectos específicos que se pueden reproducir de manera predecible una vez que entiendas cómo interactúan Y esta comprensión transforma lo que podría y sería, lo contrario, una abrumadora variedad de opciones. Y está dentro de una gama finamente afinada de opciones artísticas, lo que te permite manipular y explorar el medio, como te gusta. Ahora, por supuesto, 20 sigue siendo mucho, y hoy puedo repasarlos brevemente. Pero una vez que entiendes cada marca posible que puedes hacer con la acuarela, entonces la vida se vuelve mucho más fácil con la pintura. Y entonces puedes mirar cualquier marca en una pintura como si me estuviera pintando el ojo ahora mismo, y puedes ver que la pintura debe estar ligeramente húmeda pero no demasiado húmeda porque la pupila tiene un borde oscuro Y ahora lo estoy secando completamente, claro. 18. 20 estados de la acuarela: Es una buena idea. Lo he hecho muchas veces. He repasado estas 20 variaciones diferentes en papel solo para ver cómo reaccionan por mí mismo. Simplemente tomando un trozo de papel separado, usando el mismo pigmento, ya sea tinte neutro, negro, azul cobalto o carmesí alizarina , realmente no importa Podrías comenzar con papel húmedo, y luego con una consistencia espesa, dar algunos trazos sobre el papel, luego diluir ligeramente la pintura. Y luego dar algunos trazos más. Entonces reducirlo a medio tono, nuevamente, dale otro trazo, cuarto de tono, tono claro, y luego esa es toda la gama que puedes hacer de papel mojado. Luego pasa al papel húmedo. Nuevamente, comenzando con consistencia espesa, ligeramente diluida, medio tono, cuarto de tono, y luego la más ligera Se puede ver la diferencia usando papel húmedo para mojar papel, y luego pasar a papel húmedo, nuevamente, haciendo lo mismo. Notarás que cuanto más amortiguador esté el papel o al menos cuanto más cerca esté secarse mientras aún está mojado, más probabilidades hay de que ocurran accidentes cuando comienzas a aplicar medios tonos, tonos cuartos o tonos claros porque estás cargando demasiada agua pura en un papel ya húmedo. Entonces son estas pequeñas cosas que aprendes haciendo estos experimentos. Y luego, claro, con papel completamente seco, verás que hay líneas muy duras porque no hay agua en el papel, obviamente para ablandarlo Toda esta información puede parecer intimidante dependiendo de tu experiencia o nivel de habilidad Pero a medida que te sientes más cómodo con estas interacciones, comenzarás a mezclarte y cambiar entre ellas de forma automática y fluida y ampliarás tu repertorio y refinarás tu Por lo que esta profundidad de conocimiento convierte el complejo en un enfoque más intuitivo y permite enfocarse más en la intención artística y menos el misterio y la mecánica del medio. Por supuesto, hay todo lo emocionante de la acuarela es ese misterioso efecto etéreo, y aprenderás a lograr esos efectos dependiendo de estas diferentes interacciones Entonces, aunque dividiendo la acuarela en reglas, por así decirlo, lo estamos haciendo para que sepamos romper las reglas y aprovechar todos los aspectos del medio. Son más de puertas de entrada para dominar el medio, creo Porque con estos 20 estados, estás equipado para enfrentar cualquier desafío visual que se te presente desde el más delicado de los detalles hasta el más amplio de los lavados, ya sea que estés pintando una ilustración botánica nítida, detallada o un paisaje atmosférico de mal humor, estas combinaciones son los bloques de construcción que apoyarán tu expresión creativa y tus decisiones Y. 19. Cabello derecho: Entonces es una buena idea dedicar tiempo a dominarlos. Y básicamente, así es como planeo mis clases y cómo pienso sobre lo que voy a pintar en cada clase. Porque una vez que entiendes esto, no estás limitado a un tema determinado. Si miras mis clases, trato de pintar todo tipo de cosas diferentes en diferentes estilos. Y la forma en que lo hago es tratando de pensar en estos 20 estados diferentes. Y se puede ver en este momento estoy aplicando el pigmento más grueso sobre papel completamente seco porque sé exactamente qué resultado va a tener Si se diluyera, entonces no estaría bien. Y si el papel estuviera mojado, no estaría