Transcripciones
1. Introducción: Realmente me encantan los colores y los colores
brillantes para
hacerme tan feliz. Los colores son en realidad el
mayor foco de mi trabajo. Calcio
artista tradicional Shraer. Normalmente utilizo súplicas y acuarelas para crear retratos
estilizados, y mi arte se
inspira en la moda,
la cultura pop, también
los Normalmente leo muchos libros
de fantasía, por lo que mi trabajo
también se inspira en los
personajes de los que leo. Utilizo tintas y acuarelas para
crear retratos estilizados. Creo que la idea de crear edificios de retratos
estilizados y acuarelas, puede sonar bastante
desalentadora para ti
debido a la permanencia
de las medianas, pero hay una manera de
trabajar con esta mediana y hacer que
el proceso sea menos desalentador y aún más indulgente y
terapéutico edificios de retratos
estilizados y acuarelas,
puede sonar bastante
desalentadora para ti
debido a la permanencia
de las medianas,
pero hay una manera de
trabajar con esta mediana y hacer que
el proceso sea menos desalentador y aún más indulgente y
terapéutico. Entonces, para resumir, en esta clase, aprenderás a crear un retrato skylize
de historia a fin Cubriremos los fundamentos
de las acuarelas, el plan de peso adecuado para
crear radianes de humo, cómo trabajar en capas,
lograr vitalidad en P. Cómo usar líneas para agregar
contraste
a la obra de arte y Elija un poder
de color limitado que retrate claramente a
los más intentadores Esta clase es perfecta
para principiantes, pero si eres artistas
intermedios, estás tratando de
explorar posibilidades. Esto puede ser bueno para
ti. Empezar a mostrar.
2. Proyecto y materiales: Gin, me alegra tanto que
decidieras unirte a esta clase. El proyecto para esta
clase es simplemente crear un retrato estilizado, usaremos una paleta de colores
limitada, y también obtendremos ayuda
de una foto de referencia Esta clase está dirigida
a todos los niveles de habilidad. A lo largo de las lecciones, estaremos haciendo ejercicios para practicar cada elemento de crear un retrato estilizado
con acuarelas Empezaremos con
las acuarelas BC, luego hablaremos de mezcla Ya que la mezcla es la parte más importante de
la acuarela. Hablaremos de mezcla. Entonces hablaremos sobre un
poco de entintado y cómo puedes personalizar
tus habilidades de entintado y cómo
hacerlo menos Además, elegiremos una referencia, luego empezaremos a
trabajar en nuestro proyecto. Para completar nuestro proyecto de clase, lo primero que vamos a
necesitar el papel de acuarela. El papel que voy a usar para
esta clase es de Arches. Es papel 100% acuarela. Esto es algo que utilizo para cada ilustración
que hice. Pero si eres principiante, realmente
te
recomendaremos que obtengas este porque está en el lado
caro. Terminarás desperdiciando
muchos de ellos. Siento que deberías conseguir algo que sea un
poco más barato, pero asegúrate de que es solo al 100%. Aquí tenemos este trabajo. Se llama papel de cerdo Ba. Es muy económico, funciona muy, muy
bien como arcos. Realmente te recomiendo que consigas este si lo tienes
disponible donde vives. Pero hay otro
papel que está literalmente disponible en todas partes que
se llama papel hijo. Solía usarlo todo el tiempo, así que realmente te recomiendo que lo
consigas si quieres. Lo siguiente que vamos a necesitar
es la acuarela misma. La acuarela que voy a usar
es de San Pedro Bur init. Estas son pinturas de gran
calidad y no
son locamente caras
ya sea Windsor y Newton, Windsor y Newton
es súper caro. Lo siguiente que vamos a estar
necesitando o el ng. Los que voy a usar son
del doctor Ph Martin, estos son bombardeos,
y realmente me encanta Y los he estado usando desde
hace bastante tiempo. Es parte son opcionales. Si solo tienes
acuarelas, está bien. Por último, voy a estar
dibujando en iPad, así que vamos a necesitar iPad, pero si no tienes
uno, está bien El papel de alfiler pgular funcionaría. Sí,
independientemente de los suministros que tengas, preparémonos para
crear magia, ¿de acuerdo?
