Patrones perfectos con acuarela: diseño de superficies en Photoshop para impresiones a pedido

1. ¡Vamos!: [ MÚSICA] Oye, ahí. Mi nombre es Cat Coquillette, y estoy aquí para enseñarte cómo ilustrar magníficos patrones sin fisuras. Los patrones sin fisuras son manos abajo el tipo de diseño más importante que quieres tener en tu portafolio, si quieres tener éxito en el diseño de superficies. En la clase de hoy, vas a aprender todo el proceso desde esbozar tus elementos hasta llenarlos. Entonces digitalizando tu obra de arte, ya sea con un teléfono o un escáner, si tienes una. Entonces aprenderás los pasos para organizar tus ilustraciones en un patrón profesional y sin fisuras. También vamos a explorar cosas divertidas como crear nuevas paletas de colores e infundir acentos metálicos directamente en tu obra de arte. Si ya estás completamente abrumada, escúchame. Los patrones sin fisuras no tienen que ser aterradores. De hecho, Photoshop tiene una herramienta llamada Previsualización de patrones, que hace que la creación de patrones sin fisuras sea más fácil que nunca. Toda la matemática y la colocación perfecta que solíamos tener que hacer ahora está completamente automatizada, gracias a esta sencilla herramienta. Si nunca antes habías explorado Photoshop, no te preocupas. Esta es una clase amigable para principiantes. Estaré dividiendo todo en trozos fáciles, de tamaño mordido. No te vas a perder ni dejar atrás. Si no tienes Photoshop, puedes descargar una prueba gratuita. Le proporcioné un enlace a eso en la descripción de la clase abajo. Uno de los conceptos erróneos más comunes es que para vender o licenciar sus diseños de superficie, deben ser vector o obra creada en Adobe Illustrator. ¿ Adivina qué? La gran mayoría de mi cartera de diseño de superficie no es arte vectorial. Es obra de arte que he pintado a mano con acuarelas. De hecho, mi línea de papel tapiz más reciente que acaba de ser seleccionada para Target es un patrón sin fisuras de, lo adivinaste, una de mis pinturas de acuarela. Para ser totalmente honesto, esta fue una de mis mayores motivaciones para crear esta clase. Es 100 por ciento posible tener éxito en diseño de superficies utilizando obras de arte pintadas a mano. Hoy, quiero mostrarles cómo. De hecho, estoy dando inicio a esta clase respondiendo a las preguntas más formuladas que obtengo de los estudiantes sobre diseño de superficies y licencias de arte. Te daré mi mejor consejo cuando se trata de preguntas como, ¿puedo vender mi diseño a través de múltiples sitios web? ¿ Cuáles son las dimensiones óptimas para los patrones? ¿ Cómo anotó su primer acuerdo de licencia? ¿ Cómo puede notarse un principiante en el diseño de superficies? Esencialmente, me estoy tomando años por valor de conocimiento de la industria, y condensándolo hacia abajo en las cosas más esenciales que necesitas saber a la hora de hacer crecer tu propia cartera de diseño de superficies. Esta es una clase que abarca todo, y vas a obtener toda la habilidad. Empezaremos por llegar a un concepto para cuál será tu patrón. Aquí es donde pimiento en mis mejores consejos para crear diseños que tengan un fuerte potencial para vender bien. Entonces aprenderás a bosquejar tu idea en papel. A partir de ahí, puedes rellenarlo usando acuarelas como estaré demostrando o cualquier otro medio que prefieras. A continuación, aprenderás a escanear o fotografiar tu obra de arte para que puedas llevar tus ilustraciones pintadas a mano a Photoshop para arreglarlas en un patrón perfecto y sin fisuras. Terminaremos la clase con una demostración de cómo subir tus ilustraciones a sitios web de impresión bajo demanda para que puedas empezar vender tus diseños tan pronto como termines esta clase. He vendido más de un millón de productos a través de licencias de arte, y 100 mil de ellos fueron a través de Sociedad6. Estaré compartiendo mis mejores consejos para tener éxito a través de sitios web de impresión bajo demanda así. De hecho, a lo largo de esta clase, estaré compartiendo mis estrategias para crear diseños que sean vendedores fuertes. Aprenderás por qué siempre incluyo mi firma en mi obra de arte, y cómo puedes hacer lo mismo, además de cómo elegir motivos que tienden a vender realmente bien. Si esto está resonando contigo, te va a encantar esta clase. Al igual que muchas de mis otras clases de Skillshare, estoy empacando esta con toneladas de obsequios. He reunido 20 texturas metálicas de láminas y brillos en un arco iris de colores. Esto es más metálico de lo que he compartido antes. Te mostraré cómo infundir acentos metálicos en tu obra de arte para añadir algo de brillo y brillo. También te estoy dando una textura de papel acuarela que está preparado solo para esta clase. Encajará perfectamente en tu patrón. Es hora de bucear justo en. Pero antes de empezar, no olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en ese botón de seguir en la parte superior. Esto significa que recibirás un correo electrónico tan pronto como inicie mi próxima clase o tengas un gran anuncio para compartir con mis alumnos. También puedes seguirme en Instagram @catcoq, y estoy todo sobre compromisos en redes sociales. Sin más preámbulos, comencemos a crear bellas obras de arte para convertirnos en un patrón sin fisuras. [ MÚSICA] 2. Qy A: diseño de superficies: [ MÚSICA] Antes de que arranquemos las cosas, voy a empezar respondiendo las seis preguntas que más me dan a menudo cuando se trata un diseño de superficie y patrones sin fisuras. Pregunta 1, ¿para qué sirve un patrón de repetición? Los patrones sin costuras son el tipo de patrón de diseño de superficie más versátil que hay. Lo que los hace tan mágicos es los bloques se alinearán perfectamente, lo que significa que el patrón se puede escalar infinitamente. Esta es la clave para crear diseños que funcionen bien en papel tapiz, telas, ropa de cama, lo que quieras. Si te interesa el diseño de superficies, patrones sin fisuras son una necesidad. Bono, esto abre la puerta para que empieces a subir tus diseños para imprimir sitios web bajo demanda como Spoonflower, donde puedes empezar a ganar ingresos con tu obra de arte. Pregunta 2, ráster versus vector. Muy rápido, si te estás preguntando cuál es la diferencia entre imágenes ráster e imágenes vectoriales, te tengo cubierto. Raster significa que la ilustración está compuesta por píxeles. Cuando escaneo mi pintura en la computadora y acerque de manera, verás que esta obra está compuesta por píxeles pequeñitos. Si amplías este diseño y lo vuelas a enormes proporciones, verás los píxeles, se ponen todos borrosas. Es por eso que escaneo mi obra de arte en dimensiones masivamente grandes. Al capturar mis pinturas originales con extremadamente alta calidad con mi escáner, puedo agrandar esta obra de arte para ser enorme sin que se vuelva borrosa. Pero hay un límite, y una vez que llegue a ese límite, se pondrá borroso. Con ilustraciones vectoriales, esto no es una preocupación. No importa cuán grande escale su obra de arte vectorial, siempre se verá exactamente igual. Esto se debe a que las ilustraciones vectoriales se