Práctica profesional en la ilustración: Sigue un resumen creativo y ejecuta un proyecto

1. Introducción: Me llamo Lisa Congdon, y soy ilustradora profesional y artista fina. No empecé a hacer arte hasta que tenía 31 años, y eso sucedió porque estaba trabajando en un trabajo realmente estresante y necesitaba algo para aliviar mi estrés. Entonces, tomé una clase de pintura, y en esa clase de pintura me enamoré de la pintura. Alrededor del 2005, empecé un blog y me uní a Flickr. De repente, empecé a conseguir consultas, como ¿Puedo comprar eso? ¿ Vendes tus cosas en cualquier lugar? ¿ Te gustaría ilustrar esto para mí? ¿ Te gustaría tener un show en mi galería? Yo estaba como, Oh! Espera un segundo. A lo mejor me estoy convirtiendo en artista. Nunca había pensado realmente en mí misma de esa manera. Era algo que estaba haciendo por diversión. Entonces, eventualmente dejé mi trabajo y empecé a hacer arte como profesión de tiempo completo. Constantemente me quedaba sin dinero al principio y luego empecé a averiguar todas las diferentes formas en que puedo ganarme la vida. La ilustración fue una de ellas. También empecé a enseñar las cosas en las que me estaba poniendo bien. Entonces, es convocar un ingreso de montones de fuentes diferentes y yo llamo a eso en mi libro, Art Inc. Diversificando tus ingresos. Se lo recomiendo mucho. Esta clase se centrará en el proceso de inicio a fin de un trabajo típico de ilustración. Advertencia aquí, cada trabajo de ilustración, como pronto descubrirás, es muy diferente en muchos sentidos. Pero hay una fórmula de cómo funcionan en general. Entonces, de eso vamos a estar hablando. Esta clase es para ilustradores iniciales en su mayor parte. Personas que están capacitadas en ilustración pero apenas empezando en cuanto a trabajar con clientes. También podrías ser un aspirante a ilustrador, alguien que piensa que podría querer ser ilustrador pero quiere saber un poco más sobre cómo es el costo de la ilustración. Podrías ser un artista experimentado que ha trabajado en otras partes del mundo del arte pero realmente está interesado en entrar en la ilustración comercial como una corriente de ingresos. Entonces, las clases realmente para cualquiera que encaje en cualquiera de esas categorías. Es importante recordar que a veces hay varios candidatos para un puesto de trabajo. Eres una de muchas personas en el director de arte está mandando un correo electrónico así que quieres causar una impresión realmente buena. La información que te voy a enseñar en esta clase te ayudará a saber exactamente cómo comunicarte con el director de arte, qué preguntas hacer. Cuanto más conocedor seas, más probabilidades tienes de conseguir el trabajo. En última instancia, eso es lo que queremos como ilustradores, es conseguir el trabajo. 2. Proyecto: ilustrar la portada de un libro a partir de un resumen creativo: El proyecto para esta clase está ilustrando una portada de libro para Los tres cerditos basada en un breve creativo. Esta clase se trata realmente de entender el proceso de aceptar, trabajar y completar un trabajo de ilustración. Bueno, quiero que te diviertas mucho con la asignación y crees una ilustración impresionante realmente inteligente. Enfócate menos en eso y más en demostrar que entiendes el proceso, incluyendo escribir un correo realmente genial al director de arte haciendo preguntas, que vamos a repasar, y entender cómo hacer bocetos en bruto y practicando eso si no es algo que normalmente haces, luego llevar uno de esos bocetos a la obra de arte final. Ser ilustrador no se trata solo de hacer obras de arte geniales. Esa es una parte realmente enorme y es parte de por qué la gente te contratará para trabajos, pero también te contratarán porque eres un buen pensador crítico y solucionador de problemas, eres bueno con la gestión del tiempo, eres un gran comunicador, haces buenas preguntas, y sigues bien la dirección. Todas esas son habilidades realmente, realmente, realmente importantes para que los ilustradores tengan. Esta asignación te dará una idea sobre cómo se ve un trabajo de ilustración típico de principio a fin. En esta clase, aprenderás: qué hacer cuando llegue el correo electrónico del director de arte a tu bandeja de entrada; todo sobre el breve creativo, qué es, cómo leerlo, y cómo determinar si estás listo para el trabajo; cómo comunicarse bien con el director de arte o editor, cómo hacer preguntas, y qué preguntas hacer para asegurarse tener toda la información que necesita para comenzar el trabajo; cómo comenzar el trabajo, incluyendo entender la cita, “fase aproximada”, concepcionar ideas y hacer cualquier investigación necesaria y renderizar bocetos en bruto para el cliente; cómo comunicar tus conceptos o bocetos en bruto al cliente; cómo tomar retroalimentación y cómo hacerlo profesionalmente, y por qué es importante saber que el cliente no siempre tiene la razón; y finalmente, sobre la representación de la obra final utilizando el boceto en bruto aprobado. A lo largo de la clase, puede que esté usando términos que no le son familiares. Algunas de ellas son jerga de la industria o palabras que solemos usar, y haré todo lo posible para definirlas para ti a medida que pasemos por el material. Para esta clase, necesitarás, lo que sea que utilices para tu medio artístico. Tu ilustración podría ser renderizado y escaneado a mano, podría ser digital o una combinación de los dos. Necesitarás un escáner si trabajas a mano. Necesitarás una herramienta de procesamiento de textos para compartir tu email de muestra al director de arte, puedes subir una captura de pantalla o un PDF, y por supuesto, necesitarás una computadora. Dependiendo de tu nivel de experiencia y tu medio artístico, este proyecto debe tardar en cualquier lugar de dos horas a ocho horas en completarse. Una de las cosas principales que quiero que recuerdes de esta clase es que tu profesionalismo y excelentes habilidades de comunicación son tan importantes como tus habilidades artísticas cuando