Pintar luz y sombras en acuarela: una guía completa

1. Introducción: [ MÚSICA] Imaginemos la luz y la sombra como la sal y la pimienta en un cuadro. Agrega aquí una pizca de sombra y un pellizco para iluminar allá, y el arte cobra vida. Hola. Soy Francoise y soy una acuarela pastel al óleo, una artista de medios mixtos con sede en Francia. Enseño arte aquí en Skillshare, YouTube, e Instagram. He colaborado las múltiples marcas de arte en el proceso. [ MÚSICA] En la primera mitad de la clase, nos vamos a centrar en las técnicas. Se puede utilizar para recoger la luz y la sombra en un cuadro. Hay muchas maneras de hacerlo, desde usar técnicas simples de acuarela para el principiante hasta herramientas o trucos inesperados para conseguirte el efecto que quieres crear en segundos. Posteriormente en la clase pagaremos para cerrar el paisaje otoñal usando algunas de estas técnicas para que veas por qué y cómo implementar lo que has aprendido en un cuadro. Para ello, estudiaremos la foto de referencia y veremos las partes oscuras y claras. Después prepararemos este boceto. Aprenderás qué dibujar y qué no dibujar para planear luz y sombra. A continuación, te mostraré cómo escojo colores con el resultado final en mente. Empezaremos a pintar el fondo, la primera capa fundacional y aprenderás a mejorar la luz y sombra ahí con la segunda. Con pintar nuestros temas principales, una mesa y una taza de café, llegarás a experimentar exactamente por qué, cuándo y cómo empezar con la luz, terminar con sombras, y viceversa. Por último, te enseñaré a amplificar tu trabajo con toques pequeños pero poderosos. todo momento, estaremos utilizando muchas de las técnicas que se imparten al principio por lo que has terminado esta clase con confianza para implementar algunas de esas en tus propios proyectos. He elaborado esta clase para que tengamos una imagen clara en nuestra mente de cómo representar luz y la sombra con acuarela ya sea que estemos hablando un estilo suelto o más realista. Un artista de acuarela más experimentado encontrará técnicas en las que quizá no hayan pensado y soluciones para ayudar a arreglar unas pinturas planas o aburridas. Encuéntrame a continuación para obtener más información sobre el proyecto de clase y pensamientos sobre cómo puedes subir de nivel tus habilidades para pintar acuarela usando esta clase. 2. Proyecto de clase y tu camino para nivelar: [ MÚSICA] El proyecto de hoy es un paisaje átomo pacífico con una hermosa obra de teatro, una luz, y una sombra. Pintar luz y sombra puede sentirse bastante abstracto en cuanto a por dónde empezar y cómo crear realmente ese efecto la primera vez que te metes en la acuarela. Recuerdo sentirme desconcertado con cómo hacerlo funcionar para acuarelas ya que es un medio húmedo y las técnicas son bastante diferentes a los dibujos a lápiz, por ejemplo. También hay más espontaneidad y planeación involucradas y puede sentirse bastante intimidante. Es por ello que en la primera parte de esta clase, te voy a mostrar formas en que puedes aprovechar 70 días para crear luz y sombra en un cuadro. He categorizado todas las técnicas que conozco y he utilizado en mis pinturas de acuarela todo en una sola pieza. Terminarás esta clase con un cuadro claro y completo de lo que se puede hacer para crear luz y sombra en la pintura acuarela. Puedes utilizar las técnicas que más te convengan para tu escenario actual de pintura y tus preferencias. Esta es literalmente una caja de herramientas que puedes usar ya sea principiante o con más experiencia y beneficiará a cualquier estilo de pintura. Por ejemplo, hay técnicas aquí que rara vez uso, otras las utilizo todo el tiempo. No obstante, todas ellas pueden llegar a ser prácticas en un momento u otro para crear este o aquel efecto en una pintura. Una vez es mi estilo, quizá no al tuyo, así que te animo mucho a ver todas las clases de técnica antes saltar al proyecto de clase. En la segunda parte de esta clase, los proyectos de clase, usaremos algunas de las técnicas que estoy a punto de mostrarles. Va a ser una gran manera de practicar y de ver y sentir cómo pasas de aprender sobre algo hasta saber realmente haciendo. Descarga la hoja de resumen de técnicas en la sección de recursos de la clase y la foto de referencia si las necesitas y ya estás listo para comenzar. Si quieres algún comentario, eres bienvenido para compartir tu progreso con todos en la sección de proyectos de recursos de la clase. Estamos listos para sumergirnos. Nos vemos en la siguiente lección donde voy a elaborar sobre la primera técnica para crear luz y sombra en un cuadro. [ MÚSICA] 3. Técnica #1: formas de conservar: [ MÚSICA] Exploremos nuestra primera técnica que puedes usar para representar la luz y la sombra en un cuadro. En la acuarela, existen varias formas de preservar el papel. Al conservar, quiero decir, dejarlo intacto libre de cualquier pintura. Si eres principiante, puedes conservar el papel para iniciar una nueva pintura con más control y menos abrumadora y me sumergiré más en esto a medida que avanzamos. Si estás más avanzado, aprenderás de esta lección y del proyecto de hoy cómo aprovechar plenamente esto para aplicarlo en paisajes de acuarela. La forma más común de preservar el papel se utiliza para representar la luz. Eso se debe a que una gran mayoría de papeles de acuarela son de color blanco. Echemos un vistazo a las formas en que podemos hacerlo. El primer modo de preservar el papel es simplemente evitar un área específica para que permanezca blanco papel. Para ello, simplemente recoges cualquier color y pintas un área mientras evitas la forma que quieres conservar así. Si ayuda, puedes bosquejar la forma antes de pintar por lo que es obvio para ti qué pintar o no pintar. Para conocer esa técnica, todo lo que debes recordar es que con la acuarela, la pintura siempre se detendrá donde se detenga el agua. Si evitas un área completamente pequeña o grande, no debería haber pintura extendiéndose ahí nunca. Si lo hace, te mostraré más formas de preservar el papel con más precisión. [ MÚSICA] Algo desafiante con evitar ciertas áreas es que cuando apuntas a varias de ellas a la vez, es posible que pierdas la pista de lo que ya estaba mojado y lo que no era, especialmente cuando no hay boceto. Si eso sucede, inclina tu papel mientras aún esté mojado y podrás decir qué sigue seco. Esta técnica funciona de maravilla para darle a una pintura reflejos blancos fuertes y brillantes. No obstante, también creará bordes muy duros. Muchos artistas con un estilo suelto dejan los bordes, pero si como yo, prefieres un borde más suave, una variación a esa técnica es usar un pincel limpio y ligeramente húmedo para ablandarlos mientras la pintura sigue mojada así como así. Depende de ti decidir cómo te gusta. lo personal, rara vez preservo Enlo personal, rara vez preservo el papel de esta manera porque a pesar de que los reflejos de paperwhite dan a las pinturas un resplandor fuerte y fresco, para mi estilo más realista, prefiero los reflejos que se mezclan en un un poco más. No obstante, todavía lo uso para cosas como pintar nieve u otros elementos grandes que en su mayoría son blancos. Estas pinturas son grandes ejemplos de eso. Otra forma en que puedes conservar el blanco del papel mientras obtienes resultados más precisos es enmascararlo con líquido de enmascaramiento o dibujar chicle. Ambos son bastante similares en la forma