componen de líneas, puntos, curvas y formas que se basan en fórmulas matemáticas. Cuando dibuja formas en Adobe Illustrator, estas ilustraciones están basadas en vectores. Las ilustraciones vectoriales son increíblemente versátiles porque no hay límites en lo grande o lo pequeño que escalas tus ilustraciones. En realidad me encanta el arte de estilo vectorial y creo muchas ilustraciones vectoriales en mi cartera, pero también me encanta la sensación de una ilustración pintada a mano. Quiero aclarar un mito que he escuchado una y otra vez. Todos piensan que los patrones profesionales deben hacerse en Adobe Illustrator y deben ser vectoriales. ¿Adivina qué? El noventa y nueve por ciento de mis patrones no están vectorizados. Muchos de ellos son elementos pintados a mano que hice en acuarela o acrílico, que no vectorizo porque me encantan las imperfecciones de las obras de arte creadas a mano, especialmente pinceladas visibles, mezcla dinámica de colores y flores de acuarela, incluso bordes tambaleantes que hacen que las obras de arte creadas a mano sean tan encantadoras. La clase de hoy se centra en elementos dibujados a mano, rasterizados. Puedes seguir junto con acuarela como voy a estar demostrando, o puedes importar ilustraciones que has dibujado en Procreate, o simplemente usar un marcador y doodle algunas formas. Todos estos métodos funcionarán para la clase de hoy. Pregunta 3, ¿puedo vender el mismo patrón a través de diferentes empresas? Yap, y yo hago esto todo el tiempo. Tengo la misma obra de arte disponible a través de Spoonflower, Society6, Redbubble, incluso los socios de licencias in-store que tengo como Urban Outfitters y ModCloth. Nos sumergiremos más en esto más adelante en esta clase cuando te paseo a través un típico proceso de subida. Pero sepan esto por ahora, siempre y cuando el contrato incluya que se trata de acuerdos de licencia no exclusivos, estás listo para irte. Apenas un cabezazo arriba, algunas empresas te enviarán un documento legal para revisar, que a veces se llama acuerdos de artista. Otras empresas, especialmente imprimen sitios bajo demanda como Society6, lo tienen en sus términos de servicio. También se llama términos y condiciones en otras plataformas. Dondequiera que se almacene el lenguaje legal, usted quiere encontrarlo, leerlo, y asegurarse de que diga no exclusivo por la forma en que licencian sus diseños. Pregunta 4, ¿qué es mejor, Photoshop o Procreate? Yo uso ambos programas y me encantan los dos por diferentes razones. Puedes hacer patrones sin fisuras tanto en Photoshop como en Procreate. Incluso tengo otra clase de Skillshare que te enseña exactamente cómo hacer algunas en Procreate, pero en última instancia tienes más flexibilidad en Photoshop. En Photoshop, hay menos restricciones en la dimensión de tu lienzo o cuántas capas usas. Procreate restringe ambos, lo que significa que es complicado trabajar en grandes tamaños de lienzo con muchas capas. Como estás a punto de averiguarlo en esta clase, me encantan los lienzos gigantes. Hablando de restricciones de capa, me alegra mucho que Photoshop no sea estricto con esto, porque cuando nos metemos en explorar varias paletas de colores, vamos a tener muchas capas. Me gusta cómo en Photoshop podemos mantener todas nuestras exploraciones de color en un solo lienzo. Lo hace más fácil y más organizado. Además, es realmente fácil probar tu patrón en Photoshop. Todo es automatizado para nosotros así que no tenemos que apilar nuestros bloques manualmente, como lo hacemos en Procreate. En Photoshop, también es súper fácil ajustar el tamaño de tu patrón con un solo clic usando nuestra herramienta de relleno de patrones. Dicho todo esto, Procreate sigue siendo una opción fabulosa, sobre todo si no tienes Photoshop. Procreate también es una buena opción si quieres mantener todo tu proceso dentro del mismo programa, desde el boceto hasta el final hasta el patrón, puedes hacer todo esto dentro de Procreate. Yo uso Procreate para dibujar nuevas ilustraciones desde cero. No hago esto en Photoshop porque es difícil para mí dibujar de forma natural con un ratón. Pero con Procreate, puedo sostener mi lápiz como un lápiz y crear hermosas ilustraciones dibujadas a mano. Para mí, así es como diferencio a los dos. Procreate es una gran herramienta para dibujar ilustraciones originales, Photoshop es una gran herramienta para pulir tu obra de arte y convertirla en patrones. Pregunta 5, ¿cómo conseguiste tu primer trato de licencia? Mi primer gran descanso fue en realidad Urban Outfitters. Sé que empecé con una explosión. Yo había estado vendiendo mis diseños a través Society6 por unos años, y en ese momento, todos mis ingresos venían a través de impresión bajo demanda, sin ofertas de licencias todavía. En realidad estaba en la fila a punto de pasar por la seguridad en LAX y mi teléfono zumbó. Fue un correo electrónico de un comprador de Urban Outfitters y estaban interesados en licenciar mi diseño Good Vibes. Me asusté completamente de una buena manera porque este fue mi primer gran descanso. Encontraron mi diseño en Society6, y tenía mi cuenta de Instagram vinculada en mi biografía. El comprador acechó mi Instagram, encontró Good Vibes y luego me contactó directamente. Esta es una de esas razones por las que tener presencia en sitios impresos bajo demanda es tan estratégico. No siempre se trata de ventas, a veces se trata de obtener exposición y tener un lugar donde la gente pueda encontrarte, llegar y tal vez llegar a un nuevo trato. Voy a sumergirme más profundamente en este más adelante cuando lleguemos a la sección de subida de esta clase. Por último, Pregunta 6, ¿cómo se hace notar tu obra de arte? Cada artista tiene su propia historia para su primer gran descanso, y yo acabo de compartir la mía. Pero aquí está mi mejor consejo para cualquier persona que quiera hacerse notar en la industria del diseño de superficies hoy. Es importante tener un fuerte cuerpo de trabajo comercial amigable. Lo que quiero decir con eso son dos cosas. Uno, estás agregando activamente nuevos diseños a tu cartera, incluso si esa cartera es simplemente tu página de Instagram. La primera parte es fácil. Sé artista y haz nuevos diseños. Nos encantó esa parte. La segunda parte viene con un poco más de estrategia. Quieres crear diseños que se vendan bien, ¿no todos? Lo que ha funcionado mejor para mí personalmente es vigilar las tendencias y crear nuevas obras de arte que claves en lo que es popular o pronto para ser así. Paso mucho tiempo navegando por sitios web que resuenan con mi propio público para ver lo que están vendiendo. Si la antropología tiene una tonelada de animal print esta temporada, más probable es que la impresión animal esté en tendencia, y si los clientes de antropología lo están comprando, las posibilidades son mías también. Tenemos una audiencia muy similar. Siempre infundo mi propia voz artística única en mis diseños. No estoy copiando tendencias, simplemente estoy recibiendo inspiración para motivos. Por último, si quieres tener éxito como diseñador de superficies, mi mejor consejo número uno es comenzar