Transcripciones
1. Introducción: Uno de los procesos de edición de
video más desafiantes para aprender y dominar es el
arte de la edición de entrevistas. edición de entrevistas
puede ser increíblemente laboriosa con horas
de metraje de entrevista, y hay muchos aspectos
incontrolables, menos tomas, si las hay, y dar forma a las entrevistas
depende
en gran medida el entrevistado
contando la historia. Hola, soy Sean Dykink, cineasta y
editor de video de Canadá. Esta clase es el
proceso de edición de video para entrevistas, creando la edición de la historia. En esta clase te
voy a enseñar el proceso de edición de pases. A lo largo de las
lecciones se incluyen consejos de narración y formas prácticas de
involucrar a su público. Estos consejos y
procesos te ayudarán a llegar a una edición de historia aproximada. El story edit put sencillamente es una
versión despojado de tu edición. Este es el corazón,
la fundación, y la guía para el resto
de sus decisiones de edición. Esta clase está diseñada para editores de
video y narradores
que quieren tratar o refinar su propio proceso de edición de
entrevistas y aprender a
involucrar mejor a su audiencia. Este no es un tutorial
técnico, sino un proceso más grande que
puedes implementar en tu propia edición de entrevistas o
incluso flujo de trabajo de narración de cuentos. Después de tomar esta
clase, vas a tener una mejor comprensión
del proceso de edición de entrevistas para obtener una edición de historia y vas a
llegar a algunos consejos
y trucos increíbles para narración de cuentos
y edición de entrevistas. [ MÚSICA]
2. Comprender las líneas: Entender los
diversos hilos ocultos que conectan tu historia juntos no solo te ayudará a crear una
historia más atractiva por completo, sino que también aumentará
la eficiencia de la edición de video
proceso [MÚSICA]. El through-line se define
como un tema de conexión, trama, o característica dentro de
realmente cualquier tipo de medio. El through-line fue
originalmente acuñado por Constantin Stanislavski, actor y director de teatro de renombre
mundial. Fue una manera para que
los actores comprendieran la motivación de
su personaje a lo largo de una historia. Mucha gente sabe que
soy cineasta y editora, pero no mucha gente sabe que también fui
a la escuela de actuación. En el momento en que
estudiaba actuación, leí algunos de los libros de
Stanislavski y los encontré muy serviciales. Pero poco sabía
que sería igual de
útil cuando se trabaja en la narración de
cuentos dentro de la edición. El objetivo es lo que quiere
un personaje, lo que está tratando de lograr a lo largo de cada escena
individual. En esta escena de
la película Hot
Rod, Rod aspira a ser
un gran especialista. Su objetivo en
esta escena es
impresionar a Denise
completando este salto de alberca. [ RUIDO] El súper objetivo es el objetivo final que un
personaje quiere lograr que contenga cada objetivo
individual. A pesar de que Rod realmente quiere ser el mejor hombre de acrobacias de la historia, ese no es su súper objetivo. Quiere ser el mejor
especialista de la historia porque quiere ganarse a su padrastro
Frank respeto. Un día te daré un puñetazo en la cara y luego me
respetarás. Me vas a respetar. Todo lo que quiero es ganarme
tu respeto, Frank. ¿ Cómo puedo hacer eso
si no peleas conmigo? Su súper objetivo es ganarse el respeto
de su padrastro. Cada escena individual tiene su
propio objetivo singular con un superobjetivo global, o conectando a través de línea. A través de líneas de evolucionado en
muchas definiciones diferentes. Pero generalmente me gusta
pensar en ellos como hilos invisibles que conectan cualquier elemento de historia dado a lo largo de la duración de una película. Puede haber una serie de
diferentes amenazas invisibles, incluyendo nuestro ejemplo anterior del objetivo de un personaje. Otro through-line
puede ser el tema de una película. Un tema puede ser cualquier tema o
tema y contribuye directamente
al propósito de una película. Por ejemplo, un tema común en el cine es
superar la adversidad. películas con este
tema tienden a tener cara de
personaje desafío
tras reto. Justo cuando crees que se
van a dar por vencido, siguen yendo y yendo hasta que alcancen sus
metas o mueran intentándolo. Estas películas tienen temas
recurrentes similares que impulsan una serie de acciones de personajes a la vez que mueven la historia hacia adelante. A lo largo de la película,
seguimos viendo este tema de
superación de la adversidad. [ RUIDO] La trama o serie de eventos que se producen a lo largo una película también se puede ver
como un through-line. Esta puede ser la historia del viaje de un individuo o múltiples personajes con
su propia historia y through-line y la principal historia
global a través o más grande que
contiene todos estos personajes y líneas
transversales individuales. En la película The Impossible, cada personaje tiene eventos
similares ocurren, pero lo experimentan de una
manera diferente. Su viaje hacia la seguridad
se desarrolla a su manera. [ RUIDO] Una manera fácil de
pensar en un tramas through line es pensar qué preguntas pueden
surgir para el público. En la película The Impossible, la pregunta que hice y quería respondida fue, ¿
van a hacerlo? ¿ Van a lograrlo todos? ¿ Van a sobrevivir? Si la
pregunta hecha o presentada por el cineasta es lo suficientemente
atractiva, sabes
que puedes
ensanchar a la audiencia de principio a fin. Cuanto más atractivas sean las preguntas, más fácil es mantener a
una audiencia comprometida. Como se puede ver, las líneas transversales
o los hilos pueden conectar muchas
facetas creativas diferentes y,
a veces, pueden muchas
facetas creativas diferentes y,
a veces, puedendefinirse
o difuminarse juntos. Lo que realmente importa es que te
son útiles para dar forma a una
entrevista o historia intrigante. Los siguientes ejemplos no son necesariamente líneas transversales,
sino patrones. Los patrones también pueden
crear un hilo común. Estas instancias recurrentes
pueden ser colores específicos utilizados lo largo de una película, partituras
musicales. [ MÚSICA] Realmente, cualquier elemento cinematográfico puede tratar un patrón a
lo largo de la película, creando
técnicamente
su propio hilo transversal o invisible
para crear significado. Hablo mucho de cómo
el propósito o punto de tu proyecto es
el más importante y cada elección creativa
que hagas como editor o cineasta debe apuntar
