Pinta conmigo: ilustración botánica estilo vintage con medios mixtos

1. Introducción: Hola, mi nombre es [inaudible]. Soy artista e ilustrador enfocado en la ilustración realista de medios mixtos. Mi trabajo ha sido utilizado en ropa, en videojuegos, revistas extendidas como Real Simple y Milk Street, y por supuesto en empaques, tanto en EU como en el extranjero. También tengo un canal de YouTube donde hablo de parte de mi experiencia diaria siendo artista y perspicacia tanto en las cosas basadas en habilidades como en el know-how de la industria. Por supuesto, he estado enseñando aquí en Skillshare solo durante los últimos meses, donde soy capaz de ir más a fondo en algunos de esos mismos temas y dar un panorama realmente riguroso en mi proceso y compartir algo de lo que conozco como artista trabajador. Después de publicar mi última clase, hice una llamada en redes sociales preguntándote a todos qué tema querías que cubriera en mi siguiente clase, y de lejos, el tema más solicitado fueron las flores. Las flores están en una de mis cosas favoritas para pintar, así que estoy súper emocionada de estar ofreciendo esta clase. En este curso vendrás conmigo mientras crea una ilustración botánica detallada, de inspiración vintage. Empezaré la pieza mirando imágenes de inspiración e referencia, y me verás desarrollar la pieza capa por capa explicando el proceso a medida que avanza. Ya verás como uso la acuarela para bajar esas capas iniciales, lápiz de color para desarrollar detalle, y gouache para retocar la pieza y arreglar cualquier error que cometa. Al final de cada lección, daré recapitulaciones verbales y en pantalla para asegurarme de que tengas un buen sentido para los importantes recuerdos. Pasaremos la mayor parte del curso en mi proceso de pintura real. Esta clase es probablemente la más adecuada para aquellos que ya tienen alguna experiencia dibujando y se sienten cómodos dibujando por sí mismos desde una imagen de referencia, y que entienden conceptos básicos como composición, valor y saturación. Después de completar este curso, tendrás una perspectiva detallada en profundidad sobre las técnicas que utilizo para crear esta pieza, y en el proyecto de clase, tienes la oportunidad de traducir esas técnicas a tus propias para crear tus propias ilustraciones botánicas de inspiración vintage. Empecemos. 2. Inspiración y boceto: Para empezar, estoy en mi cuenta de Pinterest en un tablero de Pinterest que he creado que tiene alguna inspiración para Ilustración Botánica Vintage. Acabo de reunir estos aquí, principalmente eligiendo los que me gustaron. En realidad no tenía nada en particular en mente. Yo sólo estaba fijando cosas aquí que me llamaron la fantasía y que aprecié. Entonces quiero mirar a través de ahora y ver qué puedo sacar esos elementos comunes en algunas de estas imágenes que me resulte atractiva, y me va a ayudar a crear una pieza que realmente evoca ese estilo. El primero que noté como elemento común, y esto no es gran sorpresa porque es algo que me gusta en todo mi trabajo, es el alto nivel de detalle. Entonces eso definitivamente será algo que quiero incluir. También agradezco cómo están un poco estilizadas. Por lo que algunas de estas imágenes, sobre todo otras como ésta, son realistas, pero se parecen más a la interpretación del realismo que hace el artista. También me gusta cómo han incluido hojas, pero es bastante mínimo. Si estás buscando, por ejemplo, una foto real de una Dahlia, las hojas sólo estarían tomando el control. Habría toneladas de hojas, pero el artista ha decidido incluir algunas selecciones, algunas imágenes de cómo se ven las hojas, pero no ha dejado que las hojas se apoderen. También me gusta mucho cómo hay brotes, estamos viendo todas las flores aquí. Entonces hay brotes y diferentes ángulos, básicamente mostrando la flor en diferentes etapas de crecimiento, y eso es algo que veo como un tema repetido a través de muchas de estas imágenes y eso es solo un tema general en mucha ilustración científica en general. Algunos de estos incluso van mucho más allá como este trébol uno de aquí tiene no sólo las diferentes etapas en la planta y las flores y las hojas, sino que también tiene las semillas y las diferentes partes anatómicas de la flor, y eso es algo A mí me parece realmente interesante también. No estoy seguro si lo voy a hacer en esta pieza, pero sí me gusta ese elemento de las diferentes etapas de crecimiento, teniendo todo eso incluido en una sola pieza. Entonces tal vez sólo porque es la caída cuando estoy haciendo esta clase, pero también me estoy dando cuenta de que realmente me atraen los que tienen una paleta de colores más cálida así que creo que puedo intentar hacer algo en ese rango también. Entonces eso es lo que me está dibujando en cuanto a la inspiración. Entonces, dicho eso, estoy listo en este punto para pasar a la siguiente fase, que es crear mi boceto basado en la inspiración que encontré en mi tablero de Pinterest. Entonces teniendo en cuenta que la estética general de la ilustración botánica vintage, estoy empezando con un boceto a mano alzada realmente rugoso. Yo solo estoy usando lápiz Apple, y iPad, y el programa procreate, pero puedes hacer todo esto con un trozo de papel normal y un lápiz. Simplemente estoy agregando en los diferentes elementos que sé quiero que la composición incluya los tallos, las hojas, las flores en las diferentes etapas de crecimiento, y moviéndolas alrededor, y retocar los ángulos solo para hacer seguro que puedo conseguir ese tipo de look botánico vintage que voy por. Entonces aquí está el boceto compositivo realmente rugoso. Esto va a servir de pauta para mí cuando esté seleccionando mis fotos de referencia y decidiendo qué imágenes quiero usar para basar la ilustración. Entonces ahora, estoy abriendo mi biblioteca de fotos y voy a dar una vuelta a través de algunas de las fotos que he tomado en las últimas semanas que creo que funcionarán bien como imágenes de referencia para esta pieza. En general, todos estos se toman en la misma iluminación, se toman de la misma planta o conjunto de plantas. Entonces sé que van a trabajar bien juntos. Entonces vuelve a procreate aquí y mi boceto compositivo áspero, y solo estoy dejando caer diferentes fotos y borrando el fondo para aislar sólo el elemento de la foto que quiero. Estoy trabajando a mi paso a través de encontrar la flor frontal, la flor orientada hacia atrás, todos los diferentes elementos que sé que quiero y sé que voy a usar, y los estoy dando la vuelta, o espejándolos siempre que necesite asegurarme de que funcionen en mi composición. Por lo que solo estoy trabajando a mi paso por la pieza, encontrando todos los diferentes elementos que van a conformar la imagen de referencia. Si solo estás haciendo esto con lápiz y papel, lo hago todo el tiempo también, y está totalmente bien. En realidad, la mayoría de las veces, no creo esta referencia donde todo está en uno, solo tendré todas mis imágenes de referencia en un lugar donde pueda llegar fácilmente a ellas como en mi escritorio o en mi biblioteca de fotos, y Simplemente rebotaré de ida y vuelta entre las diferentes imágenes. Pero quería mostrarles una versión de este proceso por si acaso les resultara útil. Entonces, dicho eso, si estás haciendo esto de la manera anticuada y solo estás haciendo un trozo de papel para tu boceto compositivo, eso está totalmente bien y todavía puedes hacer que este funcione realmente bien de esa manera. Entonces aquí está mi boceto terminado. Fue creado en procreate y me referí al boceto compositivo áspero para la colocación general de los diferentes componentes y la forma y el barrido de los tallos, y luego me referí a las imágenes como mis referencias para las flores y las hojas en los elementos más detallados de la composición. Entonces una vez que terminé, ya que sí creé el mío digitalmente, lo he impreso en dos hojas de papel de ocho y medio por 11 y luego las escribí juntas porque mi papel de acuarela es en realidad de 11 por 15, y luego estoy usando mi almohadilla de luz Dbmeir para transferir el boceto a mi papel de acuarela. Por lo que los recuerdos de esta lección, mi principal objetivo era crear un boceto para la ilustración, evocando esa estética de ilustración científica botánica vintage. Entonces comencé mirando la inspiración y tomando nota de lo que me gustaba en la inspiración y los elementos específicos que quería evocar en mi propia pieza, y luego usando eso, me ocurrió un boceto compositivo justo fuera de mi cabeza, sin mirar ninguna imagen de referencia en particular. Después para tomar este boceto al siguiente nivel, utilicé imágenes reales de referencia flores reales para darme esa sensación de realismo junto con la estilización. 