antes de que estés listo. He oído de tantos estudiantes que están esperando hasta que tengan X número de piezas en su cartera antes de que comiencen su tienda de Spoonflower, o no quieren compartir su obra de arte en redes sociales todavía porque no está lista. Reality check, todos empezamos con cero seguidores y cero ventas, y nos acumulamos a partir de ahí. Si esperara hasta que me sentí listo, seguiría esperando. Mi consejo es que te pongas por ahí lo más duro que pueda ser, porque en cuanto lo hagas, tendrás una base sobre la que podrás empezar a construir. Es así como crecemos como artistas, creamos, aprendemos de nuestros errores, mejoramos, y luego creamos aún más. Es un proceso que nunca se detiene. En cuanto te pongas ahí fuera y empieces, más pronto encontrarás tu propio éxito. [ MÚSICA] Quería apretar una pequeña charla de pep ahí dentro. Ahora que eso está cubierto, comencemos repasando los suministros para la clase de hoy. 3. Materiales: Esta clase se divide en dos trozos. Primero, estaremos pintando a mano con acuarela. Entonces estaremos trabajando en la computadora en Photoshop. Para las acuarelas, la estoy manteniendo bastante simple hoy. He sacado algunas sartenes aquí mismo de mi set de acuarela profesional Winsor y Newton. El set completo está aquí con muchos colores diferentes. Decidí, de nuevo, mantengamos el paladar bastante simple y solo saqué estos cuatro. Los cuatro colores que saqué son; cobalto, turquesa claro, índigo, naranja cadmio y rosa de ópera. Estos son los cuatro colores que estoy usando, pero te animo a que sigas junto con cualquier paleta de colores que te hable. A medida que eliges tus colores, definitivamente te animaría a que consideres más una paleta de colores mínima. Aquí sólo estoy eligiendo cuatro colores, pero hasta el naranja y el rosa van muy bien juntos y el índigo y el turquesa vuelven a emparejar muy bien juntos. Menos siempre es mejor que más cuando se trata de sofisticadas paletas de colores con acuarela, así que tal vez solo elija un pequeño puñado de colores para trabajar. En realidad ni siquiera tienes que usar acuarelas si estás siguiendo a lo largo. Cada paso de convertir tu ilustración dibujada a mano en un patrón sin fisuras va a ser exactamente igual independientemente de tu medio, así puedes usar acuarelas como la que estoy usando, o podrías seguir usando lápices de colores , marcadores , acrílico, gouache, incluso procrear ilustraciones si lo deseas. De hecho, dibujo muchos de mis elementos en mi iPad usando Procreate y luego los traeré a Photoshop más tarde para organizarlos en un patrón sin fisuras. Puedes elegir tu propio medio de arte para seguir junto con el día de hoy. Estaré demostrando con mi favorita, que es la acuarela. Voy a seguir adelante y cerrar esto, ya que sé que estos son los cuatro colores, voy a estar usando. Más cosas divertidas, pinceles. Cuando se trata de pinceles de acuarela, no soy elitista de ninguna manera. Este es un paquete de pinceles que encontré en Amazon. Ellos bajan a alrededor de un $1 por cepillo, así que son bastante baratos. En lugar de hablar de marcas que busco, voy a hablar de los atributos que busco en un buen pincel de acuarela. En primer lugar, deben etiquetarse como pinceles de acuarela. Un pincel de acuarela es un pincel que va a contener mucha más agua en las cerdas que un pincel estándar de acrílico o pintura al óleo. Hoy solo voy a dejar caer todos mis suministros. Si estás comprando pinceles para acuarela, solo asegúrate de que estás buscando específicamente pinceles para acuarela. Hablemos de tamaños para estos pinceles. Mi pincel más pequeño aquí es en realidad un tamaño 1, mi pincel mediano es un tamaño 5 y luego este tipo de aquí, que es mi pincel más grande, en realidad es un tamaño 9. Si te estás preguntando qué es este pincel gigante de aquí, este es el pincel que utilizo para borrar las marcas de lápiz de la página cuando termine de borrar. De hecho, incluso uso esto en mi escáner para limpiar la cama del escáner si hay pequeños trozos de polvo y partículas ahí. En realidad no pinto con este pincel, es solo mi pincel arqueólogo para eliminar imperfecciones de mi papel y del escáner. A continuación, lápiz y goma de borrar. Me gusta usar estos borradores de clic porque puedes estar mucho más afinado con la forma en que borras. Es como borrar con un lápiz, se siente muy intuitivo de sostener. Si estoy borrando áreas de detalle muy apretadas, estas gomas de borrar clic son realmente geniales para eso. El otro borrador que uso es mi borrador amasado. Esto es solo una goma de borrar gomosa, es como una masilla tonta. La forma en que uso esto es para aligerar mi boceto en mi papel. Cuando termine de bosquejar mi composición, lo que haré es tomar mi goma de borrar amasada y simplemente borrarla en la página así, que ayudará a aclarar mi boceto general. Con acuarela, una vez tu pintura esté sobre esas marcas de lápiz, ya no podrás borrarla. Siempre puedes borrar marcas de lápiz que están simplemente en tu papel sin pintura sobre ellas, pero en cuanto la pintura pase por encima de esas marcas de lápiz y se seque, no podrás borrarlas más tarde, así que por esa razón, es muy importante asegurarte de que tu boceto sea lo más ligero posible. Cuanto más ligero sea el boceto, menos probable será que aparezca en tu pintura final. Hablando de eso, por eso uso un lápiz de plomo muy duro. 3H es un lápiz de plomo bastante duro, lo que significa que si apenas estoy haciendo una marca en mi página, apenas va a aparecer. El nombre del juego con acuarela, de nuevo, es para asegurarse de que esas marcas de lápiz no se vean a través de manera muy destacada en tus pinturas. Un poquito siempre está bien, pero si son marcas de lápiz realmente oscuras, podría comprometer el efecto de tu acuarela. Nuevamente, por esa razón, prefiero lápices duros de plomo porque la marca apenas va a aparecer en la página a medida que dibujo. Este plomo es muy duro y el plomo duro está indicado por H, así que cualquier cosa que tenga una H en ella, una 3H, 5H, 1H, eso va a significar lápices duros de plomo. Para mí, descubrí que 3H es mi punto óptimo, así que esto es lo que voy a usar hoy para hacer realmente nuestro sketch. El siguiente paso con la pintura es el plato de agua. Sólo voy a estar usando una taza. Este es en realidad uno de mis diseños que he vendido en Society 6 y lo convierte en un fantástico café por la mañana así como plato de agua cuando estoy pintando por la tarde. Una cosa en la que pensar con los platos de agua es, no quieres beber el agua de pintura, es realmente asqueroso y si tienes un té por aquí y tu plato de agua por aquí, puede ser muy fácil agarrar lo incorrecto y tomar un sorbo, así que no hagas eso. Una forma en la que me recuerdo que este es un plato de agua, no beba, es que pongo un pedacito de cinta sobre la parte superior y desde que empecé a hacer esto, ha reducido masivamente el consumo de agua de mi pintura, así que un poco pro-tip para ti hoy. Por último, pero no menos importante, el suministro de arte final que necesitarás para la porción de pintura de esta clase es papel. Voy a estar pintando con acuarela, así que estoy usando papel de acuarela y eso es realmente muy importante. Con la acuarela, hay mucha agua en el pigmento mientras estás pintando con tu pincel, así que cuanto más grueso sea el papel, mejor para ti. Lo que busco en papel de acuarela es, uno, se designa como papel de acuarela, eso es lo más importante. Si dice que es papel de acuarela, eso significa que puede manejar tener toda esa pintura y agua en un pincel en la página. No se va a abrochar y doblar, será duradero y capaz de soportar tu acuarela. Prefiero usar una serie 300, que es de rango medio en términos de grosor dentro de su papel de acuarela. 