Producción de cine independiente: consigue el aspecto de una superproducción con un presupuesto DIY

1. Introducción: Mi nombre es Nguyen-Anh Nguyen. Yo solía ser dentista hace un tiempo. Decidí volver a la producción cinematográfica porque me gustan las películas y empecé mi propia productora de cine indie en 2008, y, desde entonces, he decidido hacer lo que me encanta que son las películas de ciencia ficción. Ya he hecho algunos, pero de los que realmente estoy orgulloso son los que acabo de hacer en los últimos años. El más grande es el proyecto Akira que era muy popular en línea y que podrías haber visto y hace poco corto algo llamado Temple, thriller suburbano, que se inspira en todo lo que amo. Es película intensiva de artes marciales e involucra cyborg y acción. En esta clase, vamos a aprender a disparar un proyecto de fans de acción en vivo intensivo de efectos visuales, y vamos a usar un tablero de humor para transmitir tu visión y para dar vida a la dirección general del arte. Hacer este tablero de humor te enseñará estas tres habilidades diferentes dirección de arte, supervisión de efectos visuales y dirección general de la película. Uno de los retos más complicados de este proyecto es realmente encontrar una visión que va a estar bien definida y encontrar cómo lograr esa visión en el muy bajo presupuesto o sin presupuesto. Disparar sin presupuesto siempre es difícil, disparar con bajo presupuesto es un poco más fácil, pero hay trucos para rodear estas restricciones y aprenderás cómo puedes hacer que algo vea de la manera que quieres que luzca con lo que tienes a tu disposición o con las limitaciones que viene sin rodaje de presupuesto. Lo que hace que un proyecto sea bueno versus grande suele ser el detalle y la openificación que le pones, pero lo más importante es la dedicación que tienes que poner en ese proyecto para hacerlo lo mejor posible. Siempre hay algo que podría ser mejor. La mayoría de las veces puedes hacerlo mejor si le pones el tiempo. Entonces, empecemos. 2. Cómo empezar con una sola imagen: Normalmente empiezo con un proyecto ya sea con una sola idea o una sola imagen basada en algo que me encanta. La idea única generalmente vendrá de algo que es real, que está ahí fuera, que puedes extrapolar. Soy un súper geek, así que veo muchas noticias de tecnología o noticias de ciencia por mi experiencia científica, y usualmente tomaré algo que me inspire y extrapole en eso. Por ejemplo, en Temple, comenzó con una sola idea de que los órganos humanos podrían ser rechazados por su propio cuerpo. De esa idea salieron los cyborgs y las artes marciales y el resto del mundo de la ciencia ficción. Nuevamente, en Temple, los visuales de Temple comenzaron con una sola imagen que tenía, que era esta ciudad del futuro que estaba siendo inundada por el océano. A partir de esa imagen, filmé esta placa en Montreal, y le agregamos algunos de los efectos, y luego todo el mundo construyó alrededor de esa imagen. Creo que uno de los aspectos más importantes de hacer un proyecto es crear un mundo que se sienta real y que se sienta tangible porque si ese mundo no funciona entonces nada más a su alrededor funcionará, sobre todo si tú están haciendo algo de ciencia ficción o algo fantástico. Si ahora estás filmando algo en la vida real, es fácil de hacer. Si vas a salir por ahí y crear un mundo que no existe, realmente tienes que poner el cuidado en detalles muy minutos de ese mundo. Entonces, te aseguras de que solo muestras cosas que se aplican a ese mundo, solo tienes eventos que encajarían en toda esta experiencia. Como empiezo con conceptos o ideas suele ser cuando estoy bebiendo café y no hago nada, pero también, me baso en cosas que amaba de niño. Estaba muy inspirada cuando era niño por las cosas que he leído. Derivado de eso, pones todo lo demás con lo que tienes experiencia. Entonces, solía ser dentista, así que la ciencia es una gran parte de lo que conozco y amo. ciencia ficción también está entrando mucha tecnología, así que veo las noticias y recojo trozos y piezas de lo que podría ser posible en el futuro y lo meto en esta historia general que tengo. En general, creo que deberías empezar con algo que conozcas. Si no sabes lo suficiente sobre un tema, se mostrará en pantalla y en la historia que intentas contar. Además, si no sabes de algo suficiente, debes hacer mucha investigación y meterte en ese tema y sacar detalles que lo harán especial. Para mí, soy una persona muy visual. Muchas veces, comenzaré con una sola imagen y esa imagen comenzará todo el proceso de creación de la historia. Entonces, para mí, es una imagen, pero para algunos, puede ser una pieza de música, un libro, una emoción, o un tema general que quieras explorar. Sin embargo, volviendo a la imagen, hago mucha investigación en línea. Google es tu amigo, eso es lo primero, pero también, uso este sitio web llamado ArtStation. Buscas arte conceptual en el sitio web, y en base a eso, realmente puedes sumergirte en ese mundo. Si tuvieras dinero, pagarías a un artista conceptual para crear algo específico para tu mundo, pero me parece que ese sitio web es un recurso muy grande en cuanto a encontrar un montón de cosas de personas talentosas que están dispuestas a compartir su trabajo y que realmente te puede inspirar. Entonces, como muchos de ustedes, exploro Internet todo el día y la noche, y cada vez que veo algo que me inspira, ya sea una toma de la naturaleza o de la fotografía o de la ciencia ficción, lo guardaré en Evernote. Tengo este pequeño ícono en mi navegador y es igual que un simple click. Puedes ponerlo en un cuaderno y puedes etiquetar exactamente qué es lo que te inspira al respecto y podrás volver a él más adelante. Realmente siento que esa es una enorme fuente de inspiración para futuros proyectos. Entonces, ahora, por ejemplo, en Temple, encontré mi única imagen clave que inició todo este proceso. Entonces, a partir de esa única imagen, puedes pasar a crear el tablero del estado de ánimo. Entonces, vamos a empezar. 