3. Acuarela: primeras capas: Para empezar aquí, solo estoy arreglando mi mesa, estoy lista para irme. Tengo un poco de agua en mi lado derecho y mis paletas y tengo la acuarela aquí mismo. Esto es lo que estaré usando para las primeras capas del cuadro, es una marca llamada Dr. Ph. Martin's. Es su línea hidra. Estaré usando un rojo cálido similar a un rojo cadmio, un rojo frío similar a la alizarina, una quinacridona, magenta, un amarillo cálido similar a un amarillo cadmio y un amarillo frío y luego por último, verde viridiano. Entonces también estaré usando mi paleta de pozo líquido y luego para pinceles, estaré usando dos pinceles, estaré usando este cepillo redondo talla cuatro por Princeton, es la línea Neptune, es un pincel de acuarela sintético, y un cepillo redondo tamaño cero de Isabey, este pincel tiene una punta realmente, muy fina, por lo que es genial para pequeños detalles. Voy a empezar mezclando un morado neutro, quiero algo que se vaya a leer como una sombra realmente sutil y que sólo me ayude a marcar la forma inicial y la forma de la pieza. Voy poco a poco, agregando unas caídas cuentagotas de la acuarela a mis pozos de paleta. Algo del color que ya está seco en la paleta, soy capaz de reactivar y reutilizar. Una de las razones por las que tanto me encantan estas acuarelas es que una vez que están secas en el papel, no se reactivan, pero cuando están en la paleta, lo hacen reactivan con agua, por lo que es lo mejor de ambos mundos. Solo estoy agregando más caídas cuentagotas donde lo necesito y estoy tratando de mantenerlas en los mismos pozos en los que ya he usado esos colores antes para evitar que las cosas se pongan fangosas. Solo estoy agregando un poquito de ese amarillo cálido que acabas de ver ahí a mi color morado para ayudar a tonificarlo y asegurarme de que no sea demasiado intenso. Voy a acercarme un poco más aquí en acelerarlo para que veas lo que estoy haciendo más cerca y todo este tiempo sólo voy a estar usando ese mismo color púrpura haciendo lo mismo, tratando de marcar fuera las sombras iniciales y la forma general y el valor de la pieza, así que nada va a cambiar realmente, solo estoy usando la foto de referencia como mi guía, tratando de seguir y construir las sombras donde las veo. Si eres nuevo en las acuarelas y te estás preguntando sobre esto, el morado es realmente ligero porque lo he regado mucho, probablemente sea en su mayoría agua y muy poca pintura. No hay blanco que se le haya agregado. El morado es una mezcla del color alizarina y un poquito del verde viridiano, y luego un poco del amarillo más cálido para tonificarlo. Voy a pasar a la segunda flor y otra vez estoy usando esa misma morada apagada, esta flor voy a ser un poco más pesada con ella porque la flor, como se puede ver en la referencia, tiene más color a ella. Es de un color base morado más oscuro y luego solo tiene algo de acento claro, así que voy a cubrir la mayor parte de este con este color morado silenciado. Entonces la última cosita en la que necesito usar este color es el exterior de la brocha, el pequeño pincel que aún no se ha abierto, solo tiene un toque de ese color púrpura, así que solo voy a marcar eso con mi pincel y algunos de los color agua aquí. En general, así es como me acerco, sobre todo en una fase anterior de un cuadro. Sea cual sea el color que esté usando, trato de usarlo en toda la pieza. Esto solo ayuda a evitar tenerlo seco o tener que lavar mi cepillo y remezclar las cosas y simplemente me pareció la forma más sencilla de hacerlo a mí, pero si prefieres trabajar en completa un área y luego pasar a otra área, eso funciona bien. La gente hace ambos enfoques, solo tiendo a preferir primero el enfoque general. En este punto, estoy cambiando cepillos y cambiando colores. He mezclado lo que básicamente es solo una versión realmente, realmente regada de la mayoría el amarillo frío con un poco diminuto de amarillo cálido mezclado en él y luego de nuevo, casi toda el agua, hay muy poco pigmento. Estoy cambiando a mi cepillo redondo talla cuatro. Este pincel, obviamente es más grande, por lo que sostiene mucha más agua y tampoco tiene una punta tan fina, así que estoy más feliz de fregarla alrededor y usarlo para mezclar cosas, porque no me preocupa masticar la buena punta fina al final. Sí, solo estoy agregando el amarillo al centro de la flor porque veo bastante de ella ahí en la referencia y luego a algunos de los pétalos exteriores. Ahora, voy a saltar sobre la otra flor y voy a lavar sobre toda la flor. De verdad va a tonificar mucho el morado, porque el amarillo es el cumplido del morado. Pero eso está bien porque esta flor se va a oscurecer mucho más tarde y muchas de las áreas claras de esta flor, para mí, al menos en la referencia parecen que tienen una buena cantidad de amarillo en ellas, así que solo quiero hacer el lavado sobre toda la flor. Ahora estoy cambiando de colores otra vez. He mezclado un realmente, realmente ligero regado, rosa fresco. Usa la alizarina carmesí. Creo que también usé un poquito pequeñito de algunos del rojo cadmio seco que tenía en mi paleta solo para calentarlo un poco, pero aún así es en general un rosa bastante frío, realmente agua abajo y solo estoy repasando todos los pétalos centrales de una flor. Ahora, en este punto voy a cambiar a un rosa mucho más cálido y un poco más oscuro, un poco menos de agua hacia abajo. Esto es más o menos solo un rojo cadmio recto y quiero agregar algo de calidez a esos pedales exteriores. En la imagen de referencia para mí, parece que hay bastante más calor en esos, por lo que el rojo cadmio va a ser un ajuste perfecto para eso, ya que es un rojo realmente cálido y he cambiado de nuevo a mi talla cero cepillo, el pincel más fino. Ya que esto es un poco más de detalle, entonces quiero asegurarme de pegarme sólo a esta zona y estoy empezando a añadir esos primeros detalles pequeños de color reales. Hay toneladas más para ir, pero normalmente es bueno usar un pincel más detallado para ellos para que no termine con pigmento en lugares donde no lo quiero. Rápida pequeña recapitulación de una acuarela parte uno. El objetivo era crear un mapa rugoso de color y temperatura, como un boceto a color de los principales temas, que en esta ilustración son las dos flores más grandes. Hablé de mis materiales en mi configuración y repasé un poco de mezcla de colores muy básica y a lo largo de la lección agregué capas iniciales de luz de color y lavados a ambas de las flores, manteniéndolo realmente luz en trabajar poco a poco. En general, traté de mantener la paleta de colores mínima y usar los mismos colores una y otra vez dondequiera que ocurran a lo largo de la pieza. 4. Acuarela: detalle: Cambiando de nuevo los colores, pero aún con el mismo pincel más detallado. En realidad voy a rebotar de ida y vuelta entre el pincel de detalle y el pincel número cuatro para hacer alguna mezcla. Pero estoy usando ese mismo morado silenciado con el que empezamos al principio, pero versión menos regada del mismo. Empiezo a agregar algunas sombras más dimensionales, así que algunas sombras caen debajo de los pétalos. Eso sólo va a ayudar realmente a ilustrar la forma y la forma de la flor y hacer que empiece a verse más tridimensional. Voy a entrar aquí con un color dorado silenciado. Este es en su mayoría el amarillo más cálido, el tipo cadmio amarillo pero se ha tonificado un poco con un poco del morado apagado. Yo quería que leyera como un color de varilla dorada más suave. Estoy usando esto en el centro, algunos de los pétalos interiores nuevamente para tratar ilustrar la forma y dar ese sentido de dimensionalidad. Yo sólo voy a reventar de ida y vuelta entre ese amarillo más silenciado y el morado más silenciado. Voy a acelerarlo un poco aquí ya que solo trabajo mi camino por toda la flor, tratando de ilustrar la forma y los valores. Se puede ver usualmente guardo cualquier pincel que no estoy usando en mi mano no dominante, lo que me ayuda a cambiar de ida y vuelta entre los dos de ellos muy fácilmente. Tiendo a poner pigmento en el cepillo principal que estoy usando, que en este caso es el cepillo talla cero y luego si necesito, usaré el cepillo talla cuatro para ayudar a suavizar los bordes y mezclarlo. Se puede ver que esto es sólo un desarrollo realmente gradual. Voy capa por capa, poco a poco para tratar de trabajar hasta el valor correcto y el color correcto. Además