100 es papel fino muy ligero. Creo que sube a 500 y ese es el papel de acuarela de mayor peso. 100 es un poco más barato, 500 o 600 es el más caro. Pero otra vez, 300 es mi punto óptimo, porque no uso una tonelada de agua en mi página, así que si eres acuarela y siempre encuentras que tu papel se dobla y se dobla, tal vez necesites subir esa serie e ir al siguiente nivel superior y ver si eso es mejor para ti, pero para mí, 300 es el camino a seguir. Lo último que voy a señalar con papel de acuarela es, busco papel acuarela prensa fría. Lo que eso significa es que el papel es un poco más torpe y tiene más de un diente en él. La prensa caliente será papel de acuarela muy suave, prensa fría está llena de baches. A mí me encanta esa textura, así que siempre voy por baches, que es prensa fría. En cuanto al tamaño de tu papel de acuarela, suelo pintar en 11 por 15, esa es mi zona de confort. Conozco a algunos artistas que prefieren los blocs de papel más pequeños, algunos que prefieren mucho más grandes. Te recomiendo simplemente usar lo que funcione mejor para ti y tu estilo de pintura. Una cosa más que quiero mencionar con la pintura, toallas de papel serán tu mejor amiga. Mancho y derrama y manchado mis pinturas todo el tiempo. La gente piensa que las acuarelas son muy implacables , lo cual pueden serlo totalmente, pero al conseguir los derrames lo suficientemente rápido, en realidad puedes remediar muchos de esos errores en cuanto ocurran, así que te estaré mostrando como hacer eso también en la parte de pintura de esta clase, pero por ahora, las toallas de papel, las tengo en los extremos. Ahora, la segunda parte de esta clase está sucediendo en la pantalla de tu computadora. En primer lugar, necesitarás algo para digitalizar tus pinturas. En realidad voy a estar usando un escáner. Se trata de un escáner fotográfico Epson V19. Si no tienes escáner, también puedes usar una cámara o tu teléfono. Para el diseño profesional de superficies, los escáneres son los mejores porque capturarán las imágenes de mayor resolución. Pero si solo tienes curiosidad sobre cómo hacer patrones y quieres divertirte y explorar, no sientas que tienes que derrochar en un escáner, siempre puedes usar una cámara, o tu teléfono en su lugar. Las técnicas que aprenderás más adelante en Photoshop son universales sin importar lo que uses para digitalizar tu obra de arte, ya sea un teléfono, un escáner o tu cámara. Profundizando un poco más en los escáneres, mi marca favorita de escáneres es definitivamente Epson. Epson suele lanzar un nuevo modelo de su escáner fotográfico cada año. mío es el V19, lo compré en 2020, así que definitivamente va a haber una versión más nueva, mejor, más mejorada por ahora. Ya sea que estés usando tu teléfono, cámara, escáner, más adelante nos meteremos más en esa digitalización y estaré cubriendo las tres bases, así que solo para asegurarnos de que tienes algún dispositivo que pueda capturar nuestro trabajo y digitalizarlo para estar jugando más adelante en Photoshop. Hablando de Photoshop, ese es el siguiente suministro que necesitarás. También quieres tener una versión actualizada de Photoshop en funcionamiento en tu computadora. Si no tienes Photoshop, no te preocupes, en realidad puedes descargar una prueba gratuita en línea. Te proporcioné un enlace abajo para que también puedas anotar eso. Ahora, para las golosinas. Solo por tomar mi clase hoy, estás recibiendo un montón de regalos. Estos regalos son totalmente opcionales en esta clase. Piense en ellos como una ventaja extra. Le invitamos a descargar estos activos gratuitos para usar hoy, o puede seguir y completar su proyecto de clase usando sus propias texturas favoritas personales, depende completamente de usted. De cualquier manera, vas a terminar con un magnífico proyecto de clase. Obtendrás una textura de papel de acuarela de alta resolución. Esto es lo que uso en mi propia obra de arte profesional, además obtendrás un paquete de texturas metálicas para que puedas infundir algo de brillo y brillo en tus diseños. He incluido texturas metálicas como regalo para algunas de mis otras clases, pero esta es la primera vez que incluyo estos metálicos con purpurina. Estas son en realidad hojas de papel purpurina que he escaneado en mi computadora a una resolución muy alta y optimizadas específicamente para la clase de hoy. Todos son de tamaño para que se ajuste perfectamente a tu lienzo. No te preocupes, en realidad nos vamos a meter exactamente en cómo usar estas texturas más adelante en la clase de hoy. Tengo todos estos archivos de regalos listos para que los descargues en Dropbox. Simplemente vaya a catcoq.com/inconsútil y podrá acceder a todos los obsequios de bonificación con solo escribir su nombre y correo electrónico. Esto también desbloqueará el acceso a mis boletines donde comparto, lo adivinaste, aún más regalos, también actualizaciones y recursos de artistas para ayudarte en tu viaje creativo. Por último, pero no menos importante, quiero que esta clase sea lo más accesible posible. Te estoy dando permiso si quieres, para saltes a la segunda parte de esta clase, que se trata de convertir tus ilustraciones en acuarela en un patrón sin fisuras en Photoshop. Si quieres usar tus propias ilustraciones dibujadas a mano y luego simplemente saltar directamente a esa parte, eres muy bienvenido a hacerlo. Pero claro, definitivamente te animo a sigas junto con la porción de acuarela también, que sigas junto con la porción de acuarela también, porque ahí es donde estaré compartiendo mis mejores consejos para elegir motivos que son vendedores muy fuertes, creando nuestros elementos en el método más óptimo, especialmente para patrones sin fisuras y mi consejo profesional para pintar de una manera que va a hacer que esa digitalización porción de esta clase mucho más fácil. Mi recomendación definitivamente es pegarme de principio a fin de esta clase. Vamos a sumergirnos directamente, comenzando por elegir tu tema. 4. Tu concepto: [ MÚSICA] Tienes dos opciones para lo que quieres pintar hoy. opción 1 es pintar justo a mi lado y seguir junto con el mismo ejemplo que estoy haciendo para crear mi patrón sin fisuras. Esta es una gran opción si eres bastante nuevo en las acuarelas y te sentirías más cómodo siguiendo mi ejemplo, estoy aquí para mostrarte el camino. Opción 2, es pintar justo a mi lado, pero llegar a tu propio patrón. Todavía obtendrás mis mismos consejos exactos para