Producción de video para creadores de contenido: guía de un principiante

1. INTRODUCCIÓN AL CURSO: Hola, mi nombre es Amir. Soy creador de contenido y he estado haciendo videos tecnológicos durante los últimos cinco años. Mi canal principal se llama reviews PKA, donde hago videos y mi lengua materna, que tiene un tiempo extra. He podido construir una audiencia para mi contenido. Mi objetivo con mi contenido siempre ha sido entregar la mejor calidad que pueda. Así que la calidad de mi cámara funciona, mi audio, mi iluminación y la calidad general de mi video terminado. Literalmente me ha llevado años de trabajo y ha tenido problemas investigación y práctica para desarrollar mis habilidades como creador de contenido de video. Y en este curso, he tratado reducir lo que me ha llevado años aprender, para ojalá darle a alguien fresco en el juego y fácil de digerir introducción al mundo de la producción de video como creador de contenido, mientras diseñaba este curso, he tratado de tocar todas las cosas que creo que son importantes conocer como principiante en este campo. Todo, desde cámaras y lentes e iluminación y micrófonos, y qué tipo de software debes usar. Junto con un montón de otros elementos de mentalidad que debes tener si vas a producir videos regular y consistente como creador de contenido. Ahora bien este curso no te hará de pro de la noche a la mañana. Ningún curso lo hará nunca, pero te dará una buena base en los conceptos básicos de la producción de video, que luego podrás usar como hoja de ruta para un aprendizaje más avanzado en el futuro a medida que avanzamos, también compartiré algunos consejos profesionales contigo, que son pepitas de información que he recopilado a lo largo de los años a partir de mi propia investigación y prueba y error. Si tú o alguien que busca comenzar a producir videos para redes sociales, o alguien que acaba de comenzar recientemente para alguien que solo está interesado y quiere ver qué se trata la producción de radio. Entonces te invito a que revises mi curso y espero verte ahí. 2. Concepción de mentalidad de un creador de contenido: Hola a todos y bienvenidos. Estoy muy contenta de que hayas decidido tomar este curso conmigo. Y espero que te vayas con ello con un montón de información que me llevó años juntos. Ahora he diseñado este curso como un curso básico donde las dos suposiciones son que eres un productor de video principiante con poco o ningún conocimiento de producción de video. Y que como creador de contenido, estás trabajando solo. Esto es importante porque como ejército de un solo hombre o una mujer, hay que hacer de todo. Tú eres el director, el camarero, El editor, y todo lo demás. Entonces, en lugar de tener un conocimiento profundo y expansivo de todas las diferentes áreas de producción radiofónica. Necesitas saber lo suficiente de todo para poder producir tus videos por ti mismo con regularidad. En la producción tradicional de video o película, hay equipos enteros que trabajan en diferentes áreas. Pero como creador de contenido en solitario haciendo videos en YouTube, Facebook o TikTok, estarás trabajando solo. Así que es muy importante que no estés demasiado empantanado en ninguna zona. Ahora, dado que este es un curso básico para principiantes, construirá tu base o tu base, pero depende de ti construirlo más. Aprenderás los fundamentos de todo lo que creo que necesitas saber el primer día. Y luego puedes elegir qué áreas quieres perseguir para un mayor aprendizaje en el futuro. Y eso también es muy importante. Necesitas poder complementar tus propios conocimientos a través de la investigación y la observación de tutoriales. Prácticamente puedes aprender cualquier cosa en Internet estos días usando recursos como Skillshare y YouTube. También soy un creador de contenido autodidacta. Nunca fui a ninguna escuela de cine ni nada por el estilo. Ahora con creadores de contenido nuevos o en ciernes, el mayor defecto que veo es esta obsesión por los videos virales. Todo creador de contenido anhela ese video que acaba de aparecer que subiste obtenga muchas vistas al instante, gane mucho dinero, obtenga muchos suscriptores. Pero es muy importante entender que como creador de contenido exitoso o influencer de redes sociales, debes mirar esto como un maratón y no un sprint si estás constantemente persiguiendo videos virales. Y creo que te estás preparando para la decepción porque para la gran mayoría de los creadores de contenido, los videos virales son muy raros. Sé que solo un par de YouTubers pudieron hacer estallar cada video. Al igual que Mr Beast, quien tiene mucha experiencia y cientos de miles de dólares para gastar en cada video. Básicamente tiene la fórmula viral hasta una T. Pero para la gran mayoría de nosotros, es temporada de molienda casera. Ahora no estoy diciendo que los videos virales no sean deseables o que no tengan valor. Pueden ser muy valiosos para darte una ganancia de suerte y también darte un impulso para el futuro. Pero en mi opinión, es muy importante mantener tu enfoque en tu consistencia y en tu juego a largo plazo. Cuanto más tiempo seas consistente, más posibilidades tienes de eventualmente hacer algo que se vuelva viral. Piensa en tu contenido como medias de red. Cuanto más contenido tengas fuera, más redes de red tienes, y más posibilidades tienes de atrapar una grande y gorda. Ahora como caso de estudio, quiero hablar un influencer de redes sociales que realmente me inspiró a entrar en este trabajo. Estoy hablando de Marcus Brown Lee, alias MK Ph.D. también hace videos tecnológicos como yo. Si echas un vistazo a Mark como este canal en este momento, tiene más de 16 millones de suscriptores, obtiene millones de visitas en cada video. Y es considerado por muchos como el rey del contenido tecnológico en YouTube, el estándar de oro absoluto. Pero echa un vistazo a su viaje. Márquez lleva 13 años haciendo contenido. A la fecha, ha subido mil 500 videos. Y en entrevista dijo que en su subida de video número 100, tenía la friolera de 73 suscriptores y seguía avanzando , lo cual es muy revelador de Márquez es mentalidad en su momento. Y eso no es todo cuando Mark ha solicitado monetización en el programa de socios de YouTube es primera aplicación fue rechazada. Tuviste que esperar seis meses y luego aplicar de nuevo. Rechazado, esperó seis meses, volvió a ser rechazado, luego volvió a esperar seis meses, y luego solicitó y finalmente se monetizó para que pudiera ganar dinero su contenido. Piénsalo un segundo. Le tomó dos años solo poder ganar dinero con los anuncios, pero se pegó a sus armas, abrazó la rutina y siguió trabajando. Por supuesto, ahora cuando lo miras, en la mejor parte está ganando mucho dinero. Es aclamado en todas partes como un gran creador de contenido. Pero el viaje que tomó toma valor y la mentalidad correcta. Mark no se ha rendido cuando se enfrentó a lo que muchos llamarían decepción. Siguió moliendo. Y si quieres hacer contenido en redes sociales y desarrollar tu influencia entonces tú, amigo mío, necesitas estar listo para enfrentar decepción con una actitud ganadora. Otra forma en la que necesitas consistencia en tu contenido es que muchos canales ahora tienen un plazo establecido, ciertos días de la semana que suben. Algunos incluso tienen enfoque a la misma hora, el mismo día. Y el beneficio de eso es que tus seguidores y suscriptores saben cuándo esperar tu contenido. Es muy difícil de llevar a cabo. Yo mismo luché con ello, pero hay que tener consistencia en algún nivel, una vez a la semana, un video y dos semanas o un video y un mes, pero tiene un horario y luego tratar de apegarlo. Si tienes consistencia está por todas partes y tus suscriptores no saben cuándo esperar tu contenido. Sigues tomando brotes esporádicos todo el tiempo. Disminuirá tu influencia en las redes sociales y también obtendrás menos visitas. Confía en mí, he visto que le pasó a mi propio canal. Entonces sé de lo que estoy hablando, que me lleva a mi siguiente elemento de mentalidad que necesitas para vigilar tu desempeño y hacerte responsable. Los números siempre importan. Olvida a la gente que dice que los números y las ganancias no importan. Porque si estás haciendo algo profesionalmente, tu desempeño va a importar. Si eres vendedor, importa cuánto hayas vendido. Si eres deportista, mide cuántos goles son puntos que anotaste. Si quieres ser profesional, entonces tienes que vigilar tu desempeño. Y para el contenido de video, tendrás que mirar tus análisis. Serán una clase separada sobre algunos análisis importantes que puedes usar para hacerte responsable. Pero por ahora, ten en cuenta que rendición de cuentas es clave si quieres desempeñarte bien. Pero también es muy importante. No obsesionarse con los números. Necesitas conservar tu energía y ponerla en tu trabajo. Puede ser muy desmoralizante y arruinar tu energía de inmediato cuando sigues mirando tus números y no están creciendo tan rápido como tú quieres que lo hagan. También soy culpable de esto. Al principio. Solía verificar mis recuentos de suscriptores varias veces al día. Cada video que subía, seguiría actualizando esa página para ver si las vistas fueron. Pero con el tiempo, me he dado cuenta de que es mucha energía desperdiciada. Ya no hago eso. Revisé mis análisis algunas veces a la semana. Traté de disfrutar el viaje y el proceso de creación de contenido y aprender cómo puedo mejorarlo. Es muy importante mejorar tu habilidad con el tiempo. Y por lo general se nota en tu trabajo si miras a tus YouTubers favoritos, si ves los primeros videos y ahora verás una gran mejora y cómo lo hacen, qué hacen. Y si no mejoras tu trabajo con el tiempo, te mesetas y estancarás. Así que siempre busca mejorar constantemente tu contenido lo largo del tiempo y haz cosas como tomar este curso. Y también busca comentarios de tu audiencia sobre lo que les gusta, lo que no les gusta, y trata de averiguar qué funciona y qué no. Y entonces necesitas tener la mentalidad que estás nutriendo y comunidad, es importante interactuar con tu audiencia, hacerles preguntas, animarlos a participar comentando , compartiendo y suscribiéndote. Y con el tiempo vendrán a amar tu trabajo. Empezarán a amarte. Empezarán a confiar en ti y a formar parte de esa comunidad en lugar de solo espectadores. Y luego, a medida que pasa el tiempo desde una perspectiva comercial, una gran comunidad detrás de ti te convertirá a ti y tu plataforma de redes sociales en una mirada de marca para desarrollar tu marca con el tiempo. Ahora, obviamente, hay un montón de otros elementos de mentalidad que necesitas tener como creador de contenido. Pero estos son algunos que personalmente creo que son muy importantes para los principiantes a tener en cuenta. Ahora en nuestra próxima clase, las cosas van a empezar a ponerse un poco picantes y vamos a empezar a hablar producción de video real, comenzando con el equipo que necesitarás. Nos vemos ahí. 3. Equipo y equipo: Qué tal, chicos, me alegro de tenerlos de vuelta. Y en esta clase vamos a estar hablando de las herramientas, el equipo que necesitarás para comenzar a producir tus videos, y también el equipo que agregará más valor de producción a tu contenido en el futuro. Es muy importante entender que si bien el equipo y equipo pueden ser muy útiles y útiles para producir videos con. No se puede dejar que se convierta en una barrera de entrada. vez en cuando la gente se me acerca y me hace esta pregunta, ¿cómo empiezo si no tengo todo este equipo se suponía que iba a empezar a hacer videos? Y la mejor respuesta a eso es comenzar con lo que tienes. Todos tienen teléfono en estos días. Y como revisor tecnológico, te puedo decir que los teléfonos en estos días tienen cámaras muy capaces y una potencia de procesamiento muy decente. Personalmente conozco concentradores que iniciaron sus canales solo con su teléfono y ahora tienen un enorme seguimiento en las redes sociales. Entonces también hay que entender que las herramientas y habilidad van de la mano, una sin la otra. Es prácticamente inútil. No tiene sentido poseer tanto equipo que ni siquiera sepas cómo usar. Y también hay que tener en cuenta que la construcción y el arsenal lleva tiempo. Tu YouTuber favorito ha pasado mucho tiempo en conseguir todo el equipo genial que ahora tienen en su armario. Pero como esta es una clase sobre producción de video, pasaremos por algunos de los equipos que necesitas conocer. El primero, por supuesto, es la cámara. Como dije, hasta una cámara de teléfono servirá para empezar. Pero si eres capaz de invertir y quieres invertir en una buena cámara, entonces hay muchas opciones en el mercado. Discutiremos esto con más detalle en nuestra clase de cámaras, pero invertir dinero y tiempo para aprender a usar una cámara realmente buena puede hacer maravillas a su calidad de producción. Y la segunda pieza de equipo o lentes, con la mayoría de las DSLR y cámaras sin espejo, tienes lentes intercambiables, tendrá toda una clase dedicada a lentes también. Después hay micrófonos externos y claro que va a haber una clase de micrófonos. Pero por ahora, solo debes saber que el micrófono incorporado en tu teléfono o tu cámara no te darán muy buenos resultados. Y la calidad del audio es muy, muy importante. Mucha gente incluso creyó que si estás viendo un video que se ve muy mal, pero el audio es realmente bueno, más probable que te quedes pegado. Mientras que si el video se ve muy bien, pero el audio es muy tenue o eco o muy ruidoso, es más probable que te apagues y rebotes. Entonces tenemos iluminación, que nuevamente es súper importante, y necesitarás al menos una fuente de luz. Esto puede ser un laboratorio tirado alrededor de tu casa o una gran ventana donde puedes obtener una luz natural muy agradable, pero necesitarás al menos una y preferiblemente más de una fuente de iluminación. Vamos a tener una clase sobre esto también donde voy a discutir esto con más detalle. Pero por ahora, solo debes saber que cuantas más fuentes de luz tengas, especialmente las fuentes de luz móviles, más control tendrás sobre cómo termina luciendo tu video, entonces necesitas una computadora para posprocesar tu video. Esta puede ser la computadora en tu bolsillo, I E, o teléfono. Te dije que los teléfonos en estos días se han vuelto realmente buenos. Y hablaremos un poco más sobre los diferentes ecosistemas como Windows y Mac en nuestra clase sobre software de edición de video. Entonces claro, junto con la computadora, necesitarás algún tipo de medio de grabación como tarjetas SD o discos duros externos. Y aquí tenemos un pro tip. Siempre use un escritorio externo para copiar y editar sus videos. Estos se llaman Scratch Disks, y la idea es que no quieras rayar el disco en tu laptop o tu computadora, porque si eso falla, va a romper tu computadora. Mientras que si este falla es solo un escritorio externo y puedo conseguir uno nuevo, lo que nos lleva al siguiente ítem de nuestra lista de equipos de producción, software de edición de video. Ahora, como dije antes, tendremos toda una clase hablando de los diferentes programas de edición de video que están disponibles para ti. Pero como principiante, debes saber que vas a necesitar algún tipo de software para traer tus clips grabados y luego unirlos y agregar efectos, texto y sonido, y luego poder renderizarlo todo en un archivo final. Pero para recapitular algunos de los equipos básicos del que acabamos de hablar, lideras una cámara, necesitarás un micrófono, necesitarás algunas fuentes de iluminación. Diriges una computadora, grabando medios como tarjetas SD y discos duros, y necesitarás algún software. Entonces también hay equipo adicional que no necesariamente necesitas el primer día. Y suma sobre ello es un equipo muy avanzado. Probablemente nunca lo necesites, pero aún así vamos a hablar de algunas de estas cosas. Entonces el primero es un trípode. Esto es muy básico, pero un trípode te ayuda a colocar tu cámara en cualquier lugar y la mantiene estable mientras grabas. Y los siguientes elementos de esta lista son definitivamente para usuarios más avanzados que conocen lo básico. Producción atrasada bastante bien. Entonces tenemos cabezas fluidas, que le permite desplazarse hacia la izquierda y hacia la derecha e inclinarse hacia arriba y hacia abajo. Deslizadores, que te permiten deslizar tu cámara de lado a lado. Gimbels, que permiten montar una cámara o un teléfono para una estabilización realmente buena. Este tipo de equipo te permite registrar movimientos interesantes y perspectivas interesantes. Y vamos a tocar todas estas clases internas sobre los conceptos básicos de B-roll. Luego hay otros equipos de movimiento como grúas Gibbs de Dalí, etcétera. Pero la mayoría de los creadores de contenido nunca los necesitarán. Entonces, si bien esta lista es muy agotadora, de ninguna manera es exhaustiva. Hay un montón de otros equipos también puedes pensar. Pero el factor clave importante de esta clase que quiero que te lleves es que es importante no obsesionarte con esta lista. Es posible que necesites todas estas cosas o podrías necesitar ninguna de estas cosas realmente saldrá de la cámara, pero es posible que necesites muy pocas de estas cosas. No quiero que esta clase te desanime o haga que parezca muy desalentador meterse en la producción de video. El punto de decirte todas estas cosas es asegurarte de que entiendes qué tipo de equipo normalmente usa la gente para producción de video y también para darte algo que esperar. Si realmente quieres meterte en una producción de video profesional de alta calidad, entonces estas son las cosas que podrías planear llevar adelante en tu carrera. Entonces en nuestra próxima clase vamos a estar hablando de flujo de trabajo de producción de video. Va a ser interesante. Nos vemos en la siguiente. 