Producción musical en Ableton Live: aprende a producir música en cualquier género

1. Introducción a la producción y arreglos musicales: Producir es el arte de dar vida a una pieza musical. Es a través del proceso de producción que puedes llevar la misma canción a mundos completamente diferentes. Tipo tipo. En esta clase, aprenderás la estructura de la canción, así como los diferentes enfoques para producir una canción. Cubriremos técnicas avanzadas de producción como contraste y capas para asegurarnos de que tu canción sea impresionante en todo momento. Producir y arreglar es la diferencia de tener una versión de balada acústica de una canción a tener una versión de EDM Dance Hall banger de la misma Yo soy Benza Maman. Soy licenciada en composición musical, y he estado trabajando detrás escena en la industria musical desde 2010. He escrito y producido canciones para innumerables artistas, y he tenido el privilegio de trabajar con los escritores y productores de artistas como Taylor Swift, Paul McCartney, Luke Combs y Many More Recientemente, incluso he conseguido millones de transmisiones, reproducciones y algunos videos virales propios. Y no puedo esperar para compartir esta década de conocimiento contigo. producción increíble puede cambiar completamente una pieza musical, y te mostraremos cómo puedes tener una versión sintetizadora de los 80 de una canción O una versión orquestal de la misma canción y viceversa. Y con sólo producir una canción de manera diferente puede ser la diferencia de una canción mediocre a una canción exitosa Esta clase está diseñada para equiparte con las herramientas y conocimientos para llevar tu música al siguiente nivel. Ya sea que estés empezando o tratando de refinar tus habilidades, estoy aquí para guiarte cada paso del camino. Y no te preocupes. Lo mantendremos atractivo y sencillo con muchos consejos prácticos que puedes aplicar de inmediato. Yo uso Ableton Live, pero las herramientas y técnicas que imparto en esta clase se pueden aplicar a cualquier software de producción musical La tarea de esta clase es seguir y producir una canción propia. Entonces, si estás listo para abrir las puertas de la producción musical, entonces vamos a sumergirnos y comenzar. 2. Estructura básica de canciones: Bienvenido al capítulo de arreglos y producción. Aquí es donde juntamos todo lo que hemos aprendido y hacemos nuestras propias canciones. Entonces, sin más preámbulos, saltemos a la derecha. Empezaremos hablando de la estructura básica de la canción. AB es la estructura más básica y común a través del género y el tiempo. De la música clásica a la música pop y EDM. En Pop, tendrás coro de versos. A B. En EDM, clásicamente tienes Build Puedes tener A B A B, que es verso coro verso coro o Build Drop Build Si tienes dos secciones, tienes una canción. Entonces en la composición de canciones, si tienes dos melodías, tienes una canción porque una melodía sería tu verso Otra melodía sería tu coro. Ahí de pronto tenemos una pieza musical porque puedes ir verso Coro verso Coro y puedes terminarlo si quieres Entonces, es importante comenzar a envolver tu cabeza alrededor de la estructura para saber si tienes una idea, tienes parte de una canción. ¿A dónde quiere ir? ¿Qué más quieres que haga? Y a veces he tenido partes de canciones donde solo tengo una parte, y realmente no puedo entender a qué quiere batir la siguiente parte. Eso está totalmente bien si solo tienes una parte, y simplemente no puedes entender a qué quiere vencer esa siguiente parte. ¿Sabes? A veces es posible que solo necesites una parte. No lo sé. Hay todas estas reglas que están destinadas a romperse. Pero otras veces podrías tener solo una parte de una canción, y solo tienes que dejar que se enfríe un rato, porque he tenido canciones como esa donde estoy como, Whoa, esta parte realmente genial, esta melodía, esta una parte, y simplemente no puedo encontrar otra parte para ella Y simplemente lo dejé enfriar, y luego vuelvo a ello más tarde, y luego se presenta otra parte. Entonces, a veces ese es el caso. Eso no es gran cosa. Con la música, es muy importante seguir creando continuamente, haciendo continuamente cosas nuevas para que nunca te vuelvas demasiado precioso y demasiado atascado en una idea. Estructura de la canción, toma un tiempo integrarse en ti, pero pronto solo será visceral. Sólo lo sabrás. Simplemente lo sentirás. Y cuando empieces a prestar atención a la estructura, cuando escuches música, se filtrará en tu propia creación musical Así que al igual que con todo, te recomiendo encarecidamente que cada vez que escuches una canción, intentes estar al tanto de la estructura. Ya sabes, ¿qué partes están pasando? ¿Es verso coro verso coro? ¿Es Bilrop, build drop? ¿Es alguna versión única? Porque algunas canciones le tendrán un giro único. Serán un verso, un coro, y luego alguna otra parte, y luego otro verso y un coro, y luego tal vez, como, un puente Y así, cuanto más empieces a prestar atención a estas cosas, más tienes que sacar de tu cinturón de herramientas musicales, porque cuando estés inspirado y estés escribiendo, más de estas estructuras de canciones que están en tu cabeza, podrás ser como, Bien, bueno, ya sabes, Daf Punk hizo este tipo de parte extra en tres cuartos a través de su canción que me gustó mucho, y mi canción tal vez sea similar o tal vez no similar a la de ellos, pero tal vez voy a probar esa idea en mi canción Y ese tipo de pensar y combinar diferentes tipos de géneros es exactamente lo que deberías estar haciendo. 3. Estructura avanzada de canciones: Ahora, hablemos de la estructura avanzada de la canción. Entonces estructura básica de la canción, A, B, dos partes diferentes que podrían repetirse sobre sí mismas. La estructura avanzada de la canción embellece en ese patrón. La fórmula clásica del pop es el coro verso coro verso Coro Puente. Esa es la fórmula clásica probada y verdadera para una canción pop. Otra forma de ver eso podría ser A, B, coro verso, A, B, coro verso, C B. Coro puente. Pero eso es un poco confuso con C siendo coro y B siendo puente Y así puedes pensar en estos como quieras, y cualesquiera que sean los símbolos que estés usando para recordar estos patrones, solo mantén algo de consistencia, para que no te confundas. música pop moderna ha embellecido en el verso coro verso coro puente coro, porque la mayoría de las canciones pop modernas tienen algo Va verso, coro pre coro. Y entonces eso suele repetir verso, coro pre coro, y luego puedes hacer un coro puente, o a veces simplemente harás otro pre coro y un coro, es decir, sería verso, pre coro, coro, verso, pre coro, pre coro, coro, pre Coro. Y ahí tienes. Entonces toda una canción. Las canciones en realidad se están acortando un poco en estos días, y a veces verás que ese patrón sucede. Realmente no hay una manera correcta o incorrecta de hacer esto. Pero lo que suele ser un pre coro. Es una sección que tiende a elevarse en el coro. Entonces es una parte repetitiva en la que empiezas a conseguir que canta a lo largo de ese sentimiento familiar, y luego se lanza al coro, donde ojalá estés cantando y bailando o lo que sea que la canción pretenda que No sólo hay pre coro, sino que también existe tal cosa como un post coro Ahora, vamos a escuchar un par de ejemplos de lo que esto podría ser. Puedes llamar a este post chorus un Jam o un coro B o lo que sea que tenga sentido para Yo lo llamo post coro, pero la terminología no es tan importante como entender realmente lo que es Entonces, sigamos adelante y escuchemos algunos de estos ejemplos. Entonces, aquí está Summer Breeze. Esta es una canción más antigua y tiene un gran post coro. Ver las cortinas que cuelgan en la ventana por la noche sobre desvanecimiento Pequeño muchacho brillando a través de la Házmelo saber todo. Algunos de los me hacen sentir rudo el Jazmín Algunos de los me hacen sentir bien. Ven y como en mi mente Cs pos. Entonces, su post coro es lo que realmente inicia toda la canción, que es este gancho instrumental realmente genial o este protagonista instrumental Entonces usan eso para comenzar la canción, y luego sucede después de su estribillo. Entonces es la estructura de la canción que conduce a este momento musical realmente genial. Aquí hay un ejemplo diferente de un post coro. Oh, vamos. Suerte, chica patita. Se casó con un chico. Gracias. Ella te echaría si alguna vez lo supiera. Acerca de Tú me dices que sí. Sabes que todo el mundo está hablando en la escena. Los oigo susurrar sobre el lugar. Haz tu pin. Y cómo no sabes cómo mantener limpio tu negocio. Bobby ahora está recibiendo salto. En el taller de carrocería. Haz algo vete a casa. Se dio un paso atrás mientras está drapeado. Ella lo puso. Ella lo bajó W vamos, nosotros vamos. Dejó fuera a sus hijos. W vamos, vamos nosotros. Para que pueda ponerse mal arriba la compra Doing on Así que sin embargo esta sección te golpea o la sección en esa última canción te golpea, lo que estoy tratando de señalar es que hay un momento de coro Y luego hay una parte secundaria aquí. Y en el primer ejemplo, fue una parte musical que sucedió completamente después la sección de coro que conduce a la segunda f esta canción, es una parte vocal que parece más integrada en el coro mismo, pero es casi como una parte del coro con esta melodía diferente que viene en que luego se atan con la melodía original del Entonces en esta canción, está más integrada, y ciertamente hay un argumento para decir que eso es solo el coro, pero claramente es una parte distinta y diferente Hay solos y breaks instrumentales que pueden ocurrir en prácticamente cualquier género. La era del rock clásico tuvo todos esos grandes solos de guitarra. Ahora en este nuevo tipo de época del rock indie rock. Estamos escuchando volver más solos de guitarra. Puedes tener descansos instrumentales, y podrías tener un argumento de que eso es lo pasa en la brisa de verano, como quieras llamarlo. Puedes seguir adelante y escuchar la canción Get Lucky de Daf Punk porque tienen muchas secciones diferentes interesantes a sus canciones, y en realidad es una canción muy complicada. adelante y escuchemos la canción, Get Lucky de Daf Punk y analicemos, cuáles son las diferentes secciones que escuchamos ahí. Tenemos esta intro de Jam, pequeño solo. Tenemos este Otro Diferente sentimiento intrumental, corazón. Como la leyenda de la cosa. Corus A termina con principio. ¿Qué mantiene el planeta enviando? Uh la fuerza del comienzo. Lo, el pre Corus. Llega de lejos para dar A. Quienes somos. Es el bu ir al curso s. Ella es una aficionada al hijo. Y mi cuello fon para conseguir canción. Ella es una aficionada a la buena diversión. Y mi cuello pon para tener suerte. Estamos pon n al hijo. Estamos pon neck para conseguir canción. Somos pon neck para divertirnos bien. Somos Fon neck para tener suerte. Somos Fon al lado en conseguir ho. Nos gusta el cuello para tener suerte. Somos Fon neck para tener suerte. Estamos pon neck para tener suerte. Instrumento L ámbar. El presente no tiene dar el suyo. Tu regalo guarda algunos dados. ¿Qué es solo un sentimiento? Te quieres ir yo soy ala. Ah. Llegamos muy lejos para volver. Quienes somos. Entonces como hasta el punto de la s Ella es una noche divertida para el hijo. Y una noche divertida para conseguir canción. Es una noche divertida para divertirse bien. Y una noche divertida para tener suerte. Somos una noche divertida al sol. Somos una noche divertida para conseguir s. Fuimos una noche divertida para divertirnos bien. Nos divertimos noche para tener suerte. Somos f para tener suerte. Fon noche para tener suerte. Somos noche de Fon para tener suerte. Somos noche de Fon para tener suerte. Es una divertida noche de sol. Noche divertida para conseguir algo. Ella es un curso nocturno divertido. Es divertido. Soy una noche fon para tener suerte Nosotros Fon noche del sol. Nosotros en la noche para conseguir algunos. Nosotros Fon noche para la buena diversión. Somos noche de Fon para tener suerte. Fuimos noche de Fon para conseguirnos. Nosotros Fon noche para tener suerte. Nos fon noche para tener suerte. Somos noche de Fon para tener suerte. Es una noche divertida al sol. Yo mi noche de teléfono para conseguir s es una noche de cariño para la buena diversión. Y mi teléfono n para tener suerte. Ponemos la noche al sol. Pon n para conseguir canción. Nos divertimos la noche para la buena diversión. Nos gusta ne tener la suerte. Nos gusta tener suerte. Nos gusta n tener suerte aficionado a tener suerte. Pero aficionado a tener suerte. Pudrirse gracias de nuevo. F. Pos Cy gracias de nuevo, presa. Bot gracias de nuevo. Bot gracias de nuevo. Y puedes seguir adelante y escuchar el resto de la canción por tu cuenta si quieres. Pero es útil escuchar música de esta manera, donde cada nueva sección, le estás asignando algún tipo de sello en tu cabeza Y sea cual sea esa etiqueta, no es importante, sino solo para que puedas entender. Bien, esta es una sección, y ahora, como esta nueva parte es una especie de sección diferente, pesar de que podría sentirse perfectamente integrada. Y por supuesto, tu canción quiere sentirse integrada a la perfección. Esta es una pieza bastante complicada. Teníamos esa canción veraniega de Breeze, que tuvo una jam instrumental después del estribillo. Teníamos impía, que tenía un coro, una parte, un tipo diferente de melodía, y luego volvió a su Y este tipo de tiene ambas, donde tiene un coro Luego tiene un tipo diferente de melodía, y luego tiene una parte de jam instrumental Por lo que es interesante escuchar cómo se forman estas diferentes canciones en todas las diferentes partes que conforman sus canciones. Algunas canciones pop ahora tienen melodías muy diferentes para cada verso y estructuras menos predecibles, pero generalmente un coro repetitivo Clásicamente las melodías versos eran las mismas, y se repetían Pero desde la era del hip hop y el rap, los versos ahora pueden ser muy diferentes, y a veces eso es realmente, realmente genial y atractivo y parece no repetitivo Así que la música pop es clásicamente una forma de música muy repetitiva Y hoy, cada vez es cada vez menos. Pero por lo general, el núcleo repitiendo, cantando, sintiendo coro parece ser algo que está resistiendo las pruebas del tiempo Pero también es importante experimentar, aprender qué son todas estas estructuras, y luego romper todas las reglas e intentar escribir algo que sea completamente anti estructura. Y mira cómo se siente eso, y cómo suena eso. Las etiquetas son importantes. Sin embargo las cosas tienen sentido para ti es la respuesta correcta. Tengo las diferentes cosas que yo lo llamo, pero lo importante es que solo asignes algún significado, algunos sentimientos, algún valor a estas diferentes secciones que estás escuchando en estas canciones y entiendas cómo se está creando la canción. Si percibes la música completamente diferente a la mía, eso está totalmente bien, siempre y cuando seas capaz de absorber de alguna manera las estructuras que estás escuchando para que puedas producir esas en tu propia música. Nuevamente, analiza, toca, canta, recrea tus canciones favoritas, las cubre. Aprende cómo se sienten, aprende cómo están estructurados para ayudarte a entender por qué te gustan. Cuanto más toques recrees y analices tus canciones favoritas, más empezarás a hacer música así, porque cuando estés en el momento tratando de tomar una decisión de Next, sacarás de todos tus conocimientos pasados Te sacarás de los impíos. Estarás como, ¿sabes qué? Ahora, en mi coro en mi canción, quiero hacer esa pequeña cosa de la parte B, y luego pensarás en la brisa de verano , y estarás como, y luego de eso, hagamos una pequeña parte instrumental, y luego pensarás en tener suerte, y lo harás, quiero hacer un pre coro que se eleva alto y luego baja al Cuanto más tengas flotando alrededor de tu subconsciente y tu consciente, más meterás eso en tu propia música 4. Contraste la estructura de un beat: El drama hace una buena historia, y la música es contar historias Y lo más dramático que puedes crear musicalmente es a través del contraste Entonces, en la música, usamos el contraste para contar una historia convincente. Nos encanta el contraste. Tenemos una construcción, que es la tensión subiendo y una caída. Tensión liberada. Ese es el ejemplo más simple de contraste que se me ocurra, y todo un género de música dance que solo usa construcciones y caídas, aumento de tensión y liberación de tensión. Este es el mejor ejemplo de contraste. También puedes tener un gran coro completo con un verso rebajado. Esto también es contraste. El contraste es más evidente, generalmente en la música misma. Sí, puedes tener muchas voces y cantar más fuerte en un coro y luego cantar más tranquilo en Y eso es necesario hacer. Pero en serio, tener los tambores simplemente se rompen y aguantan por una sección. Eso es mucho contraste. Tener la batería haciendo una especie de ritmo de construcción y luego entrando en un ritmo regular, haciendo que tu bajo caiga para una sección. Estos cambios musicales son muy, muy padres, sobre todo si tienes un groove que lleva a través de la mayor parte de la canción, cada vez que haces un pequeño desglose, un cambio hacia arriba. Esto realmente llama al oído y le dice a un oyente, Oh, esta es una clase diferente de sección Por lo que el contraste musical en el ritmo en la producción es súper súper importante. Por supuesto, tu coro podría tener más instrumentos y más capas, y a medida que avanza la canción, probablemente deberían Entonces tu música estará cada vez más llena y cada vez más estratificada a medida que avanza la música. Comienza un poco más descalzo, y luego al final, tenemos todo el fregadero de la cocina y toda la orquesta, y todo el pueblo está cantando el último coro juntos Algo realmente interesante en la música rap moderna es que tendrás el ritmo completo de tu batería, tus 80 pesos, y tu parte de armonía, sea lo que sea que sea. Y suelen jugar constantemente con sumar y restar los diferentes elementos para que cada vez que entra un nuevo elemento, otro elemento se salga, y continuamente estés obteniendo esa sensación de satisfacción de esa sensación de, como, los latidos cayendo porque constantemente viene un nuevo elemento Pero lo que es tan inteligente de la producción de rap beat es que entra un nuevo elemento y sacas otro elemento. Entonces no sólo te sientes como, Oh, sí, como, la batería está de vuelta o el bajo está de vuelta o las melodías atrás Pero entonces cuando estás satisfecho de que esos elementos vuelvan, se ha eliminado un nuevo elemento. Entonces están creando un bucle continuo de darte lo que quieres escuchar, porque simplemente faltaba, y eso puede seguir adelante porque sigues sacando un elemento diferente Te voy a mostrar a lo que me refiero, pero esta es una manera muy buena y sencilla de crear mucho contraste y mucha buena narración con no tantos elementos Las ds y las gotas son obviamente muy diferentes musicalmente. Entonces, cuando piensas en el contraste, quieres pensar en lleno a vacío, Energético a relajante, tensión para liberar, o incluso simplemente armónicamente disonante a consonante Solo quieres pensar en donde sea que esté tu canción, si está vacía, si está llena, si es rápida, si es lenta, si hay algún acorde disonante, donde quiera que estés, haz lo que contrasta a continuación para tu siguiente sección, y eso probablemente se sentirá como mucha retribución Por lo que analizaremos el ritmo para este post canción de Malone. Guitarras intro Probablemente pienses que estás mejor ahora. Batter y ahora. Sólo dices ese primo que no está por ahí. No alrededor. Sabes que nunca un ect te abajo. Conferencia abajo. ¿Te hubiera dado algo? ¿Te hubiera dado todo? Sabes lo dije mejor ahora. Mejor ahora. Yo sólo digo ese primo Dt de Brown. Hacer marrón. Sabes que nunca en para defraudarte. Te defraudó. Te hubiera dado cualquier cosa. Te hubiera dado todo. Guau. Eso no lo creía. Todo quedó en segundo lugar a la sierra de cama. Ni siquiera estás hablando con mis amigos. No. Conocías a mi tío y a mis tías. Los camellos Swy hacia atrás no te abrieron los ojos. Estábamos ansiosos por el resto de nuestras vidas. Solía mantener mi tono posando junto a tu cama. Ahora veo vestido El saxo como estoy rodando rodando hermanos R. Quill, L Jos J. Bebiendo, estoy tratando Pero no puedo sacar esto en mi cabeza. Probablemente pienses que estás calentando hacer batear. Entonces, puedes ver en esa canción, es una táctica bastante simple de simplemente darte el ritmo completo y luego quitártelo y luego devolverlo y luego quitártelo y luego devolverlo Y esa es una manera bastante efectiva de crear continuamente contraste, siempre y cuando no sea aburrido hacer los mismos elementos una y otra vez, y en esa canción, no lo es. Sigue sonando bien. Así que el contraste no tiene que ser Oh, voy a llegar a un ritmo completamente nuevo y una parte completamente nueva a continuación. Simplemente puede ser como, Oh, los tambores están adentro. Ahora, los tambores están fuera. Ya sabes, Bases en. La base está fuera. Puede ser sencillo así. Y esos movimientos aún tienen un gran impacto en tu canción. Entonces, como con todo, te animo a escuchar tus canciones favoritas y tratar de entender cuáles son las estructuras para que suceda la música. ¿Qué pasa en la canción? Ya sabes, es diverso o un coro o lo que sea Y entonces, ¿qué pasa en el ritmo? ¿Está lleno? ¿Está vacía, o los tambores adentro o los tambores afuera? ¿En qué tipo de género estás trabajando? ¿Es una canción folclórica que tiene, como, solo guitarra en el verso y luego una banda completa en el coro o? ¿Cómo está cambiando la música a lo largo de tus canciones? 