las consideraciones que hago cuando estoy pintando a mano mis elementos, como el dimensionamiento de cada pieza y no recortar nada de la página, y pintar en un manera que va a hacer que eliminar ese fondo sea mucho más fácil. Todos esos consejos jugosos y más. El gran bono aquí, si decides ir con la opción 2, que es pintar tu propio patrón, es que podrás vender ese patrón más adelante, ya sea en Etsy o Spoonflower o Sociedad6, o en cualquier otro lugar, si creas tu propio patrón, serás dueño de ese copyright y podrás hacer lo que quieras con él. Si sigues junto con mi ejemplo exacto, y también pintas estas flores y deja exactamente de la manera que estoy haciendo, eso es genial, y eso será solo para practicar, pero no podrás monetizar más tarde. Siéntete libre de seguir junto con mi exacto patrón floral para que puedas practicar y aprender, o seguir creando tu propio patrón único si quieres monetizarlo más tarde. Hablemos de elegir un motivo. A la hora de elegir tu tema, literalmente tienes un sinfín de posibilidades. He creado patrones sin fisuras de sushi, alas de cigarra, champiñones, unicornios, plátanos, globos de aire caliente, conejitos, arcoíris, nutrias, melocotones, bolas de disco. Entiendes la idea. Elige un tema que te hable. Hoy estaré demostrando un patrón sin fisuras con el motivo que siempre está de moda, florales. Los patrones florales son la constante de hoja perenne del diseño de la superficie. Los patrones florales históricamente se han vendido muy bien y lo seguirán haciendo. Eso es lo que quiero decir cuando digo tendencia perenne; pocas palabras, florales nunca pasarán de moda. Esta es una gran noticia para mí como diseñador de superficies porque sé que si pinto un patrón floral, tiene bastante buenas posibilidades de convertirse en un vendedor fuerte en mi portafolio ahora y desde hace años ven. El otro motivo por el que los patrones florales tienden a venderse tan bien es porque se ven realmente bien en una gran variedad de productos. En mi cartera de licencias, tengo florales disponibles como papel tapiz, revistas y planificadores, tarjetas estacionarias, edredones y juegos de cama, incluso vajilla y productos de regalo. La decoración del hogar es definitivamente mi punto dulce para los florales. Los patrones de flores se ven muy bien en alfombras, almohadas , cortinas y colchas, además de flores y hojas son simplemente divertidas para pintar. He creado una tonelada de obras de arte de inspiración floral a lo largo de los años. A pesar de que es exactamente el mismo motivo, flores, trato de hacer cada diseño un poco diferente. He hecho formas florales audaces y gráficas, flores deliciosas y femeninas, florales navideños como poinsettias, estampados florales groovy de inspiración retro, acuarela, gouache, acrílico, vector, y procrear florales. El punto es que hay un número infinito de formas en las que se puede representar un patrón floral. Una cosa que quiero agregar es esta clase te va a proporcionar una tonelada de contenido realmente bueno que puedes compartir en redes sociales. Cualquier detrás de escena que puedas compartir que muestra tu proceso artístico siempre va muy bien en lo social. Aquí tienes una forma rápida y efectiva de que puedes mostrar tu proceso artístico para crear un patrón sin fisuras. Empecé con un patrón final porque esa es la imagen más convincente, además va a hacer que mi grid en Instagram luzca realmente bien. A continuación, muestro mi boceto original a lápiz y luego un cuadro medio terminado, y finalmente algunas maquetas para mostrar cómo se ve en los productos reales. A mis clientes, seguidores de redes sociales y clientes de licencias también les encanta ver esto detrás de escena. Sobre todo porque historias más cercanas y personales detrás los diseños realmente hacen que la obra se sienta un poco más personal. Este ejemplo solo tiene fotos, pero como estás siguiendo a lo largo de crear tu propio patrón, también podrías hacer fotos o videos. Los videos son especialmente geniales si quieres crear un carrete de Instagram o armar tu propio video de TikTok y plus en redes sociales tiende a conseguir un poco mejor engagement que solo imágenes fijas. A medida que avanzas, si quieres usar tu teléfono para tomar algunos videos y fotos que muestren tu proceso de principio a fin, tu proceso de principio a fin,te dará algún contenido realmente bonito y jugoso para mostrar más tarde cuando estés promoviendo tu diseño en las redes sociales. Eso fue un poco segue, pero buenos consejos en redes sociales. De todos modos, sí. Puedes elegir la opción 1, que es seguir junto con mis florales exactos. O podrías hacer tu propia versión de un patrón floral, siguiendo junto con mi mismo motivo haciéndolo forma única tuya o algo más enteramente. Una vez que tengas tu concepto y visiones y estás listo para irte, es hora de la parte divertida, que lo está dibujando en papel. 5. Dibujar: [ MÚSICA] Tiempo de boceto. Los suministros que tengo a la mano aquí son un trozo de papel de acuarela en blanco, un lápiz de bocetos. Recuerda que el mío es un 3H. Si no tienes exactamente un 3H, no es gran cosa. Solo recuerda cuando estés dibujando para estar dibujando lo más ligero posible. Si estás usando un lápiz mecánico o tienes un plomo diferente, no te preocupes. También tengo una goma de borrar, en realidad dos borradores a mano. Tengo a mi corredor clicker justo por aquí y recuerdo, esto es para borrar áreas muy finas. Entonces también tengo mi goma de borrar amasada, que recuerda es para cuando terminamos ese boceto, presionándolo y levantándolo de la página para aligerarlo. Un trozo de papel de desecho, por lo que este es en realidad la parte trasera de un pequeño estudio de color que hice, una pequeña ilustración de práctica. Puedo usar esto para practicar algunos bocetos en miniatura. Posteriormente, podemos probar algunos colores de pintura en un papel de desecho. Es sólo una cosa útil tener a mano. Pro-tip. Este papel de práctica también se puede utilizar como un límite protector entre tu palma y tu papel mientras pintas. Recuerda a medida que dibujas o pintas, es realmente importante no tener tu piel tocando el papel tanto porque los aceites de tu mano se sueltan sobre el papel y se vuelve un poco complicado rellenar esas zonas cuando estás pintando más adelante. Si tienes un trozo de papel de desecho, realmente puedes usar eso para descansar tu palma mientras dibujas si quieres ser tan extra como yo. Cuando se trata de repetir patrones que se sienten como un ajuste perfecto completo realmente agradable, descubrí que lo que mejor funciona es tener tres tamaños diferentes de elementos. aquí, seguí adelante y pinté el ejemplo antes de pintar solo para practicar. Los tres tamaños diferentes aquí son el elemento de un gran héroe. El elemento héroe es justamente eso. Es una gran ilustración que ocupará la mayor parte del espacio en el patrón. Tus elementos medianos, y en este caso tengo dos se pueden arreglar alrededor de tu elemento héroe cuando estás poniendo tu patrón juntos. Todos los pequeños elementos de detalle se pueden encajar en los