3. Práctica: mezcla y capas: Esta lección va a ser
todo acerca de mezclar capas. mezcla es en realidad
la parte más importante de la acuarela es
los fundamentos de la acuarela Antes de que podamos pasar a la pintura
real y al proyecto cruzado real, necesitamos dominar
nuestra lección de mezcla. Esto también es algo
que uso que es una gran parte de mi trabajo y esto realmente describe todo
mi proceso. Empecemos por
lo que es mezclar. La mezcla es en realidad solo un egresado y creado con acuarela. Esta pared te da
ese acabado liso, no
hay bordes ásperos. Entonces ahora vamos a discutir cuáles son las técnicas mediante las cuales se
puede lograr
este acabado suave. Básicamente hay
dos técnicas, húmeda y húmeda y húmeda
sobre seca. Empecemos con mojado y húmedo. Esto es exactamente lo que sugiere
el nombre. Mientras primero mojamos el
papel, luego seguimos adelante
y ponemos el color, bajamos el primer trazo. A medida que
avanzamos, vamos a estar introduciendo cada vez
más agua en la mezcla para crear este acabado
suave e impecable. Esta es la técnica mediante la
cual puedes lograr estos impecables y impecables looks
bellamente mezclados La siguiente técnica es la técnica
húmeda y seca. Para este, no
vamos a mojar primero una wa. En cambio, vamos a
enderezarnos con la pintura. A medida que avanzamos, mezclaremos más y más agua en
la mezcla de pintura como hicimos para la húmeda y la húmeda para
crear una transición suave. Para la mayor parte del
trabajo, utilizo la técnica de mojado sobre seco porque
siento que mojada y mojada es más como para
cubrir áreas más grandes y obtener esos
acabados lisos. Como en su mayoría pinto
personajes con muchos detalles a una escala
comparativamente pequeña, siento que mojado y mojado
me da más control sobre
lo que estoy haciendo Además, si crees que tu co
se ve muy desaturada, no tiene el
impacto que deseas, no tiene la
profundidad que deseas, siempre
puedes poner varias
capas una encima de la
otra para lograr ese look muy
vibrante y contrastado Así que las capas son en realidad la
única manera de lograr este estado de ánimo como un look muy vibrante y contrastado
con tus Sí, lo sé, solo usaré acuarela
muy concentrada, pero también, siempre
puedes hacer eso, pero también hace que el
proceso de acuarela sea menos indulgente, aunque tengas
algunas imperfecciones en tus primeras capas Para cuando
hiciste varios pases en él y también
lograste esa profundidad, tus imperfecciones
serán invisibles Creo que es una
de las mejores formas de
lograr ese vibrante y
vibrante y contraste para
lucir con las acuarelas Como dije, aunque tengas alguna imperfección en
las primeras capas, cuando hayamos hecho
varios pases en ella serán invisibles
porque antes que nada,
empezamos muy ligeros, de todos modos no
sería muy cruda Creo que es muy efectivo y también hace que el
proceso de acuarela sea menos desalentador Ahora, otra forma de
agregar vitalidad a la acuarela es mezclar un poco de tinta con
las acuarelas Como hacemos las acuarelas
son variables medianas. Incluso si tu capa está completamente seca y estás haciendo
la siguiente capa. Si eres muy vigoroso con tus pinceles, si no
tienes cuidado, perturbará la
capa debajo y causará muchos problemas. Mi manera de evitar ese
todo ese problema y todo es mezclar un poco de tinta con el agua
con mi acuarela. No sólo ayuda con
la vibración en sí
porque las tintas al agua están muy concentradas.
Ayuda con eso. Además, como utilizo tinta acrílica, cuando se mezcla con las
acuarelas en sí, hace
que las acuarelas sean
menos variables Básicamente, no
tengo que preocuparme reactivar las capas
debajo una vez que esté seca Además, aquí hay una advertencia para
ti de que no puedes usar reyes muy directamente de la botella porque hace que
el sufre sea muy elegante, por lo que no podrías
agregar más capas después de eso Así que acabamos de discutir los modos de
fusión y también tocó cómo podemos usar el método de
estratificación para lograr ese
acabado muy vibrante y suave con sus acuarelas Pero cuando
lo estés probando por ti mismo, descubrirás que en
realidad no es tan suave como
pensabas que sería. Siempre va a
haber esta curva de aprendizaje. A continuación, solo
vamos a discutir algunos problemas para principiantes
a los que me enfrenté y que tú también
podrías estar enfrentando. Hablemos de errores. El primer error que podrías estar cometiendo como principiante
es no dejar que cada capa se seque completamente antes de hacer algo
encima de ella. Lo que quiero decir con eso es que empiezas haciendo muy
bien mojado sobre seco. Todo está
planificando sin problemas. Cuando sigues adelante
con la siguiente capa, antes de que la primera capa
se haya secado, se haya secado completamente. Lo que sucede es que el agua en
tu pincel se mezcla con la primera
capa algo seca que acabas poner y da este efecto
llamado efecto coliflor, que te impide lograr el acabado suave La siguiente pregunta es, ¿cómo debemos evitarlo? La respuesta es bastante simple. Solo necesitas dejar que cada
capa se seque completamente. Incluso si encuentras
algunas imperfecciones en la primera capa