5. Historia de la producción musical: En el pasado, tendrías un artista o una banda entraría a un estudio de música, y ellos se grabarían ellos mismos. El productor musical sería alguien que solía recibir un salario por parte del sello discográfico para simplemente estar presente en el estudio y estar ahí cuando el artista viene a grabar. Habría ingenieros que obtendrían los micrófonos y prepararían todo el equipo analógico Y el productor era sólo una especie de rol de redundancia solo para supervisar el funcionamiento de Finalmente, la producción musical comenzó a hacerse propia durante la época de los Beatles con el productor George Martin Lo que estaba pasando es de repente con la capacidad de grabar y luego volver a grabar y grabar encima de ti mismo, no solo estabas grabando una banda. No era como si un cantante entrara, cantara, y luego se fuera, y entonces esa era toda la canción. De pronto, hubo, la banda puede tocar parte de la canción. Entonces puedes hacer parte de las voces, y luego podrías traer una orquesta o algo más u otros músicos y grabar esos encima de lo que ya grabaste en un momento diferente Podrías dedicar algún tiempo a intentar conseguir algunos efectos trippy o psicodélicos u algunos efectos trippy o psicodélicos u otros sonidos mundanos. Y de pronto la producción musical comenzó a hacerse propia como una forma de no simplemente grabar lo que el artista o lo que tocaba la banda, sino también de crear un paisaje sónico propio y utilizar el estudio como instrumento. Lo que pasó durante la era de los Beatles fue que George Martin era el productor de los Beatles Y solo le estaba pagando un salario el sello discográfico, y no le estaban pagando mucho. Los Beatles estaban ganando toneladas de dinero porque eran la banda más popular del mundo Y George Martin decidió renunciar. Dijo, me voy a alejar de esto si tú, siendo tú el sello discográfico no quiere pagarme más. Me voy de aquí. Y a los Beatles les encantaba a su productor, y se negaron a trabajar con cualquier otro productor Y así la etiqueta se vio obligada a traer de vuelta a George Martin como contratista a su propio ritmo. Y ese ha sido el modelo desde entonces para los productores musicales como un papel importante, no solo como gerente de oficina, sino realmente como socio creativo, para los artistas. Durante esta época, habrías tenido una placa analógica, que probablemente sea, como, el estudio de música clásica, como, tablero con todas esas perillas que podrías haber visto como al lado de, como, una ventana de cristal Habrías tenido una tabla. Habrías tenido un equipo de ingenieros. Habrías tenido especialistas en micrófonos que conocen todos los diferentes micrófonos Habría habido gente trabajando compresores analógicos y reverberaciones Habría todo un equipo en el estudio haciendo que la grabación cobrara vida. A medida que pasa el tiempo y la tecnología avanzaba, muchos de esos roles comenzaron a caer sobre el productor que comenzó a poder hacer todos esos trabajos diferentes. En el Hayday, podrías tener una orquesta completa real y un montón de jugadores de sesión además de todos los trabajos que mencioné, todos colaborando juntos a personas reales haciendo música Si avanzas rápidamente hasta 2023, muchas veces tienes un productor musical que está haciendo todo en el proceso de producción musical Y a veces ese productor también es incluso el artista. Entonces tienes un artista que está escribiendo sus canciones, produciendo el ritmo, tocando todas las partes, mezclando y masterizando, haciendo todas las cosas técnicas, y solo hay una persona detrás de la música que estás escuchando Obviamente, hay beneficios y caídas por la forma en que han ido las cosas Pero es importante saber por qué las cosas son como son, porque eso afecta a cómo hacemos música hoy en día. Entonces, solo quería darles un poco de historia antes de que sigamos adelante en este curso para que puedan entender dónde vino la producción musical para, ojalá, ayudarlos a entender hacia dónde va la producción musical. 6. Historia de la producción musical parte 2: Son dos caminos fundamentalmente diferentes para bajar con la producción musical. En sus tiempos en la era de los Beatle y antes, generalmente era la canción primero Ahora bien, lo que esto significa es que un compositor o una banda escribieron una canción, y luego llegaron al estudio a grabar esa canción Entonces, esencialmente, la canción se escribiría primero, e incluso cuando la producción musical comenzó a propia durante esa época en la década de los sesenta, todavía siempre había una canción para empezar Se escribiría una canción, y luego vendrías al estudio, hablabas con el productor, platicas con los otros miembros de la banda y los demás músicos y encontrarías la mejor manera de hacer que esa canción cobre vida. Cuando primero tienes la canción, se trata de hacer que la música apoye la canción. En los tiempos modernos, ha cambiado en gran medida a ser Beat primero. Esto significa que muchos productores hacen muchos ritmos y luego compran esos dos compositores a artistas y escritores de primera línea Entonces mucha de la música, el beat ya está hecho, y luego la letra y la canción se escribe al Beat. Entonces esos son los fundamentalmente dos caminos diferentes por los que puedes bajar. La canción primero siendo, Bien, tengo la canción. Tengo la melodía. Tengo la letra. ¿Cuáles son los mejores acordes para apoyarlos? ¿Qué es lo mejor que podemos hacer musicalmente para apoyar la canción Versus, Bien, tenemos el ritmo. ¿Cuál es la mejor canción que podemos escribir a ese ritmo? Entonces, cuando estés haciendo música, puedes decidir cuál de estas rutas apoya mejor tu proceso creativo. A lo mejor eres alguien que quiere escribir la música primero, a lo mejor eres un productor que quiere dar un ritmo y que alguien más le escriba una canción, o tal vez eres más compositor, y quieres producir tus canciones, y quieres apoyar las canciones que estás escribiendo De cualquier manera, la producción musical funciona de la misma manera, el oficio de la producción musical, ¿cómo haces que la música cobre vida? Todo eso sigue igual. Es sólo el punto de partida fundamental. ¿Tienes algo para lo que ya estás produciendo, o estás empezando algo de música desde cero, y vas a escribir la línea superior al final? 7. Anatomía de las canciones: las partes que componen una canción: Hablar de las partes que componen una canción. No importa cuál sea el género, generalmente hay las mismas partes que componen cada canción. La analogía más fácil y mejor para esto es mirar a la banda de rock clásico, solo porque es bastante fácil para nosotros visualizar Tienes tambores, los cuales están compuestos por una patada, trampa, sombreros altos y platillos Tienes bajo, tienes guitarra o piano o teclados o sintetizadores, y tienes voz Estos elementos llenan el espectro, esencialmente armonía, melodía y ritmo. Se puede descomponer la música en melodía, armonía y ritmo, siendo todo el espectro que es la música. Ya sea que hagas música EDM, que seguirá teniendo batería basada, tal vez sintetizadores y voces, o eres una banda de rock que tendrá batería basada en guitarra y voz, siguen siendo las mismas categorías que existen para hacer Se puede tener música como música de orquesta, que se centra más en la armonía y un poco menos en el ritmo, pero todavía hay ritmo. Todavía hay algunos tambores, generalmente escasamente, más aún en la música cinematográfica Pero no importa lo que estés haciendo, vas a tener estas mismas categorías. Entonces tenemos la batería, que es la sección rítmica. Tenemos el bajo, que es la nota más baja en la armonía. Tenemos la que yo llamo la parte Harmony, que o va a ser tus guitarras, tus pianos, tus voces de armonía, si hay un coro o tus Y luego tienes tu voz o tu línea superior o tu melodía principal Entre todas estas partes, básicamente puedes crear cada canción que hayas escuchado. Y en los siguientes capítulos de este curso, vamos a repasar y diseccionar cada una de estas categorías y descubrir la mejor manera de crear la batería para cualquier género en el que estés trabajando, la parte de bajo, la parte Harmony, guitarras, pianos, sintetizadores, u otros instrumentos, y voces, la melodía principal 8. Canción primero: creación de narrativas musicales cohesivas: Saber hacer una línea base. Ya sabes hacer algunos tambores. Ya sabes hacer parte de una armonía. Ya sabes hacer una melodía. Ya sabes estructurar una canción. Pero, ¿con qué empiezas? Podrías comenzar en cualquiera de esos diferentes puntos. Así que volvamos a las dos principales formas básicas de iniciar una canción. Los dos campamentos son canción primero o Beat primero. Entonces, en esta lección, exploraremos Song primero. Entonces en el primer método de la canción, ya tienes una hoja de ruta. Tienes tu canción. Esta será la forma natural de hacer música para cantautores que probablemente escriben una canción en guitarra o piano o simplemente vocalmente o lo que sea, pero primero escriben una canción, y luego agregan la Entonces una vez que la canción esté terminada, entonces comenzarán a encender su mente de productor y estarán como, Bien, bueno, tal vez a o a la pista temp, la Música Natson, la batería, el bajo, los pecados, lo que sea Y con este enfoque, es más fácil agregar elementos justo como sea necesario para enfatizar la emoción o visión de la canción. Después de la pista temp, suelo agregar batería, bajo, armonía, y luego finalmente vuelvo a grabar la voz. Entonces lo que esto significa es que voy a poner una vocal de scratch con una pista de piano scratch solo para meter algo en Ableton, y a partir de ahí puedo empezar a agregar las otras partes, y luego al final, volveré a grabar la vocal No tienes que trabajar de esta manera, pero este método funciona bien A veces la parte original de guitarra o piano que grabaste para apoyar la pista de scratch para apoyar tu primera vocal no es lo mejor para tu canción producida. A veces lo es, y estás como, Bien, tuviste la parte de piano perfecta, y boom está hecho. Pero a veces te das cuenta de que el papel que estabas tocando en el piano era quizás un poco básico, y ahora que tienes algunos otros elementos ahí, podrías cambiar esa parte. Y eso está totalmente bien. Te exhorto a que no seas demasiado precioso y demasiado apegado a las primeras ideas porque mantenerte flexible muchas veces te permite terminar con el mejor resultado final. Incluso si eso significa que estás cambiando una parte central de la canción cerca del final. Si eso es lo que necesita la canción, es importante escuchar esos instintos A lo mejor escribes canciones, pero luego las traes a una banda. Y la banda ayudará a descubrir la mejor manera de tocar esto. A veces los propios jugadores simplemente van a llegar a sus propias partes, y entonces no tienes que hacer tanto. O a veces puedes ayudar a la banda a encontrar la mejor manera de contar la historia con buen contraste y partes musicales interesantes. Entonces una vez que la banda esté bien practicada, puedes grabar y agregar cualquier capa extra si es necesario. Siempre vale la pena tomarse el tiempo para obtener una buena actuación porque capturar una buena actuación última instancia sonará mejor y tomará menos tiempo, será menos frustrante que tratar sobreproducir y arreglar una actuación mediocre Entonces, caminemos por los pasos de que yo convierta una de mis canciones en una producción. Entonces aquí tengo una canción que he escrito en el piano. La ciudad no duerme. Todo el mundo zumbando en algún tipo de cafetería, llegando tarde a un turno o comiendo importante, conduciendo rápido, así que las luces brotan suavemente suavemente La ciudad no duerme. Todo el mundo se va a la fiesta. Beber esta ansiedad o pergamino para que los ojos se burren suavemente, suavemente Entonces no voy a ir a cantar toda la canción, pero tengo una canción que he escrito en el piano. El primer paso sería encontrar qué tempo es esa canción. Entonces hay varias maneras de hacer esto. Normalmente enciendo el metrónomo, y estoy como, Bien, D. Y trato de tocar para llegar al tempo correcto Y me pareció que el golpeteo me consiguió alrededor de los 80. Yo estaba como 82. A veces quieres dejarlo exactamente como lo tocó, pero a veces solo quieres llevarlo a un buen número par Y ya veremos si esto se siente bien para la canción ahora que has decidido en Tempo. Intenta cantarlo. La ciudad no duerme. Todo el mundo zumbando en algún tipo de parto, llegando tarde a una zona de turnos para conducir rápido, así que las luces zumban suavemente suavemente Entonces, eso suena bastante bien. Sé que tengo mente una especie de trampa más rápida para esta canción. Entonces debido a que ese tipo de ritmos tienden a ser del medio tiempo, ochenta es genial, pero para conseguir 80 a la media sensación de tiempo, realmente quieres estar a los 160, lo que te dará un metrónomo más rápido El sueño de punto de la ciudad. Todo el mundo zumbando en algún tipo de cafetería, llegando tarde al cambio de puerto Ra rápido las luces soplan suavemente suavemente Y eso me suena bien, y me gusta tener el metrónomo a esa velocidad Por supuesto, podrías estar a los 80 y cambiar el ritmo del metrónomo aquí a octavos en lugar de cuartos Depende totalmente de ti. Entonces lo que hice después fue grabar una pista de scratch del piano. Entonces, yo en mi cabeza, estoy cantando la canción y apenas tocando la parte de piano. He tocado toda la canción, y luego grabé un scratch track de la vocal. Ahora, grabé varias tomas diferentes de la voz. Y decidí que esta toma aquí acodada con esta toma para el coro. Eso suena lo suficientemente bien como para seguir construyendo la canción, porque voy a grabar la voz final al final. Tengo una parte de piano abajo. Tengo una parte vocal abajo. Y lo siguiente que hice fue que levanté esta batería aquí. Este es el Vintage funky Good T. Así que tenía esta batería, y seguí adelante y toqué un ritmo junto al piano scratch y la pista vocal para simplemente sacar algunas ideas de lo que podría querer ser la parte de la batería La ciudad no duerme. Todo el mundo se va a la fiesta. Beber solo para nublar su ansiedad. O desplazarse hasta que sus ojos soplen suavemente. Soja. Pero yo soy el indicado. Está loco. Yo soy el indicado. Ellos no entienden. A continuación, tengo algunas partes ásperas juntas. Y lo que voy a seguir adelante y hacer es empezar a retocar la interpretación de la parte de piano para realmente asegurarme de que todo esté como golpeando a tiempo Es momento de comenzar a bloquearse en una parte. No quiero un montón de piezas realmente sueltas aquí. Quiero empezar a encerrarme. Bien, esta es mi parte de piano. Esta es mi parte de tambor. Entonces tenemos esta parte de piano, y decidí que con este acorde de aquí, la nota única golpea en el segundo compás de la barra vacía, y luego el cuarto acorde vuelve a entrar al ritmo. Entonces decidí que este es el patrón general debería ser Me gusta la sensación en vivo. Quiero que sea a tiempo. Puedes seguir adelante y meterse con las velocidades. Si a lo mejor esta nota, estás como, no quiero que esa velocidad sea tan baja. Se puede subir eso. No quieres meterte con la oportunidad, puedes desactivar la oportunidad, y simplemente alinear las cosas solo para asegurarte de que tu parte es la forma en que quieres que lo haga. Y voy a pasar por toda la parte de toda la canción. Y solo asegúrate de que cada golpe golpee bien, y cada nota suene bien, y así es como quiero que sea. Cuanto más tardo en conseguir una buena toma, como si fuera como, Bien, volvamos a grabar el piano, y volvamos a hacerlo. Cuanto más practico y obtengo una muy buena toma, menos retoques tengo que hacer realmente Pero a mí personalmente, me gusta pasar y peinar cada nota y asegurarme de que todo esté pegando bien, y tal vez eso suene abrumador, pero si a tus canciones les gustan dos o 3 minutos, realmente no va a tardar tanto. Entonces tengo mi parte de piano, justo como la quiero. Terminé cambiando mucho la parte del piano a lo largo de la producción de la canción. Pero en esta etapa, tuve como me gustó. Entonces entré y comencé a ajustar mi parte de batería. Para tratar de conseguir que eso sea más como yo lo quería. Yo alineé los éxitos de otra manera. Elegí algunos sonidos diferentes. Y entonces lo que hice fue separar la patada y la caja y los sombreros altos para que tuviera más control sobre cada parte Resistente. La ciudad no duerme. Todo el mundo se reúne como dos de la fiesta. Sien sobre su ansiedad. O desplazarse hasta que sus ojos ardan suavemente. Ruido. Pero yo soy el indicado. Entonces, vamos a escuchar estos tambores. ¿Tienes esta patada? Trazo. Se va a este tipo de rever mucho, lo cual es genial Hola, sombreros. Y podemos ver que estos sombreros altos son en realidad algunos sombreros altos personalizados de un estante de batería. Porque no me gustaron del todo los sombreros altos que tenían en esta batería. Lo siguiente que hice fue sacar un sonido de bajo. Yo usé Trillón porque me encantan los billones. Y toqué un papel bajo junto a la batería, el piano y la voz. El drabing rápido así que las luces soplan así Soffe La ciudad no A todos los mítines les gusta el pop. Entonces tengo a veces estos pequeños rellenos de base que vienen en estos bolsillos. Chico se desplaza hasta que sus ojos estén suavemente suavemente. Pero yo soy el que está loco. Yo soy el indicado. Ellos no entienden. Aquí es donde me siento feliz con la hierba y mi fea Así que ahora he tocado un papel bajo a través de toda la canción, y tengo mi batería Tengo mi bajo. mi parte de armonía, y tengo mi melodía. Así que en realidad tengo una canción completa en este momento. Entré y agregué algunas partes de armonía a la voz, algunas dobles. Incluso grabé alguna