3. Elementos clave de un panel de inspiración: En esta lección, vamos a hablar de cómo crear un moodboard. El elemento general de un moodboard consiste en dirección de arte, referencias de estilo, iluminación, texturas, y cómo se crea el universo en el que se basa la película. Por ejemplo, en Temple, la dirección de arte se basó fuertemente en Cyberpunk, que es mis películas favoritas de RF, y libros, y la vida. Pero, por ejemplo, muy diferente al steampunk, si haces Cyberpunk, realmente tienes que tener cuidado de no incluir elementos de Steampunk en él. Entonces, si estás haciendo algo más fantastico, también tienes que armarte realmente a esa idea y traer todos los elementos que harán que esa idea funcione. Entonces, la dirección artística en el tablero de moodboard se puede hacer a través de imágenes. Básicamente, va a haber muchas y muchas imágenes. Te llevas algo que te inspira en términos de estilo. Colocas texturas en ella. Se coloca esquema de color, esquema de iluminación, todo se puede separar ya sea por el entorno en el que se desea trabajar o por la ubicación específica a la que se tiene acceso. Por último, también puedes tener diferentes estilos cinematográficos y referencias. Lo más probable es que vaya a haber alguien por ahí que ya haya creado una imagen que es al menos el 60 por ciento de lo que tienes en la cabeza. Entonces, normalmente encuentro una imagen que realmente me inspira, y hablaré con mi directora de arte, y ella encontrará otras imágenes relacionadas en las que pueda construir. Si eres como un equipo de un solo hombre, no tienes un director de arte, entonces realmente solo necesitas hacer un poco más como trabajo y un poco más de investigación. Pero de nuevo, internet es un recurso tan valioso hoy en día que puedes encontrar con bastante facilidad lo que buscas. Para mí, una de las primeras cosas en las que pienso es el color en la película. Me pongo muy inspirado en el color y trato de encontrar un estilo visualmente distinto a una película desde el principio porque de lo contrario, si no tienes una dirección fuerte, tu película se va a quedar como todo al aire libre rodado en modo auto, que está bien, pero que no es muy impactante visualmente sobre todo para una película de ciencia ficción o fantástica. Cómo se crea un universo que se siente real y se siente específico es que realmente hay que decidir qué hace que ese universo sea diferente de la vida real. ¿ Son los colores? ¿ Es la tecnología? ¿ Son monstruos de CG los que le vas a sumar? Entonces, realmente tienes que tener eso en mente y tienes que diseñar todo lo demás alrededor de esa o que esas reglas que estableces en tu película. Es decir, puedes empezar con una idea aunque sólo tengas una vaga idea de lo que va a ser esa mirada o esa película. Pero por ejemplo, si vas a una estación de arte o incluso en imágenes de Google, haces clic en un enlace y normalmente, ese enlace te dará un montón de otros enlaces base en otros proyectos o imágenes que el artista haya creado o que sea similar a ese proyecto. A partir de eso, puedes cavar más profundamente en ese cálido agujero de ideas y se te ocurrirá algo que no pensaste que podrías encontrar inicialmente. Entonces, el moodboard es súper importante, creo en términos de convencer a la gente de tu visión que tienes una visión clara y definida. Me ayudó a reunir un equipo. Me ayudó a reunir actores y sólo a hacer todo esto posible para Akira, por ejemplo. Tengo mucha gente acercándose a mí. Habíamos lanzado en campaña Indiegogo y recibimos mucho apoyo de internet. La gente me enviaría un correo electrónico, y yo entraría, y les enviaría de vuelta un moodboard de lo que quería hacer. Eso realmente desanimó a la gente porque podían ver una dirección y un gol para esta cosa como vamos a recrear este tiro basado en Akira con todos estos elementos dentro. Entonces, la mayoría de los proyectos en los que estoy trabajando ahora, lo hago por muy barato menos de $10,000, pero valen mucho más en cuanto al valor de producción porque la gente pone su tiempo y su talento en ello. Por lo general, es en cualquier lugar hasta como $150 o $200,000 en términos de valor de estos proyectos. Antes de empezar un moodboard, pensé que era un proceso súper complicado, pero realmente no tiene por qué serlo. Es súper simple. Se puede tomar un documento de palabra. Simplemente arrastras y sueltas imágenes. Intentas darles algún tipo de diseño consistente y los separas por secciones. Los separas ya sea por la introducción de tu película o si tienes ubicaciones específicas en las que estás trabajando. Los separas por ubicación o por disparos. Todas estas imágenes pueden convertirse en un PDF que se comparte fácilmente con tu equipo. Por ejemplo, este es el moodboard para Temple. Como puedes ver, arriba a la izquierda, tienes la referencia de iluminación que realmente me gusta, estas pequeñas cuentas y puntos, y recreamos esa iluminación en Temple. También ves que los patrones de textura y papel tapiz estaban importando, que es algo más que tratamos de reproducir. En la página siguiente, se pueden ver otras referencias texturales con las que estábamos jugueando. Obviamente teníamos muchas ideas. Para eso es un moodboard. Simplemente pasas por diferentes ideas y dices lo que más te gusta o lo que es posible en el nivel presupuestal o las restricciones que tienes. En Akira, una de las cosas que realmente quería tener fue este ambiente nebuloso, ahumado, que se puede ver en el moodboard. Está presente en muchas imágenes a las que me referí y en set básicamente, pedí que se fumara todo. Entonces, teníamos el humo en que fumaría todo para crear este gradiente más aspecto Cyberpunk a todo el asunto. Realmente agregó mucho a la imagen. Entonces, el Moodboard Akira también tenía estas referencias de iluminación de tungsteno de calles de la ciudad. Me gustó mucho ese look y fue un look muy sencillo de lograr porque las calles de la ciudad son de color amarillo tungsteno. Realmente fuimos y buscamos pequeñas áreas en Montreal. Disparamos en Montreal donde esa mirada estaba presente. Entonces, se puede ver desde el moodboard que realmente se tradujo a la imagen final. El nuevo Tokyo revela como el gran tiro donde todo lo que ves la ciudad por primera vez, quería tener diferentes colores en el fondo, y todo este tinte de azul y amarillo, que es lo que tenemos en el moodboard. Entonces, realmente se puede ver que el moodboard ayudó a armar las cosas. Sin el moodboard, sería mucho más difícil para mí mostrarle al artista lo que quiero. En este disparo, realmente se puede ver el tono final de la gran explosión en Akira. Era azul oscuro. Nuevamente, creamos eso en el post, pero se basó en esa imagen específica. Entonces, para que el moodboard funcione, quiero decir, realmente depende de tu proyecto para específicamente de Akira, hice este moodboard para mis artistas de efectos visuales. Entonces, yo tenía el desglosado cada escena que requería efectos visuales pesados para ser moodboarded y teníamos tomas específicas para cada una de las escenas. Para Temple, teníamos más del tablero de moodboard de producción así como el moodboard VFX. El moodboard de producción fue para set, y la ubicación, y la iluminación, y el moodboard de efectos visuales fue específicamente de nuevo para los disparos de VFX. No tienes que