Pintar luces y sombras: Conceptos básicos para retratos y personajes | Gabrielle Brickey | Skillshare
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Pintar luces y sombras: Conceptos básicos para retratos y personajes

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:49

    • 2.

      Términos e ideas

      10:23

    • 3.

      Planos de la cabeza

      4:05

    • 4.

      Tonos de piel

      5:21

    • 5.

      Fuentes de luz

      9:26

    • 6.

      Ángulos de iluminación

      5:27

    • 7.

      Técnicas de mezcla

      4:58

    • 8.

      Las formas pequeñas del rostro

      1:22

    • 9.

      Más efectos de iluminación

      6:38

    • 10.

      Cómo utilizar referencias

      3:57

    • 11.

      Proyecto de clase

      2:07

    • 12.

      Demostración de la iluminación de un personaje

      28:44

    • 13.

      Demostraciones de retratos estilizados

      5:20

    • 14.

      Demostraciones de retratos realistas

      9:44

    • 15.

      Reflexiones finales

      1:54

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

14.567

Estudiantes

156

Proyectos

Acerca de esta clase

En esta clase, ¡aprenderás a pintar retratos con luz! Cubriremos todo tipo de situaciones de iluminación para que estés armado con las habilidades para representar con confianza una cara en toneladas de diferentes escenarios de iluminación.

Descubrirás cómo, a través de la observación y la práctica, puedes entrenar tus ojos y tu cerebro para ver y entender mejor la luz. A través de vídeos fáciles de seguir, ejercicios prácticos y demostraciones en clase, descubrirás cómo puedes representar la luz en tus modelos.

Si eres artista y la iluminación de tus personajes ha sido una lucha confusa, entonces esta es la clase para ti. Aprenderás los conceptos básicos de la iluminación que pueden llevarte a hacer grandes fotografías.

Si quieres aprender primero a dibujar retratos y personajes, ¡estos dos cursos te ayudarán a empezar! Después, ¡salta a la clase y empieza a pintar con luz!

Empieza a dibujar: técnicas para retratos a lápiz

Diseñar un personaje femenino: Dibuja retratos a lápiz

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Gabrielle Brickey

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Hey there! I'm Gabrielle Brickey.

And I'm so glad you're here!

I teach artists like YOU how to draw and paint portraits and characters you can be proud of. I'm so excited to help you improve your art skills, gain confidence, and create the art you've always dreamed of!

Jump into class. Let's get started. :))