de prestar atención a los valores, los oscuros y a las luces, estoy tratando de prestar mucha atención a la temperatura. Yo quiero que el lado derecho de la flor, el lado de la sombra lea mucho más fresco, y el lado izquierdo de la flor, que es el lado más claro, lea mucho más cálido. Además de tener un oscuro y una luz, tener el valor claramente diferenciado, tener la temperatura diferenciada con el fresco y la sombra y la calidez y la luz le va a ayudar a tener eso realmente luminoso, resplandeciente sentir que una flor en el sol sí. Ahora, voy a entrar con un poco de color más oscuro. He añadido algo del rojo tipo cadmio al color morado para profundizarlo y calentarlo. Yo quiero que se lea como sombra, pero no quiero oscurecerme demasiado, así que estoy tratando de aumentar un poco la saturación y ayudar a tener esa luz desde dentro de la mirada. Sigo agregando que en toda la flor, el lado izquierdo de la flor, el lado más claro. Estoy usando ese mismo color, el color rojizo que usé en el área oscura, pero lo he regado significativamente, así que simplemente no es casi tan intenso y se lee como un color mucho más claro. Ahora, me estoy volviendo un poco más audaz con las sombras. Este es ese mismo morado apagado desde el principio, pero con aún menos agua en él ahora. Lo estoy usando para tratar de ilustrar las zonas oscuras realmente más oscuras de la flor y tratar de ayudarla a leer como más tridimensional. Definitivamente tengo más que ir en la flor principal aquí pero en realidad voy a cambiar en este punto al revés frente a la segunda flor y tratar de bajar algo del valor oscuro en eso. Eso me va a ayudar realmente a ver qué tan oscuro y qué luz quiero mantener la flor principal ya que los valores son todos relativos basados en lo que les rodea. Quiero que esta flor llegue a una conclusión puntiaguda más cercana antes seguir moviéndome en la segunda solo para ayudarme a evitar ponerme demasiado oscuro o demasiado claro en cualquier área. Este morado aquí es un poco diferente al morado inicial. Yo lo he hecho más o menos de la misma manera. Es la alizarina con un poco de verde viridiano y un poquito de amarillo, pero no es tanto amarilla, así que tiene bastante más saturación y no la he regado casi tanto porque quiero que sea mucho más oscuro. Voy en tratar de seguir esa estructura de la hoja. Cualquiera de las áreas que parezcan una vena, que se puede ver en su referencia, esa zona de veiny más ligera estoy evitando esas por completo y tratando de simplemente apegarse a las áreas que en realidad me parecen moradas. En este punto, puedo decir que yo, pesar de que no agregué tanto amarillo al morado, todavía está un poco demasiado silenciado y en realidad necesita tener un poco más de una sensación vibrante saturada. Voy a entrar con sustrato, quinacridona, magenta. No he cortado esto con nada más. Es un poco más ancho hacia abajo por supuesto, pero no se ha desaturado con ningún amarillo, por lo que es verdaderamente brillante y vívido y realmente ha ayudado a esto a leer más como el color en la imagen de referencia. Simplemente trabajando a mi paso a través de los pétalos aquí. Volviendo de ida y vuelta entre esos, el morado más silencioso, más oscuro y la quinacridona. En este punto, voy a empezar a añadir un poco de una versión diluida de ese magenta quinacridona a las puntas de los pétalos externos en la flor principal. Esto no está realmente representado en la imagen de referencia. Puedo ver alguna evidencia de ello en el color, pero definitivamente estoy amplificando y yendo más allá de lo que hay en la imagen de referencia. He decidido hacer eso porque ahora mismo la flor principal es como muy suave, muy delicada y esta flor de soporte, la más pequeña se fue a la derecha, va a ser mucho más oscura y mucho más vívida. A pesar de que la diferencia de tamaño ayuda a equilibrarlos, ya que el suave es mucho más grande y tiene más detalle en ella, no quiero que se sientan desequilibrados en cuanto al color. Yo sí quiero traer un poco de esa oscuridad en esa saturación a esos pétalos externos. Ahora, de vuelta a la flor más pequeña con esos mismos dos colores, ese morado oscuro y la quinacridona, y sólo voy una y otra vez hasta que siento que tengo el valor y el color mayormente correcto. Rápida revisión de lo que pasé en esta fase. Mi principal objetivo era desarrollar el valor y el color en ambas flores. Poco a poco agregué valores más oscuros y oscurosy cada vez más saturación y complejidad a ambas de las flores, lo que me permitió comenzar a crear un sentido de forma y dimensionalidad, agregé y cada vez más saturación y complejidad a ambas de las flores, lo que me permitió comenzar a crear un sentido de forma y dimensionalidad, algunos detalles anatómicos iniciales a la flores como venas, y en general usé un pincel pequeño cuando estaba agregando la nueva pintura y un pincel más suave más grande para sacar los bordes donde fuera necesario. Esto es especialmente cierto si estaba agregando un color realmente oscuro o un color realmente saturado a un área que no lo tenía antes, un área que inicialmente era realmente ligera. 5. Acuarela: partes verdes: Por fin es hora de cambiar a algo de la vegetación. Para empezar, estoy haciendo un color muy básico, amarillo muy claro, verde. Esto se hace mezclando mayormente el amarillo más fresco, el amarillo de Hanukkah es lo que se llama en esta marca, y solo un poquito pequeñito del verde viridiano, ni siquiera vale un gotero completo, pero he puesto el gotero en su propio pequeño compartimiento en la paleta y solo toma en mi pincel y se metió un poco diminuto dab del verde y luego mezcla satén con un amarillo. El verde viridiano es un color realmente, realmente fuerte, por lo que fácilmente puede hacerse cargo de algo que no es tan dominante, como el amarillo de Hanukkah. Eso lo he mezclado y hecho una versión diluida. Ya conoces el taladro en este punto, esas primeras capas siempre están regadas, así que mezclado una versión regada y solo estoy repasando todo el verdor con él. El verdor en realidad va a tener un tono más fresco al final, pero parte del subtono, lo que muestra a través de las zonas más amplias sí me parece más cálido, así que por eso estoy haciendo un verde realmente amarillo. Voy a agregar un poco más de detalle y más desarrollo de valor a las hojas. He mezclado un verde más fresco, este verde todavía tiene bastante calor en él, pero definitivamente es más fresco de lo que empezamos. Esta es la misma base amarilla fresca con un poco de viridiana, obviamente más de lo que empecé inicialmente. A lo mejor de un gotero vale a cuatro goteros por valor del amarillo, por lo que uno verde por amarillo. Entonces también he añadido en un poco del amarillo más cálido, el más amarillo tipo cadmio, y esto solo ayuda a derribar parte de la saturación y darle un poco más de una sensación verde oliva. Quería lucir realmente realista, y para mí, el verde que está en la imagen de referencia es definitivamente un verde más fresco, por lo que esto debería funcionar bien. En este punto estoy principalmente solo siguiendo a lo largo de la estructura de la hoja, la única área en la que voy a tratar de evitar ponerme algún pigmento es la vena principal que corre por el centro de la hoja. Todas las hojas tienen muchas venas, y podría conseguir super, super detalle sobre las hojas si quisiera, pero quiero que la mayor parte del enfoque sea en las flores y la forma general y composición de la pieza. Añadiré algunas paletas más tarde con lápiz de color, pero por ahora, solo quiero asegurarme de que esa vena central esté claramente bloqueada, y la forma más fácil de hacerlo es evitar ponerle algo del verde más oscuro sobre ella. Simplemente estoy trabajando a mi paso evitando esas venas centrales y agregando el verde a través de toda la superficie de la hoja. También estoy poniendo atención a los valores generales de la hoja, por lo que las zonas donde es un poco más oscuro, estoy poniendo versión más concentrada, menos regada del verde y las zonas donde es más ligero, lo estoy regando abajo más, pero todo es igual verde. Yo solo lo voy a acelerar aquí mientras me muevo. Todo esto es del mismo color verde, solo estoy variando lo regado que es, la intensidad del color basada en lo que veo en los valores en la imagen de referencia. Ahora como paso al cogollo, estoy usando ese mismo verde y estoy haciendo lo mismo. Estoy tratando de mantener las venas en el centro de las hojas, libres de cualquiera del pigmento verde más oscuro, solo para mantenerlas bonitas y