4. Flujo de trabajo y preguntas clave de producción: flujo de trabajo de producción de video se refiere a todo el proceso por el cual produce sus videos. Deberías tener una idea bastante clara sobre qué tipo de flujo de trabajo de producción vas a tener. Porque hay muchas partes móviles en este proceso. Hay cámaras y tarjetas SD y discos duros y computadoras y software. Y así ayuda tener al menos un mapa mental de qué tipo de proceso vas a estar usando para producir estos videos. Tener un buen flujo de trabajo puede ayudarle a identificar los cuellos de botella y su producción. Y también puede ayudarle a lograr un cierto nivel de eficiencia y rapidez en los tiempos de respuesta de su trabajo. En términos generales, tu flujo de trabajo de producción de video tendrá tres etapas. Preproducción, donde piensas una idea, haz tu investigación. Quizás podrías escribir un guión si así es como quieres hacerlo. Y aquí es cuando también consigues tu equipo listo para disparar. Entonces básicamente todo lo que haces antes empezar a grabar tu video es preproducción. A esto le sigue la etapa de producción donde sigues adelante y realmente grabas tu video. Y luego está la postproducción donde procesas y editas y luego renderizas tu video final. Entonces, cuando alguien dice que lo arreglará en post, básicamente significa que van a hacer esa cosa después el video haya sido grabado y esté en el proceso de edición. Aquí hay un ejemplo de cómo ve un flujo de trabajo básico de producción de video. Ahora, antes de comenzar a producir sus videos, debe pensar en cómo va a diseñar su flujo de trabajo. Pero hay una serie de preguntas clave que quieres hacerte justo al principio porque van a tener un impacto en al principio porque van a tener un impacto en qué tipo de flujo de trabajo de producción vas a necesitar, por ejemplo ¿ vas a tener un guión o vas a salir de la mano? Si eres uno de esos ninjas single take que sale de la manga que el preproducción y postproducción flujo de trabajo de preproducción y postproducción parece ser mucho, mucho más simple que alguien como yo que tiene guión y hay toda una fase de investigación y luego la comprobación de guiones y hechos y luego edición de posproducción es un poco de pesadilla. Entonces también hay un montón de otras preguntas técnicas como ¿qué formato lo vas a grabar y publicar? Debido a que estos tendrán cierta influencia en tu flujo de trabajo y en la forma en que necesitas diseñarlo para la producción de video, los tres formatos principales son raw, Flores y H.264. De nuevo, también hay un montón de otros formatos, pero estos tres son los que más me he encontrado. Así que raw es un formato muy pesado que almacena mucha información, pero también necesita mucho espacio de almacenamiento y potencia de procesamiento de computadoras, pero te da muchas opciones en post. Así que a los profesionales y usuarios avanzados les encanta el video crudo. Entonces tenemos avances, que fue hecho por Apple, y es un formato bastante pesado de datos, pero te da muy buena calidad. Y actualmente es preferido por mayoría de los editores de video convencionales como Final Cut Pro y la mayoría de las cámaras prosumidores también son compatibles. Entonces tenemos H.264, que es lo que prefieren la mayoría de las plataformas de redes sociales como YouTube. Es un formato muy comprimido porque estos archivos necesitan ser pequeños en tamaño. Pero debido a que está comprimido, necesita mucha potencia de procesamiento para producir cualquier formato que decida grabar y luego publicar en va a influir en qué tipo de flujo de trabajo y qué tipo de infraestructura va a necesitar tener en su lugar. Otra pregunta es, ¿cuál va a ser tu resolución de video? Los videos de mayor resolución necesitan más espacio de almacenamiento y más potencia informática y probablemente agregarán pasos a su flujo de trabajo. Entonces las principales resoluciones u olvidan, que es ahora lo más creadores de contenido de alta calidad utilizan para plataformas como YouTube y Facebook. Entonces tenemos 14, 40 P, que también se conoce como Quad HD. Es cuatro veces la resolución de diez ADP tiene el cable de nombre. Entonces tenemos diez ADP, que también se conoce como full HD. Y te recomendaría que inicies a las diez ADP, full HD, porque la mayor parte del contenido en estos momentos se consume en los teléfonos. Y la mayoría de los teléfonos no podrán hacer por encima de Full HD en ninguna parte. Incluso mis analíticas me muestran que del 80 al 90% de mi audiencia ve mis videos en su teléfono. Por cierto, dato curioso, incluso el curso que están viendo ahora mismo está en full HD. Estoy grabando todo en seis buenos, pero luego bajando escalando todo el camino a full HD para que puedas decir lo buena que es la calidad del full HD. Y luego por debajo de esto se encuentra 720 p, también conocido como HD. Puedes ir por 720 p si tienes recursos limitados. Pero no lo recomendaría ya que la baja resolución podría afectar la calidad de tu video, entonces tenemos relaciones de aspecto, que básicamente te dice la relación entre tus videos, ancho horizontal y altura vertical. El más común en este momento es 16 por nueve para videos de formato largo. Y esto es lo que normalmente muestra tu TV. Pero cada vez más con el tiempo estamos viendo 18 por nueve aparecer como una relación de aspecto porque es un poco más ancha que 16 por nueve. Y con 18 por nueve, tienes barras negras más delgadas en los laterales. Y hace un mejor uso del espacio de pantalla disponible para los usuarios de teléfonos no lo hacen, sin embargo, que con 18 por nueve relaciones de aspecto, si ves tu contenido en un televisor normal, probablemente va a tener una relación de aspecto de 16 por nueve. Y así vas a ver barras en la parte superior e inferior, pero ese es un precio muy pequeño a pagar. Pero estas relaciones de aspecto solo rara vez se aplican para videos de formato largo, porque cada vez más ahora estamos viendo que la gente va hacia videos cortos y en formato vertical. Para estos, vas a querer revisar tus plataformas de redes sociales para obtener las mejores resoluciones y relaciones de aspecto. Y por último pero no menos importante, hablemos de las velocidades de fotogramas. Y fundamentalmente, aquí hay tres opciones principales. Para cualquier, para FBS, 30 FPS y 60 FPS. 24 FPS es el atuendo más tradicional. Todos estos porque solían hacer películas en 24 FPS. Y ahora ese legado se ha llevado a la era digital. Y 24 FPS también se considera ampliamente considerado como el más cinematográfico de todas las velocidades de fotogramas. Después hay 30 FPS, que ahora empieza a ponerse al día. Definitivamente estamos viendo que se hacen muchos programas de televisión en 30 FPS. Hay un enorme debate de cuál es mejor. Y con 30 FPS, el beneficio es que el video se siente un poco más suave, sobre todo donde hay muchos movimientos de cámara divertidos. Yo personalmente prefiero 30 FPS es mi velocidad de fotogramas estándar y dato divertido, esta clase que estás viendo ahora mismo también está hecha en 30 FPS, así puedes ver lo suave que es. Después hay 60 FPS, que sin duda es el menos utilizado de todos estos. Y le da al video y una sensación ultra suave como si realmente no te dieran una vista previa de cómo se supone que debe ser porque este video es y 30 FPS. Si quieres comprobarlo, ve a YouTube y busca 60 FPS. Verás un montón de videos. Básicamente 60 FPS le darán a tu video en campo ultra suave. Y aunque 60 FPS técnicamente está mucho más cerca de la realidad, es extraño, pero se siente casi artificialmente suave. Ten en cuenta que 60 FPS tiene dos o más fotogramas que los otros dos formatos. Y así va a llevar a mayores tamaños de archivo y nuevamente, infraestructura y fuerza laboral. Ahora aquí hay un tipo semi-pro porque esto no es difícil lo que todos usan, pero esto es lo que yo uso. Grabo todo mi metraje en magia negra six k fila y luego lo convierto en seis K de progreso. Mis archivos finales están en K H.264 con una relación de aspecto de 18 por nueve y una velocidad de fotogramas de 30 FPS. Entonces ahora quiero que pienses qué tipo de flujo de trabajo de producción vas a necesitar en base a algunas de las preguntas que hemos hecho en esta clase, ten en cuenta que tu flujo de trabajo de producción necesita ser lo más eficiente posible. Y necesita que le permita darle la vuelta a su trabajo lo más rápido posible. Entonces creo que esto es suficiente para los flujos de trabajo de producción de video y qué tipo de preguntas deberías estar haciendo. En la siguiente clase, vamos a hablar de cámaras, y esa va a ser muy interesante. Nos vemos ahí. 5. Intro en las cámaras: Bienvenidos de nuevo chicos. En esta clase, vamos a estar hablando de cámaras, qué marcas y ecosistemas están disponibles en el mercado. Algunas buenas opciones para los creadores de contenido. Y las siguientes tres clases van a ser sobre cómo usar tus cámaras. Entonces, sigamos adelante y repasemos algunas de las opciones que tienes disponibles en el mercado. La primera es obviamente la cámara de tu teléfono. Al principio para empezar a usar lo que ya tienes. Y la mayoría de las cámaras del teléfono en estos días, hay un modo PRO, que te permite controlar todos los ajustes manualmente. Tenemos un pro tip aquí para el trabajo profesional de cámara. Queremos intentar controlar todo de forma manual. No queremos dejar nada a la cámara. Cuanto más puedas controlar las cosas manualmente, más control tendrás en tu video final y usando la cámara tu teléfono cuando recién estés comenzando, puede ser una muy buena manera de aprender sobre las funciones básicas de una cámara como Exposición, balance de blancos y enfoque, que van a ser nuestras próximas clases. Y si decides usar tu teléfono, entonces hay algunas buenas aplicaciones de cámara gratuitas disponibles, como cámaras abiertas, una buena, Es una aplicación de cámara de código abierto para teléfonos Android. Y si quieres invertir algo de dinero en una app, entonces compra filmic pro para el iPhone, que también he usado en mi teléfono para grabar videos. Y te permite controlar todo de forma manual. Creo que es realmente el máximo las capacidades de la cámara de tu teléfono. Pero si no quieres usar la cámara en tu teléfono y en su lugar quieres comprar una cámara, entonces hay opciones en el mercado para cámaras DSLR o sin espejo. Son muy similares. DSLR significa reflejo digital de lente única. Y luego una cámara réflex digital, hay un espejo real entre la lente y el sensor. Este espejo se mueve cuando usas el visor, la luz rebota en el espejo y luego llega a tu ojo cuando tomas una foto o un video, este espejo se mueve físicamente fuera del camino para que la luz pueda caer sobre el sensor. Entonces tenemos cámaras sin espejo, que adivinaste que no tiene ese espejo. Por lo que son mucho más pequeños en tamaño ya que no hay necesidad de encajar un espejo angular. Y ese es su mayor beneficio. Si quieres una cámara más compacta, entonces deberías estar mirando sin espejo. Ahora dentro de estas dos categorías, hay diferentes tipos de sensores. Realmente no voy a entrar en demasiados detalles sobre esto porque no creo que les importe tanto a los principiantes. Pero aquí están los diferentes tipos. Por lo que hay cámaras con sensor de cultivos como APS-C, micro cuatro tercios y súper 35. Y todos estos tienen diferentes factores de cultivo. La mayoría de los principiantes probablemente comenzarán con una cámara con sensor de recorte, ya que son mucho más baratas que las cámaras de fotograma completo, que suelen ser más caras ya que tienen sensores más grandes. Y no quiero agobiarte con demasiada información el primer día. Entonces, como principiantes, si quieres investigarlo más de lo que realmente deberías investigar los diferentes factores de cultivo y cómo afectan tu imagen. Pero al seguir adelante, ahora vamos a hablar marcas específicas dentro del espacio de la cámara. Entonces, en mi experiencia, he visto para las marcas como las más populares entre los creadores de contenido. Sony, Canon, Panasonic, y cada vez más magia negra. Empecé con Canon y luego muy pronto me mudé a Sony. Sony A65 100 en el fondo. Y ahora estoy haciendo de todo en magia negra. De hecho, este curso en estos momentos se está grabando en un black magic six K. Pero a los principiantes, suelo recomendar Sony. Las cámaras sin espejo de Sony son muy populares en estos días debido al tipo de características que ofrecen a precios comparativamente más bajos que los de canon. Y así hemos visto el ascenso de Sony entre los influencers como su ecosistema preferido. Y estoy usando la palabra ecosistema porque todas estas diferentes marcas de cámaras soportan diferentes tipos de lentes y accesorios. Y por lo general vas especialmente con lentes. Si compras lentes Sony, es muy probable que no vayan a funcionar de forma nativa en las cámaras Canon. Por lo que es importante tomar una decisión informada sobre con qué marca vas a ir. Porque probablemente invertirás mucho dinero en construir una biblioteca completa de lentes con el tiempo. Y estos lentes no funcionarán de forma nativa con cámaras de otras marcas. Y hablaremos más de esto en nuestra clase de lentes y filtros. Entonces canon es una marca más tradicionalmente similar, ofrece ciencia del color realmente impresionante. Mucha gente que conozco Hughes Cannon lo hace por los cañones, un fuerte legado en el mercado de las cámaras, y también porque realmente les gustaron los colores del canon. Pero generalmente se considera que Canon es más caro para cualquier conjunto de características dado. Por mucho tiempo, incluso las cámaras de nivel de entrada de Sony ofrecidas por K. Pero si quieres un cañón, entonces tenías que gastar un poco más de dinero. E incluso ahora, los cañones olvidan que las cámaras cuestan un poco más que las de Sony. Ahora con Panasonic, su serie GA es algo popular. El GA4GH five y g, h phi de S parecen ser muy populares entre los amantes de Panasonic. Pero la mayor parte, en mi opinión, parece ser con Sony y canon. En cuanto a la magia negra, la historia es muy interesante. Lo hemos visto surgir en los últimos dos o tres años con su alineación de cuatro cámaras K y ahora seis cámaras de cine infantil, las cuales pueden grabar video crudo y te dan esa sensación de película como. A pesar de que el costo de fracción de lo que las marcas de cine convencionales les gusta aireado y costo de lectura. Entonces la magia negra es una muy buena opción ahora para creadores de contenido más avanzados, cineastas indie, personas que hacen documentales, pero la mayoría de las personas que optan por magia negra quieren esa película que se vea, quiero recomendar a los principiantes que recojan una magia negra porque necesitas saber cómo gradar el color, y post-procesar el video que obtienes de ella. Y también necesitas una infraestructura de producción robusta. Necesitas mucho espacio de almacenamiento y conocimientos avanzados de cómo funcionan estas cámaras. Pero la calidad que puedes obtener de una cámara de magia negra en dos a $3,000 es simplemente fenomenal. Ahora sigamos adelante y hablemos algunos modelos de cámara que puedes considerar. Esta lista no es de ninguna manera exhaustiva. Estas son solo cámaras que prefiero. Cañones. 