Principios de la dirección cinematográfica: haz una película con 5 tomas

1. Avance: [ MÚSICA] Hola. hoy vamos a ir de viaje conmigo, chico malo Julian. Ese es mi nombre, aka tu profesor de cine para el día. Ese soy yo. Cuando empecé a hacer películas, no había YouTube, no había Skillshare. Fui a la escuela de cine y estaba como, “quiero ser director”. Entonces aún no aprendí a hacer nada de eso en la escuela. Entonces cuando salí de la escuela y traté de hacer mis propias películas, no salieron como las imaginaba en mi cabeza. Porque hacer películas es tanto sobre los detalles y tanto sobre ver y aprender a la gente. Eventualmente tuve que hacerme amigo de muchos cineastas, ir a la escuela de golpes duros como cagarse, hacer malas películas para aprender a hacer las cosas correctas. Ahora míranos, estamos aquí. Espero poder compartir lo que me apasiona y emociona, que es hacer cine. Antes di una clase de Skillshare y eso se llamaba 'Cómo hacer películas de droga de bajo presupuesto' desde la escritura hasta la dirección hasta la postproducción, que es la edición. Justo para esta clase, solo quiero enfocarme en dirigir. Creo que soy yo masajeando directamente. No sé qué hacen mis manos a veces, me disculpo. Hay mucho que entra en esa dirección. A veces es muy técnico. Pero también es realmente inmersivo y es siempre este baile de ida y vuelta que uno necesita aprender las entresijos de. eso estoy aquí hoy, es para enfocarme realmente en esa parte de dirección del cine. Por eso estoy súper emocionado porque vamos a aprender. Demuestra a tu mamá equivocada. Ella no cree que puedas aprender. De todos modos. Seguro que sí, o tal vez no. Demostraremos que alguien se equivoca. 2. Introducción y descripción general de la clase: Hola, me llamo Julian. hoy vamos a ir en un viaje donde aprendemos los conceptos básicos de dirigir y cómo dirigir el inicio. Lo que es realmente genial de esta clase especial hoy es que en realidad me vas a ver mientras hago una película especial solo para ti en esta clase. Vamos a ver como voy detrás de bambalinas y rodar una película y vamos a cortar eso con lo que estoy diciendo ahora. Eso es genial. Soy fan del aprendizaje inmersivo y esta es como mi primera oportunidad de hacer eso con Skillshare. Yo estoy emocionado. El título de esta clase es Directing 101: the 5 Shot Film. Eso se debe a que vamos a aprender a hacer la película en cinco tiros. Entonces tenemos un par más ahí dentro. Pero realmente el corazón, la carne, y el jugo de nuestra película va a suceder en cinco tomas simples. Voy a llevarnos a través de ese proceso y vamos a aprender todo lo que vaya a dirigir. Es así como configurar la cámara, cómo trabajar con un director de fotografía, cómo diriges a los actores, cuál es la secuenciación que haces, todas esas cosas divertidas que vamos a aprender hoy y lo vamos a ver. Sí, vamos a estar emocionados. Hagamos el rollo por. No sé si eso te va a ayudar a dirigir, pero puedes hacer lo que quieras. Gracias. 3. Proyecto de la clase: [ inaudible] Entonces hablemos del proyecto de clase. Vas a escribir un guión o hacer un esbozo de un disparo que involucra a dos extraños que entran en conflicto entre sí. Entonces vas a filmar esa pieza que tienes, sea lo que sea, y tienes cinco tomas para hacer esa película. Puedes hacerlo en tu iPhone, puedes hacerlo en un lindo teléfono, puedes hacerlo en lo que quieras siempre y cuando registre cosas. No lo hagas con tu abuela, sabes que eso no graba cosas. Ah, y una cosa más que viene justo después de este video es mi proyecto de clase. Mira, hice las mías, bebo mi propio Kool-Aid, e hice un cortometraje donde la mayor parte de la historia se cuenta en cinco tiros. Hice un par extra, no digas nada. Escribe un encabezado. Aquí no nos gustan las reglas. De todos modos, disfrútalo, y luego lo vamos a referir más adelante cuando suceda la clase. Gracias. 4. Ejemplo de proyecto: "The Moment" (El momento): Entonces esta es la película terminada de cinco rodaje que hice específicamente para Skillshare para que ustedes puedan ver como ven el proceso de mí, Julian, dirigir y crear una película. Nota, Sólo tardó alrededor de hora y media en filmarlo, un día para editar y solo un poco de tiempo de ensayo. Puedes hacer algo como esto tú mismo. Adelante, mira, dije suficiente. Ahora bien, si no digo algo. Voy a reventar porque eso fue una locura. A lo mejor estoy malinterpretando. Porque creo que acabamos de tener algo. No. ¿ Qué? No juegues tímido. Estás jugando tímido. Ni siquiera sé tu nombre. Entonces estoy loco. ¿Es eso, estoy loco? Está bien. Creo que acabamos de tener un momento. Eso no sucedió. Muy bien, sólo tuvimos un momento. Lo hicimos, ¿no? Tuvimos un momento. Eso es genial. Momentos, los amo. 5. Escribir tu escena: Entonces no quiero que se concentren en escribir demasiado. Porque, estamos como, “¿cuál es mi historia? ¿ Cómo va a ser eso?” Hay demasiado que va de acuerdo con eso. Ahí hay una plantilla básica que vamos a seguir que te va a permitir hacer una película de cinco tiros. En primer lugar, nuestra historia comienza con dos extraños y luego surge algún conflicto entre estos dos extraños y ahí es donde pasa la carne de nuestra historia. Empezamos con extraños, después hay tensiones, hay un