huecos para ayudar a llenar el espacio. Un gran héroe, un par de medianos, y luego un puñado de pequeños detalles que puedes usar para llenar los huecos de tu patrón sin fisuras. El resultado será este diseño muy cohesivo, carnoso que es realmente fácil de armar. Confía en mí, esa técnica de tres lados ha hecho mucho más fácil mi vida de diseño de patrones. Vamos a meternos en ello. Ya tengo mi ejemplo por aquí. Sólo voy a ponerlo a un lado como referencia visual a medida que avanzamos. Vamos a seguir adelante y empezar con nuestro elemento héroe. Recuerda que este es el elemento más grande que estarás creando en tu patrón. Muy rápido, recuerda cuando estés usando tu lápiz, dibuja muy ligeramente en tu página. Pero para mí, en realidad voy a estar dibujando bastante duro porque quiero que te subas en la cámara para que realmente puedas ver lo que estoy haciendo. Estaré dibujando muy oscuro y pesado en mi página, pero a medida que sigas, manténgalo muy ligero y aireado. Voy a empezar con ese tallo. Simplemente voy a sacarlo así. Es una línea curva ligera muy agradable. Como pueden ver, solo dibujé una línea para representar este tallo por aquí a pesar en mi cuadro tengo algunas áreas más delgadas, algunas zonas más gruesas, no necesitamos esbozar cada pequeño detalle como el ancho del tallo como estamos dibujando en nuestro papel. De hecho, es mejor mantener el número posible de marcas de lápiz en tu página. No dibujo cada pequeño detalle porque no quiero un montón de marcas de lápiz confundiendo mis acuarelas finales. En cambio, ya que pocas marcas en el papel es mejor. Es por eso que tener algún papel de desecho podría ser útil para ti. Puedes esbozar tu motivo unas cuantas veces diferentes hasta que te sientas cómodo haciendo el boceto final en tu papel real. Si quieres practicar un poco en tu papel de desecho, eso está completamente bien. Una vez que estés listo, puedes seguir adelante y tomar esos bocetos y hacerlo definitivo en tu papel de acuarela. Voy a volver a mi trabajo final y trabajar en esos elementos héroes. Parece que tengo un tallo primario y luego tal vez un tallo saliendo en un ángulo como este y tal vez yo haga las flores. Haré 1, 2. Recuerda que esto es demasiado oscuro, pero quiero que puedas ver lo que estoy haciendo. Pero al seguir a lo largo de bocetos muy ligeros y suaves. Haré la otra floración. No tiene que ser un boceto increíblemente realista. La mía es una idea muy interpretativa de cómo podría verse un arreglo floral. Es bastante pesado en el lado derecho. Voy a añadir un tallo más grande por aquí para ayudar a equilibrar eso un poco. Perfecto. Mi héroe está terminado. Es hora de pasar a esos elementos medianos. Una cosa a tener en cuenta es que notarás que ninguna parte de mi elemento héroe está siendo recortada de la página, y esto es muy intencional. Quieres asegurarte de que todos tus elementos estén representados en su totalidad, nada se está cortando la página. Recuerda, estarás cortando estos elementos y moviéndolos por todas partes alrededor de tu tablero de arte digital, girando, volteando, redimensionando, todas esas cosas divertidas. Un elemento completo sin recortar va a funcionar mucho mejor que algo que se corta abruptamente de la página. A pesar de que estos tallos florales, teóricamente, continúan bajando al suelo y se convierten en raíces, no necesariamente necesito mostrar todos esos detalles. En cambio, solo voy a estrechar esos bordes de una manera que se ve muy agradable y va a ser genial cuando lo arregle en un patrón sin fisuras más adelante. Si estás siguiendo y estás eligiendo un motivo diferente, tal vez sea una rama en flor de cerezo, no necesitas mostrar esa rama necesariamente extendiéndose hacia el árbol, la tronco de árbol, las raíces, las hojas, todo eso. Simplemente puedes encontrar una manera de estrechar selectivamente el borde de esa rama para que luzca bonita y natural. Para mí, suelo redondear mis bordes o un cónico en un punto fino. Vamos a meternos más en esto ya que estamos pintando. Algo que quiero señalar muy rápido, no me importa mucho arruinar mi boceto en este papel. Estoy pintando todos estos elementos específicamente para que pueda reorganizarlos más adelante en un patrón de repetición en photoshop. Esta obra original probablemente nunca va a ser colgada en una pared o presentada en una galería. Es simplemente una parte de un proceso más largo. Por eso, este trabajo no es precioso para mí. Si arruino una de mis flores, simplemente pintaré otra justo al lado y luego no usaré esa primera. Sólo voy a estar usando las cosas buenas más adelante cuando se trata de tirar de estos elementos juntos en un patrón. Incluso podría probar mis cacerolas de pintura en el mismo papel solo para ver qué funciona mejor. Es por eso que me gusta trabajar en papel grande como este porque me da un poco más de espacio para explorar y jugar, ver lo que está funcionando, ver lo que no está funcionando. Además, no tengo que sentirme estresado por hacer una absolutamente perfecta. Si no funciona, sólo pinta justo al lado. Si dejo caer una gran gota de agua en mi papel, no se preocupe, eso nunca aparecerá en el patrón final porque simplemente lo eliminaré en photoshop. Quizás te lleve unos cuantos intentos antes pintar esa flor perfecta o mousse o plátano o cualquier motivo que estés siguiendo junto con, eso está completamente bien. Vas a usar los mejores más adelante en tu patrón en photoshop. Los puntos sólo se van a hundir en el olvido. Solo tienes que tener esto en cuenta a medida que avanza. Este trabajo es para la exploración y el juego, guardará las cosas buenas, tirará las cosas malas, no se preocupe. Siguiente paso, es hora de los elementos medianos. Usualmente hago entre uno y tres elementos medianos. Hoy me voy a quedar con dos; una floración frontal y luego un tiro frontal de la flor. Sólo para hacer las cosas un poco más fácil, voy a usar mi plato de agua, rastrear a su alrededor para que pueda obtener una buena estimación de esta flor. Perfecto. Una zona centro y luego unas pocas florece. Perfecto. Ahora para el elemento medio final está esta flor orientada al frente. Nuevamente, bastante simple. Un bonito tallo poco con curvas. Algunas hojas saliendo y luego esa floración superior. Por último, es hora de los elementos detallados. Recuerda, estos son los pequeños que usarás más adelante para llenar los huecos de tu patrón. Quiero mantener mi tema floral en general realmente fuerte y consistente por lo que mis elementos detallados van a ser sacados de los mismos motivos exactos que acabo de pintar. En lugar de una flor llena, serán unos pétalos individuales y algunas hojas. También voy a incluir unas pequeñas flores y puntos en ciernes. Los puntos siempre son realmente buenos cuando se trata de llenar vacíos muy pequeños. Dots serán tus mejores amigos. Esto me va a dar una variedad realmente agradable para usar más adelante. Además, los detalles van a ser todas formas y colores similares al héroe en medio, lo que va a ayudar a que mi patrón se sienta mucho más cohesivo. Vamos a seguir adelante y dibujar algunos de