o si crees que tu capa es demasiado ligera para
tu gusto o demasiado pálida O si solo estás
tratando de terminarlo rápidamente. Cualquiera que sea el caso, no intentes hacer nada
antes de que esté seco Puedes sujetar
el proceso de secado usando un secado azul o lo que sea, pero simplemente no hagas
nada antes de que esté seco. Sé que es difícil poner
la prueba porque es nuestro instinto ir
y tratar de arreglarlo, pero no lo intentes no Simplemente déjalo intentar y poner
otra capa encima de eso. Por eso también es importante
iniciar la luz para que
aunque no sea tan perfecta como la quieres, siempre
puedas fijarla
en la siguiente capa. Acabamos de terminar de
aprender lo básico ahora tenemos la
comprensión básica de mezclar y cómo funciona,
cuáles son los errores. Sin tiempo pensado para practicar. Para practicar juntos,
hice dos ejercicios
para que los practicáramos. El primero será crear una mezcla de dos colores usando la técnica
húmeda sobre húmeda. El segundo ejercicio también
será una mezcla de dos colores, pero usaremos la técnica de
mojado sobre seco. Entiendo que dos
mezclas de colores son bastante complicadas. Siento que es muy importante aprender y también
al elegir los colores para tu mezcla de dos
colores como principiante, te
recomendaría elegir colores
análogos porque
son bastante más fáciles de
trabajar en lugar colores
complementarios o
dividir colores complementarios. B es colores análogos que
se sientan uno al lado otro en color hacemos
una transición bien juntos. Mientras que los
colores complementarios pueden ser un poco complicados. Lo que quiero decir con eso es, tomemos este
ejemplo, por ejemplo, en esta latación estaba tratando de
crear un gradiente entre rojo
oscuro y azul verde azulado. Que son de cortesía, de naturaleza bastante
complementaria. Terminé
mezclándolos accidentalmente y terminé
con un triclo soso, que personalmente no me
gustó mucho Toma esta ilustración,
por ejemplo, creo un gradiente
entre rosa, a verde. Tenía cuidado de
no mezclarlos y creé aquí un soso
sin fisuras Vamos a empezar lobo
con el mojado sobre mojado. Primero, vamos a elegir
nuestros colores, por supuesto. Mézclalos, tenlos
listos a un lado. Entonces vamos
a seguir adelante con el agua porque estamos
haciendo mojados y mojados primero. Vamos a asegurarnos nuestro papel sea agradable
y uniformemente húmedo. Entonces vamos a
seguir adelante con nuestro primer color. Por el primero derribado a
medida que
avanzamos, vamos a estar introduciendo más y más agua a la
mezcla para crear un gradiente. Después de que esté completamente seco, vamos a pasar
al siguiente color. Vamos a rotar nuestro papel, repetir exactamente el mismo
proceso que hicimos con el primer color. Ya terminamos. A continuación, vamos a hacer
la misma mezcla de dos colores usando la técnica de húmedo sobre seco. De verdad, realmente te
animo a que sigas practicando porque es
muy, muy importante tener
bastante conocimiento de
la parte de mezcla y
estratificación antes que realmente pasemos a
diseñar personajes y esas cosas Utilizaremos todas las
técnicas que discutimos en
esta lección en el proyecto de
costo real en sí. Siéntete libre de poner tus prácticas en la sección de proyectos y
galería porque me encantaría
ver tus prácticas en sí. Con eso, podemos pasar a la siguiente lección, nos
vemos en la siguiente.
4. Tintado de práctica: arte de líneas: Yo es la forma definitiva de
dar contraste y
propina a los personajes. Esta es también la parte más
esperada para mí en mi proceso de dibujo. Por lo que estamos más o menos familiarizados
con los forros finos de codo. Pero en esta lección, vamos a ser tomados por N y estaremos practicando pinceles de
codo Por esto puede sonar
desalentador para algunos de ustedes, pero créeme una vez que
desarrollen esos recuerdos must, va a ser una de
esas cosas que más anticipan
en su pintura Desarrollarlos como memoria, he dividido esta clase en
dos ejercicios básicamente. El primer impuesto especial
comenzaremos practicando algunos trazos básicos que
estaremos usando a lo largo de todo Luego en el segundo ejercicio, usaremos
esos trazos básicos y discutiremos cómo
puedes usar esos
trazos básicos y cómo
puedes combinarlos en tu ilustración
real. Puedes encontrar estos ejercicios para descargar la sección de proyectos
y recursos. ¿Cuáles son los trazos básicos? En realidad hay dos
tipos de trazos básicos. Trazos y golpes descendentes. Empecemos con trazos. ¿Qué es bstroke? Esto es solo una línea dibujada en
la dirección superior como ráfagas. Vamos a empezar por abajo. Entonces vamos a
tener una línea de luz curva
suavemente hacia la parte superior Enfréntate a mí y practica usando las
pautas que te proporcioné. La clave aquí es solo presionar la
luz y crear un trazo de diez. A continuación tenemos un derrame cerebral. En lugar de presionar la luz, vamos a estar presionando
fuerte para ésta. Entonces solo comenzaremos
desde arriba, luego presionaremos,
haremos una línea recta. Igual que upstrokes, no
estaban lamiendo, están tratando de ser muy agradables y
consistentes con todos
y cada uno de los trazos Además, al presionar con fuerza, realidad no