tener muchas imágenes. A veces creo que deberías limitarte a imágenes más específicas porque si solo tienes mucha y mucha inspiración, entonces se vuelve un poco inútil. Ya no tienes dirección. Tienes todas las cosas que me encantan, pero no tienes una toma específica a la que la gente pueda referirse. En estas imágenes, se puede ver el disparo que hice para la cámara de enfriamiento en Akira, que es uno de mis tomas favoritas. Tienes iluminación y tienes textura. No muestra en absoluto la cámara de enfriamiento. Simplemente muestra qué tipo de iluminación, y estado de ánimo quería, y qué tipo de textura metálica quería. el lado más productivo, la dirección artística para el casting para nosotros, el personaje protagonista en Temple, se puede ver que hicimos mucha investigación sobre cómo lograr una mirada que se sintió bien. Entonces, se puede ver la textura del disfraz, el estilo que sabíamos que queríamos tener una capucha, y también intentamos apuntar a un color diferente, que es como ese tono rojo que nos gusta. En este punto, creo que estás para enfocarte en el aspecto más general de tu película como si surgieran detalles específicos y llegaras a elegir eso una vez que tengas más cosas bloqueadas. Pero debido a que estás en el inicio del proceso, piensa un poco más amplio en términos de perspectiva. Entonces, piensa en el medio ambiente, la iluminación, la textura, y el aspecto general de la película, y los detalles llegarán, y llegarás a decidir eso más adelante en producción. 4. Notas de dirección: En esta sección, hablaremos de las notas del director que también puedes incluir en el tablero de humor. Esto no aplica a todos, pero aplica para los proyectos específicos en los que trabajé. De lo único que me gusta empezar por lo general es la cinematografía general de la película como cómo quiero rodar la película con estilo que quiero. ¿ Va a ser larga toma lenta? ¿ Va a ser ángulos impares? ¿ Van a ser secuencias cinéticas locas? Puedes incluir eso, y puedes incluir el estilo de encuadre y las imágenes que te gusten. En este punto también, puedes decidir qué tipo de cámara o lentes vas a usar. A mí me gusta disparar lentes anamórficas, por ejemplo. Entonces, mi marco siempre va a ser un poco más ancho en lugar de alto. Entonces, eso también va a influir en la dirección del arte. Si vas a estar en el set, sabes que vas a ver mucho a la izquierda y a la derecha de los personajes principales. Entonces, hay que tener eso en cuenta cuando haces dirección de arte. Puedes escribir en estas notas o simplemente puedes levantar una película que se parezca a lo que querías que pareciera. El mío era Blade Runner porque es una obra maestra y está baleado anamórfico. Entonces, es fácil. Colocas un fotograma en la toma que quieres y verás, por ejemplo, que porque es tiro anamórfico, hay tanto contenido en el fotograma izquierdo, pesar de que el personaje está en el fotograma derecho. Entonces, piensas en eso cuando creas la ubicación en la que estás disparando. Por ejemplo, una de las otras cosas que me gustan es que me gusta mezclar iluminación, iluminación tungsteno con luces más frías, por ejemplo, y traté de mezclarlo en cada una de las escenas. No me gustan las tomas monocromáticas, así que siempre traté de tener diferentes iluminaciones en el tiro, ser un tungsteno o ser un apenas neones de diferentes colores, por ejemplo. Si estás empezando y no sabes nada de iluminación específica, entonces sólo tienes que mirar tus películas favoritas y ver qué te gusta de ellas. ¿ Son los neones? ¿ Es el aspecto general de la película? Intentas tirar de marcos en estas películas e intentas sacar marcos de una película específica. Es muy para que sepas muy bien cómo se hizo una película, para que no puedas copiarla, pero puedes inspirarte en ella. Entonces, tire referencias de muchas, muchas películas diferentes. Te va a dar un objetivo claro en el look que quieres lograr. Una de las cosas principales que siempre decido es este proyecto va a ser más tomas interiores o va a ser más tomas exteriores. Si es interior, entonces hay que poner mucho en la dirección del arte, para que todo se vea bien. Si se trata de tomas exteriores, entonces hay que iniciar localizacion scout. Es difícil encontrar los lugares específicos que se adaptarán para la película, y además hay que conseguir permisos y todo el ajuste. También puedes empezar a pensar en la cámara, aunque no es crucial en este momento. Pero puedes decidir si realmente quieres tener una cámara específica. Temple fue rodado con cámaras de diseño Blackmagic. Todo tipo de cámaras Blackmagic diferentes, filmamos con la Blackmagic URSA, filmamos de la Blackmagic Production 4K, y rodamos con la cámara Blackmagic Pocket Cinema. Entonces, realmente también le dio una mirada muy diferente a toda la película, eso nos permitió hacer tomas específicas que no se pudieron haber hecho con la épica. Despertar al actor, poner la cámara en diferentes lugares, que también hay que pensar en este punto. Porque te va a ayudar a dar forma a los marcos y a la composición de tu proyecto. Si no tienes presupuesto y si realmente estás empezando, entonces, una cámara es una cámara. No te lleva la mejor cámara por ahí para filmar un buen proyecto. Usa lo que tengas. Si es una Canon 5D, si es tu cámara de amigos, solo, hay formas de hacer que un tiro se vea bien. No se tiene que hacer en una cámara cara. Haz lo que puedas con lo que tengas. Creo que lo más importante es que, lo que hay delante de la lente se hace bien. Entonces, la cámara es sólo una herramienta. Pero en este punto en el tiempo, esto es más un tablero de humor. Realmente no tienes que decidir por la cámara con la que estás disparando. Los detalles específicos, se puede descifrar en la línea. Entonces, específicamente, la cinematografía para Temple estuvo muy influenciada por la pelea que vamos a rodar. Una escena de acción tarda mucho tiempo en rodar. Entonces, teníamos que planear todo, que pudiéramos conseguir toda la pelea. En segundo lugar, la pelea fue un poco larga. Entonces, tuvimos que hacer que la gente quiera verlo hasta el final y para eso, elegimos diferentes ángulos que estaban más inspirados en los videojuegos. Teníamos como este ángulo de terceros que usamos un amigo Reagan, el actor. Colocamos la cámara justo detrás de los hombros, y realmente dio este impacto cinético a todos los golpes y los golpes. También jugamos una cámara arriba en posiciones difíciles de alcanzar, para darle a la pelea un punto de vista diferente. Utilizamos muchas técnicas de edición para hacer que todas las acciones fluyan mejor y se sientan más impactantes. Hay otras formas de filmar una escena