estos elementos detallados. Empezaré con estas flores en ciernes por aquí. Línea con curvas, igual que antes. Sólo haré una hoja, un tallo saliendo de esta manera. A lo mejor éste es sólo un brote y éste puede ser una floración completa. Entonces voy a hacer otro por aquí. Éste puede ser dos cogollos y una hoja grande. Entonces los pétalos individuales, que son formas muy, muy simplificadas y un par de hojas. Haré una flor llena desde un costado. Para los puntos, en realidad no tengo que dibujar esos. Sé pintar un círculo, así que sólo voy a poner aquí una pequeña estrella para recordarme que haga esos puntos. Eso es todo. Tu boceto debe verse muy simple, tan pocas líneas como sea posible, y marcas de lápiz muy ligeras. Recuerda, si quieres seguir adelante y aligerar tus marcas aún más para que apenas puedas verlas a medida que pintas, puedes usar tu goma de borrar y simplemente muy, muy suavemente borrar en tu página así hasta que sea muy, muy débil y apenas la puedes ver. O si tienes una goma de borrar amasada como esta, simplemente puedes usar ese borrador amasado, presionarlo sobre tu papel, y tirar de él para aligerar ese boceto aún más. Pero recuerden, voy a saltarme ese paso porque quiero ustedes puedan ver mi boceto muy claramente en la cámara. Pro-tip, como yo estaba mencionando antes con la recolección metraje a medida que vas a usar para publicaciones en redes sociales porque se ven realmente bien, este sería un lugar realmente genial para empezar. Si quieres armar un carrete o una publicación de Instagram que muestre el proceso, sigue adelante y toma algunas fotos de cómo se ve tu boceto, o tal vez haz un bonito video panoramizado tu boceto y puedes usar eso más tarde cuando estés mostrando el proceso detrás de escena para cómo creaste este hermoso patrón. Una vez que te sientas como si estuvieras en un lugar bastante genial con tu boceto, es hora de la parte muy divertida, que es sacar tus pinturas, lápices de colores, rotuladores, lo que sea que seas siguiendo junto con, y vamos a empezar a rellenar nuestras formas con color. 6. Pintura: [ MÚSICA] Ahora es el momento de la parte muy divertida, que en realidad es pintar en tu página. Los insumos que tengo a la mano para esto son uno, mi boceto final sobre papel de acuarela, tengo tres pinceles aquí. Nuevamente, están en talla 1, talla 5, y talla 9, estos son mis bonitos pinceles de detalle. Entonces tengo cuatro sartenes que he ido adelante y sacado de mi paleta de acuarela Winsor & Newton. Puedes seguir junto con los colores que quieras. Pero de nuevo, aquí está mi ejemplo, simplemente me gusta mucho la forma en que estos colores están trabajando juntos. Esto es lo que estoy usando, pero siéntete libre de seguir junto con los colores que te gusten. También tengo mi plato de agua con mi no bebo cinta y toallas de papel de emergencia por si acaso las necesito. Vamos a seguir adelante y empezar. Entonces también voy a estar usando mi papel de chatarra para descansar mi palma para que no esté recibiendo mis aceites de manos por toda la página. No tienes que hacerlo, es completamente opcional, pero es agradable tener tu mano descansando sobre algo mientras pintas. Voy a empezar con mis pétalos aquí arriba y quiero que esos sean principalmente rosados y luego tengan un toque de naranja entrando con ellos. Voy a empezar usando mi pincel mediano número 9 y realmente llenando esa sartén para que se ponga agradable y saturado de agua. A veces voy a hacer mezcla de colores en una paleta separada, pero para hoy, quiero mantenerla realmente simple y voy a estar tirando de ella directamente de la sartén. Cuando uses colores directamente desde el tubo o la sartén, sea cual sea tu medio, esos van a ser los colores más vibrantes y brillantes. No voy a estar haciendo una tonelada de mezcla, la mezcla que voy a estar haciendo, nuevo, está en la página. Tengo un bonito recubrimiento uniforme en mi pincel, mucha agua en su punta pro con acuarela. Si alguna vez sientes que estás perdiendo control o se está poniendo desordenado, agrega más agua porque hará que el control del cepillo sea mucho más fácil. Tengo una bonita cacerola jugosa aquí arriba. Voy a seguir adelante y empezar a llenar esa flor principal. Estoy usando mi pincel grande para conseguir estas secciones más grandes. Entonces cuando se trata de los bordes, en realidad voy a cambiar a mi pincel de detalle más pequeño. Lo mismo, lo llenaré en esa cacerola, pondré agradable y recubierta de agua y luego lo que haré es usar los bordescon agua y luego lo que haré es usar los bordes mucho cuidado de este pincel para afinar realmente la forma en que está el pigmento mezcla en la página. Una cosa que quiero señalar aquí es que en realidad estoy usando mis marcas de lápiz para indicar dónde van a estar esas áreas de espacio en blanco. En realidad no estoy pintando sobre mis marcas de lápiz , por supuesto, voy a veces como un error, sin preocupaciones. Pero en su mayor parte, quiero que esas marcas de lápiz indiquen en realidad dónde no hay pintura. Si miras por aquí en mi ejemplo, estos espacios entre los pétalos eran originalmente marcas de lápiz. Una vez que la pintura se secó, todo lo que tenía que hacer era borrar las marcas de lápiz y debido a que la pintura en realidad no estaba sobre ellas, borraron perfectamente de la página. A medida que estás pintando en considera esas marcas de lápiz como el límite entre donde la pintura debe detenerse y terminar. Ahora te voy a mostrar cómo mezco los colores en la página. Voy a llenar mi pincel de detalle con un poco bonito de esta naranja. Honestamente, este pigmento naranja es tan fuerte, por lo que un poco va un largo camino. Tengo un bonito recubrimiento uniforme en mi cepillo aquí y simplemente voy a sumergirme aquí mismo en el centro y dejar que simplemente se tire naturalmente hacia las otras áreas de ese pétalo. Estamos obteniendo este efecto realmente bonito aquí, donde las áreas exteriores del pétalo son color rosa brillante y las áreas interiores tienen más de un tono naranja y se mezclan realmente muy bien en el centro. Voy a usar mi pincel mediano para esto en realidad. El pincel más grande, a pesar de que es relativamente pequeño, en realidad es un poco demasiado grande para estos pétalos. Voy a volver a mi número 5 y rellenar los otros pétalos usando esa misma técnica. Ahora con el área rosada llena, vamos a seguir adelante, agarrar un poco de esa naranja y solo sumergirse, sumergirse , sumergirse justo en un área hasta que salga suavemente al resto. Recuerda, siempre puedes cambiar entre cepillos. Puedes usar un pincel más grande para secciones más grandes y luego cambiar a un pincel de detalle más pequeño para afinar realmente esos bordes, lo hago todo el tiempo. Pongamos un poco de naranja en esa zona centro y solo veamos qué pasa cuando comienza a secarse. Ahora que tengo ese pétalo de flores totalmente lleno, voy a seguir adelante y hacer el resto de las zonas rosáceas, naranjas en toda mi composición simplemente porque quiero mantener esa pintura agua agradable y fresco. Si yo fuera a hacer mi tallo azul en este