me refiero a que tengas que poner todos tus cepillos de stent, pero se trata de encontrar un buen equilibrio entre presionar demasiado fuerte y
presionar para esconderte. A continuación, tenemos un trazo de
transición. Los trazos de transición son básicamente una transición entre
carrera ascendente y trazo Este puede ser un
poco complicado, así que asegúrate de ser un
poco paciente
contigo mismo, creo. Apenas estamos comenzando
con un trazo ligero, luego nos
movemos hacia arriba y vamos a estar poniendo un poco
más y más presión. Y a medida que lleguemos a la cima, vas a estar liberando de nuevo
la presión. Es como una especie de hacer
un flaco como, ya sabes. Como dije, este
es un poco complicado y lleva un poco de tiempo
acostumbrarse para ser honesto. También puedes probarlo
en diferentes pinceles, y como decir si
tienes un cepillo nuevo, aún no lo
has usado realmente. Entonces puedes practicar estos
trazos con tu pincel para tener un poco de sensación por ti mismo antes de
usarlo en tu
dibujo real, ¿sabes? Y de hecho uso
la combinación de los trazos de stre y mi pintura real
Verás cuánta profundidad y carácter puedes darle a la
ilustración con solo usar estos tres trazos básicos
y combinarlos estilísticamente para
darle a tu personaje
tu propio destello único Ahora, pasemos
al siguiente ejercicio. Yo armé
unas pequeñas
traciones para que hagas línea de
tierra conmigo, claro. Puede encontrar esta tración para descargar la sección de proyectos y
recursos como de costumbre. Asegúrate de
descargarlos e imprimirlos. La siguiente gran pregunta
es ¿cómo puedes usar estos trazos básicos y cuáles son las reglas para
combinarlos juntos? Para decirlo sin rodeos
no hay reglas diferentes sobre
cuáles fueron las que usar Pero te voy a dar mis pocos consejos personales
sobre los que usar fueron. Básicamente, se quiere seguir la forma básica
del objeto determinado. Así que toma esta hoja, por ejemplo, al hacer el contorno que le da la forma de la hoja,
ayuda a usar
trazos más gruesos como los trazos hacia abajo. Básicamente se puede
enfatizar la forma de ese objeto y
darle un carácter más. Pero me ves usando trazos de
transición aquí. Porque quiero
darle más carácter. Por eso tenemos trazos
de transición. Lo cual no sólo enfatizará
la forma de esa licencia, sino que le dará más
personalización y carácter En cuanto a las venas,
usaría trazos, que es que son trazos
muy finos, que son los mejores para detallar. Es perfectamente normal conseguir un kilón al principio
porque yo también lo conseguí Probablemente los estés obteniendo, así que no te desanimes
como nota final, aquí hay una comparación lado a lado entre líneas hechas con forros
finos y líneas
hechas con forros
finos y líneas los pinceles,
usando Aquí probablemente puedas ver cuánta profundidad y
contraste puedes dar. Espero que hayan disfrutado de
esta lección y parezcan. Siguiente, donde reuniremos algunas referencias e inspiración
para nuestro proyecto final.
5. Panel de inspiración: recopilación de referencias: Personalmente, cuando
busco referencias o inspiraciones, suelo buscar poses y referencias de
ropa así
como fotografía de fantasía Me gustan mucho algunos
elementos fantásticos en mi trabajo, así que por eso mi arte
siempre está desconcertante con criaturas
mágicas que llevan forros de
alas y bollos espaciales Pero su elección podría
diferir de la mía. Quizás prefieras algunos
garabatos, tipografía o flores. Utilizo pintores para
encontrar mis referencias, pero siéntete libre de usar cualquier plataforma que
quieras usar. Bien. También hice un tablero de Pinterest para
ti como punto de partida. He vinculado en
la pestaña de recursos. Cuota gratis para comprobarlo
o hacer uno para ti mismo. Pero una cosa para recordar
al usar referencias, realmente no
queremos copiarlas exactamente o hacer una réplica. Realmente ayuda si
tienes un tablero de estado de ánimo
en lugar de hacer referencia a
partir de una fotografía Sí, asegúrate de hacerlo. Entonces, personalmente cuando
busco referencias, lo que suelo enfocar
primero es la pose misma, cómo va a ser el hombro, cómo van a
ser las manos, cosas así. A veces puede resultar un
poco difícil encontrar referencias para
ese tipo de cuerpo exacto, pero la pose exacta que
podrías haber imaginado Así puedo ponerme un
poco difícil. Así que siempre estoy recopilando referencias como
siempre guardo cualquier pose que me parezca interesante
y las guardo en mi modo Pendras y después vuelvo a ella para
basicli Lo siguiente en lo que me concentro
es el maquillaje y el cabello. Normalmente para esta parte, normalmente no busco referencias
exactas ya que tengo un acercamiento más fantástico al aquí y
al maquillaje Aquí estoy más
enfocado en la forma y el flujo del heredero
o por alto del maquillaje, tal vez cierto maquillaje trans
y cosas así Puedo tener una idea y puedo improvisar
a partir de ahí, ya sabes Entonces si ya sé qué motivos quiero
incorporar en mi ilustración, siempre ayuda
recopilar algunas referencias
para eso también Por ejemplo, aquí en
esta ilustración, quiero incluir algunas flores, pero en realidad no soy muy