en que trabajan y vienen en botellas como esta o una pluma como esa. Pero también más económico para cubrir áreas grandes, el fluido es más fácil de conseguir, pero los bolígrafos son más convenientes para precisión y pequeños toques. Una herramienta similar y costosa para usar en su lugar es la cera. Empezaré con líquido de enmascaramiento. El mío viene en una botella, así que a veces uso un viejo cepillo desgastado, pero prefiero un moldeador de color porque el líquido de enmascaramiento es a base de látexy fácilmente arruinarán un pincel a menos que lo prepares con jabón de plato bien antes de usarlo y límpialo rápido después de su uso. Los moldeadores de color están hechos de silicona y el fluido se despega muy fácilmente y me gusta mucho por eso. Lo que hace el fluido es que evita que el agua se arrastre por debajo de donde lo aplicas, lo que facilita la conservación de áreas del papel y nunca te preocupes por ellas mientras pintas. Para un principiante, es una forma conveniente enfocarse mejor en el proceso de pintura. Te recomiendo enmascarar las áreas deseadas antes de empezar a pintar, no mientras ya estés pintando, ya que el líquido de enmascaramiento necesita tiempo para secarse. Cuando termines de pintar lo que quieres y eso está seco, puedes quitar el líquido de enmascaramiento con una toalla de papel o un paño presionando con fuerza y yendo en círculos. Funciona también con los dedos, pero no es muy agradable en la piel después de un tiempo. Tómese su tiempo al quitar el líquido de enmascaramiento ya que tirar de él podría dañar el papel. Aquí se puede ver la forma se ha conservado completamente por eso a veces puede ser mejor que evitar un área. Utilizo líquido de enmascaramiento para partes de la pintura que necesitan mantenerse afiladas porque te van a pintar más adelante y no tanto para partes que necesitan permanecer blancas porque los bordes son tan fuerte y duro. Aquí por ejemplo, realmente quería mantener la mayor parte libre de pintura, ya que iba a ser la única parte blanca aquí para contrastar con el fondo. Porque la forma era tan intrincada, enmascaré y la terminé más tarde con unas pinturas negras y naranjas para convertirla en una parte creíble del cuadro. Mencioné la cera como otra forma de preservar. Funciona de manera similar como líquido de enmascaramiento ya que se aplica antes de pintar en las áreas que necesitan permanecer blancas. El principal diferencia es que no va a ser tan preciso como líquido de enmascaramiento ya que no se puede ver claramente dónde se ha aplicado. Pero eso se puede usar para agregar textura mientras preserva la mayor parte del papel para que esa forma que estás preservando sea menos perfecta. Es como lo mejor de ambos mundos entre evitar un área y enmascararla con líquido. Lo uso raramente pero me parece que es una gran y barata alternativa de saber. También me gusta que no sea necesario quitarlo después. Además, el papel nunca se dañará y no es muy obvio que se aplicó cera sobre el papel una vez terminada la pintura. No obstante, a diferencia de los métodos anteriores, una vez que está ahí, así que toma eso en cuenta. La cinta de enmascaramiento es altamente efectiva para enmascarar un área de la pintura. No es la más conveniente enmascarar algo que no sea una línea recta para ser honesto. Pero si eso es todo lo que tienes en casa funciona. Lo uso principalmente para pegar mi papel sobre la superficie en la que pinto y al mismo tiempo, me ayuda a conseguir esos bordes limpios y bonitos alrededor de mis pinturas. Ocasionalmente lo usaré para separar el cielo del mar o la tierra cuando pinte si es una línea recta. Puedes considerar llevarlo un paso más allá y cortar piezas para enmascarar un área en la pintura también. Es posible aplicar estas técnicas con la preservación de sombras también. Esto funcionará con papel de acuarela negro, pesar de que no es tan ampliamente utilizado como el papel blanco, pero es algo a considerar. Encuéntrame a continuación para ver formas preservar los blancos levantando la pintura en lugar de evitar o enmascarar el papel. [ MÚSICA] 4. Técnica n 2: formas de elevar: En esta lección, vamos a explorar las formas de levantar pinturas para que podamos crear reflejos y por lo tanto colocar más luz en una pintura. La técnica de elevación significa que estamos quitando pintura que ya se ha aplicado en el papel. Se adaptará a cualquier persona ya que se puede utilizar en cualquier punto de la pintura para crear más luz, pero también para corregir errores. Para eso, es una técnica de acuarela muy útil. Se puede usar con espontaneidad, ya sea que te guste la pintura suelta o realista. También hace que los reflejos se vean más sutiles que lo hacen con la preservación del papel. Esto se debe a que al levantar pinturas sólo estamos regresando la mayor parte del blanco del papel en un área que ya ha sido pintada. Permítanme mostrarles varias formas de hacer esto. Se puede levantar mientras la pintura sigue mojada. Para ello, ayuda a agarrar un pincel que esté limpio y solo húmedo. Después presiona hacia abajo con él y quita la pintura. Enjuaga, saca el exceso de agua y repite para aumentar el punto culminante. Es importante que un pincel esté solo húmedo como si aún estuviera mojado, podrías conseguir una floración como esta. Un pincel sediento es mucho mejor ya que mejor remojará la pintura y el agua que descansa sobre la superficie del papel. También puedes levantar pinturas cuando estén secas siempre y cuando te lleven. Ya que no todas las pinturas y tonos son iguales. Algunos serán fáciles de levantar, otros serán difíciles de levantar y eso es algo que puedes probar en los colores que planeas usar. Para levantar pinturas secas, tendrás que mojar la zona desde la que quieras levantar la pintura y luego usar un pincel o una toalla de papel para quitar la pintura. Es posible que tengas que presionar un poco, enjuagar el pincel o cambiar el costado de la toalla de papel cada vez para volver a la versión más ligera del color que estás levantando. Ten cuidado con este método para no insistir demasiado tiempo ya que el papel podría empezar a pelar. Recuerda también que en general con pinturas de elevación, ya sean mojadas o secas, el papel no volverá a ser blanco completamente brillante. mí me gusta mucho esta técnica aunque, como los blancos, los aspectos más destacados algunos consiguiendo son sutiles y lucen naturales. También es una gran técnica para crear un bonito gradiente entre el área pintada y el área levantada. A diferencia del líquido de enmascaramiento o evitando los métodos de papel, los bordes son bastante suaves aquí. Utilizo la técnica de elevación para cosas como pintar cielos, el mar para crear un hecho de ramo, y para casi todos los temas que pinto. En la siguiente lección, te enseñaré otra forma de crear luz en un cuadro, así que nos vemos ahí. 5. Técnica #3: formas de repelar: Si disfrutaste del archivo solo la acuarela tiene que ofrecer, y te gusta sentirte libre y creativo mientras pintas, déjame mostrarte algunas formas de repeler la acuarela mientras creas reflejos y texturas de una vez. Para repeler los blancos en el papel, lo mejor es usar agua limpia. Quieres que el área en la que utilizas esta técnica se cubra con pintura y piedra de afilar. Vamos a esparcir agua limpia ahí con un pincel o tus dedos, lo que prefieras. Esta agua extra va a empujar el pigmento y dejar