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Transcripciones

1. Introducción: hoy en clase, estaremos explorando la iluminación para pinturas potrait en ilustraciones de personajes. La luz es un tema enorme, pero en esta clase la estaremos descomponiendo partes manejables que podemos potenciar nuestros conocimientos y hacer mejores piezas de arte. Aprenderás a detectar los patrones, formas y tendencias de la luz para que puedas tomar mejores decisiones artísticas en tus dibujos y pinturas. Hablaremos de los diferentes tonos de piel, los diferentes tipos de fuentes de luz, y cómo afectan los colores en nuestros temas. Veremos toneladas de ejemplos, desde la iluminación en la luz del sol, la luz nublado, la luz de ventana, y la luz eléctrica. También repasaremos los ángulos de iluminación comunes que funcionan maravillosamente para retratos e ilustraciones de personajes. Te estaré mostrando cómo me mezcla y obtengo bordes suaves con algunos de mis médiums favoritos; incluyendo marcadores, herramientas de pintura digital, pinturas al óleo, y pasteles suaves de tiza. También hablaremos de algunos efectos de iluminación realmente llamativos que puedes usar en tus piezas. Exploraremos la luz moteada, la dispersión del subsuelo, cómo obtener ese resplandor en tus piezas, y mucho más. Podrás ver como yo demo técnicas para personajes de iluminación en cuatro escenarios de iluminación diferentes. También estaré compartiendo mi proceso de pensamiento y métodos para pintar estilizados y retratos más realistas. Desde la clase, te alejarás con toneladas de materiales de referencia y recursos que te ayudarán a solidificar tu comprensión de la escritura. Estoy tan emocionado de compartir esta clase con todos ustedes. Espero que se unan a mí. Entonces, saca tu medio favorito y salta a clase. 2. Términos e ideas: Esta clase se tratará de detectar patrones. La luz es predecible cuando se trata de una fuente de luz en la cara. Verás patrones en forma se repiten de una cara a otra. Entonces, en esta clase, me voy a apegar a lo que sé. En lugar de tenerte sentado a través de una clase donde hablamos de la ciencia de la luz, me voy a quedar con mi perspectiva artística. Esta será una clase de iluminación muy observacional. Por lo que dejaré el aspecto científico de la luz a los profesores que puedan explicarlo mucho mejor de lo que pude. Si eres principiante, quiero que sepas tipo de idioma que estoy hablando aquí. Entonces repasemos algunas cosas de las que estaré hablando en clase para que sepas a qué me refiero. Me escucharás hablar mucho de los aviones de la cabeza en esta clase. Se trata básicamente de una conceptualización artística de la cabeza que ayuda a simplificar las formas del rostro, facilitando la pintura. En lugar de mirar la cabeza y tratar de averiguarlo todo, puedes dividirlo primero en simples reclamos. Esto puede ayudarte a capturar el efecto de iluminación en la cabeza. Entraremos mucho más en esto en el próximo video. Cuando hablo de temperaturas de color en esta clase, estoy hablando de lo cálido o lo genial que es un color. Los colores más cálidos, cuando están relacionados con todos los demás colores, son los rojos, naranjas, amarillos y verdes cálidos. Los colores más fríos tienden a ser los verdes, azules y morados fríos. Es importante recordar que un color puede ir tanto cálido como fresco. Al igual que aquí, tenemos un amarillo más frío y aquí tenemos un amarillo más cálido. El color es relativo. Este amarillo está más cerca de un verde y éste está más cerca de una naranja. En la cara, hay muchos cambios de temperatura que suceden. Si la iluminación es muy cálida, las sombras tenderán a enfriarse. Si la iluminación es fresca, las sombras a menudo tendrán un calor en comparación. Ahora, hablemos de color local. color local es el color natural de una cosa ya que aparece en luz neutra, no afectada por el color de una fuente de luz. color local de este limón es amarillo. Pero cuando encendemos diferentes fuentes de luz, el color cambia. Cuando el limón se pone bajo una luz azul, se puede ver ese cambio de color que sucede. Ya no es ese color amarillo local que normalmente pensamos cuando vemos un limón. Cuando lo ponemos bajo una fuente de luz cálida, se puede ver cómo cambia de nuevo. Ahora, el valor es la ligereza relativa o la oscuridad de un objeto. Los valores son súper importantes cuando se trata de iluminación. Los cambios de valor precisos le darán a tu retrato ese aspecto 3D, haciendo que lo que es 2D en el papel parezca real. También hablaremos de los valores de contraste. Aquí tenemos una imagen con valores de contraste altos. Esta imagen explora toda la gama de luces y oscuros. Si bien aquí tenemos un bajo contraste de valores más sutil, la imagen está bastante encerrada en solo un rango particular de grises. Es bueno tener el control de si quieres que tus turnos de valor sean de alto contraste o de bajo contraste. Ahora, hablemos de la diferencia entre fuentes de luz directas y difusas. Algunos ejemplos de fuentes de luz directas son el sol, un foco, o una bombilla sin pantalla. Las fuentes de luz directas tienden a dar como resultado una clara distinción entre luz y sombra. No hay nada entre la fuente de luz y el sujeto para difuminar o suavizar la luz. Entonces, las formas de luz y sombra son más fáciles de detectar. La calidad de borde entre luz y sombra en un escenario de iluminación directa es dura. El valor de contraste es mayor que un escenario de iluminación difusa. luz difusas son fuentes de luz que tienen algún tipo de agente suavizante frente a ellas, lo que resulta en un escenario general más suave que nuestros ejemplos anteriores de iluminación directa. Un gran ejemplo de un escenario de iluminación difusa está afuera en un día nublado. El sol sigue ahí, pero ahora está difundido por una manta de nubes. Ahora la luz viene de todas las direcciones diferentes todas a la vez, lo que resulta en ese efecto suavizante y menos contraste con los valores. A menudo, los fotógrafos usarán cajas blandas o paraguas para que puedan tener la opción de la iluminación más suave o difusa en sus estudios. Algunos tipos de retratos serán más halagadores con la iluminación suave. En una situación de iluminación difusa, es más difícil distinguir la diferencia entre lo que cae en la luz y lo que cae en la sombra. Puedes entrecerrar los ojos en tu referencia para ayudar con esto. Pero si eres principiante, es posible que te resulte más fácil practicar dibujar retratos en escenarios de iluminación directa mientras aprendes por primera vez porque las formas de luz y sombra son mucho más fáciles de ver. Es probable que tengas una experiencia más agradable dibujando un escenario de iluminación directa porque podrás ver las formas de valor más fácilmente. Por lo que llegarás a ese efecto 3D satisfactorio más rápidamente. Oirás a los fotógrafos hablar de su luz clave. Se están refiriendo a la fuente de luz principal que están utilizando. El luz clave o luz principal es lo que da forma a las formas del rostro. Además de la fuente de luz clave, los fotógrafos utilizarán una fuente de luz de relleno. Este tipo de luz se utiliza como fuente de luz secundaria, subordinada a la luz clave principal. Las luces de relleno se usan típicamente para rebotar una iluminación suave hacia las sombras. La luz de relleno puede ser una gran fuente de luz difusa o incluso puede ser una gran pieza de tablero blanco. Echa un vistazo a esta pizarra blanca. Ve cómo la luz principal está golpeando el tablero y luego esa luz está rebotando hacia arriba hacia las sombras. Cuando los objetos rebotan su color y luz hacia el sujeto, esto es a lo que nos referimos en el mundo de la pintura como luz reflejada. Descubre cómo estos papeles de colores también pueden rebotar hermosos colores. Todo objeto que recibe luz se convierte en otra fuente de luz. No tan fuerte como el primero, pero lo suficientemente fuerte como para empujar su color y luz hacia las áreas circundantes y las sombras. A menudo verás que las camisas coloridas reflejan la luz y el color de nuevo hacia arriba en la parte inferior de la cara. Es bueno entender los fundamentos de la luz y la sombra en una pelota. Esto ayudará cuando intentes renderizar otras cosas redondas como la cabeza o la bola de la nariz. En este escenario de iluminación directa, obtendremos una serie predecible de tonos. Si dibujamos todos estos tonos en debida relación unos con otros, podemos lograr esa realidad 3D en nuestros dibujos. Entonces hay luz y sombra. Estas formas son las primeras cosas esenciales que necesitamos para entrenarnos para ver. Cuando entrecerras los ojos hacia abajo, puedes ver estas formas más fácilmente. Ahora investiguemos este lado ligero. Hay unos tonos a conocer a la luz. El punto más destacado será el punto más ligero. Es un reflejo de la propia fuente de luz. Sin embargo, los reflejos no siempre son blancos puros. Entonces, cuando vas a pintarlas, puedes intentar experimentar con otros colores claros también. Ahora, si puedes, imagina este balón como tener planos facetados. El plano más orientado a la luz se llama la luz central. A medida que el avión comienza a moverse cada vez más y más alrededor y alejado de la fuente de luz, sólo están siendo golpeados parcialmente por la luz. Por lo que los valores se mueven poco a poco más oscuros y más oscuros. Estos se llaman los medios tonos. Ahora, el borde que ves como las transiciones de forma de luz a sombra se llama terminador. Es una transición bastante rápida en este escenario de luz directa. Ahora, investiguemos este lado más oscuro. Las sombras se descomponen en dos partes principales: la sombra de forma y la sombra de fundición. Las sombras de forma son aquellas de la forma misma a medida que los planos se alejan de la fuente de luz. En la sombra de forma, a veces encontrarás lo que se llama la sombra del núcleo. Esta es la parte más oscura de la sombra de forma. También encontrarás luz reflejada en la sombra de forma. Esto sucede porque la fuente de luz también está golpeando la mesa y básicamente convirtiéndola en una fuente de luz secundaria. Descubre cómo este papel rosa vuelve a poner luz y color en el tazón. Ahora, las sombras proyectadas ocurren cuando una forma bloquea la luz de golpear a otra forma. En este caso, el balón está bloqueando que esta parte de la mesa reciba luz directa de la fuente. Notarás sin embargo que un poco de luz reflejada rebotando alrededor de la habitación puede rebotar en la sombra del yeso. Entonces, como pueden ver, es un poco más ligero en valor aquí que aquí. Este espacio donde el balón se encuentra con la mesa es pequeño. Por lo que es difícil que cualquier cantidad de luz entre ahí. A esta oscuridad aquí se le conoce como la sombra de oclusión. Las sombras de oclusión, encontré, hacen bien cuando se pinta una cálida naranja marrón en un retrato. Las formas de luz y sombra cambiarán a medida que nos movemos alrededor de la fuente de luz. A medida que alejamos la fuente, las sombras proyectadas se hacen más largas. Pero con una fuente de luz directa, estos tonos básicos predecibles permanecen en la misma relación entre sí. Significado básicamente, ya sea que renderices una pelota en una clave alta o en una tecla baja, las relaciones de lo que es más ligero y lo que es más oscuro seguirán siendo las mismas. Si quieres seguir estudiando esto, puedes comprar formas geométricas en línea, pintarlas de diferentes colores y luego pintarlas bajo diferentes fuentes de luz. Los bordes duros exigirán atención de tus espectadores, mientras que los bordes borrosos serán un lugar para los ojos de tus espectadores se relajen y fluyan a lo largo de la pieza. Experimenta con diferentes bordes, haciendo que algunos afilados y otros sean suaves y borrosas. Esto le dará a tu pieza una mirada pictórica, una sensación de profundidad, y un elemento de realness porque nuestros ojos humanos no lo ven todo y enfocan todo lo que quiere. Entonces, intenta jugar con los bordes, aunque signifique cambiar lo que te dice la referencia de la foto, ya que las cámaras normalmente capturarán todo nítido. El borde de calidad alrededor del cabello es uno de los lugares más divertidos para experimentar. Por lo general, verás bordes más duros alrededor de las esquinas de la cabeza y luego bordes más suaves a medida que te mueves hacia abajo por la longitud del cabello. En realidad se pueden encontrar bordes blandos donde dos objetos tocando tienen un valor similar. De forma natural fluyen entre sí. Para que puedas agarrar un asimiento de esto en tu cuadro. No tengas miedo de dejar las cosas indefinidas. Además, busque áreas en las que dos bordes tocantes tengan valores radicalmente diferentes. Estas son grandes áreas para realzar la nitidez. Para hacer un borde afilado, utilice un contraste más alto entre los valores y una toma de marca decisiva. Usa un pincel de filo afilado, marcador fino o un lápiz afilado para ayudar a realizar el trabajo. Tener bordes duros y suaves puede darle a tu pieza de ritmo visual y hace que una pintura sea emocionante para seguir mirando hacia fuera. 