mejor dibujando flores. Aquí miro algunas referencias
desde diferentes ángulos, así puedo desglosarlas en
la ilustración real. Por favor tómate tu tiempo, encuentra cosas que realmente te inspiren y asegúrate de que contenga todas las cosas que quieras
tener en la ilustración Asegúrate de tener
un mood board en marcha, así que básicamente tienes un
tablero de visión. Aquí están las referencias que elegí. Para esta ilustración, me
inspiré en esta pose aquí. En esta fotografía y también me inspiré en
esta fotografía aquí. Me gusta mucho el
maquillaje de ojos, lección, chicos. No olvides compartir mood board en la sección de galería de
proyectos. En la siguiente lección,
elegirás un policía limitado
6. Elección de una paleta de colores limitada: En esta lección,
vamos a estar eligiendo
co para el proyecto final. Creo que los colores en realidad los colores son muy importantes para mí
y para mi proceso también. Simplemente dependiendo de qué
tipo de colores elijas. Literalmente puedes cambiar todo
el estado de ánimo de la ilustración y qué tipo de ánimo quieres
retratar con eso A mi personalmente, los colores
más brillantes me hacen sentir como vis las
naranjas y esas cosas. Mientras que los colores más oscuros me
hacen sentir melancólica. Creo que es muy
importante elegir un co pallet que
funcione bien en conjunto, también represente lo que se quiere
retratar de todas las
diferentes posibilidades, elegir un palé de color que
funcione bien en conjunto puede ser bastante abrumador
y difícil también Creo que lo que hago
para mi ustración es elegir un palé limitado de color
limitado Básicamente, elijo cantidad
limitada de colores y puedo repetirlos. Aprenderemos a elegir un poder de extracción
limitado que represente tu estado de ánimo y cómo repetirlos de una manera
que tenga sentido, y todo nosotros sanos Empecemos con lo que realmente es el poder de
llamada limitado. Cuando hablo de
culpow limitado a lo que me
refiero es
básicamente seleccionar una cantidad muy limitada
de colores y
repetirlos de una manera que
cree sentido del equilibrio Cuando estamos trabajando,
tenemos muchas decisiones que tomar. Cualquier cosa que puedas hacer para limitar las opciones
realmente no te entorpece Creo que en realidad
hace lo contrario hace que te concentres en
tu creatividad lugar de Así que aquí están
las pocas razones por las que deberías usar
copa limitada para trabajar también. En primer lugar, simplificar el proceso de toma de
decisiones. Por supuesto, es más fácil elegir cinco colores que funcionen bien
juntos en lugar de 15. En segundo lugar, te da
una sensación de armonía. Básicamente,
carpi limitado que consta de tres a cinco colores
que
te ayudarán a ver la relación
entre los colores más fácilmente, y puedes representar qué color funciona bien juntos
y cuáles no, que a su vez te ayuda a
crear un bien armonizado y equilibrado También puede
ayudarte a definir tu estilo R. Cuando hablamos mas
y estilo de ilustración, lo que realmente estamos hablando
es de cierta consistencia. Podría ser el
consistente en el color, o puede ser el
tema también. Los colores que a menudo
eliges o el movimiento que
busca la Sra. tienen un papel muy importante en búsqueda de tu estilo de
estración real Veamos una de mis
ilustraciones, por ejemplo. Aquí utilizo un gato limitado
que consiste en turquesa. Naranja y amarillo. Repito que Tarc es
más veces que otras, crea un foco repentino
en la cara misma Ahora, hemos visto
uno de los nueve tron. Veamos alguna otra es ilustración para inspirarnos en toneladas de colores
y composición. Primera ilustración de Adrian, en realidad es bastante
agradable y simple tración también es un frío bastante
limitado también. Ella usó y como color principal y otros son más
como un hacha en color. Y se colocan de tal manera que tus ojos puedan moverse
alrededor de toda la ilustración. El siguiente catión es
de Megan Hunter. Como puedes ver, aquí
hay
bastantes personajes, pero logró repetir
los mismos colores de
tal manera que crea armonía y equilibrio
en la ilustración. Por último, esta es
por Laser proctor. Decidió usar la espalda
como color principal, que es bastante imiqu color
naranja pop up Se puede entender claramente
que realmente no necesitamos muchos colores para hacer un
buen catión bien equilibrado. Creo que tenemos una comprensión
básica qué es la plataforma limitada para autos y cómo los artistas usan
eso en el catión. Intentemos llevarnos un palet limitado para
autos que consta de tres a cinco colores
para nuestro clo Personalmente, me gusta comenzar el color que
creo que es lo más importante para mí, que es el color de la cara en sí. En mi estilo Ilustración, utilizo
enviado muy exagerado en lugar de lo que
es más realista, si prefieres
usar sys realistas, creo que podría no ser un
muy buen punto de partida Puedes considerar qué color es más importante para ti
en esta llustración También el estado de ánimo que
quieres retratar con eso. C algo muy
sencillo como si
tienes un animal lindo
en tu composición, puedes empezar desde ahí o y tienes un color de pelo
específico, quieres elegir, puedes