90 d es una opción muy decente, son cámaras muy versátiles que no van a romper demasiado el banco. Si realmente no te molesta por k, entonces puedes considerar el ADD más antiguo así como la carcasa agradable que usan estos ETD durante mucho tiempo y haciendo sus vlogs, si quieres ir con Sony que su serie Alpha es realmente buena. A seis a 360,400.6500. Yo hice la mayoría de mis videos en mis primeros días en este A65 100. Es una cámara muy buena que estoy usando hasta el día de hoy. Ahora bien, si queremos ir un poco más alto en el Sony, más ligero que el a sub tres también es una muy buena opción. Es una cámara de fotograma completo y cuesta un poco más, pero ofrece muy buena calidad de imagen. Muchos, muchos YouTubers todavía lo usan. Con Panasonic GH cinco y g h phi de S valen la pena considerar. Y si quieres saltar directo al extremo profundo y la magia negra 6k6k G2 y six kip Pro son muy buenas cámaras, pero obviamente necesitas aprender a usarlas. Entonces, como dije antes, no los recomendaría a principiantes. Entonces si entramos en los escalones superiores de las redes sociales, como MK PhD y Jonathan Morrison usaron cámaras rojas, que costaron decenas de miles de dólares. Pero para el rojo, necesitas bastantes subidas de nivel antes de siquiera pensar en ir por esa ruta. Entonces ahora que hemos hablado los diferentes tipos y marcas de cámaras que son de gran inercia. Sepa, quiero que tengan dos puntos clave de este video. Una es que al elegir tu cámara, ten en cuenta que estás eligiendo un ecosistema. Y lo segundo es que es muy importante saber usar una cámara, que es de lo que vamos a hablar en las próximas tres clases. El primero de los cuales va a estar en exposición. Nos vemos entonces. 6. Exposición: En esta clase vamos a hablar sobre la exposición, qué es, y cómo conseguir la exposición correcta en tus videos cada vez. Pero primero, entendamos los conceptos básicos de cómo funciona realmente una cámara. Por lo que la luz ingresa a la cámara a través de una lente, cae sobre un sensor en la parte posterior de la cámara y expone la imagen sobre el sensor. De aquí viene la palabra exposición. En general, cuando hablamos de exposición, nos referimos a cuán brillantes o oscuras son tus imágenes. Mientras grabamos nuestros videos, queremos la exposición correcta. No queremos que nuestra imagen esté sobreexpuesta y soplada, ni queremos que esté subexpuesta y oscura. Tener la exposición adecuada es clave para garantizar buenos colores y una experiencia de visualización agradable para su audiencia. Ahora, naturalmente, lo primero que puedes hacer para ajustar tu exposición es ajustar la iluminación en tu entorno. Más luz te dará una mayor exposición. Menos luz te dará una menor exposición. Pero esa no siempre es una opción. Y hay tres funciones clave en tu cámara que te permiten ajustar la exposición, ISO, apertura o iris, y la velocidad de obturación. Echemos un vistazo a estos uno por uno. Entonces ISO básicamente significa la sensibilidad del sensor de tu cámara a la luz que cae sobre ella. Normalmente se denota con un número como 100200400800, y podría subir a las decenas de miles. Cuanto mayor sea la sensibilidad, más brillante será tu imagen. Pero hay una trampa a medida que aumenta la ISO, también agrega más y más ruido a la imagen. Para aparecer. La mayoría de las cámaras tienen un nivel iso óptimo también se conoce como ISO nativo. Esta es la ISO sobre la cámara te dará el mejor equilibrio entre brillo y ruido. ejemplo en mi Sony A65 cien, son 800. Con mi magia negra, son 400. Y encuentra mi Blackmagic tiene doble ISO nativo 400 para iluminación normal y 3,200 para condiciones de poca luz u oscuridad. Pero el punto es que vale la pena investigar un poco y averiguar el ISO óptimo o nativo para tu cámara, entonces tenemos apertura, también llamada iris. Y este es ese agujero y lente de tu cámara cuando entra luz en él. Y esta apertura se puede hacer más ancha o más estrecha para controlar cuánta luz golpea el sensor de tu cámara. Normalmente se mide en f-stops como F 1.82, 0.55, 0.6. Y cuanto más alto va este número, más estrecha se vuelve su apertura de apertura, menos luz entra en su cámara. ejemplo, si estamos hablando de F14, que es una apertura muy abierta, le va a dejar un montón de luz. Cuando tomo un video con esta F1, 0.8 también es una apertura muy amplia. F 5.6 es relativamente estrecho, y S 16 es básicamente un agujero de alfiler. Entonces obviamente a f 1.8, habrá mucha luz golpeando el sensor. Mientras que una F 16, es probable que necesites estar afuera bajo el sol porque muy poca luz va a entrar en tu cámara. Pero hay una trampa. Siempre hay un problema que es que cambiar la apertura en tu lente tiene otro efecto fundamental de cambiar el plano de enfoque. A medida que abres esa abertura, el plano de enfoque se vuelve cada vez más delgado. Entonces es algo así como f 1.8. Tendrás un plano de enfoque delgado y todo en el fondo y primer plano estará fuera de foco, que le da un campo muy cinematográfico y de retrato a tu toma. Pero usar una apertura tan amplia como F 1.8 o F14 simplemente dejará entrar toneladas de luz en tu cámara. Y entonces necesitas condiciones de muy poca luz o puedes usar algo como un filtro ND, que básicamente es como gafas de sol para tu lente. De lo que vamos a hablar más de esto en nuestra clase de lentes y filtros. Ahora en algo como F 16, obtendrás lo que se conoce como todo enfocado o foco infinito porque el plano de enfoque será tan amplio que todo en la imagen va a estar enfocado. Esto se usa en muchas tomas de paisajes y paisajes iluminados mucha luz donde hay mucha luz y todo necesita estar enfocado. Pero debido a que esta es una clase de exposición, saber un poco sobre cómo funciona tu apertura realmente te permite controlar la exposición en tu toma. Tenemos otro consejo profesional aquí. Usa tu cámara en el ISO nativo y prefieres ajustes de apertura más bajos como F 3.2 y F 2.5 y usa F1 0.8 para tomas cinematográficas con gran desenfoque de fondo, o lo que llamamos bokeh. Ahora pasando de apertura, hablemos de la velocidad de obturación. La velocidad de obturación se mide en fracciones de segundo. Entonces a las 01:40 octava de segundo, una 50 de segundo, una sesenta de segundo, y sigue y sigue. En el pasado, las cámaras solían tener persianas físicas que se abrirían y cerraban numerosas veces cada segundo. Ahora con cámaras digitales, tenemos charters digitales. Y cuantas más veces el obturador se abre y se cierra cada segundo, menos luz golpea el sensor. En otras palabras, cuanto fomente sea esta velocidad de obturación, o cuanto mayor sea este número de denominador más bajo, menos luz terminará golpeando el sensor. Pero siempre hay una trampa y realmente no puedes meterte demasiado con la velocidad de obturación porque comienza a afectar otros aspectos de tu video, por ejemplo, si tu velocidad de obturación es demasiado alta, va a reducir el desenfoque de movimiento hasta el punto en que tus campos de video sean realmente digitales y nítidos. Entonces, a ciertas velocidades de obturación, las luces de tu oficina comenzarán a parpadear. Y esto sucede mucho como videos a cámara lenta donde la velocidad de obturación es realmente alta. Tenemos otro consejo profesional aquí. La mejor velocidad de obturación es cuando este número de denominador inferior es el doble de su velocidad de fotogramas. Para un video de 24 FPS, quieres que esto esté en o cerca de un 48 de segundo. Para el video de 30 FPS, lo mejor es un sesenta de segundo. Esta es solo una regla general para asegurarnos de que haya un nivel natural de desenfoque de movimiento, especialmente en términos de qué tipo de cosas vemos en la televisión. Y así los estándares de la industria parecen funcionar mejor. Ahora muestra la pregunta en tu mente es ¿cómo sabré si mi corto está expuesto correctamente? Bueno, tenemos herramientas para eso. Las primeras herramientas son tus propios ojos. Podrás ver en el gráfico si está sobreexpuesto o subexpuesto. Muchas veces vas a poder decir con solo mirar. Entonces también tenemos histogramas. La mayoría de las cámaras en estos días son capaces de mostrar histogramas en vivo. La regla general aquí es que si tu histograma está demasiado a la izquierda, tu corto está ligeramente subexpuesto. Si está en el extremo derecho, entonces tu corto va a estar sobreexpuesto y quieres mantenerlo un poco a la derecha del centro. Otra herramienta más intuitiva para gestionar tu exposición como patrones de cebra. La mayoría de las cámaras en estos días tienen esta característica incorporada donde puedes establecer los niveles en los que aparecen estos patrones de cebra para decirte qué parte de tu corto está sobreexpuesta. Y luego puedes reducir el brillo de tu imagen marcando las luces o usando la apertura ISO y la velocidad de obturación para administrar el brillo. Y los patrones de cebra son lo que más uso en mi producción en el día a día. Pero si quieres control de nivel ninja, puedes usar otra herramienta llamada color falso, que básicamente codifica el color todo en tu imagen para mostrar dónde está cayendo en un espectro de subexposición, hasta sobreexponer. Creo que el color falso es un poco más avanzado para la mayoría de los principiantes, pero si quieres aprender a usarlos, entonces te sugiero que investigues un poco sobre ellos. Entonces chicos, esta era nuestra clase de exposición. Espero que te haya dado suficiente comprensión en torno a la exposición para poder investigar un poco y aprender más. En la siguiente clase, vamos a estar hablando de balance de blancos. Vamos a conseguirlo. 7. equilibrio de blancos: ¿Qué pasa, chicos? Bienvenidos de nuevo a otra clase. Y en esta, vamos a estar hablando de balance de blancos, lo cual es sumamente importante cuando hablamos de producción de video. Porque para obtener colores buenos y precisos de tu cámara, realmente necesitas clavar ese balance de blancos. Supongo que la primera pregunta es, ¿qué es el balance de blancos? balance de blancos se define como el proceso de eliminar costos de color poco realistas para que los objetos que aparecen blancos en persona se renderizen en blanco en su foto. Déjame explicarte. Cada vez que cambia la iluminación en su entorno de disparo, por ejemplo, si iba a pasar de esta iluminación fluorescente blanca a tal vez iluminación amarilla de tungsteno, necesitaría calibrar mi cámara acuerdo con el escenario de iluminación en el que estoy filmando. Esto es para asegurar que los blancos de tu entorno realmente se vean blancos. Y si no haces esto, vas a tener costos de color realmente extraños y tu imagen aquí verás un elenco de color azul realmente genial. Y este corto, estás viendo un costo de color súper cálido. Y también hay momentos en los que verás costos de color verde o magenta y tu imagen. Y si el color fundido en tu imagen es demasiado fuerte, entonces incluso en post, va a ser casi imposible sacarlo todo sin hacer que tus otros colores se vean un poco raros o fuera de control. Entonces para evitar esto, vamos a asegurarnos de que entiendas cómo manejar el balance de blancos y tus cámaras. Y si te suena desalentador o aterrador, créeme, es muy fácil de hacer y solo toma un par de segundos. Las diferentes cámaras tienen diferentes formas de establecer el balance de blancos. Ahora la forma más fácil y básica de hacerlo es, por supuesto, usar el balance de blancos automático, donde tu cámara va a mirar todo tu esquirla y luego trató de establecer el balance de blancos por su cuenta. Pero siempre preferimos hacer todo manualmente. Y la forma más confiable de hacerlo es ingresar a la configuración de su cámara para obtener un balance de blancos personalizado. Y luego literalmente dándole a tu cámara un marco de referencia para lo que es blanco y gris. Puedes usar una tarjeta de saldo blanco para esto, también conocida como tarjeta gris. Aquí tengo otro. Y con esto, lo que estás haciendo es que le estás diciendo a tu cámara, oye, esto se supone que es gris ya tu cámara tomará esta información y luego ajustará cuánto amarillo o azul o verde o magenta necesita tener la imagen para poder mostrar correctamente ese color gris o ese blanco. Ahora en un apuro, también puedes usar otras cosas por ahí en tu estudio o en tu espacio de grabación. He usado cuatro papeles en el pasado e incluso algunas de mis paredes para establecer mi balance de blancos cuando no tenía una tarjeta de saldo blanco. Pero obviamente no va a ser tan preciso como lo sería una tarjeta gris adecuada o una tarjeta de saldo blanco. Pero en caso de apuro, es mucho mejor usarlos para establecer tu balance de blancos que para no establecer tu saldo de blancos en absoluto. Algunas cámaras también tendrán la opción de ajustar manualmente la temperatura de color de la luz y su entorno. Por lo general, esto se mide en Kelvins. Tienes una propina profesional aquí. 3,200 Kelvin es la temperatura de color para los bulbos amarillos de tungsteno. 5,600 Kelvin es luz natural o luz del día. Y esas luces interiores fluorescentes blancas brillantes suelen ser de 6,000 a 6,500 kelvin o más. Pero aun así te recomiendo que consigas una tarjeta de saldo blanco como estas. No son tan caros, probablemente 15, 20 dólares por uno de estos, pero los beneficios que obtienes de ellos son inmensos si estableces tu balance de blancos correctamente usando estos la mayoría de tus otros colores, pero también para caer justo en su lugar. Y encontrarás que en post, tu trabajo se va a reducir porque no vas a tener que volver atrás e intentar guardar colores y mejorar tu short. Entonces sí, Neil, tu balance de blancos, serás un campista feliz. Ahora en la siguiente clase vamos a estar hablando sobre el enfoque y las herramientas que puedes usar para clavar tu enfoque cada vez. Nos vemos entonces. 8. Enfocar: Bien, bienvenido de nuevo. Entonces ahora es el momento de hablar sobre el enfoque, lo cual podrías pensar que es una obviedad y muy fácil de hacer. Y de alguna manera lo es, pero realmente ayuda saber qué opciones tienes cuando hablamos enfoque y cómo usar el enfoque para hacer mejores videos. Como dije antes, siempre queremos usar los ajustes manuales en nuestras cámaras tanto como sea posible. control manual de tu cámara te enseñará a usar tu cámara correctamente y además te dará un inmenso control sobre tu video general y el enfoque también cae en esto. Así que vamos a usar el enfoque manual siempre que sea posible y donde sea práctico. Pero obviamente también tenemos que entender que la mayoría de ustedes son creadores de contenido que probablemente estén trabajando solos. Entonces, cuando te estás grabando a ti mismo, veces tu cámara va a estar demasiado lejos. ¿Cómo te enfocas entonces? Todas estas son preguntas que sí tenemos que tener en cuenta. Entonces, primero hablemos de enfoque automático. Es extremadamente útil en situaciones en las que te estás grabando y trabajando solo. Tu cara permanece enfocada incluso cuando te mueves o si la cámara se mueve. Pero el mayor inconveniente de usar el enfoque automático, especialmente si estás usando una configuración de cámara y lente de menor precio es la respiración enfocada. He visto videos donde cada vez que el altavoz se mueve un poco, la cámara busca el enfoque una y otra vez. Y obviamente esto puede ser muy distrayente para el espectador. Y tampoco le da a tu trabajo ese campo profesional, razón por la cual la mayoría de los profesionales en este momento siempre preferirán el enfoque manual. Pero hay cámaras por ahí con muy buen enfoque automático, como la Sony y 6,400.6600, ambas muy buenas cámaras para principiantes. Tienen enfoque automático de seguimiento ocular, que bloquea el enfoque en tus ojos. También hay un enfoque automático de seguimiento de objetos que se bloquea en un objeto. Y cuando la cámara se mueve, el foco permanece bloqueado en ese objeto. Luego está el canon y han estado mandando sus cámaras con su increíble enfoque automático de doble píxel e incluso el ADD y la ciudad los tenían. Esas son realmente buenas cámaras para los creadores de contenido. Y ahora también estamos viendo cámaras como la Sony A7 R4 con enfoque automático AI que utiliza algoritmos de fantasía y chips de IA para encontrar caras y luego bloquear el enfoque en ellas. Y luego hay un montón de otras cámaras sin espejo. También tenga en cuenta que con las cámaras sin espejo, no todas las lentes tienen enfoque automático. Entonces, cuando compres una lente, asegúrate de que tu lente tenga enfoque automático. Porque si tu cámara tiene enfoque automático, pero tu lente lo hace, no va a funcionar. Ahora sigamos adelante y hablemos de enfoque manual. Ahora el mayor beneficio con el enfoque manual mientras te grabas a ti mismo es que no obtienes ningún foco respirando. De hecho, incluso en el corto ahora mismo, estoy usando el enfoque manual. Siempre uso el enfoque manual y puedes ver mis ojos están enfocados y todo está bloqueado. Pero cuando me estoy moviendo, la cámara no está cambiando de enfoque en absoluto. Y esto puede ser realmente beneficioso