brillantes. Entonces las zonas más oscuras del brote voy a entrar con versión realmente oscura sin cortar de ese verde, no regado en absoluto. Entonces las zonas más ligeras, lo estoy regando bastante solo para ayudar a diferenciar el valor y ayudarme a crear un sentido de foro y dimensionalidad. Ahora esta hoja en la imagen de referencia en realidad está mirando hacia atrás, por lo que me parece más ligera que las otras hojas. Voy a tratar de crear ese sentido también en la ilustración, así que he regado un poco más el verde y eso significa que más del amarillo se está mostrando a través. Probablemente voy a tener que trabajar más duro cuando uso lápices de colores más adelante para equilibrarlo y conseguir que se lea como genial. Pero por ahora todavía sólo quiero evitar ponerme demasiado oscuro con él, así que tengo el verde bastante regado. Ahora voy a agregar algo del verde a la parte superior del tallo, la base de la flor, no sé cómo se llama esa área de la flor, pero la parte verde de la flor, voy a empezar a agregar algo más de la verde ahí y tratando de describir la forma de algunos de esos pequeños pétalos. Me estoy concentrando en el verde hacia el centro y luego desvaneciéndolo en un gradiente hacia el exterior, porque así me parece en la referencia. Ahora estoy pasando al tallo principal, ya que el tallo baja de la flor, me parece ese mismo verde, así que en su mayoría acabo de mantener igual ese verde y lo traje a parte por el tallo. Ahora he mezclado un poco más de una versión silenciada de la misma, así que he añadido más del tipo cadmio amarillo y luego un poquito del rojo tipo cadmio, y esto ha ayudado a crear un marrón verdoso realmente silenciado. Estoy tratando de desvanecer eso en la parte más verde del tallo, quiero crear un gradiente realmente suave, ya que así me parece en la imagen de referencia. Esto también me va a ayudar a crear ese look estilizado realmente gráfico que voy por, quiero que sea realista, pero también quiero que tenga esa sensación estilizada vintage. A medida que me acerco a la base del tallo, me estoy poniendo más oscuro y oscuro con ese marrón, lo que sólo significa que estoy agregando cada vez menos agua. Cuando subo más el tallo hacia la parte verde, está más regada por lo que es más transparente y me ayuda a crear ese gradiente, y luego a medida que me acerco a la base, me estoy poniendo más oscuro y oscuro, así que cada vez menos agua. Ahora voy a volver a la cogolla con un poco más de la quinacridona tratando de ilustrar esa zona rosada de la flor, el capullo. Entonces también estoy usando algo más del verde, ese mismo color verde, solo una versión más oscura del mismo, otra vez, tratando de hacer los valores correctos, conseguir todo como debería ser antes de pasar a lápiz de color. Lo último que quiero hacer con el color del agua aquí es simplemente enfriar esta hoja, esa es la hoja hacia atrás, ya que la hice realmente ligera, que debe ser de acuerdo a la referencia, mostró mucho más de los matices amarillos. Además de ser realmente ligero para mí, se ve realmente genial, así que he añadido sólo un poco de viridiana realmente, realmente regado. El viridiano por su cuenta es un muy azul-verde, así que me parece realmente genial. Acabo de regarlo tanto como sea posible y solo estoy haciendo un lavado fino sobre la parte superior de esa hoja. Con eso, estoy terminado con la porción acuarela de este cuadro, por lo que para revisar lo que hice en esta fase en la pintura, aún usando acuarela, mi principal objetivo era desarrollar el valor, el color, y la forma en el verdor, por lo que empecé hablando de mi enfoque para mezclar colores para el verdor. Después trabajé en capas con un verde cálido debajo y un verde más oscuro más fresco en la parte superior. Yo en general evité los detalles realmente pequeños como las venas con el verde más oscuro, que me permiten mantener esas áreas claras las cuales tendrán más contraste y solo hacen que sea más fácil acumular el detalle en la capa de lápiz de color. 6. Lápices de color: flor grande: Yo sólo me estoy preparando para pasar a los lápices de colores. Voy a estar usando lápices de colores de núcleo suave Prismacolors. Tengo una caja grande de ellos. mí me gusta simplemente pasar y elegir los colores que creo que voy a utilizar a lo largo del curso de la pieza. No sé con certeza cuáles usaré, pero solo empezaré a elegir en base a la imagen de referencia, las que creen que son más propensas a ser útiles para mí. Aquí puedes ver empecé con unas rosas pálidas y un par de rosas más profundas. Tengo unos duraznos y algunos más rosados así que abarcando el espectro entre colores más cálidos y colores más fríos. Entonces estoy haciendo lo mismo con los amarillos. Algunos amarillos más claros, amarillo muy claro como un color crema, y luego amarillos más medianos. Nuevamente tengo algunos que están más hacia el extremo fresco y algunos que están más hacia el extremo cálido. También agregando en un par de morados y algunos morados neutros grises y luego algunos colores verde oliva. En realidad supongo que no es un verdadero verde oliva, más como un color de siena crudo, sino un color realmente marrón con un ligero trasfondo verdoso. Entonces tengo unos colores más oscuros, unos morados más oscuros y magenta. Todos estos se van a utilizar con muy moderación en la flor grande y luego más liberalmente en la flor pequeña. Entonces también he conseguido una verdadera naranja brillante. Creo que en Prismacolor, es sólo naranja. Creo que voy a usar esto un poco en la flor de luz. No está realmente presente en la referencia, pero creo que se verá bonito como color de acento. Acabo de agregar en un par otros amarillos más naranjados después de eso. No estoy seguro de cuál va a funcionar mejor. Me estoy dando una pareja para elegir. Entonces para los greens, tengo mayormente más verdes apagados. Tengo verde marino y verde algas. Entonces para la parte más ligera, tengo un verde savia o en realidad no, creo que es verde primavera, pero es sólo un verde amarillento brillante. Quiero tener mayormente los greens inclinados hacia el extremo más frío pero hay algunas áreas cálidas, así que por eso estoy optando por el verde de primavera. Entonces estoy agregando aquí a la izquierda algunos de los tonos más claros. Estos se utilizarán para dar un sentido de reflexión y depilación en la hoja. Tengo verde jade y verde celadón, ambos son muy fríos y se inclinan más hacia el extremo azul del espectro. También están bastante silenciados, no muy saturados en absoluto. Después rematando aquí con un verde súper claro y un poco de blanco y luego también tiré en un marrón oscuro muy delgado ahí en el extremo del lado derecho. Esto creo que podría usar para algunos detalles realmente diminutos. no estoy seguro todavía. Entonces también tengo aquí un lápiz de color negro. Apenas uso negro, pero como voy por ese look más vintage, esas piezas suelen tener bastante negro en ellas. Creo que podría usar un poco de negro en las áreas de sombra del tallo. Acabo de sacarlo en caso de que lo necesite. Pero ya veremos cuánto termino usándolo en realidad. Empezando aquí, voy a empezar primero en la flor principal más grande, igual que lo hice cuando estaba pasando con la acuarela. Estoy empezando usando principalmente un rosa realmente claro y un poco blanco para tratar de dar alguna definición en detalle al borde de las flores. Entonces también estoy usando un color casi toke muy silenciado, pero tiene bastante morado en él. Creo que en Prismacolor. Creo que se llama arcilla rosa. Sí lee como morado pero está muy silenciado, como dije, casi topper gris. Esto estoy usando en las áreas de sombra. Estoy rebotando de ida y vuelta entre estos, tratando de describir más de la forma y el valor en cada uno de los pétalos individuales. En general, creo que el área más oscura de la flor va a necesitar mucho más desarrollo. Ahí es donde estoy concentrando la mayor parte de mi esfuerzo. El área más ligera de la flor, siento que voy a tener que tener cuidado de no trabajar demasiado. Tengo que tener cuidado de no trabajar demasiado en nada de ello. Pero es más fácil trabajar en exceso el área más clara cuando estás trabajando con este medio ya que nunca es realmente tan fácil agregar la luz hacia atrás como lo es agregar más oscuro en la parte superior, a pesar de que probablemente voy a estar usando algunos medios opacos más adelante. Simplemente es mejor dejarlo lo más ligero posible si estás deseando que sea ligero al final. Simplemente ahorra tiempo y tiene un aspecto más fresco más