volver a mostrar los blancos en el papel. Un nombre para este tipo de efecto es florecer. Es posible que también escuches coliflor o retroceso. Crear floraciones es una técnica ampliamente utilizada para agregar textura a una pintura así como reflejos y también es divertida. La diferencia con la que te mostré en una lección anterior es que esta vez, somos intencionales con ese efecto. La cantidad de agua que usas es lo que nos hace diferentes de levantar la pieza y se puede ver el resultado también difiere. Al igual que levantar, crear floraciones puede no te devuelva los blancos brillantes en el papel, pero agregará carácter a una pintura. Este es un cuadro que he hecho usando esta técnica. Una alternativa es usar sal. Se puede espolvorear la sal sobre la pintura húmeda y de manera similar, se alejará el pigmento. textura de la técnica de la sal se verá un poco diferente a la que usa agua. También toma más tiempo ya que tendrás que esperar a que se seque la pintura para quitar la sal. Este es un cuadro que creé usando sal para crear la impresión de copos de nieve. A mí me gusta usar agua y sal de vez en cuando. Noté que funcionan mejor cuando se usan con una sola capa de pintura ya que los blancos mostrarán mejor. Una herramienta divertida para repeler el agua y crear formas divertidas que aportan un poco de luz a una pintura es usar envoltura de plástico. Para probar este, basta con aplicar el plástico sobre la prensa de pintura húmeda para crear formas y esperar hasta que se seque. A continuación, vamos a hablar de recuperar a esos blancos quitando por completo, abrazando lo que se hizo. A lo mejor ahí para averiguar cómo hacerlo. 6. Técnica #4 : formas de eliminar: En esta lección, quiero mostrarte cómo conseguir tu papel negro o cuando te enteraste de que has cometido un error. Técnicamente, no se utiliza para crear más luz, pero puede ser muy útil y servir a ese propósito también. Intenta tener una mano ligera con las dos formas que voy a demostrar ya que pueden dañar el papel fácilmente. En primer lugar, puedo sugerir una herramienta especial llamada esponja mágica o borrador mágico. Es algo que encontrarás en tiendas de arte o en línea, y se puede utilizar en pinturas secas. Humedezca la esponja luego frótela en la pintura. Puedes enjuagar y repetir, esta herramienta te ayudará a solucionar un error de manera bastante eficiente como puedes ver aquí. Lo he usado en la ilustración del cuaderno de bocetos que había variado completamente con demasiadas capas y logré limpiarlo todo y empezar de nuevo como tal. Sólo puedo dar fe de ello aunque como dije antes, es para ser utilizado con cuidado ya que el papel podría empezar a pelar con demasiado ida y vuelta. Otra forma que utilicé en la misma página del cuaderno de bocetos es lijar papel. Esta hará difícil volver a una superficie totalmente blanca sobre la que se pueda pintar ya que rápidamente desgastará el papel. Es mejor para arreglar errores o una mancha tal vez. Aquí, lo usé para quitar los bordes duros que había creado alrededor de este cuadro. No me gustó el aspecto que tenía y logré suavizarlos y hacer que se viera mejor. Vamos a reunirnos a continuación para hablar de cómo podemos aumentar la luz y la sombra. 7. Técnica #5: formas de aumentar: Existen algunas herramientas mágicas para ayudar a aumentar la luz y las sombras en la pintura. Estos son ideales para los detalles finales y un poco de mejoras. A pesar de que se usan mejor en pequeños toques, marcarán una enorme diferencia en el resultado final. Un bolígrafo de gel blanco o un bolígrafo Posca blanco hacen maravillas para agregar reflejos blancos brillantes. Estos son ejemplos de pinturas que he realizado usando estas herramientas. Simplemente úsalos directamente o el final de la pintura en aquellas áreas que necesitan un destello extra después de que la pintura se haya secado. [ MÚSICA] Son ideales para aumentar la luz ya que son precisas, y es difícil dejar trocitos de papel tan pequeños con la técnica que te mostré antes. También pueden ser tan blancos como lo sería el papel. Ten en cuenta que son mejor usar muy a la ligera. Si el resaltado parece un poco demasiado brillante, puedes tonificarlo con el dedo. También es posible rascar el resaltado con una uña una vez que el gel o la tinta estén secos. No obstante, será difícil eliminarlo por completo. Utilizo bolígrafos de gel blancos regularmente. Los encuentro más brillantes que los bolígrafos Posca. Añado algunos donde cuando hay reflejos muy agudos y brillantes, hacen una gran diferencia antes y después en la pintura con apenas unos trazos. De igual manera que el bolígrafo de gel o un bolígrafo Posca o un lápiz de color blanco o un Lápiz Pastel blanco ayudarán a agregar reflejos pequeños y precisos. Estos no serán de color blanco brillante, serán mucho más suaves. No las uso mucho porque a menudo uso prensa fría, papel de acuarela. La textura sobre papel no me permite mezclar esos lápices tanto como me gustaría. Pero sigue siendo una gran herramienta para retoques finales. [ MÚSICA] gouache blanco es mi forma favorita de todos los tiempos agregar reflejos en la pintura acuarela. Es extremadamente versátil. Se puede utilizar muy puro cuando está fuera del tubo y crear reflejos muy brillantes. [ MÚSICA] Mezclar con más o menos agua. El efecto será como te guste, brillante y opaco, o claro y transparente. Gouache pares de muy bien con acuarela también. Es fácil de quitar cuando cometes un error, por ejemplo, y dejará casi ningún rastro, solo moja y despeja el exceso suavemente con una toalla de papel. Puedes elegir hacer trazos grandes, trazos gruesos, lo que quieras realmente ya Gouache tiene que aplicarse con un pincel. [ MÚSICA] Gouache se extiende igual que lo hace la acuarela, y esto es fantástico para crear reflejos impecables. Mezclar con acuarelas, incluso puedes hacer opaco cierto color, aunque sea un amarillo que quieras capas sobre un marrón oscuro. [ MÚSICA] Por último, para mayor diversión, puedes salpicar gouache blanco. Se ve hermoso en un cuadro que incluso puede hacer a partir de escenas mágicas nevadas como esta. Otra forma de aumentar la luz en un cuadro es utilizar una herramienta de corte afilada como un cortador. Este se llama cuchillo X-Acto. Es genial crear unos reflejos finos en forma de las líneas. [ MÚSICA] Lo he usado para crear cabello resaltado y para crear las venas de la hoja. Sé muy cauteloso con esta herramienta, es muy afilada. Hablemos ahora de sombras. Una forma en que puedes crear más sombra es usar marcadores marrones o negros o bolígrafos Micrones. Disfruto usando estos Plumas Faber-Castell Sepia. En ocasiones para enfatizar las sombras en la pintura, o incluso dibujar alguna textura fina. Asegúrate de que tus bolígrafos y marcadores sean impermeables, especialmente si quieres usarlos para delinear tu boceto y pintar sobre eso. Aquí hay algunos trabajos que hice para [inaudible] usando un Pluma Faber-Castell Pitt para crear detalles finos y dibujar textura. Puedes obtener un resultado similar con lápiz de colores y pastel, y al igual que los lápices blancos, no serán tan fuertes como un marcador o un bolígrafo. [ MÚSICA] Otra herramienta fantástica para las sombras es la tinta en una botella. Lo he aplicado antes con un q-tip con el fin de crear sombras. Me divertí mucho y me pareció más fácil pintar después si estás más acostumbrado al trabajo con lápiz. tinta