de pelea. Se puede filmar una escena de pelea sosteniendo tiros largos también. No tienes que hacer edición rápida, pero tienes que estar consciente de que si haces eso. Entonces, realmente necesitas enfocar toda tu energía en la coreografía y en los luchadores, porque ellos son los que sacarán todo en esa escena. No tendrás mucho margen para recortar en edición y especie de engaño la secuencia de acción. Entonces, es una decisión y hay que tomar esa decisión pronto. Pero recuerda, todas estas cosas son muy específicas de mi proyecto y no necesariamente están en la pizarra de humor. Hay más en las notas de preproducción que puedes o no puedes poner en la pizarra de humor y por ahora, debes concentrarte en la idea general de tu película. El tablero del estado de ánimo sigue siendo una etapa conceptual en tu producción. Entonces, no tienes que ser tan específico. Pero si sabes por ejemplo, que necesitas construir una plataforma para colocar una cámara sobre el actor, tienes que empezar a pensar en ello ahora. En Temple, por ejemplo, tuvimos que construir una plataforma que rociara aguas por todo el actor. Entonces, tuvimos que pensar en cómo hacer eso. El bastante temprano en el proceso, porque no te dejará tiempo suficiente. De lo contrario, si empiezas a pensar en ello unos días antes del rodaje. En este punto, lo más importante es, que conocer el tono de su película, la cinematografía de la película y la dirección general de arte de su película. Todo lo demás es secundario. Una de las cosas más importantes también, porque se trata de una clase de efectos visuales, hay que pensar en qué tomas requerirán efectos visuales. Va a ser importante que pienses en lo que se puede lograr en cámara, en lo que se puede lograr con efectos prácticos por ejemplo y en lo que solo se puede lograr en post. Si vas a disparar por postes, necesitas saber disparar adecuadamente para ambos. Pero, hablaremos de eso en una sección diferente. Uno de los mayores errores que la gente comete en este proceso porque es tan temprano, es que subestiman la cantidad de tiempo o la complicación del proceso de disparo del VFX. Eso por lo general impactará en el resultado final o simplemente en la línea de tiempo del estreno de la película, porque siempre va a tardar tres veces más de lo que crees que es. Para que superes estos obstáculos, creo que una de las principales cosas a tener en cuenta es usar el VFX lo menos posible. Deberías soñar a lo grande, pero debes planificar eficientemente cómo crear el mayor impacto para el menor trabajo posible. Eso te va a ayudar mucho, sobre todo si estás empezando con efectos visuales. 5. Locación, locación, locación: Después de haber creado el mood board el siguiente paso es naturalmente buscar lugares donde realmente podamos rodar la película, y la ubicación es uno de los aspectos más importantes del proyecto como este en cuanto a que sea creíble. Necesitas encontrar algo que por lo general tenga mucho carácter, que te ayude a contar tu historia y que te trabajar lo menos posible en cambiar el aspecto del lugar. Es como en bienes raíces básicamente, ubicación lo es todo y necesitas dedicar mucho tiempo a encontrar la ubicación correcta porque va a hacer o romper tu proyecto. Por ejemplo, en Akira pasamos alrededor de mes y medio en sólo en localizaciones explorando. Lo necesitamos por ejemplo, para encontrar un estadio postapocalíptico que pareciera la parte. Por lo que encontramos mucha ubicación pero muy pocas que se ajusten a la cuenta. El precio va a ser un tema muchas de las veces, y no hay que evitarlo. Tienes que hablar con la gente y explicarles cuál es tu proyecto de que no eres un estudio de Hollywood, que estás haciendo esto por tu cuenta. Muchas veces la gente va a entender lo que eso significa y si fuiste lo suficientemente amable con ellos, probablemente te serán amables a cambio. Por ejemplo, en Temple teníamos una ubicación que era hermosa desde hace dos semanas y creo que hemos pagado menos de seis o 500 dólares por ello. El lugar valía mucho más, pero te explicamos cuál era nuestro proyecto y que estaba destinado a intentar financiar un largometraje y que volveríamos con ella a cambio y funcionó. Entonces, prueba lo mismo, necesitas encontrar algo que se ajuste primero al proyecto, y luego encontrar la manera de hacerlo realidad. Una de las cosas que necesitábamos pensar en Temple por ejemplo, eran las ventanas. Tuvimos que desmayar cierto número de ventanas porque estábamos rodando todo el día y la escena pasaba por la noche así que todo tenía que desmayarse. Además, si estás filmando algo que tiene efectos visuales, debes estar consciente de que es difícil rotar las ventanas por los reflejos. Y si quieres esconder el paisaje urbano por ejemplo, va a ser difícil. Además, si estás rodando una película de ciencia ficción, tienes que estar siempre atento a lo que hay en segundo plano, si necesitas quitar algo que realmente no pertenece al mundo que estás construyendo, necesitas saber si es posible quitar, si va a ser un proceso complicado o si el lugar que estás disparando va a tener autos de fondo que parece que es a partir de ahora, pero tu película pasa dentro de 100 años no va a ser lo mismo. Ten siempre en cuenta no solo la ubicación en primer plano, sino también todo lo demás a su alrededor. En Akira por ejemplo, disparamos en este patio de contenedores y detrás de él teníamos un tren que seguía viniendo en cualquier momento. En un disparo, el disparo fue perfecto pero no notamos el tren de fondo y tuvimos que quitarlo en poste. En ocasiones es fácil quitar algo así como un edificio estable, cuando las cámaras no se mueven no es difícil de hacer pero si quieres quitar por ejemplo las líneas de árbol en el fondo es un poco más complicado por todo el rotoscopio, y si tu actor pasa frente a ella también va a convertir en proceso un poco más complicado. A veces tienes que entender que es imposible encontrar una ubicación que quieras, así que tienes que encontrar formas de hacerlo realidad. Si está en una pantalla verde por ejemplo, entonces disparas en la pantalla verde. En Akira necesitábamos disparar en la Estación Espacial y tuvimos rodaje en la cámara de enfriamiento. Sabía enseguida que no tenía una Estación Espacial en mi patio trasero y una cámara de enfriamiento era algo bastante imposible de encontrar. Entonces, tuvimos que crear eso y publicar y ahí es cuando requieres una pantalla verde, y ahí es cuando tienes que decidir no buscar ubicación sino rodarla en estudio. Idealmente, la dirección de arte ya está hecha para ti en la ubicación, muchas veces así es como elijo una ubicación, para que gastes el menor tiempo y dinero