a servir a este propósito. Lo mismo ocurre con
líneas transversales y patrones. Estas líneas transversales
necesitan servir
al propósito de tu
historia en general. Las líneas transversales para las entrevistas
pueden ser útiles para
determinar qué contenido guardar y qué cortar. Las líneas transversales son
extremadamente útiles para dar forma a una narrativa general. El entrevista en
particular es muy interesante ya que tenemos cierto control sobre
las líneas transversales que
creamos, pero al mismo tiempo estamos aprendiendo
y desenterrando la línea transversal
del entrevistado . Esto es lo que diferencia las narrativas
escritas y las ediciones de
entrevistas de estilo
documental, lo que contribuye a
la imprevisibilidad de la edición de estilo documental, pero también la magia detrás de ellas . medida que estás trabajando a través de
tus propias ediciones de entrevista, es importante
prestar atención a cualquier patrón a lo largo de
la historia del entrevistado. Estos patrones revelan lo que es importante para el entrevistado, descubriendo lo que quieren
dentro de la historia que cuentan, revelando
esencialmente
cuál es su objetivo. Por ejemplo, al trabajar en esta entrevista para una
vivienda sin fines de lucro, eventualmente
me di cuenta en el entrevistado de
Todd desde el inicio de su
historia hasta el final, es increíblemente
importante para él encontrar un sentido de familia, conexión y pertenencia. Al tener una mejor comprensión del objetivo de
su historia, junto con los temas comunes, pude crear un inicio
específico donde menciona el problema
de no
poder encontrar un
sentido de pertenencia. Mi familia astillas
jóvenes en la vida, y ese fue el comienzo para mí de justo, bueno, ¿qué pasó? Donde estaba un sentido de familia
o pertenencia en la vida. El medio donde mencionó
cómo esta incapacidad encontrar pertenencia
afecta negativamente su vida y vivienda. Por mi vivienda,
sobre todo te mudas a edificios
de departamentos y la
gente va por sus caminos separados. No hay sentido real de comunidad o pertenencia
o reunión. Las únicas personas con las
que hablé eran personas en tiendas
minoristas o el conductor del autobús. Ese efecto
que tuvo en mí fue, literalmente
podía sentir mi
espíritu empezando a marchitarse. Perdí mi capacidad de
aprender a ser social. El final, donde
descubre Co:Aquí, la fundación que brinda vivienda
asequible
con los objetivos de vivir intencionalmente en la comunidad. Es aquí donde
Todd encuentra una sensación de seguridad y pertenencia. Cuando me mudé a Co:Aquí, realmente
es una de las primeras oportunidades en mi vida donde aterrizé en un lugar donde
me sentí segura y segura. En ocasiones en la propia
entrevista, el entrevistado
indicará claramente lo que quieren o
lo que querían. En la película final,
también he incluido un bocado sonoro de Todd que
expresa explícitamente su objetivo. Cuando leí la
solicitud de Co:Aquí, había algo
ahí dentro, ¿qué significa
ser un buen vecino? Preguntas como esa, hablar de hacer las cosas
intencionalmente en comunidad. Simplemente realmente me habló. Sonaba como
algo que
cabría en mi vida y algo he querido desde hace mucho tiempo [ Mientras estás editando,
estas líneas transversales pueden ayudar a reducir tus preguntas de
entrevista a la esencia de la historia
que el entrevistado está contando y la historia que quieres presentar
a tu público. Para recapitular, la línea transversal es
ese hilo invisible que conecta diversos elementos de la historia lo largo de la
duración de una película. En general, las líneas transversales necesitan
apoyar el propósito
de su proyecto. El propósito es todo y las diversas
líneas transversales que contribuyen al propósito
general
ayudarán a guiar sus elecciones de edición, lo que le ayuda a
determinar qué partes de un entrevista para guardar
y cuáles cortar.
3. Edición en Passes: Editar en pases es
el proceso de
desglosar la edición de tu entrevista
en pasos más pequeños, lo que te permite
administrar más fácilmente grandes
cantidades de contenido, ayudándote a no
sentirte abrumado por el gran cantidad de información que
tienes que obtener a través. Dependiendo de la complejidad y duración de tu entrevista, la cantidad de pases
necesarios variará. Si encuentra su
entrevista desafiante, sugeriría
romper la edición en múltiples pases para hacer
las cosas más manejables. Si encuentras que la entrevista es sencilla y te sientes
seguro con su dirección, combina múltiples tareas
dentro de menos pases. Puede que encuentre su propio
camino aquí así que siéntase libre de
ajustar este proceso a medida que avanza a través de
su propio proyecto. Recuerda con cada pase para mantener a esos a través de líneas en mente.
4. Revisión de la metraje: Completar el primer pase
de tu edición te ayudará a entender el contenido
de la entrevista, compartimentar las
preguntas y respuestas, y también te ayudará a comenzar a ver posibles direcciones para
tus entrevistas historia. [ MÚSICA] Ya
he ido adelante y
sincronizé mis ángulos de cámara, mi sonido, y creé
una secuencia multicam. Esa secuencia se llama
Multicam-Sinced. No voy a
tocar esta secuencia, voy a copiar
pegarlo y cambiarle el nombre para indicar que
es el primer pase. Es importante
ser redundante con tus secuencias para que puedas editar tu secuencia de manera no destructiva, y siempre puedes volver a pases
anteriores cuando sea necesario. Los nombraré pases 1, 2, 3, 4, y así sucesivamente para que
permanezcan en orden numérico. Pero por supuesto que vamos
a eliminar pases 2-5 porque aún no estamos en
esos pases bastante. En el primer pase, mi principal
objetivo es simplemente revisar la entrevista y tomar
notas usando marcadores. Encuentro marcadores útiles para dar una vista algo de pájaro de
la línea de tiempo y
casi una idea visual de lo que está pasando
en tu secuencia. Hay tantas
formas de usar marcadores, y realmente
depende de lo que te resulte útil. medida que paso por la entrevista, agregaré marcadores
donde se
encuentra cada pregunta e incluso anotaré la pregunta para poder ver la pregunta en mi
línea de tiempo cuando se acerque. Para lo que esto es útil es obtener una estructura visual donde
cada pregunta y respuesta se encuentra en la línea de tiempo y
cuánto tiempo son las respuestas a estas preguntas y obtener contexto a esas
respuestas rápidamente. Mucho del tiempo, más adelante en la edición, volveré a