empezar desde ahí también. Con eso, sin embargo, primer color. A partir de ahí,
quieres pensar qué tipo de sensación
vas con esta tración. En pocas palabras, si estás tratando de crear un aspecto
muy armonizado y suave, tal vez
quieras considerar colores
análogos que están uno al
lado del otro
en el velo de color Pero si estás tratando de crear un look
vibrante muy contrastado con tu, es posible que quieras considerar
los colores complementarios que están sentados
uno frente al otro en Core Entonces para esta ilustración, estoy pensando en ir
por una muy vibrante. Entonces creo que voy a elegir este color
azul violeta muy vibrante que obtuve. Esta tinta es de
hecho doctor Ph uno. Con esto, tal vez debería ir por un amarillo ya que es bastante
complementario al azul. Sí, podemos mezclar un poco de verde para que puedas
tener un amarillo suave Como un crenew Tal vez eso
también tenga unos rosados. Esta es la llamada paleta de colores
ásperos de poder que he elegido en función del moodboard y y la sensación que tengo
por esta Pero en realidad podría cambiar. Mantente abierto a cualquier otra elección artística que puedas estar
tomando a medida que progresas. No hay que
elegir estrictamente la
paleta coll en este punto, sino que solo queremos una
idea o base rugosa Usse mi siguiente lección, W hacemos el bosquejo
7. Cómo bocetar tu personaje: Ahora que tenemos
algunas referencias, y también tenemos paleta de carbón
petro Empecemos con el boceto. Para hacer bocetos, uso
Procreate en mi iPad, y luego, cuando termine, suelo rastrearlo
hasta mi papel de acuarela La razón por la que nunca bosquejo
secamente en el papel de
acuarela sí es porque realmente
siento que daña el
diente del papel Aunque fuera a
bosquejar tradicionalmente, realidad nunca
dibujaría
en el papel de cloor Yo bosquejaría en el trozo de papel del
auto, luego después de que termine, lo
rastrearé. Siempre se puede optar por
bosquejarlo directamente en el papel. Asegúrate de ser un
poco ligero con las manos. También puedes usar otro software
digital si quieres, haz lo que quieras. me gusta tener el mood board frente a mí cuando
estoy dibujando, sobre todo cuando apenas estoy
empezando y
poniendo los cimientos y
la composición misma Siento que tener una referencia frente a ti realmente ayuda porque para que no
tengas que bosquejar desde la memoria y para que
pueda ser un poco más fácil. Me gusta usar una pantalla dividida. Básicamente es tener
el moodboard y el lienzo abiertos
al mismo tiempo Cuando estoy trabajando en procrear, me gusta usar este lápiz H que viene con el propio
procrear Me gusta mucho la
textura del pincel. Siempre que estoy trabajando
en procrear, siempre
lo uso siempre Por lo general, se inicia el propio
boceto teniendo un
pasado áspero para averiguar la composición donde debe
ir
cada elemento en la ilustración
en el lienzo Entonces sigo adelante
con algunas formas para entender la inclinación de la cabeza y el posicionamiento del
cuello y el hombro. De hecho, en realidad no
entro en demasiados detalles
en esta fase. Esta fase es básicamente construir el edificio la composición, teniendo la base misma. Para que podamos construir sobre eso. Además, esto es como
visualizar la visualización, samarizar el mood
board o lo que tenías en
mente y ponerlo en mente y ponerlo A continuación, pongo algunos detalles
como nariz, ojos y boca. De hecho, uso una pauta muy
aproximada para ayudarme a colocar la característica
real en sí. Básicamente empiezo
con el círculo, luego agrego arco a la parte inferior del círculo
para crear esta forma ovalada. Esta es la base de la fase, y luego divido ambos lados de la
fase a la línea del ojo. A partir de ahí, dibujo morir, morir las cejas, y la
nariz y la boca Para ser honesto, en realidad
no
sigo exactamente estas pautas
y reglas en sí. Dibujo la manera que
funciona bien en mi estilo, pero estas pautas están aquí para ti para que
puedas jugar con ella para ayudarte a encontrar y
definir tus propias proporciones. No te
dejes constreñir por estas pautas
como sentir que no puedes salir de ella, siempre
tienes que
seguir porque
realmente no tienes que realmente siempre
puedes jugar con ella También aquí en esta etapa, también
pongo algunos otros
detalles como formas de cabello, pedacitos de hilos de pelo, y pero no en demasiados detalles. De aquí en adelante utilizo amables
mis instintos para guiarme. Te recomiendo solo
dibujarlo si no estás seguro de
algo y probarlo. Si no funciona bien
con la composición, definitivamente puede
eliminarla y puede seguir adelante. Por eso me gusta
dibujar digitalmente porque solo
te da más opciones para retocar y torcer y probar algunas cosas más
sin desperdiciar papel De aquí en adelante sigo
refinando y refinando. Cada vez que estoy
refinando el boceto, me gusta crear una nueva capa
encima de la anterior. Sigo encontrando
el boceto hasta que estoy
bastante contento con él. Y cuando hayas terminado
con el boceto, contento con cómo resultó, puedes exportarlo a
una galería para exportarlo, solo tienes que hacer clic en el panel de acciones y luego seleccionar compartir y luego debes elegir el formato que deseas que se exporte.