se puede usar antes o después de la acuarela siempre sea impermeable y le dará a tu pintura un cierto sabor. Una herramienta sencilla que puedes usar es salpicar algo de pintura al pincel. Agrega salpicaduras oscuras o unas coloridas a la pintura y lo mejorará muy bien. También puede contribuir a la textura y por supuesto ayuda a las sombras. El arena aquí es un buen ejemplo de cómo un salpicaduras oscuras puede hacer que una pintura luzca más interesantes y equilibradas tonos claros para las partes más oscuras de la pintura. Por favor, comparta sus experimentos y sobre hallazgos con nosotros en la Sección de Proyectos de la clase. Me encanta ver lo que se te ocurre y cuáles son tus técnicas favoritas. En las siguientes dos lecciones, vamos a hablar de cómo acumular luz y sombras para el color. Nos vemos ahí. 8. Técnica #6 : formas de equilibrar: [ MÚSICA] En esta lección, veamos cómo los colores contribuyen a la luz y la sombra. No hay reglas en el arte, pero en general, un buen equilibrio entre luz y sombra ayudará a un cuadro vivo. Tener color sin mucha luz ni sombra y la pintura podría sentirse plana y caricaturizada. Tener muchas sombras pero no muchas luces y podría sentirse pesado y tal vez hasta sombrío. Ten mucha luz y apenas sombras y tal vez sentirá que le falta un poco de saturación. ¿ Cómo podemos encontrar un equilibrio lo suficientemente bueno como para acumular contraste en un cuadro entre las partes claras y oscuras para que se vea más agradable de mirar y aún más realista? Una buena regla de oro es asegurarte de que junto con tus colores principales, tengas un tono oscuro y uno muy ligero con el que trabajar. Una forma segura de hacerlo es incluir el blanco en esa pintura, y puedes hacerlo usando cualquiera de las técnicas que he mostrado antes. Por ejemplo, a menudo utilizaré la técnica de elevación y gouache blanco y [inaudible] aquí. El tuyo puede verse diferente. Recuerda, puedes mezclar y emparejar las técnicas de una pintura a otra. Para sombras, te recomiendo trabajar con marrón o negro que puedes agregar a tus colores principales para que luzcan más oscuros. índigo, que es azul oscuro, también funciona bellamente para esto. Cualquier otro tono oscuro funcionará, verde perileno, tinte neutro, un morado oscuro. A mí me gusta usar el marrón y el índigo más. Como sé, podré mezclarlos con otros colores, pero también usarlos por su cuenta también, ya que en paisajes, a menudo encontrarás azules y marrones. Rara vez uso el negro por sí solo por eso, pero me parece útil hacer oscuros como el marrón y el índigo aún más oscuros. Este cuadro es un ejemplo de cómo he usado el marrón para agregar sombras. El marrón se mezcla con amarillos y naranjas para que se vean más oscuros en lugares, pero también se levanta por sí mismo y contrasta muy bien con un cielo mucho más ligero y el agua. Trabajaremos con el rojo como nuestra sombra principal por ejemplo, como si estuviéramos a pintar un monocromo rojo. Toma el rojo solo y el cuadro sería bastante plano y aburrido. Agrega blanco y se vuelve un poco más interesante. Puedes usar cualquier técnica de la que hablamos antes de esto para agregar blancos. Para las sombras, agreguemos un tono marrón, y a partir de ahí, puedo mezclarlo a mi color principal, usarlo solo o incluso agregarle negro para que sea aún más oscuro. Realmente hay varias formas de hacer esto. Ahora, se puede ver que podríamos pintar algo usando principalmente rojo y aún así mejorarlo bellamente con luz y sombra. Utilizo esta técnica exacta cuando pinté esta rosa azul y no parece que usara nada más que solo azul a primera vista. Como principiante, pondría a prueba mis colores en papel primero y planearía todo con anticipación. Hoy en día, he desarrollado un hábito de jugar con todas las herramientas que hoy te estoy dando para crear el resultado final que voy por, porque las conozco bien, pero el marco sigue siendo el mismo. Al menos un tono claro o técnica para crear tonos claros, oscuros usando colores como el marrón, el negro, índigo, y mis colores principales en el medio. Otra forma en que puedes crear luz en un cuadro sin preocuparte por preservar o agregar blancos es escoger colores luminosos y jugar con la mezcla de colores. Tomemos rojo otra vez. Es bastante brillante, lo que ayudará a darle algo de vida a una pintura. Para mayor brillo, ¿por qué no mezclarlo con un tono amarillo brillante y una variación de color igualmente brillante. Para sombras añadidas, vamos a crear una versión aburrida de este rojo para equilibrar con el brillo. Para aburrir cualquier color, mézclalo a un poco del color opuesto en la rueda de color. El verde es opuesto al rojo en la rueda de color, así que probemos esto. índigo o el marrón siguen siendo opciones interesantes y eres bienvenido a experimentar con todas las técnicas que aprendas aquí. Espero haberte mostrado con esta lección que con solo color, hay mucho espacio para juegues y experimentes aquí y llegarás a aplicar algunas de estas técnicas a nuestros proyectos como bien. Hay una cosa más que puedes hacer para aprovechar el color para obtener una gran luz y sombras, así que veamos en la siguiente lección antes de empezar a trabajar con nuestro proyecto. 9. Técnica #7: formas de aplicar: [ MÚSICA] Anteriormente vimos cómo ciertos colores, así como la mezcla de colores pueden ayudar con luz y las sombras, y en esta lección, vamos a ver formas de aplicar color, y cómo eso afecta a una pintura. ¿ Cuánto diluye el pigmento con agua puede impactar la luz y la sombra? Tomemos el índigo, un tono bastante fuerte que puede crear bonitas sombras en un cuadro. Cuanto más agua agregue, el índigo más ligero se vuelve, más transparente. Por el contrario, entre más pigmento añadir, oscuro se vuelve, más opaco. El poder en esta técnica es que con mucha agua, la pintura se volverá transparente y saldrán los blancos del papel. Observe cómo en este cuadro usé índigo, pero lo diluí tanto que se ve muy ligero, y contribuye a agregar luz aquí. La sombra más fuerte aquí es un tono marrón que apliqué en una capa muy gruesa que era muy poca agua ahí. Se ve muy opaco y debido a que también es bastante oscuro, se suma a las sombras en este cuadro, que va a mostrar que incluso con tonos oscuros como el marrón y el índigo combinados, todavía se puede crear una luz y sombras contrastarán bellamente entre sí. Otra forma de cambiar la intensidad de un color se hace con capas. El estratificación es cuando se aplica una capa de pintura, se deja secar y se agrega otra capa de pintura encima del mismo o de un color diferente. Agregar capas, hará que el color sea cada vez menos transparente. Dependiendo de qué color capas encima de otro crearás nuevas variaciones. Vamos a capas de naranja aquí y a ver. El primer capa se ve bastante ligero. Una segunda capa hace una mirada notablemente más fuerte. Una tercera capa hace que se vuelva bastante opaco. Ahora te voy a mostrar cómo agregar un color diferente encima del primero puede impactar la luz y la sombra. Este tono marrón se ve bastante bronceado aquí. Pero al agregar amarillo en la parte superior, se vuelve un poco más luminoso sin alterar demasiado el tono original. Utilizo esta técnica de vez cuando cuando siento que mi pintura carece de algo de vitalidad. Esto se llama acristalamiento cuando capas un color encima de otro como este. Esta escena desértica es un ejemplo de eso. Usé el