para el aspecto general de tu video. Otro beneficio del enfoque manual es que es mucho más suave. Entonces, cuando estás usando el enfoque manual y las tomas de tus productos, tal vez estés tomando algunos B-roll. Encontrarás que con muchas cámaras cuando está tratando de enfocar o cuando está tratando de bloquearse, se siente realmente desigual. Entonces va a estar desenfocado y luego tiene que estar enfocado. Mientras que si usas el enfoque manual, el toro de enfoque es mucho más suave y luego le da un campo mucho más cinematográfico a tu video. Pero el enfoque manual tiene sus desventajas. La cámara se mueve o el sujeto se mueve. El enfoque manual se vuelve muy difícil. Y se suma al trabajo que tendrás que hacer y tienes que conseguir el enfoque correcto, lo contrario podrías arruinar tu corto. Entonces como dije antes, si te estás grabando solo, ¿a qué te dedicas? Pro tip. Pero esto es más un truco. Esto es lo que solía hacer porque solía grabarme y no tenía ninguna ayuda y realmente no puedo llegar a mi cámara. Entonces lo que haría es encontrar un objeto y luego encontraría el avión donde me siento como mis caras. Y puse ese objeto donde está mi cara más o menos. Y luego voy a la cámara y me enfoco en ese objeto. Y muchas veces, bueno, en realidad cada vez que pude clavar el foco haciendo esto, lo que hay que tener cuidado es antes de comenzar a grabar, hay que revisar su toma y asegurarse de que su enfoque sea lo suficientemente nítido para que siga adelante. Pero este truco puede funcionar muy bien. Ahora hay una herramienta que puedes usar para enfocar mejor y viene como una función incorporada en la mayoría de las cámaras, y la uso todo el tiempo. Se llama pico de enfoque. La mayoría de las cámaras vienen con esta característica incorporada y el pico de enfoque básicamente te muestra un color en tu plano de enfoque, donde el enfoque es el más nítido. Y puedes usar esto para asegurarte de que tienes tu enfoque en el lugar correcto. Siempre que use el enfoque manual, asegúrese de que está usando el pico de enfoque. Es un salvavidas. Y aquí hay un consejo profesional para ti en este es un consejo profesional. Al enfocarte en tu cara, el foco debe estar en tus ojos porque tus espectadores te estarán mirando a los ojos cuando hables con ellos. Eso es justo lo que hacemos los humanos. Cuando estamos conversando o escuchando a alguien, es más probable que le miremos a los ojos. Aquí tienes otro consejo profesional para ti. Cuando estés grabando a ti mismo, asegúrate de que tu apertura no esté demasiado abierta. Si estás usando una apertura como la F 1.8, encontrarás que el plano de enfoque se vuelve realmente delgado. Y entonces muchas veces tus ojos estarán enfocados y tu nariz no y cosas así. Por lo que sugeriría mantener su apertura alrededor de f 2.5 o más que eso. Entonces, para concluir esta clase, si quieres hacer tu trabajo rápidamente, probablemente sea mejor usar el enfoque automático, especialmente si tienes una buena cámara que tenga tecnologías de tipo de enfoque automático AI realmente elegantes. Pero si buscas hacer realmente buen mundo profesional, y te sugiero que aprendas a usar el enfoque manual. Una vez que empieces a meterte en él, encontrarás que lo es, va a hacer que tus videos se vean mejor. Entonces eso es todo para enfocarse. En la siguiente clase, vamos a estar hablando de perfiles de fotos. 9. Perfiles de imagen: Los perfiles de imagen son muy importantes para el aspecto general de tu video. Ahora bien, este es un poco más avanzado para principiantes, pero siento que mis alumnos deberían tener al menos una comprensión básica de qué son los perfiles de imagen. La mayoría de las cámaras hoy en día tienen perfiles de imagen incorporados. Algunos perfiles de imagen tienen más saturación, algunos son mejores para usar en condiciones de poca luz. Sum te da un aspecto más desaturado cinematográfico y algunos te dan un mejor rango dinámico. Hemos hablado del rango dinámico en un minuto. Primero vamos a entender los perfiles de imágenes. Por lo que es muy importante que revises tu cámara y revises los diferentes perfiles de imagen para ver cuál te gusta más y cuál se adapta a tu estilo de disparo. Entonces, al revisar los perfiles de imagen de tus cámaras, quiero que prestes atención a dos cosas, la saturación y la nitidez. Y como regla general, queremos mantener la saturación y nitidez en el lado inferior en el perfil de imagen de tus cámaras, muy saturadas y afilar las imágenes tienden a dar a un aficionado digital como campo. Y la desventaja es que si estás agregando mucha saturación o nitidez en cámara, entonces tus opciones y publicación se ven limitadas. Es realmente difícil D afilar tu imagen sin hacer que la imagen se vea rara. Puedes sacar la saturación, pero siempre es mejor tener este control en post y hacer tu cámara a la menor cantidad de trabajo en cuanto a post-procesamiento, queremos hacer todo eso en la computadora más tarde. Por supuesto, si buscas hacer un proceso de producción rápido y quieres dar la vuelta al trabajo muy rápido. Es posible que desee elegir un perfil de imagen que le brinde una imagen razonablemente buena. Pero si quieres llevar tu juego al siguiente nivel, es mejor controlar tu perfil de imagen manualmente y agregar cosas como nitidez y saturación y post. Eso es lo que hago. Normalmente mantengo mi contraste de saturación y nitidez en sus ajustes más bajos en mi cámara. Y siempre uso Sydney o tipo de película de perfiles de imagen. Y luego en post puedo volver a agregar la saturación y nitidez porque no está ya horneada en mi metraje. Simplemente me da un poco más de control. Ahora hablemos ese rango dinámico del que te hablé en términos sencillos, el rango dinámico de cualquier cámara es cuánto detalle puede sacar tu cámara de la oscuridad y las áreas brillantes de tu imagen. Por ejemplo en este gráfico, si hubiera usado una cámara con mejor rango dinámico, verías más detalle en el cielo afuera. En cambio, se ha volado el cielo y se pierden los detalles porque está más allá del rango dinámico de esta cámara. Pero aparte de la propia cámara, los perfiles de imagen también pueden desempeñar un papel en conseguir un mejor rango dinámico en sus tomas. Y para ello, normalmente usamos imagen logarítmicos o perfiles de registro. Sony tiene como log dos y como log tres, canon tiene c. log. Y encontrarás que la mayoría de los profesionales utilizan estos perfiles de registro debido a ese mejor rango dinámico que el get, y también por el control agregado que obtienen en su imagen final. Ahora fuera de la cámara, la imagen de un perfil de registro se ve realmente lavada. Honestamente horrible. Pero una vez que vuelves a agregar la saturación y publicar a través de mucho o una tabla de búsqueda de colores, terminas obteniendo un mejor rango dinámico. Te mostraré las diferencias aquí cuando grabe este perfil corto y una imagen estándar desde mi cámara, todos los detalles fuera de la ventana o volados. Todo esto es ruido blanco. Ahora bien, estos detalles no se pueden traer de vuelta ni siquiera a través de la corrección de color. Pero cuando grabo el video con los mismos ajustes, pero en perfil de registro y color de ojos corregidos, se puede ver mucho más detalle fuera de la ventana. Otra vez, recuerda, cuanto más rango dinámico te dé tu cámara y tu perfil de foto, mejores serán tus videos. Vamos a mirar. Por otra parte, los perfiles de registro tienen una gran desventaja en que necesitan procesamiento posterior pesado y necesitas saber cómo usar lotes y corregir el color de tu metraje, lo que puede agregar a tu flujo de trabajo. Y te llevará más tiempo y esfuerzo producir tus videos. Así que voy a mostrarte mi metraje, cómo se ve justo fuera de la cámara. Estoy usando una cámara de magia negra con su ficha de película, que es un perfil de registro. Así que vamos a seguir adelante y quitarnos toda la gradación de color que hemos hecho. Y así es como se ve justo fuera de cámara. Sé que probablemente se ve muy mal. Pero vamos a seguir adelante y comenzar agregar el procesamiento que hacemos para mostrarte la diferencia que hace para poder calibrar correctamente. Entonces aquí vamos a agregar esta LUT y convertir nuestro perfil de registro para erigir varios nueve espacios de color. Entonces vamos a seguir adelante y arreglemos esa exposición. Arreglemos esos tonos de piel también, solo para obtener los tonos de piel correctos. Y sólo tener un poco de curva. Quiero asegurarme de que mi roll-off más destacado sea bueno. Entonces vamos a agregar una capa de afilado solo para asegurarnos de que todo se vea tan afilado como yo quiero. Y sigamos adelante y agreguemos una viñeta también. Y creo que ese es el look final. Entonces esto es antes y esto es después. Y se puede ver qué diferencia hace. Y este es el tipo de control que eventualmente, si quisieras poder hacer trabajo profesional entonces necesitas indagar. Y la base de eso es el perfil de imagen en sí. Yo creo que deja y registra perfiles. Todos estos son conceptos muy avanzados, demasiado avanzados para principiantes, pero creo que también es importante al menos tener este conocimiento de antemano que sepas lo que necesitas aprender a medida que avanzas en tu carrera, necesitas estar buscando lotes y perfiles de imagen si quieres más control de los colores en tu imagen. Pero al principio, siéntete libre de usar esos perfiles de imagen incorporados. Tu cámara viene con. La siguiente clase. Vamos a estar hablando lentes y filtros que puedes usar con sus cámaras. 10. Lentes y filtros: Ahora es el momento de hablar lentes y filtros para la producción de video es muy importante para conocer al menos los conceptos básicos de las lentes y cómo pueden afectar tu metraje. Porque qué tipo de lente usas decidirá el aspecto general de tu video. Y necesitarás diferentes tipos de lentes para diferentes situaciones. Y al final de esta clase, también compartiré con ustedes mis preferencias de lentes para principiantes. Ahora para la producción básica de video, hay dos cosas que debes saber a la hora de lentes. Distancia focal y apertura. La distancia focal se mide en milímetros. Y en términos simples, cuanto menor sea este número, más alejada va a estar esa lente. Entonces, por ejemplo, esta foto es de una lente de 30 milímetros, mientras que esta es de una lente más alejada o gran angular de 16 milímetros. Las lentes gran angular como estas tienen una serie de beneficios. Una de las cuales es que puedes encajar más de tu entorno y tu corto también como productor de video en solitario, esto también significa que puedes mantener la cámara más cerca de ti mismo. Ahora en algunas lentes, esta distancia focal es fija, por lo que 30 mm, 24 mm. Este de aquí es lente de 16 milímetros, y estos son lo que llamamos lentes prime. Pero también hay lentes donde hay una gama de lentes focales. tipo de lente que se requiera dependerá de lo que se esté filmando. Por ejemplo, la Sigma 18, 35 que estoy usando ahora mismo para grabar este video. Estos se conocen como lentes zoom. Estos son los diferentes tipos de lentes que debes conocer. Entonces tenemos lentes gran angular, que normalmente son de 18 mm a 24 milímetros de distancia focal. Y estas lentes gran angular son más adecuadas para paisajes, arquitectura y videografía interior. lentes focales más pequeñas como 16, 12, 8 mm se conocen como lentes ultra anchas. Estas lentes gran angular también son más adecuadas para vlogueo porque cuando estás vlogueando las cámaras en tus manos, no está muy lejos. Y así, una lente gran angular puede ayudar a asegurarse de que está capturando todo, incluidos usted mismo y su entorno. Entonces tenemos lentes de retrato. Estos son normalmente de 50-70 mm, y también tienen una abertura muy baja. Estas lentes de retrato pueden producir resultados muy favorecedores cuando se usan con personas debido al fondo borroso y efecto adelgazante que tienen debido a la distancia focal. Entonces tenemos teleobjetivos, que parten desde 70 mm y van hasta cientos de milímetros. Estos se utilizan para temas que están muy lejos. Entonces ves estos siendo utilizados por fotógrafos de vida silvestre y para hacer deporte. Después están las lentes macro. Tienen una distancia mínima de enfoque muy pequeña y te permiten llegar muy, muy cerca y capturar unos sujetos pequeños y detalles minuciosos. También hay otros tipos de lentes, pero la mayoría son para shorts especiales y efectos estilizados. Pero para la producción básica de video, creo que conocer estos cinco tipos es más que suficiente, al menos al principio. Hablemos ahora de la abertura o iris. Y también hablamos brevemente sobre ellos en nuestra exposición de clase uno. Pero vamos a recapitular rápidamente. Entonces, cuanto más ancha sea su apertura, por ejemplo a 1.8 F14, más luz llegará al sensor de su cámara. Al mismo tiempo, tu plano de enfoque también se volverá más delgado. Y cuanto más se desenfoque tu primer plano y fondo se desenfocarán y se difuminarán, lo que llamamos bokeh. Así que al igual que con la distancia focal en los lentes con zoom, cada lente también ha dispuesto para su apertura. Y normalmente verás esto en nombre de la lente. Entonces sigma 18, 35, F18 significa que la distancia focal es de 18 mm hasta 35 mm. La apertura mínima es F18. Normalmente estas lentes solo mencionaban la apertura mínima. Entonces esto es f 1.4, lo que significa que puede ir más alto a f 2.521, 83.2 y más alto, pero no puede ir más bajo que F14. Otro ejemplo es el sigma 30 milímetros F 1.4. Entonces aquí tenemos una lente prime con una distancia focal fija de 30 mm y la apertura mínima es F14. Se puede ir más alto, pero no inferior a F14. Y chicos aquí tenemos un pro tip. Para tomas cinematográficas, debes usar una lente con una apertura mínima muy amplia como F 1.8 o F14, verás muchos lentes con aperturas mínimas F35 o F4 más estrechas, lo que significa que necesitan más luz y además ofrecen menos desenfoque de fondo ya que tienen un plano de enfoque más amplio. Entonces aparte de la distancia focal y la apertura, también hay otras cosas que debes saber sobre las lentes. El primero es la estabilización. Hay algunas lentes que vienen con estabilización óptica de imagen incorporada. Y estos son muy útiles para estabilizar tomas donde se mueve la cámara, sobre todo si estás vlogueando o algo así donde la cámara se mueve mucho. Realmente te vendría bien una buena estabilización, pero ten en cuenta que no todas las lentes vienen con estabilización. Del mismo modo, algunas lentes también tienen capacidades incorporadas de enfoque automático. Otros no. Y recuerden, hablamos de esos diferentes ecosistemas y marcas de cámaras. Bueno, estas lentes también forman parte de esos ecosistemas y todas ellas tienen diferentes monturas. Así que prácticamente todas las marcas de cámaras en este punto tienen un tipo diferente de montura que soporta. Y es importante saber qué montura tiene tu cámara antes de ir y comprar lentes para ella. Por ejemplo, Sony admite lentes de montura E, mientras que las cámaras Canon admiten EFF y algunos otros tipos de monturas. Cualquiera realmente usa una lente de montura E con una cámara montada EF a menos que encuentres algo como esto y un adaptador para ello. Pero incluso estos probablemente reduzcan la funcionalidad que puede obtener de su lente. A menudo, el enfoque automático no funcionará tan bien, o verá algún otro tipo de degradación del rendimiento. Entonces, el punto clave aquí es que si comienzas a usar, por ejemplo , cámaras Sony, con el tiempo, probablemente construirás toda una biblioteca de lentes para tus cámaras Sony con montajes E. Y esa será una inversión significativa, lo que hará que sea difícil para ti cambiar de tu marca más adelante en tu carrera. Así que ahora sigamos adelante y comencemos a hablar sobre los filtros y qué tipo de filtros puedes usar con tus lentes. Así que el filtro es básicamente algo así. Se enciende en crucero al final de tu lente. Hay diferentes tipos, por lo que tienes filtros UV, filtros polarizadores, filtros prometidos. Pero el que quiero que ustedes conozcan es este filtro ND. Entonces estos son filtros de densidad neutra. Ya hablé de estos en una clase anterior donde te dije que estas son gafas de sol. Estas son como gafas de sol para tus lentes, El control eléctrico, la cantidad de luz que golpea tu sensor, y te permiten manejar la exposición de tu short. Si estás en un ambiente muy iluminado, muchas veces realmente no puedes controlarlo con. No tienes la opción de reducir tu ISO o aumentar tu disputa de camisa ni nada por el estilo, entonces puedes usar un filtro ND. E incluso en estos filtros ND, prefiero usar algo como esto, que es un filtro ND variable. Y lo que esto te permite hacer es controlar el brillo girándolo y así podrás controlar la exposición de tu short. Otra cosa a tener en cuenta de los filtros ND es que tienen clasificaciones de tamaño milimétrico. Por lo tanto, debe asegurarse de que el filtro ND que obtiene se ajuste a su lente. O es posible que deba obtener algunos anillos elevadores o reductores para asegurarse de que su filtro se asiente correctamente en su lente. Y aquí tengo otro consejo profesional para ustedes. Para tomas cinematográficas, usa un ajuste de apertura inferior de f 1.8 o F14, junto con un filtro ND, esto te dará mucho desenfoque de fondo mientras te permitirá administrar la cantidad de luz que entra en esa apertura realmente abierta. Por lo general, con apertura amplia como F 1.8 y 1.4, es muy fácil sobreexponer o soplar tu short. Ahora como prometí, quiero compartir algunas de mis preferencias de lentes con ustedes. Y el primero de estos es el lente que más uso. También se le conoce como la lente YouTubers y la estoy usando ahora mismo para grabar esta clase. Esta es la sigma 18 a 3,051.8. Manos abajo mi lente favorita. Conozco gente corriendo todos sus canales con solo esta lente. Es bastante pesado y no es realmente adecuado para vlogueo, pero en un entorno de estudio, esta lente es increíble. Entonces también tengo esta sigma 30 mm y la Sigma 16 mm. Y ambos ofrecen aperturas muy amplias, realmente no van a romper el banco y además ofrecen muy buena calidad de imagen. Tengo la lente Sony 16 milímetros F2.8. Esto fue muy barato y lo conseguí justo al principio cuando conseguí a mi Sony un 6,500. Y por último pero no menos importante, tenemos los ingeniosos 50 de mi lata de días canónicos iniciales y la lente F1 0.8 de 50 milímetros. Y esto fue realmente bueno para tomas tipo retrato con intenso desenfoque de fondo. Mucha gente lo prefiere porque realmente no cuesta demasiado y puede darte muy buenos resultados si sabes lo que estás haciendo. Entonces esta fue nuestra guía para principiantes de lentes. Creo que hay suficiente en esta clase para que investigues más y aprendas más sobre. En la siguiente clase, vamos a pasar de las cámaras y empezar a hablar de micrófonos. Nos vemos entonces. 