eres ilustrador. Una de las cosas más complicadas en esta clase va a ser tener la confianza para compartir tu trabajo. Estamos configurando una situación en la que probablemente vas a obtener algunos comentarios sobre tus bocetos o tu ilustración final de algunos de tus compañeros y posiblemente de mí, y parte de ser ilustrador es obtener retroalimentación e integrar en los cambios que realizas. Cuando eres ilustrador, es realmente importante no tomarte las cosas personalmente y pensar retroalimentación como algo que va a ayudar a que tu trabajo mejore y que hagas un mejor trabajo en la tarea, no como algo que usas para reprenderte y hacerte sentir mal porque no eres lo suficientemente bueno. Si estás atascado, te animo a que vayas al foro de clase y hagas preguntas a la gente que también está tomando la clase y a mí, y haré todo lo que esté en mi mano para volver contigo. También te animo a usar a tus amigos y familiares para ayudarte a trabajar a través cualquier bloque creativo que tengas mientras trabajas en tu ilustración. Estas son las cosas que debes subir a la galería del proyecto, una captura de pantalla o PDF del correo electrónico de respuesta al director de arte con tus preguntas sobre el breve creativo, dos bocetos en bruto para la portada de Los tres cerditos, y una portada final para Los tres cerditos que se basa en uno de tus bocetos en bruto. Lo que hará que tu proyecto sea genial versus bien es tu visión única del breve creativo, infundiendo realmente tu propia creatividad y pensamiento único ahí dentro, y tu demostración de comunicación realmente profesional con el director de arte. Podría sentirse intimidante, si nunca lo habías hecho antes, publicar tu trabajo en el área de asignaciones, pero recuerda, aprendemos haciendo y experimentando y tomando riesgos, y no puedo esperar a ver que ustedes suban con. 3. El resumen creativo: Por lo general, cuando recibes un correo electrónico de un cliente o de un director de arte, obtendrás lo que se llama un breve creativo. Puede que no se refieran a ella como un breve creativo y eso realmente no importa. Lo que importa es que obtienes un párrafo al menos de información sobre el trabajo. Por ejemplo, una breve descripción del trabajo, qué es lo que les gustaría que ilustraras, cuándo es debido. Cualquier otra especificación importante sobre el trabajo. Por ejemplo, necesita ser entregado en forma vectorial en lugar de como un archivo de Photoshop. A lo mejor información sobre por qué te eligieron para el trabajo, y por qué piensan que eres un buen ajuste y un montón de otras minutiae interesantes. Cuando recibas el breve creativo antes responder al correo del editor o director de arte, quieres hacerte las siguientes preguntas. ¿ Puedo ejecutar este trabajo dentro de mi conjunto de habilidades en base a la información que me han dado? ¿ Me suena interesante este trabajo? No quieres tomar un trabajo sobre todo un trabajo largo que no suena como que va a ser muy divertido. ¿ Tengo tiempo en mi horario para cumplir con el plazo? Esto es realmente, realmente importante y por último, ¿me siento cómodo con la tarifa? Asumamos por el bien de esta clase, que la tarifa que sugerimos en el breve creativo está bien contigo. Si bien es importante como ilustrador sacarte de tu zona de confort y aceptar trabajos desafiantes, nunca quieres aceptar un trabajo que no esté en tu conjunto de habilidades. Es decir, si no tienes la habilidad técnica artística para ejecutar un trabajo, nunca quieres tomarlo porque están contando con ti para realmente hacer la obra y completar el plazo. Esto es particularmente importante para los empleos de larga duración. Recuerda, la ilustración es realmente divertida, pero es un trabajo, y es mucho trabajo duro. Quieres tomar un trabajo que te suena interesante, y no suena espantoso ni aburrido. Cumplir los plazos es realmente importante en el mundo de la ilustración. La mayor parte de lo que estás haciendo está apegado a otra línea de tiempo más grande del editor o de la empresa para la que estás trabajando. Entonces, tu habilidad para hacer el arte y la cantidad de tiempo que están sugiriendo es realmente, realmente importante. Una vez que lees el breve creativo y te haces esas preguntas, quieres averiguar qué pasa si estas preguntas ya están respondidas, y sobre cuáles necesito pedir más información. Entonces vas a componer un correo electrónico al director de arte que sea educado y profesional y puntual y por pronta quiero decir, respondió en un plazo de 24 horas, que expone todas las preguntas que tienes sobre la asignación. También sugeriría que si estás interesado en tomar el trabajo, lo dejes claro en tu respuesta inicial. A veces y en realidad muchas veces, recibirás un breve creativo de un editor o de un director de arte, y no tendrá toda la información que necesites. Algo importante a recordar es que los directores y editores creativos suelen ser personas muy ocupadas haciendo malabares con muchos proyectos a la vez. Entonces, su breve creativo, no tiene la información que necesitas. No porque sean ineptos o perezosos sino porque son simplemente personas muy ocupadas, y no tienen tiempo para entrar en los detalles de un proyecto inicialmente. Sepa que realmente apreciarán sus preguntas y su inquisitividad sobre el proyecto. propósito he elaborado un breve creativo para ti que no tiene suficiente información. Entonces, empieza a pensar en todas las preguntas que tienes para el fingido o director en esta asignación. Hablemos por un segundo de lo que hace un correo electrónico profesional. Siempre quieres tener un tono positivo en tu correo electrónico, y quieres empezar con un saludo. Entonces, el correo electrónico debe ser formal pero amigable con seguridad. Por saludo quiero decir, querido tal y tal o hola tal y tal. Siempre empiezo agradeciendo a la persona por enviarme un correo electrónico y por su interés en mi trabajo y eso va sin importar si creo o no que voy a tomar el trabajo o no, siempre se quiere