la secuencia para revisar las preguntas y
reintroducir una respuesta o parte de una respuesta
en mi entrevista editar para arreglar cualquier problemas potenciales de la
historia. También agregaré una serie de marcadores de clip a la
respuesta a la pregunta. No obstante, resumiré de
alguna manera los diferentes puntos
de la respuesta en su totalidad. Resumir una respuesta te ayuda a enfocarte
más en lo que el entrevistado está diciendo
en
realidad en lugar de solo
tomar información. Poder resumir
una respuesta o un punto en tus propias palabras te da
una comprensión más profunda de lo que realmente
está diciendo el entrevistado. Estas notas no necesitan ser rompedoras ni nada , pueden ser resúmenes rápidos, de forma
puntual
que ayudan a entender de qué se trata un segmento
del clip de un vistazo. Debido a que más estoy usando estos
marcadores, usaré los
marcadores verdes porque se
seleccionan automáticamente de forma
predeterminada. Al agregar estos marcadores, sugeriría
agregarlos directamente a tu clip de
secuencia multicam anidado. Usar marcadores de clip para
resumir tus respuestas en lugar de
marcadores de secuencia puede ser útil porque cuando empiezas
a cortar tu entrevista en segmentos y
reorganizar tus clips por
toda la línea de tiempo, los marcadores se moverán junto
con los diferentes clips, lo que le permite seguir viendo de
un vistazo de qué se trata cada
clip. No hay ninguna manera que
yo sepa de
ajustar con precisión la longitud de
sus marcadores de clip directamente dentro de la línea de tiempo, por lo que sugeriría
mover su cabeza de juego
ya sea al comienzo
de donde el necesita ser o el final, haga doble clic para cargarlo en su monitor fuente y
luego ajustarlo desde aquí. Por supuesto, también puedes revelar tu secuencia anidada con
Control Shift F y luego revisar la entrevista usando
tu secuencia de sincronización y agregar marcadores mientras haces ajustes de
longitud aquí. Puede que sepa picaduras de
sonido interesantes o si tengo alguna corazonada sobre
cómo usar una mordida de sonido, lo anotaré también. Sólo para aclarar, en mi mente, una mordida de sonido puede ser tan
poco como una palabra o tan grande como una respuesta completa
a una pregunta. Entonces la definición
de mordida de sonido en esta clase va
a variar de esa manera. Muchas veces, las notas que voy a hacer
podrían ser cosas como, esto podría funcionar muy bien como gancho o tal vez una forma
interesante introducir el
tema de la edición antes de llegar a
conoce a nuestro entrevistado. O podría decir, está bien, esta mordida de sonido sería
genial para terminar la historia con porque solo ata
el propósito de las ediciones muy bien. Por supuesto, utilizaré
diferentes marcadores de colores para diferenciar estas
notables picaduras de sonido. En este caso, los marcadores
rojos son las picaduras de sonido
que voy a considerar
fuertemente usar, y estas son las picaduras de sonido
que mejor se ajustan a la historia, tema, o propósito general. Mi familia astilló a
los jóvenes en la vida, y ese fue el comienzo
para mí de justo lo que pasó, donde fue un sentido de familia o pertenencia en la vida y que
continuó a través de mi vida. A través de mi vivienda, sobre todo, te mudas a
edificios de departamentos y estas personas van por
sus caminos separados. No hay sentido real de comunidad o pertenencia
o reunión. Los anaranjados
son sólo corazonadas. No estoy exactamente seguro de si
van a encajar o no, pero tengo una corazonada sobre eso. En este caso de mordeduras de sonido, pensé que este era un hecho
muy interesante, pero no estaba seguro de si
cabía o no y
dónde encajaría. Me he mudado más de 51
veces en mi vida. Realmente ayuda a enfatizar
la segunda mordida de sonido, para la
que he usado un marcador
rojo. Un hogar es más que
solo una dirección. Es más que un edificio. Es más que
en algún lugar donde pagas renta. Tus corazonadas pueden ser completamente
inútiles al final, pero te sorprendería con
qué frecuencia
terminarás usando estas
picaduras de sonido en tu edición. Este paso del proceso también es extremadamente útil para
conseguir la lluvia de ideas, rodar la
pelota, por así decirlo. Así que no
te preocupes por hacerlo bien, solo agrega tus pensamientos inmediatos sobre la respuesta de cada pregunta. En el otro lado de las picaduras de sonido
notables, notaré las que tengo la sensación de que
no van a funcionar. Estas son las
picaduras de sonido que incluyen respuestas que no son respuestas
completas, que no contienen suficiente
información para que la respuesta en sí misma sea
comprensible de ninguna manera. Esta también puede ser una
respuesta demasiado detallada y específica
hacia una persona, lugar o cosa. En este bocado sonoro, tenemos información demasiado específica, que he tenido que
recortar en este ejemplo. Esa primera pieza que mencioné, pero luego otra vez, ser parte
de esas autocelebraciones, como celebrar cuando
[inaudible] se casó, y cuando [inaudible] se
casó, y [inaudible]. Se están
mencionando demasiados nombres de
personas diferentes y en esta edición, simplemente no
podemos cubrir
quiénes son, qué hacen, por qué son importantes
para la historia, por
lo que la mordida del sonido se
ha convertido inutilizable. Tremendo. Después tenemos en este bocado sonoro donde se le preguntó a Todd cuáles eran los beneficios inesperados
de vivir en Co:Here. Pero desgraciadamente,
olvidamos pedirle que responda la pregunta con la
pregunta en la respuesta, y por eso, no
tienes ni idea de lo que quiere decir cuando está usando la
palabra inesperada. Esos han sido
realmente inesperados. Yo sabía esperar
esas cosas aquí, pero ahora que han pasado y fueron realmente inesperadas. Sin contexto, esta mordida de
sonido es aún más confusa y
se ha vuelto inutilizable. Para recapitular, en la primera
pasada de edición, me gusta enfocarme en usar marcadores de
colores para
diferenciar preguntas. Usaré marcadores de clip
para resumir respuestas y la forma de punto está totalmente bien. Tomaré nota de
las picaduras de sonido que más encajan dentro de la historia, tema y el propósito general. Si encuentras alguna picadura de sonido
problemática o porciones que
sean problemáticas, asegúrate de hacer una nota
en tu marcador también. También puede haber
picaduras de sonido de las que tienes
corazonadas. A lo mejor estás en la
barda al respecto, no
sabes si
va a funcionar, pero tienes una corazonada.