naranja brillante para darle a la arena un brillo agradable y vibrante, y la pintura pasó de bronceado a vibrante con unos pocos trazos. Lo contrario se puede hacer para broncearse por un color que encuentres que un poco demasiado brillante. No olvides descargar el resumen de todas las técnicas para tenerlas a mano, y los veré en la siguiente lección para hablar de suministros y ver qué vamos a necesitar para pintar el proyecto de hoy. [ MÚSICA] 10. Materiales útiles para el proyecto de hoy: [ MÚSICA] En esta lección, voy a repasar los pocos suministros de acuarela, vamos a necesitar pintar el proyecto de hoy. Se trata de papel de acuarela. He cortado una pieza de seis por ocho pulgadas. Está hecho de 100 por ciento de algodón. No olvides descargar una lista detallada en la sección de recursos, pero para darte punteros, puedo recomendar marcas como Arches, Winsor, Newton, Cison I'Heritage y Saunders Waterford. En general recomiendo encarecidamente frío 100 por ciento de algodón papeles prensados enfrío 100 por ciento de algodónsi se llega a probar, ya que hacen todo el proceso más fácil y el resultado mejor en mi opinión. [ MÚSICA] La cinta de enmascaramiento es muy útil para pegar hojas de acuarela hacia abajo para que no se muevan mientras pintan. Son geniales para crear esos lindos y afilados bordes alrededor de la pieza también. [ MÚSICA] Necesitaremos un lápiz, una regla, y una goma de borrar para dibujar un boceto rápido. [ MÚSICA] Para pinceles hoy usaré un cepillo redondo grande para el fondo, [EXTRANJERO] talla 3. Para pequeños trazos y detalles finos, usaré dos pinceles pequeños alrededor y puntiagudos, el cepillo plateado terciopelo negro tamaños 4 y 8, y [FOREIGN] talla 2/0 pincel redondo. [ MÚSICA] Hoy necesitaremos sólo cuatro colores, un tono umber quemado o cualquier marrón que tengas, amarillo o un amarillo, naranja, rojo, e índigo. Los que estoy usando hoy son la filosofía del arte, pinturas de grado artista, las acuarelas estudiantiles harán igual de bien aquí. Los he vertido en medias pinturas y me gusta usar esto para almacenar mis pinturas y mezclar colores en estos grandes pozos. [ MÚSICA] A continuación necesitaremos una toalla de papel para poner nuestro pincel y quitar el líquido de enmascaramiento. [ MÚSICA] Ten listos dos frascos de agua, uno para mojar el cepillo, otro para enjuagar. [ MÚSICA] Para enmascarar una parte de mi pintura, usaré esta botella de goma de dibujo Pebeo. [ MÚSICA] Para aplicarlo, voy a usar este modelador de color. Si tienes un pincel viejo, puedes usar eso en su lugar. [ MÚSICA] Para aumentar los reflejos se estará usando gouache blanco y un bolígrafo de gel. [ MÚSICA] Para aumentar las sombras que no es obligatorio si no tienes una, utilizaré un bolígrafo Pitt Artist impermeable Faber-Castell. Este está muy bien como se puede ver aquí. Por último, para acelerar el tiempo de secado, me gusta usar una pistola de calor. Si tienes un secador de pelo o si solías dejar que las cosas se sequen por su cuenta, también es una opción. [ MÚSICA] Ya estamos listos para empezar y continuación vamos a estudiar la foto de referencia para nuestra pintura. Sé que vamos a tomar el cuadro paso a paso. Si eres principiante no te preocupes, solo siéntate, relájate, sumérgete en el proceso de pintura y toma cada lección a tu propio ritmo. Nos vemos a continuación. [ MÚSICA] 11. Parte 1: estudio de referencia: [ MÚSICA] En esta lección, vamos a identificar una luz y sombra y la foto de referencia para nuestra pintura y más adelante, veremos cómo traducir una foto como esta en una pintura usando las técnicas de las lecciones anteriores. La elección de la foto en sí es muy importante cuando pintas desde referencia. Por lo que a mí respecta, me he dado cuenta de que si no estoy sintiendo la foto, si no me inspira mucho, entonces el cuadro podría no resultar tan grande, me pasó antes, y todo lo que me pasó antes, se necesita a veces es sólo para cambiar la referencia. Esta foto ya nos pone para el éxito ya que el alto contraste entre las partes de luz, el cielo, el agua y la mesa, y las sombras, los árboles, y la copa es bastante obvio. También hay elementos bonificados para aumentar aún más la luz y la sombra, el efecto bokeh, y el reflejo de los árboles, y la gran y larga sombra debajo de la copa. Al mirar esta foto, ya puedo decir que para que el cuadro sea exitoso, necesitaremos renderizar esta cantidad de contraste mientras le agregamos un poco de color para que no se vea como un monocromo. Ese color es lo que yo llamaría el tono principal en el cuadro para equilibrar entre luz y sombra. Aquí está naranja y variaciones de la misma. Hay algunos en los árboles y el reflejo, que es genial para que las sombras ahí no se vean demasiado sombrías, y veo algunos más en la copa y un poco para la mesa. Luz y sombra está estrechamente ligada a la profundidad que somos capaces de construir en un cuadro. La profundidad hará que un cuadro sea más creíble. Con paisajes, el patrón siempre es el mismo para eso. Fondos borrosos y colores claros hacia la parte posterior y elementos detallados en el suelo medio o en primer plano con tonos más audaces. Si miras de cerca la foto, puedes ver que los árboles son borrosos y los colores en la foto se ven transparentes en su mayor parte, lo que indica que esta parte no está enfocada y bastante lejos, por lo que nosotros ya puede planear mantenerse suelto ahí en mantener nuestras pinturas bastante transparentes para hacer ese mismo efecto. En la copa, sin embargo, debido a que está mucho más cerca y en foco, los mismos colores se ven notablemente opacos. Renderizar que con más capas o simplemente un lavado de pintura más grueso hará el truco y ayuda a colocar el foco en nuestra taza también. El cuadro es de color bastante claro, que podemos traducir usando más agua ahí, pero hay pequeñas grietas y marcas de madera que podemos colocar para hacerlo más realista con textura. No queremos exagerar ahí para dejar que la copa siga siendo la estrella del cuadro. Por último, el efecto bokeh, la sombra debajo de la copa y entre las tablas y el buen contraste entre cielo, agua, y árboles, y copa nos ayudará a pintar una pieza que debe parecer realista y agradar a todos a la vez. Sombra aligerada también nos ayudará a hacer que la taza y la mesa se vean 3D. Espero que este pequeño análisis te haya ayudado a entender cómo acercarte a un paisaje de acuarela al pintar desde referencia. En la siguiente lección, vamos a empezar a dibujar el boceto. Nos vemos a continuación. 