expresar gratitud y entusiasmo porque es más probable que esa persona te vuelva a contratar, cuando estés disponible o cuando sea el trabajo adecuado para ti, si has expresado una buena cantidad de interés inicialmente. También revisaría tu correo electrónico varias veces por tipografías y estructura de frases y gramática. Cuando estés componiendo tu lista de preguntas para el director de arte, asegúrate de que se expresen de una manera que sea, por falta de una palabra mejor, diferencial. Entonces, quieres tratar al director de arte con mucho respeto y como la persona que tiene más experiencia y conocimientos que tú. Entonces, el tono de tu correo electrónico y de tu pregunta debería reflejar eso. En esta primera parte de la asignación, vas a componer una respuesta de correo electrónico pretendida al director de arte para el resumen creativo pretendido, para la portada del libro de Los tres cerditos. De nuevo, quieres asegurarte de escribirlo y o bien tomar una captura de pantalla de la misma, o hacer un PDF del mismo. Cualquier cosa que puedas subir al área de asignación. Para que tus compañeros de clase y yo podamos leer tu correo electrónico, y aprender de cuál es tu perspectiva. 4. Dibujar: Una vez que hayas enviado tu correo electrónico con tu lista de preguntas sobre la asignación al director de arte, inevitablemente recibirás una respuesta y no te preocupes si no llega de inmediato. Como dije, los directores de arte suelen ser personas muy ocupadas. No es que estén molestos por tus preguntas. Una vez que consigues que respondan tus preguntas, y de nuevo esto puede tomar unas rondas de ida y vuelta de enviar un correo electrónico con el director de arte, en realidad puedes decidir que no estás listo para el trabajo o que no tienes tiempo o no tienes las habilidades para entregar. En cuyo caso, se quiere declinar cortésmente. Más que probable, sin embargo aceptarás el trabajo y la siguiente fase es comenzar con concepciones y bocetos en bruto. Hay dos palabras que se utilizan indistintamente en la industria de la ilustración que esencialmente significan lo mismo, uno son bocetos y el otro son roughs. Creo que todos sabemos lo que es un boceto, y voy a dar un poco más de información en un minuto sobre lo que queremos decir por bosquejar como corresponde a la ilustración. Hay un término que también usamos y se llama áspero, y áspero en este caso no significa desordenado o a medias. Significa un esbozo visual realmente básico de lo que es tu concepto, y es como en cuarto grado cuando aprendiste a hacer un borrador aproximado de tu ensayo. Es una idea similar. A menudo, cuando obtienes una asignación de ilustración, el director de arte te dirá exactamente lo que quieren que dibujes. Esto no sucede muy a menudo, pero en realidad suele ser la forma más fácil de completar un trabajo de ilustración porque no hay que pasar por la fase de concepción, que hablaremos en un segundo. Conseguí un trabajo una vez muy temprano en mi carrera donde la directora de arte literalmente dibujó un cuadro de lo que ella quería que dibujara un cuadro, y esa ilustración en realidad nunca llegó a entrar en mi portafolio porque en realidad no me gustó dibujando mucho. Pero sabiendo lo que sabía entonces, era como supongo que esto es lo que tengo que hacer. Entonces lo hice y ella estaba contenta con ello y cerramos el trabajo. Pero la mayoría de las veces, eso no sucede. De hecho, hay que utilizar mucho la resolución de problemas y el pensamiento creativo para concepcionar lo que vas a dibujar para las ilustraciones. La mayoría de las veces también, vas a estar conceptuando más de una idea. Parte de la razón por la que te están contratando es por tu pensamiento creativo y tu ingenio, no solo por tus habilidades de dibujo. Entonces, quieren saber cómo piensas que algo debe ser ilustrado. Esto es particularmente cierto en los trabajos editoriales de revistas y periódicos. Te enviarán la historia y quieren que pienses de una manera creativa que se pueda ilustrar la historia o un punto en particular de la historia. A menudo, cuando tu trabajo es conceptuar varias ideas para que el cliente elija, vas a necesitar hacer alguna investigación. Por ejemplo, ilustré un libro para un cliente una vez que se basaba en como la década de 1920 No había muchas fotografías de archivo de ese periodo que pudieron ofrecerme para el contexto del libro, así que tuve que hacer mucho investigación sobre cómo veía el mobiliario en ese periodo de tiempo, qué vestía la gente, cuál era una forma típica de moverse por la ciudad, y eso realmente me ayudó a desarrollar mis ilustraciones. Es posible que también necesites conceptuar lo que ya se ha hecho sobre este tema por otros ilustradores o leer sobre el tema en particular que estás ilustrando, ya sea el material que te están enviando o haciendo tu propia investigación. Por lo tanto, la investigación suele ser una gran parte de la concepción y la ilustración. Puedes acercarte a tus bocetos como quieras, pero la mayoría de las veces, los clientes te dejarán a ti decidir si usas lápiz o bolígrafo o si trabajas digitalmente, cuánto detalle quieres incorporar en tu áspero. Pero recuerda, no debería parecer una ilustración final. No quieres ir a toda la molestia para desarrollar arte final que tenga detalle en color cuando tal vez tengas que volver al tablero de dibujo y empezar de nuevo. Entonces, por eso hacemos bocetos ásperos, es como un esfuerzo mínimo para tratar de que la idea pase a través. Una vez aprobado un boceto, es posible que quieras agregar más detalle antes de ir a color para asegurarte de que tienes todos los elementos correctos. Pero en su mayor parte, nos estamos quedando súper simples. Por esa razón, suelo bosquejar lápiz si es algo que finalmente voy a pintar. De hecho, a veces incluso hago mis bocetos en papel de acuarela para que literalmente pueda hacer la obra final encima de mi boceto, para que la composición aprobada sea exactamente la misma en mi final como en mi