parte del coro al coro. Y el coro sí tiene un trémolo encima. Yo tengo. Esa parte suena un poco desentonada, pero ahí es exactamente donde estoy en la canción. Entonces tenemos nuestros tambores. Tenemos nuestro bajo. Tenemos nuestra voz. Tenemos nuestra parte Harmony, que es el piano. Y además del piano, tenemos algunas voces de armonía que están actuando como coro, que es un elemento nuevo en el fondo Donde siento hierba romper el ciclo, romper Cambios en. A continuación, ahora que tengo todos los elementos básicos que hacen una canción, volví a grabar la voz principal intentar realmente averiguar cómo quería sonar. Realicé un comp de las mejores tomas. Tengo algunas armonías que entran, algunos dobles que entran Y realmente nos tomamos el tiempo para conseguir el viaje de la voz principal con las armonías en los dobles para sonar emocionante y convincente y para evolucionar y cambiar a lo largo de la canción Entonces ahora tengo mi vocal principal que se procesa con mi cadena vocal, yendo a algunos retrasos en reverberaciones Tenía las otras partes yendo a reverberaciones. Tengo una sub parte a la base. Todas las notas base están alineadas, así que ese rendimiento es que no está cuantificado, sino que se cuantifica casi a mano, igual que hice todo lo demás para asegurarme que todo está golpeando donde debería estar golpeando, pero aún tiene ese eb orgánico y flujo Ahora es el momento de imprimir todos estos elementos y mezclarlos. Así que imprimí todas las partes en archivo de audio para poder seguir adelante y mezclarlas. Pero como soy productor y mezclador, seguí cambiando la producción durante todo el proceso de mezcla. Haremos toda una lección sobre la mezcla, así que no te preocupes por eso ahora mismo. Pero este es esencialmente el resultado con el que terminamos. Dormir. Todo el mundo zumbando en algún tipo de cafetería Llegando tarde dos turnos o reunión importante. Conduciendo rápido para que las luces se difuminen suavemente. Suavemente. La ciudad no duerme. Todo el mundo llega tarde a la fiesta. Beber a algún sustantivo su ansiedad. O desplazarse hasta que sus ojos se difuminen suavemente. Entonces, esta canción realmente solo es el piano, algunos tambores, bajo y voz. Y tenemos algunas capas de voces entrando y saliendo. Eso básicamente hace que toda la canción. El coro tiene algunas voces de fondo ahí dentro, y yo tengo una parte de guitarra, pero es una canción bastante simple Y eso es todo lo que necesitas para que algo suene completo y completo es solo tener batería, bajo, armonía y melodía. Ahí vas. Esa es una canción Si te estás acercando a producir canción musical primero, tienes la canción, podrías tomar un enfoque similar. Puedes acercarte a esto realmente de la manera que quieras, pero si estás un poco abrumado, y no sabes como empezar, adelante y pon una pista de scratch de tu vocal y una pista de scratch de cualquier instrumento que usaste para escribir la canción Si no usaste un instrumento, eso es aún más fácil. Pero una vez que tienes esas huellas de scratch abajo, solo comienzas a agregar otro elemento. Y me gusta meter la batería bastante temprano y hacer que el bajse dure solo porque la batería realmente me ayuda a centrar todo lo demás Y la base para mí es el papel más secundario. Entonces, sea lo que sea que esté pasando en la canción, no quiero que el bajo pise sobre la voz principal ni nada más importante. Solo quiero que la base mejore el groove y realce la armonía. Entonces para mí, hago el bajo último. Y haré la batería bastante temprano, y suelo escribir canciones al piano o a la guitarra. Entonces así es como me gusta trabajar. Una vez que hayas grabado tus pistas de scratch, entonces tienes que pasar por el tedioso trabajo de bloquear tus partes Si la tocabas en vivo, entonces vas a tener que, ya sabes, modificar la actuación probablemente para que sea un poco más refinada Si programaste tu parte, podrías pasar por el proceso opuesto de intentar cosas un poco fuera de la red y cambiar un poco tus velocidades o encontrar ese groove realmente perfecto para darle a tu canción esa sensación en vivo Entonces depende a lo que vayas a buscar. Esta canción es como una banda en vivo una especie de sensación de canción, así que sí quiere más de esa sensación de actuación en vivo, así que por eso toqué todo en. Hay algunas canciones en las que programaré cosas, aunque pueda tocarlas. Elijo programar porque es más de esa vibra. Y esa es una elección subjetiva, y a medida que te sientas cómodo produciendo, comenzarás a saber qué enfoque quieres tomar. Y a veces tomas un enfoque, y estás como, Después de que toqué todo eso en, sólo voy a ir a producirlo. Y eso pasa, y eso está totalmente bien. No hay formas correctas o incorrectas garantizadas de hacer esto, y solo puedes comenzar a explorar cómo quieres dar vida a tus canciones. 9. Escribir una canción: el arte de la narración melódica: Escribamos juntos una canción rápida porque no puedes ir por el primer acercamiento de la Canción si no tienes una canción. Escribamos una canción rápida. Escribir una canción. Bueno, hay Letras primero o Mel primero, esencialmente. Letras primero, por ejemplo, Elton John tenía un compañero compositor que literalmente le entregó poemas que eran la Y luego Elton John se sentó al piano y los convirtió en canción El título de los Beatles primero o tema primero. Se citaron diciendo, una vez que tienes un título, tienes una canción. Entonces creo que uno de sus taxistas dijo, estoy trabajando ocho días a la semana, y luego, por supuesto, los Beatles escucharon ocho días a la semana, y luego pudieron convertir ese concepto en una canción exitosa de su tiempo También podrías escribir melodía primero. A veces aparece una melodía en mi cabeza, y puedo convertir eso en una canción. Y sé que mucha gente que es una especie de melodía primero puede vibrar algunas melodías, y luego podrían, ponerle algo de estructura y significado después Obviamente podrías hacer primero el instrumento. La mayoría de los cantautores tocan un instrumento, y pueden comenzar por encontrar algunos acordes en el piano o la guitarra que evocan cierta emoción, y luego empiezan a escribir encima Normalmente escribo canciones en el piano. Me sentaré y jugaré de forma libre hasta encuentre algo interesante que realmente me haga sentir algo. Y luego voy a ver a dónde quiere ir eso. Entonces un buen lugar para comenzar es simplemente tocando cuatro acordes y solo ver cómo funciona eso Y luego, claro, si se te ocurre algo más único y más interesante que una canción clásica de cuatro acordes, tanto mejor para ti. Pero no es nada malo con solo tocar unos cuatro acordes que te dan una emoción y empezar a escribir una canción voy a empezar a cantar y a ver si llega alguna melodía Mira lo que se siente bien al cantar sobre lo que estoy tocando. Una vez que tengo algunas melodías, entonces empiezo a agregar palabras Una vez que tenga un tema, entonces reescribiré la música y las melodías para que encajen con el tema de la canción Y luego a veces una vez que he encontrado el tema, podría reescribir la música y las melodías para que encajaran con el tema de la canción O a veces como estoy encontrando la letra y las melodías, estoy encontrando el tema, y ya es cohesivo Entonces sigamos adelante y escribamos una canción juntos, y así es como suelo hacerlo porque toco el piano. Sólo voy a tratar de encontrar algunos acordes. Y para mí, estoy como, Bien, eso lo siento. Lo que estoy tocando es el menor. Entonces estoy tocando el siete menor, que es un acorde mayor construido partir del siete de la clave, quiero decir. Entonces, si estoy en la clave de G, y juego una G menor, entonces toco una F mayor. Después toco una Do mayor. Y el Do mayor es el cuatro mayor y una clave menor, que técnicamente está fuera de clave, pero le da un tipo de sonido realmente épico. Y ahora sólo voy a ver si aparecen melodías. Escucharás. Mm aquí. Ah, y entonces podría comenzar el estilo libre, y ver si algo Oh. Él. Oh. El otro día, me llamaste diciéndome que no quieres verme. Y yo dije, Eso está bien. Y lloré cuando te fuiste, pero no hay nada que yo no sepa Sé que estoy bien. Así que a menudo voy a hacer algo así donde trato de ocuparme de mi propia vida, como algo que pasó, pero sigo tratando de freestyle, y no soy tan bueno en Así que no todas las letras y cosas que digo en realidad incluso tienen sentido. Al igual que, algunos de ellos, algunos son cohesivos, y algunos de ellos son simplemente galimatías Y a veces se siente bien simplemente hacer eso. Así que podría hacerlo por unos 20 minutos. A veces lo hago por mucho tiempo y hay un retorno decreciente, sobre todo si vas a grabar esto y volver a escucharlo No quieres que sea demasiado largo. Pero es bueno simplemente atascar, dejar salir tus sentimientos dejar salir tus pensamientos, y luego ya sabes, tal vez tomarte un descanso y volver y ser como, Bien, me gusta esa primera línea. Como, me llamaste, me dijiste que no querías verme. Yo soy como, Bien, eso se siente un poco agradable para estos acordes. Y entonces podría seguir bajando en esa dirección. Entonces tal vez digamos que me gusta esa melodía, y mantendría esa melodía en marcha. Y yo estoy como, Bien, pero lo primero que estaba haciendo, estaba tarareando una melodía diferente Entonces veamos aquí si hay dos melodías, porque recuerden, dos melodías, hacen una canción La semana pasada, me llamó. Me dijo que no me quieres ver, y yo dije, Eso está bien. Ah Y corrí diez K. Intenta sacarte del lunes. Pero yo soy ciego. Y así y así Co esta noche. Oh, oh. Y luego como, Bien, normalmente, seguiría adelante, seguiría tratando de escribir algo que se sintiera un poco mejor, tal vez un poquito de mejor melodía o algo así, pero para los fines de esta lección, digamos que estás como, Bien, básicamente tenemos dos melodías yendo Tenemos ese primer tipo de melodía parlante, y luego tenemos eso más como, Oh, tipo de cosas que están pasando. Y aquí es donde entraría en modo lírico, donde trataría de encontrar realmente cuál es el núcleo de esta canción Cuál es el punto de esto Entonces, llámame no quería verme. Eso es algo que es cierto en mi propia vida personal con uno de los míos. Entonces estoy como, Bien, a lo mejor esta canción es sobre esa relación. Y entonces tal vez quiera que me importe esa relación por esa canción. Y ese es un lugar perfectamente genial para escribirte algo auténtico. Para que puedas seguir escribiendo algunas palabras. Aquí es realmente donde entro en las notas para tener mi teléfono. Yo estoy como, Bien, llamaste, la semana pasada, llamaste, luego dijiste que no querías verme. Y entonces dije, está bien. A lo mejor quiero quedarme con el dije que está bien, y quiero escribir algunas letras más. Entonces sería como, semana pasada, llamaste y dijiste, no quieres verme. Entonces tal vez quiero mantener esa cadencia. Y entonces podría decir ese día, se llamaba caída caída Cuervo. Bueno, ahí es donde pasas algún tiempo diciendo: Bien, a lo mejor quieres mantener esa cadencia. Y si realmente estuviera escribiendo algunas letras, esta es la parte más lenta para mí, es la escritura real de letras Así que me lleva mucho tiempo averiguar qué quiero decir. Pero esencialmente sigues escribiendo esa historia. Entonces tal vez entonces vas a decir como si la lluvia cayera todo el día. Y me senté adentro sintiéndome sola o no lo sé. Eso es un poco demasiado básico, pero, como, vas a entender lo que estoy diciendo. Sigues construyendo la historia en el verso. Y el verso suele querer, como una historia que estás contando, esta cohesiva Y también algunas imágenes, ya sabes. ¿Dónde está teniendo lugar la historia? ¿Quiénes son los personajes de la historia? ¿Te estás cantando? ¿Estás cantando sobre yo? ¿Estás cantando sobre ellos? ¿De qué estás cantando? ¿Sobre quién cantas? ¿Dónde se está llevando a cabo? Trate de darle esta información al oyente. Intenta intentar pintarles un cuadro completo. Y tal vez a lo largo de escribir esto, entonces eventualmente encuentres una letra realmente genial Y tal vez entonces aterrizas en, como, el tema de esta canción podría ser como, Blurry Dream, que en realidad es el título de una canción diferente mía Pero a lo mejor terminas diciendo que toda la relación fue un sueño borroso, y es confuso, y apenas la recuerdas ahora Y sólo te quedas con este sentimiento. Entonces se podría decir, Bien, a lo mejor Blurry Dream es el título. Y entonces todo lo que escribas puede probar y, como, apoyarse en ese título. Entonces podrías irte. La semana pasada me llamaste. Me lo dije, no quieres verme. Y dije, está bien. porque ha pasado mucho tiempo y apenas recuerdo lo que solíamos ser porque es algún árbol de sangre. Ahora bien, éramos sangre Árbol Mm Y entonces tal vez va a un segundo verso o algo así. Si en realidad estás escribiendo esta canción, podrías estar como, el Oh Oh, sonaba mejor que la parte borrosa del sueño No escribir una obra maestra, exactamente, pero quiero mostrarles que tenemos dos melodías distintas Tenemos un tema. una especie de historia que estamos contando. La letra y probablemente debería ser lógica. Depende de ti. A algunas personas les gusta más abstractas o metáforas Tiendo a encontrar que las letras son algo lógicas, tienden a fluir Y luego hay algún tipo de tema para el que estamos construyendo. Hay una técnica de composición que Ed Sheeran usa mucho, y la música country usa mucho, donde es como, sea cual sea el título de la canción, las palabras principales, como, todo en la letra está construyendo Y luego dicen que la palabra principal al final del orse es como lo último del tipo punch line de pago Hay muchas maneras de escribir letras. Hay muchas estrategias diferentes. Pero una vez que empiezas a emocionar en tu instrumento y empiezas a encontrar algunas melodías y empiezas a encontrar algunas palabras, puedes refinar y refinar y refinar Una vez que las palabras están escritas, es más fácil seguir encontrando mejores versiones de tu verso, mejores versiones de tus letras, estás como, Bien, escribí la canción, y funciona. Y entonces estás como, Bien, ahora vamos a volver al segundo verso y oh, eso es un poco más genial, y eso es un poco mejor. La forma en que me acerco a la composición de canciones es, me gusta que todo se haga Entonces voy a hacer una V con la mejor letra que pueda en su momento, y luego como que vuelvo a mejorarlas y hacerlas cada vez mejores y mejores. Pero tengo un compañero compositor que le gusta conseguir todo perfecto, y todo lo mejor que pueda en cada paso del camino Así que lleva mucho tiempo pasar por el primer verso porque se está asegurando de que sea como este realmente tipo de verso perfecto antes de seguir adelante. Y hay mucho mérito en trabajar de esa manera, también, y no hay manera correcta o incorrecta en la que quieras hacer esto. Por alguna razón, me gusta mucho capturar todas las melodías y averiguar primero el panorama general y luego acercar el zoom Pero puedes acercarte y trabajar tu camino hacia abajo. Y los beneficios de eso es que sabes exactamente dónde estás, y eso informa tu próxima decisión tal vez mejor. Entonces no hay una manera correcta o incorrecta de escribir una canción, pero eventualmente necesitas al menos dos melodías Probablemente quieras un tema, una idea general o un concepto para lo que son las letras. Y entonces quieres pintar un poco de cuadro para el oyente con ¿quiénes son el elenco de personajes de esta historia ¿Dónde está teniendo lugar la historia? ¿Qué pasa en la historia? ¿Cómo te hace sentir? ¿Cuáles son algunas metáforas lo que te hace sentir o que alguien más siente Y darle al oyente la mayor cantidad de información posible. Y lo más importante escribir canciones es simplemente sentarse frente a su instrumento o simplemente intentar escribir una canción todos los días. Como, date 10 minutos, 15 minutos. No gastes para siempre. tiempo y simplemente siéntate y trata de escribir una canción, y llegarás tan lejos como llegues. A lo mejor la primera semana, todos los días, te sientas por 10 minutos, y simplemente te sientas y solo tocas un acorde, y no viene nada. Eso está bien. Si sigues sentado y sigues aferrándote a este objetivo de escribir una canción, eventualmente empezará a llegar. Y es como un músculo. Entonces, si nunca has hecho flexiones alguna vez o alguna vez has trabajado tus brazos en toda tu vida, va a pasar mucho tiempo antes de que puedas hacer algunas flexiones y levantar algunas pesas o algo así. Pero eventualmente, si sigues haciéndolo, podrás hacer cinco, diez, 20, 30. Sabes, voy a seguir adelante. La composición funciona exactamente de la misma manera. Simplemente te pones mejor y mejor, el músculo se vuelve cada vez más fuerte, y no te desanimes si nada llega al principio Si sigues intentándolo, te prometo que las canciones comenzarán a fluir. 10. Beat First: sienta las bases para tu pista: Otro campamento para escribir una canción es Beat first o instrumental first. Entonces, si primero quieres escribir la música, te voy a mostrar cómo se hace eso. Hay diferentes campamentos dentro de escribir el Beat primero. Podrías comenzar con la armonía, que creo que es la más común. Podrías comenzar con los tambores. Podrías empezar por el bajo, lo cual no creo que haya hecho alguna vez, y no creo que haya estado alguna vez en una sesión donde alguien más haya hecho eso, pero, ¿por qué no? ¿No hay manera equivocada de hacerlo? Y puedes jugar en estas partes, puedes programar estas partes, o puedes encontrar un bucle o muestrear las partes. Vamos a seguir adelante y explorar cada una de esas diferentes versiones. Sólo te voy a tocar un ritmo que hice que luego también escribimos una canción. M Entonces aquí tenemos un ritmo, y luego mi amigo y yo le escribimos una canción. Entonces Beat primero es realmente así de simple. Simplemente escribes tu ritmo, y luego rif algunas melodías, conceptos, letras, lo que sea además de eso Y ahí tienes tu canción. Así que Beat primero es la forma más común en que la gente escribe música hoy en día. Muchas sesiones son productores haciendo un ritmo juntos, y luego entran los escritores de primera línea, entran los compositores cantantes, y tal vez haya algunos de ellos juntos en una habitación, riffing diferentes ideas de canciones, y ojalá al final de la sesión, algo de magia sucedió, y todos salen de la habitación con una canción y ojalá al final de la sesión, algo de magia sucedió, y todos salen de la habitación con una Ahora vamos a explorar algunas opciones diferentes de hacer primero la Harmony, la batería primero y cómo empezar a hacer tus ritmos. 