11. Micrófonos: Bien, hablemos de micrófonos. Entonces al inicio de este curso, les conté chicos sobre la importancia de la calidad de audio y cómo realmente puede hacer o deshacer su video. Te dije que mucha gente cree, incluyéndome a mí mismo, que la calidad de audio es aún más importante que la calidad de tu imagen. Es decir que si estás viendo un video donde la calidad de imagen no es tan buena, pero la calidad de audio es buena. Y es más probable que veas ese video a diferencia de un video donde se ve muy bien, pero la calidad del audio es realmente mala. A lo mejor hay mucho ruido son mucho eco o el volumen es simplemente muy tenue, más probabilidades de rebotar. Ahora vamos a hablar sobre cómo grabar y procesar tu video y una clase separada. Y ésta, quiero enfocarme un poco más en los micrófonos y las diferentes opciones que tienes como concentrador. Y justo de entrada, la primera regla es que siempre evitemos usar el micrófono a bordo. Este es el micrófono incorporado en tu cámara, o si estás grabando video con tu teléfono que el micrófono en tu teléfono. micrófonos a bordo generalmente tienden a dar resultados realmente malos. Y usar un micrófono externo puede hacer maravillas con la calidad general de tu video. Ahora en apuros, puedes seguir adelante y usar tu teléfono como micrófono, así como grabador de audio. Pero eso es sólo en el caso de que no estés grabando video con tu teléfono también. Supongo que si eres blogger, entonces puedes arreglártelas con hacerlo. Pero si estás usando el micrófono integrado en tu teléfono, entonces debes saber que un poco de ruido o un poco de eco realmente pueden destruir la calidad de tu audio. Entonces estos son algunos de los diferentes tipos de micrófonos externos que puedes considerar como creador de contenido. primeros en la lista son los micrófonos lavalier. Estos también se llaman micrófonos de laboratorio y básicamente se fueron tu color así. micrófonos de laboratorio son muy buenos para el rechazo de ruido y están diseñados para captar sonidos fuertes porque normalmente están muy cerca de tu boca. Entonces, si estás grabando en un ambiente ruidoso, o tal vez hay mucho viento o eco en tu entorno, entonces quizás quieras ir con un laboratorio Mike. Pero el gran inconveniente de un laboratorio Mike es que no se ven muy bien. Esto podría ser una preferencia personal, pero no me gusta cómo se ven los micrófonos de laboratorio. Se ven feas en tu color. Y siento que también le quitan la inmersión de tu video. Pero para los principiantes, es muy fácil trabajar con ellos. Puedes encontrar uno que se conecte directamente a tu teléfono. Para que también puedas conectar estos ratones de laboratorio con tu teléfono. Hay algunas opciones de bajo costo disponibles BY m1 es una buena. Por K uno se conecta directamente a tu iPhone que ahí , cinco SH, muchos creadores de contenido nuevo los usan. Entonces si quieres ir más alto en el rango de precios, tal vez eche un vistazo al laboratorio inteligente Rhodes que te brinda una buena mezcla de precio y calidad. Y luego si quieres más calidad premium de la que quizás podrías optar por algo como desinfectante. Después de seguir adelante, tenemos micrófonos de condensador, que se utilizan más en un entorno de estudio. Estos micrófonos de condensador tienen un condensador dentro de ellos, lo que les permite recoger los más finos detalles. Generalmente son muy sensibles, así que vas a tener que usarlos en un ambiente de estudio donde tengas tratamiento acústico para reducir el eco y el ruido. Pero generalmente las personas que hacen transmisiones en vivo , voces en off o voces, tienden a preferir estos micrófonos de condensador para productores de video principiantes, Blue Snowball es una buena opción de bajo costo, y este Blue Yeti también es micrófono muy popular. El camino también tiene algunos buenos como el road NT USB y este Blue Yeti y el road y un USB, ambos son micrófonos USB, así que puedes conectarlos directamente a tu computadora, lo cual es una ventaja añadida si quieres grabar audio directamente en tu computadora. Mientras que el estudio escarlata Mike vino con mi enfoque, ¿verdad? Paquete de estudio Scarlet Solo que obtuve. Este se conecta a través del cable XLR a la interfaz de audio. Vamos a llegar a eso también. Pero sí, estos son micrófonos de condensador. Entonces tenemos el micrófono de escopeta, que también es un tipo de micrófono de condensador, pero son más direccionales, algo así como un telescopio. Y puedes apuntarlos en cierta dirección y el micrófono captará más sonidos desde esa dirección y rechazará el sonido que viene de los lados o detrás del micrófono. Los micrófonos de escopeta son realmente buenos para el rechazo de ruido. Como te dije, son muy direccionales así que van a rechazar o rechazar sonidos provenientes de otras direcciones, razón por la cual se usan mucho en películas y en programas de televisión. Y Laura, los YouTubers incluso los usan ahora, yo uso micrófonos de escopeta todo el tiempo. De hecho, el sonido que estás escuchando ahora mismo viene a través de este micrófono de escopeta, que es la deidad S Mike dos. Este es el desinfectante V Mike D3 pro. Mgh 416 es muy famoso, pero es un poco caro para los principiantes. Caminos. Y la serie D G es también alineación muy popular. Después hay algunos micrófonos de escopeta. Están diseñados para ser montados en tu cámara o incluso en tu teléfono. Roads video mike series es una famosa. Y los micrófonos de escopeta vienen en todo tipo de formas y tamaños. Este es el video micro de Rode. Este es uno que sugiero a todos los principiantes porque puedes montarte en tu cámara. También hay una versión que se conecta a tu teléfono, incluso una para un iPhone. Por lo que es un micrófono muy popular y es muy adecuado para correr escenarios de armas. Por cierto, si te estás preguntando qué es esta cosa, esta llamada gato muerto, tengo otra aquí. Y estos básicamente se utilizan para reducir el sonido del viento. Si estás afuera disparando mucho y hay mucho viento, encontrarás que hay muchos sonidos de viento estallando o plosivas o algo que viene en tu video, puedes poner este gato muerto en tu micrófono y vamos a cortar el sonido del viento que sigue adelante, tenemos micrófono dinámico, que se usa principalmente para podcasts, transmisiones de radio y voz- overs y voces. Estos micrófonos dinámicos necesitan mucha amplificación. No son sensibles en absoluto. Y normalmente hay que estar muy cerca de ellos. Pero el mayor beneficio con los micrófonos dinámicos es que rechazan el ruido muy, muy bien. Por eso se utilizan para transmisiones de radio y podcasts, donde tienes varios invitados todos hablando al mismo tiempo y no quieres que un Mike capte la voz de más de una persona. Un micrófono dinámico muy famoso es este, el shore SM7B. Ya lo debes haber visto en muchos podcasts. Entonces caminos parte mike también es muy popular ahora, Samson para ti como una buena opción de bajo precio. Junto con podcasts y entrevistas, los micrófonos dinámicos también son muy buenos para voces en off y voces. Dato curioso, Michael Jackson utilizó SM7B en tierra para grabar como álbum Thriller. Entonces estos fueron algunos de los diferentes tipos de micrófonos que puedes considerar usar como concentrador. Ahora sigamos adelante y hablemos de los diferentes tipos de conexión que utilizan porque eso va a determinar cómo grabas tu audio. Entonces solo brevemente, tenemos jags de 3.5 milímetros. Parecen tomas de auriculares. Normalmente hay TRS o TRS. Y se pueden enchufar directamente a grabadora de tu laptop o a algunos teléfonos. Entonces tenemos micrófonos USB, como te dije antes, estos se pueden conectar directamente a tu computadora, pero el que la mayoría de ustedes no conocerá es el conector XLR. Esto es lo que encontrarás en la mayoría de micrófonos y grabadores de progreso. Esta deidad S2 es un micrófono XLR. Eso es corto. SM7b también es un micrófono XLR. Y para grabar con estos micrófonos XLR, normalmente necesitas alimentación phantom. Por lo que necesitará ya sea una grabadora o una interfaz de audio que pueda proporcionar alimentación fantasma para que estos micrófonos funcionen. Y ahora algunos de ustedes podrían estar preguntándose qué tipo de grabadoras o interfaces de audio podrían usar con estos micrófonos. Entonces Zoom hace un montón de grabadoras de audio que puedes mirar hacia arriba. Personalmente estoy usando el Zoom H5. Y alternativamente, también puedes usar una interfaz de audio que esté conectada a tu computadora, como esta enfocada ¿verdad? Scarlet a Y2 son los Scarlet Solo de lo que son los audios universales. La línea Polar también es muy famosa y muchos YouTubers la usan. Creo que esto es suficiente de una introducción a los micrófonos para principiantes. Si quieres investigar más a fondo, te sugiero encarecidamente que tomes cualquier cosa que te esté confundiendo en esta clase y buscarlo en línea y encontrar tus respuestas. Realmente te voy a enseñar mucho. En la siguiente clase vamos a hablar iluminación y qué tipo de consejos y trucos puedes usar para lucir mejor ante la cámara. 12. Iluminación: Tener incluso una comprensión básica de la iluminación puede hacer maravillas sobre cómo se ve tu video. Ahora la iluminación es un tema enorme y como creadores de contenido, queremos ahorrar el mayor tiempo posible, hacer las cosas rápidamente para que podamos producir contenido regular. Y así en esta clase, voy a compartir solo los conceptos básicos de las cosas de iluminación que creo que necesitas saber para producir videos razonablemente guapos. Y puedes conocer más sobre este tema en Skillshare y YouTube. Pero aquí están los conceptos básicos. Entonces en nuestra clase de equipo y equipo, dije que se necesita al menos una fuente de luz. Y para empezar, esto puede ser luz natural a través de una ventana. Pero si quieres mejorar el aspecto de tu video, necesitarás más fuentes de iluminación para o idealmente al menos tres. Y puedes usar lámparas alrededor de tu casa para empezar o salir a comprar estas luces LED con difusores son para mejores resultados. Se pueden utilizar cajas blandas son paraguas difusores. Pero sea cual sea la fuente de luz que uses, creo que obtendrás muy buenos resultados. Si entiendes la iluminación de tres puntos. En el sistema de iluminación de tres puntos, básicamente hay tres tipos de luces. Clave, luz, relleno, luz, luz pelo, a veces también se llama luz de fondo si el sujeto no es una persona. Y todas estas tres luces tienen trabajos muy específicos. La luz clave es la principal y generalmente la fuente de luz más brillante que cae sobre tu cara desde un lado, la luz de relleno normalmente está en el otro lado de tu cara. Y como su nombre indica, llena las sombras proyectadas por la luz clave. Normalmente esta luz de relleno es un poco tenue o un poco más lejos que la luz clave. Y luego tenemos una luz de pelo. Esto suele estar por encima de tu cabeza o a veces detrás del tema, y su trabajo principal es la separación de antecedentes. Te separa del fondo e introduce un poco más de profundidad en tu corto mediante el uso del sistema de iluminación de tres puntos, tu rostro se verá más favorecedor y hermoso. Tu toma, vamos a tener un poco más de profundidad en ella, lugar de solo mirar plano como en esta toma donde solo tenemos un punto muerto claro a las 12:00. Aquí estamos consiguiendo una especie de aspecto muy plano y sin mucha profundidad. Mientras que en este breve revisa iluminación de tres puntos y puedes ver la diferencia por ti mismo. Aquí tienes un consejo profesional si quieres aprender más sobre iluminación de tres puntos, búsqueda, Rembrandt, iluminación, el usuario, y muchas entrevistas producidas profesionalmente, y también esos anuncios de clase magistral, estoy seguro que muchos de ustedes deben haber visto. Ahora bien, otro aspecto muy importante de la iluminación que debes conocer es la diferencia entre la luz dura y la luz suave. Y siempre queremos la luz más suave posible. La luz suave básicamente significa luz difusa. Entonces la luz tiene que pasar por algún tipo de difusión, como una softbox o un paño de difusión o incluso algo como papel mantequilla o incluso papel tisú si tienes cuidado con él. Pero tengo que hacer hincapié en esto. Si estás usando papel, entonces ten mucho cuidado. Las luces calientes y el papel obviamente no se mezclan bien. Te han advertido. Ahora el mayor beneficio de usar difusa es que la luz difusa crea sombras más suaves, lo que hace que su rostro o cualquier otro tema luzca mucho más favorecedor y hermoso. Por otro lado, la luz dura normalmente no tiene difusión y da un aspecto muy duro. Las sombras que cuesta son muy nítidas, que a menos que se utilicen para un efecto dramático, se ven feas. Y tenemos otro pro tip aquí. Siempre use una fuente de luz difusa grande, como una gran ventana esmerilada o una caja de luz. Cuanto más grandes y difusas sean tus fuentes de luz, mejor serás. Tu sujeto mirará tu video. También hay otros aspectos interesantes de la iluminación que debes conocer. Una de ellas es lo que se conoce como una luz de captura. Este es el reflejo de la luz en tus ojos. En la mayoría de los videos profesionales, verás esta reflexión en los ojos del sujeto. Y mientras colocas tus propias fuentes de luz, asegúrate de obtener una buena luz de captura en tus ojos va a hacer que tu short se vea más hermoso y va a facilitar que tus espectadores conecten con tus ojos cuando hables con ellos. Una cosa más en la que pensar, nuestras luces RGB y colores. Puedes usar estas luces de colores en tu fondo para que las cosas se vean un poco más interesantes. A lo mejor condimentar las cosas porque podrías tener solo luces blancas. Pero si estás haciendo contenido regularmente que cambiar las cosas va a ayudar a que tus videos se vean un poco más interesantes en lugar de más monótonos. Entonces sí, las luces RGB también son algo para investigar. Pero creo que la clave para llevar de esta clase es que siempre debes preferir usar luces difusas. Intenté tener la mayor difusión posible en tus luces. Y también para conocer bien el sistema de iluminación de tres puntos. En nuestra próxima clase, voy a estar compartiendo algunos consejos que puedes usar a la hora de grabar tú mismo. Nos vemos entonces. 