boceto. Si estoy haciendo un dibujo de línea o algo que va a terminar en forma digital, veces bosquejo en lápiz negro y luego agrego color más tarde o escaneo y manipula en Photoshop. Pero de nuevo, la idea es súper simple para bocetos y roughs. En el breve creativo, una de nuestras tareas es ilustrar la portada de los tres cerditos de una manera que muestre algunos elementos de la historia. Es posible que tengas en tus correos electrónicos o que el director de arte haya conseguido aún más información sobre exactamente qué elementos les gustaría que destacaras, pero supongamos que te lo van a dejar a ti. Simplemente quieren que tu ilustración haga referencia a símbolos o elementos de la historia, y lo sabemos en los tres cerditos. Si no conoces la historia o si no la recuerdas, está incluida en el breve creativo, así que asegúrate de leerla. Tenemos cuatro personajes esencialmente, al menos en esta versión. Tenemos a los tres cerditos y tenemos al gran lobo malo. Entonces, esos son algunos elementos simbólicos que quizá quieras incorporar. Creo que los cerdos son los más importantes. También tenemos tres casas que habían construido cada una con diversos materiales, e ilustrar esas casas es otra forma de incorporar el simbolismo de la historia. Podría haber otro tipo de formas de modernizar la historia en las ilustraciones. He visto a la gente ilustrar a los tres cerditos como arquitectos o de otras maneras. Entonces, sé creativo, piensa fuera de la caja sobre cómo esbozas tus ideas. me ocurrió dos ideas diferentes, no son las ideas más brillantes que he tenido, pero definitivamente hacen referencia a la historia y elementos de la historia. Entonces, el primer boceto que hice, he decidido incluir el simbolismo de la casa e incluir los tres cerditos y luego dividí la casa en tres secciones. Creo que el primer cerdo usa paja. Creo que en la obra final, realidad quizá quiera asegurarme de que esto se parezca más a paja. Este tipo pintó o construyó su casa de madera, así que he hecho que esta sección de la casa parezca listones de madera, y este tipo usó ladrillo y era el cerdo exitoso por supuesto. Entonces incorporé en mi propia mano letras, que es algo que también debes hacer, si eres artista digital puedes hacer letras digitales, el título en el techo de la casa. Cualquiera que conozca la historia de los tres cerditos, y la mayoría de la gente lo hace en países de habla inglesa, podía ver claramente que esto se refería. No necesariamente pensé que fuera la portada más interesante, así que tomé un enfoque diferente con mi otro boceto. Decidí también hacer un boceto que mostrara una especie de enfrentamiento entre los cerdos y el lobo porque creo que para mí eso es una especie de corazón de la historia una manera como los últimos cerdos han superado al lobo. No sabía cómo iba a caber tres cerditos y un lobo mirándose uno al otro, así que decidí apilar los cerdos uno encima del otro y hacerlos ligeramente diferentes tamaños pero todos son una especie de poco, y luego dibujé un lobo por aquí. En el título, decidí llamarlo la Historia de los Tres Cerditos y este Guy, que pensé prestaba un poco de humor. Muchas veces en trabajos de ilustración, si insertas tu propio humor o ingenio aunque el director de arte no lo haya pedido, realmente lo apreciarán y lo adorarán, y siempre pueden decir que no, no, no, no. No pueden decir eso, pero podrían realmente apreciar tu giro creativo en el título o en la ilustración misma. Entonces, también agregué aquí un viejo cuento ilustrado por Lisa Congdon. Me divertí mucho más desarrollando esta ilustración, razón por la cual al final opté por llevar esta a la final, que veremos en breve. Pero en última instancia, depende del cliente decidir cuál de tus conceptos llevar a final, y pueden volver y requerir que hagas revisiones a tus bocetos. Entonces, sólo porque entregues un conjunto de bocetos, no significa que elijan uno y tú llevas ese a final. En ocasiones eso sucede no tienes que hacer revisiones a tus bocetos. Pero la mayoría de las veces, vas a estar en un proceso de recibir retroalimentación e incorporar cambios, y de eso vamos a hablar a continuación. Algo a tener en cuenta es que la fase de boceto de una asignación de ilustración suele ser la más laboriosa. A pesar de que aún no estás renderizando arte final y no estás haciendo algo realmente colorido y hermoso, requiere más tiempo y trabajo. Hay mucho ida y vuelta con el director de arte, del que hablaremos en un minuto, y mucha investigación y pensamiento y dibujo en esta fase. Una vez que pasas por la fase de boceto, en realidad es bastante fácil. En el caso de esta asignación de pretensión, sólo estamos haciendo una ilustración. Entonces, el director de arte ha pedido dos bocetos para un dibujo, un concepto básicamente, o dos conceptos para una portada. Pero en muchos casos, vas a conseguir trabajos de ilustración que son múltiples piezas. Entonces, algunos trabajos de revistas, por ejemplo, podría tener una ilustración de página completa en el abridor del artículo y luego varios lo que llamamos ilustraciones puntuales, que son una especie de pequeñas ilustraciones que son se interpuso en el artículo a lo largo de las páginas de la revista. Por lo tanto, podría tener que bosquejar múltiples cosas varias veces. Entonces, muchas veces, te estás entregando, no sé, veces hasta 15 o 20 bocetos para una asignación, a veces más dependiendo de lo grande que sea. Entonces eso es solo otra cosa importante recordar que no siempre es un boceto o dos bocetos lo que estás entregando, a veces puede ser múltiple. Por lo tanto, asegurarte de que tengas tiempo para que se hagan todos esos en la fecha límite es realmente importante. 