posible para arte decírtelo. Siempre necesitarás mejorarlo pero no deberías tener que remodelar toda una ubicación. No es algo que puedas hacer con un presupuesto bajo por lo general. Cuando busco localizaciones, normalmente primero les pregunto a amigos si han disparado en algún lugar que pudiera ser adecuado o no. En segundo lugar, necesitas encontrar ubicación que no solo sea comparable a ti sino que te permita disparar ahí, y es posible incluso obtener permisos quizá. Un trozo de papel siempre será de ayuda si consigues que alguien venga a iniciarse. Va a calmar todo el 90% del tiempo. O es la policía, es un casero, es sólo un transeúnte, siempre es mejor tener algo que demuestre que tienes derecho a estar ahí. A veces es simplemente imposible disparar eso en algún lugar y puedes hacerlo de manera ilegal o no lo haces. Por ejemplo, el primer disparo de 30 segundos que hicimos en Akira simplemente no pedimos permiso para nada, simplemente nuevamente complacemos la cámara en mi auto y manejamos por la ciudad y encontramos spots que eran adecuados y empezamos a rodar . Nuevamente es posible hacer cosas así si no involucra a un gran equipo, si involucra solo a ti, tu cámara y a tu amigo pero si en cuanto empieces a meterte en una producción bastante mayor necesitarás tener los permisos adecuados y permisos. Idealmente cuando encuentres una ubicación, diseño de conjuntos y la iluminación agregarán casi como ochenta 80% el resultado final en esa ubicación. Los efectos V solo deben ser una pequeña parte de ella, debería servir para realzar lo que hay en la ubicación y agregarle algo pero realmente no debería cambiar una ubicación por completo. Nuevamente, los efectos V solo deberían servir para realzar y vender tu mundo, como en la escena final de Temple donde ves la autopista, eso es algo que realmente gels todo junto y que crea ese mundo que quieres que la gente creer en. Pero no se debe usar constantemente para arreglar el hecho de que la ubicación tenga paredes blancas desnudas que no son tan interesantes. Si tomas interiores siempre necesitas tener en cuenta que necesitas techos altos no solo para ocultar tus luces sino para obtener también los ángulos de cámara que quieres, que tengas suficiente respaldo para colocar la cámara en ángulos específicos. Siempre ha sido si disparas interior y la habitación es demasiado pequeña, no podrás ponerte lo suficientemente ancha como para conseguir las tomas que quieras. El otro cosa que es importante es todo lo demás alrededor de la producción es que justo el lugar donde estás disparando, también es el apoyo a la producción que permite la delegación i.e Embalaje de embarcaciones, almacenamiento de equipos, y se puede asegurar la ubicación durante la noche por ejemplo. No quieres estar entrando y saliendo de equipo todos los días si estás disparando allí durante mucho tiempo. También necesitas un lugar para que la gente se mantenga caliente si estás disparando al aire libre, no puedes simplemente quedarte siempre al aire libre. Se necesita un lugar para transferir datos, necesita un lugar para configurar el equipo, hacer que la gente coma. Entonces, todas estas cosas logísticas en las que hay que pensar también. También siempre tienes una copia de seguridad si estás disparando exterior o en cualquier ubicación en particular si crees que hay una posibilidad de que todo tu equipo sea echado ese día, y puedas disparar algún otro día, entonces encontrando la posibilidad de que filmes en otro lugar ese mismo día. Entonces, ahora que encontramos las localizaciones, necesitamos mirar a los actores. Los actores son uno de los aspectos más importantes de tu película. 6. Actores: Entonces, los actores son una de las partes más importantes del proyecto. Si no tienes buenos actores, todo lo demás no importará. Para que encuentres buenos actores en un pequeño proyecto de bajo presupuesto, tienes diferentes lugares a los que puedes acudir. Uno de los lugares más obvios es Craigslist. No obstante, eso también te puede inundar personas que quieren ser actores y no son del todo aptos para el papel. Hay grupos de Facebook donde puedes encontrar gente y solo publicar anuncios ahí arriba. Hay un sitio web llamado mandy.com que te permite encontrar actores sin cargo si lo estás haciendo en un proyecto individual. También hay amigos y conocidos. Se puede convencer de ser actores si tienen el talento para ello. En ocasiones si crees que tu proyecto es lo suficientemente interesante para las agencias de casting o las agencias de talento, puedes tratar de acercarte a ellos y decirles que eres estudiante o cineasta indie, y ver si tienen algo de arriba y viene actores que estarían interesados en hacer una parte por ningún presupuesto o bajo. Entonces, tanto para Akira como para templo, miré a mi alrededor. En primer lugar, amigos conocidos y personas que conocían actores. Publica anuncios en Craigslist y Facebook y me encontré con algunas de esas personas tirando por internet y mi actor principal en realidad me contactó a través de mi página web. Porque había oído hablar de los proyectos no han visto el cartel en línea. Entonces, tuve suerte en eso. Me acaba de mandar un correo electrónico de la nada, yo estaba buscando actores en ese momento y funcionó maravillosamente y él volvió para templo también a pesar de que en ese momento vivía en Vancouver. Bueno, primero los personajes tienen que caber en el mundo en cuanto a sus looks. Obviamente tienen que mirar la parte, si es un agente de servicio especial tiene que parecer musculoso y hay que encontrar esa base con la que se puede trabajar. Pero todo lo demás se puede hacer con un maquillaje diseñado a medida. Realmente puede agregar mucho al personaje. En Akira, uno de los mayores retos para el proyecto fue encontrar actores que se parecieran a la parte del manga y al enemigo. Entonces, tuvieron que igualar físicamente algo que se estableció en un mundo. Eso sólo existía en el papel. Entonces, me tomó un tiempo echar a todo el mundo. De nuevo, tuve mucha suerte porque el personaje de élite en realidad sí se parece mucho Anita y en cuanto vi su perfil IMDB, este es el tipo. Un consejo que daría, es que no debes rodar tu película si no crees que tus personajes son perfectos para el papel. Cualquier casting que esté hecho, no perfecto o no lo suficientemente bueno, va a la habitación donde sea que tenga valor de producción. Entonces, algunos consejos para que dirijas a los actores en el efecto visual visto, eso va a requerir mucha postproducción. Lo primero, es que tienes que conocerte a ti mismo. Exactamente cuáles serán los efectos, cómo se hará, y dónde se va a iniciar. Ayuda mucho decirle