Marque eso abajo. Todo este
trabajo preliminar te ayuda a obtener una vista de pájaro de
tu entrevista para tener una comprensión más profunda
del material con el que estás
trabajando y comenzar a generar ideas
diferentes para cómo podría desarrollarse tu
historia de entrevista. [ MÚSICA]
5. Cortar lo obvio: En esta lección,
discutiremos que el segundo pase de edición y
cómo decidir qué cortar. Esto nuevamente, te ayuda a administrar el contenido de la manera controlada
paso a paso. En la segunda pasada,
volveré a copiar pegar la secuencia para mantener cada
pase único a su tarea, y luego cambiarle el nombre para indicar que es
la segunda pasada. En el segundo pase,
me centraré en cortar las
bocados de sonido que más obviamente no funcionan para la historia y
simplemente simplemente no funcionan. Volviendo a la
entrevista de Todd, bueno, más obvio que
podemos cortar es todo este pedacito de preámbulo y chit-chat antes se haga
la primera pregunta. Absolutamente. Haces contacto visual
con personas [inaudible]. Sólo la mesa que estaba
justo en frente de mí. Abajo de la línea aquí, tenemos a Todd disculpándose por
estropear la mordedura de sonido. [ inaudible]. Estás bien. Lo cual es totalmente innecesario, pero muy amable de su parte y
podemos cortar eso también. En este pase,
también puedes seguir adelante y eliminar las preguntas que hace
el entrevistador. Recuerda que también tenemos
nuestros marcadores con las preguntas
escritas para una referencia. Es mucho más rápido leer
las preguntas en un marcador lo
que es reproducir la
pregunta en tu línea de tiempo. Sé que esto podría
sonar un poco tonto, pero cortar una
entrevista puede ser intimidante y cortar
estas bocados de sonido
que muy obviamente no se van a
incluir en tu entrevista es una gran manera de aumentar
tu confianza y ponerte cómodo con
cortar las cosas. Después de cientos de
entrevistas que he recortado y años
de experiencia, sigo encontrando este tip
extremadamente útil. Ahora para algunos de los
sonidos obvios, pero no tan obvios para cortar son de los ejemplos que
proporcioné en la lección anterior. Incluyendo demasiados
detalles específicos sobre personas, lugares o cosas que no agregan
nada a la historia, puedes terminar haciendo que la
historia sea más confusa. ¿ Recuerdas esta mordida
de sonido de la lección anterior? Fui a casarse y nacer. En este verano, teníamos información
que era demasiado específica, el uso de nombres de diferentes
personas, y realmente no apoyaba la historia que estamos tratando de contar. No tenemos suficiente
información sobre estas personas específicas
o incluso tiempo suficiente cubrir esa información
para que esta mordida de sonido tenga un
impacto positivo en nuestra edición. No tener suficiente
información o contextos para una respuesta es también una mordida de sonido que
podrías considerar cortar. Nuevamente, volviendo a
nuestra lección anterior, donde Todd responde a la pregunta, ¿cuáles fueron los
beneficios inesperados de vivir en coaquí? No obstante, olvidamos
pedirle que incluyera la pregunta
y la respuesta. Eso ha sido realmente inesperado. Yo sabía esperar
esas cosas aquí, pero ahora que han pasado
y realmente sólo mal. Eran realmente inesperados. No tienes idea de por qué está
diciendo la palabra inesperada, lo que hace que la mordedura del sonido sea
completamente confusa. No podemos olvidar
nuestras líneas de rendimiento. No podemos olvidar el propósito de nuestro
proyecto. Revisemos nuestras líneas de rendimiento
y nuestros hilos invisibles. A lo largo de los primeros
pases de las ediciones, me estoy enfocando en la línea
pasante de la trama, el hilo invisible
que conecta los diversos
detalles de la historia juntos. La historia de Todd es sobre el
viaje de él encontrando vivienda que es más
que una ubicación física. El entrevistado objetivos
individuales y en el caso de Todd, creo que su objetivo
dentro de esta entrevista es asegurar su
lugar en comunidad, ese sentido de pertenencia al que
luchó encontrar incluso
dentro de su infancia. Los diferentes temas
que en este caso edita, son el hogar siendo más que
una ubicación física, comunidad, soledad,
encontrando un sentido de pertenencia. Entonces, por último, tenemos todas estas líneas
de rendimiento contribuyendo al
propósito principal del proyecto. En este proyecto en particular, el propósito es alentar a los espectadores a considerar
tomar medidas sobre cómo pueden crear un
sentido de hogar o incluso vivienda física dentro de
sus propias comunidades. Sé que esto es un
poco difícil de
entender a menos que hayas
visto toda la pieza. Si tienes curiosidad, he
incluido un enlace
al mini documental cohere
dentro de las notas de clase. En este pasado y todos
los pases posteriores, me estaré enfocando en
averiguar cómo cortar y cortar
esos momentos, esos sonoros, que no soportan ninguno de
estos trazos. No es tan simple como
ver y ser como, “Oh, sí, sé de qué se trata
la historia, sé cuál es el propósito, conozco todos
estos trazos instantáneamente”. Esto no es algo
que vayas a entender de inmediato. Estas líneas de rendimiento, estos
temas el propósito, la trama se revelarán todos medida que continúen trabajando a
través del proceso. No te desanimes si no
sabes de qué se
trata la historia o qué está pasando, confía en el proceso. Aquí hay un ejemplo
de algo que he cortado de la entrevista de Todd. Toma una escucha a
estas bocados de sonido. Bueno, me gustó la zona centro. Es muy emocionante. Siempre hay mucho pasando. En muy no residencial allá
abajo, es toda una jungla concreta. Una vez que me mudé aquí,
lo he encontrado barrio realmente encantador. Me encanta aquí. A menudo voy a pasear. Probablemente, bueno, hoy, es
hermoso día afuera. Ahí hay casas azules
e invernaderos. Hay una serie
de razones por las que estoy considerando cortar
estos bocados de sonido. El motivo por el cual es porque
trataron temas de ubicación y objetos físicos de una manera
algo superficial. Realmente no se sumó
a la historia de Todd de
ninguna manera ni
apoyó sus objetivos. Volviendo a casa siendo
más que una ubicación física, esto chocaría con ese tema que estoy
tratando de lograr. Parecía una obviedad
solo para cortar esto. Además de cortar estas picaduras de sonido porque
no apoyaban mis líneas de rendimiento, también
estaban incompletos. También en algunos de los momentos
que reenvié rápidamente, compartió información
que era demasiado específica. En este pase, es muy común sentir
que cada respuesta necesita ser incluida y es difícil saber
exactamente qué cortar. Tomar las cosas con lentitud y tener la oportunidad de volver a revisar la entrevista, puede ser útil para
obtener más claridad sobre los objetivos de su proyecto. Recuerda, es por eso
que editamos y pasamos. Si te pierdes algo
la primera vez, lo
conseguirás en el siguiente pase, si te preocupa
cortar demasiado, puedes mantenerlo áspero
alrededor de los bordes. A veces ni siquiera
corto respuestas porque no estoy seguro exactamente cuáles
van a funcionar o no. Entonces dentro de un futuro pase, podré
finalmente averiguar exactamente qué quiero
guardar y qué cortar. Esto no es destructivo. Puedes crear múltiples pasadas
repitiendo la misma tarea, y siempre puedes acceder a tus pases anteriores si necesitas resurgir cualquier bocado de sonido. Para recapitular, en la segunda pasada, recortaré cualquier preámbulo, cualquier flubs de soundbite, preguntas del entrevistador, sonoros que contengan
información demasiado específica, lo cual necesitaría
más aclaración, no se suman a la historia, y en última instancia confundirían aún más
al espectador
si se incluyeran. Entonces también recortaré
bites de sonido que no contienen suficiente
información o contextos. Por último, voy a cortar cualquier porción de preguntas
que siento
con mayor confianza no encajan dentro de
las entrevistas throughline. Seguiré centrándome en estas ediciones en pases
posteriores.