3. Planos de la cabeza: Algunas situaciones son más adecuadas para comenzar con un boceto detallado, pero la mayoría de las veces, me parece que el enfoque más simple para iniciar un retrato y medios de pintura es hacer un boceto rápido para su colocación y luego saltar directamente a las grandes masas de color y aviones de la cabeza. Esta es la cabeza simplificada en planos por el artista Andrew Lemus. Pensar con la mentalidad de un avión, nos ayuda a pensar en la cabeza en 3-D. Pensar de esta manera puede llevarnos a una estructura sólida a la cabeza. No será plano, pero creíble porque tomaste en cuenta los giros 3-D de las formas de la cabeza. Mira estas pinturas de John Singer Sargent. Se puede decir que pensó en tres dimensiones. No estaba pensando en la cabeza en dos dimensiones en el lienzo, pero estaba pensando en la cabeza todo el camino. Descomponer nuestros sujetos en planos también nos da una forma simplificada de visualizar la gran declaración de iluminación. Con todas las complejidades de la cara simplificadas, es más fácil diseñar la luz. En una situación de iluminación dada, cada plano está inclinándose hacia la fuente de luz ligeramente diferente. Por lo tanto, cada uno de estos cambios de plano dará como resultado un cambio de color o valor. Esto puede ser un cambio casi imperceptible o un cambio obvio, dependiendo del plano y la fuente de luz. La frente se puede descomponer en tres planos principales, un plano central con planos laterales de dos ángulos. Esto se conecta a esta forma de piedra angular aquí entre los ojos y dos planos del ojo. El nariz se puede descomponer en un plano frontal, dos planos laterales que se inclinan hacia fuera, y luego dos planos de ala de la nariz superior, dos planos de ala inferior donde están las fosas nasales, y un plano inferior. En el pómulo, puedes dibujar tres líneas imaginarias. Uno al Masseter, el músculo masticador; uno a la barbilla; y otro a donde imaginarías que el diente canino puntiaguda aterrizaría. Esto crea ocho planos más, girando la cabeza de frente a lados. También se puede descomponer la boca en planos, siendo el más simple el labio superior orientado hacia abajo y el labio inferior hacia arriba. Pero también puedes dividirlo en seis aviones más pequeños como este. Estos son los principales cambios de plano que considero a medida que empiezo en un retrato. Entonces al rodar, empiezo a considerar los cambios de plano más pequeños, alrededor de la boca, la barbilla, y en el cuello. A la vista recta, los planos orientados hacia arriba, también conocidos como planos superiores, son aquellos que se enfrentan generalmente hacia arriba. Los planos orientados hacia abajo, también conocidos como bajo planos, se enfrentan generalmente hacia abajo hacia el suelo. Si estás teniendo dificultades para averiguar si algo es un plano orientado hacia arriba o un plano orientado hacia abajo, pon las manos en ese plano sobre tu propia cara y luego tira de él directamente en esa misma dirección. Si pudieras continuar el camino de tu mano para siempre, ¿llegaría eventualmente al cielo o al suelo? Podrás lograr una estructura realmente bonita a la cabeza cuando la descompongas en aviones como este. Un buen ejercicio que puedes intentar solidificar esta idea es dibujar los planos de la cabeza encima de las fotos. Una vez pasé por toda una revista e hice esto y fue realmente útil para mí. Hacer esto te ayudará a empezar a pensar en 3-D, pero también empezarás a notar los cambios de color y valor que suceden de plano a plano. Estos cambios de color de plano a plano son lo que nos van a dar nuestro principal efecto de iluminación cuando empecemos a pintar. En esta clase, en su mayoría estaré cubriendo el retrato de adulto, pero estos mismos planos se pueden aplicar a cualquier edad, raza o género, solo con diferentes proporciones y ligeras variaciones en las direcciones del avión. Estos aviones son sólo el punto de partida sin embargo. Una vez que obtengas estos, necesitarás agregar colores de transición o aplicar otra técnica de mezcla para ayudar a fluir suavemente un plano hacia el siguiente. Esto convertirá tu dibujo robot en un humano, pero hablaremos más de esto en el video de técnicas de mezcla más adelante en la clase. 4. Tonos de piel: tono de piel de una persona es realmente importante porque es uno de los colores principales con los que vas a estar trabajando en un retrato. Es una buena idea aprender a mezclar tonos de piel en los medios que elijas. Si trabajas con un medio tradicional, posible que encuentres que es una buena idea intentar copiar tu propio color de piel con iluminación neutra, y tomar nota de qué colores usas para ayudarte a obtener la mezcla que logras. Obtenemos la mejor representación del color local de una piel bajo iluminación suave neutra. Por supuesto, cuando empezamos a introducir fuentes de luz que manera más cálidas o frescas, como descubriremos, cambia el color de la piel y la luz en la sombra. Pero, conocer los conceptos básicos de mezclar los tonos de piel de color local será un gran lugar para empezar. También puedes mirar referencias. maestros pintores son geniales para estudiar. Sargento, Bouguereau, Zorn, o incluso algunos de los maestros modernos. Si te estás mezclando con pigmentos, un buen punto de partida para tonos de piel medios es un cambium rojo más ocre amarillo más blanco titanio más azul de King o azul aguamarina. Pero, en lugar de pegarse siempre a una receta de mezcla, tómese el tiempo para observar cada tono de piel y experimentar con otras combinaciones. Si puedes salir a una sesión de dibujo en vivo y pintar desde la vida, esta es una de las mejores formas de mejorar rápidamente todos los aspectos de tus habilidades de dibujo y pintura. Hay algunas cosas a considerar a la hora de determinar cómo pintar la piel de alguien. En primer lugar podrías considerar ¿cuál es el valor? ¿ Qué tan clara u oscura es su piel? Segundo, ¿cuál es el matiz general? Todos tenemos nuestras bases en un tono marrón anaranjado. Pero luego llevándolo más allá, ¿tienen una piel de uniters rosada o rojiza? ¿ O tienen un subtono amarillo o verde? ¿ O no hay un subtono distinguible? Haz comparaciones con otros colores para ayudarte a decidir. Algunos tonos de piel se inclinan más hacia tonos rosados o rojizos mientras que otros tienen matices dorados u olivos. Por último, ¿qué hace la saturación de su piel? ¿ Tienen un tono de piel más silenciado, o su piel es muy rica y saturada? Encontrar respuestas a estas preguntas puede llevarte a pintar mejores tonos de piel. Continúe experimentando, ajustando y ajustando cada componente de color a medida que se mezcla. Un gran color de pintura para mezclar todo tipo de tonos de piel es rojo óxido transparente. Puedes obtener muchas mezclas de tono de piel realmente hermosas cuando experimentas con esta pintura. Descomponiendo tonalidad un poco más lejos, a veces verás cambios de tonalidad que suceden entre estas zonas de la cara. En tonos de piel claros a medios, muchas veces la zona media donde están las mejillas y esas, tendrá un tono más rojo o rosa. Esto es lo más obvio para ver creo. En el tercio inferior de la cara alrededor de la boca su mandíbula, se puede ver un tono azulado o verdoso. Esto suele ser más visible en los hombres que tienen una sombra de las 5 en punto. En ocasiones, la zona superior de la frente es más amarilla o dorada en comparación con las otras dos zonas. Explora esta idea caso por caso sin embargo, y observa para ver si hay nuevas variaciones entre las zonas del rostro de tu sujeto y algunos tonos oscuros de piel. Personalmente he notado que la zona media en realidad puede ir más dorada que tonalidades en rojo. Entonces, estar alerta ante los cambios y swain de esta idea dependiendo del tono de piel. Tomar tonalidad aún más en todos los tonos de piel puede ser hermoso experimentar con el color roto. La piel realmente no debería ser de un color uniforme. Podrás colocar diferentes tonalidades justo al lado del otro para ayudar a capturar esa sensación de luz y color. Aquí, el tono de piel es de valor medio con matices amarillos y anaranjados. También es un tono de piel bastante saturado, pero podemos agregar aún más energía al tono de piel mediante el uso de color roto. Al acercar, puedes ver cómo bailé unas rosas y moradas más frías por esta zona para ayudar a agregar algo de vivacidad a la piel. También esparcí algunos colores rotos en este retrato para ayudar a mostrar mejor la sensación de luz y color. Intenta mantener el valor igual para que nada salga sea demasiado claro o demasiado oscuro. Simplemente cambia el tono alrededor de la rueda de color e intenta saltarte algunos colores nuevos a través de tus tonos de piel para animarlos. Una nota rápida sobre trabajar digitalmente, trabajar con dolor digital es mucho más fácil sabiamente del color porque puedes elegir el color directamente de la imagen. En ocasiones, seguiré adelante y jugaré con ajustes de color y Photoshop si creo que me dará colores más visualmente agradables. Aquí, me gusta mucho el efecto de la saturación chocada para que podamos ver esos hermosos colores en las sombras. Experimenta con los colores y cámbialos desde la referencia donde veas encajar sobre todo si tu objetivo es hacer algo más artístico o de aspecto real. La cámara sólo puede darte tanta información de color. Si estás coloreando a un personaje de tu imaginación, quizá quieras evitar pintar primero sobre un fondo blanco porque la tendencia puede ser pintar demasiado a la ligera en valor, dejándote poco espacio para los reflejos. Por lo tanto, a menudo es más fácil comenzar con un valor de tono medio como tu color de fondo. Algunos pintores del óleo incluso tonificarán primero su lienzo con una mezcla suelta marrón, azul o verde. A modo de nota para los pintores digitales, encontré que los tonos naturales de la piel suelen estar aquí en esta gama con el tono empujado ya sea más rojo o más amarillo. Pero, claro que siempre hay excepciones, así que sé observador y siempre experimenta. 5. Fuentes de luz: Entonces, acabamos de hablar del color local de los tonos de piel. Pero en realidad, el color local es solo un punto de partida, porque al igual que el ejemplo de limón anterior, también tenemos que considerar la fuente de luz y qué temperatura de color es la fuente de luz. Los colores que estaremos pintando en cuadros son los colores locales ya que se ven afectados por la fuente de luz. En este apartado, estaremos caminando por las tendencias de varios escenarios de luz común. Estaremos comparando y contrastando las temperaturas de color, los bordes, y los valores. Creo que realmente estudiar estos escenarios básicos nos ayudará a crear mejores piezas de arte. Una pintura de retratos o ilustración de personajes no tiene que tener una tonelada de fuentes de luz diferentes para convertirse en una gran pieza. De verdad, un simple escenario de luz será hermoso, así que considera estudiar estos escenarios y luego sigue explorando otros desde ahí si lo deseas. En un día soleado de cielo claro, el sol actúa como una fuente de luz directa. Dado que el sol no es difundido por las nubes, las formas resultantes de luz y sombra en el rostro son bastante obvias para nosotros ver. Las sombras de fundición tienden a tener una calidad de borde más duro y los valores en el retrato suelen ser de alto contraste. La temperatura de color de la luz solar exterior generalmente te dará una calidez en la piel en la luz y una frescura en las sombras. Esto se ve más claramente al amanecer y al atardecer. En estos momentos, la luz será de color rojo naranja en calidad en la luz y violeta azul frío en las sombras. Cuando estás mirando a una persona afuera, también tienes que considerar su entorno. El sol está golpeando tanto al cielo como a todo lo demás en el mundo, por lo que estas cosas se convierten en fuentes de luz secundarias, subordinadas al propio sol pero las fuentes de luz de todos modos. En esta situación donde se ve que el borde del cabello está brillando con luz, eso significa que la persona está mirando hacia lejos de la fuente de luz directa, el sol. Pero como puedes ver, su rostro sigue iluminado. Pero, ¿cómo, si está mirando hacia fuera del sol? En este tipo de situaciones, luz directa del sol sólo está llegando a la parte posterior de ella, pero en realidad su rostro está siendo iluminado por fuentes de luz secundarias, principalmente el cielo y el suelo. Los planos orientados hacia arriba en el área