al actor, bien esto va a pasar. Tienes que reaccionar ante este monstruo que va a aparecer o tienes que mirar así, porque va a haber algo que va a volar encima de ti. Entonces, tenías que saber eso para poder decirle al actor exactamente lo que tiene que hacer. También hay que poner al actor y el estado de ánimo de la escena. Entonces, si es una secuencia en la que ha sido perseguido por monstruos, en realidad solo consigues que corra unas cuadras antes de empezar a disparar. Entonces, aparece sin aliento. ella se le sumarán cosas pequeñas. Si solo lo pones en posición y comienzas a rodar, se va a lucir chaofíco. Por último, si tienes el tiempo, intenta mostrarle al actor una de las tomas, para que realmente vea cómo se ve el disparo. Entonces, ahí ve su posición en el marco, y lo que hace bien y lo que hace mal, pesar de que todavía no hay nada en el marco. En cuanto a los efectos, va a entender dónde se van a colocar las cosas. Entonces, derivado de eso, para arriba a continuación vamos a hablar de cómo disparar inteligentemente para los efectos visuales. 7. Rodaje inteligente para efectos visuales: Entonces, en esta sección, vamos a cubrir cómo disparar de manera inteligente para los efectos visuales. Obviamente, si estás haciendo algo con un presupuesto bajo, no tienes muchos recursos o no tienes mucho tiempo para gastar en VFX o lo menos posible. Una de las primeras cosas que debes saber es que, es mejor no hacer el VFX si puedes. Entonces, por ejemplo en templo, tenemos esta secuencia de brazos donde se está arrancando un brazo y nos remolcamos con la idea de hacer toda la secuencia en VFX para que se enfríe, pero nos dimos cuenta de que ninguna cantidad de VFX podría en realidad coincidir con el hecho de que nosotros tomó un brazo de púas y nos pusimos desgraciadamente, tuvo que desgarrarlo. Se veía muy espantoso, muy realista, y si lo usas de manera inteligente, solo remontamos muy apretadamente y usamos la edición para cortar en el tiro y salir de él, realmente se sintió poderoso y es algo difícil de ver incluso para mí. Ese es uno de mi primer comentario, es que los VFX nuevamente se deben usar con la menor moderación posible. No obstante, si sabes que tienes que tener VFX en la toma, entonces intenta hacer estas pocas técnicas que te van a ayudar. El primero es que si realmente no necesitas tener un movimiento de cámara en la toma, entonces no, siempre es más fácil rastrear al rotoscopio fuera y hacer cualquier VFX es el fotograma está quieto. Por los tipos de cámaras a las que tenemos acceso hoy en día, todo se filma en 4K o 6K, siempre se puede acercar, siempre se pueden aplicar leves movimientos de cámara en posproducción y nadie va a saber, así que intenta mantener tu marco lo más quieto posible, tu artista de efectos visuales te va a encantar por ello. Si estás disparando efectos visuales, intenta que el actor no cruce el ácido que vas a agregar tanto como puedas. Si lo haces, va a tomar mucho tiempo para que los artistas de VFX realmente rotoscopia al actor y si te imaginas este tiro que hicimos en Akira, suponía que el actor iba a estar montando su bicicleta, pero nos olvidamos de añadir una pantalla verde detrás de él, así que tuvimos que rotoscopio su cabello fuera del disparo en cada cuadro. Simplemente tomó mucho tiempo, es algo que podría haberse evitado si acabamos colocar la pantalla verde detrás de él pero en ese disparo, nos apresuraron y nos olvidamos básicamente, así que no lo olvides. Por último, una de las otras cosas es que los efectos visuales solo funcionan y sólo se integrarán bien en una toma si el entorno se ve afectado por los efectos visuales. Por ejemplo, en el Akira, tuvimos esta gran explosión de bicicleta que ocurrió, sabíamos que si acabamos de agregar una explosión al azar en un disparo, se iba a parecer falsa. Entonces, lo que hicimos es que aplicamos luces en el momento de la explosión, así que acabamos de tener estas enormes luces mientras entraba el personaje, acabamos de encender las luces cambiar todo el entorno y luego apagarlo para hacer que el explosión se integran al disparo. Lo mismo, el actor estaba montando su bicicleta, así que necesitábamos tener viento y el viento realmente establece el hecho de que está montando la bicicleta de verdad, cosas como esa solo harán o romperán un tiro VFX. Si necesitas tener movimientos de cámara o si no puedes evitar que el actor se mueva en el tiro, por ejemplo en Temple, teníamos este tatuaje falso que aplicamos al actor. Algunos de los disparos fueron simplemente rotoscopios a mano lo cual tardó mucho tiempo, pero al final funcionó muy bien, es solo que tuvimos el tatuaje y tuvimos literalmente, en cada cuadro, rotos el tatuaje y aplicamos los efectos a ella. Pero algunos de los disparos más amplios, no tuvimos que hacer eso, así que simplemente colocamos marcadores de rastreo, colocamos una luz LED en su brazo para que realmente pudiéramos tener algo en lo que enfocarnos para que el post-proceso funcione. Colocar marcadores de rastreo es obviamente uno de los pasos más básicos en VFX pero debes recordar tenerlos y debes recordar tener suficiente de ellos para que el software pueda recoger esos rastreadores y rastrear tu disparo. De lo contrario, tendrás que hacerlo a mano y es un proceso enorme que consume mucho tiempo. A partir de eso, es necesario saber qué implicará el flujo de trabajo de posproducción, qué programas vas a estar usando y de qué van a ser capaces. Entonces otra vez, por mucho que he hablado de tratar de no usar demasiado VFX, también debes saber lo que puedes hacer en pausa para que no pierdas demasiado tiempo iniciando haciendo algo que fácilmente se puede arreglar en impulso. Por ejemplo, si es algo sencillo como el balance de color que tengas unas luces de casa que no podrán apagarse por las circunstancias de la sesión, puedes corregir fácilmente el balance de color en pausa. También, para la postproducción, si un tiro está quieto, nuevo es muy fácil quitar algo de un disparo, no agregar sino quitar algo del disparo. Entonces, solo mantén ese disparo quieto, filmas la escena como puedas y luego dispara un fotograma fijo de una pizarra vacía y podrás quitar ese impulso con bastante facilidad usando el marco vacío sin los actores, sin cualquiera que se mueva delante del fondo, podrás simplemente copiar ese fondo y quitar lo que estuviera pasando en el otro disparo. Entonces, hablando de VFX, VFX tendrán que ir de la mano con el sonido y hablaremos de sonido en la siguiente sección. 