bien. Entonces tenía que estar seco y tenía que ser grueso. Estas 20 variaciones solo son relevantes para medios a base de agua como la acuarela o la gouache Realmente no conecta con pintura al óleo o acrílico. Estas son las claves para manipular la acuarela. Todo lo demás es relevante para otros medios. Por ejemplo, capacidad de dibujo. Eso es importante. Sea cual sea el medio que estés pintando en color y tono, eso también es relevante para otros medios Algunas otras cosas que son exclusivas de la acuarela es la velocidad a la que se seca. El aceite e incluso los acrílicos, si se usan densamente, tardan mucho en secarse Entonces hay que estar al tanto y planear para ese tipo de cosas. Pero la acuarela permite capas rápidas, ajustes rápidos, y exige un ritmo de trabajo más rápido y acciones más decisivas, lo que puede ser igualmente estimulante, pero también bastante intimidante pero también bastante intimidante Y, por supuesto, una de las cosas que más me gusta acuarela es la reactabilidad de la misma El hecho de que puedes rehumedecerlo una vez que esté seco, reelaborarlo y manipularlo Podemos levantar el color, podemos mezclar bordes. Incluso 20 años después si alguna vez quisimos hacer eso. Así que ahora hemos rematado el ojo, básicamente hemos hecho todos los detalles principales. Podemos relajarnos y divertirnos un poco haciendo el pelo del lado derecho y el cuello y los hombros. Estoy tratando de ser un poco más dinámico con estos mechones de cabello. Es un difícil equilibrio entre pensar demasiado y seguir haciéndolo visualmente correcto El objetivo es capturar el flujo natural y el movimiento del cabello usando trazos sueltos y fluidos que sugieran el movimiento en lugar de detallar meticulosamente cada hebra Por eso he agrupado algunos de los hilos. No son pelos individuales, y ahí hay un rango de grosor. Algunos de ellos son más delgados, algunos son más gruesos, algunos son más oscuros, algunos son más claros, algunos de ellos un poco más grises, algunos son un poco más vibrantes Y se puede ver cómo los he estratificado. Empecé con un poco más de un color monótona más ligero, tenaz, y ahora voy a repasar con un poco más vibrante Porque eso crea un poco más de profundidad, un poco más de volumen, y una sensación de movimiento y vitalidad, también Estoy tratando de pensar en la dirección a donde va, y lo planeo en mi mente antes de comprometerlo al papel porque me estoy enfocando en esa dirección de donde cae el cabello, donde el área de luz golpea tal vez. A lo mejor voy a volver con reflejos más tarde donde podrían formarse las sombras. Y. hice algunos bocetos experimentales antes de esto porque es una buena idea tener una idea completa de lo que estás haciendo antes de comenzar una pintura No creo que muchos artistas tengan la confianza suficiente para entrar en una pintura sin tener una idea o concepto completo de lo que quieren lograr. Y en los bocetos, trabajo ciertos detalles o toques que quiero ¿Lo quiero el pelo lacio? ¿Quiero que haya el pelo muy rizado, o quiero que esté un poco ondulado? Me parece ondulado es lo más fácil 20. La importancia de los bocetos: Si estás planeando componer una pintura tú mismo o experimentar con algo con lo que no estás familiarizado, es muy importante hacer algunos bocetos de práctica antes de poner pintura en Le permite explorar diferentes composiciones, comprender el equilibrio de elementos y abordar cualquier desafío potencial en el diseño. Al esbozar primero tus ideas, también puede ayudar a fortalecer y visualizar cómo interactuarán los colores y las formas, incluso si se trata de un boceto a lápiz en blanco y negro, claro Aún puedes tener una idea. Aún puedes ayudar a visualizar lo que quieres lograr. Porque la acuarela es muy impredecible. Entonces, al tener esa comprensión, sabremos dónde podríamos querer tener el papel húmedo o el pigmento grueso o delgado. Y entonces esos bocetos sirven como hoja de ruta. Proporcionan una referencia, y pueden mantenerte enfocado y evitar errores comunes que, ya sabes, podrían cometerse al sumergirte directamente en una pintura sin un plan. No tienen que ser demasiado detallados, ni consumir mucho tiempo. Simplemente capturan