6. Resumir puntos: [ MÚSICA] En los dos primeros pases, hemos revisado la entrevista usando marcadores para grabar notas, y hemos cortado las picaduras de
sonido que más obviamente no
apoyan la historia. En esta lección, vamos a discutir cómo editar aún más tu entrevista en
el tercer pase. Volveremos a copiar, pegar nuestra secuencia y
nombrarla en consecuencia. En este pase, el
foco es destilar
las preguntas
hasta su esencia. Este proceso de destilación
no sucede todo a la vez, lo más probable es
que encuentre que refinará y destilará cada byte a medida que
avanza a través de cada pase. Podrías darte cuenta a medida que estás
pasando por este pasado
que no tiene ningún sentido
destilar tus respuestas hacia abajo. Pero por supuesto, si estás
trabajando con entrevistas más largas, entrevistas
más complejas y no
estás exactamente seguro dónde va la historia
luego hacer el paso primero, puede ser más útil para administrar
la cantidad de contenido. Para destilar las respuestas
a su esencia, queremos comenzar
recortando la repetición. Aquí tenemos un nuevo
ejemplo de una breve entrevista hecha
para hapa-palooza, que es un festival que
celebra el patrimonio mixto. Si un entrevistado repite
la misma frase o palabra o es repetitivo de
alguna manera, córtala. Un festival como hapa-palooza
puede realmente
impactar positivamente a la comunidad de
una manera muy positiva. Jeff utiliza una variación
de la palabra positiva dos veces diferentes. Estoy seguro de que puedo
cortar uno de estos fuera. Hapa-palooza puede realmente impactar
positivamente a la comunidad por el hecho de que estamos creando ese diálogo,
esa discusión. Si repiten puntos de diversas
maneras, ya sea dentro de la misma pregunta o diferentes
preguntas por completo, entonces usted tiene la tarea de elegir qué opción es mejor. Todavía hay mucha discusión en
torno a la raza, la etnia, identidad que
creo que necesita tener lugar porque estamos
creciendo como sociedad. Estamos mezclando, estamos mezclando, y se está convirtiendo
en algo
tan grande en Canadá que necesitamos
tener un festival como hapa-palooza para celebrar
eso y realmente
permitir esa discusión y involucrar a la gente en diálogo. Lo que Jeff básicamente está diciendo en este soundbite es que el
patrimonio mixto es importante. Es importante tener
conversaciones al respecto porque más personas con herencia
diferente se están reuniendo
y creando familias. El segundo punto que está haciendo es que el festival que dirige, hapa-palooza es
importante
porque permite más
discusión en torno patrimonio
mixto y permite a la
gente celebrar
eso diversidad. Ahora, escucha esta mordida de sonido. Como nación, realmente estamos avanzando hacia una sociedad mezclada. Una sociedad donde la
gente va a empezar a identificar tantos diferentes, como mezcla de ancestros, y así creo que eso es
realmente genial es que un festival como
hapa-palooza realmente puede impactar positivamente a la comunidad por el hecho de que
estamos creando ese diálogo, esa discusión, y ayudando a enriquecer
realmente a la gente en
ese proceso de pensamiento. Jeff está repitiendo muchos de los mismos puntos dentro de
la mordida de sonido, solo con palabras diferentes. El bocado sonoro que es más
conciso o golpea más cerca tu historia o a través de líneas
es la que debes elegir. Esto también podría significar combinar esas diversas opciones
en un punto, elegir lo mejor de ambas picaduras. Como nación, realmente estamos avanzando hacia una sociedad
mezclada. Todavía hay mucha
discusión en torno a la raza, etnia, la identidad que
creo que necesita tener lugar. Necesitamos tener un festival como hapa-palooza para celebrarlo. Estamos creando ese
diálogo, esa discusión. A pesar de que todavía no estoy contento con el final de esta mordida, sigue siendo la mejor opción. Por el camino, siempre puedo
cortar otro bocado de sonido de otra pregunta
y adjuntarlo a ésta para que
suene aún mejor. Esta tercera opción puede llevar mucho tiempo y podría
ser mejor guardar para pases
posteriores ya que podría terminar dándose cuenta más adelante en la edición que no
desea usarlo en absoluto. Lo que sugeriría es mantener ambas opciones
y hacer una nota de que posible que desee combinar los dos bocados de sonido juntos
y guardarlo para más tarde. Al resumir cada punto a
lo largo de cada pase, considere las opciones
que tiene para B-roll. Esto es importante porque se
puede llegar al
punto donde se
puede destilar una
frase a su esencia. Pero si te
apegaras al metraje de la entrevista, los cortes serían demasiado rápidos y discordantes para que el
público lo siguiera. Cada año tratamos de
tener una mezcla de eventos que celebran las artes
visuales, la
música, la danza, la poesía, el
cine, la actuación. Como regla general general,
si tienes una mordida de sonido
que es menos de dos segundos, considera cubrirla con b-roll. Esto es aún más, algo a considerar
cuando se tiene cortes
consecutivos que son
menos de dos segundos. Ya sea que tengas una abundancia de b-roll o no b-roll en absoluto, determinará si
puedes cubrir un segmento apretado o si necesitas mantenerlo un
poco más rugoso alrededor de los bordes. Mantener su entrevista áspera
alrededor de los bordes o más refinada es también
un arte en sí mismo. En ocasiones una entrevista excesivamente
editada puede crear una versión
desinfectada de una historia o drenar
al personaje del entrevistado y la emoción general de la entrevista. Aquí hay un bocado de
sonido sin editar de Todd. Simplemente celebrando estas alegrías con la
gente y las luchas
con la gente también, ha tenido un enorme impacto en
mí y conozco a otros aquí. Ahora la misma
mordida de sonido cortó más corto. Celebrando estas alegrías con la
gente y las luchas
con la gente también, ha tenido un enorme impacto en
mí y conozco a otros aquí. Sé que esta mordida de sonido no es necesariamente extremadamente dramática
ni nada por el estilo. Pero incluso se puede ver en este
pequeño ejemplo que retener los brazos y las pausas te
ayuda a ver las ruedas
girando en la cabeza de Todd. Estos momentos de donde
alguien intenta pensar qué decir a continuación son momentos
vulnerables. Llegamos a ver la vulnerabilidad del entrevistado en pantalla. No siempre queremos
cortar eso porque necesitamos el público se conecte emocionalmente con
el entrevistado. Es importante
considerar el carácter
del entrevistado y el propio
tema. Podrás decidir mantener una entrevista más llena de
emoción, áspera alrededor de los bordes para que el público tenga tiempo
para procesar la historia y esas emociones mientras
permite que el público se conecte emocionalmente
a su vulnerabilidad. Si estás editando una entrevista
educativa o una entrevista de expertos, uno de los
objetivos de edición podría ser
cortar todos los um
y ah para que
el entrevistado salga lo más