Voy a elegir un PNG. Hecho. Entonces es nuestro
momento de rastrear. Para el rastreo, uso mi iPad. Si tienes una caja de luz, también
puedes usar eso también. Pero si no tienes uno, quieres usar
tu iPad como yo. Simplemente puede descargar la
aplicación llamada lightbox trace. Aquí está nuestro boceto final. Me gusta mucho cómo girar
ahora para ser honestos. En la siguiente lección,
pasaremos a los colores. Estaremos llevando
nuestro propio boceto. Entonces nos vemos en la siguiente lección.
8. Rostro: aplicación de la técnica de mezcla: Esta es la lección donde todas
nuestras prácticas se unen. Recuerda los ejercicios que
hicimos hace algunas lecciones, los ejercicios de mezcla,
estamos a punto usar todo ese conocimiento para
nuestra ilustración real. Siempre empiezo con la
cara porque me siento como la parte más importante de
una ilustración porque si consigues la cara de tu personaje
aquí mismo hasta un buen comienzo porque si no lo haces bien
y quizás tengas que
empezar de nuevo. Porque si empiezas de
otra parte y finalmente, te vienes a la cara
y la
metes, va a ser una pérdida muy
grande de tu tiempo. De hecho, puse la mancha
inicial de color a las principales áreas
focales como las mejillas y la nariz y en todas partes donde
creo que el rubor Después ejercicios que hicimos hace
algunas lecciones, discutimos la
técnica de mojado sobre seco que recuerdas. Esto es lo que voy a hacer. Aquí, voy a usar la técnica de
mojado sobre seco donde solo voy a poner
una mancha de color iniciada Entonces voy a lavar
rápidamente mi cepillo, después voy
a tratar de doblar los bordes para que
pueda tener un acabado liso. Una cosa aquí para
asegurarte es curar los cepillos húmedos, no mojados, quieres
aplicarlo sobre una
toalla de papel o algo así Después de eso, voy a repetir
este proceso húmedo sobre seco, unas cuantas veces más para
tener una mayor vitalidad a mi es un proceso de
trabajar de claro a oscuro, por lo que naturalmente
creará una mezcla suave Se puede trabajar con acuarelas de una
manera que haga que el proceso sea más indulgente
al trabajar en capas De esa manera, si una de tus capas no es tan
lisa como quieras, definitivamente
puedes
arreglarla en tu siguiente capa. Arreglando tus errores,
es realmente fácil
a diferencia de si
usaras un color realmente intenso para
lograr la vitalidad y una vez que cometiste un error
con tus colores, y será muy
difícil arreglarlo Como me verás hacer aquí, estaré haciendo el
mismo proceso de técnica
húmeda sobre seca donde
pongo la mancha de color, luego la mezclaré, y lo estaré haciendo muchas, muchas veces para que
tenga la vitalidad, tengo la profundidad que quiero En estas etapas, no
te preocupes por hacer cada capa perfectamente lisa
porque a medida que
avancemos, la estaremos arreglando, en realidad. No te preocupes por ello, diviértete. Creo que es nuestro momento de pasar
a aquí. Por lo pronto siguiente lección.