sus formas centrales y la distribución básica de valores o cualquier pequeño elemento especial que quieras incluir. Y por supuesto, esto impulsará tu confianza y mejorará la calidad de tu pieza final. Como tendrás un sentido de dirección más claro, te sentirás menos intimidado por todo el asunto Y sentí a lo largo de los años, siempre caigo en la trampa de pintar a veces sin boceto. Un día, simplemente siento que tengo confianza suficiente para darle una oportunidad sin un boceto, y siempre me arrepiento porque pierdo el sentido de la dirección a mitad de la pintura, y la pintura simplemente pierde algo porque parece un poco perdida Y es simplemente algo natural de hacer, incluso los maestros, los grandes maestros a lo largo de la era de la creación artística, siempre hicieron estos bocetos preparatorios Entonces es una cosa útil y divertida de hacer. Y al final del día, mejora tu capacidad de bosquejar, lo cual es fundamental para pintar de todos modos Por lo que ahora se mueve hacia el lado izquierdo del cuello. Estoy aplicando una especie de lavado de medio tono cuarto tono. Y voy a reactivar ese pigmento espeso que agregamos antes. Lo bueno de la acuarela, por supuesto, es la capacidad de reactivarla. Entonces así es como vamos a conseguir un bonito poco mezclado de borde suave. Asegurándome de usar la punta del cepillo, no pasar por encima de la línea de la barbilla y conectarlo con el lado derecho. Agitando el pigmento ahí y agregando un poco de siena quemada, solo un poco de influencia de la siena quemada Puedes ver, si miras cuidadosamente alrededor de mi pintura en este momento, intenta buscar áreas donde haya agregado pequeñas influencias de otros colores a la mezcla principal. Así que el verde es, por supuesto, el color principal, pero podría haber añadido un poco de azul o morado ahí. Por el momento, estoy agregando siena quemada, y ahora se ve bastante vívida Pero como el papel todavía está húmedo, se mezclará y vendrá tenue y se mezclará, y no será tan obvio Siento que tuve que agregar un poco de esa siena quemada porque estamos pintando el cuello, después de todo, y tiene que haber un poco más de tono de piel ahí dentro Pero aparte de eso, esta área es muy abstracta. Estoy usando líneas para forzar la dirección y también algunos tonos. Pero aparte de eso, es bastante abstracto. 21. El cuello y el collar: Ahora, yo diría que el cuello en este momento, está húmedo húmedo. Y solo estoy aplicando medio tono ahí, dejándolo caer ahí. Y debido a que es medio tono, ahí hay bastante agua en lugar de pigmento. Entonces va a salir un poco, un poquito de coliflor . No va a agregar mucho tono. De hecho, va a hacerlo un poco más ligero. Y puedes ver que está acelerada, es más fácil verlo. Y cuando agrego estas salpicaduras de agua pura, se puede ver cómo eso realmente la afecta, eso aleja el pigmento. Y crea mucha textura. Pero porque el papel ya estaba bastante mojado, pesar de que las salpicaduras se van a desvanecer un poco, consiguiendo el pañuelo y secando esta zona para que pueda pintar algunas líneas de cabello más usando el secador de pelo para secarlo completamente, realmente, al menos en el lado derecho Ahora bien, el papel es bastante desigual en lo húmedo y húmedo que está. Algunas áreas están completamente secas alrededor del cuello, y algunas áreas están completamente mojadas alrededor del cuello, y eso va a crear toda una gama de texturas diferentes y lo hace bastante interesante y dinámico. A veces hago eso. Yo uso el secador de pelo en medio de un lavado para que algunas zonas estén mojadas y algunas zonas estén secas en zonas donde quiero que sea abstracta. Por supuesto, si quisiera ser agradable y limpio, entonces se vería muy feo. Pero ese es el objetivo de la acuarela. Estamos aprovechando diferentes estados de pintura y agua en diferentes áreas. Parece que la cabeza está flotando, así que estoy agregando un poco más de pigmento para intentar conectarla para anclarla hacia abajo en el cuello. Estoy agregando un poco más de tono para que coincida con los tonos del cabello y las líneas direccionales del cuello. Ahora que el papel está más húmedo que húmedo, las líneas y formas se mantendrán