13. Consejos sobre grabar a ti mismo: Entonces amigos, ahora estamos listos para comenzar a grabarnos nosotros mismos. Y probablemente estés pensando finalmente, pero era muy importante construir tus bases sobre cámaras y micrófonos y la iluminación y producción de video en general, antes de que realmente empezáramos a grabarnos, esta etapa llega después que hayas terminado con toda tu preproducción, planeación y scripting y preparando todo tu equipo. Entonces, una vez que hayas terminado de configurarlo todo, lo primero que siempre quieres hacer es establecer tu balance de blancos. Ya hemos cubierto esto en nuestra clase sobre balance de blancos. Si necesitas refrescar tu memoria, sigue adelante y vuelve a ver esa clase. Entonces tenemos un pro tip aquí. Siempre que la iluminación en tu corto cambie, lo mejor es establecer el balance de blancos. Otra vez. Recuerda esa clase de balance de blancos, siempre que cambie la iluminación de tu entorno, podría cambiar la forma en que tu cámara ve el blanco. Entonces, una vez que hayas terminado de establecer tu balance de blancos, quieres seguir adelante y verificar tu enfoque. Si estás usando el enfoque automático, entonces no hay ningún problema. Pero si estás usando el enfoque manual, si recuerdas nuestra clase de enfoque, hablamos sobre cómo podría ser un poco difícil para ti enfocarte en ti mismo. Pero sí te di un truco en esa clase. podrías usarlo o podrías pedirle a alguien que te ayude y haga el enfoque por ti. De lo contrario, solo podrías usar el enfoque automático. Lo siguiente es enmarcar. Y el encuadre es muy importante. Un buen encuadre no solo te hace lucir más profesional, sino que también brinda a tu audiencia una mejor experiencia visual. Y la mejor y más básica forma de enmarcar tu tiro es usando la grilla de la regla de los tercios. Se puede colocar en el centro o a la izquierda o a la derecha. El centro suele ser el más seguro. Pero lo que veo que mucha gente se equivoca es el encuadre vertical. Entonces o dejan demasiado espacio por encima de su cabeza o están tan altos que parte de su cabeza está cortada de RAM. Así que lo mejor es encender la cuadrícula en el monitor de tu cámara y usar la regla de los tercios para posicionarte en el marco. Entonces tenemos la colocación de la cámara es muy importante. Normalmente quieres colocar tu cámara a la altura de tus ojos o alrededor. Esto se debe a que cada vez que alguien te está hablando, normalmente están a tu nivel. Simplemente se siente mucho mejor para tu audiencia se conecte correctamente. Si tus cámaras son demasiado bajas, vas a estar mirando hacia abajo, ni siquiera te darás cuenta. Y tu audiencia probablemente va a sentir que te está mirando. De igual manera, si tu cámara es demasiado alta, vas a estar mirando a la cámara todo el tiempo y tu audiencia sentirá que te está mirando hacia abajo. Simplemente se siente un poco antinatural a la mejor y más natural forma de hacerlo. Tenga la cámara a la altura de los ojos. Entonces otro consejo es usar siempre un monitor mientras grabas tú mismo. En estos días, muchas cámaras vienen con pantallas abatibles donde puedes vigilarte mientras haces la grabación. O también puedes conectar un monitor externo a tu cámara siempre es mucho mejor para poder verte a ti mismo. Podría estar quedando sin espacio en su tarjeta de memoria o su batería podría estar agotándose o puede que ni siquiera esté grabando. Así que lo mejor es estar atento a la visualización de información de tu cámara también. Entonces, después de que terminemos con el balance de blancos, encuadre enfocado y la colocación de la cámara, solo quedan algunas comprobaciones finales por hacer. Asegúrate de que tu tarjeta SD en la cámara y que tenga suficiente espacio, entonces quieres verificar que tu micrófono esté conectado de forma segura. Si estás usando un micrófono externo, que espero que estés usando también, muchas cámaras prosumer en estos días vienen con un límite de grabación alrededor de 30 min más o menos. Y a tantos creadores de contenido les gusta mantener un temporizador en su teléfono o en un monitor para que puedan vigilar cuánto tiempo llevan grabando. Entonces sí, eso es más o menos todo. Ahora ya estás listo para grabar. Así que adelante y asegúrate presionar el botón de grabación porque te sorprendería la cantidad de veces que me he olvidado de presionar el botón de grabación. Y podría ser un verdadero dolor una vez que te des cuenta de lo libre de grasa o video que ni tu grabadora de audio o tu cámara ni siquiera están rodando. Entonces estos fueron algunos consejos para grabarte a ti mismo y cosas que quizás quieras vigilar. En nuestra próxima clase, vamos a hablar grabación y procesamiento de audio. 14. Grabación y procesamiento de audio: En esta clase, te voy a explicar cómo puedes grabar tu audio y aplicarle algún procesamiento básico como cráteres de cantidad, generalmente tienes dos opciones. Una es conectar un micrófono directamente su cámara para que su audio se grabe directamente en su archivo principal. La gente suele hacer esto con micrófonos lavalier porque esos se pueden enchufar directamente a la mayoría de las cámaras. Y la otra opción es grabar en una grabadora de audio externa y luego sincronizar tu audio video, video y post. Ahora hay muchas marcas de grabadoras de audio por ahí. Uno de los más famosos es Zoom. Yo uso el Zoom H5, pero tienen una gama de productos para diferentes presupuestos. También puede grabar su audio directamente en su computadora, conectándole un micrófono USB o usando una interfaz de audio, y luego en el software y puede usar un software libre como Audacity para grabar y procesar el audio. Mi flujo de trabajo al principio era que grabaría mi audio en mi Zoom H5 se procesaba el archivo de audio en audacia y luego lo sincronizaría con mi video en mi software de edición de video. Ahora que sé cómo post-procesar mi audio un poco mejor, simplemente hago todo en mi software de edición de video. Pero al principio, aprendí a hacerlo todo en Audacity. Ahora como productor de video principiante, hay tres cosas sobre tu audio que debes conocer. Primero es la sonoridad o el volumen. Por lo que su audio debe ser lo suficientemente alto para sus espectadores, pero nunca debe recortar. ¿Qué es el recorte? Nos meteremos en eso. El segundo es eco o reverberación no debería ser demasiado eco y tu eco de audio matará la experiencia de tu espectador. Y va a dificultar que tu espectador se concentre en lo que estás diciendo. Y el tercero es el ruido. El ruido de fondo puede ser muy distraído para tus espectadores. Y si hay demasiado, entonces tu audiencia no podrá enfocarse en lo que estás diciendo. Entonces hablemos primero de sonoridad. La sonoridad se mide en decibelios denotados por db, y estos son siempre valores negativos. Entonces -12 menos seis menos tres, etcétera. Y la suposición es que cualquier cosa por encima cero es recorte o ruido blanco. Por lo que es muy importante que tu audio nunca vaya por encima de cero. Si lo hace, entonces tu audio comenzará a grabarse y sonará muy mal. Y la forma en que controlas la sonoridad es a través del control de la grabadora de ganancia. Verás una perilla de ganancia. Su software también tendrá algunas características para controlar el ancho de ganancia, y la ganancia básicamente controla el volumen o volumen de su audio. Tiempo. Para un consejo profesional aquí, siempre que estés grabando tu audio, lo mejor es grabarlo entre -12 y -6 db. Intenta no ir por encima de -3 db para que tengas cierto margen de maniobra. A veces tu voz puede hacerse un poco más fuerte. Nadie habla en el mismo volumen todo el tiempo. Y luego una vez que hayas terminado de grabar, siempre puedes agregar más ganancia a tu audio y subir el volumen y la publicación. Así que ahora sigamos adelante y hablemos cómo post-procesar tu audio una vez que hayas terminado de grabarlo, como dije antes, usaremos Audacity para esto más adelante. Podrías hacer esto en tu software de edición de video o en Adobe Audition si no te importa gastar más dinero. Por ahora, nos apegaremos hacia la libertad. Y como somos principiantes que queremos hacer esto rápidamente, solo usaremos un proceso de dos pasos, amplificaremos y reduciremos el ruido. Posteriormente se pueden agregar más procesos a esto como compresores y limitadores. Pero por ahora lo mantendremos simple. Con amplificación. Vamos a aumentar el volumen de nuestro audio. Recuerda que lo mantuvimos alrededor de menos seis dB. Ahora queremos utilizar la gama completa de sonoridad disponible para nosotros. Y en nuestra Udacity es muy fácil. Sólo tienes que ir a tu panel de efectos y sonoridad. Ahora después de que hayamos terminado con la amplificación, vamos a aplicar nuestra reducción de ruido. Ahora la forma de hacer esto en Audacity es que necesitas darle a Audacity muestra del ruido de tus habitaciones. A esto se le llama el perfil de ruido. Entonces, cuando estás grabando, tiene que haber unos segundos. Hago alrededor de 5 s donde estás en silencio y solo hay ruido de fondo. O udacity puede usar este perfil de ruido para reducir el ruido en tu audio es realmente fácil de hacer. Solo tienes que seguir adelante y seleccionar esta parte de tu audio donde estabas en silencio. Me como el perfil de ruido, luego entro en efectos y reducción de ruido y hago clic en Obtener perfil de ruido o udacity luego registrará este perfil de ruido. Después vuelves y seleccionas todo tu audio. Y una vez más, vamos a efectuar la reducción de ruido. Ahora aquí puedes establecer qué tan agresivo quieres que sea la reducción de ruido. No exageres con esto si vas a hacer que tu audio suene realmente extraño y procesado. Y luego una vez que estés contento con todo, simplemente haz clic. Bien, ahora veamos cuánta diferencia ha hecho esta amplificación y reducción de ruido. Entonces así es como suena el audio directamente de la grabadora, y así es como suena después de la amplificación y reducción de ruido. Y se puede escuchar cuánta diferencia hace solo la amplificación básica y la reducción de ruido. Antes mi audio sonaba muy aburrido y el volumen era muy bajo. Pero después de hacer esto, mi audio suena mucho más completo y mucho más limpio. Ahora, obviamente hay mucho más que puedes hacer con tu audio. Pero yo solo te enseñé estos pasos porque como creadores de contenido, queremos intentar acelerar las cosas, hacer que todo sea rápido y corto. Pero si no te importa un poco de rutina extra, puedes usar herramientas como un ecualizador para ajustar los agudos y los graves y tu audio aquí a la izquierda es el extremo inferior, o las frecuencias base. la derecha están las frecuencias de agudos más altas. Todo en el medio son medios. Puedes tocar con estos para hacer que tu audio suene mejor. Entonces tienes compresores, que son solo el rango dinámico de tu audio y lo hacen Fuller. Puedes usar mi configuración de compresor aquí para tu audio si estás haciendo locuciones, si tienes un escenario muy específico, quieres usar un compresor y lo mejor es ver algunos tutoriales sobre cómo usarlos. Luego hay limitadores que puedes usar para subir tu ganancia o volumen mientras mantienes un límite en el volumen máximo. Y un limitador va a asegurarse tu audio nunca se grapa. Así es como se ve mi limitador en Final Cut Pro, y literalmente te muestra en amarillo cada vez que el audio iba a recortar, pero el limitador pateó. Pero de nuevo, no quieres exagerar el limitador, lo contrario puede hacer que tu audio suene un poco fuera de balance. Entonces, si quieres hacerlo rápido que solo amplificar y reducir el ruido para la mayoría de la gente, eso va a ser suficiente procesamiento para que tu audio suene a la par. Pero si quieres poner más esfuerzo y hacer que tu audio suene mejor que su mejor para investigar compresores, ecualizadores y limitadores. Te van a dar mucho más control sobre cómo suenas en tu video. En nuestra próxima clase, vamos a hablar de los fundamentos de B-roll. Qué es B-roll lo pides, bueno, tendrás que ir a la siguiente clase para averiguarlo. Nos vemos ahí. 15. Conceptos básicos de B-Roll: En esta clase, vamos a hablar de B-roll, su importancia y cómo usarlo para agregar perspectivas interesantes a tus videos. B-roll es muy importante si eres un blogger que quiere mostrar algo interesante a sus espectadores o tu revisor que quiere mostrar un producto desde puntos de vista interesantes. Y usar B-roll hace que sus videos sean más interesantes y atractivos porque tu espectador no tiene que seguir mirándote la cara todo ese tiempo. Ahora no estoy diciendo que no seas lo suficientemente guapa, pero puede llegar a ser un poco aburrido para ustedes los espectadores. Pero si usas B-Roll, puede llevar a una mejor retención de audiencia porque tu espectador puede ver más de lo que estás hablando y además obtener una perspectiva interesante sobre las cosas. Y a veces B-roll es absolutamente esencial para transmitir la información que intentas transmitir. Pero lo primero es lo primero, ¿ por qué lo llamamos B-roll? Pero debido a la secuencia de la cabeza parlante que estás viendo en este momento, esto se conoce como la flecha, y así todo lo demás se convierte en B-roll. Entonces en este proyecto, esta es la flecha donde estoy hablando con la cámara. Y este es el B-roll donde estoy mostrando diferentes tomas del producto para que mi público pueda entender mejor de lo que estoy hablando. Ahora bien, hay bastantes tipos diferentes de gráficos buróricos que puedes tomar. Hablemos de algunas de ellas. Tan sencillo. Una es la pluma, donde la cámara se desplaza de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. Para esto normalmente se utilizará una cabeza de fluido que se ve así. Está diseñado para que una cámara se monte en ella y te permite obtener unos movimientos muy suaves. Luego está la inclinación, donde la cámara se inclina de arriba a abajo o de abajo hacia arriba. Nuevamente, utilizamos un fluido para esto. Entonces aquí hay algo un poco más avanzado. Esta es una diapositiva para la que utilizamos un deslizador. Y mediante el uso de un control deslizante, puedes ir de un lado a otro o de atrás hacia adelante. Y estas tomas deslizantes pueden ser muy útiles para hacer que un corto aburrido se vea más dramático y cinematográfico. Un poco de movimiento ayuda en gran medida a cambiar cómo se ve tu tiro, luego avanza hacia un territorio aún más avanzado. Aquí está una de mis listas favoritas de todos los tiempos. Esto es lo que se llama un arco corto o un corto de paralaje. Acabamos de tomar montando la cabeza de fluido en un deslizador. Por lo que te da la posibilidad de deslizarte y paneo e inclinación al mismo tiempo. Se necesita bastante práctica para ser bueno en esto porque tienes que deslizarte y desplazarte al mismo tiempo mientras mantienes a tu sujeto en el centro del marco. Pero cuando se hace bien, este corto es extremadamente dramático y se ve muy impresionante. Entonces tenemos otro tipo de toma que realmente me encanta y uso todo el tiempo. Este es un gráfico de gastos generales. Yo lo llamo una toma de arriba hacia abajo, donde la cámara está montada sobre la cabeza y mirando hacia abajo a un escritorio o a una encimera. Y creo que esta perspectiva es especialmente útil para los videos de productos, los videos de cocina son videos prácticos astutos. Te da a un espectador una mirada muy clara y de cerca de lo que estás haciendo estás hablando. Es hora de otra propina profesional aquí. Entonces, al hacer estas tomas aéreas, aplicación de nivel de usuario en tu teléfono para asegurarte de que la cámara esté mirando hacia abajo. Esto es para asegurarte de que tu perspectiva sea buena. De lo contrario, cualquier cosa con un borde recto empezará a verse torcida y distorsionada. Hay muchos otros tipos diferentes de gráficos buróricos que puedes tomar demasiados para cubrir en una clase. Entonces te sugeriría que te conectes y investigues mejor, busques algunos tutoriales y aprendas a conseguir un buen B-roll. Pero como nota final, cuando estés grabando tu B-roll, trata de hacerlo interesante con diferente iluminación. Algunas personas usan luces RGB y también prompts y diferentes texturas. También ten en cuenta que cuando estés grabando tus videos, no te excedas en las cinemáticas. Muchas cinemáticas y tomas de belleza sí se vuelven distrayentes después de un tiempo y a veces también le quitan la historia del video. La historia realmente importa. Realmente no se puede sustituir la historia por las cinemáticas de bienes, pero tampoco deshacer las cinemáticas. Hacen una gran diferencia. Y cuando se hace bien, B-roll cinematográfico puede agregar perspectivas interesantes a tu video y aumentar su valor de producción. En la siguiente clase, vamos a empezar a hablar de edición de video y específicamente qué software de edición de video puedes usar. Nos vemos entonces. 