de sombra se ven afectados por el tragaluz y el color, y por lo tanto tienen una calidad azul para ellos. Los planos orientados hacia abajo se ven afectados por la luz y el color del suelo, que suele ser cálido, ya que suele ser suciedad, arena, acera o hierba verde cálida. Entonces, siempre que veas la situación en la que la espalda de una persona está al sol, obtendrás esta frescura en los planos orientados hacia arriba, de la frente, superior de las mejillas, puente nasal, parte superior de los labios, y parte superior de la barbilla. Después verás un calor en los planos orientados hacia abajo, el plano entre los ojos, el fondo de la nariz, el fondo de las mejillas, justo debajo del labio inferior aquí y el fondo de la barbilla. Esto se continúa por el cuello, pecho y eventualmente el cuerpo de la misma manera, con planos orientados hacia arriba que tienen una frescura y los planos orientados hacia abajo que tienen una calidez. Es realmente increíble cuando empiezas a ver esto en la vida real, en imágenes y en películas. Recuerdo ver películas y ver esto todo el tiempo cuando aprendí esto por primera vez. Es un efecto realmente hermoso que sucede en la vida real y se traduce bastante bellamente al arte de retratos también. El sol es la principal fuente de luz clave en un claro día soleado sin embargo. Entonces, ten esto en cuenta, nada en la sombra va a ser más ligero en valor que la luz fuerte. La iluminación nublado es básicamente el sol siendo bloqueado por una manta de nubes gruesas. Se trata de un escenario de iluminación difusa como hablamos antes. Con luz nublada, la luz viene de muchas direcciones todas al mismo tiempo. Como resultado, las transiciones de valor de la luz a la sombra se vuelven significativamente más suaves. El contraste entre luz y sombra ya no es intenso y dramático, sino que es muy gradual. Los bordes de las sombras de fundición son mucho más suaves que en un escenario de luz solar directa. Recuerda entrecerrar los ojos para encontrar la distinción entre las áreas siendo golpeadas por la luz y las áreas que caen en las sombras, esto te ayudará a pintarlas mejor. En mi observación, la luz en un día nublado tiende a ir más fría en la luz y más cálida en las sombras. A menudo, he visto tonos rosados o violetas en las luces y cálidos verdes naranjados apareciendo en las sombras. Si disfrutas pintar desde la vida, una buena manera de conseguir una iluminación natural relativamente consistente en interiores, es pintar por una ventana. Los artistas de retratos que trabajan en interiores a menudo disfrutarán trabajando en un estudio de la luz del norte. luz procedente del norte ha sido aceptada como la más consistente lo largo del transcurso del día sin que la luz directa del sol se derrama. Si estás pintando estas flores de la vida, por ejemplo, estas formas de sombra seguirían moviéndose a lo largo del día, haciéndolas difíciles de precisar en tu dibujo. Pero estas formas de sombra se mantendrán bastante consistentes a lo largo de las últimas horas del día, proporcionándote mucho tiempo de trabajo. luz de ventana normalmente te dará una frescura en la luz y una calidez en las sombras, pero está sujeta a cambios dependiendo de lo que haya fuera de la ventana. Con una ventana más pequeña, la diferencia entre luz y sombra será más dramática, con sombras más intensas y bordes más nítidos. Con una ventana más grande, la diferencia será más suave, con transiciones más graduales entre luz y sombra. Una ventana de tamaño mediano, probablemente típica de la mayoría de los escenarios de luces de ventana, aterrizará en algún lugar intermedio, con las transiciones no demasiado suaves pero no demasiado duras. Pero la distancia del sujeto de la propia ventana también marcará la diferencia aquí. Entonces, ser observador siempre será la clave. La luz de ventana orientada al norte es una forma cómoda de pintar desde la vida mientras que también tiene un escenario de iluminación relativamente consistente. Puedes configurar un bodegón para hacer un estudio de color, hacer un autorretrato o incluso tener un amigo sentado para ti. Enfrentando más a tu modelo a la luz, puedes conseguir unos tonos de piel suaves muy favorecedores. Para encontrar qué ventanas de tu casa se enfrentan más hacia el norte, puedes usar una brújula o una aplicación de brújula en tu teléfono. Hay tantos tipos diferentes de bombillas eléctricas en el mundo. Entonces, para simplificar, solo empecemos por diferenciar entre esas temperaturas de color más comunes. Con la iluminación eléctrica, las más comunes que verás son las cálidas luces anaranjadas o amarillas, las luces blancas neutras y las luces azules frías. La iluminación cálida se ve a menudo en el hogar. Esto le da una sensación de calidez y comodidad que tiene sentido para el uso en el hogar. Cuando veas este tipo de iluminación eléctrica en la cara, verás tonos cálidos naranjados en la luz y tonos más fríos en las sombras. La iluminación blanca neutra se encuentra a menudo en lugares como las aulas. Esta es una buena tarea a la luz porque mantiene los colores lo más cerca posible de su color local. Los colores en la luz y la sombra son más neutros y no extremadamente obvios en sus diferencias de color. La iluminación fresca suele ser un tipo de iluminación más moderno, a menudo visto en la iluminación de eventos. Este tipo de luz mostrará un azulado en el tono de piel en la luz y producirá sombras más cálidas cuando sean lo suficientemente ligeras en valor para que las veamos. Cuando no son difundidas por una pantalla de lámpara, todas las bombillas son fuentes de luz directas. Entonces, por lo general producirán sombras de fundición de filo duro y los cambios de valor de luz a oscuridad serán bastante obvios para que lo veamos. Pero como sabemos, hay muchas formas de difuminar las bombillas. Por ejemplo, las cúpulas en ventiladores de techo proporcionan un poco de difusión, al igual que las lámparas. Cuando se agrega una fuente de difusión como esta, la iluminación se suaviza, produciendo bordes más suaves entre la luz y la sombra en la cara y en general un menor contraste en los valores. A menudo, los fotógrafos combinarán dos a tres fuentes de luz eléctricas en la misma composición, lo que puede resultar algo confuso para nosotros intentar diseccionar a primera vista. Pero con un poco de paciencia, podemos averiguarlo. Por lo general, usarán una luz clave, la fuente de luz principal para formar la cara, luego a menudo agregarán una luz de relleno como luz subordinada en lado de la sombra para agregar algo de color y luz de nuevo a las sombras, y luego a veces usarán una luz de habitación, que se puede colocar detrás del sujeto para retroiluminar la cabeza o el cabello, proporcionando una separación entre el sujeto y el fondo. Los fotógrafos a menudo difunden fuentes de luz eléctrica con paraguas o cajas blandas. Como sabemos, esto da como resultado un efecto más tenue. También usarán pizarras blancas, como mencioné antes, como fuentes de luz secundarias que reflejarán la luz de nuevo en las sombras, agregando información a estas formas que de otra manera habrían leído como oscuridad cruda. Por supuesto, algunos fotógrafos dejarán esta oscuridad, ya que todo depende del estado de ánimo de la pieza. situaciones de iluminación eléctrica pueden llegar a ser extremadamente experimentales ya las posibilidades son infinitas y no tan sencillas como algunos de estos otros escenarios de iluminación. Entonces, tómate el tiempo para investigar un poco, y haz todo lo posible para averiguar cuál crees que está el color de la luz en la foto y luego las sombras resultantes, y qué tan dura o suave es la iluminación, y cómo eso afecta los bordes entre la luz y la sombra. El uso de luz de fuego, luz de vela, bengalas o linternas en tu pintura puede ser realmente hermoso. Creará estado de ánimo al instante y hará que tus espectadores se pregunten sobre la historia de tu sujeto. Habrá hermosas naranjas cálidas a la luz de las llamas y azules fríos en las sombras, sobre todo si tu sujeto está afuera con el cielo encima de ellas. En escenarios de fuego, el contraste será alto y las formas de sombra serán bastante distintas. Es importante tener en cuenta que a veces las fotos no pueden capturar estos verdaderos colores. Entonces, siempre querrás estar observando la naturaleza a medida que pasas por tu vida diaria, entonces podrás traer algunas de las cosas que aprendiste de vuelta a tu arte haciendo. 6. Ángulos de iluminación: Puedes mover tu sujeto y tu fuente de luz sin fin. Pero en este video, quiero mostrarles algunos que se ven todo el tiempo en fotografía, pinturas, e ilustraciones porque se traducen sobre él muy bien. Estaré usando términos fotógrafos para a veces usados para ayudarnos como el de Willey. iluminación de mariposa ocurre cuando la fuente de luz está arriba y ligeramente hacia adelante del modelo. Probablemente, la forma de sombra más obvia que se produce en este escenario es la que está justo debajo de la nariz. A menudo lo simplifico, lo pienso como un triángulo al revés. También verás que los aviones alrededor de los ojos caen en la sombra. El labio superior caerá en sombra, y también obtendrás una sombra de yeso debajo del labio inferior. Los planos laterales de la cara alrededor de la mandíbula también comenzarán a caer en la sombra. Verás este tipo de forma echada sobre el cuello desde la cabeza. Como mencioné antes, me gusta pintar sombras de forma y lanzar sombras juntas en una sola forma cuando puedo, luego encontrar sus entresijos. Lo que es realmente genial es que puedes ver estas formas aparecen de una persona a otra. Porque todos tenemos los mismos puntos básicos. Una vez que memorices estas formas básicas de sombra, puedes usarlas incluso en bocetos imaginativos, y sacar el aspecto de que tu sujeto esté iluminado desde arriba. La iluminación de mariposas funciona muy bien tanto para retratos como para ilustraciones de personajes. La iluminación en bucle es otra que funciona muy bien tanto para retratos como para personajes. Mira aquí este pequeño lazo de sombra. Eso es característico de la iluminación en bucle. El proyectado de sombra de la nariz se va hacia un lado generalmente apuntando hacia abajo hacia la boca. Para obtener iluminación en bucle, la fuente de luz se coloca arriba, y luego se empuja un poco hacia la izquierda o la derecha del modelo. En un escenario de iluminación de bucle, estos aviones caerán en la sombra. Obtendrás una sombra de yeso de los labios y otra vez en el cuello formando una forma de triángulo. La iluminación en bucle también funciona bien en una vista de tres cuartos. A esto se le conoce como iluminación de bucle amplio ya que estamos expuestos a más del lado de la luz. Al ir por el lado de la sombra, tenemos lo que se llama iluminación de bucle corto. He visto que la iluminación de bucle amplio funciona particularmente bien para ilustraciones de personajes. Es una forma sencilla y limpia de iluminar a tus personajes. Creo que todos los escenarios de iluminación en bucle pueden funcionar bien para un trabajo más realista. Cuando ves un triángulo en la mejilla, sabes que estás lidiando con la iluminación de Rembrandt. Para lograr la iluminación de Rembrandt, las fuentes de luz colocadas arriba y a la izquierda o derecha del modelo, conectando la sombra de la nariz a la sombra de mejilla. Este es un ángulo de línea agradable y en el que confían muchos artistas y pintores de retratos ya que produce resultados halagadores. Muchos de los viejos maestros pintaron con luz golpeando a sus sujetos de esta manera. Personalmente reservé esta iluminación más dramática para mi trabajo de retrato más realista, en lugar de para mis personajes dibujantes. Pero experimenta para ver lo que te gusta. La iluminación split es muy dramática. Con iluminación dividida, la fuente de luz está a un lado del modelo. El borde entre la luz y las sombras divide el rostro en media luz y media sombra. La intensidad de este ángulo de iluminación es buena para retratar escenas más moodiosas. La iluminación de llantas también conocida como iluminación de bordes ocurre cuando la luz está detrás de este objeto. Produce este efecto realmente dramático, sobre todo cuando el fondo es oscuro. Permitiendo que la luz de la llanta realmente pop. Cuando la cabeza se convierte en una visualización del perfil, es importante tener en cuenta que la luz de llanta puede no ser el mismo peso de línea que va a lo largo de la cara. Los aviones más anchos tendrán más tierra ligera sobre ellos. Por ejemplo, la luz aterriza más gruesa en la frente que en la nariz. A menudo verás la iluminación de llantas alrededor del borde del cabello, y le da un efecto realmente hermoso. También puede ayudar a separar el tema en su ilustración del fondo. El