5. Recibir comentarios: Entonces, has estado trabajando muy duro en tus bocetos y tus conceptos, y tienes dos que enviar, o dependiendo del trabajo, 15 o 20. Las tienes todas listas, las has escaneado, las tienes en formato digital, las has adjuntado a un correo electrónico, y estás a punto de golpear enviar. Antes de golpear enviar, asegúrate de que, nuevo, escribas un correo electrónico para acompañarlos. En algunos casos, quieres quizá escribir una lista de lo que están por escrito todos los conceptos de boceto, describir tu pensamiento detrás de cada uno. No quieres explicar más. Porque en última instancia, sobre todo en la ilustración de libros y editoriales, los conceptos visuales realmente deberían hablar por sí mismos. Una de las partes más difíciles de ser ilustrador es esperar la retroalimentación de tu cliente. No te puedo decir el número de veces que he hecho una actualización de Facebook a mis amigos diciendo: “Solo golpea mandar en tal y tal trabajo y no puedo esperar a escuchar lo que piensa el director de arte” o “ahora la parte dolorosa de esperar”. Es realmente normal que se tome mucho tiempo, a veces días, incluso escuchar del director de arte. Inicialmente pueden volver a escribir y decir: “Oye, tengo tus bocetos. Muchas gracias, te volveré en unos días”. A veces eso es porque están, nuevo muy ocupados y les va a llevar un tiempo revisar lo que has enviado. ocasiones realmente tienen que llevar los bocetos a un comité de personas. Nos vamos a sentar alrededor de una mesa, hablar de ellos, y decidir si les gusta alguno de ellos, y cuál les gusta más. Por lo tanto, esperar la respuesta a menudo puede ser realmente agobiante. Ya he bajado por un agujero muy oscuro antes, diciéndome a mí mismo que odiaba todo lo que envié, o están listos para despedirme porque no escucho nada de vuelta. Pero ese nunca ha sido el caso. De hecho, los tiempos que he sido los más preocupados han resultado en realidad en los mejores trabajos de ilustración. Entonces, no te preocupes si tardan mucho tiempo en escribirte, es totalmente normal. A veces volverás a escuchar de inmediato y eso puede sentirse igual de abrumador, y aterrador, e intimidante. Entonces, hace unos años atrás, cuando estaba ilustrando esta Guía de Campo de San Francisco, tuve que dibujar varios mapas. En realidad, por toda mi experiencia y años como ilustrador, nunca había ilustrado un mapa antes. Es algo que he hecho mucho desde entonces, pero era totalmente nuevo en eso en ese momento, así que me sentí realmente intimidado por la asignación. Me dio mucha libertad, para divertirme con escala y letras. Entonces, estaba realmente emocionada, pero estaba un poco intimidada. Entonces, terminé mi primer boceto de mapa, era un mapa de Sonoma. Fue a lápiz y lo conseguí justo como lo quería. Tenía todos los elementos que me dijo que necesitaba estar en él. Golpeé enviar y literalmente, no más de cinco minutos después, obtuve una respuesta por correo electrónico. Decía: “Querida Lisa, por favor llámame. Aquí está mi número. De Taylor”. Como se pueden imaginar, me asusté totalmente y no de buena manera, como él lo odia, me va a despedir, pesar de que ya había firmado un contrato y todo. Yo estaba muy, muy asustada. Entonces, decidí ser maduro y coger el teléfono y llamarlo, pesar de que sólo estaba tentado a mandar de vuelta un correo que decía: “¿Qué? ¿ Pasa algo?” Entonces, yo lo llamé y él respondió, y él dijo : “Lisa, me encanta”. Es por supuesto, del sur, así que tiene un gran acento. Eso es todo para decir, que muchas veces, incluso cuando alguien quiera hablar contigo por teléfono, eso no siempre son malas noticias. Una vez que sí escuchas de nuevo del director de arte, vez en cuando obtendrás un, como lo hice, rotundo, “me encanta”. Podría sugerir un par de pequeños cambios o retoques, y esas son las situaciones más fáciles. Pero la mayoría de las veces, eso no sucede. La mayoría de las veces dirán, “me encanta, pero” y habrá una lista de cosas que quieren que cambies. Hablaremos de cómo organizarnos y responder a esos cambios en un momento. Pero lo primero que quería decir es que, obtener retroalimentación puede sentirse realmente abrumador, e intimidante, y en realidad desalentador a menudo. Pusiste tu corazón y alma en algo, tal vez te quedaste despierto toda la noche para terminarlo, y luego escuchas de nuevo que o no les gustó, o que quieren ir en una dirección totalmente diferente, y eso puede me siento muy duro. Pero recuerda, la ilustración es un trabajo, y te están pagando. Entonces, tu trabajo es hacer feliz al cliente. Obviamente, no quieres comprometer tu propia estética personal ni tus valores o moral. No estoy sugiriendo que hagas eso. Pero has aceptado el trabajo, tu trabajo es hacer feliz al cliente, y es trabajo del cliente sacarte el mejor trabajo. A menudo, estás trabajando para un cliente que está trabajando para su cliente, así que son como el intermediario entre la agencia de publicidad o lo que sea. Entonces, es su trabajo asegurarse de que estás ilustrando algo que más claramente representa lo que sea que sea el producto, o libro, o artículo de revista va a ser. Pensar en la retroalimentación como constructiva y útil de una manera de mejorar tu trabajo es realmente importante. También es importante no estar a la defensiva, o tomar comentarios personalmente, o como un ataque personal. Recuerda, te contrataron porque piensan que eres impresionante y les encanta tu obra de arte. Entonces, generalmente, se trata de retocar, y cambiar, y sacar lo mejor de ti y recordar, eso es realmente importante. En ocasiones, cuando recibas retroalimentación de un director de arte, obtendrás una lista realmente impresionante, meticulosa, con boletas de todos los cambios que quieren que hagas y es muy específico. En realidad, mientras que esas respuestas a veces pueden sentirse un poco abrumadoras porque hay como 15 cosas que quieren que cambies. De alguna manera, ese es el mejor de los casos porque sabes exactamente lo que necesitan que hagas, y han sido realmente minuciosos y detallados al darte retroalimentación. Encuentro que esos son a menudo los cambios más fáciles hacer porque sé exactamente lo que se supone que debo hacer. La mayoría de las veces sin embargo, vas a recibir un correo electrónico bastante vago