16. Software de edición de video: Así que ojalá a estas alturas ya tengas todo tu metraje de video y audio grabado. Y ahora quieres llevarlo todo a un software de edición de video para armarlo. Pero cualquiera que sea el editor que elijas, todos tendrán las siguientes características o cronología. Esta es básicamente la columna vertebral, son la base de tu video. Mientras editas, verás todo tu proyecto en esta línea de tiempo. Puedes cortar y empalmar el video como quieras. Y puedes colocar metraje, imágenes , textos y sonidos donde quieras. Y la mayoría del software de edición de video moderno también te permitirá apilar capas una encima de la otra. Después están los fotogramas clave. Con los fotogramas clave, puede seleccionar cualquier punto o puntos diferentes en su video y luego cambiar las propiedades del objeto entre esos fotogramas clave. Por ejemplo, yo. Puede agregar un fotograma clave aquí y uno aquí. Y luego puedo agregar un efecto de zoom entre estos dos fotogramas clave. O puedo cambiar la opacidad y hacer que mi video se desvanezca a negro. El cielo es el límite con estos, hay un montón de cosas que puedes hacer con fotogramas clave. Luego hay transiciones que permiten agregar una transición entre dos clips, que es esencialmente un efecto elegante que cambiará la escena de un clip a otro. Los títulos te permiten agregar todo tipo de elementos de texto en tu video. Entonces puedes agregar gráficos y animaciones interesantes a tus videos para hacerlos más interesantes y atractivos. Tenemos un pro tip aquí. Tómate un tiempo para encontrar fuentes, gráficos y sonidos interesantes para tus videos. Todas estas cosas agregarán más riqueza a tu contenido. También puedes instalar algunos complementos muy útiles de sitios web como motion vfx.com y pixel film studios. Ahora la edición de video en sí misma es un tema muy profundo. No voy a estar enseñándote a editar videos ni a usar tu software de edición de video, porque no sé qué software vas a usar. Cada software es diferente, pero voy a tratar de darte alguna información importante sobre los diferentes softwares de edición de video. Así que ojalá puedas tomar una mejor decisión sobre qué software te conviene más. Y en la siguiente clase voy a estar compartiendo algunos consejos de edición de video con ustedes para ayudarlos a mejorar sus videos. Hablemos de algunos de los programas de edición de video más populares que existen. Hay tres en particular, que son los más populares. El primero y posiblemente el más popular es Adobe Premiere Pro, que puedes ejecutar tanto en Windows como en Mac. Y es ampliamente utilizado en la industria por los profesionales porque no está bloqueado a ecosistemas Windows o Mac y debido a todas las características avanzadas que ofrece a los profesionales, Adobe Premiere Pro es una suscripción mensual. No se puede comprar, se apagó. Entonces esa es una decisión un poco financiera que tendrás que tomar si quieres usarla. Pero es mayor ventaja es que Adobe Premiere Pro es ampliamente utilizado y reconocido en la industria por aprender a usarlo puede ser una habilidad muy valiosa y transferible. Entonces tenemos a da Vinci resuelta por la magia negra, que realmente ha visto un aumento de popularidad en los últimos años, sobre todo por la magia negra. Presupuesto amigable para las cámaras k y six k inicialmente fue visto como más como una herramienta de gradación de color y corrección de color, pero cada vez más, la gente la está usando como una ventanilla única para todo, desde la gradación de color hasta la edición de video. Nuevamente, DaVinci Resolve funciona tanto en Windows como en Mac, pero en mi opinión, es uno de los softwares más difíciles aprender a usar porque está tan repleto características y funcionalidades avanzadas. Hay una versión gratuita disponible para descargar, pero si quieres el estudio completo, cuesta alrededor de $295. Pero lo bueno es que es una suscripción única y no mensual. Ahora el tercero que utilizo para mi producción de video es Final Cut Pro de Apple, cual es conocido por su facilidad de uso. Es más fácil de aprender que los otros dos, y también es muy eficiente y rápido debido a su optimización con software y hardware de Apple. En mi experiencia, se necesita menos tiempo para renderizar y funciona mucho más suavemente que Adobe Premiere. Por el inconveniente obvio aquí es que Final Cut Pro está encerrado dentro del ecosistema de Apple, por lo que necesitarás una Mac para ejecutarlo. Final Cut Pro cuesta alrededor de 300 dólares en la Apple Store para comprarlo. Pero nuevamente, se trata de un gasto único. Después hay algunos otros softwares de edición de video como Sony Vegas Pro, que muy pocas personas usan en estos días. Si entras en más territorio principiante de slash amateur que acciones de maravilla, llena más y siéntete más profesional también son buenos si solo quieres sumergir los dedos de los pies en el mundo de la edición de video. Entonces, aparte de estos softwares de edición de video basados en computadora , también hay un montón de opciones para teléfonos y tabletas. Y sí, en estos días puedes editar totalmente un video en un teléfono o una tableta. Aquí hay algunas opciones para Android e iOS que he visto. Para iPhones y iPads, luma fusion es bastante buena, pero cuesta alrededor de $30 en Android Fillmore. Un objetivo, Adobe Premiere Rush, nuestro director amable maestro. En resumen. Hay bastantes opciones, pero tómate un tiempo para pensar qué opción es la mejor para ti. Porque si vas a invertir tanta energía en aprender a usar un software, entonces es mejor elegir un software que sigas usando a largo plazo, y también uno que te brinde habilidades valiosas y transferibles. Entonces esto fue un resumen de los diferentes programas de edición de video disponibles. Y también qué tipo de funcionalidad puede esperar de la mayoría de los programas de edición de video que existen. Voy a terminar esta clase aquí y la siguiente, voy a compartir algunos consejos de edición de video con ustedes chicos. Y estas son las cosas que he recogido a lo largo de los años. Nos vemos en la siguiente clase. 17. Consejos de edición de video: Entonces ahora que tenemos una comprensión básica del software de edición de video y los diferentes ecosistemas que existen. En esta clase, voy a compartir algunos consejos de edición de video con ustedes y tip numero uno o clip numero uno es no exagere. Porque recuerda, en las redes sociales necesitas poder producir contenido de manera muy regular y consistente. Si te excedes en el proceso de edición de video, entonces vas a poder poner tus videos. Hecho es mejor que perfecto. Eso es algo que recogí de Casey. Qué bueno que sea minucioso con tu edición pero no te excedas. consejo número dos es que necesitas tener un proceso. Realmente ayuda tener una rutina a tu edición. Mi propio proceso es básicamente en tres pasos. paso número uno es lo que llamo una edición de fundación, donde tomo mi archivo raw sin editar , cortarlo, y eliminar todos los errores y obtener el esqueleto básico ¿están listos los cimientos de mi video? Entonces el paso dos es B-roll y corrección de color. Aquí es donde empiezo a colocar todo el rollo B donde tiene que estar. Y también usualmente haré toda la corrección de color que necesito hacer durante esta fase. Y el paso número tres está terminando donde verifico que todo está donde tiene que estar. A lo mejor necesito una animación de texto en alguna parte. A lo mejor quiero algunos efectos de sonido en alguna parte. Y también revisaré mis blancos y mis tonos de piel durante este proceso. Después del paso tres, por lo general todo lo que queda por hacer es simplemente revisar todo el video un par de veces para asegurarse de que no haya errores o errores fácticos. Se utiliza el número tres. Cortes de salto. Los saltos son una buena manera de controlar el ritmo de tu video. Generalmente en las redes sociales, debes probar y asegurarte de que el ritmo de tus videos sea correcto. Si tu video es demasiado lento entonces la gente podría rebotar. Entonces, los cortes de salto son una buena manera de quitar esos brazos y los fuertes sonidos respiratorios. Pero no exagere los cortes de salto a muchos cortes de salto van a distraer para el par. Para hacer tus cortes de salto y menos discordantes. Puedes agregar un efecto de zoom a tus cortes de salto. Aquí puedes ver la diferencia. Se trata de un desguace de avión y esto es un corte de salto con Zoom. Y tenemos otro prototipo aquí. El mejor tipo de salto es lo que se conoce como Jacob. Jacob es cuando el audio del segundo clip inicia una fracción de segundo antes de que cambie el video. Jacob, por cómo se arreglan los clips , parece una J, pero generalmente se acepta que los cortes J son mucho menos discordantes que solo una simple carta de salto. Así es como se siente un corte de avión, y así es como se siente Jacob. La próxima vez que estés viendo tu YouTuber favorito. Fíjate en dónde están usando estas tarjetas J. Una vez que sepas qué son las chaquetas, empezarás a verlas por todas partes. Punta número cuatro. No abusar de las transiciones. Veo a muchos creadores de contenido nuevo abusan de sus transiciones. Al principio, iba a ser de lo mismo. Todos los demás efectos de desenfoque de zoom radial de encabezado corto que están sucediendo. Pero si miras a los profesionales, rara vez usan transiciones. Cuando fue la última vez que viste una transición en una película o programa de televisión o documental, usa las transiciones con moderación y deliberadamente. Es el número cinco. Siempre se desvanecen los sonidos. Esto es más un peeve mío. Veo a muchos YouTubers agregando por ejemplo algo de música al intraoperatorio, cortarlo solo abruptamente. Suena realmente discortante y hace que tu video se sienta muy rudo. Así que cada vez que tengas un sonido que va a descontinuar que simplemente desvanecerlo. Aquí. Número seis. Ah, y esta es una grande. Siempre usa atajos de teclado, cualquiera que sea el software de edición de video que termines eligiendo, siempre vale la pena aprender atajos de teclado y además agregar tus propios atajos de teclado hará que tu proceso de edición de video sea mucho, mucho más rápido, especialmente una vez que la memoria muscular entre en juego. El número siete y otro grande es ver muchos tutoriales para su software de edición de video. Te sorprendería lo mucho que puedes aprender en línea en estos días. Es decir, estás viendo este curso en Skillshare. Yo mismo, he aprendido todo desde tutoriales y no importa cuál sea tu problema, lo más probable es que alguien haya tenido el mismo tema o muy similar y decidido escribir sobre él o hacer un video al respecto. Entonces sí, mira tutoriales. Y la propina número ocho, que es mi última, es la práctica, la práctica. Cuanto más practiques, mejor será tu trabajo y más rápido estarás entregando proyectos. Entonces estos son algunos consejos que ojalá te ayuden a aprender mejor la edición de video. En la siguiente clase, vamos a estar hablando de conceptos básicos de corrección de color. Nos vemos ahí. 18. Conceptos básicos de corrección de color: Bien chicos. Entonces ahora es el momento de hablar de corrección de color y gradación de color. Y como creador de contenido de video, debes tener al menos una comprensión básica de las herramientas a tu disposición. En esta clase, te llevaré a través de mi proceso, cómo lo hago como creador de contenido día tras día. Y puedes escoger y elegir cuánto de esto quieres seguir si quieres hacer todo o nada de ello, ojalá esta clase te dé una comprensión básica de qué es la corrección de color. Ahora lo primero con la corrección de color es de lo que hablamos en nuestras clases sobre exposición y balance de blancos. Es muy importante tener un buen tiro para empezar. Entonces lo primero es, por supuesto, el balance de blancos. Si configura su balance de blancos correctamente en su cámara, la corrección de color y la gradación de color serán mucho más fáciles para usted. Pero si estás empezando con un afilado azul frío o amarillo cálido, tendrías que corregir eso y publicar. Y por cierto, eso no siempre es posible. Pero si tus colores están ligeramente apagados o se pueden arreglar en post, ahí es donde entrarán la corrección de color y la gradación de color. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre corrección de color y la gradación de color? pocas palabras, la corrección de color se realiza para corregir los colores en la toma y hacer que se vean fieles a la vida o para llevarlos a una línea base, aspecto sin editar. La gradación de color, por otro lado, es más una elección estilística. Entonces, en películas o videos de YouTube, se puede ver cierto estilo de color. naranja verde azulado es un Look muy famoso. Si has visto The Matrix, entonces recordarás que cuando nu está en la matriz, todo tiene un tinte verde a ella. Todo eso es un grado de color. Si te interesa la gradación de color, te instaría a que busques en línea y aprendas más. Ahí hay mucho que aprender. Pero en mi video, desde que hago reseñas de productos, traté de dar mis videos son fieles a la vida. Mira, quiero que mis espectadores vean lo que estoy viendo, exactamente cómo se ve en la vida real. Y así en esta clase vamos a hablar mayormente de solo corrección de color. Entonces mi primer paso para la corrección de color es verificar la exposición y ajustar. Si es necesario, utilizo este gráfico de forma de onda LUMO, que te muestra los niveles de luz en tu imagen de izquierda a derecha en la parte superior, nuestros reflejos son las áreas brillantes y blancas en los tonos medios o medios. Todo entre los reflejos y las sombras. Y en la parte inferior aquí están las partes oscuras de tu imagen o las sombras. Si los reflejos van por encima de 100, comenzarán a soplarse y se convertirán blanco puro y tu imagen quedará sobreexpuesta. Si tus sombras van por debajo de cero, serán aplastadas y se volverán negras. Nuevamente, pierdes información y esta vez el disparo quedará subexpuesto. Por lo tanto, puede usar este gráfico de forma de onda de luma para vigilar su exposición y ajustarlo a través de la pestaña Exposición. Y tenemos un producto aquí, mantén tus reflejos 75-95% y tus sombras 10-6%. Normalmente no voy por debajo del 6%. Simplemente hace que mi video se vea realmente raro y oscuro. Obviamente, esta no es una regla dura y rápida. Es algo que prefiero. Y también ten en cuenta que tienes que tener la exposición correcta en cámara cuando tu video está grabado y si está sobreexpuesto o subexpuesto, muchas veces no hay mucho que puedas hacer en post porque esos datos simplemente se han ido. O es ruido blanco o simplemente sombras negras aplastadas. Entonces después de la exposición, lo segundo que reviso es el balance de blancos. Ahora la mayoría de ustedes probablemente hayan establecido el balance de blancos, justo para empezar. Pero incluso si lo estás haciendo muchas veces en el post, empezaste a darte cuenta de que todavía necesita un poco de retoque y hay cosas que puedes hacerle y publicar, por ejemplo, este más corto todavía se ve un poco genial. forma muy básica de arreglar esto es ir en tus ajustes de tonalidad y sacar algo del azul de tu corto completo a global, donde puedes ser selectivo sobre si quieres que este color sea sacado de los reflejos o los medios tonos son las sombras. Por cierto, aquí estoy trabajando en Final Cut Pro. Ahora vas a ajustar esto solo tocarlo por nuestros ojos. Pero hay una herramienta específica que puedes usar para ajustar el ancho del balance de blancos, que es el Desfile RGB. Este gráfico básicamente te muestra cómo se equilibran los tres colores, rojo, verde y azul en una imagen. Entonces lo que voy a hacer es ponerle una máscara aquí sobre esta zona blanca para aislarla. Ahora bien, este periodo RGB me dice qué color de rojo, verde y azul es más dominante. Y mi blanco. Y entonces puedo empezar a sacarlo ya sea a través mi pestaña Hue o en Final Cut Pro, tenemos estas ruedas de color que me permiten ajustar el balance de blancos para asegurarme de que mis blancos sean blancos. Ahora no quiero complicar demasiado este curso, especialmente para principiantes. Pero si quieres clavar tu balance de blancos, necesitas aprender a usar un Desfile RGB. Ahora una vez que he terminado con la exposición y el balance de blancos, suelo ir a revisar mis tonos de piel. Aquí es donde los creadores de contenido aún más avanzados se equivocan. Es algo muy sutil, pero créeme, si tus tonos de piel son precisos, creo que hace que todo su video vea un poco más pulido, un poco más profesional, y los colores simplemente se sientan bien, y es muy fácil de hacer. Por lo que solo ponemos una máscara en mi cara aquí