9. Cabello: capas de color para obtener vitalidad: Ahora que ya
terminamos bastante con la piel, vamos a estar
pasando al pelo. En realidad hay numerosas
formas en las que puedes colorear, puedes ir por aquí. Hay tantas texturas,
tantos colores para elegir de la forma en que voy aquí es bastante similar a cómo
me acerco a la fase. Comenzaremos desde
el área más destacada donde está la mayor abundancia de cabello y estaremos siguiendo técnica húmeda y húmeda o
húmeda y seca, y estaremos repitiendo el proceso de mojado y
húmedo sobre húmedo y seco, lo que queramos elegir Estaremos repitiendo
el proceso a menos que hasta que tengamos la
profundidad que queremos. Si es un área más pequeña
que desea pintar, entonces húmedo y seco sería más fácil de controlar
que mojado sobre mojado. La técnica húmeda podría ser
buena para áreas muy grandes. Como puedes ver,
solo es cuestión de bajar
el color
y
mezclarlo y quieres ser
muy rápido con el paso. No quieres
pintarlo solo para que se seque. De lo contrario, no sería
capaz de tener el suave adentro. Deje que cada capa se seque completamente. Me verás cambiar
de un lado a otro. Es solo para dejar que cada capa se seque y para que no
tenga que mojarme. Puedes usar un golpe
dy si quieres. Pero es muy importante
que dejes secar cada capa. Para que quede claro, bajas un color,
luego sigues adelante con el cepillo limpio y húmedo para suavizarlo Digamos que tienes un nish semi liso Se
ha puesto como quieras. Es nuestro instinto seguir adelante
y tratar de suavizar las
cosas cuando apenas empieza
a secarse, pero no intentes eso En cambio, vamos a
cambiar a otra parte de la ilustración y dejar esta capa se
seque completamente y después de eso, vamos a
volver a ella e intentar poner otra
capa encima de ella. Entiendo que puede ser un poco bul cubriendo
en áreas más grandes. Por eso trabajo en la sección. Si estás pintando piel, entonces tu cara puede ser una sección, tu cuello puede ser otra
y el cuerpo en otra. De esa manera, no estás
pintando un área más grande, no tienes que
preocuparte por tener una parte secando
otra parte nudo y no tener una espina lisa En cuanto al cabello,
vamos a usar la
sección de plantas de acero. De esa manera, no estamos pintando
un área muy grande y evitamos que una sección se
seque antes de que te
ocupen de ella. Sólo vamos a estar tomando en
consideración
una sección a vez y llevarla a un buen punto y
entraremos en la siguiente. Por lo que es más fácil conseguir un look
consistente con eso. Antes de que sea cambiar los cepillos. Si sientes la necesidad de hacerlo, si estás cubriendo
un área muy grande, es posible que quieras
usar un cepillo más grande que
sea fácil de manejar Así que casi
terminamos con el pelo. Entonces en la siguiente lección, solo
estaremos terminando con
los pelos y el poco de rosa y nos vemos a continuación.
10. Contraste: tintado y toques finales: King no se siente retorcido al principio, porque sentimos que
una vez que cometemos un error, no
hay vuelta atrás a ello En esta lección,
vamos a
hablar de cosas que podemos trabajar torno a
nuestros errores para que
no se sienta como un trasiego Entonces aprendimos todos
esos trazos básicos, y ahora vamos
a aprender cómo
podemos usar esos
trazos básicos a nuestro real para darle
más carácter y hacer que tus líneas sean
más dinámicas. Sí,
empecemos, ¿de acuerdo? Siempre que hablamos de entintado, pensamos como entintado
con tinta negra y esas cosas, pero no vamos a
acercarnos al entintado de esa manera
solo sí, Primero, vamos
a
partir de si tienes un
color base, digamos naranja. Entonces quieres usar un
naranja más profundo para iniciar el entintado. Solo usaré un naranja más profundo
para trazar los mechones de cabello, luego seguiré adelante con
algo como marrón o negro para terminar el proceso de entintado
para tener contraste adicional La siguiente pregunta que
viene es ¿qué trazo, qué trazo básico usas usar? No hay una regla específica para ello, pero tomemos
en consideración esta forma. En su mayoría estaremos
usando las pulsaciones descendentes y los trazos de transición para la línea que hace la forma, estaremos usando las pulsaciones ascendentes para
el resto y tal vez algunos
trazos de transición aquí y allá, así que eso no es muy Podemos usar downstroke, nuestro trazo de transición para
darle más carácter a una línea Pero usando principalmente trazos de
transición, usa los trazos, carrera ascendente, carrera descendente y trazo de transición
donde quieras Asegúrate de
mezclarlo un poco. Y estarás bien, ¿de acuerdo? Ahora podemos pasar a la forma. Vamos a repetir el proceso. Esto es sólo para
pronunciar la forma, el flujo del cabello. Estoy muy contento con
cómo van las cosas. Ahora solo van a ser
algunos toques finales. Vamos a estar agregando algunas
líneas a los ojos proros y
pestañas y las
flores aquí y allá Por fin terminamos. Esto realmente salió bien, y espero que también te guste. En la lección final,
solo estaremos terminando. Veré en la siguiente lección.
11. Conclusión: Enhorabuena masiva a ti por hacer a través de la clase. Sé que fue bastante larga, y la hemos
hecho muy bien. Entonces hemos cubierto mucho
en esta clase, ¿verdad? Si hay algo que
espero que le quites a esta clase es que es como
puedes lograr un look atrevido y
vibrante con
tu ilustración y el contrato
que se necesita. Muchas gracias por
tomar esta clase, y espero que la hayan disfrutado
tanto como a mí me encantó hacerla. Oh, espero que seas capaz crear algo de
lo que estés muy orgulloso. Y asegúrate de compartir tu
creación y proyecto en sección de
dires porque
me encantaría
ver lo que creas después
de ver a estos chicos Cuota para mí en Instagram
porque siempre estoy ahí, siéntete libre de
etiquetarme y tú creas. Además, comparto
muchos videos de gatos, eso podría ser una captura, ¿verdad? Muchas gracias una vez más. Sigue aprendiendo y sigue creando.
Rufi, Traditional Artist & Illustrator