un poco más. Los trazos de pincel mantendrán su forma en lugar de desvanecerse por completo. U. Entonces la pintura viene hacia el final ahora. Solo estamos agregando estas marcas expresivas, secándolas completamente para hacer una segunda capa de expresión en la parte superior. Ahora estoy usando un tipo de verde completamente diferente, este tipo de verde lima, que es una especie de verde cálido en comparación con el otro verde que hemos estado usando. El otro verde ha estado bastante más cerca del azul en la rueda de colores. Ahora estamos usando un verde que está más cerca del amarillo. Entonces ahora estoy pintando más oscuro de este lado. Entonces es un poco más como un collar, un collar que va alrededor del cuello, y que ayuda a rectificarlo. Hace que la cabeza se vea menos como si estuviera flotando. Usando agua muy diluida, agua pura en el fondo para ayudar a mezclarla un poco. No estoy tratando de estar limpio en absoluto en esta etapa, de verdad. Estoy tratando de mantener los tonos correctos, pero en términos de bordes y ejecución, no me importa si todo está un poco desordenado Quiero que el enfoque y claridad estén en los detalles de la cara. Así que estoy bastante feliz siendo un poco más sugerente aquí abajo. 22. Toques finales: Cuando se trata de ser sugerente y expresivo así, es fácil perderse un poco porque estamos siendo un poco más abiertos a la interpretación Entonces a veces solo doy un paso atrás, unos momentos para simplemente detenerme en él, secarlo por completo, y solo pensar en lo que voy a hacer a continuación. Creo que tenemos muchas líneas suaves, así que ahora voy a volver en papel seco para conseguir unas líneas más duras. Pero incluso con estas líneas duras, no quiero que estén demasiado limpias y definidas. Así que los voy a desbastar un poco con unas cuantas salpicaduras de agua o un pañuelo de papel o fregarlo un poco con el cepillo Ahora estoy agregando algunas salpicaduras. Estoy asegurándome de que haya suficiente pigmento y agua en mi pincel e inclinándolo perpendicular al papel, así que lo alienta a que simplemente se caiga sobre allí Y estoy usando un poco de tittoo para llevar donde es un poco excesivo Debido a que se diluye con mucha agua, parece que es más oscuro de lo que es. Pero cuando se evapore y se seque, se verán mucho más ligeros Dependiendo del pigmento que estés usando, claro. No quiero que estas salpicaduras distraigan demasiado. A mí me gusta agregar salpicaduras porque son de diferentes tamaños, y por eso, da una ilusión de espacio y profundidad Ahora estoy usando gouache blanco para el último paso de la pintura, y eso está repasando, creando algunos reflejos En un mundo perfecto, no tendríamos que hacer esto. Entonces digo eso porque estoy tratando de no ser excesivo con estos reflejos. Sólo estoy tratando de usarlos en pequeñas áreas diminutas. No quiero que sean obvias en absoluto. Añadiendo a ciertas áreas de nitidez. Unos puntitos y trazos. Simplemente continuando y refinando ciertas líneas que no pude lograr cuando estamos agregando el pigmento regular o trayendo de vuelta algunas de las luces que perdimos por accidente. Y ahora podemos quitarle la cinta. 23. Reflexiones finales: Enhorabuena por completar esta expresiva clase de retrato en acuarela. Espero que hayas encontrado inspiración en la rica tonalidad y versatilidad de las acuarelas para crear un retrato que sea un motivo ya que es hermoso Hemos explorado técnicas avanzadas, capas de color, mezcla y creación de texturas que reflejan la naturaleza compleja de la expresión humana Sigue practicando estas técnicas para refinar tus habilidades y desarrollar tu estilo único. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skill Share también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skill Share. Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes avisarme sobre cualquier tema, vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguir Utop para que pueda seguirme en compartir habilidades Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero con ansias ver todo el increíble retrato que creas, y muchas gracias por acompañarme con esta clase hasta la próxima vez. Adiós por ahora.