conflicto, y luego tenemos una resolución. Tu resolución no tiene que ser como un show de comedia de boceto donde solo se resuelve y se abrazan. Puede ser una anti resolución. Yo quiero que te enfoques en la narración interesante. Esto es como el enfoque de Mad Libs a la escritura de guiones y creo que podemos llenar cualquier deseo de nuestro corazón y es lo suficientemente amplio para que hagas algo interesante. Una cosa que es importante de nuestras historias, asegúrate de que haya subtexto ahí dentro, ¿de acuerdo? Hay algo que queda sin decir, así que hay tensión en el conflicto, pero tal vez esa tensión realmente se trata de algo más profundo. A lo mejor un personaje está esperando en línea y está realmente enojado y realmente no está enojado de que esté esperando en línea. Está enojado porque su amigo está enfermo y cómo revelamos que tal vez pasa cuando hay una pelea entre dos personas, quién sabe. subtexto es realmente interesante y hace que una escena simplemente pop. Eso es lo primero que tienes que hacer. 6. Preproducción: Entonces esta es una clase de dirección. Como dije, esto no es una clase de escritura y en realidad no es una clase de preproducción, pero necesitamos repasar un par de cosas antes de hacer nuestra película. En primer lugar, escribes la película. De eso hablamos en el proyecto de clase. Entonces, debes lanzar tu película. Si conoces a alguien que es un actor increíble, tal vez sastre tu escena a ellos o pregúntale a tus amigos quién saben que es realmente súper talentoso o ve a hacer un Craigslist o un post de backstage y trata de encontrar a alguien de esa manera. Usa cada recurso que puedas para que tu película sea interesante. Para la película que hice, había oído hablar de Theo y él era un actor tan raro, interesante, y yo estaba como, sé que llegué a trabajar con este tipo de alguna manera. Escribí el guión y estaba como, Theo estaría realmente bien. Leyó la escena conmigo. Hicimos un ensayo y él fue increíble. Entonces el otro papel, puse una llamada de casting a Craigslist donde la gente envía un video de ellos diciendo; no. De verdad tengo una buena sensibilidad de quién era. Yo lo llamé. Hablamos un poco y lo eché porque realmente conectamos de esa manera. Simple como eso. Eso es elenco. Número dos, ensayando. Si tienes el tiempo ensaya las escenas con tus actores. Con mi película, con Theo y yo pasamos por el guión. Vi que en lo que era realmente bueno, que era ser muy honesto y vulnerable y cambió la dirección de lo que quería para esta película por eso. Localización scouting. Hay muchas formas diferentes de hacerlo. Siempre digo que escribas una ubicación a la que tengas acceso para que no siempre tengas que estar dando puntitos alrededor de la ubicación de alguien a la que realmente no tienes acceso. Es una experiencia rara. Quieres sentirte cómodo y libre mientras haces películas. No como si estuvieras en alguna prisión. A lo mejor ese es tu trabajo. A lo mejor esa es tu casa, y tal vez esa es en algún lugar al aire libre como un parque. Filmé nuestra escena específicamente en la bajada porque ahí es donde vivo. Originalmente lo iba a filmar en una tienda vintage. Pero la tienda vintage no tenía suficiente espacio y quería asegurarme de que podía tomar el tiempo que pudiera necesitar. Si vas a ir a llegar a un lugar en el que rodar tu escena, digo ofrécelos, ver si puedes salirte con tan solo 50 dólares o tal vez 75. A menudo la gente está muy contenta de ayudar, pero solo tienes que dar la vuelta. Tengan confianza. Pregunta a la gente por una ubicación. Las ubicaciones son importantes y quieres asegurarte de que puedan agregar a una escena. Listado de tiro. Escribes un guión, y luego debes entender qué tomas van a corresponder con qué líneas del diálogo. A lo mejor tienes un disparo maestro, un tiro medio, otro medio, y luego dos primeros planos. Está bien. Eso es exactamente lo que hice por la película que hice. Después podrás rellenar con primeros planos o cualquier otro detalle que necesites para redondear tus cinco tiros. Ahora, si estás haciendo cosas como, tipo de recortes. Porque cuando rodamos una película, recortábamos algunas de las cosas que hay en el suelo o que está en la escena. Eso está bien. Ni siquiera llamo a eso un tiro. Está bien. Entonces me refería a que la mayor parte de nuestra película va a suceder en cinco tiros. Realmente planea cinco tomas en las que vas a hacer tu película. Como dije, podrías filmar esto en tu iPhone y solo podrías ser tú haciendo eso. O puedes contratar gente para hacer tu película. Cuando contratas gente, contratas a un director de fotografía en su mayor parte. Ellos son la persona con la cámara. Les pagas o no quizá sean tus amigos. Eso sería super cool. Ellos compondrán y rodarán tu escena. Tienes que tener una relación de trabajo con esta persona y tienes que comunicar claramente exactamente lo que quieres. Están ahí para ejecutar tu visión, pero también estás colaborando con ellos. Entonces no puedes ser dictador para ellos porque es un push-pull. Es como que les dices lo que estás buscando y luego ayudan a lograrlo. Después les das notas. Pero tampoco debes estar supeditado a esta persona. No deberían ser como, "lo tengo”, y luego hacer lo que quieran. Estás a cargo