12. Parte 2: ¿qué (no) dibujar dibujar ?: [ MÚSICA] Estamos listos para dibujar un boceto. En primer lugar, asegúrate de que tu hoja esté firmemente pegada a la superficie en la que trabajarás ya que estaremos pintando justo después de eso. Me sorprendió mucho saber con One Accord Painting que un boceto no necesita ser muy complejo, sobre todo para paisajes. La mayoría de las veces, la simple línea para el horizonte hará el truco. En este cuadro, tenemos un poco de detalle, la copa sobre la mesa, y eso es lo que vamos a necesitar para bosquejar. [ MÚSICA] Empezaré con la línea del horizonte como siempre. Se puede ver claramente en la foto como su cielo separado y el agua. Lo colocaré alrededor de un tercio de la página partiendo de arriba. El cuadro parece que está ubicado alrededor del tercio inferior de la página y ves que la línea no es recta, así que la estoy rastreando para que se vea precisa. Si bien, no te preocupes ya tampoco necesitamos ser extremadamente precisos. Hay un poco de perspectiva mostrando con la mesa. Los tablones se ven más grandes cuando están más cerca nosotros y se hacen más pequeños hacia el final. Asegúrate de renderizar esto con tus propias líneas. Ya tenemos una gran base. Porque habrá sombras fuertes entre cada tablón y porque las líneas son tan duras en la foto, decidí trazarlas para saber exactamente dónde pintar esas sombras. Por regla general, se puede dibujar cualquier cosa que ya muestre una línea muy dura en la foto. Es el caso del horizonte, con una clara separación entre cielo y agua, y también la copa y la mesa. Cualquier otra cosa como los árboles o los pequeños detalles como las grietas en la mesa, podemos pintar sin bosquejar primero como prefieras. [ MÚSICA] Para más orientación, voy a dibujar una línea de luz donde los árboles terminan tanto en el cielo como en el agua pero sé que podría prescindir. [ MÚSICA] Un elemento muy importante en la pintura es la copa. Tiene una forma detallada y la estrella del cuadro, por lo que queremos incluirlo ahora. Esto también ayudará a asegurarte de que tus proporciones se vean bien ya que por ahora todavía puedes borrar y empezar de nuevo. [ MÚSICA] No dibujo todas las formas en un cuadro dependiendo de lo que sea. Por ejemplo, si estoy pintando una escena de bosque y hay rocas en primer plano, podría añadirlas directamente con la pintura última, pero eso depende de las técnicas de pintura que te gusten usar y también qué tan claros u oscuros son esos elementos. Si realmente son ligeras y contribuyen a la luz en la pintura, podría ser una buena idea planear para estos elementos, justo desde la fase de bocetos. Eso es porque no quieres estropearlos con colores oscuros. [ MÚSICA] Ves que aquí no hay talla única. El modo de abordar un cuadro es algo muy personal y cambiará con el tiempo. Habrá técnicas que prefieras. Para mi estilo realista, quiero que esta taza se vea nítida y por eso voy a estar usando un chicle de dibujo. [ MÚSICA] Recuerda que puedes usar un pincel viejo en el que frotas este jabón primero. Si no tienes chicle de dibujo o líquido de enmascaramiento, también puedes evitar la taza y la mesa, aunque no te recomiendo que en este caso específico porque la copa es demasiado pequeña y detallada, será difícil. [ MÚSICA] experiencia, sé que podría evitar la mesa, pero me costará mucho mantener esas líneas luce rectas y afiladas y me va a ralentizar. Además la mesa es muy ligera en color también, por eso prefiero enmascarar las áreas. Podría conseguir mi pincel de pintura, no estoy pintando el agua. Ya que estamos enmascarando la copa, bien podríamos enmascarar la mesa también. [ MÚSICA] Ahora, voy a dejar que esto se seque por completo y cuando lo haga, conozcamos a continuación y mezcle colores. 13. Parte 3: elecciones de colores ganadas: En esta lección, vamos a mezclar los colores para que podamos enfocarnos en pintar después. Mis pozos están listos. Los colores para hoy son amarillo-naranja. Puedes tener amarillo o naranja en su lugar. Umero quemado, rojo, e índigo. umber quemado y el índigo nos van a ayudar a acumular sombras. Rojo y amarillo, naranja serán nuestros colores principales. A los que ayudan a iluminar un poco este cuadro. Para las luces, utilizaremos muchas de las técnicas que mostré anteriormente, entre ellas gouache blanco y un bolígrafo de gel blanco. Mojemos nuestro pincel y primero mezclaremos naranja. Ya ves a la mía se le llama amarillo-naranja y se parece más a una naranja. se ve tu propio tono no es muy importante para el resultado final, es tener tus colores principales, algo de luz, y algo de sombra. A mí me gusta empezar con agua y mezclas. No sólo vamos a necesitar colores transparentes, recuerda que se logra mediante el uso de más agua que pigmento, sino que también es más seguro comenzar con ligeros lavados de pintura. Ayuda ver adónde vas con un cuadro y corregirlo si es necesario. Repito con umber quemado y mezclar más de ella porque hay mucho en los árboles. Lo mismo con el índigo. No sólo usaremos el índigo para las sombras, sino también para pintar el cielo y el agua. Aquí, el índigo servirá para dos propósitos; las luces y las sombras. Añadamos un poco de rojo que podemos agregar aquí y allá en los árboles. Ya terminamos, vemos a continuación para nuestra capa fundacional. 14. Parte 4 de fondo: [ MÚSICA] Ahora se pegó el papel, se hace el boceto, se mezclan los colores, deja relajar completamente en pintura ya que lo vamos a llevar paso a paso. Si pudiste usar líquido de enmascaramiento en la taza y la mesa en tu pintura, míralo con ayuda extra para que puedas enfocarte completamente en pintar el fondo, esa primera capa fundacional en la pintura. Esta primera capa nos va a permitir colocar los colores donde queremos que estén e incluso colocar la primera sutil luz y sombra. En esta etapa temprana, me gusta usar mi pincel redondo talla tres, y es un tamaño perfecto para la hoja seis por ocho en la que estoy trabajando. En primer lugar, mojemos generosamente nuestro pincel y aplicamos el agua sobre papel. Dado que este papel está crudo en este momento, recomiendo mojarlo muy bien yendo de ida y vuelta para llegar a todos los rincones y rincones e insistiendo desde hace algún tiempo. De esta manera el agua puede hundirse en las fibras y si agregas algo más, habrá algunos en la superficie también para que la pintura se mezcle bien. [ MÚSICA] Se puede ver que pinto sobre la taza ya que quiero que el área pequeña dentro del mango esté mojado, sí evito las partes en la mesa no enmascaré, y esto no es porque quiera usarlo para la luz, pero debido a que es de color tan claro y una forma tan precisa, quiero mantenerlo limpio e intacto para que más adelante podamos pintarlo con nuestro tono naranja marrón claro. Con mi pincel redondo y puntiagudo, el más grande de los dos que usaré en esta clase, me estoy preparando para pintar cielo y agua. Vamos a usar el índigo con la técnica de transparencia, lo que significa que esta es una versión acuosa del índigo y contribuirá a agregar luz a la pintura. Para empezar, puedes ver que agrego muy poco. Es muy ligero. Aumentaremos el color en algunas zonas más adelante y nos encargaremos de dejar algunas de esas áreas muy claras mostrando. Ahora, aplicemos umber quemado para las montañas a ambos lados de la línea horizontal. Quieres que se vea simétrico y si no es perfectamente el caso, está bien. [ MÚSICA] Recuerda queremos que se muestren algunos de nuestros colores principales, naranja y rojo, así que este cuadro no es una corona modal marrón, así que ahora estoy agregando naranja. Recuerda en esta etapa la pintura se estará extendiendo así que trata de no aplicarla demasiado cerca de la parte superior de la página, ya que el cielo podría no mostrarse más. [ MÚSICA] Ahora poco a poco estoy agregando más pintura a mis mezclas. Esto se debe a que la sábana se está secando a pesar de que es posible que aún no se dé cuenta, por lo que no queremos seguir usando demasiada agua. Esto también porque queremos empezar a construir luz y sombra. Con una mezcla marrón más gruesa y a continuación una mezcla de naranja más gruesa, agregaremos profundidad a esos árboles, esas partes superiores luciendo muy ligeras, quemadas por el sol, y esas partes inferiores más profundas, más