8. Sonido y música: Entonces, en esta sección, vamos a hablar de sonido y lo importante que es el sonido para cada proyecto. Tengo que tener un descargo de responsabilidad en todos mis proyectos. He tenido gente increíble trabajando en sonido para estos proyectos, eso es algo que fue posible porque convenzo a estas personas para que trabajen en estos proyectos basados en la pizarra de humor y la presentación de la película. Ahora bien, si no tienes acceso a ese tipo de recursos, entonces ten en cuenta que el sonido va a ser importante, así que no lo olvides. Si sabes que puedes hacer todo tú mismo, intenta minimizar el uso del sonido e intenta no tener demasiados efectos de sonido en tu película si es posible evitarlo. Los efectos sonoros y visuales tienen que ir de la mano. El sonido va a ser el 50 por ciento de tus efectos visuales. Te va a ayudar a vender tus efectos visuales. Por ejemplo, en tempo, tenemos esta UI que aparece en la ventana lateral del auto, que aparece en esa habitación. Antes, escuchaba sonido en el disparo, no estaba convencido de que se iba a vender pero luego cuando escuchaste a estos pequeños blu lu lu lu, realmente hizo que todo funcionara juntos. También, tuvimos esta escena en Akira donde entra una bicicleta y explota frente al niño. En realidad, la explosión del sonido y los efectos de sonido geles todo juntos. Ahí está otra secuencia en la que Kaneda está parado encima de su bicicleta y disparando un láser justo en ti. El láser, la moto, el efecto de sonido que te golpea en la cara realmente hace que todo funcione. Si no tienes el sonido en mente cuando haces efectos visuales, va a ser un poco más difícil hacer que todo suene y se sienta lo más bien posible. Si solo agregas unos efectos de sonido de último minuto encima de los grandes efectos visuales, en realidad va a reducir su impacto. Al igual que por ejemplo, creamos este gran satélite, el satélite soul en Akira y obviamente eso es todo CG. Pero el sonido de ese láser que se apaga cuando está encima de él realmente agrega el disparo y el hace que funcione. Una cosa para tener en cuenta que, es importante hacer efectos visuales y sonido de manera bastante simultánea. Si comienzas a hacer sonido sin tener los efectos visuales, entonces es perder el tiempo de tu diseñador de sonido porque no tendrá nada con que emparejar. De nuevo, intenta que los efectos se hagan temprano para que puedas sumar a los efectos haciendo un gran diseño de sonido a la misma. Si no planeas el sonido correctamente, vas a terminar perdiendo mucho tiempo entre los efectos visuales y el sonido tratando de igualar a estos dos juntos. El resultado final puede verse impactado negativamente porque no va a ser tan bueno como puede ser. Si estás con un presupuesto pequeño o sin presupuesto, entonces una de las cosas más importantes es, de nuevo, la pizarra de humor y la presentación de tu proyecto para que puedas intentar convencer a un gran diseñador de sonido para que trabaje en tu proyecto para que realmente eleve el nivel de tu película. En segundo lugar, la música es super uber importante y necesitas tener una gran música para que un proyecto sea realmente sólido. Existen múltiples recursos en línea si no puedes permitirte contratar a alguien que compositores banda sonora original para tu película. Puedes utilizar sitios web como musicbed.com o premiumbeats.com. Musicbed es un sitio web más cinematográfico y tienen licencias que te permitirán usar sus canciones para muy barato o incluso gratis si se trata de proyectos no comerciales. beats premium es más anuncios y anuncios orientados pero también tienen muy buenas ofertas en canciones también. Entonces, de verdad, vale la pena invertir un poco de dinero para conseguir gran música si no puedes permitirte contratar a alguien o si no conoces a un buen compositor. Una de las cosas a tener en cuenta también es que idealmente, debes saber cuál va a ser la música antes de comenzar la edición de tu proyecto. Hacer que la gente se involucre lo antes posible siempre es una buena idea. Es difícil emparejar la pista musical con una edición que ya está bloqueada que emparejar una edición con una banda sonora. La música tiene un ritmo diferente y a veces es simplemente imposible que un artista emparejar tu edición de imagen con la canción real que está escribiendo. Además de eso, cuando estás usando pistas temporales como lo hice con Akira, caes en la trampa de enamorarte de esa pista. Por ejemplo, en Akira, utilizamos una pista que fue comprada a uno de mis juegos favoritos Dues X y la pista fue épica en proporción. Tenía un compositor a bordo para Akira que tenía que reproducir la banda sonora para Akira basada en ese track. No obstante, la edición estaba bastante bloqueada y le resultaba difícil poder reproducir algo que ya se hacía. Entonces, no importa lo bueno que sea alguien, es casi imposible hacer algo tras efecto. Para mí, era imposible cambiar la edición de imagen, así que tuvimos que decidir ir con la pista temporal al final. Funcionó pero a veces no es posible, así que realmente hay que tener cuidado de no enamorarse de su pista temporal y hacer música lo antes posible. Entonces, para Akira tuvimos que ir con la base dendrita en todos estos diferentes criterios. Sabía que no era ideal en que el artista pudiera tirar de la pista hacia abajo, pero debido a que Akira era un proyecto sin fines de lucro y yo decido incluir también un enlace a su iTunes para la canción, el artista también podría ganar dinero basado en el público del proyecto Akira estaba consiguiendo. No estaba haciendo dinero, así que resultó bien al final. Pero no es algo que recomiendo hacer porque es un gran riesgo que estás tomando para un proyecto que probablemente te haya llevado meses o años hacer. Por ello, ten en cuenta que el sonido, diseño y la música van a ser al menos 40-50 por ciento de tu proyecto. No lo desprecies, asegúrate de obtener un buen inicio de sonido y asegúrate de tener tiempo suficiente planeado en tu proyecto para crear un buen diseño/banda sonora para ello. 9. Cómo organizar todo como director: Entonces, como director, una de las partes más importantes de mi trabajo es estar bien sentarse frente a una computadora todo el día. Eso sólo porque necesitas hacer un seguimiento de todo lo que implica hacer una película. Entonces, después de haber disparado, tienes que gestionar todo el flujo de trabajo de posproducción y asegurarte de que el proyecto se mantenga en la buena dirección que pretendía. Tienes que asegurarte de que todos los artistas y las personas que trabajan en proyectos estén trabajando en la misma dirección y manteniendo el mismo tono a la película que inicialmente pretendiste. inicio también, debes recordar las ideas generales que tuviste porque puede ser un ambiente estresante y tú, muchas veces, olvidarás