underlighting puede tener un gran efecto narrativo. Se logra cuando la luz se coloca delante y debajo del sujeto. Esto es una especie de lo opuesto a la iluminación de mariposas. Todos los aviones están encendidos de la manera opuesta. Los aviones que suelen ser golpeados por la luz ahora están a la sombra, y los aviones típicamente a la sombra ahora son golpeados por la luz. Este es un escenario de iluminación que llama la atención. A menudo, se usa si alguien está en una fogata, si está sosteniendo la vela, o si está sosteniendo algo mágico que brilla. Puede dar una sensación espeluznante, una sensación tranquila, o una sensación mágica. Dependiendo de cómo juegues las otras partes de la pieza como el propio sujeto y su expresión. No sé qué más llamar a este tipo de iluminación. Pero lo veo todo el tiempo. Especialmente, en ilustraciones de personajes. La iluminación pop nasal, como voy a llamarla, ocurre cuando la fuente de luz clave está arriba y ligeramente detrás del sujeto para que solo su nariz y la parte superior de su frente salgan a la luz. Encontré que este es un buen ángulo de iluminación para personajes lindos. Porque atrapa la linda redondez de la nariz. Esto también puede funcionar bien para un modelo femenino. Ahora, con todos estos ángulos, te los he mostrado en escenarios de luz directa. Porque quiero que veas claramente las formas de la sombra. Pero por supuesto, también se pueden replicar estos en escenarios de luz blanda o difusa. Los bordes solo serán significativamente más suaves, y los cambios de valor no serán tan seguros. Estos son solo unos cuantos ángulos de iluminación para ayudarte a empezar. Estos pueden parecer simples, pero me resultan confiables. Las formas pasarán de un rostro a otro. Entonces, una vez que tengas memorizados estos conceptos básicos, puedes reproducirlos en cualquier tipo de cara. Entonces, experimenta y encuentra los ángulos de iluminación de los que te encantan el look. 7. Técnicas de mezcla: Ahora, hablemos de cómo podemos mezclar y suavizar las transiciones de un plano a otro. No estamos facetados como estos modelos de aviones. Entonces, no podemos simplemente dejarlo en eso. Podemos ablandar bordes entre planos de varias maneras diferentes, y les voy a mostrar algunos de mis métodos de ir a los y algunos de mis médiums favoritos. Al pintar en photoshop, personalmente no me gusta usar un aerógrafo para pintar aviones. En cambio, normalmente empezaré con un pincel con bordes más duros. Esto me ayuda a darme la estructura más sólida que quiero. Cuando se trata de suavizar una transición, lo que a veces haré es escoger color desde la primera llana, y luego elegir color desde el segundo plano y luego ver dónde aterrizan. A mí me gusta ver de qué color podría caer entre esos dos colores. Este parece alrededor de en medio, así que pruebo este. Entonces repito este proceso tanto como quiera hasta tener varios cambios incrementales de color que me ayudaron a pasar de un plano grande a otro. Entonces, puedo tomar mi aerógrafo y suavizarlo un poco si quiero. Recogida de colores como pinto encima de estos. Otro método que uso, es recoger un color y colorearlo ligeramente en el siguiente. Después cojo el otro color con mi herramienta cuentagotas y tire de ese ligeramente hacia atrás al primer color. Continúo de ida y vuelta así hasta que la mezcla sea suave. Esto se puede hacer por todos los cambios llanos que se necesitan suavizar. En Photoshop, la recolección de color es realmente fácil y Si tienes una tableta, puedes programar el botón de tu bolígrafo a la herramienta cuentagotas al hacer clic en él. Consulta mi clase de Photoshop Demystify si necesitas ayuda programando esto. En la app Procreate en el iPad Pro. Una de mis formas favoritas de mezclar, es usar la herramienta de manchas con el cepillo suave pastel. Usando este pincel, solo puedes arrastrar y tirar estos colores entre sí y creará una hermosa mezcla. Aquí, se puede ver la técnica de manchas pastel suaves en acción. Nuevamente, al igual que en Photoshop, también puedes usar el método donde intentas encontrar colores que caigan justo en el medio. Con las pinturas al óleo, puedes suavizar la transición arrastrando tu pincel por las dos llanuras así. Esto puede crear un nuevo color de transición. Al igual que con los otros medios, también se puede mezclar un nuevo color que podría aterrizar entre ellos valor sabio. Aquí están mezclando el color más claro con el color más oscuro de mi paleta, para crear una especie de tono medio que caería entre ellos. Con pasteles suaves, puedes solapar los colores mientras dibujas y luego puedes suavizar eso con el dedo o un pañuelo. Incluso puedes usar Q-tips y sellos para áreas más pequeñas. Con los marcadores, como los marcadores Copic que estoy usando aquí, tendrás que realmente tener un plan de acción con tu iluminación, que es un poco diferente al enfoque pictérico que he estado enseñando hasta ahora, donde solo puedes una especie de bofetada en cambia de color y mezclarlos más tarde. Con marcadores, y con un medio como la acuarela también, obtendrás las transiciones más suaves cuando trabajes de claro a oscuro. Copico's, creo que son una de las mejores marcas de marcadores del mercado, porque son muy suaves y construibles también. Si estás considerando invertir en marcadores, recomendaría comprar colores más claros de lo que pensarías. También compre unos colores cerca uno del otro en su gráfico, ya que esto asegurará que podrá obtener fácilmente estas transiciones suaves. Aquí están los colores que me gusta usar. Empecé con mi color muy claro y poco poco trabajé mi camino hasta los tonos más oscuros. Pronto estaré haciendo una clase sobre cómo puedes colorear a tus personajes con estos marcadores. Entonces, asegúrate de mirar hacia fuera por eso. 8. Las formas pequeñas del rostro: Después de fusionar los planos estructurales básicos, tienes que volver a construir encima de eso. Aquí es donde puedes empezar a trabajar en algunas de las formas más pequeñas de la cara. Estas son las formas que veo más a menudo en la cara. Esta forma W alrededor de la boca, estas pequeñas formas parecidas a frijol en las esquinas de la boca, estas formas que se estiran desde la nariz hasta la boca, y estos pequeños triángulos por encima de las cejas, que a menudo pueden captar luz. Ve cómo estas formas y otras están apareciendo en la cara de este hombre. Entonces, estar al pendiente de estas formas más pequeñas. Algunos se mostrarán a través obviamente, pero la mayoría de las veces, he encontrado que son bastante sutiles, sobre todo en los jóvenes y en las mujeres. Por lo tanto, deben ser cuidadosamente considerados y dibujados con cuidado. Esta es la parte de la pintura de retratos que lleva más tiempo. Las cosas comenzarán a ralentizarse a medida que empiezas cuidadosamente a observar y a renderizar los giros menos obvios de la cara. Entonces, durante este tiempo solo sé paciente contigo mismo y mantén puesta tu gorra observacional. No tienes que ponerlos en los personajes, pero para modelar retratos realistas, es posible que quieras considerar dar algo de atención a estas formas más pequeñas. Si quieres conocer más sobre estas formas más pequeñas de la cara, echa un vistazo a estos libros. Para conocer más sobre las líneas rítmicas que puedes aplicar cuando las dibujas, echa un vistazo al método Frank Reilly. 9. Más efectos de iluminación: En este video, quiero correr por algunos efectos de iluminación más, que pueden ser realmente geniales para probar en tus piezas. Cuando la luz brilla en un árbol, muchos de los rayos de la luz están bloqueados por las hojas, pero a través de los agujeros de los árboles, todavía puede pasar alguna luz. Estas manchas de luz producen un efecto de luz moteada. Pueden ser formas circulares, elípticas, o abstractas. A menudo se puede ver el rojo saturado o el naranja a lo largo de los bordes como hay aquí. Dentro de la imagen, cosas como sombreros, pelo y flequillo, y gafas de sol, arrojarán sombras en la cara. Te recomiendo usar una referencia si estás inventando esto en un personaje. Este tipo de sombras proyectadas en luz directa generalmente tendrán una calidad de borde definida. También te puedes imaginar los objetos fuera de la imagen lanzando sombras sobre tu sujeto. Esta es una buena manera de crear una sensación de drama. Sombras medias como esta crean un sentido de asombro para tu espectador. Las sombras de fundición dura indicarán algo más cercano mientras que las sombras muy suaves indicarán algo lejano en la distancia. Esto crea drama, estado de ánimo en el inicio de una historia. Los tonos de ventana también pueden lanzar formas de sombra realmente interesantes sobre su tema. La dispersión subsuperficial se puede ver en ciertos escenarios de iluminación en las orejas, las dedos y, a veces, en el borde de las fosas nasales. Ya sabes cuando ves a alguien afuera y la luz viene por detrás de ellos, y sus orejas son de color naranja rojo saturado brillante? Eso es dispersión subsuperficial en acción. Lo que está pasando es que la luz está entrando en la carne translúcida de las orejas y rebotando por todo el interior. También puedes ver esto si enciendes la linterna en tu teléfono y pones el dedo encima. Podrás ver cómo tu dedo tiene una translucidez y brillará con luz. También puedes entrar a una habitación oscura con un espejo y poner la linterna justo detrás de la oreja. luz entra en el escaneo y se extiende por debajo de la superficie para crear este resplandor. En un cuadro de clave alta, hay un rango tonal más ligero para toda la pieza. En lugar de trabajar en un rango completo de valores, el rango de valores se parece más a esto. He visto muchas pinturas clave altas exitosas que pasan el rato en hermosas zonas pastel. Es como tocar el piano y desplazar todas las notas un par de octavas más altas. Crea un estado de ánimo diferente. Las pinturas de teclas bajas son como cambiar las teclas del piano hasta las notas bajas. Las cosas se ponen más moodiosas. Es una sensación diferente. Las pinturas clave bajas exploran el lado más oscuro de la escala de valor. Una halación es el efecto suave y brillante que a veces puede ocurrir en un día caluroso o brillante. Se trata de un resplandor suave que va más allá de los límites naturales de un objeto. Agregando este efecto con un gran pincel suave, se verá realmente hermoso en pinturas. A veces los añadiré alrededor del cabello, la piel, o alrededor de la ropa de los sujetos. Funciona muy bien para armonizar los colores también. Echa un vistazo a esto y mira fijamente el centro de la forma por unos momentos. ¿ Alguna vez has visto a una persona hablando en el escenario durante tanto tiempo que los bordes a su alrededor comenzaron a convertirse en un color brillante y una especie de resplandor? Cuando nuestros ojos están expuestos a un color durante mucho tiempo y luego miramos hacia otro lado, nuestros ojos verán los colores se complementan. A esto se le conoce como una imagen posterior. No mires a otro lado, pero ¿ves en tu visión periférica ahora mismo cómo los bordes de la forma están empezando a brillar un color azul fresco? Ahora como me quito esta forma, se puede ver toda la posimagen azul. Esto es algo real que hacen nuestros ojos pero podemos captar este efecto en nuestras pinturas también. Aquí, utilicé los canales en Photoshop para imitar el tipo de efecto, pero también puedes dibujar a mano bordes de colores si te gusta esta idea. También puedes experimentar con bulbos de colores, colores distintos al típico amarillo naranja cálido o azul frío. Esto puede producir un retrato dramático e interesante. Usar los colores complementarios juntos puede hacer para una pieza realmente interesante. En una cara, particularmente cuando hay un poco más de aceite en la piel, se pueden ver reflejos en la frente, el puente nasal, la punta de la nariz, los pómulos, la parte superior de los labios, en el labio inferior, en la parte superior del mentón, alrededor de las cejas, y en las esquinas de los ojos internos. En algunas ocasiones, solo verás algunas de estas y en otras ocasiones es posible que veas todas estas. Estos aspectos destacados también aparecerán naturalmente en los hombres pero si alguna vez has visto tutoriales de maquillaje, ya sabes cómo los maquilladores se esfuerzan por realzar este resplandor agregando resaltado a algunos de estos puntos. Los aceites también pueden recolectar en las madrigueras nasales, a veces agregando reflejos allí también. Labios brillantes también tendrán un punto culminante. Mirando de cerca, suele ser una colección de guiones y puntos horizontales y verticales, que juntos hacen una forma de aspecto abstracto. sombra de ojos chispeante también captará puntos destacados. Experimenta con el color del resaltado. Los tintes pastel claros funcionan bien y el blanco traerá el impacto también. Los globos oculares están mojados y este brillo nos da más reflejos. Los reflejos de los ojos van a estar del mismo lado del que viene la luz. Entonces, aquí, la luz viene de este lado por lo que los reflejos en los ojos también estarán de este lado. Sinceramente, puedes mover reflejos brillantes como este alrededor y la gente no se va a dar cuenta. Probablemente porque en la vida real, la luz suele venir de muchas direcciones diferentes todas a la vez. Entonces, en personajes, a veces me volveré creativo con los reflejos de los ojos, pero si quieres un papel general para la colocación, colóquelos del mismo lado donde está la fuente de luz. Busca bandas destacadas en el cabello. Hay una infinita variedad de peinados por lo que es difícil fijar una fórmula exacta para dibujarla y pintarla. Entonces, estar al pendiente de formas de luz que se repitan de un peinado a otro. Cuando tenga dudas, busque una referencia. Una nota rápida para el cabello sin embargo, trata de encontrar grandes grupos de pelos que puedes hacer en formas grandes. Busca S-curvas y C-curvas en todo el cabello. Dibuja primero las formas grandes, y luego agrega pelos de detalle más tarde. También cuando pintas el cabello, por lo general hay pelos de bebé alrededor de la línea del cabello que hacen para un buen valor de segue desde la frente hasta el cabello. Entonces, busca este cambio de valor ya que te ayudará a transitar suavemente hacia el cabello. 