11. Escritura de línea superior: ganchos y melodías cautivadoras: Estás escribiendo Beat primero, luego podrías tener algo de música, y después tienes algo de música. Tienes que escribir tu canción en la música. Entonces, exploremos escribiendo algunas líneas superiores. Aquí hay un latido que hice. Y yo estaba riffing algunas melodías con un amigo y seguía surgiendo esta melodía un amigo y seguía que era como, da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da Y así empezamos a descifrar lo que podría ser, y finalmente, conseguimos algunas palabras Entonces, podríamos tener esta parte aquí, y empezamos a escribir algunas letras. Yo no ena. Y encontramos diferentes letras que estaban funcionando aquí. Abajo en pa. Toxina swi al sol. Y empezamos a elaborar un poco de historia Teníamos esta melodía. Y entonces Anna era, como, una palabra final que suena genial Así que recién empezamos a tratar de encontrar palabras que terminaran con ese sonido vocal porque nos gustó cómo sonaba eso en esta Y no sé quién lo dijo primero, pero uno de nosotros acaba de empezar a hacer esto. Ella dijo que ni siquiera una. Entonces lo que tenemos aquí son ahora dos melodías Tenemos esto, como, yo ni siquiera Wa. Y entonces también tenemos este dulce dv. Y empezamos a construir esta canción de esta manera. Y tenemos un poco de historia que se lleva a cabo, y luego volvemos a la dulce parte divina. Y luego tenemos otra melodía que entró por aquí. B Ss ¿Qué estaba esperando? Conocemos el callejón justo debajo C pieza de una wa silenciosa cargando una manzana, comiendo una manzana, masticándola al co Cading en algún gato con el, ¿qué tiene int Ella dijo que ni siquiera quiero. Y empezamos a construir la canción, estas diferentes melodías vienen a través, y antes de que te des cuenta, tenemos una canción Así que escribir la línea superior realmente es solo escuchar tu ritmo y simplemente sacar algunas ideas. Y seguirás encontrando partes que quieran volver y tal vez varias partes que quieran volver. Y esto, como, dulce. Da da, dulce. Y eso finalmente se convirtió en el concepto central de la canción. Sweet Devine estaba como, Oh, ese es un título algo genial Como, no sé en qué estaba pensando mi amigo cuando dijo eso, pero eso me gusta. ¿Sabes? Entonces es como, Bien, Sweet Devine, y eso se convierte en el título Entonces todo lo que estamos escribiendo es tratar de liderar líricamente ahí o inclinarse en ese concepto Y tenemos una variedad de melodías diferentes que se apilan entre sí que suenan bien juntas, y luego tenemos partes repetitivas, tenemos partes de verso, y tenemos la historia que estamos construyendo Entonces escribir topline es muy parecido a escribir una canción solo para ti tocando algunos acordes en el piano o la guitarra o lo que sea, pero estás escribiendo al ritmo Y es un poco agradable escribir al ritmo porque los beats como hechos. Sabes, quiero decir, claro, puedes cambiarlo, pero el ritmo es mucha vibra que ya está juntos. Y así puedes inclinarte aún más en esa vibra como cantante y compositor Entonces por eso a mucha gente le gusta escribir a un ritmo. 12. La armonía primero: crea bases sónicas ricas: Primero quieres hacer un beat, y luego quieres escribirle alguna línea superior Bueno, ¿por dónde vas a empezar con tu ritmo? Probemos la forma más común para mí, que es la armonía primero. Armonía primero, comienzas con una parte de armonía. Intenta que esa parte sea lo más interesante que puedas. Dally, es un riff o melodía que esboza un patrón de acordes, pero cualquier cosa que te dé algo de emoción es la No hay reglas. Se puede tener más de una parte de armonía. Pero lo simple suele ser mejor. Puedes reproducirlo, programarlo o muestrear. Luego agrega batería, bajo o efectos de sonido. Analiza el juego y recrea tus partes de armonía favoritas para ayudarte a entender Bien, ¿cuáles son las canciones que realmente te gustan? Si realmente vuelves a amar a Fred, ¿qué hace? Intenta recrear algunas de esas canciones. Trate de entender qué hace que sus partes de armonía funcionen. Y eso puede ayudarte a entender cómo hacer música así. En mi caso, veamos esta canción que hice que partió de un riff de guitarra Así que tenía este riff de guitarra que seguía tocando una y otra vez, y me gustó mucho, y quería convertirlo en una canción Entonces, me gusta mucho cómo suena esa guitarra. Y eso fue como, Bien, yo estaba jugando eso y estaba como, Bien, eso es genial. Eso es genial. Eso es un poco rápido, bomba. Y como, a lo mejor esos, como, un golpe de house o algo así. Entonces así es como empecé este ritmo. Probé esta guitarra, y después empecé a añadir algunos tambores. Entonces encontré una línea de bajo. Entonces en realidad agregué un piano. Entonces ahora tengo esta parte de guitarra, y tengo un ritmo y tengo un piano y tengo un bassine Entonces tengo todos los elementos que necesito para un ritmo, y podría empezar a escribir una canción a esto. Pero quería exponer este ritmo solo un poco más específicamente. Entonces empezamos con la guitarra, agregamos la batería, tenemos el bajo. Y luego para esta parte, corté la guitarra cuando todo lo demás entró, porque me pareció mucho. Tomé mucha textura de la naturaleza en esta canción, que es solo una b. Así que ese es un ejemplo de algunos primeros ritmos de armonía que hice. Entonces es básicamente, empecé con una guitarra. Tenía esa parte de armonía. Podrías comenzar tal vez con la parte de sintetizador que estás programando No importa ni siquiera un bucle. Después agrego algunos tambores, después agrego algo de bajo, y luego tal vez agrego una segunda parte de armonía si así lo requiere o no. Entonces eso es esencialmente lo que es Harmony first. Simplemente encuentras una muestra, un bucle, o algo para tocar en un instrumento o algo que te llame al oído. Eso es como, Si, eso es genial. Ahora vamos a agregarle algunos elementos más, y luego eventualmente agregarías una canción encima de eso si quisieras. Entonces ese es un ejemplo de Harmony primero. M. 15. Panelado: expande tus horizontes sónicos: Esta lección tiene que ver con el pánico. La filosofía general con el paneo y la música es que nada debe estar exactamente en el mismo lugar alguna manera viene de la idea de imaginarse a una banda en el escenario, y cada miembro de la banda está en su propia ubicación en ese escenario Entonces no tienes el bajista no está parado encima del baterista Hay cada uno en su propio espacio. Nos gusta llevar ese ethos a la producción musical solo para asegurarnos de que todos nuestros elementos tengan su propio espacio porque sí tenemos el espacio estéreo para jugar Una regla general es que high end puede ser panned más ancho y low end quiere ser más centro Realmente no hay reglas, pero eso es solo una forma general de pensar las cosas si ni siquiera sabes a dónde decir, el centro de la canción, cero, no jadear en absoluto. Esa es la inmobiliaria de primer orden, porque eso va a ser igual volumen izquierda y derecha. Entonces porque ese es un lugar tan importante, hay algunos elementos importantes que luchan por esa ubicación central. Y esa es la trampa de patada, vocal principal, base, y la sub Entonces a estos elementos les gusta estar en el medio. A lo mejor sacarás la patada y atraparás uno a un lado, un grado, en la base al otro lado, un grado Pero a veces es posible que desee mantener todos estos elementos en el centro muerto, y eso está bien. El sub, sin embargo, realmente siempre quieres que eso sea un punto muerto porque es muy desorientador, teniendo el sub siendo más fuerte de un lado que del otro Por lo general, esto es cierto con la patada y el bajo también, pero mover la patada o el bajo uno hacia la izquierda o hacia la derecha no va a arruinar nada. La manera más fácil en la que mayoría de la gente empieza a pensar en el paneo es escuchar los discos del beatle de la vieja escuela porque notarán que todas las voces están en Eso lo notarás con esas viejas canciones de los Beatles. Estás como, Guau, solo están cantando en el oído derecho, y luego escucho la batería en el oído izquierdo o Eso fue por sus limitaciones tenían con la tecnología en ese momento, pero eso suena bastante genial, y tal vez quieras volver a traer algo de eso a tu música. Pero generalmente, nos gustan nuestras voces en el centro. Entonces aquí tenemos una pista de ejemplo, y vamos a explorar el panning Entonces, escuchemos estos tambores. Tenemos este bombo aquí, y lo estamos jadeando uno a la izquierda Entonces tenemos nuestra trampa, que estamos guardando en el centro Ahora tenemos nuestros sombreros altos. Los estamos jadeando a la izquierda. 20. A continuación, tenemos nuestro aplauso, que estamos jadeando a la derecha Tenemos una pandereta, y la estamos jadeando a la izquierda. Entonces ahora mismo, todo tiene su lugar único. Tenemos una base, que está siendo abatida una a la derecha, frente a la patada El patada es uno a la izquierda, la base es uno a la derecha. Ahora tenemos un piano, que está siendo abatido siete a la derecha. Entonces, ahora vamos a encender nuestras voces. Conti Muscular Las armonías se panean 25 la derecha. Hola 25 a la izquierda. Y también lo son los dobles con la voz principal en el centro muerto, y luego nuestros ad libs están paneo están automatizando los 30 a la izquierda, y esto va básicamente 30 a la derecha, menos, y luego de vuelta a 30 a Músculo no. Tenemos avisa Naviso. Hemos estado conversando toda la noche con el Tagore G para que rechacen el anuncio Nada en M Co. Nosotros Livia Naso Generalmente, en tus ritmos, quieres que tu paneo se vea algo así sin ningún elemento realmente en el mismo lugar, excepto por el argumento de, bueno, el centro, y podría querer el sub y la voz, lo que sea, lo que sea En su mayoría, quieres que tus elementos desplacen en diferentes lugares Y como viste, teníamos nuestros altos sombreros fueron abatidos los más puros, y luego los otros elementos fueron abatidos más cerca. No tiendas a volverte loco con mi jadeo, pero algunas personas tienen la filosofía de, bueno, puedes hacer pan las cosas a la izquierda y a la derecha todo el camino ¿Por qué no jadear las cosas hasta el final? Y eso es justo. Entonces no hay una manera real correcta o incorrecta de hacerlo. jadeo es más evidente en los auriculares, y no quieres desplazarte como tu parte principal del piano todo el camino a la derecha, probablemente sin dejar nada de eso a la izquierda Si el ritmo se construye alrededor de cierto elemento, probablemente quieras eso como en algún lugar cerca del rango solo para que se escuche en ambos oídos. Pero tal vez no. Realmente es una elección subjetiva. Si no puedes decir lo que quieres con jadear, yo solo mantendría la mayoría de las cosas básicamente en el centro, pero, como, darle a todo al menos su propio espacio uno o dos grados Y luego a medida que te sientes más cómodo produciendo, comenzarás a entender lo que te gusta hacer y hasta dónde te gusta empujar tu jadeo. 16. Duplicación y capas: agrega profundidad y textura: Hablamos un poco sobre la duplicación y la estratificación, y ciertamente hemos explorado duplicación y la estratificación cuando se trata Pero puedes usar esta técnica para todos los elementos de la producción musical. Quieres duplicar y poner en capas las cosas por interés por mph o la Jenicka Solo quieres agregar algo nuevo a tu canción, y puedes intentar duplicar o estratificar algunas partes Es una práctica común poner capas en tus snares. Puedes duplicar tus partes de guitarra, puedes poner en capas tus partes de sintetizador con diferentes sintetizadores Realmente puedes duplicar cualquier parte. Ahí está esta cosa llamada “phasing”. Entonces, a veces no puedes simplemente Apple D Windows D duplicar una pista existente. A veces y muchas veces la mayor parte del tiempo, eso no funciona por la forma en que funciona el sonido, es un poco confuso y difícil de explicar, pero si tienes exactamente las mismas ondas, cancelarán entre sí y se separarán mutuamente. Por eso no se puede simplemente tener la única vocal y literalmente duplicar la pista y tener dos voces. Desgraciadamente, en realidad no funciona de esa manera. Si tienes que hacer eso, puedes compensar el tiempo de ambos, es un poco pirateo, pero no te recomiendo. Un truco realmente genial que puedes hacer es pan ancho duro a la izquierda y duro a la derecha, una parte doblada. Así que vamos a sumergirnos en algunos dobles y tendidos. Aquí tenemos un beat que hice, que tiene una parte de guitarra. Tengo una toma es todo el camino a la derecha. Otra toma es todo el camino a la izquierda. Esto deja mucho espacio en el medio para todo lo demás. Entonces no sólo estamos duplicando nuestra parte de guitarra para hacer que la parte suene un poco más gruesa y potente Somos capaces de entrar en pánico a la izquierda y a la derecha dura, lo que deja toda la habitación en el medio para cada otro elemento de la canción. Y esta es una técnica realmente genial. Si tu armonía se parte duro a la izquierda y a la derecha dura, entonces puedes tener tu voz en el centro, pan un poco tus tambores de esta manera, tu base un poco así, y tienes una experiencia de espectro muy completo para el oyente Entonces, este es un truco realmente genial de usar. Entonces vayamos a este ritmo aquí. Y pongamos nuestro corazón de armonía con este sn. Este es un sintetizador diferente Una nueva capa. Incluso una nueva capa. Incluso una nueva capa. Lo que estamos haciendo aquí es que estamos estratificando esta parte exacta del ácaro con diferentes sonidos en diferentes octavas Y estamos estratificando diferentes texturas y tipos de sonidos para que tengamos esta etérea soñadora que llena el espacio con este tipo de sonido más sonoro como campana con este sonido súper valiente Y juntos, estamos consiguiendo esta capa de sensación única y muy completa. Así puedes experimentar duplicando y estratificando tus partes para tal vez pan una dura izquierda y dura derecha, para crear espacio, para hacer tu parte un poco más gruesa Simplemente puedes seguir duplicando tus sintetizadores y tus partes de pano porque eso es fácil. Simplemente copias y pegas una nueva pista, y luego ves cómo suena eso en un sintetizador que suena diferente Y realmente puedes llevar eso tan lejos como quieras. Y eventualmente, sí, vas a detallar el volumen, y seguro a veces, es mejor parar mientras estás por delante y estás como, tengo dos capas que suenan bien, y la tercera capa, tal vez suene un poco desordenada Eso no quieres. Así que siempre sé honesto contigo mismo de ¿ suena mejor con esta cosa? ¿Estoy haciendo que sea una mejora? ¿Solo estoy estratificando solo una capa? Pero es genial experimentar y probar diferentes cosas para ver qué es lo que realmente suena mejor. Recuerda, puedes poner capas a tus diferentes golpes de caja. Puedes poner tus bombos en capas. Puedes duplicar tu voz. Podrías poner capas diferentes bases siempre y cuando no tengas, como un extremo bajo fangoso Entonces, si quisieras poner bases en capas, yo recomendaría tener una que sea, como, en realidad el instrumento de sensación de base, y luego capa tal vez solo el extremo superior de diferentes bases. Entonces eso realmente depende de ti. Pero la estratificación realmente agrega una dimensión a tu canción. Y recuerda, puedes poner las cosas en capas manera diferente a lo largo de la progresión de tu canción. Entonces tal vez la primera parte empieza no muy estratificada, y por el último coro, es súper estratificada Esa es una gran manera de hacer las cosas. Estás como, Bien, cada nueva sección de tu canción tal vez tenga una nueva capa o algo así. Así que hay muchas formas correctas de hacerlo, y estoy emocionado de que empieces a explorar capas en tu música 17. Orquestación: compone con confianza: orquestación es el concepto de tomar tu ritmo la pequeña parte de tu canción y tu ritmo y realmente expandirlo, y convertirlo en todo un mundo, todo un universo, estás orquestando, estás componiendo, estás mejorando, y realmente cualquier parte de la historia que intentes contar, estás tratando de contarla lo mejor que puedas Entonces, exploremos la orquestación. orquestación puede significar agregar y colocar capas en nuevas piezas e instrumentos ¿En qué momento quieres tener otra parte de armonía? ¿En qué momento quieres agregar un nuevo instrumento? Tal vez quieras agregar un nuevo instrumento en una nueva gama en el coro para ayudar a que la calidad sónica evolucione Estás como, Oh, ahora hay una cosa de gama alta que no estaba ahí en el verso. Puede agregar tal vez un nuevo sintetizador en una parte de construcción. A lo mejor vas a reemplazar un sonido existente en una nueva sección. Y los fumadores de la cadena hicieron esto en una de sus canciones de gran éxito, que exploraremos. Se pueden colocar capas de sonidos existentes con nuevos sonidos que se reproducen en diferentes rangos, dando el efecto de que la parte está creciendo. Como siempre, estudia tus canciones favoritas. ¿Cómo se colocan en capas nuevas piezas? ¿Cómo mantienen interesantes sus piezas existentes? Así que vamos a sumergirnos. Entonces aquí tenemos este ritmo. Entonces tal vez tenemos estos tambores. Entonces tal vez entren el bajo y los bombos. A lo mejor las voces también entrarían aquí. A lo mejor este es el primer coro, y luego este es verso. Y ahora que hemos escuchado esto por 8 barras, lo mejor agregamos un nuevo sonido. Como una capa. De la mano en su lugar único. Y ahora este coro tal vez tenga una nueva capa y una nueva gama Y una nueva parte. Entonces esto es bastante común el coro sea la mayor parte de la canción Y entonces tal vez después del coro, agregamos las nuevas lluvias, así que estamos escuchando ese mismo riff, pero sigue creciendo, pero sigue creciendo, dando a la canción la sensación de que está creciendo, y agregamos una nueva parte, que es esta parte continua de arpegio, que agregó un poco Y entonces tal vez nos descompondríamos a algo así para el segundo verso. Y entonces tal vez entren algunas capas más para esta parte. Y podrías seguir con eso y seguir creciendo estratificando y sacando partes para tratar de que toda tu canción sea interesante Recuerda, con la orquestación, tal vez quieras hacer el estilo moderno de estratificación donde simplemente te gusta copiar y pegar el middy tal como O tal vez sí quieres seguir adelante y ser un poco más intencional, y estás como, Bien, ahora que encontramos nuestras capas, Tú eres como, quiero ser intencional al respecto. Nuestras notas base están tocando algunas notas aquí. Tenemos la versión melodía de nuestros acordes. La parte superior. Y de veras, me gusta este piano, pero solo necesitábamos tocar la nota que falta. Para hacer un acorde solo se necesitan tres notas. Entonces esta es la misma información midi. Pero el bajo está tocando estas notas. Los pianos tocando esas notas, y el sintetizador Bell está tocando la parte superior Aquí estamos sacando mucho kilometraje de nuestra armonía. Cada parte solo se juega una vez, por lo que cada parte es súper importante aquí. Esto es agradable y muy limpio, o a veces solo quieres este tipo de sonido. Simplemente depende subjetivamente de lo que vayas a buscar. Entonces, recuerden, estamos orquestando esto con la mente maestra Bien, vamos a empezar solo con el piano. Y luego vamos a entrar con la batería. Y luego vamos a entrar con el bajo y toda la batería y la voz. Hola. Entonces vamos a un segundo verso que aún no hemos escrito. Entonces para esta pre tarea, estamos estratificando un poco más. Y luego para el segundo coro. La misa vive así su. Vamos esta parte y esta parte. S dime Y luego adonde quiera que tu canción quiera ir a partir de ahí. Entonces, puedes empezar a ver cómo la música realmente vive linealmente Continúa. No existe en forma de bucle. Y te animo a que no pases demasiado tiempo en un bucle. Tan pronto como tengas algo que se haya cultivado, apaga el modo loop y empieza a hacer crecer tu canción a lo largo de la línea de tiempo porque naturalmente, sabrás, Bien, estamos un poco hartos de escuchar esto, y luego lo cambias de inmediato Y entonces estás como, Bien, ahora quiero que esta parte se superponga. Sabrás lo que se siente bien en este momento. Y por lo general lo que se siente bien es agregar algo o quitarle algo después de que hayan sido alrededor de cuatro u 8 bares. Si simplemente no tienes idea, cambia algo cada 8 barras, y estás como, Bien, cada 8 barras, o estamos agregando algo o llevándonos algo. Y si ha pasado un tiempo desde que te llevaste algo, si todo lo que has estado haciendo es sumar, entonces pasa por una sección donde te lleves todo. Y si todo lo que has estado haciendo es quitarte cosas, entonces tal vez quieras volver a agregar algo. Y puedes seguir agregando nuevos instrumentos, o puedes ir a ese enfoque post malone, donde en o puedes ir a ese enfoque post malone, realidad eran los mismos instrumentos, pero simplemente seguían sacando básicamente los tambores y trayéndolos de vuelta Y eso fue suficiente para mantener las cosas interesantes. Entonces no es necesario complicarlo demasiado. No necesitas siete capas de sintetizador diferentes. De verdad simplemente no lo haces. Podrías solo tener un sintetizador y estás como, eso suena Lo que vamos a hacer es que vamos a traer en la base, sacar el bas, traer los tambores, sacar los tambores Vamos a tomar ese sintetizador arriba en octava, abajo en octava Hay mucha variación y contraste que se puede hacer por todas partes. Pero orquestar es cuando te metes en la mentalidad de empezar a imaginar el panorama general de tu canción Y como con todo, escucha tus canciones favoritas y averigua ¿qué están haciendo? ¿Cuándo están estratificando? ¿Cómo están estratificando? ¿Cómo te mantienen interesado a lo largo de toda la canción? Y a través del estudio de tus canciones favoritas, encontrarás todas las respuestas sobre cómo escribir tu propia música original. 