luminoso que si agregas toneladas de blanco en la parte superior. Voy a acelerar esto aquí un poco para que no todos se duerman. Eso básicamente solo estoy haciendo lo que hablé, tratando de profundizar el valor si necesita ser más oscuro, para levantar el valor si necesita ser más ligero y luego tratando de agregar más saturación y más detalle a dónde pertenece, a lo largo del curso de la flor y simplemente usando esa misma paleta que elegí al principio. Me verás, eructando de ida y vuelta entre. Varios colores diferentes aquí. Ahora, ya que estoy trabajando en un papel de prensa caliente, el papel es muy suave y realmente no estoy necesitando hacer ninguna mezcla para conseguir un look suave. Si estuviera trabajando en un papel más texturizado o si quisiera un look ultra suave más de lo que tengo aquí, entonces podría hacer algo de mezclado con la licuadora incolora o con Gamsol. Pero por ahora, creo que como es un papel liso, me siento bastante contento con cómo viene junto solo con los lápices. Aquí mismo voy a entrar con el marrón muy delgado. Si no estás familiarizado con ellos, muy delgados siguen haciéndolos Prismacolor. Pero son un núcleo mucho más duro que los núcleos blandos. Se puede obtener una punta realmente afilada sobre ellos y la punta se mantiene afilada mucho más tiempo que con Prismacolors regulares. Básicamente solo estoy usando eso para ayudarme a definir algunos de los bordes de esos pétalos. Va a acelerarlo de nuevo. Todo este tiempo mientras estoy desarrollando el detalle y ajustando el color y empujando el valor de una forma u otra, ya sea más oscuro o más claro, estoy tomando prácticamente todas esas decisiones basadas en la imagen de referencia. Estoy mirando la referencia que ven aquí y estoy decidiendo. ¿ Esta zona necesita ser más rosa, o necesita ser más amarilla o necesita ser más oscura, necesita ser más clara. Cada vez que tengo que hacer una elección así, solo estoy mirando hacia atrás a la referencia y tratando de conseguir lo que estoy creando en la página para que se parezca tanto a la referencia como sea posible. Eso es como el 90 por ciento de lo que estoy haciendo. Entonces el 10 por ciento estoy decidiendo eso, veo cómo se ve en la referencia, pero quiero que se vea un poco diferente. Puede ser que esa no sea la división exacta. A lo mejor es 80 por ciento de lo que estoy haciendo es prestar atención a la referencia y luego 20 por ciento está tomando mis propias decisiones. Pero con el punto que estoy tratando de cruzar ahí es que la imagen de referencia es súper importante. Si estás mirando y preguntándote, ¿cómo está haciendo eso, por qué está tomando esa decisión? Casi la mayoría de las decisiones se están tomando con base en lo que veo en la imagen de referencia. Esa será definitivamente una lección importante a quitar en cuanto a crear tu propio trabajo. Si estás queriendo crear cosas que sean más o menos realistas. Realmente sólo prestando mucha atención a la referencia y desarrollando un hábito de mirar la referencia cada vez antes de elegir un color, cada vez antes de colocarlo. Consultando esa imagen de referencia para asegurarte de que te estás manteniendo cerca de la realidad o si te estás alejando de la realidad, que lo estás haciendo con intención y con algún plan. Ese otro 10-20 por ciento que estoy inventando a medida que voy, sigue siendo informado por la realidad porque está informado por lo que he visto en otras flores o lo que he visto en la vida real. Pero por ejemplo, una cosa que he decidido amplificar que no veo tanto en su referencia es este rosa más oscuro, más naranjado en las flores exteriores. Yo quiero hacer eso porque estoy tratando de meterme con la temperatura en la flor. No meterse, sino ser intencional con la temperatura. Yo quiero que el lado más claro sea más cálido y el lado más oscuro sea más fresco. Pero dentro de eso, tengo algunas áreas frescas en las partes claras y algunas áreas cálidas en las partes oscuras. El motivo por el que estoy haciendo eso de ida y vuelta es que realmente crea esta hermosa sensación de vibración en el color. Simplemente hace que se vea mucho más vivo y brillante y dinámico, como lo hace una flor de verdad. En esta lección, mi objetivo fue usar lápiz de color para desarrollar aún más los valores, el color y el detalle de la flor principal. Probablemente puedas conseguir que ese es un tema en este proceso general es sólo un desarrollo gradual de esas tres cosas. El valor, el color, y el detalle en todo el tema. Al enfocarme en la flor grande inicialmente, seleccioné mis colores basados en la imagen de referencia. En realidad, empecé seleccionando todos mis colores para toda la pieza, pero empecé a trabajar solo en la flor grande primero. Añadí definición y detalle a la gran flor poco a poco y ajusté el color y la saturación a medida que avanzaba, todo esto ayudando a describir la forma de la flor más grande. Cuando sí decidí apartarme de la imagen de referencia en mis opciones de color, lo hice estratégicamente, teniendo en cuenta los objetivos estéticos generales de la pieza y asegurándome de que la historia de color sirviera a esos objetivos. 7. Lápices de color: flor pequeña y partes verdes: Está bien. Entonces en este punto estoy pasando a hacer un poco de trabajo en la segunda flor, la flor púrpura, la flor más oscura. Empiezo por redefinir algunas de esas venas. Estoy usando un color realmente suave, un color cremoso amarillento suave. No quiero entrar con blanco puro porque eso sería demasiado duro. Pero siento que cuando miro el área de referencia, la base de la flor que aún tiene el verde a ella. Los bordes de eso parecen mezclarse en la parte más ligera de los pedales para mí. Estoy tratando de conectar algunas de esas secciones de vena amarillentas más claras a la sección verdosa en la base de la flor, y también tratando de calentarla un poco con algunas áreas amarillas. Entonces poco a poco empiezo a agregar algunas rosas más a las puntas de las flores. Después empezar a trabajar en algún color más oscuro, un color granada, un color magenta, y luego un morado realmente oscuro para definir las zonas más oscuras de las hojas. Yo estoy haciendo un, discúlpame, no las hojas, los pétalos. Estoy haciendo lo mismo que hice con la acuarela donde estoy prestando bastante atención a la anatomía de la flor y tratando de preservar esas crestas, pequeñas venas. Ya que eso es parte de lo que realmente es distintivo de Adelia. Si eres fan de este género de trabajo, las ilustraciones botánicas más científicas, de inspiración vintage. Notarás que eso es realmente una característica clave en este estilo de trabajo. Un artista puede estilizar algo realmente y puede que no se vea perfectamente realista como una fotografía. Pero son muy cuidadosos para incluir esas características arquetípicas, por lo que la forma general de la hoja, la forma general de los pétalos, y cualquier rasgo distintivo de los pétalos. Esas cosas son todas realmente importantes si estás queriendo crear esa vibra de ilustración científica. Puedes ser un poco más expresivo y estilizado, pero aún tienes que seguir volviendo a esos anclas que realmente le hacen saber al espectador lo que están mirando ya que eso le da esa sensación de ser, más bien una ilustración científica o algo ya sea libro de texto botánico. Está bien. Estoy acelerando esto otra vez aquí. Sólo estoy saltando de ida y vuelta entre los morados más oscuros, ese tono rosa medio, y luego esos amarillos más apagados para la parte inferior, las venas en los costados y moviéndose a través la flor tratando de desarrollar la forma y el valores y el color. Está bien. Ahora en este punto voy a empezar a desarrollar algunos de los tallos y el verdor. Los tallos, quiero que sean bastante simples porque las flores son tan ornamentadas y quiero que las flores sean el foco de la pieza, pero aún necesito agregar algún detalle alrededor de los bordes para que se lean como tridimensionales. Aquí estoy empezando a desarrollar la hoja de la mano derecha. Esta es la que en la imagen de referencia está mirando hacia atrás. Tiene un aspecto muy fresco y al mismo tiempo más ligero, que lo hacen las otras hojas. Entonces voy de ida y vuelta entre celadón y verde jade, y pedacitos de amarillo aquí y allá. Incluso algunos pedacitos de blanco para agregar dimensión y reflejos. Simplemente tratando de mantenerlo realmente delicado, muy suave, realmente cool, pero al mismo tiempo, hazlo leer como tridimensional. Está bien. Ahora estoy agregando algunos de los mismos contornos, ese mismo desarrollo al