que describe vagamente lo que les gustaría que cambiaras, o que vagamente describe lo que no les gusta o no les gusta de la ilustración. Entonces, es tu trabajo aceptar tanto de eso como puedas y tratar de entender cada pedacito de ello. A veces, literalmente separo cada frase y hago mi propia lista con balas de lo que están pidiendo. Después vuelvo y digo: “Muchas gracias por su reflexivo retroalimentación. Quiero asegurarme de que la siguiente ronda de cambios refleje todo lo que estás buscando y aquí te dejamos algunas preguntas que tengo”. Podrían ser preguntas sobre la retroalimentación que dieron, “¿Estás diciendo que quieres que cambie esto versus esto” o “Estoy un poco confundido sobre esto. Cualquier aclaración que me puedan dar sería genial”. Esos, ese tipo de lenguaje. De nuevo, estás siendo realmente profesional. Se puede ver que la ilustración incluye una gran cantidad de preguntas. Entonces, averiguar cómo hacer preguntas es, obtener la información que necesitas es una parte realmente importante del proceso. Puede que te sientas como si estuvieras siendo realmente tonificante , y molesto, pero no lo eres. En realidad estás obteniendo la información que necesitas para hacer el mejor trabajo posible. Normalmente, en el mundo de la ilustración, no hay más de dos a tres rondas de cambios en tus bocetos. A veces es más, pero te recomiendo encarecidamente que dispares, o que tengas muy claro el número máximo de cambios o rondas de cambios que aceptas en tu contrato. Si no lo haces, podrías meterte en infinitas rondas de cambios. Si no tienes nada en tu contrato estipulando que sólo se supone que son tres rondas, o cinco rondas, o seis rondas, podrías terminar teniendo un interno de ida y vuelta con el cliente. Entonces, eso es sólo algo que saber. Cuando hayas conseguido todas las respuestas a tus preguntas sobre los cambios que les gustaría, quieres seguir adelante y hacer esos cambios. Si trabajas a lápiz o digitalmente, los cambios menores son realmente fáciles de hacer. Entonces, por ejemplo, cuando trabajo a lápiz, si hay cambios fáciles de hacer, literalmente solo tomo mi borrador y borro ciertas partes del boceto para luego redibujar ciertas partes. Eso es lo hermoso del lápiz. El trabajo digital es similar, realmente fácil de borrar o eliminar, y agregar, y mover cosas alrededor. En ocasiones, los cambios son tan drásticos, o quieren que empieces desde cero, o no les gusta ninguno de tus bocetos, así que tienes que empezar con algunos conceptos nuevos. En ocasiones, puedes manipular lo que has escaneado digitalmente. Entonces por ejemplo, hace un par de semanas, hice un trabajo publicitario para Enterprise Rent-A-Car. Hice un montaje de un dibujo que era básicamente, un montaje de hitos de Oregon, el estado donde vivo. Les gustaron todos los elementos, excepto dos, que querían que quitara, y querían que los reorganizara de cierta manera. Entonces, en lugar de sacar un nuevo trozo de papel y redibujar a lápiz lo que ya había dibujado, tomé mi escaneo, y luego eliminé los dos en Photoshop, y moví todo lo demás alrededor. Se aprobó. Entonces, cuando fui a la obra de arte final, entonces fui al esfuerzo de redibujar todo una vez supe que estábamos en la misma página sobre el arreglo. Entonces, muchas formas diferentes de abordar hacer cambios que a veces no requieren mucho trabajo, lo cual es genial. Cuando estás en proceso de pasar por todas tus revisiones y cambios con el cliente, quieres aclararte cada vez que realices una revisión y conviertes en una nueva versión revisada de lo que estés haciendo que entiendas cuando adeudado. ocasiones, en realidad podrían necesitar los cambios para el día siguiente y podría requerir quedarse despierto hasta tarde o quedarse despierto toda la noche, en algunos casos, lo que espero es muy raro. Pero a veces, tienes una semana entera porque el director de arte se va de vacaciones, o es un proyecto con una larga línea de tiempo y quieren que te tomes tu tiempo. Entonces, no hay necesidad de estresarse por entregar algo inmediato o hacer los cambios de inmediato si no es necesario. Entonces, pregunte siempre cuándo es esta próxima ronda de cambio se debe. 6. Crear la obra de arte final: Por ahora ya has compuesto un correo electrónico, delineando tus preguntas para el director de arte, has completado dos bocetos en bruto para la portada de Los tres cerditos y estás eligiendo uno de ellos para llevarse la obra Final. Nunca se quiere pasar a la obra de arte final sin una dirección explícita del cliente. Se quiere por escrito, algo así como, este boceto ha sido aprobado o concepto aprobado, tiempo para pasar a Final Artwork y a veces incluso diré, vale, creo que estoy listo para estar en la Final Artwork. ¿ Estamos en la misma página? Porque muchas veces regresarán con dos cambios más, y quieren ver otro boceto. Pero a veces tienen un par de cambios más, pero dirán, solo incorporar esos a la obra final. Entonces, solo tienes que aclarar si estás listo o creen que estás listo para pasar al color y al detalle en tu trabajo. Tu boceto en bruto fue aprobado por el cliente, por la composición y los elementos en el dibujo o pintura o lo que sea que vas a estar haciendo. Por lo que quieres asegurarte de que en tu Final Artwork te estás pegando a esa composición básica. Creo que mencioné antes que a veces incluso dibujo mi boceto sobre el papel o el sustrato que voy a estar usando para hacer mi Arte Final. Simplemente puedo trabajar fuera de eso y no tengo que redibujar, para que todo sea exactamente como lo presenté y cómo fue aprobado originalmente. En ocasiones, los trabajos de ilustración se vuelven tan intensos y lo que un cliente quiere de ti se vuelve mucho más grande de lo que nunca pensaste que estabas inscribiéndote. Que tengas miedo de que tal vez no puedas terminar el trabajo en la fecha límite. Y no, antes que nada eso es realmente normal. Pero también es responsabilidad de ti comunicar tus miedos o tus preocupaciones por no cumplir con la