profesional posible por lo general
suenan como el, [Risas] ver lo que quiero decir. Si no cortas,
este es el punto. Si no cortara todo esto, quizá no
me tomaras tan en serio como lo harías si lo
hubiera cortado todo, todas estas tonterías fuera. No siempre soy
capaz de conseguir puntos a través del primer intento con
las clases que creo, pero con la edición puedo
hacerme sonar mucho mejor. Cortando la repetición
y las um y las ah, en este caso puede ayudar al espectador a enfocarse en
el material de aprendizaje y tomar más en serio
al entrevistado como profesional
en su campo. Cortar las preguntas
a su esencia
no siempre se completa
en el tercer pase. Este pase se puede hacer
aproximadamente al principio y luego ser refinado a medida que se mueve en
sus próximos pases. Probablemente
te encuentres haciendo cortes y luego dándote cuenta en pases
futuros de que hay mejores formas de sacar los
mismos puntos. [ MÚSICA] Para recapitular, en la tercera pasada, el foco está en resumir y destilar las
respuestas de la entrevista a su esencia. Esto significa cortar el diálogo
repetitivo o combinar puntos similares. Al hacer esto,
manténgalo áspero al principio ya que estarás recortando las cosas en
pases posteriores. Ten en cuenta cuánto puedes cortar en función de tus
opciones para b-roll. También, considere el carácter
del entrevistado y el propio
tema. [ MÚSICA]
7. Crear escenas: Crear escenas a
partir de tu entrevista picaduras de
sonido te ayuda a dar sentido a tu entrevista
y sus piezas individuales, y te da
una vista de pájaro de la entrevista en su conjunto, ayudándote a empezar para intercambiar ideas diferentes conexiones entre
cada escena individual. Intenta pensar en cada
respuesta o tema dentro una respuesta como su propia escena
o incluso un bloque de historia. La estructura
o dirección de la historia puede no estar completamente
clara en este momento. Esto es más común
en entrevistas más largas o cuando se combinan múltiples
entrevistas juntas. Por ejemplo, en estas entrevistas,
conocí esta pregunta. ¿ Qué significa el hogar para ti? Funcionó bien con el
propósito del proyecto, y quería
incluirlo en nuestra historia. No sabíamos del todo a dónde iba a ir dentro de
la historia en general. En lugar de
sacarme el pelo tratando averiguar la mejor
ubicación de inmediato, creé un bin llamado Scenes, y luego creé otro bin dentro de esa carpeta y lo nombré. ¿ Qué significa el hogar para ti? Entonces simplemente compilé la
respuesta a esta pregunta de todos los entrevistados relevantes en una secuencia
dentro de esta carpeta. También creé otras
escenas que fueron relevantes para la historia en general. Entonces, por supuesto, estaba la
historia principal de CoHere. Cómo comenzó CoHere, qué es, qué hace, por qué
es importante. He usado cada punto de trama
relevante en historia de
CoHere y he
creado su propia escena. Como dije, esto es aún
más útil cuando se tienen múltiples entrevistas
porque en este caso, sé cómo organizar
estas múltiples entrevistas. Ahora es tan sencillo como tomar cada bocado de
sonido relevante de cada entrevista individual y colocarlo en la escena
correspondiente. Por eso también es una
buena idea descomponerse, una entrevista de tres horas en algo más
manejable porque ahora, sabes cuáles son los
mejores clips de esa entrevista y de la escena las propias secuencias
se vuelven más manejables. Ahora, es más como un
rompecabezas donde puedes ver
físicamente las
piezas de la entrevista, pero ahora también puedes ver el panorama más grande y donde cada pieza podría
encajar con otra. En este punto, podrías
empezar a obtener ideas de qué picaduras de sonido se conectan de
forma natural, y qué
picaduras de sonido lo más probable no terminen en la edición final. Nuevamente, toma notas sobre qué picaduras de sonido para las que
tienes ideas, corta las picaduras de sonido que más obviamente no se ajustan a los objetivos de
tu proyecto. Para entrevistas individuales, no necesariamente
necesitarás crear múltiples bins con
diferentes secuencias de escena. No obstante, puedes
copiar y pegar tu PASS 3, renombrar a PASS 4. Panqueque tus secuencias PASS
3 y 4, borra todo en PASS 4, y luego comienza a reordenar todas tus picaduras de sonido en una estructura de historia, y
en la siguiente lección, voy a
repasar algunos consejos sobre cómo crear una estructura de
historia atractiva, interesante y lógica. Para recapitular, crear escenas
individuales te
ayuda a visualizar tu
entrevista en diferentes trozos, lo que te permite
administrar más fácilmente grandes cantidades
de información y ver qué piezas de rompecabezas
podrían conectarse mejor juntos.
8. Engaging la audiencia: En esta lección, vamos
a discutir algunas formas de
involucrar a tu público a
lo largo de tu historia. Esto es importante
porque
te ayudará a determinar dónde poner cada bocado de sonido dentro de
la estructura general de la historia, y por supuesto el
compromiso es importante porque quieres
enganchar a tu audiencia, quieres que tu público
se involucre en tu historia, por lo que logra su propósito
último. [ MÚSICA]
Pasados cinco se trata de juntar
el rompecabezas. El objetivo es mover
estos bloques
de historia hasta que consigas
un comienzo, medio y final que tenga sentido, tiene como objetivo llevar al público
en un viaje interesante, y en última instancia crea
un emotivo conexión. Pero antes de empezar a mover todo
en su línea de tiempo, consideremos algunas formas en que
podemos involucrar a la audiencia. Ten en cuenta los cinco Ws al referirte a
la historia: quién, qué, cuándo, dónde, por qué. ¿ Quién está en la historia? Tus personajes o entrevistados. ¿ Qué pasó? Una secuencia de eventos. ¿ Cuándo sucedió? ¿ Dónde sucedió? ¿ Por qué sucedió? Los cinco Ws pueden ayudar a pintar la imagen para el público
y crear contexto. Sé que ya he
usado este término en esta clase,
pero para aclarar, contexto es lo que se necesita para que algo
se entienda completamente. En la película Dune, se
nos presenta esta sustancia roja similar al polvo que
se conoce como la especia. Sin contexto, se podría pensar en la especia
como algún tipo de condimento como el pimentón y luego preguntarse por qué debería
importarlo en absoluto. Especias. ¿ Por qué a estos personajes
les importa el pimentón? Pero de hecho, la especia es una droga psicodélica que aumenta la vida útil,
aumenta la conciencia. ¿ Qué me está haciendo? Es vital para los viajes espaciales. En este caso, los contextos nos ayudan a entender el significado
detrás de la especia. Ahora, entendemos
por qué a los personajes se
preocupan
tanto por ello y, a cambio, nos ayuda a preocuparnos más por
la historia y sus personajes. En una entrevista, crear contexto podría
significar [SOLUCIONAMIENTO] incluyendo la mordida sonora
del entrevistado presentándose