tallo principal. A pesar de que pude crear un gradiente con la acuarela, definitivamente todavía necesita algo de refinamiento. Voy a volver con los diferentes greens que estoy usando, y algunos de ellos son más saturados, más fríos, más ligeros y luego algunos más apagados tipo de brownie greens. Está bien. En este punto voy a añadir un poco más de detalle y la mayor parte del detalle al pequeño brote, el brote de la dahlia. Este tiene mucho amarillo en ella para mí de todos los elementos verdes. Este es el más amarillo, así que estoy tratando de realmente tener una sensación de esa zona morada que sí se ve un poco más oscura que el resto de la yema. Pero también quiero que se vea realmente exuberante y verde. Definitivamente estoy amplificando ese color morado un poco más de lo que veo en la imagen de referencia. Principalmente porque quiero que se sienta consistente con los otros dos elementos florales, y es muy aquí abajo, en la parte inferior de la composición. Esta zona también es verde. Yo quería traer algo de ese morado y algo de ese color meñky hacia abajo desde la parte superior de la composición. Esto es ese 10 a 20 por ciento donde lo estoy inventando medida que voy y hago uso de decisiones sobre cómo quiero que se vea, el apoyo, el estilo y la pieza en general en lugar de simplemente reflejar la realidad exacta de la imagen de referencia. Voy a entrar aquí con verde oscuro, Ese es el prismacolor, ese es su nombre para el color verde oscuro, que en realidad no es más oscuro que el otro verde que estaba usando, el que está en mi mano izquierda. Pero está mucho más saturado. Es realmente oscuro y también bastante saturado. Tiene una agradable sensación cerosa deliciosa al verdor. Ayuda a desarrollar eso. Voy a entrar en algunas de las partes más oscuras del brote con eso y luego destacarlo con un poco de blanco, un poco de blanco puro. Ahora mismo paso a desarrollar el detalle en las otras hojas, las hojas del lado izquierdo de la pieza debajo de la flor más grande. Estos, en realidad siento que me dieron el valor más o menos donde quiero que sea con un color de agua. cual es realmente bonito porque voy a poder agregar algunos de los greens más ligeros en la parte superior para crear esa sensación de brillo y cereza. Entonces solo necesitaré hacer los greens más oscuros en unas pocas zonas. Como dije cuando estaba trabajando en la acuarela, había sido intencional en dejar intacta esa vena central porque eso es bastante prominente y esa es una de esas características arquetípicas de las que hablaba. Yo quiero tener eso realmente exhibido. No sé si puedes ver aquí, pero si miras realmente de cerca la hoja, la sección de la hoja que conecta con el tallo, justo en el centro de la vena, hay un área pequeña redonda. Eso se puede ver en la imagen de referencia, y para mí ese también es uno de esos elementos distintivos. Esas dos áreas, la vena central y esa pequeña cosa de círculo redondo que conecta. Estoy tratando de mantener los dos encendedores. Entonces aparte de eso, solo voy atravesando la superficie de la hoja con los verdes más apagados, ligeros, frescos y luego tratando de darle una sensación de algunas de las venas con los verdes más oscuros. Hay tantas formas diferentes de pintar y dibujar una hoja. Puedes ser realmente exacto e incluir todas las venas como cada pequeño detalle o no puedes hacer nada o puedes oscurecer las venas o puedes hacer que las venas se iluminen, y realmente hay toneladas de acercamientos para toma dependiendo de qué tan realista o estilizado quieras que se vea. Voy por bastante realista, pero también bastante estilizada. No quiero que se muestren todas las venas pero aún quiero que las hojas se vean dimensionales. Entonces donde quiera que vea una vena en la referencia, eso puede indicar un poquito de pliegue o alguna forma y dimensión a la hoja. Estoy usando, en lugar de dibujar una línea exacta, estoy usando el color más oscuro para empujar hacia abajo las áreas abajo del foro y los colores más claros para subir las áreas arriba del foro. Lo estoy haciendo a lo largo del curso de cada hoja ya que cada hoja tiene su propia forma y su propia dimensionalidad. Está bien. Yo lo voy a acelerar aquí y estoy haciendo ese proceso de la empujar hacia abajo las partes más oscuras y la tirando hacia arriba las partes más claras, siguiendo la anatomía general de la hoja, pero no realmente agregando ninguna vena súper detallada específica. Está bien. Aquí sigo desarrollando los tallos y tratando de tratar este tallo de la misma manera que traté el tallo proveniente de la flor principal. Tratando de conectar y suavizar ese gradiente. Ahora trabajando en la hoja final, haciendo lo mismo que hice con las otras hojas. Más adelante consigo con estos, me estoy dejando salir un poco más en detalle. Algunas de las venas más visibles, sin dejar de seguir tratando de confiar principalmente en describir la forma y la forma. Está bien. Ahora en este punto, quiero realmente darle al tallo una sensación más gráfica, estilizada. Voy a agregarle un poco de negro, sólo a las áreas de sombra, a la parte inferior, sólo para tratar de ayudarla a tener esa sensación más de litografía vintage. Si bien estoy usando el negro, estoy tratando de tener mucho cuidado de no exagerar y aún así solo usar sus verdes realmente oscuros, los colores marrones verdosos donde pueda. Yo lo voy a acelerar aquí mientras sigo yendo por encima de otras partes del tallo, rebotando de ida y vuelta entre los verdes y los marrones y sólo tratando de conseguir todos esos valores y colores, correcto. Está bien. En este punto todo está más o menos donde lo quiero con los lápices de colores, pero estoy tirando un poco hacia atrás y dándoles más de una vista a ojo de pájaro mientras cruzo toda la pieza, solo tratando de atrapar cualquiera de esos últimos pequeños detalles que quería agregar con lápiz de colores. Toca algo de color en unas pocas áreas, y solo asegúrate de que estoy obteniendo más de esa sensación de detalle y dimensionalidad a medida que envuelvo con los lápices de colores. Está bien. En este punto estoy todo terminado con los lápices de colores. A continuación voy a añadir algo de gouache, y hablaremos de qué es el gouache en esa lección y por qué lo estoy usando. Pero sí, ya terminé con lápices de colores por ahora y probablemente haré algunos más al final después del gouache. No estoy del todo seguro al punto de que estoy creando esto. Pero por ahora eso es todo con lápices de colores. Está bien. Tiempo para una recapitulación rápida una vez más. En esta fase de la pintura, mi principal objetivo era agregar forma, definición y detalle a la flor más pequeña y al verdor. Entonces son los mismos objetivos la última lección que acabo de centrarme en un área diferente de la pintura. He seguido usando verdes mayormente fríos en las hojas al igual que lo hice en esas capas superiores de acuarelas, así que realmente quiero seguir adelante en esa dirección, y he balanceado la flor más pequeña con una uno haciéndolo más oscuro y mucho más saturado. He seguido siendo concienzudo acerca incluir esos detalles arquetípicos y distintivos del sujeto, así que las formas de las hojas, las venas, las formas de los pétalos, todas esas cosas que realmente lo hacen se parecen a Adelia. 