fecha límite al director de arte. Siempre que me siento nerviosa por mi capacidad para ejecutar la tarea a tiempo siempre escribo un e-mail antes que tarde, expresando esas preocupaciones, diciendo que quiero hacer el mejor trabajo por ti. Esto está resultando ser un poco más grande de un trabajo de lo que me había imaginado, alguna posibilidad podría tener otras 24 horas u otros dos días o por mucho más tiempo que creas que vas a necesitar? La mayoría de las veces, los trabajos de ilustración, a excepción de trabajos quizá editoriales para periódicos o revistas, están acolchados con un poco más de tiempo y los taponan en caso de que necesiten o necesiten el tiempo. Entonces, muchas veces dirás, puedo tener una extensión y ellos dirán seguro. Porque, el horario tiene un poco de espacio de movimiento en él. Pero a veces ese no es el caso como dije con los trabajos editoriales. Periódicos en particular en su mayor parte publican todos los días. Necesitan un giro artístico muy rápido, lo que hace que la ilustración Editorial sea más desafiante, pero también muy divertida para mucha gente. Pero pedir un plazo, un adelanto o una prórroga es totalmente normal y totalmente bien, pero prepárate para que puedan volver y decir que no, y que tal vez tengas que quedarte despierto toda la noche. Ya lo mencioné antes, pero una de las cosas que quieres resolver inicialmente es el formato de archivo. Por lo que el formato de archivo debe ser un archivo vectorial, si es un archivo de photoshop, o si quieren un TIFF. Algunas editoriales tienen reglas realmente estrictas en sus empresas sobre el formato de archivo para las personas que en realidad van a estar usando el trabajo para poner en el producto o el libro y quieres tener claro eso de antemano. Ambos porque, necesita ser un archivo que te sientas cómodo o un formato con el que te sientas cómodo trabajando. Por ejemplo, una vez recibí una oferta de trabajo para un libro, pero necesitaban ilustraciones vectoriales y en ese momento no tenía experiencia trabajando en Illustrator. Por lo que tuve que declinar el trabajo porque no tenía la habilidad para ejecutar el trabajo. Porque no pude entregar el trabajo en el formato de archivo que necesitaban. Aprendí rápidamente ilustrador después de eso, para que no tuviera que bajar más trabajos basados en vectores. Pero, tener claro eso en un principio es importante. Entonces, cuando estés terminando el trabajo, quieres asegurarte de que entregues el archivo en el mismo formato que han pedido y hay varias formas en que a los clientes les gustan los archivos para subirlos. Entonces, si es un archivo bastante pequeño, realidad puedes simplemente enviarlo por correo electrónico al director de arte. La mayoría de las veces tus archivos van a ser grandes y a veces van a tener múltiples capas en ellos. Entonces, muchas veces querrán que uses algún tipo de sistema de transferencia de archivos. Al igual, WeTransfer, que es un sistema basado en correo electrónico o en la web o Dropbox, que mucha gente tiene, y si no tienes Dropbox, te animo a que te inscribas en él. Es realmente fácil y lo uso mucho en mi colaboración con clientes. A veces los editores más grandes tendrán Sistemas de Protocolo de Transferencia de Archivos los cuales se llaman FTP para abreviar y hay muchos softwares de transferencia FTP descargables gratuitos, que puedes descargar en tu computadora. Básicamente inicias sesión a través del FTP a su sistema, y literalmente arrastras tus archivos a su sistema de archivos y luego los recogen ahí arriba. Entonces, deja claro del cliente cómo quieren que se entreguen los archivos y en qué formato Para mi ilustración final para la portada de Los tres cerditos, decidí ir con este segundo boceto que hice. Yo más me divertí haciéndolo. Creo que tiene una especie de la más humor e intriga en ella y es la más visualmente interesante. Entonces les voy a contar un poco sobre cómo creé esta ilustración desde boceto hasta final. Este es el tamaño real que se supone que debes hacer. Creo que el Breve Creativo dice seis por siete pulgadas y si alguna vez consigues un Breve Creativo que no te diga lo grande que debe ser la Obra Final, o cuáles son las dimensiones, cuál es la sangría. Si no sabes qué es sangrar, sangrar es la cantidad de espacio alrededor del borde que se va a recortar. lo tanto, normalmente no quieres que ninguna palabra, ni ninguna parte importante de la ilustración esté en el área de sangría. Entonces, este es el actual seis por siete. Es bastante pequeño tamaño de libro típico infantil. Pero, hice una copia más grande, sé más fácil para ti ver. Entonces puedes ver que es realmente similar a mi boceto excepto que es en color y cómo creé esto fue, tomé mi boceto real y coloqué un trozo de papel de calco sobre él, y rastreé los elementos principales. Hago mucho esto, ya sea usando un papel de calco o una caja de luz. Una caja de luz es una herramienta realmente genial para tener si eres ilustrador. Debido a que puedes trazar sobre tus bocetos, puedes crear bocetos revisados, solo trazando las piezas que fueron aprobadas y luego redibujando las otras partes sin tener que volver completamente al tablero de dibujo o rayar. Entonces, te animo a que te consigas una almohadilla de papel de calco y una caja de luz. Por supuesto que trazar tu propio trabajo, no el trabajo de alguien más. Entonces, trazo luego escaneé esto en mi escáner, y en blanco y negro, y lo recorté al tamaño correcto. Y luego en capas, eliminé todo el espacio en blanco en el fondo y capas en algunas franjas de pintura de acuarela que antes había pintado. Entonces, esto no muestra el azul pero muestra todas las demás franjas. Escaneé esto en color, y luego retiré en photoshop algunas secciones de ésta, y las puse detrás de partes del dibujo. Y ya tenía un poco de acuarela azul escaneada, y lo usé para el cielo. Y esencialmente, todo lo demás ya estaba dibujado. Por lo que básicamente es el dibujo de línea con alguna acuarela colocada. Por lo que esta es una forma de hacer una ilustración que combine la tecnología digital y el dibujo a mano. No entré físicamente a pintar esto, pero pinté elementos y luego los agregué usando una herramienta digital en Photoshop. Si diferentes técnicas de ilustración como la que acabo describir brevemente o cualquier otra técnica digital especialmente son nuevas para ti y quieres aprender más cómo crear ilustraciones digitales en Photoshop o en Illustrator, Recomiendo encarecidamente ir a Skillshare. Hay una lista de clases, y tienen una amplia gama de clases usando herramientas digitales para crear tanto diseño gráfico como ilustración y conseguir tu caja de herramientas esté llena es una manera realmente genial asegurarte de que tienes todas las habilidades que necesitas para convertirte en un ilustrador profesional. 