18. Contrario de melodía: mejora tu flujo melódico: Esta lección trata sobre las melodías de contador. Entonces hablemos de lo que es una contramelodía. Una melodía de contador es básicamente estás agregando un nuevo sonido o un sonido existente que está tocando una melodía simple que no distrae, sino que armoniza bien con la Por lo general, en el segundo verso de una canción pop. Es una buena manera de agregar interés sin sumar demasiado. si solo capas y capas simplemente no es lo adecuado para tu canción. Estás como, Hmm. A lo mejor para el segundo verso, solo quieres hacer una melodía de guitarra sencilla que no distraiga de tu voz principal, sino que esté haciendo crecer la canción Las melodías de contador son más populares en algunos géneros que en otros, pero yo diría que si realmente quisieras, probablemente podrías encontrar una contramelodía para cualquier canción en la que estés trabajando Entonces, exploremos cuál podría ser nuestra contramelodía. Señorita Citi miso. Estuve hablando toda la noche con el tao diciéndome por qué cosas que deben. Esta es una parte realmente simple, pero armoniza bien con los elementos existentes, y no distrae de Entonces esta sería una buena contramelodía. Nada en Co. Tan alto Naso. Hablando de noche con el tago Así que esto es algo que podría llegar en la segunda vez que escuches esta parte No necesitas esta parte. Nada en M Co. W alto Naso. Hablar de noche con la etiqueta. Dile. Pero es lindo. En una segunda carrera a través. Nada en M Con. Tan alto Novasol Estoy hablando toda la noche con las etiquetas dicen Las melodías de Counter son el tipo de cosas que quizás ni siquiera notes en una primera escucha a través porque tu enfoque sigue estando en la voz principal o la parte principal o lo que sea como debería ser Pero está ahí para realmente solo agregar ese siguiente nivel de interés, y tal vez no lo escuchaste, pero está ahí haciéndote escuchar la parte principal de una manera nueva, armonizándola de una manera nueva Y entonces podrías notarlo en un segundo escuchar a través o en un tercero, y estás como, Oh, guau, ni siquiera me di cuenta de que son como agregar una melodía entera de contador a esta parte Las mejores melodías de contador son súper papeles secundarios. Son la prioridad más baja. No están tratando de destacar. Solo están ahí para agregar un poco de extra, así que la canción se siente como si estuviera creciendo. 19. Hacer que las secciones suenen completas: maximiza tu mezcla: Haciendo que la sección suene llena. plenitud es una parte muy importante en mucha música, porque suele haber un tiempo en tu canción en el que solo querías tomar el relevo y sentirte realmente lleno, ya sea la gota de tu canción o el coro de tu Entonces, vamos a explorar cómo podrías hacer eso. Formas más fáciles de llenar los trapos de frecuencia. Tienes tus subs, tus bajos, tus medios, tus agudos y tus máximos extra, boom, secuencia armónica completa Entonces esa es una manera de hacer que las cosas suenen llenas. Otra cosa que hace que las cosas suenen llenas son los medios bajos. Si los medios bajos están muy presentes en tu canción, tiene este sonido muy completo. Entonces a veces base y sub juntos, base vivir en esos medios bajos realmente puede crear una plenitud a tu canción contraste también puede hacer que las cosas suenen llenas, agregas algo brillante en tu coro, o agregas algo brillante en tu coro o dejas caer la base en una sección diferente, que puede hacer que las cosas suenen llenas por contraste de lo que vino O bviosamente, puedes agregar capas para hacer que las cosas suenen llenas. Se pueden añadir efectos de sonido. Puedes tener un impacto o chocar en una sección para que suene llena. Estudia tus canciones favoritas e identifica cómo hacen que su sección suene llena? ¿De qué manera los están cultivando? ¿Es el contraste? ¿ Hay un choque en una sección? ¿Qué está pasando en sus canciones que suenan llenas? Y te sorprendería que algunas canciones están mucho más descompuestas que aún se sienten llenas de lo que piensas. Entonces esta es la forma clásica. Esto es solo acordes grandes en un espectro completo. Entonces, vamos a escuchar esto. Suena como una partitura de película, como un villano y una película de James Bond o algo así Entonces veamos qué está pasando aquí. Bueno, tenemos estos acordes realmente grandes, y son grandes. Abarcan muchas, muchas octavas. Aquí hay muchas notas que se repiten. Entonces tenemos una D aquí abajo en la región base. Tenemos otra D en octava arriba, y Finita A. Así que ahora mismo estamos jugando a D menor A continuación, estamos tocando otra D arriba aquí, y E, así que es una especie de acorde add two. Estamos duplicando nuestra nota A. Estamos duplicando nuestra D otra vez. Tenemos otra E, así que estamos duplicando la segunda Tenemos otra F, así que estamos duplicando la tercera, y tenemos otra D. Así que esta es solo una gran capa de todas las mismas notas que me sonaban bien cuando tocaba en el piano y creo que tal vez programé algunas Entonces puedes tipo de capas de acordes uno encima del otro Porque una D menor es D F&A, no significa que necesites detenerte ahí Prueba D FNA, pruébalo una octava, pruébalo hasta tres Mueve algunas notas por ahí, experimenta con tener la D aquí arriba y no tener la A en el medio. Simplemente puedes experimentar y hacer lo que te suena bien, pero eventualmente, puedes terminar con estos grandes acordes Esto por sí mismo, suena bastante lleno. Es sólo una orquesta de sonido completo, pero no paramos ahí También agregamos una capa de latón haciendo los mismos acordes. Agregamos una capa inferior de latón haciendo la base. Y agregamos otra capa de cuerdas haciendo solo la parte alta. Es casi perforantemente alto cuando está solo. Entonces, en conjunto, tenemos una pieza musical que suena muy completa Exploremos un estilo de música muy diferente que todavía tiene plenitud. Entonces este lo estamos logrando llenando realmente ese rango medio bajo. Entonces déjame aislar la pista de piano, que es la estrella principal de esa gama. Entonces aquí está nuestro piano. Y esto es sentir que C dos a C tres trapos, lo que realmente hace que las cosas suenen llenas Así que estamos usando ese rango más contraste para hacer que esta sección suene completa de una manera completamente diferente a la del último ejemplo. Me puse en la naturaleza y. Eso en la naturaleza así vi Oh eso Puede que no describas esto como que suena completo, pero no hay agujeros sónicos Se siente totalmente lleno, y eso ni siquiera está en tu mente, porque no hay nada que falte en este ritmo. Entonces lo que estamos haciendo aquí es que tenemos estos tambores. Y tenemos nuestro bajo con un sub. Tenemos nuestro piano. Y nos ponemos capas en esta guitarra incluso. Y tenemos esta textura. Entonces tenemos los acordes bajos en el piano. Tenemos un ritmo de batería completo. Hacemos algo de textura solo para llenar algún otro sonido, y tenemos una parte de guitarra más alta que contrasta el rango. Esto suena completo solo porque tenemos todos los diferentes rangos cubiertos. Y deja espacio para agregar un poco más, lo que hacemos más adelante en la canción. Naturaleza, todo es cambio. La naturaleza las cosas cambian. Naturaleza, todo es cambio. La naturaleza es cambio. La naturaleza. Esto tiene todos los elementos de antes, salvo que además, tenemos estas cuerdas altas ahora tenemos estas cuerdas altas. Y juntos. Oh. Entonces, estas son diferentes formas en las que puedes ir haciendo que la sección suene llena. Y dependiendo del género al que vayas, una forma podría ser más atractiva que la otra. Puedes hacer las capas los grandes acordes y el sonido realmente completo, o simplemente puedes ser como, ¿sabes qué? Conozco los acordes que quiero tocar. Voy a tener este piano, esta guitarra va a entrar, bajo y batería, y eso es todo lo que necesito. Y cuanto más produzco, más sazonado de productor en el que me vuelvo, tiendo hacia el segundo ejemplo. Tiendo a encontrar menos partes para hacer que algo suene lleno, pero no hay una manera equivocada de hacerlo. Entonces, lo que sea que te suene mejor y lo que se sienta mejor para tu canción siempre va a ser la respuesta correcta. 20. Inversiones de acordes en piano: desbloquea posibilidades armónicas: Hablemos de voces de acordes. Puedes cambiar tus inversiones a lo largo la canción para que la canción siga creciendo y evolucionando y manteniéndose interesante Puedes probar la voz del coro. Puedes aplicar nuevas inversiones en capas sobre sonidos existentes. Tienes diferentes sonidos que tocan diferentes notas de tu acorde, y puedes experimentar con lo que te suena mejor. Diferentes voces, tienen diferentes emociones y sentimientos, llenos, vacíos, inquietantes, poderosos Honestamente, el poderoso suele venir de que los acordes sean más densos Entonces, lo que buscas te ayudará a dirigirte por el camino correcto. Sigamos adelante y escuchemos estos acordes. Esta es la posición de raíz estándar. Ahora, experimentemos con algunas voces corales. Es son los mismos acordes. Pero lo que hicimos, agarramos la segunda nota y la cuarta nota, y la saltamos arriba y oct, lo que estoy haciendo con turno Y esto tiene ahora un sonido diferente, más abierto. A. Entonces, otra forma en que podríamos hacer esto es que podríamos simplemente tomar todas las notas más bajas y sacarlas a colación inctave Se trata de una nueva inversión. Podríamos intentarlo de nuevo. Podríamos intentarlo incluso de nuevo. Y podríamos mover todos estos cordones hacia arriba o hacia abajo en octava. Puede hacer clic en el espacio vacío, comando A, desplazar la flecha hacia abajo. Una regla general es que cuanto más bajo vayas, más espacio entre tus notas normalmente deseas. tener algo como esto, dos nariz justo al lado otra en este rango bajo podría no sonar lo mejor. Está bien, pero está un poco embarrado. Con un acorde de cuatro notas, puedes organizarlos bien teniendo la raíz en la base, la tercera, la quinta, o la séptima o lo que sea la cuarta nota. Esas son básicamente tus opciones si quieres mantenerlas todas juntas. Cuando empiezas a abrir los acordes y estás como, Bueno, esta segunda nota aquí podría subir una octava, pronto tienes muchas más opciones, y estás como, Bien, vamos a tener la tercera una octava, y mantengamos la otra nota en el O tal vez tomemos el quinto y vamos a mover ese hacia arriba en Octave Algo bueno a tener en cuenta si solo vas a bajar inversiones tras inversiones y estás como, Bueno, no sé lo que ni siquiera estoy buscando Se trata de crear una buena melodía con las notas altas. Intenta crear algo que sea interesante. Entonces todas estas notas en estos acordes son diferentes básicamente Entonces, cualquiera que elijas probablemente no sea una mala elección, pero algunas progresiones de acordes tienen muchas notas similares, en cuyo caso, si estás tocando algo como esto, aquí hay una nota en común Entonces, si tuvieras esa nota arriba, Tiene cierto sentimiento a ello. Y a lo mejor quieres eso, a lo mejor no. Pero si no sabes lo que buscas, tendería a que la nota superior esté cambiando. Por supuesto, realmente no hay reglas, así que simplemente haces lo que quieras hacer, pero es útil tener ciertas cosas a tener en cuenta, al menos cuando no estás seguro de lo que estás buscando. Se va a mover de nuevo a estos epinocta. Y ahora podemos mover todo esto hacia abajo. Puedes hacer que los acordes comiencen siendo más bajos al inicio de la canción y luego se abran a lo largo de la canción Entonces tal vez en el primer verso, empieza aquí. Y luego por el coro, se abre hasta aquí. Y entonces tal vez vuelva a ser más pequeño para el verso. Esa fue una manera muy sencilla de crear un contraste genial sin agregar realmente nada en absoluto. Sólo estamos cambiando las inversiones de las mismas notas que ya estamos tocando Entonces esa fue una manera muy fácil crear algunas cadenas y contrastar en canciones. Una vez que hayas encontrado tu progresión de acordes, dedica un poco de tiempo a encontrar las inversiones adecuadas para tus acordes porque me parece que ciertas inversiones suenan un poco más jugosas que otras, pero siempre está dentro del contexto específico Es agradable a veces cuando los tercios están arriba Pero eso realmente depende de ti decidir qué suena mejor en tu caso. Y te insto solo a que tomes 5 minutos y veas, ¿hay algunas inversiones que suenan mejor de los acordes que ya tienes? O tal vez la forma en que lo tenías fue perfecta, y luego simplemente lo dejas en paz. Por supuesto, puedes hacerlos crecer y evolucionar con el tiempo, y te sugiero que lo intentes porque eso mantiene la canción sonando interesante 21. Las secciones quieren crecer: evoluciona la historia de tu canción: Secciones de tu canción quieren crecer con el tiempo. Al igual que, en realidad no quieres escuchar exactamente el mismo coro dos veces. Sí, sí quieres escuchar el coro dos veces porque probablemente sea una pieza musical atractiva o sea Casi, o es divertido Pero es agradable si puede tener algunos cambios en él. Algo diferente, así que eres como una razón para que exista por segunda vez. No sólo pienses estructuralmente, Bueno, tiene que ser A B, A B. Así que tenemos que hacerlo dos veces, darle una razón para existir, darle, ganar esa segunda repetición No es sólo un copy paste. Hay algo único en ello. Así que sigamos adelante y exploremos haciendo que tus secciones crezcan con el tiempo. Aquí tenemos una canción que escribimos para un cortometraje, y comienza con este verso. Fresco. L a secarla. Ella Por qué como el helado de vainilla. Limpio ahora es un simple té blanco. Vamos a té de puerta fría. Vamos a la segunda mitad del verso. Fuerte. Ahora vamos a los salvajes abrimos la puerta fría a tu arroyo más salvaje Súbete al negle Ahora estás sonriendo conmigo. Soy Johnny Cold Day. Sí, tu salvaje en esta calle. Entonces estamos haciendo una repetición del coro, y lo que está pasando aquí es que hay esta voz alta que empieza a entrar en la segunda parte, esta llamada y respuesta Así que estamos evolucionando este estribillo con el tiempo. Luego vamos a un segundo verso. Rojo como algún color gris. Ramping para un segundo coro. Fuerte como una maldita víbora D en los días fríos. A tu ronda de arroyo. Y ese coro tiene la voz. El vocal principal es arriba y octava. Entonces ya hay alguna diferencia ahí. Hay mucha más energía. Y agregamos algunos coro de fondo yendo Oh. Para que se pueda notar la diferencia de este coro. A este coro. A tu ruidoso. Los tambores también van un poco más duros en el segundo coro. Entonces eso es realmente darle a esto una razón para existir y emocionante de escuchar porque sabes que la segunda vez que escuches el estribillo se va a sentir aún más emocionante Y eso es básicamente lo que quieres. Entonces vamos a escuchar una canción de una vieja banda de la mía uro y vamos a escuchar la canción uno. Un bonito. Bueno, voy a venir mi copa. Eso es lindo. Salta adelante a este coro. Sí, vengo. Diez. Entonces. He estado pateando aquí vamos No es para mostrar. Se siente como si algo faltara. Ya lo sabes. Eso es O B dos veces ha estado pateando Espectáculo. Amy entra. Anguilas como si algo faltara. Mi a entró. Ya lo sabes. Ahora vamos a sorber adelante al segundo coro. Un bonito bonito. Segundo char. Eso es dos veces. Patada en. Hola show de sintetizadores Y la parte del tambor rápido. Tacones como picadura. Ya lo sabes. Como Ow recoger en. Ahora viene. Tacones como si algo faltara. Ya sabes. Entra la canción más nueva. Entonces solo te estoy mostrando diferentes ejemplos de partes que crecen a lo largo de la canción. Entonces el primer coro golpea, y escuchas la letra, escuchas la voz, y está lleno, pero no es como simplemente estallar fuera de la Y entonces para cuando llegue el segundo o tercer coro, hay muchas partes nuevas ahí, y tenemos nuevas capas Entonces realmente le da una razón para existir. Tienes que ganar tus partes repetitivas. Pero sí, probablemente quieras repetir tu estribillo. Es un buen rompecabezas para resolver. Es un buen reto tener. Y sólo empieza linealmente. Empiezas por alguna parte. Probablemente suene bastante bien sin demasiado, y entonces solo puedes crecer y crecer y crecer a medida que avanzas. Debe ser un proceso natural. Y una vez que empieces a hacer tus propios ritmos, apuesto a que empezarás a hacer esto intuitivamente 22. Mantente alejado: gran consejo que un productor muy talentoso amigo me dio un productor muy talentoso amigo mío es que me quede alejado. Entonces en esta lección, sólo voy a estar hablando de lo que eso significa. De verdad quieres hacer los detalles al final. Desea mantenerse flexible en caso de que necesite reescribir ligeramente su parte base mitad Si realmente has ido todo adentro, solo diseñando y procesando y todo, va a ser más difícil para ti, incluso solo intelectualmente conseguir que vayas allí porque la cantidad de cambio que vas a tener que hacer es Por lo que desea ser capaz de mantenerse flexible durante todo el proceso de producción. Puede ser desalentador pasar para siempre retocando el cuarto golpe de caja solo para darte cuenta de que necesitas reimaginar toda tu Sigue tu intuición porque muchas veces para mí, tengo este sentimiento, necesito cambiar esta parte, y no lo hago, y no lo hago Y luego llego al final de la canción, y estoy como, Oh, realmente tengo que cambiar esta parte. Entonces escucha tu intuición. No siempre hay que cambiarlo todo, y a veces hay plazos y los plazos son saludables y todas estas cosas. Pero ya sabes, pasa esos cinco o 10 minutos extra para ver si puedes conseguir una parte un poco mejor. Al principio suele valer siempre la pena. Esto es todo para decir, no seas demasiado precioso. Experimenta, prueba cosas diferentes. Guardar como tu amigo. La canción debería funcionar sin los detalles. No hay cantidad de detalles y retoques que guarden una mala canción Esto es muy importante recordar que si la canción no se siente mágica solo con algunos acordes y algunas melodías, entonces probablemente quieras encontrar diferentes acordes y diferentes acordes y Si estás haciendo el primer acercamiento de la canción, solo siempre quieres tener la canción en mente, y eso es fácil de hacer porque ya existe, y solo realmente quieres agregar cosas que potencien la narración de la canción. Entonces estás bien, ¿qué es lo que realmente es necesario? Comienza con solo los huesos desnudos de agregar lo que realmente necesitas? Y a partir de ahí, puedes empezar a embellecer y hacer que las cosas brillen un poco más y presumir de tus talleres de producción, pero siempre solo quieres mantener las cosas simples al principio para que puedas mantenerte flexible si necesitas