8. Gouache: Bienvenido de nuevo. En este punto, he conseguido la ilustración a un nivel de detalle bastante alto. A menudo en mi proceso, voy a hacer mayormente sólo acuarela en lápiz de color, y ni siquiera nunca realmente hago el paso de gouache o si lo hago es solo en detalles realmente diminutos. Pero para esta ilustración y para esta clase de habilidad compartida en general, estoy manteniendo esta súper auténtica y solo los llevo conmigo en este proceso y dejando que se desarrolle de forma natural. No planeé necesariamente incluir gouache seguro, pero en este punto siento que la ilustración lo necesita para ayudarme a desarrollar un nivel más preciso de un valor de luces y oscuras en la ilustración. Entonces también pienso que hay algunas áreas que he conseguido tal vez un poco a neutro en los colores, y necesito empujarlo más hacia saturado. Creo que la mayor parte del trabajo se va a hacer en la flor principal y voy a estar usando un par de marcas diferentes principalmente gouache acrílico Holbein, pero también tengo Winsor Newton. Creo gouache que estoy usando, el gouache Holbein es de base acrílica lo que significa que no se reactiva una vez que está mojado. Algo de gouache incluso una vez que está seco, puedes agregarle agua de nuevo y reactivarla, lo mismo que puedes con ciertos tipos de acuarela, pero con gouache base acrílica una vez que está seco está seco. El motivo por el que estoy usando gouache base acrílica es porque voy por encima de la parte superior de lápiz de color. Todavía hay mucha superficie que no ha sido tocada con lápiz de color, pero la superficie que se ha tocado con lápiz de color tiene una buena cantidad de cera en ella. Yo realmente no sería capaz de ir por encima de la parte superior fuera algo que sólo fuera a base de agua como la acuarela, simplemente pastilla arriba en la superficie y no se hundieran realmente. Pero como el gouache acrílico tiene un plástico o un aglutinante de polímero a ella, eso me permite ponerlo sobre la parte superior de lápices de colores. Simplemente estoy trabajando a mi paso a través de la superficie con este blanco inicialmente tratando de conseguir los valores hasta donde los quiero. Nuevamente, sólo estoy siendo realmente honesto y transparente con ustedes sobre mi proceso, lo que pasó en me siento como el lado derecho de la flor es que me puse un poco demasiado neutral y tal vez un poco demasiado oscuro. Estoy tratando de aligerarlo un poco y creo que también sumaré algo más de saturación. Parte de la razón por la que estoy siendo realmente transparente con ustedes chicos sobre cómo les gustan mis procesos en esta fase es que, espero que una de las cosas que esta clase puede comunicar es que trabajar en medios mixtos, puede ser una manera realmente genial de lidiar con algunas de las bolas curvas que pueden venir cuando estás haciendo arte. Puede permitirte retocar las cosas y escoger un medio que resuelva el problema único con el que estás lidiando. En esta situación para mí, eso era gouache y necesitaban algo que se pegara a los lápices de colores y fuera bastante opaco. Si bien podría no haber sido parte de mi plan de juego inicial, es lo que terminó pasando y eso es bastante preciso para cómo creo prácticamente cada pieza. Empezaré sabiendo, sí, seguro voy a usar algunos lápices de acuarela o acuarela, y luego voy a añadir lápices de colores. Yo casi siempre hago esas dos cosas, pero luego cuando se reduce a las capas finales, podría simplemente hacer unos pequeños detalles con una sartén de pintura Sharpie, o podría hacer algo mucho más extenso como lo estoy haciendo aquí con el gouache. Podría incluso hacer algo un poco diferente como un pastel de cera o una barra de aceite. Básicamente, solo dejé que la pieza me dijera lo que necesita, y para esta pieza en esta situación, me estaba diciendo que necesitaba gouache, así que por eso estamos haciendo lo que estamos haciendo. En este punto, estoy empezando a mezclar en algún color y trato volver a agregar algo de calidez al interior de algunas de esas áreas de pedales, y estas sí tenían amarillo en ellas pero simplemente sentí que no estaba lo suficientemente saturado. Pasar al gouache como se supone al lápiz de colores me permite tapar algunos de los colores neutros, más apagados que tenía ahí abajo con unos colores más saturados. Pude haber pasado por encima de la parte superior con el lápiz de color más saturado, pero los lápices de colores simplemente no tienen el mismo nivel de capacidad que el gouache. Yo lo estoy acelerando de nuevo aquí, simplemente continuando agregando esa calidez, ese amarillo dorado, el color que estoy usando es de nuevo un amarillo tipo cadmio. En este punto, he puesto un poco de magenta en mi paleta y mezclando eso con un poco de blanco, y un poquito de un amarillo más fresco para tratar de crear un tono rosa más fresco que va a ir por el exterior de algunos de los pétalos en el lado derecho de la flor. Nuevamente, sólo estoy haciendo lo mismo que ese mismo objetivo en mente de aumentar el nivel de saturación, y también estoy tratando de asegurarme de que guardo los pétalos que están en el lado derecho de la flor. Mantén el rosa en esos pétalos al menos, más bien una pintura más fría para realmente ayudarla a leer como una sombra. También estoy aprovechando esta oportunidad para agregar algunos detalles estructurales del pétalo. En la imagen de referencia, siento que veo a un pianista callejero a ciertos pétalos. Me estoy permitiendo conseguir un poco más gráfica con la aplicación de la pintura aquí para tratar de realmente comunicar ese efecto. Ahora, en este punto voy a volver a torcer mi papel y voy a transitar a trabajar un poco en la flor más pequeña. Ahora bien, esto no necesita mucho, pero sí quiero agregar algunas áreas de otra vez, ese color más intenso en las cimas de los pétalos. las zonas que realmente están captando lo más destacado. Siento que me puse un poco demasiado desaturada, así que quiero agregar algo que no sea muy ligero pero muy saturado y algo ligero al mismo tiempo. He mezclado básicamente solo el magenta y lo aligeré un poco con el blanco, por lo que está muy saturado. No ha sido realmente derribado en absoluto con ningún color de cortesía. Solo estoy golpeando algunos de los aspectos más destacados de esta flor y realmente quiero reservar mayor parte del blanco puro para la flor grande porque eso es mucho más ligero en general que la pequeña flor. Tener un color como punto culminante aquí en la flor más pequeña me va a ayudar realmente a hacer eso. Yo sólo estoy terminando aquí con un gouache, tengo prácticamente sólo lo he usado en las dos flores. su mayoría, principalmente como se ha visto en la flor más grande con un poco en la flor más pequeña, pero realmente no he usado ninguna en las hojas ni en el verdor y eso es porque esos son realmente los únicos lugares que siento como si fuera necesaria. Voy a parar ahora y dejarlo secar y luego después de esto, pasaré a retoques finales y envolver esta pieza. Una revisión rápida. Mi principal objetivo en esta fase del cuadro era usar gouache para corregir el color y valor que se había sacado un poco kilter en la flor grande. Hablé de cómo usar medios mixtos puede ser útil para eso para corregir errores, y luego usé un gouache a base de acrílico blanco para aclarar algunas de las áreas que se habían vuelto demasiado oscuras, y luego usé gouache base acrílica de color para agregar saturación y para retocar la temperatura. 9. Toques finales: Estamos en el tramo de casa aquí. He hecho capas de acuarela, capas de lápiz de color , y entonces acabamos de terminar las capas de gouache que solía retocar los valores en el nivel de saturación de las flores y desde que el gouache tiene una textura algo diferente a la del resto de los medios. Ahora voy a volver a entrar por encima del gouache con unos lápices de colores sólo en cantidades muy pequeñas para tejer juntos la textura de la capa de lápiz de color y la capa de gouache y asegurarse de que nada destaque o llame demasiada atención a sí mismo. Apenas estoy empezando con lápiz de color magenta y un lápiz de color rosa más claro y suavizando algunos de los bordes de donde el gouache blanco se encuentra con los otros colores en los pétalos de la flor. Simplemente trabajando a mi manera en cualquier lugar veo bordes realmente duros o cualquier cosa que realmente salga y simplemente suavizándolo un poco con el lápiz de color. Ahora la razón por la que esto funciona, la razón por la que soy capaz de hacer lápiz de color luego gouache luego más lápiz de color en la parte superior es porque estoy usando un gouache acrílico. Quiero volver a enfatizar ese punto. Sé que lo hablé en la última lección, pero si estás usando un gouache base no acrílica, el gouache no va a tener el mismo poder pegajoso. Los acrílicos son ideales para pegarse a todos los diferentes tipos de superficies y realmente aferrarse mientras haya algo de lo que puedan agarrar. Siempre y cuando haya algo de textura de papel todavía mostrando a través. Pero tratar de hacer esto encima de un gouache no acrílico podría resultar potencialmente en que la pintura se descascara cuando estás usando la presión del lápiz de color. Otra gran cosa del gouache, esto es todo gouache, no solo gouache a base de acrílico, sino que tiene una textura muy mate para ello. El gouache base acrílica en particular tiene esa textura mate. Puedes usar fácilmente lápices de colores encima ya que tienen algo a lo que pegar en contraposición a como una pintura acrílica realmente brillante. Sé que algunas personas sí usan lápices de colores encima de pintura acrílica, pero para mí siempre he tenido más suerte con gouache. En este punto estoy cambiando a un bolígrafo de pintura Sharpie. Entonces lo que estoy haciendo aquí es que solo estoy agregando un poco de reflejos