10. Cómo utilizar referencias: La mayoría de las referencias no serán escenarios exactos como cortadores de galletas como hemos estado hablando en clase, pero conocer estos conceptos básicos de iluminación te ayudará a analizar referencias y te ayudará a entender qué estás mirando mejor. Cuando estés observando una foto, toma en cuenta la inclinación de la cabeza. Esto cambiará las cosas de la norma porque la luz estará golpeando ligeramente diferente al avión, pero no tanto para que no puedas entenderlo. Al observar una referencia, también hay que tener en cuenta el posible uso de más de una fuente de luz. Ponga un poco de paciencia en esto. Encuentra de qué dirección viene la fuente de luz más poderosa y luego, ve de ahí. Las referencias a evitar son típicamente fotos con iluminación plana, donde la luz y la sombra no son obvias para ti. Tendrás que confiar mucho en las habilidades de dibujo para esto, y en mi experiencia este tipo de referencia generalmente no es tan divertido para trabajar y a menudo puede conducir a un dibujo de aspecto plano. Ya que los colores pueden cambiar de la vida real a las fotos, veces voy a subir un poco la saturación en mis referencias fotográficas que puedo capturar colores ligeramente más vívidos. Esos sutiles cambios de tonalidad de cálida a fresca a veces se pierden en la fotografía. Entonces, intenta incluir algunos cambios sutiles de color en los tonos de piel incluso cuando no estén ahí en la foto. Las fuentes de luz reflejadas también se pueden perder en las referencias fotográficas. Entonces, considere el entorno del sujeto en la foto, sobre todo si la cámara recoge las cosas como marrón oscuro o negro. Antes de empezar una pintura a partir de una foto de referencia, haz que rápidamente tu cerebro evalúe la situación. Te puedes hacer preguntas como, es el tema en interiores o al aire libre? ¿ Cuál es la fuente de luz principal? ¿ Desde qué ángulo está golpeando la luz al sujeto? ¿ Cuál es la temperatura general de color de la luz? ¿ Las sombras del yeso son duras o suaves? ¿ Hay más de una fuente de luz? Cuando tienes las respuestas a este tipo de preguntas al principio, las cosas empiezan a ser más claras en tu cabeza, y cuando las cosas están claras en tu cabeza, como resultado serán claras en tu dibujo. Entonces, analicemos juntos una referencia. Entonces, ¿está adentro o afuera? Bueno, obviamente está al aire libre y parece que el sol probablemente se está asentando ya que está encendido desde el costado aquí. Es casi como un escenario de iluminación dividida. El sol es nuestra principal fuente de luz y nos está proporcionando tonos cálidos en la luz, y estamos consiguiendo tonos más fríos en las sombras. Estaban recibiendo un poco de luz aquí sin embargo, y creo que eso es del sol golpeando el cielo nublado, y entonces el cielo está actuando como una fuente de luz secundaria, así que está iluminando sus formas en las sombras. El sol lo está haciendo para que algunas de las sombras del yeso sean duras, particularmente lo puedes ver desde su camisa hasta su cuello aquí. Esa sombra de fundición es bastante crujiente. Si entrecerramos la imagen o si le das vuelta la imagen en escala de grises, podemos ver que aquí tenemos una gama bastante completa de valores, y también estoy observando cómo hay alguna dispersión subsuperficial ocurriendo aquí alrededor de su nariz. Este es el tipo de cosas que puedes hacer para empezar a evaluar la referencia, y mientras estás pintando seguirás haciendo descubrimientos como este. Cuando estás dibujando di un personaje, que es más imaginativo, y estás tratando de decidir cómo encenderlos, puedes empezar con uno de los escenarios más comunes que se muestran en clase y luego, usar referencias siempre que los necesito. Tendré un montón de referencias disponibles para que navegues en el uso de tus piezas. Pondré un enlace a estos recursos de clase en la sección de comunidad y en la sección de tu proyecto aquí en Skillshare. Al colorear e iluminar a un personaje, también puedes usar una foto de una persona real para darte tu información de color e iluminación, o incluso puedes inspirarte en los Maestros. Sabían lo que estaban haciendo. Fotos de muñecas articuladas de bola también son realmente grandes referencias para la iluminación de personajes, porque sus proporciones son más parecidas a carácter y cutesía ya. Además, la app Handy es genial para llegar a posibles escenarios de iluminación para tus personajes, así como el Pack de Heads Neutrales de Anatomy 360. 11. Proyecto de clase: Sé que hay mucho que ver para esta clase, pero es igual de lo que haces después de ver estos videos. Se trata de poner las ideas de la clase en acción a través de la práctica. Entonces, aquí te presentamos algunos ejercicios de clase que puedes hacer para llevar tus habilidades y comprensión de la luz al siguiente nivel. Dibuja una pelota con luz y sombra. Sé que parece básico pero esto te enseñará cómo trabajar bordes, cómo hacer transiciones suaves entre tonos, y cómo hacer que todos los valores funcionen en adecuada relación entre sí. Si estás trabajando en un medio digital, intenta no usar el recolector de color, que puedas conseguir que la práctica recoja los valores adecuados. Si algo sale de una manera rara, toma eso como un indicio de que los valores están equivocados. Dibujar desde la vida con una fuente de luz en una pelota sería increíble, pero si no tienes una pelota puedes usar esta referencia aquí. Dibuja los aviones en la parte superior de una foto. Toma una revista o una foto en línea y conoce los planos de la cara. Piensa en la calidad 3-D y cómo cada avión obtiene su propio color. No te preocupes si no es una alineación exacta. Se trata de generalidades y cada rostro tendrá ligeras variaciones. Practica pintar algunos de los patrones básicos de iluminación que hemos aprendido en el plató. Usa los valores de escala de grises para aprender realmente los cambios de valor que pueden ocurrir. Ahora, hablemos de algunos proyectos finales que puedes hacer. Toma un personaje y enciéndelos cuatro maneras diferentes. Utilice cualquier combinación de fuente de luz y ángulo. Esto puede ayudarte a averiguar tu gusto y lo que te gusta el look de mejor. Por último, pinta un personaje, retrato estilizado, o un retrato realista con luz y sombra. Comparte cualquiera o todos estos ejercicios y proyectos de práctica con la clase. El hacer parte de esta clase es realmente donde tu trabajo va a empezar a transformarse. Podemos hablar de luz y sombra todo el día, pero nada cambiará verdaderamente en nuestro trabajo hasta que agarremos nuestros médiums favoritos y empecemos a luchar con las ideas. Este es un tema complejo que necesita nuestra paciencia y atención. Aunque más aprendamos en la práctica, mejor vamos a conseguir, y eso es emocionante. 12. Demostración de la iluminación de un personaje: Entonces, antes de que empecemos, quiero mostrarles algunas maneras diferentes en las que puedes ir iluminando a tus personajes. No hay que renderizar siempre las cosas de manera realista. Hay una manera de simplificar que aún consigue el punto a través. El modo más básico es el sombreado cel simple. Puedes simplificar la iluminación en cuatro partes básicas: pintar una forma para el resaltado, la luz, la sombra de forma y la sombra proyectada. Pero también se puede ampliar sobre esto. Al igual, en el segundo ejemplo que llamé licencia artística. Tomé esa idea sencilla, pero luego me expandí agregando un poco de variedad tonal a las sombras, perdiendo algunos bordes y dándole a la pelota un poco de brillo con un aerógrafo suave, o si quieres, puedes llevar a tu personaje a una totalmente renderizada lugar. lo personal, suelo aterrizar en algún lugar entre las dos primeras opciones. Pero tú eres el artista, así que llegas a decidir cuál es tu estética. Al expandir un poco más esta idea del sombreado de celdas, puedes mantener un lado simplificado y renderizar el otro. Entonces, por ejemplo, en este balón, agregué algunos cambios tonales más en el lado claro, pero dejé las sombras simples. En este balón, dejé la luz más plana y puse más detalle en las sombras. Entonces, puedes ir simple sin ir todo el camino al sombreado cel. Entonces, hice el boceto en la app Procreate con el cepillo de carbón de sauce. Si has tomado mi diseño una clase de personajes femeninos, sabes todo sobre cómo esbozar personajes como este. Y si has hecho un boceto para esa clase, incluso puedes usarlo para este proyecto si quieres. Entonces, estoy configurando su cara aquí y termino empujando bastante sus proporciones con una herramienta de selección, y en este punto, estoy contento con el boceto; entonces, empiezo a entrar con algunos colores base. Voy a hacer una clase sobre mi proceso para colorear personajes. Entonces, si necesitas ayuda con eso, mantén un ojo fuera. También estoy poniendo solo algunos cambios de color locales como si le hiciera las mejillas un poco más pinchadas. Aquí está el boceto terminado. Si quieres descargarlo y usarlo para tu proyecto, puedes. En mi primer ejemplo, voy a caminar por él y cerca tiempo real para que puedas atrapar todas las pequeñas cosas que suceden. Entonces, aquí tengo un color de fondo, mi personaje, y luego otra capa encima. Y lo primero que hago es llenar esa capa con un color, tengo el modo de mezcla configurado para multiplicarse en esto, y luego hago clic derecho en la capa y presiono crear Máscara de recorte, y ahora solo estoy bajando la opacidad de la misma. Esto lo hace para que el color sólo se vaya a pegar a los píxeles justo debajo de él. Entonces, en este caso, se pegan al personaje, y luego presiono este botón aquí mismo para agregar una máscara de capa. Básicamente, esto nos va a permitir pintar de manera no destructiva. Entonces, parece raro, pero rápidamente te quedarás con el ahorcamiento. Utilizas pintura negra para revelar los valores más claros debajo de esta capa y usarás pintura blanca para oscurecerla de nuevo. Sé que parece raro, pero una vez que lo consigues, es fácil. Normalmente no pinto de esta manera con un montón de capas y máscaras de capa. Por lo general, me gustaría pintar con una capa. Pero, para esta práctica, donde estamos especie de experimentación con ángulos de iluminación y escenarios, creo que es un buen método para practicar porque se puede pintar ligeramente en el lienzo hasta que lo consigues justo y es fácil hacer pequeños ajustes si es necesario. Como puedes ver, estoy empezando usando un aerógrafo y esto se debe a que, en general, el estilo de mis personajes es muy suave y femenino. Entonces, a diferencia de los retratos más realistas, no entro con aviones duros. Para mis dibujos de personajes, se trata más de capturar el efecto de luz que de capturar cada faceta de la iluminación. Entonces, verás algunos aviones que hasta dejaré fuera por el bien de una cara más suave. Esta es una especie de cómo me gusta pensar en términos de planos de carácter para mis chicas. Esto es sólo otra parte de todo eso de la licencia artística. Solo estoy usando estas referencias generales aquí para empezar a marcar algunos puntos que serían golpeados por la luz en un escenario subyacente. Estoy usando una presión bastante ligera para esto en realidad, ya que estoy tratando de averiguarlo todo todavía. Ahora, estoy pasando a usar un pincel más duro y, por cierto, tendré esto disponible para que ustedes también lo descarguen. Entonces, como se puede ver con la pintura blanca, puedo como que suavizar el borde y traerlo de vuelta a la zona de sombra. Esta máscara de capa la hace para que podamos hacer estos ajustes todo el día. Entonces, estoy despacio, pero seguro, acercándome a este efecto de iluminación. Eso es tan fino de un enfoque como abofetear en el color cambia muy rápidamente. Utiliza siempre el proceso que te da como artista los mejores resultados, y que puede variar incluso una ilustración de personaje a la siguiente. Me gusta mucho este pincel para esto. Hace un trazo hacia abajo realmente agradable. Lo sabio que hacer en este punto sería agarrar una referencia fotográfica de cabello en un escenario bajo iluminado. Pero me voy a imaginar que estos pelos tendrían un poco más de luz ya que están más cerca de la fuente de luz. Estoy cambiando el color de fondo ahora ya que una historia está empezando a formarse en mi cabeza. Como tal vez ella está en una fogata, así que lo estoy haciendo de un color más oscuro. Por cierto, si alguna de estas cosas que estoy haciendo con Photoshop te parece desconocida, puedes echar un vistazo a mi clase de Photoshop Desmitificada, donde paso por lo básico. También como nota rápida, cuando estés trabajando con una máscara de capa, asegúrate de que se haga clic en esta parte de aquí. Si tienes la otra parte haciendo clic, te encontrarás con problemas. Entonces, cuando estés usando la pintura en blanco y negro para pintar, asegúrate de que se haga clic en esto. Por lo que ahora, estoy contento con este efecto general que estoy obteniendo así que fusiono estas capas. Añadiré otra capa y añadiré un poco de un resplandor naranja, lo pongo a luz suave y luego, las fusiono también. Entonces dupliqué la capa de caracteres porque quiero probar una pequeña hoja de luz REM. Entonces, lo que hago es, bloqueo los píxeles transparentes haciendo clic aquí en este botón y lo lleno con pintura blanca. Entonces arrastro esa capa hacia fuera, y luego, solo borra las partes que no necesito. Esto es algo que acabo de pensar en hacer sobre la marcha pero funcionó así que lo guardé. Aquí puedes ver que estoy experimentando con diferentes colores, solo usando esa herramienta de cubo de pintura para llenarlo. Entonces, solo sigo probando diferentes colores con imagen, ajustes, saturación de tonalidad. Ahora, solo estoy agregando un par de pelos voladores. Y doy la vuelta un poco el suavizado para poder conseguir un buen trazo suave. Estoy contento con esto, así que fusiono las capas. Entonces, me gusta mucho este color púrpura violetado aquí. Entonces, yo color escojo eso y empiezo a agregar ligeramente eso a sus áreas de sombra. Entonces, empiezo a experimentar un poco con el modo de mezcla. Puedes usar el desplazamiento del ratón para desplazarse por algunas de estas opciones del modo de fusión. Termino duplicando la capa también porque me gusta el impacto de eso. Entonces fusiono las capas. Ahora, estoy seleccionando esta gama de colores, agarrando una naranja, y usando un gradiente para aplicar un gradiente de naranja a su cara de abajo hacia arriba. Estoy tratando de pensar en la intensidad de la luz y cómo será más fuerte en ella en las áreas que están más cerca de la fuente de luz, y luego, se caería a medida que su rostro se aleja más de la fuente de luz. Después cambio el modo de fusión para multiplicar, bajar la opacidad, y fusionar esas capas. Todo esto es experimentación lo que estás viendo. No es que tenga un método exacto para esto que sigo cada vez. Mucho de mi arte se hace probando las cosas. Si trabajan, trabajan y si no lo hacen, no lo hacen. Ahora, estoy metiendo un poco con el ajuste de curvas para ver si eso me va a dar algo divertido. Ahora, estoy probando algunos ajustes de búsqueda de color y simplemente desplazándome por ellos con mi ratón. Siempre me parece que me gusta el invierno crujiente. Ahora, selecciono toda la pieza y la copio, y luego vuelvo a mi historia a esta versión más cálida y edito los niveles para ser un poco más intenso. Entonces pego esta versión más fría. Ahora, tengo la versión más fría en la parte superior y la versión más cálida debajo de ella. Ahora, agarro un borrador suave y borro la capa fría para revelar el calor de abajo. Golpeé a todos esos aviones que serían golpeados por la calida base. Entonces, me meto justo debajo de los ojos, justo encima de los ojos, el fondo de la nariz, y alrededor de la mandíbula y la barbilla. Una vez que estoy feliz, lo vuelvo a fusionar. Me fundo porque me gusta trabajar en una capa pero también me parece que me ayuda a ser un pintor decisivo. Ahora, con una nueva capa en este pincel, entro y pongo algunos reflejos aquí abajo. Pongo algunos de estos pequeños aspectos destacados en el resto de estas características también. Ahora, agregando y algunos ajustes más oscuros aquí y allá, simplemente ajustando en este punto y usando una presión realmente ligera en mi bolígrafo. Ahora, duplico la pieza porque quiero mover el punto culminante en la barbilla. Mi instinto es agregar reflejos de cierta manera porque rara vez trabajo en este escenario de iluminación. Pero en realidad, lo más destacado sería menor, más cerca de la fuente. Entonces, yo hago ese ajuste. También agrego un resaltado al labio inferior en la parte inferior. Entonces, así es como lo dejé en Photoshop, y luego hice algunos ajustes más una vez que lo llevé a Instagram. Siento que Instagram es realmente un editor agradable, pesar de que puedes hacer todas las mismas cosas en Photoshop. Entonces, ajusté el brillo y lo subí un poco, y subí también el contraste. Después subí un poco la saturación y el calor, y luego con el color, aplicé este color morado, finalmente, afiné la imagen. Aquí está la pieza terminada. Ahora, vamos a acelerarlo un poco y correr por algunos escenarios de iluminación más que creo que funcionarán muy bien para tus personajes. Entonces, esta será una iluminación de mariposa, por lo que la fuente de luz está arriba y ligeramente hacia adelante del modelo. Entonces con esta, no estoy trabajando con la máscara de capa desde el principio, en cambio, utilizo la herramienta de Lazo para poner en algunas de estas formas de escenarios de mariposa más oscuras, y puedes ver que tengo estos modos de mezcla de capas configurados para oscurecer. Estoy usando estas referencias como guía general para dónde colocar mis formas de sombra. Aquí, pinté esta forma de sombra en su propia capa y luego la seleccioné y borrosa el borde yendo a filtrar, desenfocar, desenfocar gaussiano. Me gustan estas pequeñas formas de andrae y formas de esquina de ojos, así que solo estoy insinuando ligeramente a aquellas con poco cambios de valor alrededor de los ojos, y pongo en los aspectos más destacados pero al final volveré y cambiaré estos para ser más destacados típico de un escenario de iluminación mariposa. Entonces, acerco y alejo mucho porque me gusta ver si los detalles que estoy agregando también funcionan desde la distancia. Entonces, ahora estoy seleccionando esta parte del cabello y simplemente la oscurecí un poco, y luego se desvaneció. El cabello probablemente tendría realmente una calidad de borde más duro en la vida real, pero estoy tomando mi licencia artística y suavizando este desvanecimiento de luz a sombra. Además, estoy poniendo un poco de sombra echada en donde el cabello arrojaría una sombra en la cara. En este escenario, dejará un poco de sombra como esta. Ahí mismo, acabo de ajustar la forma y proporción de ojos yendo a filtrar, licuar. Ahora, le estoy agregando un suave resplandor a la parte superior de su cabello. Estoy ajustando esa capa a luz suave, ajustando un poco el tono y fusionando las capas. Entonces ahora solo estoy cambiando la colocación de los reflejos de los ojos, pero como mencioné, está bien si quieres ser creativo con estos. Te darás cuenta también como dejé estos aviones cayendo a la sombra. Nuevamente, esta es solo una elección artística que hice para mi estilo de personajes. Encontré cuando hago esta mandíbula llana demasiado oscura en ellos, empieza a parecer extraña, así que simplemente la dejé fuera. Ahora, voy a hacer una demostración de un escenario de iluminación de bucle rápido. Empiezo con la forma de la sombra de la nariz, esta pequeña sombra aquí y la siguiente sombra, uso la herramienta de lasso para ayudarme a meter estas formas. Para algunas situaciones, funciona mejor comenzar con la oscuridad y sacar las luces, y para otras situaciones como esta, me parece que funciona mejor para mí empezar con las luces y poner en las sombras formas. Creo que este escenario de iluminación de bucle amplio funciona bien para los personajes, y no es demasiado difícil de hacer. Recuerda que los párpados superiores arrojarán una sombra sobre los globos oculares, así que lanzo un poco de sombra aquí, lo contrario los ojos saltarán como demasiado brillantes, así que agrego cush fuera de ahí. Creo que busqué una referencia en línea para ver cómo una pequeña sombra podría caer sobre el hombro en esta situación de iluminación. Entonces, Google alrededor de referencias si alguna vez no estás seguro de cómo podría verse algo. Ahora, estoy poniendo esos reflejos del mismo lado que la fuente de luz, insinuando los irises y ahora solo estoy agregando esos toques finales de acentos claros y oscuros, y voy a llamar a éste terminado. Para esta demo final, probemos la iluminación pop nasal. Empiezo haciendo realmente un duplicado de mi personaje, bloqueando la opacidad, llenándolo con un color superior y luego cambiando el modo de mezcla para multiplicarse. Pero la forma en que te mostré en la primera demo es en realidad una forma más rápida de llegar al mismo punto final. Ahora, como hice en la primera demo, agrego una máscara de capa y empiezo a sacar esas luces con pintura negra. Para éste, en realidad tenía una grabación de pulso y voy a mirarme en el espejo con el pelo hacia abajo al estilo para ver cómo caería luz sobre mi frente en esta situación de iluminación. Resultó que la luz hacía una forma triangular en la frente, así que me verás ponerla dentro y fuera en la pieza. Pero al final, realmente no me gustó la calidad de forma que tenía en mi personaje, así que usé de nuevo mi carnet artístico y mantuve suaves los cuatro sombreros. Creo que es una buena idea almacenar algunas referencias cuando las veas para que cuando las necesites, no tengas que buscar interminablemente en internet para intentar encontrarlas. Si quieres ideas sobre cómo puedes hacer esto, únete a mi clase de tablero de inspiración de 10 minutos. Verás que estas pequeñas formas por encima de las cejas saltan un poco a la luz, pero la mantuve suave para que el personaje no se viera demasiado agresivo. No te olvides de ese filo saturado que puede pasar por aquí. Puedes usar el esquivar para resaltar realmente fuertes, solo ten cuidado con él aunque ya que fácilmente puede alejarte de ti. Ahora, estoy agregando una capa oscura de todo el asunto, y estoy usando una máscara de capa y pintura negra para borrarlos, para una especie de dar este efecto de foco. Aquí está la pieza terminada. Estos son solo algunos de mis ángulos de iluminación favoritos para usar en personajes, pero experimento con todos ellos. Si optas por hacer un proyecto, usa el medio que quieras. Será realmente genial ver esto en todo tipo de medios, así que asegúrate de compartir con la clase. Tengo las referencias disponibles en los recursos de la clase, pero también puedes usar obras maestras y fotos como tu inspiración de color e iluminación también. 