cambiar una parte o Entonces, si estás tocando en una parte de tambor tentador e intentas parte de base, y al hacer eso, empezaste a retocar tu batería un montón, y entonces de repente te das cuenta, oh, hombre, como, te equivocaste de acercamiento con tu Es necesario cambiar los sonidos. Es necesario cambiar el patrón. Es más difícil conseguir que haga eso cuando le he dedicado mucho tiempo. Así que trato de poner en todos los detalles y el tiempo lo más tarde posible en el proceso, así que soy el más confiado y el más seguro de que sí tengo mis partes bloqueadas. El relleno de tambor perfecto y el relleno de base perfecto generalmente pueden esperar un poco, y probablemente no se va a hacer o romper si los tienes de inmediato. Pero claro, si tienes alguna idea realmente genial, quiero decir, saca tu idea con seguridad. No estoy diciendo que no exploren esas ideas. No estás seguro de dónde poner tu energía, todavía vale la pena grabar tu parte base antes de finalizar el campo de batería absolutamente perfecto y detallado Es importante tener en cuenta de dónde vienes, porque a lo mejor vas a empezar a trabajar en una construcción y haces que tu construcción sea tan grande que supere la caída Y de repente, tu caída simplemente no se siente bien viniendo de una construcción tan grande. Entonces a veces tienes que quedarte en esa manera alejada donde estás como, Bien, vamos a construir, pero sé como cuál va a ser mi caída Debido a que la caída no va a ser esta enorme explosión y locura llena, esta enorme explosión y locura llena, debemos tenerlo en cuenta cuando estemos haciendo la compilación para que no hagamos una compilación que tenga el espectro de frecuencia completo para hacer una gota que esté vacía, pero no de una manera genial y contrastante. Entonces es por eso que mantenerse alejado puede ser bueno. Si eres como, sé que mi coro no va a ser súper enorme. Por lo tanto, tenemos que ir aún más pequeños para el verso. Y así el panorama general nos ayuda a tomar buenas decisiones en el camino. El modo loop puede ser engañoso porque tal vez estés en modo loop Y estás dando vueltas a tu coro. Y esto raro pasa en modo loop donde estás como, Oh, creo que puedo agregar más, y creo que puedo agregar más, y empiezas a agregar más y más y más y más porque has estado haciendo un bucle Entonces estás acostumbrado a escuchar lo que ya está ahí, y empiezas a agregar y agregar y agregar. Y luego cuando vuelves y lo tocas para alguien más, es como, demasiado solo los golpea a todos a la vez. Yo soy como, Whoa, tienes muchas cosas entrando ahí, porque estabas haciendo un bucle entonces y acostumbrándote a lo que estás escuchando y estratificando lentamente versus cuando lo escuchas fuera del modo loop, simplemente todo te golpea Así que ten cuidado trabajando en modo loop porque he hecho tantas veces donde acabo de añadir demasiado. He sobreproducido, y como, entonces ni siquiera suena bien o incluso tiene sentido en contexto cuando no escuchas que se construye lentamente en modo loop Así que solo tenlo en mente. 23. La regla de los 3 segundos: Hablar de la regla de los tres segundos. Ahora bien, la regla de los tres segundos probablemente debería cuidarse solo si has hecho todas las partes, cómo se supone que deben ser. Si tienes tus tambores y ellos tienen una pequeña pastilla genial, y tienes tu bajo, y tiene un relleno en un lugar diferente, y luego tienes tu parte de armony, esto tocando un riff genial, y luego tienes tu voz que está cantando en su propio bolsillo La regla de los tres segundos probablemente debería cuidarse sola. Pero lo que está diciendo, básicamente, cada 3 segundos, debería haber un nuevo sonido, algo así como entrar. Esto no significa un nuevo sonido en tu canción que antes no estaba ahí. Simplemente significa que, como a lo largo de escuchar la canción, básicamente cada 3 segundos, como, el riff caminaba hacia abajo, y luego surgió la línea de base, y luego ocurrió el relleno de batería, y luego sucedió la voz, continuamente estás entregando la atención a una parte diferente una manera realmente orgánica Ahora, cuando escuché esto por primera vez, realmente me estresó. Eso parece una locura, como cada 3 segundos, como, ¿cómo voy a hacer eso? Así que no te preocupes por la regla de los tres segundos realmente. Es como este tipo de cosas generales que puedes, tener en el fondo de tu mente, pero no te gusta el estrés al respecto. Te gusta, Oh, Dios mío, pasaron 3 segundos y no agregué nada nuevo. Eso no ayuda, y no en absoluto el punto de esto. Si has hecho todas tus piezas, esto probablemente debería cuidarse solo. Y es solo una especie de recordatorio guía si no estás seguro. ¿Sabes qué? L, a lo mejor tal vez no necesita un poco de llenado de tambor. Ya sabes, A lo mejor tu batería late como conseguir una pequeña venta. Es algo así como lo mismo, solo hacer un “looping” y “looping”. Esto es para lo que está destinado. Te lo recuerdo. Oh, tal vez necesites un momento de pizzazz aquí y allá o la voz se cae, y nada entró en ese bolsillo. Es solo para recordarte que donde quiera que haya un espacio libre, no necesitas llenarlo un silencio es genial, pero puedes tener estos momentos más destacables. El vocal cae hacia abajo. No pasa nada, el tambor late el crucero. A lo mejor te gusta una pequeña parte de guitarra salta o no. Ya sabes, no tienes que hacerlo, pero solo está ahí para recordarte que tu canción es algo en constante evolución, y puede haber muchos momentos diferentes que destacan 24. No sobreproduzcas: Algunas palabras de sabiduría son no sobreproducen. Entonces vamos a mostrar algunos ejemplos y experimentar con ¿cómo suena la sobreproducción No ahogues tu canción en producción, consejos y trucos. No ahogues tu canción en efectos de sonido y capas. Toma descansos. La perspectiva recorre un largo camino con la música. El modo de bucle puede ser engañoso. Así que ten cuidado. Tu canción no funciona con batería, bajo, una o dos partes de armonía y un plomo, entonces probablemente solo necesites escribir una canción mejor. Ninguna cantidad de retoques y capas interminables va a guardar tu canción si simplemente no suena bien en forma de boceto Si la idea central no es lo suficientemente fuerte, necesitas encontrar una mejor idea central. Hay un dicho de ponerle pintalabios a un cerdo. Sigue siendo un cerdo. Me encantan los cerdos, pero esto es solo un dicho solo para mostrarte, como, no puedes vestir algo y pensar que es algo diferente. Sigue siendo lo que es. Entonces tu idea central es lo que es, y si necesitas cambiarla, necesitas cambiarla, y si es perfecta, es perfecta. O sea, amamos a los cerdos, así que no hay nada de malo en eso. El oyente realmente solo puede enfocarse en 2.5 cosas a la vez Alguien que se esté mezclando, creo que se estaba desvaneciendo el soldado Ryan Era una película de guerra estaba abrumada con la cantidad de sonido que entraba, y el mezclador estaba como, Espera Hay mil millones de explosiones y gritos y disparos. Grabaron tanto, y no tenía idea de por dónde empezar. Entonces hicieron un estudio, y se dieron cuenta de que alguien solo puede enfocarse en 2.5 cosas a la vez. Y esos puntos de enfoque pueden cambiar. Pero él simplemente pasó y solo tenía 2.5 cosas arriba en cada fader y simplemente seguía sacando cosas dentro y fuera de la capacidad de atención, porque eso es todo en lo que podemos enfocarnos Entonces no tiene sentido tener demasiados sonidos que ni siquiera podemos percibir todos a la vez. Entonces, sigamos adelante y escuchemos cómo puede sonar la sobreproducción L et dicen que tenemos este ritmo. Y estamos en modo loop. Suena bien. Y estamos como, estamos sintiendo esto, pero es un modo loop, y tal vez queremos agregar un poco más. Y eso está bien. Entonces eso suena genial. Sí, eso suena bien, ¿verdad? Y luego vamos a agregar otro bucle. Ooh. Eso suena bien. Y tal vez quieras agregar otro patán. Bien. No quiero escuchar eso demasiado. ¿ Y otra? Oh. Eso suena bien. ¿Otro? Oh. Loco. A lo mejor otro. Y tú estás como, Bien, mantengamos este tren en marcha. Ooh. Agradable por venir a través. Sí, esto suena muy bien. Bonito. Y estás como, realmente sintiendo esto, y esto suena genial. Y luego regresas y escuchas la canción. Estás como, Bien, esto va a ser un golpe. Y estás muy emocionada por tus 20 partes de batería que están a punto de entrar. Y es un poco mucho. Y tú estás como, Bueno, no lo sé. Y entonces estás como, Bueno, esa vez no sonó tan bien. Simplemente sonaba un poco desordenado, y estás como, W, bueno, probémoslo sin todos esos tambores, y veamos cómo suena eso Estás como, Bueno, tal vez, tal vez solo un poco de eso, ¿sabes? Entonces, obviamente, había algo de lo que estaba agregando que me gustó. Había algo al respecto. Entonces tal vez quiera estar en algún lugar entre tener algunas de las capas versus solo la versión descompuesta. Pero va a mostrar cuando estás en modo loop, empiezas a meterte en este loco espacio y hacer capas y capas, y luego lo escuchas, y estás como, Oh, eso es solo un poco mucho Entonces es importante tener en cuenta eso, sí, bien, si algo me está llamando, la batería no está haciendo estallar lo suficiente, y sí quiero ponerla en capas, seguir adelante y ponerla, pero no necesitas 20 capas, probablemente, ya sabes, Así que trata de encontrar la una o dos capas que realmente están haciendo lo buscas en tu canción 25. Construcciones: crea tensión y anticipación: Esta lección trata sobre construcciones. Así que vamos a sumergirnos directamente en las construcciones. Las construcciones vienen en todos los géneros, formas y tamaños diferentes. Entonces esta canción es una especie de canción Indie, pero sí tiene una construcción, así que sigamos adelante y escuchemos esto. Entonces tenemos esta sección de desglose. Dígame, dígame afuera. No entran los tambores. Dime, dime que entran los tambores al revés. Y el objetivo de buff Así que esa fue una construcción bastante tensa, pero funcionó Básicamente, se supone que una acumulación elevará la energía, y esto se volvió más emocionante a medida que avanzaba, y subimos la energía en la gota. Este es un ejemplo. Lo que hicimos aquí es que los tambores empiezan a entrar lentamente. Y entonces este tambor estaba entrando. Y entonces tenemos este relleno. También tenemos esta almohadilla aquí. Y la almohadilla realmente no cambió a lo largo de esto. Entonces, esta guitarra de ensueño era realmente algo que se estaba levantando, actuando como un elevador Oh Entonces eso es realmente efectivamente lo que estaba subiendo. Y eso emparejado con el tambor entrando lentamente, finalmente conduciendo a ese relleno de tambor, es lo que nos dio ese impulso de energía que realmente se siente como una construcción que conduce a nuestra caída. Entonces volvamos a escucharlo. Tomo Tomo Tomo Así que ese es un ejemplo de una construcción. Y esa es bastante simple. Vamos a explorar algunos otros ejemplos de construcción. Entonces, aquí tenemos otra canción, y vamos a estudiar la construcción de esa canción. A mí. Ahora haz qué hacer lo que me quieras. No. A lo que necesitas necesitar Sí. Ir al desglose. Lo principal son los pecados. Tenemos algo de lluvia. Entra nuevo pecado. El sonido se está abriendo. Más épico. A mi me quieres. Transcener. Entonces, esta construcción se logró principalmente a través de este sonido creciendo con el tiempo. Entonces sigamos adelante y escuchémoslo. El sintetizador aquí. La con ese sintetizador ahí Este es el que realmente está creciendo. Tenemos este sonido. Y podemos ver la automatización. Nos estamos abriendo para filtrar. Se está volviendo más brillante. Y debido a que este filtro se está abriendo y cada vez más brillante, eso es lo que está dando esta sensación creciente. A mi me quieres. Sigamos adelante y veamos un ejemplo más. Aquí hay otro ejemplo de una construcción. El sintetizador es lo principal aquí. A entrar. Golpe de trampa A b. Así peggio viene en una goma dulce grande Entonces, hay muchos elementos diferentes en esta construcción, y lo principal que está subiendo en esta es dulce. Estamos sumando este arpegio. Lo que ayuda a agregar algo de movimiento y velocidad, y tenemos un poco de relleno de tambor aquí, y un poco de relleno de tambor aquí. Y como notarás con muchas de estas construcciones, no me gusta construir directamente en el ritmo descendente. No me gusta construir aquí mismo. Me gusta detener el build un poco antes, generalmente en el snare hit que iría antes del beat para que haya una pausa porque es genial como subir la energía, hacer una pausa y luego caer. Tiendo a preferir eso. Entonces notarás que esta construcción se detiene a mitad de camino a través de la barra antes de la caída Entonces, pongamos atención a eso. Me atrapó a Emma. Entonces, eso es lo que estaba funcionando sobre esto. Tenemos a ese pegiador entrando. Tenemos el barrido ascendente, y el barrido ascendente se detiene junto con todo lo demás se detiene justo antes de que llegue la caída, y tenemos esa línea vocal solista. Entonces ese es un buen truco para hacer. Sobre todo si tienes esa frase de Cats línea vocal que puedes poner justo en el bolsillo. Eso es lindo. La energía construye, entra la parte vocal principal y luego cae. Por supuesto, hay 1 millón de formas de hacer construcciones. Hay 1 millón de formas correctas de hacerlo. Cada canción tendrá lo suyo que pide. Pero en general, quieres que algo se levante. La clásica construcción de EDM era un bombo que iba como, da da da entonces cae Así que lo hemos escuchado muchas veces. Ya no estamos escuchando eso tanto solo porque nos excedimos un poco, pero ciertamente al aumentar el ritmo, sobre todo eso aumenta la tensión, claro, eso va a sentirse como una construcción Y eso sigue funcionando totalmente. Puedes tener sonidos ascendentes que se sienten como construcciones, aumentar los tempos se sienten como construcciones, aumentar la plenitud puede parecer una Así que solo conseguir algo que está elevando la energía y aumentando impulso se sentirá como una construcción, que es lo que quieres cuando quieres subir la tensión. Cuanto más tensa y más lenta sea tu canción, menos tendrás que hacer para que esa sensación se sienta como si estuviera construyendo Cuanto más rápida y complicada y llena sea tu canción, más vas a tener que hacer para que se sienta como si estuviera construyendo. Entonces, de donde vengas, el contraste de la construcción crecerá sobre eso. Por lo que te animo a que experimentes con estos diferentes estilos de construcción y encuentres lo que mejor se ajuste a tu canción. 26. Gotas: liberación energética y eufórica: L et's hablan de gotas. Entonces vamos a escuchar el final de esta construcción aquí. Gamma. Ir Esto entra en una sección de ranura que comienza a construir de nuevo. Entonces, exploremos un poco lo que está pasando aquí. Entonces tenemos esta construcción que detiene media medida antes de la caída. Y luego tenemos un bombo, y es un bombo que suena bastante grande En realidad es una capa de dos bombos diferentes porque realmente queríamos que tuviera algo de poder. Tenemos la trampa Tenemos nuestro ocho oh ocho. Entonces esto es realmente bastante escaso. Solo tenemos algunos tambores que suenan grandes y una base completa, y luego tenemos el sintetizador aquí Y la clave es que el volumen de estos sonidos es lo suficientemente alto en comparación con la compilación donde todavía tiene un gran impacto. El concepto detrás de esta caída es que está un poco más descompuesta y va de una construcción de sonido completo a una caída de sonido vacía, pero en realidad no puede sentirse Estabas notando el contraste, y eso está creando algo de emoción Pero estos sonidos aún se comparan con todos estos sonidos. Me tienes, ma. Entonces, si tuviera que hacer más fuerte la construcción, la caída sería muy decepcionante Entonces tenemos esta construcción. Bien, tú me quieres. Trascender Omni Presidente Entonces, ¿qué tenemos pasando en esta caída? Tenemos una construcción muy completa, que luego contrasta inmediatamente con solo una línea de sintetizador Entonces esto es algunos pecados en capas y un sub. Y juntos, That Transcender. Tenemos esto. Golpea aquí. Tenemos nuestro vocal Trascendente sn Tenemos este sintetizador. Tenemos un poco de elevador en la patada. Así que estamos agregando un poco de energía en el bombo que entra, y estamos agregando algo de espacio. Entonces sonidos que tienen un poco de impacto, pero también mucho espacio de reverberación para abrir la dimensión de la canción Nuestro gran tambor de patada. Entonces esto está empezando a construir de nuevo. Es como una especie de construcción en una que entonces el pago principal está realmente aquí Y eso es solo porque tenemos el resto de nuestros tambores dando patadas Entonces tenemos algunas por capas de trampa, algunas capas de trampa ágil, y en conjunto, esto está creando el momento de pago de nuestra caída. Paja. Es como que sigue haciendo así que tenemos otro punto aquí donde va a sec arriba. Línea de sintetizador existente get Y con todo, quieres que tu gota sea realmente bastante ruidosa en comparación Por supuesto, no se puede tener todo lo más ruidoso posible, pero este sintetizador es bastante ruidoso Ven. ¿Quieres? El espacio es bueno. Este sintetizador de aquí, hay que asegurarse de que la compilación no sea demasiado ruidosa en comparación, porque la factura puede vencer a algo así Entonces, el hack que usamos para permitir que nuestras construcciones se sientan grandes y ruidosas y que nuestras gotas se sientan grandes y ruidosas es este espacio intermedio para que no haya una comparación directa en volumen, que el oído se dé cuenta, el espacio, algo más entra, y luego entra un nuevo sonido. Esto nos permite engañar el volumen de la construcción un poco más fuerte de lo que podríamos si íbamos directamente de la compilación a la caída Entonces, además de agregar algo de tensión a la mezcla aquí con esa pausa, esa anticipación. También nos estamos permitiendo obtener un poco más de volumen de las diferentes partes. Te voy a mostrar un ejemplo más. Aquí tenemos dos gotas distintas de esta canción. Exploraremos esta construcción. Entonces, esta construcción aquí es realmente una deserción total del ritmo. Pausa. Así que es bastante fácil que algo suene impresionante después de algo que está tan vacío así. Realmente solo tenemos este piano. Y este elevador. Y luego llegamos a la siguiente parte. Entonces vamos a explorar, y luego llegamos a la gota. Entonces, vamos a explorar lo que está pasando aquí. Tenemos esta trampa de patada. Así que diferentes capas en la trampa. Y en nuestro bucle de platillos, tenemos algo de música en marcha Esto es bastante poco común, pero encontré un loop que tenía algo en el sonido del mismo que me gusta mucho. Tenía capa, sub cara. Piano. Eso suena así. Simplemente crea un anhelo en el fondo. Tenemos esto. Tienen estos efectos. Entonces, esencialmente, tenemos este impacto en el downbeat con estos efectos Tenemos esto que es más frecuente en el downbeat. Tenemos el piano que golpea al downbeat. Tenemos el bajo que golpea al downbeat. Tenemos la patada en que golpea al downbeat. Entonces desde este espacio de aquí, muchos éxitos justo en este downbeat, lo cual es muy emocionante Vamos a explorar la segunda gota por aquí. Tenemos esta toma de enfoque que está en bucle. Este auto dro edificio de basura. Y ahora, tenemos una caída muy similar a la primera vez. Y se puede notar como la primera vez fue realmente más de un contraste. Fue de vacío a lleno, lo que suena más impresionante, pero también es más discordante Este se construye un poco más a la perfección en sí mismo, lo que también tiene una muy buena sensación de pago Esto tiene muchos de los mismos