blancos pequeñitos en cualquier lugar donde veo un resaltado realmente brillante que quiero leerlo como verdaderamente blanco sin ningún color. Voy a entrar con el rotulador de pintura Sharpie y esta es la versión de punta fina también. Tienen un medio y un pesado, no puedo recordar si lo llaman pesado o audaz, pero tienen tres tamaños diferentes. Este es el tamaño más pequeño del marcador de pintura a base de agua. Como se pueden imaginar, la mayoría de esos aspectos destacados van a ir por el lado más brillante de la flor más ligera. Ahí es donde estoy enfocando mucho de mi esfuerzo inicialmente. Después voy a trabajar mi camino hacia abajo agregando algunos de esos reflejos a lo largo de los tallos y en los bordes de las hojas. A las hojas que quiero tener como un look realmente bonito casi jugoso o ceroso. El bolígrafo de pintura Sharpie va a ser genial para agregar esos pequeños reflejos blancos opacos que realmente le dan a las hojas ese aspecto fresco y jugoso. Si alguna vez lo pongo demasiado abajo, simplemente lo golpeo rápidamente con el dedo y eso quita parte del pigmento y derriba parte de la intensidad. Ayuda a leer como un poco de un destello más suave. Yo sólo estoy terminando aquí y creo que eso es todo. Creo que la pieza está todo hecha. Para los retoques finales, mi objetivo principal era fusionar el gouache, las capas de gouache que había agregado en la última sección para fusionar esas en el lápiz de color y agregar algunos reflejos finales. Utilizo lápiz de color adicional para suavizar esos bordes del gouache y para ayudar a mantener la pieza luciendo cohesiva por lo que no había bordes duros obvios. Entonces hablé un poco más sobre por qué funciona usar gouache acrílico encima de lápiz de color, y por qué puedes usar lápiz de color encima de gouache acrílico. Entonces, por último, utilicé algún bolígrafo de pintura blanca para agregar apenas pequeños toques finales. Aquí está la pieza terminada. De verdad estoy contento con cómo resultó. Siento que marca un buen equilibrio entre estilización y realismo y evoca algunas de las cosas que realmente disfruté de las ilustraciones botánicas vintage que miramos al principio, en la sección de inspiración. Aquí te dejamos un escaneo de la ilustración también. A partir de la lección final, vamos a hablar del proyecto de clase, cómo ejecutar eso, y otras cosas para terminar el curso. Te veo en esa lección final. 10. Cierre: Bienvenido de nuevo. Para concluir este curso, vamos a discutir el proyecto de clase. Antes de hacer eso sin embargo, quiero mencionar un descargo de responsabilidad realmente rápido, y es que la creación de esta pieza, la que acabas de ver, la completa en la clase en realidad tomó más de diez horas. A pesar de que ese proceso se condensó en menos de un par de horas de metraje, e incluso esa es una clase larga para Skill Share. El hecho es que ese estilo de trabajo consume mucho tiempo y requiere de un gran compromiso de tiempo entrando. Eso lo mencioné porque el número 1, si decides que sí quieres hacer algo con ese estilo y te está llevando mucho tiempo, no quiero que sientas que estás haciendo algo mal. A mí también me lleva mucho tiempo. Es justo como va si quieres crear ese look realista más detallado. El otro motivo por el que lo mencioné es que no tienes que hacerlo de esa manera. Si quieres tomar ya sea un enfoque más simple conceptualmente, donde haces un tema que tiene tal vez solo uno o dos elementos en lugar de múltiples elementos como este que hice, eso podría hacerlo más rápido. Si escogieras un estilo diferente de flor, algo así como un tulipán que no tenía una tonelada de todos esos pequeños pétalos y tantos detalles, eso también lo haría más rápido. A lo mejor tus estilos son simplemente diferentes. A lo mejor no es tan realista o no tan detallado, y eso está todo totalmente bien. Todos tenemos nuestros diferentes estilos, nuestros estilos únicos y formas únicas de abordar las cosas. Pero independientemente de qué perspectiva te estés acercando con esto, si vas a intentar hacerlo exactamente de la forma en que lo hice o Si vas a intentar modificarlo y cambiarlo por tu propio proceso, los pasos para crear tu ilustraciones botánicas de inspiración vintage son básicamente lo que pasamos en la clase. Yo les voy a dar una revisión rápida aquí mismo. Número 1, quieres empezar reuniendo tu inspiración. Puedes usar Pinterest para esto como lo hice y hacer una pizarra de pin. Puedes hacerlo físicamente, puedes cortar imágenes de una revista y pegarlas a un cartel, o usar imágenes de Google y guardarlas en tu disco duro. Cualquiera que sea la forma que funcione para que recojas algo de inspiración, ve por eso. Una vez que has conseguido todo reunido, pasas algún tiempo buscando inspiración. Siéntate y echa un vistazo a todo lo que has juntado, y hazte algunas preguntas sobre, ¿qué te inspira de esas piezas? ¿ Por qué te gustan esas piezas? Cuáles son los elementos específicos que te atrajeron hacia ellos o que te hicieron encontrarlos inspiradores y buscar dónde ves temas comunes y esa inspiración surgiendo una y otra vez. Me gusta la forma de las hojas o me gustan los colores en esta. A mí me gusta cómo este incluye la sección transversal, sea lo que sea, esas cosas que te siguen dibujando en las piezas que suben una y otra vez. Esas son las cualidades de inspiración que quieres tratar de evocar en tu propia composición. Una vez que tengas esa lista, crea tu composición áspera, dibuja de esos temas que se la inspiración que has encontrado en estas otras imágenes. Especialmente si se quiere trabajar de manera realista, el paso importante es reunir algunas imágenes de referencia. Utilizo mis propias imágenes porque prefiero controlarlo. Pero también puedes buscar en línea, encontrar imágenes de esa manera. Si no tienes tus propias fotos de fotos, también podrías intentar ir a una florería o a un centro de jardinería y toma fotos de esa manera. Lo importante de este paso es que, estás juntando referencias que realmente funcionan dentro de la composición, y el estilo que te has propuesto hacer, luego crea un boceto basado en la combinación de su diseño compositivo y sus imágenes de referencia. Después transfiere ese boceto a tu papel de arte y usa acuarela o marcador acrílico aguado, cualquiera que sea tu medio de elección para esas primeras capas es crear una pintura debajo. Entonces puedes agregar más detalle con lápiz de colores como lo hice yo o con otro medio, si prefieres otro medio. Mucha gente hace apenas 100 por ciento de acuarela. Para Ilustración Botánica que puede funcionar muy bien. También puedes colocar un marcador sobre la acuarela. Tan solo asegúrate de que si vas a combinar diferentes medios que vas a hacer algunas pruebas. Relojes primero para asegurarse de que se yacen bien el uno sobre el otro. Por último, una vez que sientas que has conseguido la pieza bastante cerca de ser hecha, da un paso atrás de ella por un día, y luego vuelve y mírala con ojos frescos y ajusta y haz cualquier retoque. Si has visto algún error, tómate el tiempo para arreglarlos, sobre todo si inviertes mucho tiempo en una pieza. Vale la pena hacerlo al final solo para tomarlo ese último poquito de lo bueno a lo increíble. Ahora como habrás adivinado ya por todo lo demás que había estado diciendo en este apartado, deberías sentirte totalmente libre de modular estos pasos sin embargo quieras ajustar el proceso sin embargo, mejor se adapte a tus necesidades. Si quieres saltarte un cierto paso o usar un medio diferente y tomar un enfoque diferente, debes sentirte libre de hacerlo. Hagas lo que hagas, espero que te tomes el tiempo para compartir tu trabajo en los proyectos de clase. Hago todo lo posible para mirar cada proyecto individual, me encanta ver lo que todos ustedes hacen y sé que sus compañeros de clase también lo hacen. Si quieres compartir tu trabajo en redes sociales, por favor siéntete libre de etiquetarme. Estoy en KendyllHillegas tanto en Instagram como en Twitter. Me encanta compartir el trabajo estudiantil, me encanta retuitearlo e incluirlo en mis historias insta. Por último, por favor siéntete libre de dejar cualquier pregunta que tengas en la sección de discusión de clase, y si eres capaz y tienes el tiempo, agradecería una revisión de clase. Muchas gracias por tomar mi clase. De verdad espero que fuera valioso. Espero que hayas disfrutado viendo mi proceso y aprendas algunas cosas nuevas y algunos conceptos nuevos para tomar de eso y aplicar a tu propia obra de arte. Estoy tan emocionado de ver lo que haces. [MÚSICA]