y lo que hacen. Soy Scott Keddy, presidente de 3 perros Brewing aquí
en White Rock. En ocasiones incluso
donde se encuentran, siempre y cuando sea
relevante para la historia. Esto también se puede
presentar utilizando una tercera o carta de título
inferior. Hay muchas formas creativas
de contextualizar una escena. Puedes encargarte
del quién, cuándo, dónde con bastante rapidez usando
una combinación de B-roll, picaduras de sonido
apretadas, y gráficos. Por otro lado,
una gran manera de enganchar a un público es proporcionar
menos información, no dar toda la
información a la vez. Hacer esto fomentará
más preguntas. En esta película de cervecería, presenté intencionalmente el pub cervecero usando las voces de
nuestros entrevistados, pero no revelé sus rostros. [ MÚSICA] No
pensamos que
venderíamos de cerveza en
dos semanas y media, elaboramos casi 50 barriles. Esto trae consigo una
serie de preguntas. Básicamente, dentro de
unas semanas estuvimos en donde pensamos que
estaríamos después de un año o dos. También uso
las picaduras de sonido para ilustrar cuán exitosos fueron
al gran inauguración, lo cual también es interesante, ¿cómo lo hicieron? ¿ Qué hacen para
llegar a ser tan exitosos? ¿ Qué hacen para superar
sus propias expectativas? Sabemos que están en un pub cervecero, sabemos que hay gente bebiendo y
disfrutando, pero no conocemos toda la información lo que
añade un nivel de interés e incrementa las posibilidades de participación de la
audiencia. Una buena historia necesita algún tipo de conflicto para mantener a una
audiencia comprometida. Crear conflictos
o problemas que necesitan resolver hace algunas cosas. Uno, de nuevo, se
anima al público a hacer preguntas, ¿se resolverá este problema
al final de la película? ¿ Cómo se resolverá? ¿ Cómo terminaron
resolviendo este problema? Las preguntas mismas
pueden ser suyas a través línea o gancho para mantener a
un público comprometido, y esto puede estar en la escena de un
individuo. ¿ Qué te dijo? O una pregunta hecha a lo largo de
un gran trozo de la película. Que yo encontraría el uno. Además de las preguntas
alentadoras, el problema presenta otra ventaja de
engagement, el problema tiene la capacidad de
conectarse con el público en
un nivel relacionable y puede afectar a cada individuo espectador a un grado diferente
dependiendo de su propia experiencia
personal. En el Proyecto Co:Here, elegimos iniciar nuestra
película presentando hechos torno a los temas de vivienda encontrados en Vancouver, Canadá. No son solo hechos, también
estamos escuchando a
individuos hablando estos hechos y de los problemas y cómo se manifiestan esos problemas. La vivienda presenta
muchos retos, no sólo para los residentes
de Vancouver, sino en todo el
mundo hasta cierto punto. También tocamos temas
de soledad y hogar representan más que un
solo espacio físico, encontrando conexión, un sentido de hogar, y un lugar físico que todos
podemos llamar hogar son todos necesidades básicas con las que
cualquiera pueda relacionarse. El porqué, el punto, el propósito de cualquier historia
es, en mi opinión, más
importante a considerar a
la hora de tomar decisiones de edición. Hablo mucho de esto
en todas mis clases. Por lo que te animaría a que veas esas lecciones si quieres más ejemplos del porqué
dentro de cada contexto de clase. Si puedes
identificar claramente por qué estás creando esta entrevista
editar en primer lugar, tendrás un tiempo mucho más fácil manteniendo a tu
público interesado. Sin un punto, la gente
no tendrá razón para
importarle y tampoco sabrán por qué
deberían seguir vigilando. En el Proyecto Co:Here,
cada entrevista y historia
más pequeña que conforma la historia más grande
tiene como objetivo alentar
a los espectadores a considerar y tomar medidas sobre cómo pueden crear un sentido del hogar o incluso crear vivienda física
dentro de sus propias comunidades. Para recapitular, los cinco Ws ayudan a
llevar contexto a la
historia que estás contando, permitiendo a los espectadores
entender completamente lo que está pasando, y dando significado a ciertas
cosas, dando al público una razón para incluso se preocupan por estas
cosas en primer lugar. El conflicto también es
muy importante para mantener a un
público comprometido, crea más
preguntas y crea una conexión emocional con
las ideas o con un entrevistado, y por supuesto tener en cuenta el
propósito principal de su edición. El propósito te ayudará a determinar cada decisión
de edición.
9. Crear una estructura de historias: En esta lección, vamos a ver
algunas formas de
empezar a crear
estructura de la historia y
vamos a ver algunas
de las formas en que me gusta
incorporar la estructura de la historia en mi propio trabajo. Comienza por lluvia de ideas
diferentes estructuras de la historia usando los diversos temas
de tu entrevista. Hay una serie
de formas de hacerlo. Si tienes una
cantidad manejable de metraje de entrevista, puedes empezar cambiando los bloques
en tu línea de tiempo, probando diferentes ideas. Si prefieres una experiencia más
tangible o estás trabajando con muchos temas diferentes
simultáneamente, intenta escribir
tus bloques de historia en las notas de
post para obtener
una vista de pájaro. Si no te importa
mantenerte digital, siempre
puedes crear gráficos de
diferentes colores con los diferentes encabezados de
escena y usar esos bloques para empezar a pensar en diferentes ideas de estructura de
historias. Estas son algunas opciones
diferentes, pero soy fan de simplemente
meterme en cambiar las
cosas en la línea de tiempo inmediato para que pueda tener una idea de cuánto
metraje tengo dentro cada tema mientras previsualiza
las transiciones entre temas. Empieza con los
marcadores que indican las picaduras de sonido que
más fuertemente estás considerando incluir dentro tu edición y determina el
propósito que tienen. ¿
Presenta la mordida del sonido el problema o el conflicto u obstáculo? ¿ Introducen un tema, proporcionan contexto, o
fomentan preguntas? Esto no es algo que necesites
escribir ni nada. Solo tenlo en cuenta cuando estés juntando cada escena. Recuerda que el objetivo es
mover estos bloques
de historia hasta que consigas un
principio, medio y final,
eso tiene sentido, tiene como objetivo llevar
al público en
un viaje interesante y, en un viaje interesante y última instancia, crea un
conexión emocional. Para mí, la estructura típica de la historia normalmente
comenzaría
con algún tipo de gancho estableciendo de
qué se trata la historia. Esto no significa necesariamente la trama o la
serie de eventos, sino la historia más grande, el tema o temas
que son fáciles de entender para cualquiera pero no
se trata simplemente de
afirmar la temas. También está presentando
los mayores problemas y desafíos que vienen junto
con la historia más grande. En la edición para Cohere, establecí de qué se trataba la