elementos. Patada. Trazos. Tengo gotas vienen en todas las formas y tamaños diferentes, y no hay una manera única de hacer una gota. Pero puedes empezar a ver algunos temas que para ese momento para golpearte de verdad, el contraste es genial. Exploramos una construcción realmente completa a una gota más vacía, y exploramos una construcción realmente vacía a una caída realmente completa. Y con todo, solo quieres diseñar tu canción para que el drop realmente sea el momento impresionante que deseas. Y esto puede significar muchas cosas diferentes. Esto puede significar que el volumen de la construcción es mucho más silencioso que el volumen de la caída A pesar de que solo podrías tener una patada y mirar fijamente en una base, si bajas el volumen de tu construcción, la caída realmente va a destacar. Por supuesto, puedes hacer que tu caída destaque tanto que parezca fuera de lugar en discordante, y eso no es algo que quieras Y me suele gustar una quilla más parejo a la música, y quiero que las construcciones se sientan impresionantes también Pero hay un montón de pequeñas técnicas que puedes hacer. Lentamente puedes pasar alto la construcción ya que va a deshacerte de las bajas frecuencias para que cuando llegue la caída, salgan todas las frecuencias bajas y suene más impresionante. Escuché a Odessa decir que traerán el ancho estéreo de la compilación ya que va subiendo con una utilidad porque la utilidad tiene esa perilla, donde puedes controlar qué tan amplia es, cero siendo mono, 100% siendo estéreo. Para que puedas comenzar a automatizar eso hacia abajo para que la construcción sea cada vez más delgada También podría comenzar a pasar alto la construcción y pasar bajo la compilación, lo que la compilación sigue haciéndose más pequeña. Y luego, cuando llegue la gota, será un contraste aún mayor. Depende a lo que vayas a buscar. Pero tomarse el tiempo para realmente hacer tu caída un momento destacado siempre valdrá la pena. 27. Canciones de referencia: La lección es todo acerca de la canción de referencia. Entonces hablemos de lo que es una canción de referencia. Una canción de referencia es algo que tienes en mente, algo por lo que vas a buscar. Estás como, me gusta esta vibra. Quiero escribir algo en este estilo. Es aún mejor si tienes múltiples canciones de referencia, tal vez de diferentes géneros, y estás como, quiero hacer la batería de esta canción de los 80 con tal vez la guitarra de esta canción más moderna o lo que sea que estés buscando. Se puede empezar a combinar géneros de hacer tal vez como tambores de baile moderno con un sintetizador 80 más old school Eso es algo muy común que estoy escuchando en estos días. Y tener una brújula guía puede ayudar a todas las personas con las que estás colaborando a saber a qué van también. Porque a veces en la música, es difícil comunicar la sensación de algo. Oh, quieres que se sienta épico, o ¿qué significa eso para ti? ¿Eso es épica orquestal o épica de sintetizador? ¿Eso es como una épica folclórica? ¿Qué significa para ti? Tener canciones de referencia es bueno, y sobre todo cuando estás haciendo referencia a lo buena que es tu canción Ya sabes, ¿cuándo paras? ¿Qué tan golpean tus tambores tienen que ser? Usa canciones de referencia para ayudarte a entender en qué mundo vive tu canción y ayudarte a saber cuándo parar. ¿Cuándo es lo suficientemente bueno? ¿Cuándo vas quizá demasiado lejos en cierta dirección? Así que las canciones de referencia son muy útiles. Déjame mostrarte una canción de referencia que estaba usando y la canción para la que la estaba usando. Me gusta mucho este artista, y me gusta mucho esta canción, y quería escribir algo en esta fib Tú. Entonces, esta fue mi referencia, y yo estaba como, me gusta este cinco. Tratemos de escribir algo en este cinco. Así que traté de igualar mis tambores para estar en un mundo similar. Entonces empezamos aquí. I Mi hacha de bombo de patada es un sonido diferente al que hay. Entonces aquí es donde me alejé y fui en mi propia dirección Pero se pueden escuchar las similitudes. Tenemos es pesado en la percusión. Tienen algunas broches muy mojadas, y puedes empezar a escuchar cómo este ritmo vino inspirado en ese otro ritmo. Incluso teníamos una almohadilla. Hasta el momento, elementos similares, tempo similar, grupo similar. Su línea de base era bastante escasa. Mi bassine está un poco más llena, pero aquí está el bajo Puedo escuchar cómo suena mi ritmo comparado con su canción. Al usar eso como referencia, puedo ser como, Oh, bien, como, mi ritmo tal vez sea un poco demasiado agresivo, y quiero más de esa sensación de plomo hacia atrás . O estoy como, ¿sabes qué? Me gusta que estoy haciendo algo un poco diferente. Mi canción existe en un mundo similar. Suena similar a esto. Y ese es realmente el punto principal. Te ayuda a saber qué tipo de sonidos de batería buscar, qué tipo de sonidos de pad buscar. ¿Cuál es el rango de la almohadilla? ¿Cuáles son los trapos de estos instrumentos? ¿Cómo va a sonar el sonido de los graves? ¿Está tocando notas altas súper bajas?. Hacer referencia e ir y venir te ayuda a anclar lo que estás haciendo Especialmente si estás produciendo para otros artistas y estás produciendo para clientes, y no es tu propia inspiración que te está dirigiendo a donde quieres ir. Es aún más importante que te proporcionen canciones de referencia. Entonces ya sabes a dónde te diriges porque podrías decir que estos tambores lo están golpeando. Pero alguien más esperaba más de un golpe house súper energético de David Guetta Y esto no tiene nada que ver con eso. Entonces sin la canción de referencia, podrías estar hablando de mundos completamente diferentes. Y con la canción de referencia, se puede decir, Bien, Sí, mi canción, quiero que sea como esta vibra, y suena bastante bien comparada con esa vibra. Al final, terminé haciendo una canción de sentimiento diferente porque traje un nuevo elemento, que era esta guitarra. Con usted puede escuchar. Entonces lo que empezó con una referencia, terminó conociendo algunas de mis otras tendencias musicales, y lo combiné con algunas otras referencias mías y algunas otras canciones, y conseguí algo único Pero empecé esto comparándolo con la canción de sentir tu peso para darme un buen punto de referencia de lo que buscaba. Como dije, es aún más importante tener referencias cuando estás trabajando con otras personas porque entonces ambos pueden saber algo de lo que estás hablando. Y escribí esta canción con un querido amigo mío, y juntos, estábamos como, Bien, yendo por esto. ¿Cómo es nuestro sonido de batería? ¿Necesitamos más percusión? ¿Necesitamos algo chasquido? ¿Qué tiene la canción Reference que nos gusta? Y encontramos el pad y estamos como, Bien, ahora esto es como crear la misma vibra. Y de pronto, cuando tu canción está haciendo las partes de la canción de referencia que te gustan, ahí es cuando puedes algo volar libre y estás como, Bien, ahora que tenemos la vibra que ambos íbamos por, ¿qué más podemos agregar o qué podemos hacer esto único? No queremos estafarlos. Queremos hacer lo nuestro propio. Y encontrarás la mayor parte del tiempo, aunque estés usando una canción de referencia, naturalmente solo haces naturalmente solo haces algo tuyo porque no vas a tener exactamente los mismos sonidos, probablemente, y no tendrás exactamente los mismos acordes y todo Y con solo hacer referencia a algo, terminas creando algo nuevo y único de todos modos 28. La visión es clave: La visión es clave. Y lo que eso significa es tener una brújula guía para tu canción realmente va a ser lo que te salva y te lleva a la línea de meta. Una canción de referencia puede ser eso si eso es lo que necesitas o simplemente un tipo diferente de visión, pero tener una idea o un objetivo en mente es tan importante en el vasto mundo interminable de producción musical porque hay infinitas posibilidades. Puedes hacer absolutamente cualquier cosa. Así que sin tener Un objetivo en mente, a veces puedes perderte en los éteres. Tener una visión para tu pista es una excelente manera de evitar que te pierdas en el bosque. ¿Para quién es la canción? ¿En qué ambiente será escuchar? ¿Cuáles son algunas buenas canciones de referencia para esta visión? Si ya sabes a qué te va, entonces sabrás cuándo has llegado allí. Sabrás cuando hayas logrado tu objetivo. Si no tienes una visión, está bien. A veces puede llegar después. No siempre tengo una visión en mente, pero es muy, muy útil hacerlo. Tener una visión es importante porque puedes tener cualquier tipo de sonido de batería que quieras. Hay 1 millón de sonidos diferentes de bombo y sonidos de escalera Entonces, ¿es como si quisieras algunos tambores de rock? Quieres algunos tambores folclóricos, quieres tambores hip hop. Quieres tambores de baile, tambores house. Si no sabes a qué te va, no sabrás qué decisiones tomar. Entonces estás como, Bien, quiero hacer una canción house, así que no vamos a tener algunos tambores de rock and roll. ¿Sabes? A menos que específicamente estés tratando de cruzar géneros, lo que siempre recomiendo probar. Estás como, Bien, sabemos algo así como a qué suena el tambor queremos ir. Una emoción puede ser tu brújula guía. Estás como, ¿sabes qué? Quiero bailar canción, pero quiero que se sienta nostálgica Así que esa puede ser tu brújula guía. Estás como, Bien, hasta que tenga ese sentimiento, sé que aún no estoy del todo ahí. Algo interesante que Kendrick Lamar para uno de sus discos fue que reunió a todos los productores en una habitación y tocó un montón de canciones de referencia Entonces estaban escuchando mucha tierra, viento y fuego y algunas otras canciones viejas de los 70 para realmente poner a todos los productores y compositores en el estado de ánimo adecuado de Ok, estamos haciendo este tipo de incorporar este sonido más antiguo a la música rap moderna, y va a ser esta fusión realmente genial de un sonido Así que poner a todos los colaboradores en la misma página de esa manera, tener una fiesta de escucha, simplemente empaparse de la misma vibra. Bien, ¿cuál es la vibra a la que van? Empapando todo, realmente ayuda a todos en tu equipo a saber lo que buscas. Y aunque estés solo, es importante tener una visión. Digamos que recién estás comenzando y tu visión no está clara, apuesto a que probablemente sí tienes una visión. Apuesto a que conoces el tipo de música que te gusta y que quieres. Y eso es útil porque es como, Bien, te gusta la música rap, quieres hacer música rap. Entonces estás escuchando música rap, hablas de música rap. Escuchas a tus amigos que tal vez hacen algo de música rap, y estás como, Bien, ese es tu objetivo. Estás haciendo una canción de rap. Fácil. exactamente cuál es tu objetivo. Ahora, todo lo que tienes que hacer es dar los pasos para llegar ahí o quieres hacer una canción de baile o una canción pop o una canción indie o lo que sea que sea. Lo que te guste es probablemente tu visión, aunque todavía no sea totalmente un pensamiento consciente. 29. Conceptos básicos de la mezcla parte 1: Esta lección, vamos a hablar de mezclar. Vamos a hablar de los fundamentos de la mezcla, y te voy a explicar de qué se trata. Básicamente, vas a producir tu canción, entonces mezclar es la capa final, el brillo final que simplemente hace que todo suene más cohesivo, más juntos, y es el último pedacito para hacer que tu canción suene profesional. Así que vamos a sumergirnos directamente en. Acto de mezcla es hacer que tu canción suene bien o suene competitiva dentro del género. Para asegurarse de que ninguna parte esté pisando otra parte. Es para encontrar el equilibrio dentro de todos los elementos de tu canción. Esta es la zona donde vas a hacer la afinación final, y es donde haces que tu canción suene competitiva. Mezclar puede llevarte bastante lejos por la madriguera del conejo, pero nos vamos a quedar con las partes más básicas y esenciales que pueden hacer que tus canciones suenen profesionales Entonces lo más importante de la mezcla es el volumen. Ganancias en puesta en escena. Ya hemos hablado de esto antes, pero es la parte más importante. Luego viene EQ, compresión, paneo, delay, reverberación, edulcorante, y unas ondas Vamos a sumergirnos en este latido de ejemplo. En este ritmo, tenemos una sección de desglose como esta parte así. Aquí con toda la ranura y luego esta parte. Este es un ritmo bastante sencillo. Pero como pueden ver, esta sección aquí es donde tenemos más información. Entonces tiene sentido comenzar a mezclar donde la canción está más llena. Si tienes un comercial regular como una canción tipo pop, es posible que quieras comenzar a mezclar el coro. Si tienes una pista de baile, es posible que quieras empezar a mezclar el drop. Básicamente quieres mezclar la parte más importante de la canción, asegurarte de que esa parte suene lo mejor posible, y luego haces todas las demás partes. Sí, suena tan bien como puedas, pero también apoya la parte que estás tratando de hacer brillar Entonces, ¿qué es mezclar? Como dije, la parte más importante de la mezcla es conseguir el volumen correcto. Entonces, vamos a escuchar esto. Y por el bien de este ejercicio, apaguemos los plug ins que tengo aquí porque estos plug ins eran yo haciendo alguna mezcla antes de esto, y quiero hacer todo desde cero aquí mismo. Bien. Entonces, vamos a escuchar esto. Entonces, como dije, la parte más importante es el volumen. Entonces cuando solo tocas tu ritmo, quieres ver si escuchas todo, cómo quieres escucharlo. ¿Se oye la guitarra? ¿Se oye la batería? Cada tambor. ¿Se oye el bajo? K. Y eso básicamente suena bastante bien. A lo mejor podría escuchar estos tambores un poco más fuertes. Pero creo que en general, suena bastante bien. Entonces tal vez solo tomemos estos tambores de trampa un D B. Entonces lo que podría hacer aquí es agrupar las trampa que solo tenga que hacer un movimiento aquí en lugar de mover ambas en volumen Entonces veamos si esto suena mejor. Eso suena bastante bien. También podría escuchar a nuestra base un poco más fuerte. Entonces esta es nuestra pista base aquí. Y tal vez solo vayamos aquí y le subiremos una V. Notaremos que ahí estamos distorsionando Así que al subir esto, aunque quería escuchar esta escalera, vamos a tener que encontrar otra manera de conseguir la escalera de bajo porque eso estaba distorsionando, y no queremos que se distorsione Entonces ahora básicamente tenemos el volumen de todos los diferentes elementos de nuestra canción, más o menos donde los queremos. Pero recordamos que sí queremos encontrar otra manera de hacer que este bajo sea más fuerte Lo siguiente que haría era sacar algunos ecualizadores. Así que vamos por aquí al EQ ocho, y comencemos con esta guitarra. Observe cómo a veces trabajaré en solitario y agregaré elementos. Yo, tiendo a solo el elemento más importante. Y es bueno trabajar en solitario a veces, pero recuerda que tu mezcla siempre es como suena todo junto, así que no te quedes en solitario por mucho tiempo. Podemos ver que realmente no hay información de gama baja por debajo de este punto. Así que vamos a cortarlo. Un consejo rápido. Normalmente corté el extremo inferior de absolutamente todos los elementos de la canción, excepto el bombo y el bajo para dejar todo este espacio para que absolutamente todos los elementos de la canción, excepto el bombo y el bajo para dejar todo la patada y el bajo realmente cortara. ¿Cómo suena si vamos así? Aún así suena bastante bien. Tendremos a pasar alto todo alrededor de 100. Realmente no quieres cambiar el sonido porque nos gusta cómo suena. Así que pondría esto justo por aquí. A continuación, voy a ir a agarrar algunas dinámicas aquí. Y ya ves que ya tenía esta dinámica controlada de guitarra. Y porque esto era una guitarra, fui por el compresor de pegamento aquí porque el compresor de pegamento tiene una especie de sonido vintage, y las guitarras son analógicas son de verdad. Entonces pensé que sería una buena combinación. Y no estamos comprimiendo tanto. Vamos a mostrar solo para mostrarte. Se puede ver que suena más gratis sin este compresor. Pero me gusta que esto lo haga un poco más contenido en la mezcla aquí. Ahora, vayamos a nuestro bombo. Nuestro bombo y nuestra base están en el mismo canal, lo que podría decirse que no es la mejor idea, pero es lo que hemos construido aquí, así que vamos a seguir con él Entonces como pueden ver, tenemos una base aquí, y tenemos una patada. Capa. Lo que hice fue que en lo alto pasé la patada porque quería todo el espacio posible para la base. Se puede ver cuánto atraviesa la base ahora. Es mucho más limpio porque la información de gama baja no está compitiendo consigo misma. Podemos ver que hasta alto pasé la base, lo que eso podría parecer contrario a la intuición. Pero lo que estamos haciendo aquí es que puedes ver los golpes base aquí mismo. Y realmente, no hay razón para tener nada más bajo porque esto es lo que el sonido que queremos escuchar. Y cuando cortas todo el exceso de sonido, realmente enfocas el sonido exactamente en donde quieres escucharlo. , estamos distorsionando un poco Sin embargo, estamos distorsionando un poco, así que vamos a tener que derribar esto. Entonces esto está sonando bastante bien. Pero debido a que nos estábamos topando con este problema de distorsión, en realidad voy a duplicar esta pista. Y esta va a ser la pista de patada, y esta va a ser la base. Entonces en esta pista, voy a silenciar nuestra base. Y en esta pista, voy a silenciar nuestra patada. Entonces no podíamos sacar el volumen ahí, pero podemos sacar el volumen aquí, o al menos eso espero. Observe cómo esto estaba distorsionando, esto no lo es. Entonces esta era la mejor manera de subir la base. ¿Lo queremos aún más fuerte? Depende de lo que vayas a buscar. Depende ahora, creo que el género que quieras dependerá de lo fuerte que quieras esta base. Entonces por eso es importante hacer referencia, pero hablaremos de eso en un segundo Hola. 30. Conceptos básicos de la mezcla parte 2: Nosotros eque nuestra patada, pero como que quiero agregar algo de compresión solo para pegarla realmente en su lugar Empecemos con este compresor acústico de patada. Se puede ver cómo esto se está cortando un poco mejor ahora. Y eso suena bastante bien por ahora. Vamos a dejar esta base sin comprimir porque me suelen gustar mis subbases y mis pesos eta Es el único elemento de una canción que dejaré sin comprimir Vayamos a estas cajas, y recuerda, podemos tratarlas juntas, y yo también quiero hacer un ecualizador en su pista de snare Porque no necesitamos nada de esta información aquí abajo. Eso suena bastante bien. Esto dice suave snare compresor Veamos cómo suena eso. Eso en realidad suena bastante bien. Vamos a darle la vuelta a esto aún más abajo. A. Eso suena muy bien. Bien. Ahora, hagamos un ecualizador y un compresor para nuestro sombrero alto. Podemos deshacernos de mucha información de sombrero alto. Y todavía suena como un sombrero alto. ¿Nos puede gustar esto? A veces tienes que poner algo y vuelves a ello. Pero realmente no me falta nada que se haya ido. Y en general, como, si no te lo pierdes, solo tienes menos información compitiendo consigo misma. Así que vamos a ver qué compresor podríamos querer usar aquí. ¿Podrías probar este suave apretón? Por último, tenemos nuestro grito, y apagué este retraso de filtro solo para mostrarte cómo sonaría Claramente, nos gusta este sonido. Esto probablemente quiere algo como esto. mí me gusta que este sonido esté un poco más lleno, pero veamos si lleva todo este high end. Es agradable derribar un poco la gama alta, tal vez. Quiero decir, eso suena bien. Eso es muy sutil. Puedes ir de cualquier manera en esa. Ahora, vamos a tratar de sostener el compresor vocal principal. Aaa. A mí me gusta. Entonces ahora