7. Reflexiones adicionales sobre el trabajo como freelancer: A menudo me preguntan los ilustradores que acaban de empezar. “ ¿Qué cobro por mi trabajo? ¿ Cómo sé qué es un precio justo? Cuando un cliente viene a mí, y me dice: '¿Cuál es su cuota?' , no tengo ni idea de qué decirles”. Y eso es súper común. Creo que uno de los mayores puntos de pega, sobre todo en la carrera temprana de un ilustrador es la fijación de precios. También puede ser un punto pegajoso cuando llevas haciendo esto por 10 años como lo he hecho yo. Entonces, solo sepan que es normal, y que siempre hay un poco de adivinanzas involucradas. Cuanto más se pueda llegar a tener precios estándar en general es genial, pero al principio eso es difícil, y sólo saber que es difícil. Pero hay algunos grandes recursos y quería compartirlos con ustedes. Hay una pequeña sección en mi libro, Art Ink, sobre precios, que habla de diferentes maneras en que puedes entrar a la conversación de precios. menudo, un cliente te dirá cuál es su presupuesto en el correo electrónico. Dirán similar al email de pretensión que estamos viendo hoy en el breve creativo. El costo por este trabajo es de $2,000, o la tarifa por este trabajo es de $350, o lo que sea. Eso siempre es genial cuando eso sucede porque sabes cuál es su resultado final, y sabes que puedes aceptarlo, o puedes intentar negociar. Pero muchas veces, y más a menudo que no, no tendrán un precio fijo para ti. Entonces, dirán: “¿Cuál es tu cuota por estos?” o “¿Qué cobrarías por estos?” Y ahí es cuando la ansiedad suele entrar, sobre todo si no tienes ni idea, o si es el tipo de trabajo que nunca antes habías hecho. Entonces, mi recurso favorito para la fijación de precios y en realidad buscar precios, o cuál es el estándar de la industria para ciertos tipos de trabajos de ilustración y licenciamiento es este libro, y se llama The Graphic Artist Guild Handbook for Pricing and Lineamientos Éticos. No sólo habla de precios, sino que tiene contratos de muestra para licenciamiento e ilustración, y diseño gráfico. Es un recurso increíble, y creo que se actualizaron cada pocos años, el Gremio de Artistas Gráficos lo pone fuera. Es como una biblia en mi casa. Yo solía tener un agente, y los agentes son geniales para ayudarte con los precios, obviamente, eso es parte de su trabajo. Pero ya no tengo un agente. Ahora soy mi propio agente, y así, a menudo necesito referirme a este libro. Pero en muchos casos, también sólo tengo una especie de idea propia de lo que me gusta cobrar por ciertas cosas, o cuánto valen ciertas cosas para mí, o ciertos trabajos valen para mí, dependiendo de mi horario y de mi con un tipo particular de trabajo que quieren que haga. Por lo que las horas extras, construirás tu propio repertorio de precios, y a partir de las habilidades de negociación, y todas las cosas que vienen con los precios, pero al principio, puede sentirse intimidante. Por lo que este libro es un gran recurso. 8. Para terminar: Hay dos lugares para que tengas discusiones y involucres con las otras personas de esta clase. Una es el área de asignación donde estás publicando imágenes de tu trabajo y hay lugares para que la gente comente y la gente probablemente te dé comentarios o haga preguntas, así que asegúrate de facturarte ahí. El otro es el foro de discusión. Por el bien de esta clase, usemos todas las habilidades de comunicación profesionales y educadas que queremos usar en el mundo real cuando estamos brindando retroalimentación a nuestros compañeros y cuando estamos recibiendo comentarios de nuestros compañeros de clase. Fingamos que estamos en una situación de la vida real y somos o bien un director de arte e ilustrador, y usemos el lenguaje y un nivel de respeto y profesionalismo que usaríamos en el mundo real. Te animo a publicar cualquier pregunta que tengas o cualquier cosa con la que estés luchando en el foro de discusión, pero sepas que tal vez no pueda responder personalmente a la pregunta de todos. Haré todo lo posible para llegar a tantos de ellos como pueda. Pero, tus compañeros de clase son un gran recurso y pueden responder también y por eso los animo a que discutan las cosas entre sí. El objetivo de esta clase no es crear la cobertura de libros más increíble, hermosa y galardonada, terminas haciendo eso que es genial. El objetivo realmente es indagar en el proceso de creación de una ilustración de la forma en que lo harías en el mundo real. Entonces, asegurándote de que estás prestando atención a una comunicación por correo electrónico realmente excelente, educada, respetuosa, profesional. Que estás pensando en preguntas inteligentes hacer para asegurarte de que puedes crear el mejor trabajo. Que en realidad estás respondiendo al breve creativo reflexivamente y tal vez incluso insertando tus propios pedacitos de creatividad y capricho donde creas que son apropiados. Entonces, finalmente para crear algo que puedas presentar al cliente de lo que estás orgulloso. Muchas gracias por unirse a esta clase. No puedo esperar a ver lo que ustedes crean y siéntanse libres como siempre para hacerme saber si tienen alguna pregunta sobre la asignación. 9. Más clases creativas en Skillshare: