Pinta paisajes urbanos expresivos en acuarela: luz, reflejos y atmósfera

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estaremos pintando una escena urbana atmosférica. Los paisajes urbanos pueden parecer desalentadores o complejos al principio, pero no te preocupes porque te guiaré a través un enfoque muy agradable y relajado que podría hacerlo más fácil de lo Aunque no quieras pintar el proyecto tú mismo, aprenderás mucho a través observación y la información que comparto. Nos centraremos en un cepillo expresivo suelto para sugerir detalles sin empantanarse en Usa técnicas simples como la mezcla húmeda sobre húmeda, lavados suaves y levantamiento para crear reflejos, luz y movimiento sin necesidad pintar cada pequeño detalle Entonces, ya sea que seas un artista experimentado o creas que esta clase es demasiado ambiciosa para ti, se trata de divertirte y capturar la energía de una ciudad de una manera que se sienta sin esfuerzo y natural He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión abajo. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos aprendiendo emocionantes técnicas de acuarela y cómo podemos usarlas para crear tus propias escenas atmosféricas expresivas de la ciudad. Empecemos. 2. Tu proyecto: Ante todo, muchas gracias como siempre, por elegir esta clase. Hoy, estaremos pintando una escena urbana muy expresiva que nos permita disfrutar de la naturaleza expresiva de la acuarela sin preocuparnos por todos los pequeños detalles minúsculos Lo que me encanta de las escenas de la ciudad es que no tienen que ser perfectas para ser poderosas. De hecho, las mejores pinturas urbanas son las que se sienten sueltas y llenas de ambiente. Abrazaremos la magia de la acuarela, dejando que la pintura fluya, fusione y cree hermosos efectos inesperados. Este proyecto está diseñado para ser accesible y divertido con técnicas que pueden ayudarte a sugerir detalles en lugar de pintar minuciosamente cada cosa Para ayudar a crear reflejos con pinceladas fáciles de fluir o cómo implicar figuras o pintar edificios sin complicar demasiado Incluso si nunca antes has pintado una escena de ciudad, te sorprenderá lo rápido que las cosas unen cuando te enfocas en las formas, luz y el movimiento en lugar de pequeños detalles. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitará para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Yo, por supuesto, te animo a explorar y experimentar con cualquier medio o técnica o colores que quieras usar para hacer de esta pintura realmente tuya. Ahora, sigamos adelante y comencemos el proyecto. 4. Cómo hacer un boceto: Entonces lo primero que vamos a hacer con el boceto es agregar una línea horizontal recta por el medio, solo para que podamos mantener todo paralelo a esa horizontal y otra vertical para que sepamos lo que es una verdadera vertical. Y en el medio donde cruza, ese va a ser nuestro punto de fuga Entonces podemos hacer algunas líneas diagonales más provenientes de ese punto central, y podemos usar eso para ayudar a definir la perspectiva de la pintura. Y ahora voy a empezar a agregar las formas básicas de los autos, que son solo círculos por el momento. Y vamos a usar esas líneas, esas líneas diagonales como guías para la perspectiva de los edificios y de las figuras. Se puede ver que estas figuras son solo esferas en este momento, simplemente círculos estirados, simplemente manteniendo todo sencillo para empezar. Siempre que dibujo una línea vertical, trato de hacer coincidir los lados del papel y esa línea vertical en el centro, asegurarme de que todo esté perfectamente recto porque de lo contrario, si las verticales se apagan, entonces puede parecer un poco desorientador Y se puede ver como cuando estoy dibujando este auto, aproximadamente, que estoy siguiendo esa línea hacia el centro, el punto de fuga horizontal en Es una perspectiva bastante simple este dibujo. A pesar de que hay muchos elementos pasando, las perspectivas son bastante simples porque es un punto muerto. Así que siempre que quieras trazar la línea del edificio. Si no es horizontal o vertical, está apuntando recto hacia ese punto central. Eso significa que los autos directamente en frente y el centro son básicamente lo estamos viendo desde la vista trasera. No hay perspectiva per se sobre ellos. Y luego a medida que salen los autos y a medida que salen los edificios, hay un poco más de perspectiva para ellos porque está más lejos de ese punto de fuga Y cada vez que estoy agregando una forma, trato de igualar ese punto de fuga Tengo en el ojo de mi mente ese punto en el centro, y todo se está enfocando en ese punto ahí. Y esta etapa de dibujo, el boceto es la parte más fundacional, realmente Debes asegurarte de que el boceto, incluso si usas el rastro, la plantilla de trazado es precisa porque es el esqueleto del que está hecha la totalidad de la pintura. Entonces, si eso está mal, hará que la pintura sea mucho más difícil. Oh 5. Aplicación de líquido enmascarador: Entonces ahora me he tomado todo el tiempo que necesitaba para que el dibujo fuera lo más refinado posible porque eso me va a ayudar mucho más con la pintura. Si todo está suelto con el dibujo, entonces no hay forma de que pueda darle sentido una vez que se involucra el caos de la acuarela. Así que me aseguré de que todo estuviera más o menos correcto. Solo los contornos de las cosas. Y ahora voy a empezar a aplicar líquido enmascarador. Ahora bien, no necesariamente necesitas usar líquido de enmascaramiento. Puedes usar pintura blanca o gouache al final de cualquier color para traer de vuelta las luces Además, podrías cortar un poco de cinta adhesiva si no tienes líquido de enmascaramiento. Pero solo uso un palillo solo para meterme en algunas de estas zonas difíciles que están bastante bien. Yo no uso un cepillo. Yo uso un palillo de dientes o algo así. Y no voy a repasar todo el líquido de enmascaramiento en este video. Simplemente saltaré a la pintura después de haberla aplicado todo para que puedan ver. 6. Tonos claros: Como regla general de la acuarela, pintamos de claro a oscuro. Por supuesto, siempre podemos romper las reglas una vez que hayamos dominado los fundamentos y sepamos manipular completamente el medio Pero para mantener las cosas simples, pintar de la luz a la oscuridad es un buen paso y estrategia para tener. Entonces empiezo luciendo ligero y pensando en mi composición, ¿ dónde necesito pintar una capa inferior Y en realidad, si quieres ir un paso más allá antes de la capa inferior, tenemos que pensar en dónde podríamos querer mantener el blanco del papel Por supuesto, hemos usado líquido de enmascaramiento para seleccionar algunos reflejos y eso mantendrá el blanco del papel. Pero en realidad, creo que voy a mantener el cielo mismo, el blanco del papel. No voy a pintar nada de azul en esto. Así que eso va a tener un bonito contraste con los oscuros profundos que agregaremos al final Entonces, para empezar, acabo de mezclar un ocre amarillo , un ocre amarillo Pero lo he ensuciado un poco con un poco de siena quemada o incluso un poco de tinte neutro, porque el pigmento puro aquí que estoy usando es un poco demasiado vibrante, así que tengo que bajarlo un Y he mojado previamente la zona del cielo, aunque no la veas porque es agua pura Donde el edificio de la izquierda toca el cielo, acabo de hacer el papel bastante húmedo y estoy permitiendo que el agua se empape un poco. Por supuesto, en este lado derecho, hay un borde duro donde este edificio marrón se encuentra con el cielo, pero voy a tener una especie de borde mojado sobre mojado en el otro lado. Entonces estoy mezclando esa siena quemada con un poco de ocre amarillo Y me estoy empezando a dar un toque y se puede ver dónde he mojado el papel y simplemente está fluyendo por sí mismo Con esta etapa de capa inferior, es la parte más fácil realmente porque realmente no estamos agregando detalles Solo estamos agregando color expresivo. Y me estoy asegurando de que no estoy pintando en estos autos y taxis y figuras en este momento. Sólo estoy bloqueando los edificios. Y tampoco estoy usando un pincel pequeño. Estoy usando un pincel de caligrafía china, pero puedes usar un cepillo de fregona. Realmente no importa siempre tenga suficiente pigmento y puedas obtener buenos trazos de pincel anchos en lugar de tener que usar un pincel pequeño, lo que significa que estás reponiendo el pincel todo el tiempo y creando líneas nítidas en lugar de líneas grandes y anchas La calle va a estar bastante mojada, así que tengo que estar al tanto del reflejo que estoy pintando. Las reflexiones serán más distorsionadas, por lo que nos permite más libertad, y no tenemos que ser tan estrictos con nosotros mismos Pero básicamente, el reflejo es que estamos imitando a la cima. Pero podemos ser muy abstractos con la reflexión, y realmente, nos vamos a divertir expresando acuarela más adelante con la reflexión. No vamos a ser tan directos con los detalles. Entonces ahora que he dejado que el agua se empape un poco en el cielo, puedo aplicar un poco de pigmento ahí, y se puede ver que ahí solo tiene un poco de borde suave. Es muy sutil, y eso es todo lo que necesita porque no quiero un gran contraste entre los edificios y el cielo fondo en la distancia. No quiero que sea demasiado discordante. No puedes pintar cada detalle porque no habrá nada en qué enfocarte y será demasiado abrumador. 7. Cómo agregar blues: Porque cuando miramos un paisaje urbano, hay muchos detalles Hay tantas ventanas. No estoy contando cada ladrillo y ventana. Sólo estoy tratando de obtener la forma general. Siempre y cuando tengas los elementos principales correctos, color, la luz y la atmósfera, entonces todo se junta, y la atmósfera es, por supuesto, una permanente bastante general ¿Y a qué me refiero con atmósfera? De verdad, estoy hablando de si son bordes blandos o bordes duros, ya sea una pintura de bajo perfil o una pintura de clave alta, todas las cosas de las que hablaré más adelante en la clase. Pero por el momento, puedes ver que solo estamos haciendo una capa inferior y todo es prácticamente del mismo color Es como un color naranja quemado. Y he elegido específicamente este color naranja quemado porque tendremos azules fuertes más adelante en la pintura. Y estos azules fuertes, cuando se contrastan con este naranja, se complementarán porque son colores complementarios Sienna Quemada es, por supuesto, una naranja, una naranja quemada Ya estoy aplicando algo de blues en este momento solo a la ligera. Y entre el azul es el morado y el verde. Entonces a veces estoy mezclando un verde azulado o un verde purpúreo A la hora de pensar en qué color quiero añadir, estoy tratando de pensarlo en contexto con el resto de la pintura. Por ejemplo, no voy a agregar un rosa brillante en esta etapa porque no hay nada que todavía conecte el rosa con la pintura. Y cuando estoy agregando este morado y verde, estoy influyendo en el azul porque azul será un color dominante más adelante Entonces estoy permitiendo que se conecte de esa manera. Así que lo he secado completamente, y ahora puedo empezar a hacer algunas otras capas inferiores como algunas de las capas inferiores azules Estoy usando solo azul serlean en este momento, y tengo mi verde Vidian Voy a usar este azul para pintar el parabrisas, el parabrisas trasero de este taxi Observe cómo he cambiado a un pincel más pequeño aquí porque ahora no estoy haciendo grandes trazos amplios. Estoy pintando formas más pequeñas. Entonces cambias tu pincel o tamaño de tu pincel dependiendo del tamaño de la forma que estés pintando en tu lienzo. Necesito asegurarme de que estas líneas sean muy específicas porque este va a ser un taxi amarillo brillante, ojalá. Y si superpongo el parabrisas en ese auto, donde está destinado a ser amarillo debido la naturaleza translúcida de la acuarela, se perderá la vitalidad del amarillo De igual manera, más adelante, cuando lo pinte con el amarillo, tendré que tener cuidado de no pasar al azul del parabrisas Estos autos en la distancia, sin embargo, pueden ser un poco más amplios porque no creo que los vaya a pintar de amarillo. Todavía no estoy seguro de qué color voy a pintarlas. Probablemente serán de un color más oscuro, más turbio. Es solo que ese auto principal de la izquierda el que va a ser lo más destacado, de verdad. A 8. Pintar con espontaneidad: Entonces esta es una de esas pinturas que en realidad es bastante difícil de pintar paso a paso. Puedes, por supuesto, probar y estas primeras etapas, al menos con la capa inferior, donde puedes seguir poco a poco, puedes seguir paso a paso Pero eventualmente, a medida que transitamos hacia el lado más expresivo de la pintura, el estilo más flojo, entonces se vuelve menos predecible, y tenemos que confiar en la espontaneidad, que, por supuesto, es imposible de seguir paso a es imposible de seguir paso a paso porque lo que pueda pasar en mi pintura será diferente a lo que sucede Porque nos permitimos ser espontáneos con la acuarela y al forzar al agua a hacer lo que queremos en lugar de permitir que la acuarela haga lo que quiere, perdemos la magia de ese medio de lo que hace que este medio sea tan especial. Así que técnicamente podrías pintar exactamente paso a paso. Podrías fregar tu espontaneidad y hacer que coincida con la mía, pero la magia se perderá si haces eso Entonces es tu elección de qué manera quieres usar esta clase. Por supuesto, al ser más espontáneo, es más arriesgado. También da más miedo porque no sabes cómo podría ir. Y siempre hay una etapa fea de una acuarela que no sabes si se unirá al final o donde quiera que no tal vez lo hará. Pero definitivamente es la dirección correcta si quieres aprender a abrazar el estilo más flojo, el estilo más expresivo de acuarela y tu pintura será mucho más única si sigues esa espontaneidad Por eso creo que es más valioso tener este metraje ligeramente acelerada para que puedas ver mejor cómo estoy tratando de manipular el pigmento en lugar de tener que hacer una pausa cada segundo y seguir cada acción que realice para completar la precisión. Así que al pasar por estas etapas, voy a tratar de explicar qué colores estoy usando y qué exactamente estoy tratando de lograr. Pero se vuelve cuando nos adentramos en las etapas más expresivas, hablaré más sobre los conceptos fundamentales que te permitirán pintar tú mismo de esta manera suelta, espontánea, espontánea. Entonces mientras hablaba ahí, seguí con el azul serlean Volví a cambiarme a mi pincel más grande, y mezclé este amarillo cadmio con un poco de rojo para hacerlo ligeramente anaranjado Y tuve mucho cuidado al agregar este amarillo porque no quiero que se fusione completamente con el azul. Así que me aseguré de que los bordes estuvieran un poco húmedos, no completamente mojados, tampoco completamente secos. No necesariamente quiero que haya bordes duros, pero no quiero que se encuentren entre sí. Tomé un poco de precaución para asegurarme que el amarillo no se mezclaría con el azul, de lo contrario, por supuesto, haría un verde, que en realidad no estoy buscando Retomando este azul Cerlean y aplicando mucho de él en la parte superior izquierda Un poco de púrpura también. Me aseguro de no repasar bastante a la gente todavía, las cifras. Observe cómo empecé con el azul Cerlean puro. Y luego a la izquierda, influí un poco de púrpura, y a la derecha, integré un poco de verde. Así que estoy tratando de que el lavado sea un poco más interesante que un solo color puro. Mezclando rojo. En realidad, eso es un rojo cadmio puro, y lo estoy aplicando sobre ese amarillo húmedo No lo hice de inmediato porque antes estaba demasiado húmedo cuando apliqué ese amarillo, y simplemente se habría derramado y hecho que todo se pusiera Pero esperando un poco, esperando que el papel se seque un poco, mantiene un poco el borde. Un borde húmedo sobre mojado. 9. Primero las formas grandes: Mezclando un poco de lavanda. Esta lavanda es Holbein, pero sé que Daniel Smith también hace una lavanda similar Es un poco como un gouache porque es opaico. No es muy translúcido, cuando pintas sobre la parte superior, realmente bloquea lo que sea que esté debajo de ella. Y a pesar de que las cosas se están volviendo un poco más complejas ahora, sigo manteniendo la misma estrategia. Al rellenar estas formas, o estoy pintando completamente vertical, completamente horizontal o siguiendo esa línea hasta la línea del horizonte en el punto muerto, esa línea diagonal que alcanza ese punto de fuga en E incluso en esta etapa, cuando miras las formas reales y las marcas, no son nada en particular. No necesariamente se pueden ver edificios ahí, pero lo estamos dando a entender poco a poco He añadido esos pequeños rectángulos en perspectiva. A lo mejor son vallas publicitarias o algo así o toldos o letreros en alto de las tiendas y los estoy pintando hasta En realidad no estoy pintando sobre ellos. Ahora, comenzando por este lado derecho del suelo, estoy usando de nuevo, líneas que apuntan hacia la dirección del medio y todas estas líneas simplemente dibujan el foco hacia el medio. Ayudan al espectador o ayudan a guiar al espectador. Entonces aquí hay una línea vertical pura que refleja la parte superior. Entonces es bastante aleatorio donde estoy agregando estas líneas, pero siempre y cuando estén apuntando hacia ese punto de fuga o sean puramente verticales o puramente horizontales, debería tener sentido Incluso estoy pintando reflejos de edificios que aún no he pintado arriba, y tengo que ser cauteloso porque hay una brecha entre los edificios en el medio por donde entra el blanco del cielo Necesito asegurarme en el reflejo mantenga esa tira blanca de luz en el medio. Ahora, puedes usar un cepillo de trapeador. La razón por la que he decidido usar esto es puramente porque me gusta experimentar con diferentes herramientas, y te animo a que pruebes diferentes pinceles, diferentes colores, diferentes técnicas todo el tiempo. Sigo haciendo eso, y esta es una de las primeras veces que he usado este tipo de brochas. Y estoy encontrando en el proceso de pintarlo, pintar con él, sus ventajas y sus desventajas. Me gusta el hecho de que tenga un punto muy fino, por lo que puedo llenar mucha área mientras también mantengo un punto agradable y fino. Y al inclinarlo, los pelos son bastante hinchables, así que puedo poner un poco de presión y crear un bonito borde duro poco barrido Mientras estamos pintando sobre esta segunda capa del edificio, se puede ver que hicimos ese tipo de capa inferior marrón para empezar, y ahora estamos pintando encima de eso Y no estoy pensando necesariamente en términos de tres D. Estoy viendo mis referencias, y estoy tratando de simplificarlo en una forma. Básicamente, podría ser una forma abstracta, pero esta arandela azul que acabo de pintar, es una sola forma. 10. Armonía de colores: El ojo es muy bueno para detectar colores. Cuando sales a la calle o miras alrededor tu casa y buscas algo que sea verde, automáticamente elegirás todo lo que sea verde. Y entonces si cambias al rojo, solo verás lo que es rojo o de igual manera tienes azul o morado. Y puedes hacer esto cuando pintes. Si estás viendo esta pintura ahora, si solo te enfocas en los colores azules, realidad puedes ver que son formas independientes. Entonces solo emparejas esas formas y luego a medida que se juntan, crean la ilusión de profundidad sin siquiera pensar en eso. Particularmente con estos edificios de fondo, no quiero que estén demasiado oscuros porque las cosas que retroceden en la distancia tienen contaminación del aire Entonces hay partículas en el aire que las hacen más suaves y no tan oscuras porque el contraste es menor. La atmósfera en el aire hace que ese contraste sea menor, y así es como creamos esa atmósfera esa perspectiva atmosférica. Entonces a medida que nos acercamos al primer plano, vamos a hacerlo un poco Eso es lo que voy a hacer ahora. Voy a coger esta siena quemada, un poco roja. Entonces voy a añadir un poco de azul a esto para neutralizarlo un poco Este marrón es un poco demasiado potente. Con todo azul alrededor, se ve un poco fuera de lugar. Es agregar un toque de azul lo trae a la unidad un poco mejor, unifica, lo conecta bien A pesar de que no necesariamente se puede ver el azul en él cuando se mezcla con ese marrón, es más como un gris. Hay una bonita transición de azul en la parte superior. Entonces va un poco a un poco de púrpura grisáceo y luego marrón en el medio Y luego a medida que bajamos al fondo, se vuelve un poco más oscuro. Manteniendo esas verticales bonitas y limpias. Después pintando en algunas sugerencias de ventanas usando ese mismo tipo de color grisáceo Allí algunas líneas finas, que también podrían interpretarse como ventanas. Hacer un poco de color más rojo, agregar un poco de ese camium rojo a la mezcla O. Realmente no puedo explicar lo que estoy haciendo ahora. Lo estoy sintiendo y tratando a propósito de no pensarlo demasiado, tratando de imaginar en ojo de mi mente lo que tiene sentido en lugar de pensar racionalmente en ventanas o ladrillos, pensar en las formas y cómo funcionan juntas, pensando en la temperatura de la pintura que quiero usar, y luego el tono de la misma, ya sea que quiera que sea más clara o más oscura que lo que la rodea. 11. Simplificar la complejidad: Entonces, mientras estoy pintando en estos detalles anodinos, hablemos un poco sobre simplificar detalles complejos o escenas complejas y cómo implicar detalles en lugar de tener que pintar cada pequeña cosa que ves porque, por supuesto, al pintar un paisaje urbano ocupado, es fácil sentirse abrumado por la gran cantidad de detalles, las innumerables ventanas, ladrillos, señales de calles, autos, personas, luces, lo que sea. Todos tratan de competir por la atención. Pero como artistas, no necesitamos capturar cada elemento para poder crear una pintura convincente y atractiva De hecho, es todo lo contrario. Utilizamos la simplificación como una forma de mejorar la pintura, y es una de las herramientas más poderosas que tenemos al implicar detalles en lugar de renderizarlos con precisión, podemos crear una sensación de realismo sin perder la energía y la espontaneidad que hacen de la acuarela un medio implicar detalles en lugar de renderizarlos con precisión, podemos crear una sensación de realismo sin perder la energía y la espontaneidad que hacen de la tan emocionante Porque una pintura más que una foto debería capturar la esencia de una escena en lugar de una representación realista completa de la misma. Cuando nos enfocamos demasiado en los detalles individuales, perdemos el estado de ánimo general, la profundidad general y el movimiento realmente de la pintura. Y la acuarela en particular es muy adecuada para la sugerencia porque tiene la capacidad natural de crear bordes suaves, lavados mezclados y texturas inesperadas que imitan la complejidad del mundo real Y además, mientras estamos pintando, puede parecer necesario pintar en todos los detalles. Pero en realidad, cuando miramos pinturas, nuestros ojos llenan naturalmente toda la información que falta. Si solo sugerimos un tema suficiente, el cerebro del espectador completará la imagen sin que necesitemos pintar cada ladrillo o ventana. Este enfoque permite una composición más expresiva y atractiva y evita que la obra de arte se sienta rígida o sobrecargada de trabajo Entonces, como siempre digo, y no se puede repetir lo suficiente, es enfocarse primero en las grandes formas. En lugar de saltar directamente a detalles finos, necesitábamos comenzar por identificar las formas principales dentro de la composición. Y para esta escena de la ciudad, estaba bloqueando en esas masas constructivas para empezar, tendiendo la calle o trabajando las principales áreas claras y oscuras. Y ahora que lo hemos hecho, ahora estamos cerca de un tercio del camino hacia la pintura, estamos trabajando y tratando de averiguar el arreglo tonal, el valor o el contraste para encontrar las formas En lugar de esbozar cada ladrillo o característica arquitectónica, nos centramos en cómo la luz y la sombra definen la escena Los edificios distantes, no necesitamos mostrar ventanas dibujadas individualmente. Simplemente puede ser sugerido por un cambio de tono o unas pocas líneas discontinuas. Y eso es lo que hemos hecho ahí. Hemos agregado algunas líneas para implicar las características arquitectónicas. Y al final del cuadro, no necesariamente no se va a señalar, no va a sobresalir. Simplemente lo aceptaremos como un edificio. Y los reflejos sobre el pavimento húmedo se pueden lograr con pinceladas gesturales sueltas en lugar de líneas detalladas rígidas porque los charcos y reflejos son 12. Acumulación de las reflexiones: Sigamos con la adición de las reflexiones. Entonces estoy agregando algunas líneas verticales aquí de ocre amarillo y un poco de camium amarillo, agregando un poco de siena quemada ahí Y entonces podemos empezar a hacer todo el inicio trabajando de arriba hacia abajo desde donde el carro se encuentra con la carretera y cómo se conecta el fondo usando este mismo tipo de color azulado, pero un poco tonificado No es un azul vibrante. Y estoy agregando algunas ondas, algunas líneas finas Pero a pesar de que están bien, no son necesariamente detallados. Estoy tratando de ser bastante selectivo con donde estoy agregando detalles o áreas de interés. No quiero que esté demasiado desordenado, y esa es una excelente manera de evitar que una pintura se sienta abarrotada, de elegir dónde colocar más detalle y dónde dejar que el pincel permanezca suelto y el pincel permanezca Nuestros ojos están naturalmente atraídos por el contraste o la nitidez. Por lo que agregar algunas ventanas bien colocadas o letreros o figuras de calles en el área focal puede implicar que existen detalles similares en otros lugares sin tener que señalarlos o pintarlos individualmente. Es un pequeño truco de composición. Si creas el foco y la atención donde está el detalle, entonces la visión periférica del espectador agrega en esos detalles en sí misma. Lo bueno de los paisajes urbanos es que gran parte de la arquitectura moderna es casi bastante abstracta de la arquitectura moderna es casi bastante No tienen ventanas tradicionales. Muchas veces no se puede diferenciar las ventanas de las paredes o simplemente las formas de los edificios son bastante abstractas de todos modos. Para que podamos salirnos con la suya metiendo con eso. Y una de las cosas que me confundió bastante cuando estaba aprendiendo a pintar es así que si no estoy pintando detalles, entonces ¿qué debo poner ahí? ¿Cómo insinuo ese detalle? Bueno, la acuarela tiene una hermosa manera de crear texturas y formas de forma natural. Entonces, si tienes fe en el medio y permites que el pigmento se fusione y fluya impredeciblemente, puede sugerir texturas o reflejos de ladrillo o piedra sin necesidad pintar el Y hay toda una gama de técnicas que te estoy mostrando en esta clase y otras clases desde pincel seco desde arrastrar el pincel a través de este papel rugoso, que pueden crear la ilusión de paredes o texturas envejecidas Y luego hacia el final de la pintura, levantaremos la pintura, y podemos aplicarla selectivamente a diferentes áreas y la forma en que la luz podría captar en los edificios o los reflejos o ventanas. Y las líneas discontinuas pueden sugerir barandas o los postes de luz o la separación entre la carretera y el pavimento Entonces tenemos que poner mucha fe en la acuarela para hacer parte del trabajo por nosotros. Y eso, a su vez, nos ayuda a crear una pintura que sea más espontánea, más animada, y una vez que te sientas cómodo con ella, también más amena, porque solo vas con la corriente, te estás divirtiendo. No te estás estresando por ello. También puedes ver cómo he incorporado el espacio negativo o el área sin pintar o al menos las áreas ligeramente pintadas Y pueden ser tan importantes como las áreas rellenas. Al dejar algunas áreas indefinidas, creamos una sensación de atmósfera y profundidad. Utilizaré esta técnica para las figuras también. 13. Encontrar el equilibrio: Como en la mayoría de las cosas con la pintura, se trata de equilibrio. Y la esencia de encontrar el equilibrio adecuado es comprender qué incluir para mejorar la narrativa y el impacto emocional de su obra de arte y qué excluir para evitar ese desorden y confusión Y la mejor manera de averiguarlo todo es hacerse algunas preguntas cuando esté observando su obra de arte y el tema de su pintura. Puedes preguntarte, ¿A dónde quiero que vaya primero el ojo del espectador? Identifica o selecciona lo que quieres como punto focal como ese interés central, y luego pregunta, ¿es un toque vibrante de color? Es un contraste dramático o tal vez un tema específico como este taxi amarillo, creo que es mi punto focal porque tiene ese chapoteo de color del amarillo que voy a pintar más tarde. Eso es lo que pretendo. Entonces tiene ese contraste entre la luz del amarillo y la oscuridad del fondo. Y además, es un tema bastante específico. Es si esto va a ser una especie de escena neoyorquina, que creo que está mirando mi referencia, todos parecen ser impuestos neoyorquinos. Entonces ese es un tema específico bastante icónico. Esta área debe ser la zona con más detalle y claridad para llamar la atención de inmediato. Eso es en lo que me voy a centrar y poner un cuidado extra en torno a este borde. En todas partes es un poco desesperado, pero cuando estoy pintando este taxi, ahí es donde voy a pasar la mayor parte de mi concentración por los detalles al menos Entonces tienes que preguntarte qué elementos son esenciales para la composición. Tienes que determinar qué componentes tu escena son necesarios para transmitir la escena con precisión, y ¿la inclusión de cierto edificio o ciertas figuras objetos sustenta la historia o el estado de ánimo que intentas crear? Y si no, entonces retire esos elementos o componentes o al menos simplifíquelos. No hace falta que pintes todo lo que ves. Si solo pintas lo que se suma a la historia, las pinturas son historias, realmente, historias visuales. Y si tuvieras que poner este cuadro en una historia sencilla, es un día húmedo por la tarde, diría yo, los reflejos, la interacción de los reflejos Así que sólo me voy a centrar en las cosas que se centran en ese tipo de narrativa. Entonces preguntarías, ¿dónde puedo permitir que la acuarela cree textura y profundidad forma natural usando los elementos que hacen que la acuarela sea tan única y especial? Porque la acuarela tiene esta habilidad única para mezclarse y moverse sobre papel y crear esas interesantes texturas y gradientes que solo puedes lograr en acuarela Y podemos usar esto a nuestro favor en áreas como el fondo o áreas menos significativas donde se pueden sugerir detalles en lugar de renderizar completamente. A, tal vez quieras preguntarte, puede la dirección de los trazos de pincel agregar a la composición? El tiempo que imagino o veo mis pinceladas como flechas casi que fuerzan el movimiento y conducen el ojo y contribuyen al dinamismo general de la escena Podemos utilizar pinceladas variadas para reforzar la sensación o los elementos estructurales. También puedes tener humo de cepillo seco o movimientos suaves muy húmedos. 14. Comienza teniendo en mente el final: Bien. Muchas de estas preguntas, por supuesto, provienen de la mentalidad antes de que realmente empieces a pintar, tienes que comenzar con el final en mente, y esa es una de las mentalidades más poderosas para tener porque a diferencia otros medios donde las capas se pueden y reelaborar para siempre, la acuarela es muy delicada y muy Es un proceso fluido que requiere mucha previsión y Y cada decisión que tomemos desde el primer lavado hasta los detalles finales debe ser planeada o al menos informada por la visión clara que tenemos de hacia dónde queremos que vaya la pintura. Y este enfoque nos permite trabajar con más confianza. Y cuanto más fuerte sea nuestra visión, más deliberadas serán nuestras elecciones, y podríamos evitar trampas comunes como trabajar demasiado o confundir Porque puede suceder con bastante facilidad. Una vez que ponemos un lavado, obviamente es muy difícil recuperarlo. Y esto significa que cada trazo o elección de color debe ser bastante intencional. Entonces, al comenzar con una imagen mental de cómo queremos que sea la pintura terminada, claro, realidad no podemos pensar en ella tan definida en el ojo de nuestra mente, pero podemos tener el sentimiento general, la idea de ello como una hoja de ruta para nosotros mismos Donde queremos preservar ciertos reflejos o gestionar armonía del color y algunas áreas donde podamos permitir que la espontaneidad natural de la acuarela pase a través Porque no queremos perdernos en detalles innecesarios ni dudar sobre las opciones de color. Entonces, cuando comenzamos con el fin en mente, establecemos una dirección clara desde el inicio, y ojalá permita que el proceso de pintura se desarrolle sin problemas y a propósito Ahora estoy pintando este punto focal del taxi amarillo o naranja. Con ese vibrante amarillo anaranjado. No es una habilidad natural poder visualizar la pintura final. Es una cosa bastante abstracta de hacer. Todavía me cuesta mucho hoy en día, y es algo en lo que siempre tienes que trabajar. Cuando empecé a pintar, fue extremadamente difícil. Pero puedes descomponerlo para ayudarte y averiguar cómo quieres que se vea. Puedes preguntarte, ¿dónde quiero los valores más ligeros y oscuros Porque la acuarela se basa en la preservación del blanco del papel para los reflejos, y nunca agregamos pintura blanca hasta el final, realmente. La mayor parte de la luz de la pintura viene del blanco del propio papel. Entonces tenemos que pensar en los valores y dónde queremos que estén esos. Y, por supuesto, hacer bocetos antes de hacer la pintura, incluso en pequeños cuadernos de bocetos Ni siquiera estoy hablando del boceto de contorno de la pintura en sí, solo un boceto tonal sobre el tamaño de la palma de tu mano es muy bueno para ayudarte a visualizar cómo quieres que sea la pintura entonces ¿qué humor o ambiente quieres transmitir ? Con esta escena de la ciudad, es bastante enérgica y vibrante y bastante aguda. Pero a lo mejor querrías hacer uno brumoso, uno suave. Nosotros, es un día lluvioso brumoso, y está lloviendo en su momento. Entonces, saber esto desde el principio ayuda a determinar qué técnicas o opciones de color planea usar. Entonces puedes planear tu composición. 15. Estrategia de color: También tenemos que pensar una estrategia de color antes de comenzar. A diferencia de otros medios, donde simplemente podemos ajustar sin cesar los colores porque la acuarela es transparente, cada capa afecta a la que está debajo de ella Por lo tanto, esto hace que las elecciones de color intencionales sean esenciales para lograr esa armonía, profundidad y un fuerte punto focal. Y también ayuda a prevenir la enturbiamiento y generalmente mejora el Entonces, cuando se trata de color, podemos desglosarlo aún más y pensar en tres aspectos clave para considerar limitar su paleta, comprender los tonos cálidos versus fríos y decidir sobre su enfoque de estratificación Por lo tanto, una paleta limitada significa seleccionar solo unos pocos colores clave para trabajar en lugar de usar cada pintura, tubo o sombra disponible. Y esta restricción en realidad ayuda a crear una armonía de color natural y asegura que todos los elementos de la pintura se sientan unificados. Entonces, ¿por qué es efectiva una paleta limitada? Básicamente, nos obliga a mezclar colores en lugar de depender de los pre mezclados, y nos lleva a una forma más natural de crear transiciones y variaciones más sutiles en el tono Y evita el típico caos de color. Cuando estaba pintando por primera vez o comenzando, estaba abrumado y todo se volvió bastante caótico e incontrolado porque estaba aplicando demasiados colores diferentes, y era abrumador y la pintura se veía Nada coincidía realmente porque estaba usando cierto conjunto de colores para pintar un área y una sección diferente para pintar otra área. Así que una paleta limitada reduce esa posibilidad de colores fangosos que ocurren cuando demasiados pigmentos se mezclan involuntariamente Entonces, ¿cómo podemos elegir paleta limitada? Por lo general, elegimos un color cálido y una versión fresca de cada color primario. Y eso es básicamente lo que tengo en mi paleta. Tengo un rojo cálido, un rojo frío, un azul cálido, azul frío, un amarillo cálido y un amarillo frío. Y esto permite una amplia gama de mezclas, pero en realidad no agrega complejidad innecesaria. Yo también tengo muchos tonos tierra. Los cuatro últimos son mis tonos terrosos, y son bastante buenos para pintar escenas de ciudad, escenas urbanas, así como paisajes naturales Ellos molieron la composición porque son tonos bastante neutros. Y hay que pensar en el estado de ánimo general. ¿Quieres que sea vibrante y de alta energía como esta pintura, o tal vez te inclinas más suaves y apagados o colores fríos y calmantes Y tu paleta debe reflejar esta intención. Cuando nos comprometemos con una paleta limitada, entrenamos nuestros ojos para ver las relaciones de color de una manera más clara. Y luego también desarrollamos una mayor comprensión de cómo interactúan los tonos con la acuarela A, uh 16. Tonos cálidos vs. fríos: Bien. A la hora de planear tonos cálidos versus fríos, podemos usar esto para crear profundidad y ambiente porque la interacción entre tonos cálidos y fríos es muy fundamental para lograr ese contraste y estado de ánimo en la pintura Para empezar de manera muy sencilla, sabemos lo que son los colores cálidos. Son rojos, amarillos naranjas y tienden a sentirse más cerca más vibrantes y eso los hace excelentes para los puntos focales en realidad porque son naturalmente más vibrantes y tienen una sensación de cercanía y Sin embargo, los colores fríos tienden a retroceder hacia el fondo y crear profundidad y distancia Y si tu pintura era principalmente colores cálidos, entonces podrías usar un color frío solo para hacer que un área destaque, y ese será el punto focal. Pero muchas veces, como en esta pintura, colores cálidos como el amarillo de ese taxi y el rojo de esas personas, esas cifras son geniales para los puntos focales. Entonces, ¿cómo afecta esta temperatura a la composición? Acabamos de tocar el primer plano versus el fondo y usar tonos más cálidos en primer plano y tonos más fríos en el Y eso ayuda a crear la profundidad atmosférica, haciendo que los objetos distantes se sientan más alejados. Por eso también he añadido ese rojo en el lado derecho. Entonces tienes luz contra sombra. reflejos cálidos y las sombras frías agregan una sensación de realismo porque las sombras a menudo no solo son más oscuras, sino que tienen matices más fríos para contrastar la calidez de la fuente de luz Y por lo general el sol siendo amarillo o al atardecer, naranja e incluso rojo, eso definitivamente hace que las sombras sean mucho más frías. Pero si estamos hablando de luz artificial, y teníamos una luz fría como algunas luces LAD son, de hecho, más frías o luces navideñas Algunos de ellos son una especie de blanco azulado, entonces en realidad sus sombras serían cálidas Entonces siempre hay excepciones. Después el estado de ánimo y la emoción. Una pintura dominada por tonos fríos puede sentirse tranquila, serena o bastante malhumorada Mucho de este azul que estamos usando en esta pintura es bastante malhumorado, tal vez por la lluvia Realmente no tendría mucho sentido pintar una escena lluviosa con muchos colores cálidos porque el azul obviamente está asociado con la humedad y la lluvia, mientras que los tonos cálidos crean energía, emoción y vitalidad Entonces, ¿cómo podemos equilibrar estos tonos cálidos y fríos? Bueno, antes que nada, tenemos que evitar hacer que todo esté demasiado caliente o demasiado frío. El contraste entre ambos es lo que hace que la pintura sea bastante dinámica. Entonces por eso tenemos un poco de ambos pasando. Pero aún tenemos que identificar una temperatura dominante, ya sea cálida o fría. Voy por cool y esto como mi pintura dominante, mi temperatura dominante. Y luego estamos usando los tonos cálidos opuestos bastante moderación para el contraste Se puede ver con ese azul, también tenemos unos greens que son geniales. Tenemos algunos morados, y en realidad no tenemos tantos rojos ahí dentro Entonces, cuando se planifica correctamente, tonos cálidos y fríos no solo crean contraste visual. Mejoran la narración y la profundidad. 17. Estrategia tonal: Entonces, mientras solo hablaba de tonos cálidos y fríos, comenzamos a pintar encima nuestros tonos más oscuros encima de este taxi, donde tenemos el área de contraste más fuerte porque, nuevamente, ese contraste crea el punto focal Si bien la estrategia de color juega, por supuesto, un papel muy importante en la creación de un estado de ánimo de armonía , por supuesto, el color es una de las principales cosas en las que pensamos a la hora de pintar. Pero en realidad, la estrategia tonal es posiblemente aún más importante porque los valores tonales, la ligereza u oscuridad de diferentes áreas en una pintura, son los que le dan a una pintura estructura, profundidad Una estrategia tonal bien planificada asegura que la composición siga siendo visualmente atractiva y es realmente lo que la hace legible Los colores son como la salsa. Agrega un nivel extra de emoción, pero son los tonos los que hacen que todo sea muy legible. Aunque los colores se eliminaran por completo, la pintura debería ser comprensible. Una buena idea en realidad es hacer muchas pinturas solo con, blanco y negro o tinte neutro. Eso es lo que hice cuando estudié. Me olvidé un poco del color y solo me concentré en acertar las relaciones tonales Son los valores tonales los que definen la forma, crean profundidad y establecen el contraste Y sin una clara gama de tonos, la pintura puede parecer plana, desestructurada o confusa para el espectador Entonces algunas preguntas que puedes hacerte, nuevo, es donde está el punto vocal. Ahí es donde queremos tener el mayor contraste. Por eso he pintado negros tan oscuros junto a este taxi naranja brillante o amarillo Y después de eso, ¿a dónde debería moverse el ojo del espectador a través de la pintura? Podemos usar estas líneas tonales en los reflejos o los reflejos de luz en los edificios para dar esa sensación de movimiento que dibuja la pintura hacia adelante como si hubiera una sensación de movimiento en la carretera Y la mirada de los espectadores forma natural es conducida más hacia la pintura. Y los tonos cálidos y fríos pueden transmitir profundidad. Al tener los valores tonales organizados, podemos separar el primer plano, el término medio y el fondo para realzar esa ilusión Así que tenemos un alto contraste aquí en primer plano con el taxi, un poco menos de contraste en el término medio, y luego en la distancia, solo tenemos edificios débiles Si todas las áreas tuvieran valores midton similares, la pintura se sentiría monótona Y si todo estuviera todo oscuro sin reflejos, nuevo, todo se sentiría bastante monótono Por lo que al tener un fuerte equilibrio de tonos claros, medios y oscuros, esos tres niveles diferentes de tonos pueden ayudar a mantener la composición bastante dinámica. A, uh 18. Relación de los tonos: Una buena manera de pensar estas relaciones tonales y planificarlas es identificarlas antes de que realmente empecemos, como cualquier cosa, especialmente con la acuarela Entonces, antes de que empecemos a pintar, mientras estás viendo esto, ayuda. Podemos analizar el tema, aunque quieras pintar a partir de tu propia fotografía o incluso si sales a jugar al aire y pintar en la vida real. Tenemos que analizar los sujetos en términos de valores en lugar de colores. Y la mejor manera de hacerlo es entrecerrando los ojos porque reduce las distracciones de color y le permite ver más claramente la estructura de valores general estructura de valores Y paso tanto tiempo entrecerrando los ojos. Naturalmente lo hago ahora. Así que me veo bastante raro cuando estoy pintando porque mis ojos simplemente están entrecerrando los ojos todo el tiempo Además, lo que puedes hacer, puedes convertir una foto de referencia en blanco y negro. Si tienes la imagen final, tengo pintura final en la sección de proyectos y recursos, puedes usar tu móvil o computadora para cambiarla a blanco y negro para ver cómo funcionan las relaciones tonales en eso, e incluso puedes intentar pintarla en blanco y negro si estás demasiado abrumado con el aspecto del color No hay daño en probar en sepia o blanco y negro, el gris del dolor, cualquier color monótona Aquí es donde los bocetos en miniatura también pueden ser útiles, porque minimiza todo y puedes usar un lápiz que obviamente es escala de grises para planificar las áreas claras, medias y oscuras de Es una buena idea pensar estos valores en una especie de jerarquía. Entonces los valores de luz, básicamente, el papel se dejó intacto o ligeramente lavado, como el cielo es solo el blanco del papel Los usamos para reflejos o un resplandor una sensación de resplandor. Y eso es lo que esto logra aquí, ese brillo del cielo bajando. Y luego tenemos tonos medios o valores medios, que en realidad ocupan la mayor parte de la pintura. La mayoría de la pintura son de tonos medios porque no son demasiado oscuros y no son demasiado claros. Y es donde se encuentran los valores medios que realmente ayudan a crear la forma y la estructura de las cosas. Y luego los valores oscuros son los tonos más profundos que usamos debajo de los autos donde la luz no puede llegar y solían crear un alto contraste y los elementos de puesta a tierra, las áreas de impacto Tenemos que utilizarlos con bastante moderación. Dependiendo del tema, claro. Si estamos pintando una escena nocturna, entonces tal vez habrá más valores oscuros que valores medios Por lo que realmente depende del tema y del mensaje que se quiera transmitir. Pero el solo hecho de tener estos conceptos en mente puede ayudarte a planificar tu pintura sin importar cuál sea el tema. Solo puedes poner a prueba fuerza tonal de tu pintura dando un paso atrás, entrecerrando los ojos e intentando ver, ¿ aún se destaca el punto focal O cuando miras tu tema, puedes verificar el balance de los valores oscuros medios o claros y preguntar, ¿hay alguna variedad en la que se enfatice? ¿Es más una pintura de valor medio oscuro o claro? A, 19. Errores tonales comunes: Sí. Hablemos de algunos de los principales errores a la hora trabajar tonal o de una estrategia a la hora de averiguar el uso de valores en una pintura Una de las cosas más comunes a las que se enfrenta la gente y yo ciertamente enfrenté es la falta de oscuros fuertes Por supuesto, es bastante abrumador usar pigmento oscuro grueso en una pintura, especialmente en acuarela cuando se asocia con un estilo bastante aireado e incompleto en lugar de un uso atrevido y oscuro Muchas pinturas sufren de ser demasiado ligeras o de tener sombras débiles. También es bastante difícil con la acuarela porque cuando un pigmento está mojado, se ve mucho más oscuro que cuando se seca. Entonces podrías mezclar lo que parece un negro oscuro profundo, un negro completo, pero cuando en realidad se seca, se parece más al gris. Pero es importante tener los valores profundos y ricos oscuros porque agrega drama, y ayuda a definir la forma y el contraste. A la hora de mezclar esos oscuros debajo del taxi, estaba muy grueso en mi cepillo, incluso ahora mismo Cuando voy por encima de este edificio, se ve que es grueso porque está agarrando el césped del papel Y te puedes imaginar si el pigmento es todo lodoso y pastoso, entonces cuando te cepillas es como marcas de pincel seco porque ahí hay menos agua, obviamente Entonces pero así es como tiene que ser si quieres lograr estos oscuros oscuros. Si lo diluye demasiado y sale libremente de la brocha, entonces probablemente signifique que no haya suficiente pigmento, y cuando se seque y el agua se evapore, te van a quedar con un poco de oscuridad clara, no una oscuridad rica completa Relacionado con eso, uno de los otros errores o trampas son demasiados medios tonos similares Si todo es un tono medio, entonces la pintura puede parecer bastante aburrida y monótona Entonces, por supuesto, la mayor parte de la pintura es un midton, pero tenemos que asegurarnos de que además de los oscuros oscuros, también necesitamos algunos reflejos Y si bien el fuerte contraste es importante, no queremos que la pintura se sienta pesada o desequilibrada No queremos trabajar demasiado en las zonas oscuras porque dije que faltan oscuros fuertes, no significa que debamos entonces sobretrabajar las Por supuesto, cada uno es diferente, y yo he pasado por diferentes etapas de errores. Cuando empecé, no estaba lo suficientemente oscuro, y luego pasé por una etapa de pintura demasiado oscura y sobreenfatizando los Otro elemento complicado de los tonos es cuando se trata de sombras porque cuando pensamos en sombras, solemos pensar que es un tono plano. Pero en realidad, las sombras deberían tener cambios sutiles dentro de ellas. Y podemos usar la técnica wet on wet para crear transiciones y gradaciones suaves que hagan que las sombras se sientan un poco más realistas A, 20. Combinación de color y tono: Ahora que hemos hablado de estrategia tonal y estrategia de color, tenemos que pensar en cómo se combinan Si la estructura tonal es fuerte, entonces casi cualquier paleta de colores funcionará realmente Y eso es todo un alivio porque como dije, el color es solo la salsa que mejora el plato más que la comida principal Incluso los esquemas de color más vibrantes necesitan una buena gama de valores tonales para mantenerlos legibles. Pero luego una vez que tenemos la estrategia tonal organizada en nuestras mentes, entonces podemos empezar a pensar en qué temperatura más que color necesariamente para integrar en estos tonos, lugar de estar abrumados con la idea del color, tenemos que pensar en los tonos y luego la temperatura de esos tonos, luces cálidas contra sombras frías Solo estoy agregando algunas líneas horizontales a la reflexión en el camino aquí para que se sienta un poco más enraizado porque había demasiadas líneas verticales y no lo suficiente para rectificarlo. Ahora voy a volver a los edificios del lado derecho y solo re humedecer ese pigmento y bajarlo a los peatones, las figuras en el Tratando de darle algún sentido a las figuras porque, nuevo, no quiero pintarlas de manera detallada. Quiero hacer lo mínimo posible sin dejar de hacerlas comprensibles como cifras. Por lo general, las personas o figuras tienden a ser el punto focal. Pero en realidad, aquí son un punto focal secundario. En realidad no están destinados a ser el elemento que más busca la atención de la pintura. Y si me concentro demasiado en ellos, si agrego demasiados detalles, competirán por la atención, y no se vería tan atractiva ni cautivadora Entonces estoy tratando de agregar vida y ese elemento humano a la escena y también escalar agregando figuras humanas ahí dentro. Entonces tenemos una idea de la escala de la escena. Pero no quiero llamar demasiado la atención de los elementos clave como el taxi y las reflexiones. Lo justo para establecer una narrativa y un contexto. Crear una sensación de gente que sigue su día atrapada a mitad de paso en la bulliciosa ciudad Algunos de ellos tienen su postura con las piernas abiertas, algunos de ellos están cruzados, algunos de ellos están quietos, tipo de tratamiento gestual suelto que los mezcla de forma natural en la escena No quiero que se sientan demasiado estáticos o aislados. Y tampoco quiero que se vean todas iguales. Entonces voy a variar ligeramente los colores que llevan y los tonos que tienen. 21. Pinta las figuras: Y a la hora de pintar estas figuras, desde luego no voy a centrarme en los rasgos faciales o cada pliegue de la ropa o la forma del cuerpo en detalle. Sólo estoy tratando de usar pinceladas amplias y sueltas para dar a entender las figuras. Principalmente siluetas. Estoy pintando siluetas, pero tratando de hacerlas un poco más dinámicas que una silueta plana No estoy tratando de darles detalles individuales. Apenas unas pinceladas bien colocadas para encontrar las piernas, los torsos, las cabezas Sugiriendo un poco de movimiento sin detalles excesivos. Como siempre, estamos tratando de evitar los detalles excesivos a excepción del punto focal principal. También un poco de movimiento. Y lo hacemos difuminando ligeramente algunos de los bordes o creando un poco de distorsión que se suma al movimiento de la escena Y el contraste entre los bordes más nítidos en algunos de los objetos más estáticos como las vallas publicitarias o los autos y los bordes sueltos en los elementos móviles Y crea una especie de impresión de actividad de que tienen algo que hacer. Y estoy usando un poco de mojado sobre mojado. Entonces tengo que mojar algunos de los bordes para crear ese efecto, obviamente, y algunos mojados sobre secos para conseguir algunas de las líneas más afiladas, y un poco de pincel seco, pienso un poco más tarde cuando se trata de refinarlos un poco más Y luego nos pusimos a pensar también en el contraste tonal, porque algunas figuras están pintadas más oscuras que el fondo y algunas de ellas están pintadas más claras que les ayuda a destacar sin abrumar la composición Y que el único tipo la izquierda al lado del taxi es el más cercano al punto focal. Por eso le estoy poniendo un poco más de detalle y por qué el contraste es más fuerte en él porque está más cerca del punto focal. Y no compite. Como que atrae un poco más al espectador a esa sección. Algunas de las figuras están más cerca del primer plano mientras que otras los que están retrocediendo a un segundo plano, pongo cada vez menos detalles para crear un sentido natural de perspectiva y profundidad Sólo estoy tratando de pensar mi forma gestual y abstracta de pintar, que puede ser engañosamente difícil de hacer, sobre todo cuando intentas pintar a un humano que todos conocemos Es cuestión de menos es a menudo más. Y la moderación puede llevar a algo que es más convincente al final, incluso si se siente un poco mal mientras lo estamos pintando. Cuando todo esté terminado al final, debería ser un poco mejor. 22. Líneas de raspado: Ahora secé completamente la pintura con un secador de pelo, y aquí tengo una pequeña herramienta rascadora Puedes usar un tofpick o puedes usar una espátula, que creo que voy a usar, y solo voy a usar mi pistola pulverizadora, mi señor, solo para mojarla uniformemente Necesito esperar unos segundos porque necesita rehumedecer el pigmento de manera uniforme, y se puede ver que puedo raspar estas líneas de una manera segura Estoy de pie para hacer esto para asegurarme de que pueda aplicar trazos amplios. Y esto, por supuesto, sólo funcionará donde el pigmento esté oscuro. No quiero hacer demasiadas. Yo rocíe, espero unos segundos a que se absorba por completo. Solo hay líneas finas y podría usar un pincel, pero creo que hay algo divertido en raspar para revelar esas líneas Se puede ver cómo se ha llevado a cabo el trámite. Comenzamos con formas grandes, y ahora estamos trabajando en las formas más pequeñas con las líneas y detalles más finos. Pero todavía nos queda un poco por recorrer porque queda un poco de refinamiento por tener Hay algunas correcciones que quiero hacer antes de que podamos llamar a esta pintura terminada. El taxi es, por supuesto, el principal punto focal, lo que llama la atención Pero en realidad, las reflexiones, creo, es lo que hace que la pintura sea más especial. Eso es en lo que quiero probar y trabajar un poco. A pesar de que no es necesariamente el punto focal, quiero aplicar pintura cálida muy gruesa debajo. Estoy usando este cepillo rectangular, no un cepillo redondo. Para asegurarme de que sea agradable e incluso porque quiero que estos sean bastante horizontales. Me di cuenta de que era un error porque estoy agregando un reflejo a algo que no existe, así que tuve que frotarlo de mi pañuelo. Eso estaba demasiado oscuro. El reflejo era demasiado oscuro desde el edificio de arriba. Añadí agua pura ahí y lo lavé para hacerla un poco más ligera Uh, quiero mantener muchos de esos oscuros oscuros debajo del auto Entonces unos pocos trazos arbitrarios que no están tratando de transmitir realismo, solo están tratando de agregar a la sensación. No son nada en particular. No es como si estuviera pintando un edificio o una ventana o algo en particular. Apenas por ejemplo, ahora, naranja y el azul van tan bien juntos, siento que necesito un bonito juego de esos colores interacción de esos colores Estoy agregando lavanda, que básicamente es azul con un poco de blanco y usando trazos amplios solo para aplicarlo ahí. A 23. Enfoque de capas: Siendo la acuarela un medio basado en capas, por supuesto, en óleo y acrílico, también puedes pintar en capas, pero es una especie de fundamental una parte integral de la capa media acuarela, tienes que pensar en tu enfoque de estratificación porque hay diferentes formas de hacerlo Poco a poco puedes construirlos poco a poco, o puedes hacer atrevidas aplicaciones directas de pintura. Entonces, cuando gradualmente capas de pintura o de alguna manera, es una técnica de acristalamiento. Es una estratificación gradual de lavados finos y transparentes, y acumulamos intensidad de color con el tiempo, y es un poco más controlado de esa manera ¿Y por qué querríamos usar ese tipo de capas? A lo mejor queremos crear un efecto más suave, más luminoso, que podría ser perfecto para escenas llenas de luz en lugar de escenas oscuras, porque si íbamos a gradualmente poner gradualmente una escena muy oscura, llevaría mucho tiempo. Bien podemos ir en negrita. Pero también permite transiciones sutiles. Y con esas transiciones sociales, quiero decir, con tono y color, y es ideal para efectos atmosféricos delicados como niebla o nube o reflejos de agua. De hecho, he hecho mucha acumulación gradual sobre las reflexiones en la calle, en realidad Y proporciona un poco más de control sobre la intensidad del color, y nos permite ajustar lentamente los valores en lugar comprometernos con algo demasiado rápido. Esto también es relevante para otros temas como mis retratos, donde es posible que desee crear tonos de piel suaves o reflejos delicados o cosas por el estilo. También realza la profundidad porque estas son capas transparentes, pueden dar la ilusión de distancia. Por lo que cada capa debe estar completamente seca antes de agregar la siguiente a menos que quieras mezclarlas juntas. Por supuesto, la pintura húmeda sobre húmeda, no hay que esperar a que se seque por completo, pero técnicamente, pintura húmeda sobre húmeda es en realidad la misma capa. Si quieres ponerlos en capas, tienen que estar completamente secos y comenzarás con lavados ligeros, diluidos y luego profundizando gradualmente los tonos Pero no quieres pintar demasiadas capas pasando por encima y pintar cinco capas en realidad hace que la vitalidad sea mucho más opaca Después está la otra opción del enfoque audaz y directo. M 24. Enfoque de pintura directa: Observe cómo he frotado completamente el líquido enmascarante y expuesto el blanco del papel, y voy a usar esos reflejos blancos para mantener la vitalidad Se puede ver dónde están los semáforos y los pequeños semáforos del taxi ahí, y el otro auto azul. Yo solo voy a hacerlo pero también, como dije al principio, si no usaste líquido enmascarador o aún no has empezado a pintar y no quieres usar líquido enmascarador, puedes hacer lo que estoy haciendo ahora usando calabaza blanca pura solo para pintar en esos blancos, entonces puedes secar, y funciona prácticamente igual que si no usaras líquido enmascarador. Entonces una vez que se seque, volveré con un naranja vibrante o algo así. En fin, continuemos con lo que estábamos hablando antes con la aplicación de color. El otro enfoque para aplicar pintura es la aplicación de color directo en negrita. En lugar de estratificar, podemos aplicar colores audazmente de una sola Eso es más de la técnica wet on wet, aprovechando la fluidez de la acuarela Y por qué querríamos usar aplicaciones audaces. Pero probablemente porque crea pinceladas frescas más espontáneas que capturan más energía y movimiento Mejora la vitalidad ya menos capas permiten que los colores permanezcan puros y fuertes Y nos obliga a confiar en nuestros instintos y abrazar esa imprevisibilidad de la acuarela, y ahí es donde realmente entra la magia Y por eso, como estudiante, puede ser muy difícil perseverar con la naturaleza audaz e impredecible de la acuarela porque lleva un tiempo confiar en ella, y hay que atravesar muchas pinturas horribles antes de crear algo que valga la pena Tengo cientos y cientos de pinturas terribles, y eso solo tuve que trabajar. Los pinté y los tiré y luego pinté más y los tiré. Y tomó parecía que iba a ser interminable, y ni siquiera estaba seguro de si iba a mejorar en absoluto, pero poco a poco, podría estaba empezando a confiar un poco más en mí mismo, y una vez que ese miedo desaparece, aunque los resultados no sean buenos, siempre y cuando el miedo se vaya, ahí es cuando puede empezar a ser un poco más auténtico y fresco y emocionante. Porque hay algo más que solo detalle y precisión. Conseguir esa emoción a través de ella va más que principios y va más allá de la técnica. Es algo que no necesariamente puedo explicar porque es un sentimiento. Pero claro, una vez que hayas hecho todos tus prerrequisitos, que ya he hablado en esta clase, entonces te estás permitiendo expresar lo que quieres Estás abriendo el camino para que tu alma pase a través de tus pinturas. Y a la hora de pintar temas expresivos de alta energía como estos paisajes de ciudad o tal vez composiciones florales o incluso vida silvestre, que tienen mucho movimiento Ahí es cuando estas aplicaciones audaces pueden ser geniales y, por supuesto, mojadas sobre mojadas y permitir que los colores mezclen de forma natural en la página en lugar controlarlos demasiado suma a esa sensación suelta y pretónica en lugar del enfoque de alto realismo A. 25. Añadir toques de luz: Hay diferentes formas de crear perspectiva. En una escena campestre, vas a estar usando mucha perspectiva atmosférica porque no hay muchas estructuras hechas por el hombre con líneas rectas limpias que se encuentran en la naturaleza. Pero cuando se trata de una escena de ciudad como esta donde la mayor parte es hecha por el hombre, confiamos en otras formas. Y lo básico para entender la perspectiva es, antes que nada, llegamos a como dije, al principio, saber dónde está la línea del horizonte, y eso representa el nivel de los ojos y ayuda a anclar la escena. Y eso es básicamente a mitad de camino o justo por encima mitad del papel Entonces tenemos el punto de fuga es el punto donde convergen líneas paralelas Entonces ahí es donde se enfrentan todas estas líneas diagonales, y eso también está muerto en el centro del papel. Y las líneas convergentes guían el ojo hacia la distancia. Y se puede ver eso en las carreteras, los edificios, particularmente con las reflexiones. Entonces podemos usar escala y solapamiento. Los objetos más cercanos aparecen más grandes y más detallados, mientras que los objetos distantes se vuelven más pequeños y menos definidos. Se puede ver que los autos son obviamente más pequeños, la gente es un poco más pequeña y así sucesivamente. Ahora estamos llegando hacia el final del cuadro. Repasemos rápidamente todas las pequeñas estrategias que usamos. Nos enfocamos en capturar la energía y la atmósfera de esta ciudad a través del uso estratégico de reflejos, contraste de color y pinceladas expresivas Y el pavimento húmedo y la calle brindaron una oportunidad perfecta para explorar los reflejos, suavizando los bordes para crear profundidad y realismo. También equilibramos tonos cálidos como el taxi amarillo contra azules y verdes fríos, morados para realzar el interés visual y dirigir la vista del espectador Además, para evitar detalles abrumadores en una escena tan compleja, simplificamos las formas usando trazos gesturales sueltos para sugerir movimiento y atmósfera en lugar de precisión rígida Y la perspectiva jugó un papel clave con las líneas convergentes y el detalle decreciente para crear profundidad y contraste decreciente Y alto contraste en primer plano. Mientras estábamos eligiendo selectivamente dónde queremos que el detalle y abstracción ayuden a mantener claridad y un sentido de espontaneidad Y ojalá al combinar todas estas técnicas, hayamos dado vida a la escena y haciéndola sentir dinámica, inmersiva y ojalá rica en narración Cuando miras de cerca, puedes ver que en realidad no hay mucho detalle en las partes individuales, pero cuando miras hacia atrás, puedes ver como un todo, tiene sentido. 26. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar esta clase. Espero que te haya resultado más fácil o al menos más divertido de lo que esperabas. Pintar paisajes urbanos no tiene por qué ser demasiado complicado. Se trata de crear un estado de ánimo y dejar que la pintura haga el trabajo. Exploramos técnicas como lavados sueltos húmedos sobre húmedos, colocación simple para profundidad y formas fáciles de sugerir figuras y movimiento, todo mientras lo mantenemos ligero y libre de estrés Espero que esta clase te haya demostrado que pintar escenas de ciudad puede ser divertido y expresivo. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skill Share Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema, vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haz clic en el botón Seguir Utop para que puedas seguirme en compartir habilidades Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos No puedo esperar a ver lo que creas, y espero poder pintar contigo en mi próxima clase hasta entonces Pintura feliz.