historia usando B-roll de la
crisis habitacional en Vancouver, usando picaduras de sonido describiendo
estos problemas en detalle y el matiz
detrás de estos problemas, vez que proporciona
una posible solución, que es la vivienda Cohere. En el primer minuto y medio, entendemos que la historia
es sobre la necesidad humana conexión y la importancia de encontrar tu lugar
dentro de la comunidad. Normalmente no hago
esto en muchas de las ediciones en las que trabajo
pero en este caso, también
nos tomamos el
tiempo para establecer la historia de
Todd en esta pequeña
porción aquí y eso fue en su mayoría sólo para crear una conexión más personal para el público con
alguien con quien
pudieran relacionarse y
empatizar con más
que el problema general
de la falta de vivienda. En esta breve intro,
hice todo lo posible para conectarme con el público usando los consejos de engagement
de nuestra lección anterior; presentando los muchos problemas de la crisis de vivienda de Vancouver, creando contexto
para esos problemas, alentó las preguntas a
lo largo de la intro, incluyendo éste donde
Michael menciona esto. No es un tema
de falta de vivienda, es un tema de
falta de vivienda y Cohere es único en que sí
proporciona el resto del hogar. Que no es totalmente
una respuesta completa, pero definitivamente plantea algunas
preguntas; diferente ¿cómo? ¿ Qué
significa realmente el resto
del hogar y qué hacen
exactamente? Por supuesto, estas
preguntas no van a ser interesantes para todos, pero para quienes puedan relacionarse, que se enfrentan a retos similares o también
están tratando de
resolver problemas similares, ojalá sea
lo suficientemente curioso como para quedarse y ver
qué pasa a continuación. Hemos establecido
los temas más grandes. Entendemos la
historia de Todd, quién es, su mundo pero
no entendemos el resto de nuestros personajes
en su mundo. Entonces al principio también
establecemos su historia y su escenario, cómo es la vida actualmente
para ellos. En medio de la historia,
se presenta el
principal problema más específico y en
la mordida sonora Kathy afirma con mucha claridad. Eso fue bastante evidente
que la vivienda estable y también sentirse parte de una
comunidad era un tema. El problema cataliza la acción, obliga a los personajes a enfrentar diferentes retos
y superar esos desafíos
hasta que finalmente alcancen su objetivo final. Que en este caso estaba
completando la visión de Cohere de que el propio edificio
físico, y luego aún más importante, estableciendo su visión de verdadera vivienda comunitaria que
resuelva temas de soledad, aislamiento, y asegurar
todas las cosas necesarias para ese sentido
de pertenencia en comunidad. En medio de las historias
también es importante
profundizar en los detalles relevantes de la
historia, creando contextos para que el
público pueda conectarse más profundamente con
los personajes o los entrevistados y la historia. Entonces finalmente al final
vemos esa solución en acción. Vemos lo que
parece vivir en comunidad y al final, personalmente
me gusta tener algún
tipo de llamado a la acción para el público y
esto suele hacerse en las
picaduras sonoras finales de la película. En el caso de esta película, es animar al espectador a considerar cómo
pueden crear un sentido de hogar o incluso vivienda física dentro de sus propias comunidades y también dar pequeños
pasos hacia eso. Cada escena individual cae en esta estructura general de la historia creando un principio lógico, medio y fin y por supuesto, siempre
estoy haciendo todo lo posible
para involucrar a la audiencia, lo cual no es fácil . Crear esa
conexión emocional es tan desafiante, pero si puedes empezar
con algunos de esos consejos de la lección anterior
sobre involucrar a la audiencia, creo que tendrás
más éxito manteniendo un audiencia viendo
las historias que cuentas. Por supuesto, hay
tantos aspectos estructura de la
historia y se pone
increíblemente matizado y profundo, y simplemente no podemos
cubrirlo todo en esta clase. Entonces para recapitular, lluvia de ideas formas en que podrías
usar cada bocado de sonido, identificar su propósito para que
tengas una mejor idea de dónde podrían encajar dentro del panorama más amplio
y por supuesto, no es necesario apegarse
a la estructura de la historia pero una
estructura de historia común para mí es comenzar introduciendo la historia más grande o
el tema, o temas. Profundiza en los detalles de la
historia mientras enfoca en los
diferentes puntos de la historia donde
se enfrentaron y superaron diferentes desafíos hasta que finalmente se logra
el objetivo final dentro de la historia. Entonces cómo
se ve esa nueva realidad vivió. De una bonita manera de
redondear es crear un llamado a la
acción que invite al espectador a ser
parte de la historia y a vivir esa
historia en el mundo.
10. Reflexiones finales: Gran trabajo en completar
las lecciones. Como se puede ver, la edición de
entrevistas
no siempre es el proceso más
sencillo. Eso es lo que desafía las entrevistas y la narración de cuentos, en general, es
que es mucho más matizada y
más grande de lo que puedes imaginar. Pero en esta clase hemos
cubierto edición de pases, revisando la
entrevista, recortando obvio, resumiendo respuestas, y recortándolas
a su esencia, junto con crear escenas y estructurando esas
escenas en un principio ,
medio y final que es fácil de
entender y
engancha al público. Mientras trabajas
en todos estos pases, teniendo en cuenta
tus líneas pasantes y recordando que
después del pase de revisión, cada pase es iterativo en que estás repitiendo estas
tareas a lo largo todo el proceso hasta que
consigas el núcleo de tu historia. Ni siquiera
hablamos de pase 6, pase 7, pase 8, y eso es porque esta clase se
trata de la edición de la historia. Cualquier pase más allá de la edición de la
historia implica B-roll y música y efectos de
sonido y así sucesivamente, y por supuesto, esas
cosas son importantes. Pero si saltas
el arma y empiezas sumar esos
elementos de inmediato, te vas
a perder en la base de tu
edición, que es historia. Una vez que tengas la base
de la historia, la estructura, va a ser mucho más fácil decidir dónde vas a colocar todos esos otros elementos de
narración. Gracias por tomar mi clase. Espero que hayas aprendido mucho, y si tienes alguna
pregunta, por favor pregúntale. Te responderé
lo antes posible. Sigue mi perfil para actualizaciones
y sordos ocasionales. Si encontraras valor
de esta clase, realmente le
agradecería que dejara una reseña. Bueno, malo, crítico o no, todo ayuda y me ayuda a crecer y aprender y
servirte mejor. También, les animaría a
tomar algunas de mis otras clases. Como verás, la línea
pasante de todas mis clases es historia. Muchas gracias por
tomar esta clase, y recuerda, la historia
es tu guía.
Sean Dykink, Story is your guide