y aislados, voy a utilizar una herramienta llamada un alcance vectorial, que básicamente te muestra qué colores están presentes en tu imagen. Pero lo que estamos buscando aquí es esta línea, esta es la línea de tono de piel. Y todos los tonos de piel de los humanos siempre caen en esta línea. Cualquier cosa más baja que esto tendrá un tono verde y cualquier cosa por encima de esta línea te hará lucir rojo y quemaduras solares. Aquí puedes ver que mi tono de piel es un poco verde. Entonces, ¿cómo lo ajustamos para esto? Vamos a usar curvas de saturación de tonalidad, que básicamente te permiten seleccionar cualquier color y cambiar su matiz o saturación. En este caso, sólo nos interesa cambiar el matiz. Entonces voy a sacar este gotero de la curva Hue vs Hue. Seleccionaré mi color de piel con el gotero. Puedo ajustar este color para asegurarme de que caiga sobre la línea del tono de la piel. Y ahora se puede ver que mi cara aquí se ve mucho más natural. Entonces ahora que mis tonos de piel están ordenados al final, acabo de comprobar la saturación. saturación básicamente significa lo vibrantes que son los colores. Por lo que cuanto mayor sea la saturación de los colores va a reventar. Pero más allá de cierto punto, los colores se verán demasiado duros y discordiales. Recuerdas que hablamos sobre el uso perfiles de fotos desaturadas y tus cámaras. Eso fue porque ahora impuesta, podemos elegir cuánta saturación queremos. Algunas personas prefieren más saturación y algunas personas tienen un estilo y estética más desaturados. De hecho, tengo un pro tip aquí para aquellos que quieren un campo más cinematográfico, bajar un poco el tono de saturación. Los videos altamente saturados tienden a sentirse muy digitales, varios a un aspecto ligeramente desaturado pueden hacer que su video se sienta más como película. Ahora, como con todo en la producción de video, la corrección de color también es un campo muy vasto. Pero como creadores de contenido, te exhorto a que mantengas tus procesos bastante cortos. Puedes usar todas estas herramientas, no eres ninguna de ellas, eso depende de ti. Pero ahora sigamos adelante y hablemos algunos conceptos más avanzados en torno al color. Y estos son más para darte una hoja de ruta para el futuro. Y el primero de estos son Let's o Lookup Tables. Y voy a ser breve aquí. Pero las tablas de búsqueda se utilizan principalmente para convertir color de registro en perfiles de color estándar como rec siete o nueve. Pero también se utilizan lotes para estilizar el video. Así que recuerda el ejemplo sobre Neo en la Matriz y cómo todo tenía un tono verde. Eso está todo hecho con el almuerzo. Entonces comienzas con la imagen de línea base y luego aplicas mucho para obtener una cuadrícula de color estilizada única. Seamos también un concepto importante del que aprenderemos si quieres llevar tu juego al nivel superior. Pero claro, este es un curso para principiantes. No quiero complicar demasiado las cosas para ti, pero si quieres usar algunas herramientas más avanzadas para manejar tu exposición, entonces puedes usar curvas de color. Las curvas de color te dan más control sobre tu imagen. Y puede seleccionar cada área específica de la imagen y cambiar la exposición. Y estas curvas también te dan un mejor roll-off de resaltado. Hay muchas herramientas diferentes sobre las que puedes aprender cuando se trata corrección de color y gradación de color. Pero ojalá esta clase te dé un poco de idea de qué tipo de proceso puedes usar para que tus videos se vean mejor. Y ojalá puedas construir a partir de este conocimiento a medida que aprendes más sobre la producción de video. En la siguiente clase, vamos a estar hablando renderizar y publicar tus videos. 19. Renderización y publicación: Entonces ahora estamos en las etapas finales de producir nuestro video. Esta es la última etapa de nuestro proceso de postproducción, y todo lo que queda por hacer es finalmente renderizar y publicar tu prototipo de video aquí, mayoría de las plataformas de video online en estos días prefieren el formato H dot two C64 para cargas porque está muy comprimido y produce tamaños de archivo más pequeños. Pero debido a que está muy comprimido, se necesita mucho trabajo para que tu computadora lo renderize. Entonces, lo principal a tener en cuenta sobre el renderizado es que lleva tiempo, especialmente si estás trabajando en un proyecto de alto riesgo como una bifurcación, un video, y más aún si tienes muchos efectos y grados de color en él. Y así, obviamente, qué tan rápido se renderiza tu video depende de cuánta potencia tenga tu computadora. Por lo que vale la pena dedicar algún tiempo a diseñar un flujo de trabajo de producción para que no tengas que renderizar y luego volver a renderizar tu video una y otra vez con mi laptop anterior, mi proyecto final, incluso en Final Cut Pro, o tomar media hora a 45 min para renderizar. Así que cada error fue muy costoso incluso con mi estudio de mac carnoso. Ahora, algunos proyectos pueden tardar 15 a 20 minutos en renderizar un archivo final. Ahora, una vez que tengamos un archivo final renderizado, vamos a seguir adelante y subirlo. Y aquí es donde entran en juego las miniaturas y la optimización de motores de búsqueda. Hablemos primero de las miniaturas. miniaturas son muy importantes que el primer punto de contacto entre tú y tu espectador. Por lo tanto, es importante tener una miniatura tentadora que te dé clics. No hay ciencia establecida sobre lo que hace una buena miniatura. Cada creador tiene un enfoque diferente, pero sé muy deliberado con tus miniaturas. El error que cometí inicialmente con mi canal de YouTube fue que todas mis miniaturas fueron una idea de último momento. Era solo que mi video estaba listo y tuve que hacer algo y simplemente ponerlo. Fue como una cosa de último minuto. Y luego con el tiempo me di cuenta de que las miniaturas son muy, muy importantes. Vi un video donde Marcus Brown Lee dijo que es como un parque de diversiones realmente bueno. Si el letrero apesta, nadie va a entrar. Entonces creo que vale la pena pensar en qué tipo de miniaturas quieres para tu contenido y también investigar qué tipo de miniaturas funcionan en tu nicho de contenido. Creo que a tener en cuenta es que las miniaturas son generalmente muy pequeñas cuando la gente las ve en una lista o en sus teléfonos. Las miniaturas deben diseñarse para transmitir información incluso cuando es pequeña. Mucha gente prefiere tener caras y sus miniaturas porque supuestamente el algoritmo de YouTube prefiere miniaturas con caras y tener una cara y tu miniatura también personaliza el contenido. Tenga en cuenta que muchas personas prefieren YouTube y las redes sociales debido al aspecto impulsado por la personalidad no corporativa de la misma. Luego después de la miniatura, generalmente hay un título y descripción o un pie de foto para el video. Nuevamente, no hay ciencia establecida aquí, pero generalmente la descripción ayuda a seducir a tu espectador y también juega con el algoritmo de cualquier plataforma de redes sociales en la que estés. Por lo que en general se acuerda que quieres tener algunos términos de búsqueda incrustados en tu título y descripción, ya que muchas plataformas también te permitirán agregar etiquetas. Estos son términos de búsqueda con los que desea que se identifique su contenido. Ahora hay mucho debate sobre si estas etiquetas funcionan o no, pero creo que es una buena práctica tener al menos unas cuantas etiquetas para el buscador cada vez más de una vez, también estamos viendo videos con subtítulos y subtítulos. Y la creencia general es que ayudan al video a ser indexado por los buscadores. Ahora una vez hecho todo esto, se sube el video. Hay una miniatura, un título o subtítulo, etiquetas y todo. Ahora todo lo que queda es seguir adelante y presionar, Publicar. Y ahora tu video está ahí para siempre. Enhorabuena. Oficialmente eres un creador de contenido, pero la historia no se detiene aquí. Después de publicar, es muy importante obtener algunos comentarios sobre tus videos y realizar un seguimiento de su rendimiento. En la siguiente clase vamos a hablar sobre la importancia de la analítica y cómo puedes usar tus analíticas para mejorar tu contenido con el tiempo. Nos vemos entonces. 20. Importancia de Analytics: Si recuerdas nuestra primera clase en la mentalidad de un creador de contenido, recordarás que hablamos sobre la importancia de la rendición de cuentas y la mejora constante de rendición de cuentas y la mejora constante tu contenido a lo largo del tiempo. Y eso es literalmente lo que los análisis o para el, te dan la capacidad de realizar un seguimiento tu rendimiento y ver si tu rendimiento no es lo suficientemente bueno. Te mantienen responsable en que puedes juzgar nuestro propio desempeño y ver tendencias en tu desempeño. Y te dan comentarios que luego puedes usar para mejorar tu contenido con el tiempo. Y en el contexto de la producción de video, hay cuatro métricas de tus analíticas que quieres vigilar. Número de vistas. Tiempo de visualización , retención de audiencia y tasa de clics. Con vistas a lo largo del tiempo, plataformas como YouTube se han alejado de usar solo ViewCount para juzgar qué tan bueno es tu video. Esto fue especialmente un problema con clickbait porque aunque alguien llegara a un video y rebotara en uno o dos segundos, aun así se contaría. Mientras que ahora se trata más de tiempo de reloj. El número de puntos de vista son ampliamente considerados por el público en general y las empresas y empresas como una métrica muy importante de cuánto alcance tienes. Pero en el gran esquema de las cosas, tiempo de visualización ahora se ha vuelto más importante porque tiempo de visualización te muestra cuánto tiempo la gente está viendo tus videos. Para. La mayoría de las plataformas basadas en video quieren que mantengas a las personas en su plataforma el mayor tiempo posible. Y el tiempo de visualización de cualquier video es una métrica mucho mejor que ViewCount de cuán interesadas están las personas en ver tu video, entonces tenemos retención de audiencia, que también es de suprema importancia como bucle de retroalimentación directa para tu contenido. Se parece a este gráfico, y básicamente te muestra dos cosas. Una es que te da un porcentaje de tu retención promedio de espectadores. Entonces, 40 por ciento de retención de audiencia significa que en promedio, un espectador está viendo 40% de tu video antes de rebotar. Entonces, naturalmente, cuanto mayor sea este número, mejor será para tu video, y más agresivamente el algoritmo va a empujar o sugerir tu video a otros espectadores. Pero la segunda y aún más perspicaz pieza de información que te brinda este gráfico es que te muestra los momentos específicos de tu video donde la gente está rebotando o volviendo a ver, donde más gente rebota, parece un chapuzón y donde gente vuelve a ver, suele parecer un pico. Y esta es información muy valiosa para saber qué está funcionando y qué no funciona. Porque quieres hacer más de donde estás obteniendo los picos y menos de dónde estás obteniendo las propinas. Te voy a compartir algunos ejemplos personales aquí. Así que en mis tiempos, solía tener un mensaje de suscripción en cada uno de mis videos. Y una vez que comencé a mirar la retención de mi audiencia, cada vez que aparecía este mensaje de suscripción, vi inmersión y retención donde la gente rebotaba. Así que simplemente dejé de mostrar este mensaje e hice que la retención de mi audiencia fuera un poco mejor. Lo mismo con intros. Solía tener esta introducción animada al inicio de cada video. Y pronto me di cuenta de que una parte de la gente estaba rebotando de ella, así que dejé de hacerlo. De hecho, solo voy a resolver video de Mr Beast donde estaba hablando de analíticas. Y dijo que todos deberían regresar y verificar la retención de audiencia para sus últimos 50 o 100 videos. Anota todas las profundidades y simplemente deja de hacer las cosas que estamos haciendo gente rebote de los videos. Así que haz más de lo que hace que tu retención pico y menos de lo que hace que tu retención baje. Y la última métrica de la que hablaremos en esta clase es el click-through rate, que básicamente te muestra como porcentaje cuántas veces se hizo clic en tu video cuando se presentó frente a un espectador potencial. estas se les llama impresiones. Nuevamente, cuanto mayor sea este porcentaje, mejor será para tu contenido. Y tu tasa de clics suele depender de un montón de factores como, ¿qué tan fuerte es tu gancho, qué tan tentador es tu título y tu miniatura? ¿Es un tema de tendencia candente o no? ¿Y qué tan leales son tus suscriptores contigo? Este mundo de analítica es una profunda madriguera de conejo y puedes llegar tan lejos como quieras. Pero las cuatro métricas de las que hablé en esta clase son las que más me enfoqué, son absolutamente esenciales para mantener una isla. Entonces esta fue la última clase propiamente dicha en este curso. En la siguiente, voy a empezar a terminar las cosas y también vamos a hablar de un proyecto de clase. Nos vemos entonces. 21. Proyecto de clase y nota final: A estas alturas, ya hemos recorrido muchos de los ingredientes esenciales que se requieren para la producción de video como creador de contenido. Ahora, obviamente este curso no te hará un maestro productor de videos desde el primer día. Pero ojalá te haya dado suficiente de ese conocimiento básico o esa base de la que ojalá puedas construir ahora. Por supuesto, ningún curso único te va a enseñar todo lo que necesitas saber. Tienes que regresar e investigar y practicar y nutrir tu habilidad con el tiempo. Pero creo que este curso fue una buena destilación de lo que he aprendido los últimos años como creador de contenido. Y he tratado de dar la mayor parte de la información de la que creo que cada creador de contenido se beneficiaría cuando recién están comenzando. Y hay un montón de cosas que deliberadamente quedan fuera de este curso porque quería que fuera un poco fácil de entender y digerir por alguien que no tiene antecedentes de producción de video y recién está comenzando. Y así que realmente quiero que ustedes sigan adelante y hagan su propia investigación, encuentren tutoriales y practiquen este oficio de producción de videos modernos para redes sociales. Ahora, ya que estoy terminando, hay algunos puntos que quiero que siempre recuerdes. Un enfoque a largo plazo. Youtube o cualquier otra plataforma de redes sociales es un maratón, no un sprint. Y la mejora constante debe ser tu objetivo. Refina tus habilidades con tutoriales en línea. Recuerda siempre que la práctica hace la perfección y ten mucho cuidado con los temas de derechos de autor. No uses el contenido de otras personas sin su permiso y no uses música protegida por derechos de autor. La mayoría de las plataformas de redes sociales son muy, muy estrictas sobre estas cosas. En YouTube, se necesitan tres huelgas de derechos de autor para terminar permanentemente tus canales. Entonces son años de sangre, sudor y lágrimas desaparecidas en un instante. Entonces este fue nuestro curso fundamental sobre producción de video. Espero que hayas aprendido algunas cosas que podrás construir sobre esta base. Y te va a ayudar a comenzar tu andadura como productor de videos. Y ahora hay un proyecto de clase que quiero que ustedes hagan porque pueden verme andar en bicicleta tanto como quieran, pero solo aprenderán cuando intenten andar la bicicleta usted mismo. Quiero que produzcas un video de cabeza parlante de ti mismo, en el que te presentes y hables de cualquier cosa que te interese. El video debe seguir estas cinco reglas. Deberías estar sentado y las cámaras no deben estar en tu mano. Esto es para que puedas seguir las otras cuatro reglas fácilmente. La exposición debe ser buena con usted no debe estar sobreexpuesta o subexpuesta. Use Mike externo solo sepa a bordo Mike's permitido usar cualquier cantidad de luces. El sistema de iluminación de tres puntos que les enseñé chicos e incluyen al menos dos tomas de B-roll y tu video. Aparte de estos cinco, puedes seguir prácticamente cualquier otro concepto que hayas aprendido en este curso y hablar de ello en el video. Recuerda, solo diviértete con él. Y una vez que hayas terminado con tu video, puedes enviarlo aquí para el resto de la comunidad estudiantil. Y espero ver un maravilloso contenido de video de todos ustedes en el futuro. Entonces eso va a ser todo por este curso. Muchas gracias por emprender este viaje conmigo. Me puedes encontrar en YouTube, en mi canal principal que llamó reseñas orador. También me puedes encontrar en Instagram. Esto es la amígdala firmando, y te veré la próxima vez. Paz.