que tienes las cosas un poco más contenidas y conviviendo mejor junto con algo de EQ y compresión, hablemos un poco de pánico. Así que panning En una mezcla, nunca quieres realmente que todo esté en el mismo lugar, y realmente no quieres que nada esté en el mismo lugar El medio o cero, aquí mismo, la S para centro. Ese es el lugar dorado de los bienes raíces. Ese es el rey de la Cosecha. Ese es el lugar más poderoso porque es igual volumen en todas partes. Izquierda, derecha, media. Entonces aquí, quieres poner tu elemento más importante. Quieres tener tu bombo, tu caja, tu bajo y tu sonido vocal principal o principal Esas son las únicas cosas que alguna vez deberían vivir en el medio. Esta es una canción bastante sencilla. Y es agradable cuando no tienes todos esos elementos importantes viviendo en el medio. Así que vamos a mover la patada uno a la izquierda, disculpe, a la derecha. Vamos a mover la base uno a la izquierda. Mover la base o patear uno está bien, pero realmente no quieres mover estos elementos más allá de eso. Esto mantendrá nuestra caja en el medio. En cuanto a nuestros sombreros altos, podemos salirnos con la suya. Y nuestra guitarra. Nuestra guitarra es realmente nuestro elemento principal, y el cementerio es un poco agradable, así que tal vez vamos a tirar en lo alto. Y ahora tenemos nuestra pista de gritos. Eso cacerolas por su cuenta. Pero a lo mejor vamos a moverlo a la izquierda. Ahora podemos hablar de reverberación. Así que las pistas de snare tienden a tener su propia reverberación dedicada. Así que vamos a buscar una reverberación de caja. Vemos que hay un preajuste de caja que podría ser bueno. Una habitación de madera podría ser buena. La habitación oscura podría ser buena. La sala de tambores podría ser buena. Apaguemos las opciones y audicionemos muy rápido. Y cuando intentes una reverberación, envíala todo el camino para que realmente puedas escuchar lo que estás escuchando ¿Eso es algo? Eso podría estar más en línea. Eso fue muy difícil de escuchar. Eso no es tan malo. Realmente no me gustó el primero. Escucha este último. Entonces para esta pista, tal vez escogería esta habitación de madera. Y como habíamos comentado antes, vamos a E Q entrando con este punto a 300 y este punto a 7,000 Y ahora vamos a tirar hacia abajo. Porque aquí me gusta este sonido más seco. Veamos qué más podría querer un poco de reverberación. Tenemos nuestros sombreros altos. Ba Ba. Y a lo mejor nuestra guitarra quiere rever, quizás. De hecho, no me di cuenta de que nuestro rever de habitación era tan grande. A. Entonces, ¿nos gusta la idea de reverberar en nuestra guitarra Hay algo amable esa etiqueta esta caja Pero eso es realmente también. Entonces, ¿y si en cambio, lo ponemos en un retraso? Eso todavía no funciona realmente, y como que prefiero este sonido de reverberación Entonces, tomemos esta reverberación. Copiemos este ecualizador aquí. Y vamos a experimentar haciendo la reverberación un poco más pequeña. Ahora vamos a tomar abajo el envío. Otra forma en la que podrías hacer esto, que no es la forma correcta de hacerlo, pero no hay una manera equivocada de hacerlo. Envíalo todo el camino y simplemente gírelo aquí abajo. De manera que hasta -15 es similar a esto. A. 31. Conceptos básicos de la mezcla parte 3: Ahora es el momento de un poco de edulcorante. ¿Qué podemos hacer para que esto suene un poco mejor? Este es un buen momento para ir a tu disco y color. Vamos a probar este saturador aquí en la base, y vamos a probar un poco más cálido Intentaremos calentar bajos. Eso hace una gran diferencia. Dije golpes de calentamiento, accidentalmente arrastra altos de calentamiento. Escuchemos. Eso suena muy bien, pero eso hizo subir el volumen de nuestra base. Gira el suave. Aquí en realidad es mejor con eso apagado. Ahora, bajemos un poco la base para compensar. A lo mejor uno más. Bueno, a lo mejor me gustó. ¿Qué más podríamos hacer? Podría querer también darle algo de color a nuestra guitarra. Si hay un compresor involucrado, probablemente quieras la distorsión antes que el compresor. Un Fav. Eso suena bastante bien. Y fíjate que hay mucho encendido y apagado el efecto que acabas poner para asegurarte de que te gusta cómo suena. También quiero agregar tal vez alguna distorsión o algo así a nuestro bombo. Entonces probemos uno de estos tal vez. A. A. A mí me gusta cómo suena eso, pero se está poniendo un poco agresivo con este top. Entonces tal vez vayamos a esta dinámica multibanda aquí y solo comprimiremos un poco el extremo superior de nuestra patada. Y hagámoslo por aquí. A. A. Eso suena bastante bien. A lo mejor también queremos comprimir nuestros sombreros altos de manera similar. Oh, aquí podemos ver que nos estamos distorsionando un poco. A lo mejor es lo que está pasando con eso. Me gusta cómo esto está sonando más contenido y honestamente un poco más tranquilo Plumón de heno. Entonces esto está sonando bastante bien Puedes ir y tal vez agregar algo de modulación de tono, probar un poco de chorusing, tal vez Conjunto de guerra en la guitarra. Veamos cómo suena eso. Esa no es realmente la vibra de esta canción. Vamos a darle la vuelta hacia abajo. Eso es solo una mezcla rápida de este ritmo que estaba haciendo, solo para mostrarte cómo es mi proceso. El proceso es iterativo. Y honestamente, a veces te sientas y cada movimiento que haces es el correcto y simplemente te subes al tren correcto, si quieres, y todas tus decisiones se convierten en algo que te gusta Y a veces te sientas y vas por el camino equivocado. Y eso está bien. Y cuando das un paso atrás, exporta tu canción, escuchas en tus auriculares, sales a caminar, regresar y escuchar tus pistas de referencia. Vamos a repasar eso en un segundo. Y a veces te das cuenta, sabes qué, antes sonaba mejor, y simplemente lo descartas y reinicias Y eso está totalmente, totalmente bien. No te sientas como porque pones esfuerzo en mezclar algo, tienes que usar esa versión del mismo. Cada decisión que tomes es informada por cada decisión que tomes. Entonces, cómo empiezas a construir tu casa de tu mezcla, si comienzas sobre una base temblorosa o no fue la base correcta, y construyes el resto de tu casa sobre eso A veces encontrarás que necesitas reiniciar por completo. Y eso está totalmente bien. Eso ha pasado a ser tantas veces. Pero la mayor parte del tiempo, te sentarás y lo clavarás, te acercarás bastante y estarás muy contento con lo que hiciste. Entonces, en la siguiente lección, hablaremos un poco más sobre mezclar y hablaremos de masterización. 32. Conceptos básicos de la masterización parte 1: Entonces has producido tu canción, has mezclado tu canción. Ahora el toque final se llama Mastering. Vamos a saltar directamente a la masterización. Ahora, los fundamentos de la masterización, es el toque final. Es el final. Es lo último que vas a hacer. Es para que tu canción suene bien en todos los dispositivos. Porque si lo piensas, gente escucha música en los AirPods, gente escucha música en los autos, la gente escucha música en los clubes, la gente escucha música en los altavoces de la computadora en los altavoces del iPhone Todos esos altavoces tienen diferentes capacidades de reproducción de sonido. No hay base en los altavoces del iPhone, pero aún quieres que tu canción suene lo mejor que pueda. En un altavoz de iPhone y en el club. Entonces básicamente, masterizar es tratar de que tu canción suene bien en todas partes Puedes hacer masterización de Stem o masterización de pista única. Quieres golpear alrededor de menos seis o menos tres en el autobús maestro. Y luego tengo mi lista de enchufes de masterización favoritos que son de terceros, pero también puedes usar Ableton para dominar con Ableton para dominar con Ableton Aquí tenemos una mezcla mía, y apaguemos mi cadena de masterización y escuchemos con qué estamos trabajando aquí Y contigo puedes Así que esta canción, esto hace, para mí, suena bastante bien, y siento que es hora de conseguir mi masterización Entonces esta es mi cadena de masterización, y esto es lo que me gusta usar Primero, tengo esta comp SSL de Waves, y uso estos ajustes exactos. Estos ajustes hacen que el compresor sea un amar funcionando. Pero está funcionando solo un poquito, y este SSL solo le da un pegamento a toda la pista. Esa es la mejor manera que puedo describirlo. A continuación, tenemos Ozono. Y Ozone tiene este botón de asistente de masterización en el que haces clic, y usará IA para darle a tu canción un lugar inicial de inicio para el Mastering Y honestamente, eso lo consigue alrededor del 90% del camino allí. Creó esta cadena de ecualización porque vio que tenía demasiada base y no tenía suficientes mitos altos. A continuación, tuvimos algunas e Qs dinámicas porque decidió que estos puntos específicos eran un poco mucho a veces. Lo que es la dinámica e Q es cada vez que este punto se está disparando demasiado, lo tira hacia abajo, pero siempre que no lo es, está derribando Tenemos este imager, que es algo que agrego. Le da cierto ancho a tu canción. A continuación, me encanta usar Saturno, y tiene este preset de masterización mágica, que realmente solo hace algunas maravillas al extremo inferior Como, ni siquiera puedo explicar. Por último, tenemos el limitador maestro, que también es de Ozone Aunque puedes usar cualquier limitador maestro, este es mi favorito Estos ajustes probablemente no van a ser adecuados para tu canción necesariamente. Realmente cambian drásticamente por canción, pero usas el asistente de masterización para llevarte el 90% del camino, y luego puedes ajustar el umbral un poco a partir de ahí y luego puedes ajustar el umbral un poco Así que me aseguré de que mi mezcla estuviera pegando alrededor de menos seis o menos tres, y luego me puse mi cadena de masterización, y aquí tenemos mi canción terminada masterizada Y puedes lado en el calor. Por lo que es muy importante cuando estamos masterizando usar canciones de referencia Y solo puedes hacer referencia a una canción de A Bing de Spotify. Tengo este plug aquí llamado Reference, donde puedo arrastrar canciones desde cualquier lugar, y voy a comprar algo en I tunes, y luego lo pongo en esta carpeta de canciones de referencia, y luego puedo sacar estas canciones de referencia a mi sesión. Vamos a agarrar lo que sea que esté aquí. Esta canción aleatoria de Billy las, esta canción aleatoria de Polo y Pan. Y eso lo llamaremos bueno. Ahora tenemos dos canciones en nuestra referencia, y lo que hace es que una a es Ahora estamos escuchando, Billy. Ahora estamos escuchando. Ahora estamos escuchando. En algún momento. Y lo que quieres hacer es simplemente decir, como, Bien, sí, las canciones van a sonar diferentes. Pero, ¿suenan competitivos? ¿Suena mi canción en el mismo mundo que Billy Ish? Y tú estás como, Bien, mi canción en realidad suena un poco más fuerte Eso está totalmente bien. Lateral. Suena bastante cerca de Canopy hasta Cope en cuanto al brillo y los niveles generales de todo. Entonces porque mi canción suena competitiva con algunas otras canciones, sé que he hecho un buen trabajo mezclando y masterizando Yo uso esos plug ins de terceros porque esos son los mejores en el juego, pero quiero mostrarte cómo puedes usar algunos plug ins de masterización que son nativos de Ableton 33. Conceptos básicos de la masterización parte 2: Puedes poner tu cadena de masterización en tu canción en el archivo original A lo mejor tienes un archivo donde tienes una sesión de producción, luego haces un guardado como para una sesión de mezcla. Después haces un guardar anuncios para una sesión de masterización. Esa podría ser una buena manera de trabajar. Podrías imprimir tu mezcla en tallos, que es lo que personalmente me gusta hacer. Y entonces terminarías con algo que suena así. Y luego estás listo para masterizar, haz una nueva sesión limpia donde sin importar cuántas capas componían estos tallos, los imprimiste hasta, como, seis, y es muy fácil trabajar con eso También podrías simplemente exportar toda tu mezcla como una sola y simplemente dominar eso. Eso también funciona también. Ahora bien, aquí Ableton, si vas a efectos de audio, y luego vas a utilidades, y vas a racks de efectos de audio, tiene algunos presets de mezcla y masterización que realmente pueden ayudarte a comenzar Aquí están pasando muchas cosas diferentes, y definitivamente te recomiendo que explores todas estas. Algunos son solo para el bus de batería, otros para como una tira de canales. Al igual que crearás un grupo de todas las guitarras o un grupo de todas las baterías, y te las pones. Estos son como, una especie de nivel de mezcla cosas pre masterización. Para esta canción en particular, encontré aquí estos plug ins que pensé que sonaban bastante bien Y así podemos audicionarlos aquí. Lateral. Eso no es masterización aquí es maestro amplio y cálido. Lateral. Eso instantáneamente nos da un poco más umph. Contamos con estéreo mejorado. Lateral. Contamos con Master EQ y pegamento. S. completo y tenemos Master cadena completa. S. completo Eso tal vez me suene mejor. Entonces veamos qué es el dominio. Dominar, como viste en mi cadena de terceros, o en estas cadenas, es un poco de compresión EQ y algo limitante Eso es básicamente lo que es la masterización. Es como, Bien, tu canción tiene el bajo que querías, y tiene la batería que querías y todo lo que querías. Y cómo Al final de todas las cosas. ¿Solo necesitas un poco más de bajo? ¿Sabes? Al igual que, ¿ comparado con otras canciones? ¿Solo necesitas, como te gusta cómo está sentando tu patada con tu base y tus siete y todas estas cosas, como, En conjunto, solo quiero impulsar globalmente la gama baja, o simplemente quiero impulsar globalmente la gama alta. Aquí es donde haces eso. hacer esos movimientos de ecualización de oído, pero solo sé gentil. No te vayas jamón Si estás teniendo que impulsar cosas como 20 dB o algo así, como, solo tienes que volver a tu mezcla. Estos deben ser sutiles últimos toques finales. Pero se puede decir que cada una de estas cadenas tiene algo de ecualización en marcha. Muchos de ellos también tienen algo de compresión. Esto tiene el más complicado porque también estamos agregando algo de distorsión, lo cual es un movimiento bastante audaz. La otra cosa que verás que todos ellos tienen es este límite maestro. Honestamente, el limitador, el limitador maestro es la parte más importante Si no tienes nada más, quieres un limitador maestro Entonces esta no es una cadena completa de masterización porque no tiene limitador Y para usar esto, definitivamente querrás agregar un limitador aquí ¿Por qué es tan importante un limitador maestro? Es porque nada pasa del techo de un limitador. Es como un súper compresor. Y eso solo significa que ninguna parte de tu canción va a saltar de la nada y soplar el altavoz. Si eres ilimitado, te arriesgas a soplar altavoces si estás tocando en vivo o algo así. Probablemente no va a pasar, pero podría. Por lo que el limitador maestro es súper importante para proteger a los altavoces, pero también solo pega tu canción Entonces, como con todo, lo haces de oído, pensé que este sonaba el mejor lado Así que probablemente usaría esta configuración aquí. Esto tal vez se esté moviendo un poco demasiado. Entonces incluso disminuiría más el ataque para tener esta comida solo chocando un poquito aquí. Signo viejo. Y no sé si necesita seis. A lo mejor lo hace. Eso es muy amable de ti. Haga clic en seis, y podrá ver cuánto vamos a agregar aquí. Es un DB de ganancia. Entonces, ya sabes, depende de ti. La distorsión que parece está apagada. Eso tiene mucho más sentido porque, como, distorsionar el autobús maestro se puede hacer, pero es, como, un poco es bol Entonces H, tenemos a nuestra bobinadora maestra realmente haciendo tanto, la bajamos un poco más Eso es demasiado. En el signo fresco. Apague en el camino. Eso suena bastante bien. Entonces, si estuviera usando los enchufes de Ableton, tal vez iría con esta cadena Obviamente puedes entrar y agregar algunos efectos más a este de aquí mismo con estéreo mejorado parece un poco interesante. Entonces tal vez vamos a encender esto. Apague porque ya estamos agregando ecualizadores y compresores de pegamento y limitadores No necesitamos ir demasiado, vamos a seguir adelante y encender el estéreo mejorado y sólo escuchar cómo suena eso. Signo fresco. Eso suena bastante bien. Así que probablemente elegiría algo alrededor esta cadena mezclado con la adición de este estéreo mejorado. Recuerda, apagué todas estas otras cosas porque solo quería que el estéreo mejorara la calidad de esta cadena de aquí. Entonces, eso es lo que es el dominio. Es ese último toque final. Es ese pegamento el que mantiene unida tu canción, y es realmente, como, tu canción no va a sonar bastante competitiva y bastante terminada hasta que se domine Y cuando es boom, tienes una canción que suena profesional terminada 34. Actividad de aprendizaje Haz tu obra maestra: Enhorabuena. Has llegado hasta el final del capítulo de arreglo y producción. Como habrás adivinado, la actividad de aprendizaje para este capítulo es para que salgas y hagas tu propia canción. Hazlo desde cero. Puede ser canción primero, se puede batir primero. Puedes hacer la armonía primero, batería primero, el bajo primero, lo que quieras. Pero ve y haz una pieza musical original. Siéntase libre de volver a ver cualquiera de las lecciones para cualquiera de las etapas específicas en las que se encuentre para ayudar a recordar realmente cuáles son las diferentes partes Porque cuando estás haciendo una canción, hay muchas cosas para recordar, y no vas a recordar todo todo el tiempo cuando estás haciendo cada canción. Y eso es totalmente k. Muchas de estas cosas son intuitivas. No te preocupes por que recuerdas todas las diferentes partes de la producción, y no te metas en la cabeza al respecto. ¿Solo quieres recordar siempre? ¿Te hace sentir bien? ¿Te hace sentir triste? ¿Te hace sentir como quieres que te haga sentir? Eso siempre es lo más importante. Pero adelante y haz tu propia canción. No gastes más de una hora en producción. No pases más de 30 minutos escribiendo las melodías y las letras No pases más de 30 minutos mezclando y masterizando. Establece límites de tiempo para ti mismo para que no trabajes en la música simplemente sin parar Trabajaré en una canción durante un mes, a veces, y tardaré mucho en trabajar en algo, pero también trabajaré en las cosas muy rápido. Y es importante tener el hábito de trabajar rápidamente porque no quieres ser demasiado valioso con tus ideas. Y al final del día, cuanta más música hagas, mejor serás. Por lo que hacer un nuevo ritmo todos los días durante siete días te hará un mejor productor que trabajar en el mismo ritmo todos los días durante siete días. A pesar de que al final, podrías terminar con un mejor ritmo en el que trabajaste durante siete días frente a un nuevo ritmo todos los días. Depende de lo que vayas a buscar. ¿Estás tratando de levantarte las chuletas? ¿Estás tratando de mejorar haciendo música? O estás en tu etapa de obra maestra y estás como, Bien, hagamos algo y lo liberemos. Dos cosas diferentes, dos enfoques diferentes. No hay una respuesta correcta o incorrecta. Pero de cualquier manera, para esta actividad de aprendizaje, te exhorto a establecer un límite de tiempo, seguir adelante y hacer tu propia canción, y cuando llegues a tu límite de tiempo, manos fuera, ya terminaste, y siempre puedes repetir este ejercicio tanto como quieras. 35. ¡Felicidades!: Enhorabuena por terminar esta clase. Estoy muy orgullosa de ti, y no puedo esperar para escuchar tu proyecto de clase. Puedes saludarme en Instagram o Spotify en Benza Maman Y si te gustó esta clase, por favor echa un vistazo a mis otras clases de música en Skillshare