lo que intentabas hacer. Solo necesitas conseguir el tiro pero te olvidas por qué querías conseguir ese disparo. Entonces, es importante tener siempre la visión por eso es una posición tan importante ser el director es que se necesita mantener todo unido en la misma dirección. Por ejemplo, cuando tomas una conversación, es fácil simplemente conseguir cobertura de cerca, tiros blancos y eso es todo y te olvidas disparar los detalles como la mano del personaje principal temblando porque está nervioso haciendo esta conversación con la otra persona. Entonces, cosas como esa impactarán bastante en la edición. Entonces, hay que recordar siempre los pequeños detalles y no quedar abrumado por los temas de producción. Una de las cosas más importantes en la posproducción es siempre mantener tu visión inicial y recordar actualizar al equipo a medida que avanzas porque vas a conseguir que todas estas diferentes partes caigan en su lugar y serás la única que ve el panorama general pero otras personas no necesariamente verán eso. Entonces, es importante compartir que el proceso está evolucionando en la buena dirección del equipo de rescate, no sólo para inspirarlos sino también para mostrarles la idea y el tono de su concepto que viene en su lugar ahora mismo. Entonces, todo el mundo trabaja hacia el mismo objetivo y la visión general se pone yo supongo mejor por eso. En ese punto, no es necesariamente el tablero de humor lo que es tan importante. Si quieres motivar a la gente, actualizas a todo el equipo con un nuevo corte, con una nueva edición que involucra 50 por ciento del disparo VFX que implica SoundDesign temporal. Entonces, la gente puede ver como va el tiro que están trabajando hacia algo y que algo va a ser de calidad y va a ser genial. Uno de los mejores consejos que puedo darte es que si realmente crees en el proyecto, no te rindas. La mayoría de las veces, personas tendrán razones para entrar en un proyecto pero también razones para renunciar a un proyecto por limitaciones de tiempo, porque su vida, por su trabajo. Tú como director, necesitas seguir adelante porque si no lo haces, entonces nadie te va a seguir. En Akira, por ejemplo, tuvimos que cambiar casi todo el equipo de posproducción mientras avanzábamos porque la gente estaba ocupada con sus propias vidas y ya no podía comprometerse con ese proyecto. Entonces, tuvimos que encontrar a otras personas y renovar todo el proceso. Llevaba mucho tiempo y bastante agotador y en ciertos momentos, quería rendirme pero luego seguí adelante y por eso llegó a la meta. Entonces, básicamente, tienes que tener dedicación a tu proyecto y estar lo suficientemente motivado para mantenerlo hasta el final. En Akira, aprendí mucho obviamente. Fue mi primer gran proyecto de efectos visuales y trabajé con mucha gente y me enseñó algunas cosas. Una de las primeras cosas es que es mucho más fácil coordinar las cosas con una tripulación más pequeña pero como tenía una tripulación tan grande, tuve que usar las herramientas que tenía a mi disposición. Algunas de estas herramientas son las primeras, Dropbox. Dropbox fue instrumental. Acabamos de colocar todo en Dropbox para la entrega de efectos visuales. Enviamos VFX fuera y la gente podría entregar sus VFX al Dropbox directamente sin tener que pasar por ningún otro sistema. Utilizo la sencilla hoja de Google Doc en cuanto a hacer un seguimiento de todo el disparo de VFX, quién se le asignó qué, cuál fue el porcentaje de su proyecto que se hizo y realmente te dio una visión general de todo y te dio una manera de realizar un seguimiento de su proceso. Si tuvieras más dinero, las grandes casas de postproducción usan una escopeta o F-track. Básicamente, se trata de Dropbox, Google Sheets, y Vimeo combinados a uno. Puedes rastrear, revisar y entregar contenido para VFX pero no es del todo necesario en esta etapa especialmente si estás trabajando en un proyecto pequeño, el flujo de trabajo es demasiado pesado para eso. Encontré esta gran nueva página web que se llama frame.io ahora. Es básicamente una forma de previsualizar tu contenido y gente realmente puede escribir sus comentarios en marcadores de tiempo, incluso pueden dibujar directamente en la imagen para mostrar que esta sección funciona, esta sección no funciona. Es un proceso de revisión del flujo de trabajo muy útil. Sigo trabajando en proyectos independientes. Entonces, en esta etapa, me resulta más fácil trabajar con individuos menores que son generalistas y talentosos en muchas cosas. No obstante, a medida que sigues trabajando, el estándar cambia un poco. Tiendes a trabajar con casas de posproducción más grandes donde la gente consigue tareas realmente definidas y una persona sólo va a rastrear este tiro, la otra persona sólo va a rodar alcance ese tiro. Crea para un flujo de trabajo más separado pero generalmente, el resultado final será un poco mejor. No obstante, aún no es del todo necesario y es más fácil para ti si puedes encontrar algunas personas muy buenas en las que confías, que confías en ti, y con las que puedes comunicarte fácilmente en lugar de pasar por un trabajo complicado y revisión proceso. Entonces, el tablero de madera va a ser una de las primeras cosas que crees para este proyecto y va a ser una de las herramientas más importantes que tengas a tu disposición. Entonces, tenlo en cuenta e intenta volver a ella para primero, motivarte porque algunas de las imágenes realmente te volverán a inspirar a medida que las veas. Sigue volviendo a ella para que siempre puedas recordar la dirección de tu proyecto y lo que quieres que logre. Va a ser súper útil a lo largo de todo el proceso. 10. Para terminar: Entonces, en conclusión, hemos hablado de muchas cosas en esta clase. Hemos hablado de cómo crear un tablero de humor, cómo decidir qué tipo de película vas a rodar, cómo encontrar localizaciones, cómo encontrar actores, cómo rodar para efectos visuales, y también diseño de sonido. Entonces, recuerda, si hay algo que puedes tomar de esta clase, es que debes crear un tablero de humor, compartirlo en la galería de proyectos para que otras personas puedan ver tus ideas y comentarlas y motivarte a hacer tu proyecto. Entonces, debes encontrar la idea que te motive, eso te va a mantener en marcha a largo plazo. Encuentra un equipo que esté tan motivado como tú, que sea talentoso, y eso te va a ayudar a lograr tu idea. Es muy difícil hacer algo por tu cuenta. Es más fácil si tienes gente que va a asumir tu trabajo y que te va a dar motivación para seguir adelante. Akira fue genial, me tomó dos años lograr, pero me va a ayudar a hacer muchas otras cosas en el futuro, y espero que tu proyecto sea el mismo para ti.