13. Demostraciones de retratos estilizados: Entonces si quieres descargar mis pinceles de aplicación procreate favoritos, puedes agarrar los de la sección “Tu proyecto” bajo “Recursos de clase”. Entonces para esos cuadros solo estoy abofeteando colores aquí y no estoy viendo nada demasiado específico por el momento. Solo estoy consiguiendo las formas de color ahí arriba así que tengo algo con lo que trabajar. Y luego como puedes ver, está empezando a tomar forma. Entonces, me estoy metiendo en algunas de las formas más pequeñas aquí, y luego en la cara empiezo a pensar en esos estanterías de temperatura de color. Esta es una de esas instancias donde la modelo está mirando hacia fuera del sol como podemos ver debido a la luz de la llanta que la rodea. Entonces, en esa situación como conocemos los aviones orientados hacia arriba van a tener una calidad más fresca a ellos en color ya que están mirando hacia el cielo y los aviones hacia abajo van a tener un calor porque están mirando hacia el suelo. Por lo que incluso en su pecho aquí, se puede ver que sucede, el plano orientado hacia arriba de su pecho tiene una frescura hacia él y el plano orientado hacia abajo le tiene una calidez. En el fondo, acabas de ver que lo mezclé y solo estoy usando la increíble herramienta de procreate para manchas. Me encanta absolutamente la herramienta de manchas y procreate. Y recientemente, mis herramientas favoritas para manchas son los pinceles suaves pastel. Ahora, estoy usando un lápiz 6B para entrar y empezar a definir. Entonces estoy consiguiendo esa luz de llanta en el cabello aquí y alrededor su brazo y ahora solo estoy empezando a poner algunas pequeñas formas de característica. A mí me gusta que esos pequeños rincones oscuros de la boca terminen, eso me ayuda a colocar los labios. También me gusta conseguir la forma del fondo de la nariz en ver esa forma naranja. A mí me gusta meterme eso y luego también sólo esas formas de los ojales. Esto obviamente no es una pieza realista. Yo solo quiero captar el efecto de este escenario de luz de llanta. La iluminación de llantas siempre es tan impresionante para mí, así que realmente quería hacer que mi enfoque, no preocuparme por detalles de su rostro o cosas así o incluso captar su semejanza, pero quería enfocarme en la luz y la belleza de la luz. Y creo que este realmente no me tomó tanto tiempo. Creo que tardó tal vez una hora y podría haberlo llevado a otro punto pero estaba como, me gusta cómo se ve esto, así que lo dejé en esta bocosa y estilizada. Y ahora mismo con ese pequeño detalle en la parte superior de su vestido, no estoy copiando eso en absoluto, acabo de poner unos trazos muy rápidos con el cepillo Willow Charcoal y pensé que capturaba la calidad de forma de eso así que lo dejé solo así. Entonces, para esta pieza, descargué la imagen de la izquierda de shutterstock.com y luego la edité en Photoshop para ser más una paleta de colores que quería. Entonces, oscurecí un poco su tono de piel y uso ese color verde menta para el fondo. Entonces para configurar esto estoy usando el lápiz 6B grande y me gusta mucho este pincel por un par de razones. mí me gusta en primer lugar porque puedes conseguir una línea delgada realmente diminuta con ella cuando usas la punta de tu lápiz Apple y luego también puedes conseguir un trazo grueso realmente bonito cuando pones el lápiz de lado y usas el lateral del lápiz. Entonces, realmente me encanta este pincel. Es uno de mis favoritos de todos los tiempos. Entonces, solo estoy configurando las formas aquí y ahora estoy usando el cepillo de cerdas para manchar cosas alrededor. Entonces, como puedes ver, este cabello es un completo y total desorden pero otra vez, esta es una de esas instancias en las que realmente no me preocupaba capturar todo perfectamente como pelo para cabello. A mí me interesaba más captar el sentimiento de esta chica, que está mirando por encima del hombro y tal vez mientras mueve la cabeza por encima del hombro hay algo de swish en el pelo y realmente quería capturar el movimiento de eso. Entonces, quería que mis pinceladas reflejaran ese movimiento y por eso dejé esto un poco salvaje. Entonces, ahora con mi lápiz 6B, estoy empezando a meterme en algunos de esos detalles de características y estoy empezando a anclarlos en su lugar. Lo bueno de la pintura digital es que puedes mover las cosas con un Lasso y herramientas de selección. Entonces, aunque haya algo que esté ligeramente en el lugar equivocado, tienes la capacidad de moverlo a diferencia de las herramientas tradicionales donde una vez que lo metes, o bien tienes que quedarte con él o tienes que borrarlo. Entonces, esa es una de las ventajas realmente bonitas de las herramientas de pintura digital. Entonces, en lo que va la iluminación en esto, creo que aterriza en algún lugar entre la iluminación dividida y un escenario de iluminación marrón ribete. Es realmente suave pero si tuviera que llamarlo uno, diría que se ha empujado un poco más a un escenario de iluminación marrón ribete. Como pueden ver tengo ese pequeño triángulo de luz en su mejilla lejana. Entonces, en este punto, seguí metiendo cosas y sacándolas y me di cuenta de que esta pieza no está destinada a ir más allá de esta. Solo se supone que sea este sencillo retrato estilizado, así que lo dejé en esto. 14. Demostraciones de retratos realistas: Para este cuadro, comencé con un cepillo suave con el fondo y luego entré a la derecha con el lápiz 6B grande. Usando el costado del Apple Pencil para conseguir estos lindos trazos gruesos. Sólo estoy consiguiendo formas de color arriba. Entonces, tengo algo que empezar a empujar. Empiezo con formas grandes primero y luego empiezo a poner algunas formas más pequeñas. Veo ahí una inclinación en la cabeza, pero no estoy demasiado molesto por meterme eso. Entonces, lo dejo más recto ahora. Ahora bien, no me doy cuenta de que decidí editar los colores a partir de la referencia y puedes hacerlo bien y procrear con los ajustes. Quería trabajar con colores más oscuros. En mi experiencia al trabajar desde la vida, he notado que las fotos tienden a lavar los colores de los tonos de piel. Una especie de aligerarlos un poco. Entonces, quería editar la foto para hacer los tonos de piel más ricos y un poco más oscuros. Entonces, analizando la luz, podemos ver que hay dos fuentes de luz en su rostro. El principal viene del lado derecho y luego una fuente secundaria está llenando sus sombras a la izquierda. Como se puede ver, esto da como resultado reflejos en los ojos. En realidad estar en dos lados diferentes, lo cual es interesante. Normalmente no se ve eso. Eventualmente, pensar en términos de aviones no será esta cosa rígida que parece realmente forzada. Llegará de forma natural y fluirá dentro y fuera a medida que trabajes. Es útil estudiar otras conceptualizaciones de la cabeza también, como las líneas de ritmo de Frank Riley que mencioné. Entonces, ahora que tengo una buena base en su lugar, entro con mi suave pincel pastel y manché ligeramente todos los colores de la composición entre sí. Puede que estés pensando, pero solo pones todo ese tiempo solo para mancharlo, y eso lo pillo. Es difícil dejar ir un cuadro, pero sé que al final me alegraré de haber hecho esto. Porque funciona para unificar la pieza y al final ayuda a hacer para un retrato más realista. Después de manchar, voy y pongo mis acentos claros y oscuros para empezar a bloquear algunas partes de nuevo en Nicholas. Al medir con una línea recta en una nueva capa, veo que las cosas no se alinean exactamente. Entonces, muevo esta parte de la cara hacia abajo. Nuevamente, este es uno de esos momentos en los que estoy muy agradecido por estar pintando digitalmente. También puedes trabajar proporciones en médiums tradicionales. Al igual que con las pinturas al óleo, podrías volver a pintarlo, pero definitivamente es más un reto. Para este retrato, utilizo mayormente estos pinceles. Estos son mis go-to para retratos. Entonces, definitivamente tiene una expresión más agresiva en mi pintura de lo que quiero que tenga. Eso es de que estas formas estén demasiado dibujadas justo sobre las cejas, y eso lo trabajo un poco más con el tiempo. Pero ese es el tipo de forma más pequeña de la cara sobre la que hay que ser sutil, sobre todo en algo así como un retrato de bebé. En su mayor parte, estoy escogiendo color de la imagen. pesar de que a veces ajustaré un poco el matiz, el valor o la saturación, si creo que sería mejor así. Ahora, yo cambio las cosas. Me estoy mudando a trabajar en Photoshop, y solo estoy suavizando esas transiciones con este pincel hecho por Charlie Bowater. Es uno de esos lindos pinceles que tiene una calidad de textura a la misma mientras sigue siendo suave. Ahora, estoy usando un aerógrafo grande para agregar ligeramente unos brillos suaves. Para este retrato, porque es más realista, estoy pensando en los planos de la cabeza mucho más de lo que estaba en el personaje y también en esas formas más pequeñas de la cara. Estas cosas definitivamente toman algo de paciencia y atención enfocada. Esa es parte de la razón por la que no les muestro a estos dos tipos en tiempo real, porque estarías aquí sentado para siempre. Pero si hay una necesidad de demos en tiempo real, puedo compartirlas con ustedes sobre el futuro. Mudarme a Photoshop con esto realmente me ayudó a conseguir un alto fresco. Si no tienes que tener programas de pintura digital sin embargo, aunque solo tomarte algún tiempo para alejarte de tu pintura y puedes volver a ella, te puede ayudar a ver las cosas desde una nueva perspectiva cuando vuelvas. Verás errores más fácilmente después de algún tiempo de distancia. Entonces, si necesitas tomarte un descanso, toma uno. Sólo asegúrate de regresar eventualmente. Haciendo zoom, me di cuenta de que le di unos pelos extra aquí sin querer. Entonces, con un cepillo suave, cambio el valor. Con eso, estoy bien en esta terminada. Entonces, empiezo este retrato con un boceto rápido para conseguir el gesto. Después dejo caer algunas líneas horizontales sobre una nueva capa, para que pueda colocar más fácilmente sus características. Después de tener los conceptos básicos en su lugar, entro y empiezo a pintar con formas de color usando el pincel de carbón de sauce. Al estar bajando estos colores, estoy tratando de considerar la iluminación. A mí me parece que la están guiando desde arriba en un día nublado. Entonces, estoy notando su piel y la luz le tiene una cualidad azulada, y su piel en las sombras tiene unas naranjas y verdes calientes. Además, está en este ambiente muy verde. Entonces, algo de ese verde también rebota en sus sombras. Aquí se puede ver una línea imaginaria. Ahí es donde estoy considerando la ruptura general de luz a sombra. Ahora, estoy difuminando todo con un cepillo pastel suave, y ahora estoy trabajando de nuevo en ello. Esta pieza definitivamente fue un reto para mí, pero quería empujarla. Porque creo que es bueno para nosotros empujar a través esas piezas desafiantes porque saldremos mejores artistas al final. Aprendemos a través de retos y errores no sólo haciendo las cosas que ya sabemos hacer una y otra vez. Ahora, me mudo a Photoshop y solo estoy suavizando y añadiendo algunos detalles más. Esta pieza realmente me hizo pensar en los colores locales. ¿ Ves qué azul son los blancos de los ojos de la cita sin comillas? Entonces, siempre considera cómo la fuente de luz y el entorno afectan lo que estás pintando. Realmente me encantan estos reflejos morados brillantes en sus labios. color y la luz son realmente increíbles y estoy deseando un viaje artístico de toda la vida donde llego a explorar constantemente ambos. Probablemente podría volver a esta pieza y seguir ajustando las cosas, y tal vez bajar la saturación del fondo. Pero por ahora, voy a llamar a éste terminado. 15. Reflexiones finales: Muchas gracias por unirte a esta clase. No puedo esperar a ver tus increíbles piezas. Entonces, por favor comparte tu trabajo y avísame si también tienes preguntas. Creo, es importante recordar que la iluminación es un tema tan gigantesco . Literalmente hay infinitas combinaciones que podrían ocurrir, con todos los diferentes cambios incrementales a los tonos de piel, ángulos de iluminación, y todas las diferentes fuentes de luz ahí fuera, puede ser un tema difícil envolvernos la cabeza. Pero, empezando por estos escenarios básicos discutidos en clase, creo, realmente nos llevará hasta el momento nuestro trabajo. La iluminación es definitivamente una exploración interminable. Entonces, siempre seguir estudiando. Estudia con otros profesores enseñando de una manera diferente, estudia los maestros, únete a un grupo de dibujo de vida, pinta todos los días, incluso cuando estés viendo películas, estudia la luz. Encontré que a través de la observación paciente de la luz que me rodea, soy capaz de recoger pequeños tidbits sobre la iluminación. Entonces, observar la luz y descomponerla en tu vida cotidiana. Puedes estar practicando incluso cuando no tengas tus herramientas de arte frente a ti. Mucho aprender esto es experimentar con el color y la iluminación, y tener las agallas para probar cosas, incluso cuando no sabes con certeza si va a funcionar. Por lo tanto, prueba un nuevo escenario de iluminación y experimenta también con divertidos efectos de iluminación. Espero que esta clase arroje un poco de luz sobre el tema. Nuevamente, para los recursos de clase, puedes encontrar un enlace a los de la sección de comunidad y en la sección de tu proyecto. también me encantaría verte en mis otras clases de arte. Tengo más cursos sobre dibujar retratos, personajes, trabajar con color, y trabajar con Photoshop Illustrated también. Entonces, asegúrate de revisar esos si te interesa y sigue para mantenerte al día con mis futuras clases. Estoy tan emocionado de compartir más de todos ustedes. Muchas gracias otra vez por unirte. Hasta la próxima vez. Pintura feliz.