oscuras. Agregar más pigmento a las mezclas y algunas partes de la pintura también contribuirá a una mayor vitalidad, ya que como podría haber escuchado, las acuarelas se secan más claras. [ MÚSICA] Estoy contento con las miradas de esos árboles, así que ahora, vamos a añadir algunas líneas rectas en el agua para enfatizar que se trata de reflexiones. [ MÚSICA] Puedes dejar que esto se seque o usar tu pistola de calor o secador de pelo como yo. Sí luce más claro y sí tenemos un bonito tono más azul sutil que muestra para el cielo y el agua. Vamos a encontrarnos a continuación para una segunda capa. [ MÚSICA] 15. Parte 5: capa de fondo 2: ajustes Impactful: [ MÚSICA] Disfruto trabajando en capas, y ciertamente como esto ayuda a hacer pequeños ajustes y poco a poco. Te animo encarecidamente a trabajar de esta manera sobre todo si eres principiante. Volvamos a mojar nuestro papel de la misma manera que lo hacíamos antes, excepto que esta vez a su alrededor no tomará mucho tiempo ya que el dient// y el papel ya se ha llenado de pintura. Tampoco queremos que nuestra segunda capa siga extendiéndose por lo que menos agua es genial aquí, y como ya agregamos pigmento a nuestras mezclas, estamos bien para ir. [ MÚSICA] Empiezo con el agua. Algunas partes de más oscuro hacia abajo. Recuerda que el estratificación contribuye a agregar sombras, y aquí esto contribuirá a la profundidad también. [ MÚSICA] Cuanto más cerca esté el agua, más oscuro. Observe que dejo esa zona en el medio intacta para mayor luz. [ MÚSICA] Ahora quiero trabajar un poco más en los árboles, para aumentar la vitalidad de nuestro tono naranja para darle sabor a la pintura un poco, y también hacer que las sombras de umber quemadas sean mucho más oscuras. [ MÚSICA] Con umber quemado, evito la parte superior sub quemada de los árboles. [ MÚSICA] En los ejercicios, les expliqué que se puede hacer un color oscuro aún más oscuro con otro. Este es el caso aquí del umber quemado y el índigo. Descubre cómo agregar índigo a umber quemado se convierte en un tono marrón intenso y oscuro. Esto va a maximizar nuestras sombras como sería bastante limitado mediante el uso de umber sólo quemado. Parto desde la línea horizontal y me aseguro de añadirlo en lugares también en la parte superior para construir un contraste entre las naranjas vibrantes y este tono marrón. [ MÚSICA] Agregamos un poco de rojo para nuestra vitalidad, solo un poco para mí. Preferiré que mi [inaudible] solo se quede principalmente de color naranja para que coincida con la copa y la mesa. [ MÚSICA] Aumento la impresión de reflexiones. Ahora el papel se está secando y la pintura es más gruesa, mostrarán más. [ MÚSICA] Sé que la pintura se verá más ligera cuando esté seca, así que no tengo miedo de agregar una mezcla espesa añil ahora en la base de los árboles. [ MÚSICA] Una forma fresca de mostrar cómo los árboles del fondo son parte del agua, es crear un pequeño resalte debajo de la línea [inaudible], para separar ambos conjuntos de árboles de una manera muy sutil. Si miras la foto, incluso la puedes ver ahí. Para renderizar que utilizo unas técnicas de elevación sobre pinturas húmedas. Con un pincel limpio y sediento, simplemente presiono para empapar esa pintura en esa zona y crear un punto culminante. Observe aquí cómo todas estas técnicas que les he mostrado son útiles a su manera. El levantamiento es mi favorito porque es tan útil y discreto todo a la vez, y aquí es perfecto. Se ve genial. Probemos esto. [ MÚSICA] No puedo esperar para empezar con los elementos principales del cuadro. Nos vemos en la siguiente lección para pintar la mesa. [ MÚSICA] 16. Parte 6: pintura de luz primero: [ MÚSICA] En esta lección, vamos a pintar la mesa. Pero primero, déjame quitarme el chicle de dibujo. Todo incluso en la copa, así que estoy seguro de que la forma se mantiene intacta. [ MÚSICA] Pintar temas que están enfocados, como la mesa y la copa, es una historia diferente a pintar elementos lejanos que no están destinados a lucir detallados. Por eso aquí y para el resto de la clase, vamos a pintar sin mojar el papel. Simplemente vamos a llenar con color las formas que dibujamos. Vamos a pintar la mesa de una manera diferente a la taza. Si vuelves a mirar la foto de referencia, notarás que la mesa es muy ligera en color. Este claro tono marrón anaranjado le saca el máximo provecho. Los únicos tonos oscuros son las sombras entre los tablones y la sombra de la copa y las pocas grietas. Es por ello que para esta tabla, queremos iniciar la luz y posteriormente añadir las sombras. Voy a usar de nuevo este pincel redondo y puntiagudo. No uso la talla más pequeña que poseo aún, ya que la mesa es bastante grande y este tamaño de pincel se siente más adecuado. Noté que la sombra en la mesa es un marrón anaranjado y es conveniente ya que sí tenemos todos estos colores en nuestra paleta. Vamos a mezclarlos. [ MÚSICA] Aviso Estoy usando una vez más la técnica de transparencia para pintar esta mesa. Para que luzca ligero y contribuya a iluminar esta pintura, lo mejor es diluir los pigmentos en mucha agua. Recuerda, siempre puedes ajustarte más adelante con otra capa. [ MÚSICA] Para evitar que esta mesa parezca que es un mismo tono exacto y que la haga un poco más interesante, estoy agregando unos trazos de la misma mezcla solo es un poco más oscuro. [ MÚSICA] Mientras en general, la mesa se vea mucho más ligera que la taza y las bandejas, contribuirá a equilibrar las sombras realmente bien. Está bien agregar un poco de pigmento en tus pinturas. [ MÚSICA] Ya terminamos aquí, así que vamos a encontrarnos junto para añadir sombras sobre la mesa. [ MÚSICA] 17. Parte 7: tabla para añadir sombras: Para pintar las sombras de esta mesa, voy a empezar con umber quemado para hacerlas mucho más oscuras que la mezcla que hemos hecho previamente usando umber quemado, naranja, y mucha agua. Esta vez queremos que la mezcla sea bastante oscura. Se puede ver que la mezcla de umber quemada también es un poco más cremosa que esta última porque ahí hay un poco más de pigmento. Simplemente estoy llenando las líneas ahí para que parezca que hay un hueco entre los tablones. [ MÚSICA] Antes de que se seque agrego esta mezcla de umber quemado y añil que usamos en el rastro antes. Se extiende al otro color, creando un bonito gradiente entre el umber quemado y el tono marrón oscuro. Recuerda, este es nuestro tono más oscuro y es muy efectivo enfatizar las sombras. Como te darás cuenta, no necesitamos añadir mucho de ello. Sólo un toque será suficiente. Es justo lo mismo con unos reflejos muy brillantes que vamos a sumar al final. [ MÚSICA] Se ve genial, pero quizá veas cómo los tablones se ven sosos y aburridos ahora, fuera de equilibrio donde las sombras fuertes, aquí es cuando entra la textura. Mezclemos más de umber quemado y naranja. Esta vez no estamos agregando agua. Para que la textura se muestre y contraste con la capa base del mismo color que pintamos antes, necesita ser más gruesa con la pintura. Hablamos de ello cuando mencioné que cuanto más pintura haya en la mezcla, más opaca se vuelve, y más puede contribuir a construir sombras. Aquí vamos a utilizar la técnica de pincel seco, que es genial para la textura. Es por eso que me ves pegarle un par de veces mi pincel en la toalla de papel para deshacerme de la mayor parte de la mezcla y asegurarme de que lo que queda en el pincel no esté tan