del set de película y tienes última palabra. Usted es el director. Por lo que trabaja con tu director de fotografía para crear una visión de lo que estás viendo y cómo quieres que se vea. ¿ Cómo quieres que se sienta? Cuando hagas tu película, conoce todo al respecto. Quiero que conozcas todos tus beats y quiero que conozcas toda la redacción. Necesitas hacer toda la preparación que puedas antes para que puedas tener una visión muy específica en tu cerebro de lo que eres la escena necesita lucir. Todo eso es importante porque eso te va a ayudar a ser el mejor director que puedas ser. Entonces, cuanto más tiempo lo pienses, más cosas planeas, más cosas escribes, incluso como referencias. Todo eso realmente ayuda a elaborar tu escena y darle detalle. Este es el momento en el que hablamos del proyecto de clase. Solo para recapitular, hay cinco cosas que debes hacer antes de hacer tu película. Casting, ensayar, location-scouting, shot-listing, y contratación de equipo. 7. Dirige el set: Wow, ¿sabes qué hora es? Es hora de que realmente hagamos la parte de dirección de esta clase. Entonces me vas a ver, esto es una inmersiva, ya que hago el proyecto al lado de esta cosa habladora que hago. Súper emocionante porque veremos de principio a fin lo que es ser director. Paso 1, dile a la gente cuándo venir y luego saludarlos. Haz como uno de estos, como agitar las manos o lo que hagas. Pero estás ahí como director, tú ahí como embajador, si notas a la gente, eso es genial, obviamente, solo sé regular. Pero estás ahí para que la gente se sienta cómoda, sobre todo si eres director de fotografía en tus actores. Cuanto más cómodas sean las personas, mejor van a trabajar. Por lo que hay que crear un ambiente donde la gente se sienta cómoda. A menudo es agradable comer, unos plátanos, un poco de café, y luego ir lentamente a lo que vas a hacer para el día. Un pro tip. Mentir a la gente sobre a qué hora empezar. Porque a la gente le encanta llegar tarde. No sé por qué. Pero a la gente le encanta llegar tarde. En realidad, sí sé por qué llego tarde a veces también, sólo porque la gente es mala a tiempo. Shaheem llegó como una hora tarde, pero no importó porque le mentí sobre a qué hora necesitábamos la puesta en marcha. Pro tip. Cuando todo el mundo está ahí, necesitas hacer una cosa básica.Necesitas decirle a todos cómo se va a ver la corrida por el día. Eso es muy importante porque a la gente le gusta tener una idea de lo que están haciendo y cuánto tiempo va a tomar algo. Siempre que vino uno, di una pequeña charla de animo y les haré saber a todos, primero, queremos estar afuera, vamos a disparar a nuestro tiro maestro. Entonces vamos a pasar a nuestro acercamiento hasta la mayor parte de todo iba a pasar dentro de nuestro primer plano medio. Entonces vamos a disparar cinco tiros, y luego vamos a terminar. Dejé que la gente tenga una idea de lo que va a pasar y luego cuándo van a comer. Porque a la gente en realidad a todo tipo de preguntas molestas en lugar de enfocarse en el arte, pero es como válido para ellos. Pero son como, “cuando viene la comida”. Y yo estoy como, “¿por qué hablas así? una forma muy rara de preguntar por la comida”. Pero van a ser como, “tengo hambre” y yo estoy como, “bien”, y yo soy como “estoy tratando de hacer arte”. Pero de todos modos, si se lo cuentas a la gente antes de tiempo, entonces no te hacen preguntas. Por eso siempre digo que repases lo que estás haciendo. Una vez que repases cómo va a ser la escena, entonces acude a donde esté tu ubicación y habla primero con tu director de fotografía, ¿dónde va a pasar eso? Después comenzarán a encender la escena o a montar la cámara, averiguando qué lente va junto con el disparo. Vamos a hablar de lentes un poco más tarde. Eso es algo técnico importante. Pero le das a alguien esa idea básica de cómo quieres que se vea el primer tiro. mí me gusta usar micros Lavalier y [inaudible] show justo aquí sólo porque esta es una gran filmación, pero muchas veces simplemente grabarás un micrófono al plex solar de alguien, esta área aquí mismo. Puedes hacerlo con cinta gaffe o su especial como hacer cinta que obtienes y luego la enchufa a un receptor externo como un H extranjero, y lo haces con el otro personaje. Me encantan los mics lavalier. A algunas personas no les gusta lav de mics. No entiendo completamente por qué, pero suenan tan bien y realmente le da a tu personaje como un umph a sus voces. Vas a micrófono a la gente antes del disparo y si tienes una persona sana, usa a una persona sana si puedes pagarla, es tan útil, vale, no deberías estar enfocándote en el sonido. No tenía una persona sana, pero eso es porque ya lo he hecho antes y sé cómo hacer micro a la gente. Si también no sabes hacer micrófono hay videos de YouTube, consigue dos amores y un receptor, y luego solo golpeas récord. Entonces aquí viene una cosa realmente importante. Encuentras a tus actores. Las configuras una especie de en el marco donde deberían estar y vas por encima de la cuadra. ¿ Qué es el bloqueo? El bloqueo es dirección básica sobre dónde, gente debe moverse dentro de la escena. Es realmente importante que tus actores entiendan dónde pararse, dónde están sus marcas. A veces ser como, “¿dónde está mi marca en esta escena?” Eso significa exactamente dónde se supone que deben pararse y qué están haciendo. Acción. Para hacer el bloqueo correctamente, que mirar detrás de la cámara y habría que dirigir a los actores para que sepan exactamente dónde están parados en ese rectángulo, por lo que se ve bien. Siempre estás dando notas entre escenas sobre el bloqueo a menudo, pero una vez que un actor lo consigue, lo consiguen. Yo sabía en mi escena que Theo vendría caminando por los escalones, y tú miras a través del encorvado rancio. Entonces se le subiría la cabeza y miraba los ojos con Shaheem. Entonces tuve que asegurarme de que montamos nuestra toma y que Theo camine perfectamente. Pero entonces ahí no estaría fuera de marco o no estaría demasiado lejos en el marco. Fue entonces cuando fui con Theo y monté a Shaheem exactamente donde estaría sentado y qué estaba haciendo. Siempre es importante que la gente sepa lo que está haciendo. Tú como director, tu trabajo es asegurarte de que la gente sepa lo que está haciendo porque estás trabajando con un equipo y eres el jefe de ese equipo.Sí, levantó la paja. Tú el jefe de un equipo.Eso es genial. Tono de habitación, es muy importante que consigas tono de habitación. Esto somos nosotros consiguiendo tono de habitación porque hay una máquina tarareando de fondo. ¿Qué es el tono de habitación? El tono de habitación es de 30 segundos de audio donde nadie está hablando o es solo el sonido ambiental en la escena. Estábamos afuera y pasaban autos, y también a veces hay un avión pasando arriba. Por lo que queríamos conseguir 30 segundos o a veces más de que eso simplemente sucediera, todo el mundo estaría callado y grabas el tono de la habitación o es tono exterior, y tienes 30 segundos de eso. Entonces, cuando estás editando tu película, pones esos 30 segundos en bucle. Entonces eso está detrás de toda la escena. Siempre que cortan a otro como, así que me maquillo por mi tiro ancho y un auto se está acercando y luego cuando llegué a mi tiro medio, el auto no es su viniendo y eso puede ser realmente jarring. Lo que tienes es este tono de habitación detrás de ahí para crear suavizar los cortes entre las escenas. Es muy importante. Necesitas tono de habitación. Pro tip. Te micrófono a la gente, las configuras, vas por encima del bloqueo, tu director de fotografía configura ese primer disparo, asegúrate de que sea exactamente lo que quieres que sea. Entonces ya casi estás listo para batear record, así como como se hacen las películas.No puedes hacerlas sin golpear disco, pero antes de llegar a récord, hay algo que haces. Ya sea tú o tu subdirector, y subdirector solo ayuda a administrar el set y asegurarte de que todo vaya a tiempo. Si no tienes el dinero para uno, eres tu propio director auxiliar, ellos irán frente a la cámara y se irán -. Bastante en set Actores ¿están listos? Se volverán a ellos y les gusta darles un pequeño guiño o algo así y luego se irán. “ Cámaras, ¿están rodando?” Y entonces eso significa que la persona de la cámara toca disco y te dicen de nuevo, "rodando”. Es muy importante que tengas ese intercambio. Sé que eso puede no parecer mucho, pero ha pasado en como grandes sets donde alguien está como, “oops, yo no grabé” eso muchas veces porque no tenían ese intercambio verbal. La otra cosa que dices es,” sonido, velocidad” y van “exceso de velocidad” eso significa que también están grabando. Ambas personas que tienen que hacer lo más importante, que es grabar video y grabar sonido, tienen que confirmarte que están haciendo eso. Una vez que hagan eso, vas, “escena 1, toma 1”. Si es tu primera toma, entonces el aplauso te permite cuando estás haciendo video de postproducción, sincronizar tu audio con el video porque tienes una referencia visual y las manos aplaudirán. Después habrá un pico en el audio, y luego emparejan a esos dos juntos. A menudo la gente va a hacer una pizarra y va a tener esas cosas escritas ahí. Por eso hacen eso. Haces ese aplauso, aunque no tengas que hacer una grabación de audio, solo hazlo de todos modos. Se siente bien. Una vez que configuras la escena y caminas detrás de la cámara, te aseguras de que todo el mundo esté listo y la escena esté tranquila, miras detrás de la cámara. Ese es un gran propina pro. Es una necesidad, debes enfocar toda tu energía y todo tu pensamiento en ese pequeño rectángulo. ¿ Eso qué está pasando ahí dentro? ¿ Cómo se ve, hay demasiada luz por ahí? Ahí es donde tu energía y ahí es donde está tu foco, el rectángulo. A menudo es útil si tienes un monitor más grande, pero si no haces lo que tienes. Una vez que estás mirando detrás del rectángulo, todos se ponen eso es cuando te paras y llamas, 'acción'. Me encanta escuchar eso, se siente bien llamar a la acción.Estás a cargo, tú en el poder. Ahí es cuando empieza la escena, cuando llamas a la acción, y tus personajes pasarán por su escena. Harán el primer run-through y en el primer disparo, que es tu disparo maestro, dejadles hacer toda la escena a menos que lo estropeen por completo. Que vayan y vengan, que lo hagan y que salgan esa energía en esos reyes. Cuando hacen su escena, estás mirando detrás de ella. No los interrumpas. Cuando esté hecho, y este es otro pro tip, date tiempo antes de llamar a corte, deja que esté completamente hecho, y luego llamas 'cortar'. Ahí es cuando todo el mundo deja de grabar. Tan solo date el tiempo para asegurarte de que puedas conseguir más. Por eso esperas un poco para llamar a corte. Esa es tu primera toma. Aquí es donde el arte de ser director ocurre después de tu primera toma. Aquí es donde haces los ajustes. Theo, sé que no estaba parado en el lugar exacto. No estaba centrado por lo que hizo interesante composición para mí. Entonces tuve que repasar otra vez sobre cómo debería hacer su bloqueo un poco diferente. Yo le dije que debía caminar a la vuelta de la esquina y pararse ahí mismo. Yo quería que mi otro personaje, Shaheem estuviera un poco más enfocado en la lectura, sin embargo comprometido con Theo. Entonces estás haciendo ajustes. Estás trabajando con el actor ya sea ajustando bloqueo, estás ajustando la cámara, estás ajustando la cantidad de luz que estás dejando entrar, tal vez escuchas la reproducción del sonido y ajustas tal vez como niveles o donde es micrófono, siempre estás haciendo pequeños ajustes. Eso es lo que hace un director. Es así como haces mejor cada cinta, oyendo. Una vez que tengas todo configurado y exactamente como quieras, haz lo mismo”. Inicio tranquilo” “actores ¿están listos?” “ Las cámaras son velocidad”, “las cámaras están rodando” y dicen, “rodando”,” Velocidad de sonido” .Dicen, “velocidad”. Entonces dices” escena 1, toma 2" y caminas detrás de cámara, todo el mundo se pone listo y llamas, “acción” y vuelve a suceder, simple como eso. Ahora, haces eso hasta que lo hagas bien. Pero la cosa es no puedes pasar para siempre, sobre todo en tu primera toma. Odio perder tanto tiempo porque el tiempo es un recurso finito, estaba a punto de decir infinito, y eso hubiera estado tan mal, debes ser diligente con tu tiempo. 8. Los cinco planos: Revisamos todo lo que haces para tu primer disparo. Pero quiero hablar un poco más del disparo maestro. El disparo maestro es algo increíblemente importante en el cine. tiro maestro es el tiro ancho que permite que suceda tu escena completa. Eso significa que estás viendo a tus dos personajes en esta amplia toma. Como simplemente actuar toda la escena que está pasando, y siempre comienzas con esta toma porque digamos que algo terrible pasa como una vez que tuve de respaldo de autobús durante 45 minutos. Yo era un camión en realidad durante 45 minutos y no pudimos conseguir audio limpio, pero me dieron una toma maestra que estuvo bien o tal vez estabas retrasada y solo tenías tiempo de conseguir una toma de una escena. Si consigues tu tiro maestro, al menos tienes tu escena que es un pro-tip. Asegúrate de conseguir primero tu tiro maestro. Periodo. Yo sin embargo, no me encanta usar tomas maestras para hacer la mayor parte de mi cineasta. A mí me gusta la mayoría de las escenas que estoy haciendo, sobre todo entre personajes para que sucedan en sus tomas singulares que es igual que medio o medio ancho o cerca de uno de los personajes. Porque hay más edición que se me permite hacer, más variantes y tomas. No paso mucho tiempo extra en mi tiro maestro. Si no termina perfecto, está bien. No cada pedacito de ella necesita fluir exactamente a la perfección. Acabas de montar este tiro y ese siempre va a ser tu primer disparo pero al mismo tiempo, quizá quieras perfeccionar el tiro maestro de aspecto. Woody Allen hará sus escenas, sostendrá, solo tendrá escenas enteras y un tiro maestro realmente bellamente bien iluminado, y simplemente dejó ir a sus actores. Todo depende de lo que estés haciendo y cuál sea tu visión para mí y para la escena que hicimos aquí hoy, no quería enfocarme en el disparo maestro porque no era ahí donde el grueso de la escena sabía cómo quería lucir y edición. No es ahí donde quería enfocarme. Yo quería estar ahí con el único personaje principal. Tomas maestras. Son importantes. Ahora, la secuenciación de tus tomas, eso va de la mano con por qué disparas primero a tu tiro maestro. Entonces dispara a nuestro tiro maestro y luego nos acercamos más. Te mueves más y más cerca de tus personajes. Entonces el segundo disparo que hice en la película, quería tener un primer plano medio sobre Theo. Este por mucho fue el disparo más importante de la pieza porque Theo tuvo la mayor parte del diálogo. Él era la persona que conducía esta escena y yo quería que tuviera mayor tiempo posible en esta toma para probar cosas nuevas. Entonces es ahí donde pasé la mayor parte de mi tiempo, y una vez que conseguí ese disparo y toqué ese segundo, porque una vez que conseguí eso, supe que mi escena podría ser buena y supe que era realmente buena porque Theo hizo una increíble trabajo en ese tiro y ahí es donde se iba a llevar a cabo la mayor parte de mi corte. Planeo eso como mi segundo disparo solo para asegurarme que conseguimos eso y tuve el mayor tiempo posible haciendo eso. Después de eso, porque estábamos justo ahí y estábamos usando la misma lente para el tercer disparo, acabamos de hacer los primeros planos de Theo. Todo lo que literalmente tenía que hacer era mover la cámara allí. Entonces ese fue mi tercer disparo. Después volteamos la cámara y llamamos a eso un disparo, disparo inverso, y nos dispararon Shaheen medio disparo, el que corresponde con el segundo disparo de Theo. Principalmente cuando actúan de ida y vuelta, vas a ver a Shaheen en ese tiro medio. Esa fue una toma importante, pero no fue como si fuera un personaje central para la historia, pero no tuvo tanto diálogo. Puedo hacer que vaya tras disparos de Theo tiene medio, de cerca medio. Después le disparamos a su cierre. Esa fue la mayor parte del cine. Periodo. Ese fue el grueso de nuestros tiros. Fue una película de cinco tiros. Tenemos todo ahí dentro y sólo pude sacar su medio de cerca y luego simplemente moverme un poco más simple. Una vez más, el tiempo es un recurso finito en un plató de cine, debes poder pasar y planear juiciosamente lo que vas a pasar tiempo haciendo. 9. Dirigir a los actores: Actores dirigiendo. Esto es parte crucial de la realización cinematográfica. Tienes que asegurarte de que se sientan cómodos y se sientan bien con lo que están haciendo. Por lo que siempre bombo a la gente. ¿ De acuerdo? Estás ahí como director, tienes que mantener las cosas positivas. La mayoría de las personas no funcionan bien con retroalimentación negativa. No vayas, "me gusta lo que estás haciendo, pero ¿crees que podemos hacerlo sólo con un poco más de pasión?” Eso no es útil. ¿De acuerdo? Porque el pero en esa cláusula negaba todo lo que venía antes de eso. Nadie oye que me gusta lo que estás haciendo. Simplemente escuchan el pero, y luego la retroalimentación negativa. Entonces yo diría que tome el acercamiento sobre todo como director de sí, ¿de acuerdo? Me gustó lo que estabas haciendo. Realmente golpeamos algunas notas importantes ahí y me pregunto esta vez, un poco más ardiente, dame un poco más de pasión, pero mantén la pasión en tus ojos. Yo quiero que realmente sientas eso. Entonces así es como me encanta dar retroalimentación a la gente, incluso si es mi director de fotografía o para mis actores. Siempre estamos tratando de mantener algo positivo. Eres el líder, este es un proceso divertido para hacer una película, mantenerla positiva. Aunque lo finjas, [inaudible] intenta no fingir. Pero necesitas ser el inicio del líder. Entonces he tenido un número de veces en las que un actor realmente se pone abajo sobre sí mismo o algo pasa, y alguien simplemente no está ahí y no está presente. Entonces aquí está mi pro- tip en este escenario. Tire a alguien a un lado, tómese un poco de tiempo si no está ahí, no está presente, tenga una conversación con ellos, interactúe con ellos. Ser director no se trata solo de ladrar tus órdenes. Se trata de escuchar a otras personas. Así que deja que alguien hable, que esté presente, y luego ayúdalo a redirigir cualquier energía, ya sea que estén nerviosos o estén tristes en su proceso. Eres como un Maestro Tai Chi. Estás ahí para redirigir la energía y dejar que la gente sea libre. Entonces ese siempre es un buen consejo que te puedo dar para que solo acorralen la energía en un set. Una de las notas más grandes que casi siempre vas a tener que dar a los actores es, van a ser un poco grandes en sus gestos o hacer algo realmente grandioso, y la mayoría de las veces un director siempre tiene que ser como, ¿ puedes hacerlo un poco menos? Eso no es realmente útil. Lo que necesito que digas es ser más específico. Entonces si sus manos se mueven demasiado, voy a ellos y les diré algo realmente simplemente como “¿Puedes hacer eso pero más en tus ojos”. Toma esa confusión en lugar de que mires a tu alrededor así. Simplemente mantén tu cuerpo enfocado y aún así solo muéstrame eso en tus ojos. Tienes que poder dirigir a los actores y ser muy específico sobre lo que quieres de ellos. Si les estás pidiendo que hagan menos, diles que hagan menos, pero que tengan un enfoque. ¿ De acuerdo? La otra cosa es, siempre es importante que un actor tenga algo que hacer. Entonces si estoy nerviosa o si estoy haciendo una escena, siempre es útil hacer algo con un utilaje. Eso me quita hacer como actor, esto como gesto grande, donde estoy nervioso y soy como [inaudible]. Eso es un acto de alto nerviosismo. En cambio, en realidad puedo ponerlo en un detalle visual. No hice una gran cantidad de dirigir en el tiro maestro porque sabía que no era allí donde iba a pasar la mayor parte de mi tiempo. Hice mucho de mi dirección en el primer plano medio. Por eso estoy detrás de la cámara. Yo los estoy mirando y dejo que la escena simplemente pase. Algunos directores, llamarán a actores bastante de inicio que estén listos, escena uno, tomen una acción. Si algo se estropea van a cortar y van a rehacer lo mismo una y otra vez. Yo no hago eso. Eso lo convierte un poco más en una perra para el editor porque tienen las cosas del catálogo. Dejé que la cámara solo siga rodando. Entonces después de que mi actor en el cierre medio, hay tiro importante que sé que van a hacer mucho de la actuación en, hace una cinta llena. Entonces empiezo a dirigirlos mientras la cámara está rodando. Entonces voy a estar como, —Theo, vuelve a intentar esa línea, intenta eso un poco diferente, intenta que tal vez un poco más en tu cuerpo. Quizá use menos manos”. Entonces les dejaré hacer como dos líneas o algo así, y luego las interrumpiré porque sé cuando estoy editando, todo lo que necesito son las dos o tres líneas, y luego voy a cortar a otra cosa. Voy a cortar al otro personaje. Por lo que se puede interrumpir a un actor para una especie de ayuda, coaxarlos para obtener una mejor actuación. De esa forma no tienes que esperar hasta el final de la escena y ser como, Jack, ¿puedes cambiar esto? No puedes simplemente cambiar eso. No. Quieres asegurarte de que esté pasando. Bueno, ya ha pasado, pero también les das antes la libertad de hacer la escena completa porque a algunos actores les gusta meterse en un ritmo. Todo depende de con quién estés trabajando. Pero cuando estoy dando notas, soy muy específico. Estamos probando cosas nuevas, pero también estamos tratando de asegurarnos de que lo estamos consiguiendo de una manera. Entonces a veces la actuación es un poco más grande y yo estoy como si ir por eso o a veces como bastante hecho, y estamos pasando por la escena. Una vez que hacemos lo suficiente aparte, sólo pasamos al siguiente par de líneas. Es así como estoy dirigiendo a mis actores, realmente les estoy dejando libre fluir y trabajar con ellos pero dándoles una dirección específica al mismo tiempo. Sé específico. ¿De acuerdo? Además, a veces es realmente agradable tener como lenguaje florido o puedes darle a un actor algo así como, quiero que seas más como un tigre enrollado cuando estés haciendo la escena. me encanta. Yo también soy actor a veces. Entonces cuando alguien me permite sólo tener esta interpretación poética de las palabras en la escena. De verdad te puede gustar que me marcharon. Eso es un pro- tip. Sé poético. Como actor, no me des demasiada información. Tan sólo un poco a la vez o dos cosas a la vez y déjame entrar. ¿ Qué hay ahí dentro? Una buena toma. ¿ Por qué? Porque me diste espacio para balancear a un gato. Eso es lo que siempre digo, necesito un poco de espacio para balancear a un gato. Ahí hay una pequeña marca que dijo que una vez y yo uso esa línea. Que es que necesito un poco de espacio. Además, dejé que mis actores improvisaran asunto. Pero, probamos las escenas una vez tal como son, pero luego le permito que él o ella o ellos hagan la escena de la manera en que sienten que les está golpeando en su momento. Eso da espontaneidad. Nunca se sabe qué pasa cuando alguien mejora. Siempre estás probando cosas. ¿ De acuerdo? Otra nota importante sobre la actuación. Muchas veces, la gente sobrescribe cosas y no necesitas diálogo. Por lo que casi siempre tendré a mis actores a una de sus líneas de manera no verbal. tomas no verbales podrían ser simplemente como estoy cabreado contigo o IIe-cubo que es tan bueno como la cara enojada o me encantan los cubitos de hielo cara enojada. Al igual que de eso entiendes que estoy cabreado contigo contra que yo sea como, “estoy cabreado contigo" No necesitas las palabras. ¿ De acuerdo? No verbal. Aquí está toma verbal de ti huele mal como “Hueles mal. Versus como. ¿Está bien eso? Sí, así que podría ser como si estuvieras bien o podría ser como, fue esa mala actuación. Yo soy incapaz de hacer eso. Por eso haces tomas múltiples porque soy un buen actor, pero al menos me gusta pensarlo, pero a veces no soy increíble. Algo en la línea de eso. Cuando tengas esa toma no verbal, puedes usar eso en tu edición. Apuesto a que vamos a usar muchas de las tomas no verbales al igual esta cosa de ida y vuelta porque tanto se puede comunicar no verbal que crees que necesitas palabras para. No necesitas palabras para todo. ¿ De acuerdo? Actuación no verbal. Son mis cosas. Ese es otro pro tip. Asegúrate de obtener una toma de todo de manera no verbal. 10. Lentes y estilo visual: Lentes, son importantes. Cámara DSLR VF, tienes la capacidad de cambiar diferentes lentes. Diferentes lentes dan un efecto diferente, y es muy importante que entiendas el efecto de cada uno. Tal vez te estés diciendo a ti mismo, Julian o chico malo, Julian, ¿qué necesito saber de las lentes? Yo sólo soy el director. Eso es lo que se supone que está haciendo ese tipo o chica nerd detrás de la cámara, y yo soy como, no. Las lentes son una parte integral de cómo realmente haces que tu escena luzca bien. Te voy a dar un par de notas sobre cómo me gusta que se vean mis lentes. A mí me gustaría apretado. Soy un explicar lo que todo esto significa porque sí suena confuso al principio. Me gustan las lentes ajustadas, largas con un f-stop bajo y una amplia profundidad de campo abierta, poco profunda. A lo mejor estás confundido, a lo mejor sabes de lo que estoy hablando. Realmente simplemente poca profundidad de campo es cuando hay menos cosas y enfoque, punto. Un enfoque más profundo significa que hay más cosas y enfoque, punto. Eso es todo lo que necesitas saber. Las lentes anchas te permiten capturar un poco más ancho de la escena. Pero no me encanta usarlos, pero a veces hay que usarlos. Por ejemplo, los uso en la escena que rodamos hoy porque quería conseguir una toma ancha de toda mi calle y poder ver los escalones marrones. A veces me encantan mis tomas anchas, y así necesitas una lente que sea un poco más ancha, y es decir, en cualquier lugar entre 10 milímetros, que era como una lente ojo de pez. Se ve como una habitación entera a unos 24 milímetros donde está un poco más adentro y todavía se ve una habitación amplia. Dos, lentes ajustadas, lentes más ajustadas son unos 70 milímetros y en arriba hasta un 100 milímetros, están mucho acercadas. momento, esta lente es de 85 milímetro. Me está acercando y puedes llegar hasta 200 milímetros hasta 300, incluso más que eso. Esas son esas lentes teleobjetivo súper largas. En realidad me han encantado los looks de esos. Yo los amaría, los amo.. Me encanta volver a usar lentes largas en eso un poco más allá. Estábamos en silencio con nosotros, eso sucede en las películas por cierto. Dije que me gusta usar lentes ajustados. ¿ Por qué? Aquí hay una cosa de la vena. A veces estoy en cámara, cuanto más apretada es la lente, las caras más delgadas. En realidad disparan a modelos de trajes de baño solo con lentes de tipo largo como esa. Ahora mismo estoy veta. Estoy a 85 milímetro mi cara está menos gorda. Voy por aquí mismo. De verdad creo que en realidad hace que la gente se vea mejor. Cuando tengas una lente más ancha, imagina que hace que tu cara sea un poco más ancha. Cuando tienes una lente más ajustada, trae cosas. Lentes largos ajustados. Eso es en cualquier lugar desde un 50 milímetros en adelante. Cuanto más apretado vas, más te trae a la escena y más eres capaz de hacerlo, enfoca exactamente de qué se trata tus escenas. Te permite tener más obstrucciones en tus escenas y puedes tener como una cosita poco difusa en la esquina y eso le da profundidad a tu imagen. Me encanta la profundidad de campo superficial, sobre todo para primeros planos. Porque cuando tienes poca profundidad de campo, cuando las cosas están borrosas detrás de tu personaje, solo te estás enfocando en el personaje. No estás enfocado en todas las demás cosas que hay por ahí. Simplemente estás mirando a esta persona y realmente crea un look cinematográfico interesante también. El dificultad con eso es que a veces las cosas estarán dentro y fuera de foco. Tienes que asegurarte de que tu DP claramente se ha enfocado y entonces tu actor no se está moviendo demasiado dentro y fuera de foco. Es muy importante que entiendas. Pro tip es que el bloqueo corresponde con lo poco profundo, cuánto enfoque y cómo está el sujeto en tu escena. Pero diré que a algunos DPs no les gusta arriesgarse así. Quieren más cosas en foco. Estaba pensando que eso es cursi y no hace que se vea bien. Realmente no me gusta eso. Siempre sugiero tomar más riesgos, tomar más riesgos, mantener la escena, te disparan en una profundidad de campo poco profunda. Nota, si estás trabajando en un iPhone, no tienes esa habilidad. Un iPhones es un iPhone porque solo tiene una lente y mantiene todo enfocado. Tienes unas lentes variables en las cámaras DSLR para que puedas tener diferentes focos y diferentes tipos de efectos de lente. No tienes eso en el iPhone. Creo que el nuevo iPhone tiene como tres lentes, pero no lo son. lo que estoy hablando, dónde puedes meter cosas dentro y fuera de foco. Focus te permite enfocarte en lo que es importante. 11. Outro y recapitulación del proyecto: Yo quiero dejarte con esto. Es realmente simple, tengo un mensaje realmente simple que es que puedes hacer esto por cualquier medio necesario. Hazlo con un teléfono, hazlo Fue una cámara, hazlo con lo que tengas. Tienes esto en ti. Todo lo que tienes que hacer es ser apasionado, averiguar los detalles y simplemente ir por ello. No pienses demasiado. Traté de pensar lo menos posible. Por eso soy un poco tonto. Pero como, gente tonta consigue cosas hechas. Los pensadores por encima siempre son como [inaudibles] y pienso demasiado a veces también. Entonces no estoy enojado si eres un pensador sobre. Pero solo sal por ahí y hazlo y diviértete un poco. Hacer creer, disfrutar de estas cosas. Hacer películas es genial. Estoy orgulloso de ti. Hagamos esto. Este es el momento en el que hablamos del proyecto de clase. Vamos a disparar a la cosa. Ya has escrito tu guión, entiendes la base de dirigir, y ahora, estamos listos para ir a hacer una película. Diviértete con él, labra el tiempo. Haz todas las cosas que te he esbozado antes en este proceso y solo disfruta el proceso de hacer cine. Estás haciendo que pase algo que acaba de existir en tu cerebro. Entonces todos pueden ver esto. Esto va a ser impresionante. Estoy orgulloso de ti. Hacer la película. También tenga en cuenta que esta no es realmente una clase de edición, pero vas a necesitar editar esto en ciertos puntos. Por lo que recomiendo que haya tantos tutoriales de edición en línea y doy una breve imprimación sobre los fundamentos de la edición en mi primera clase. Es decir, Dope películas de bajo presupuesto. Muy bien, que tengas un gran día. Disfrútalo. Haz esa película. Hiciste tus cinco tomas, hiciste una película. Se llama envoltura. Estoy muy orgulloso de ti. Sí, esperemos, disfrutaste esto porque estoy súper metido en el proceso de hacer películas. Simplemente estoy feliz de poder compartir con ustedes lo que me importa tan profundamente. Si tiene alguna pregunta o comentario o inquietud, me encantaría escribirle de nuevo. Así es como escribo. En general estoy emocionado de escuchar o ver cualquiera de estas cosas y solo de comprometerme más contigo. Entonces yay, levantando el techo otra vez. Levantaré el techo. Outro, este es tu outro, y estoy levantando el techo. Lo siento mucho, ya no voy a levantar el techo. Se ha levantado lo suficientemente alto. Está bien, ya terminé. Diviértete.