mojado. Ahora, cepillemos la superficie de los tablones y algo de textura empieza a bombardearse. Asegúrate de hacerlo en la misma dirección que los tablones. [ MÚSICA] A continuación, usemos este pincel más fino para más detalles. Quiero agregar un poquito de las sombras fuertes para la textura así que estoy usando un tono marrón oscuro que conseguimos con umber quemado y añil. Pintemos las grietas con él. No hay muchos de ellos, por lo que mejorará el tono claro de los tablones bien mientras se equilibra con las sombras que separan a cada uno de ellos. [ MÚSICA] Por agregar textura y diversión, voy a salpicar algunas pinturas también. Como se ve en la sección técnica de la clase, puedes usar salpicaduras tanto para resaltar como para agregar un poco de sombra. En este caso, lo estoy usando para sombra y textura por lo que se requiere una mezcla más oscura que la de la mesa. Temprano mencioné que si encuentras tu primera capa demasiado ligera, es posible capas más pinturas para hacerla más oscura. Yo voy a hacer justamente eso, pero en algunos lugares de tablones, no en todas partes, porque como tal todavía le falta algo. Encuentro la capa base. Se ve como un tono sólido todavía y quiero agregar algo de variedad a eso. [ MÚSICA] Usemos capas para aumentar las sombras y los espacios entre tablones. El lado derecho debe ser más oscuro como lo es a uno en el fondo de lo que podemos ver de esos pasos. [ MÚSICA] Estoy mezclando más del umber quemado y el índigo ahora para pintar una larga sombra que podemos ver debajo de la copa. Trata de no hacerlo demasiado oscuro y opaco como queremos que la mesa y la textura se muestren quietos. A pesar de que es una mezcla bastante transparente, sigue siendo una sombra porque el color es mucho más oscuro que la mesa. Por eso sigo hablando equilibrio entre la luz y las sombras. [ MÚSICA] Estamos listos para pintar la taza, así que nos vemos en la siguiente lección. 18. Parte 8: pintura de sombras: En esta lección, vamos a pintar la taza. En primer lugar, vamos a quitar el chicle de dibujo. Para la copa estamos trabajando definitivamente desde la mesa. Esto porque si lo miras, es la mayoría de los tonos oscuros y un poco de claros y los más destacados. Tiene más sentido comenzar primero con las sombras y agregar los reflejos más adelante. Se puede ver la forma de la copa se conserva muy bien por el chicle de dibujo. El fondo de la misma se ve un poco apagado, pero eso está absolutamente bien ya que podemos enfatizar la sombra ahí y hacer mejor el filo. acuarela se conoce como un medio difícil, pero encuentro que cuando te entrenas para trabajar con el agua, cuando juegas con la mezcla de colores y cuando te aseguras de arrancar la luz, se vuelve más fácil pintura. Cualquier cosa que te propongas con el tiempo y la práctica. Estás en el buen camino practicando como ahora mismo. No quiero un borde duro en la sombra. Estoy reforzando debajo de la taza, así que me aseguro de suavizarlo con un pincel limpio y ligeramente húmedo. Hagamos un poco más de umber quemado y también de umber quemado y un montón de naranja para crear este bonito color que podemos ver en la copa. Podrás hacer tus mezclas bastante cremosas con pigmentos como aquí, queremos que estos colores sean opacos y que destaque esta taza. Ahora las partes más ligeras han sido pintadas en esta pieza. Sé que puedo usar pinturas opacas con confianza. Yo quiero hacerlo al revés. Me siento más seguro, empezaré en luz y ajustándome poco a poco para crear un buen equilibrio en la pintura. [ MÚSICA] La parte inferior de la copa es más ligera por ahora. [ MÚSICA] Desde que usé índigo y umber quemado para crear la sombra debajo de la copa, estoy usando esto también, para hacer que el interior de la copa que podemos ver se vea hueca. Añadiré un poco más en la parte inferior también y algunos detalles en la copa. [ MÚSICA] Voy a seguir agregando al mango y partes de la copa. [ MÚSICA] Nos estamos acercando realmente a terminar este cuadro así que nos reunamos a continuación para agregar algo de luz a esta copa. 19. Parte 9 – taza : añadir luz: [ MÚSICA] Esta lección y la siguiente son donde ocurre la magia, donde todo se junta en el cuadro ya que ahora vamos a estar agregando reflejos a la copa y más tarde estaremos agregando algunos toques finales. [ MÚSICA] Voy a trabajar con mi gouache aquí. [ MÚSICA] Recomiendo recogerlo directamente del tubo para que sea grueso y muestre como blanco brillante incluso después de que se seque. [ MÚSICA] Voy por el borde de la copa primero y siguiente voy a utilizar la foto de referencia para colocar los reflejos en el mango y en la copa misma. [ MÚSICA] En la copa misma, los aspectos más destacados no son como los otros. Estoy diluyendo un poco el gouache con agua. [ MÚSICA] No se muestra en la referencia, pero creo que agregar algo de gouache blanco a continuación los patrones ayudará a mejorarlo mejor. Yo voy a hacer eso. [ MÚSICA] Reunámonos en nuestra lección final y terminemos de amplificar línea y sombra. 20. Parte 10 de 10 – amplificar con detalles: En esta última lección, estamos listos para que este cuadro sea aún más hermoso con luz y sombra añadidas y algunas técnicas geniales de las que hablamos anteriormente. En primer lugar, vamos a salpicar algo de gouache blanco para agregar reflejos en la mesa. [ MÚSICA] Mira lo bonito que se ve ya. Realmente se está sumando a la luz general. Asegúrate de diluir un poco tu gouache, ya que haces esto, de lo contrario no saldrán fácilmente. Retira el agua del cepillo o las salpicaduras salen demasiado grandes. Con un bolígrafo de gel blanco, voy a añadir algunos reflejos afilados en lugares, lo estoy haciendo espontáneamente donde creo que se necesita. Este es realmente el escenario en el cuadro donde más me estoy divirtiendo e impacientemente esperando ver los looks finales. [ MÚSICA] Con mi pluma Pitt marrón Faber-Castell, estoy fortaleciendo algunas de las sombras. Podría haberlo hecho sin honestidad, pero para la clase quería mostrarte cómo lo uso. [ MÚSICA] Me encanta esta técnica aquí para dibujar grietas más pequeñas, finales en la madera altamente efectivas. [ MÚSICA] Ahora uno fresco es levantar las pinturas secas. Fue una de las primeras técnicas de las que hablamos. Humedece el papel en forma de círculo y frota ahí una toalla de papel para quitar la pintura para crear ese efecto bokeh. [ MÚSICA] Me encantaría ver tu versión de esta pintura y tus ejercicios, así que por favor compártelos con nosotros en la sección Proyecto y Recursos de la clase. Nos vemos una vez más con unos pensamientos finales. 21. Algunas reflexiones finales: [ MÚSICA] Enhorabuena por completar esta clase. Espero que hayas pasado un rato divertido pintando a lo largo y aprendiendo sobre estas técnicas de luz y sombra. Antes de irte, no olvides compartir tu proyecto y tu práctica de técnicas en la sección de proyectos y recursos de la clase, estaré encantado de ayudarte si es necesario y darte alguna orientación. También puedes dejarme una reseña de clase aquí en Skillshare para hacerme saber lo que pensabas de la clase, y sígueme para que te actualices cada vez que subo una nueva clase de pintura. Soy activo en YouTube e Instagram con montones de inspiración chisporroteante. Ahí también me puedes encontrar y usar el #createwithfrancoise para conectarme. Muchas gracias por pintar junto a mí hoy y nos vemos en la siguiente clase. [ MÚSICA]