momento, entonces ese agua de pintura se pondría mucho más fangosa y luego la próxima vez que quisiera hacer mi área rosa, se volverá más aburrido y más aburrido. Podría seguir adelante y pintar mi tallo, ir a tirar mi agua de pintura, conseguir agua nueva de pintura, pero estoy siendo un poco perezoso, así que sólo voy a seguir adelante y hacer todas las áreas rosadas primero, tirar esa agua, y luego hacer todas las áreas azules, verdes. De esa manera, nuevamente, los pigmentos se mantendrán realmente agradables y vibrantes porque el agua estará limpia todo el tiempo. Recuerda, siempre puedes descansar mano en tu papel de desecho. Voy a cambiar a haber sido un poco de esa naranja. Ahora para áreas más grandes como este gran pétalo frontal, voy a cambiar a mi más grande de mis pinceles de detalle, que es una talla 9. Recuerda, mucha agua te lo hará mucho más fácil. Si repasa las marcas de lápiz como yo estoy haciendo aquí, no es el fin del mundo. Estarán mostrando a través una vez que la pintura se seque, pero unas marcas de lápiz hacen que se sienta más auténticamente acuarela. Honestamente, son esas imperfecciones las que suceden con acuarela las que la convierten en uno de mis medios favoritos para pintar con. Sumergirse en esa naranja para que naturalmente solo se mezcla con ese rosa. A veces voy a hacer algunas secciones separadas como esta antes de mezclarlo en ese color adicional, ese naranja, por lo que la pintura tiene un poco más de tiempo para asentarse. Empieza tan mojada y goopy en la página. Está bien hacer algunas secciones a la vez antes de volver y cambiar a su color adicional y sumergirlo. [ MÚSICA ] Uy, así que en realidad me caí un poco de pintura en mi papel. Pero de nuevo, no es el fin del mundo porque simplemente puedo quitar eso en Photoshop más adelante. Pero te voy a mostrar cómo realmente puedes quitar eso si sucedió en un área integral o por un cuadro de acuarela donde realmente querías apreciar el original. Simplemente estoy usando toallas de papel y presionaré y levantaré y casi se ha ido. Para mis áreas finales, creo que voy a tener este último pétalo, en su mayoría naranja, sólo para mezclarlo un poco. Esta pintura naranja está tan saturada y opaca, que apenas necesitas ninguna para marcar la diferencia en tu página. Genial, y voy a hacer lo inverso de lo que estaba haciendo antes. Voy a usar solo un poquito de rosa para mezclarme con esa naranja. Esa estrella me está recordando que necesito hacer dos círculos. Voy a hacer uno naranja-rosa, voy a hacer uno rosa brillante, y luego uno naranja puro. Perfecto. Eso es todo por las secciones anaranjadas meñique de mi acuarela. Ahora voy a seguir adelante, tirar mi agua de pintura, empezar con agua de pintura fresca y luego seguir adelante y abordar las áreas de tallo azul-verde. Genial, ahora que tenemos esta primera capa terminada, es todo ese color rosa, tonos naranjosos, he ido adelante, limpié mi agua de pintura, es completamente nueva. Voy a seguir adelante y empezar por el segundo tono, que va a ser, nuevo, esas hojas verdes azules. Justo como antes, voy a trabajar de izquierda a derecha porque no quiero manchar mi pintura mientras voy desde que soy diestro. Voy a empezar de nuevo llenando esa paleta turquesa y haciéndola agradable y llena pigmento y un recubrimiento uniforme en mi pincel. Para esto, voy a variar un poco la presión de mi pincel. Aquí, te mostraré en el periódico de práctica. En lugar de solo tener que ser un golpe de monolina así, en realidad voy a variar la presión donde va ligera, pesada, ligera para conseguir una buena variedad en contraste en mi forma. Siéntase libre de hacer algunos trazos de práctica en su papel de práctica o en su papel real aquí mismo, porque de nuevo, estaremos recortando las cosas que no usamos. Voy a empezar ligero, pesado y ligero. Perfecto. [RUIDO] Voy a cambiarme a mi pincel de tamaño mediano y mientras esa pintura está todavía mojada, me voy a sumergir en ese azul índigo realmente bonito, profundo solo para que pasen algunas cosas divertidas en el papel. Fresco, y al igual que esa naranja, el índigo está realmente pigmentado por lo que un poco de pintura va un largo camino. Voy a cambiar a mi pincel mediano, volver a mi turquesa y empezar a rellenar estas hojas. Recuerda cuando tengas dudas, siempre agrega más agua. Como ves aquí, me he cambiado a un pincel de detalle más pequeño para conseguir esos bordes agradables y nítidos. Entonces voy a hacer ese chapuzón con el índigo con mi pintura todavía mojada para conseguir algunas pequeñas mezclas de colores agradables pasando aquí. Nuevamente, más agua te ayudará con esa mezcla. Tiempo para ese siguiente tallo y lo mismo, voy a cambiar a ese índigo, y solo hago unas cuantas pequeñas salsas justo en la línea de ahí. Perfecto. Volveré a mi turquesa y acabaré estos tallos. Hay algunas cosas realmente divertidas sucediendo ya estos colores comienzan a mezclarse. Lo mismo, solo sumérjase en ese índigo para traer más agua a las áreas para realmente alentar esa mezcla. Lo mismo aquí, ligera, pesada, ligera presión. Voy a cambiar al color índigo y solo hago unas pequeñas gotas divertidas aquí para incentivar esa mezcla. Constantemente solo cambia entre bolígrafos, entre tamaños de pincel. Si alguna vez no se está mezclando muy bien, solo agrega más agua a esas secciones y eso realmente ayudará a que la mezcla se lleve a cabo. Tengo que tener cuidado de no descansar mi palma en las zonas húmedas del papel. A lo mejor esta segunda hoja será predominantemente índigo. Una cosa que quiero señalar aquí como estoy pintando, es que no voy a dejar muchas áreas blancas dentro de la pintura. Todo es muy profundo y saturado y opaco y la razón por la que estoy haciendo eso, en realidad es intencional, es porque cuando escaneo estas más adelante cuando tienes muchas áreas blancas más claras dentro de tu pintura, se vuelve un poco más complicado quitar ese fondo de textura de papel blanco. Entonces como defecto, cuando pinto, trato de hacerlo un poco más opaco y llenarlo de más color. Para mí, cuanto más profundo y más saturado sea el pigmento mejor simplemente porque hace quitar ese fondo un poco más fácil. No olvides seguir adelante y pintar en tus puntos con tu color alternativo. En este punto, he ido adelante y terminé mi cuadro. El siguiente paso es que quiero esperar a que esto se seque en su totalidad, aquí está, mi borrador antes de usar mi borrador para borrar esas marcas de lápiz errantes. Se secará mucho más rápido si pones tu papel bajo el sol o si quieres ir aún más rápido, puedes usar un secador de pelo para soplar suavemente aire caliente en tu papel, que lo hará secar muy rápidamente. Una cosa que quiero hacer antes de olvidar es otra vez, usando mi lápiz, voy a hacer unas firmas de práctica en mi página tenga una firma que pueda infundir en algún lugar dentro de mi patrón. Nuevamente, esta página no tiene por qué ser perfecta. Tal vez probar unos cuantos. Mi firma es CatCoq. En realidad, ese se ve bastante bien. Podría simplemente ir con eso. Pero siéntete libre si quieres, para probar algunos estilos diferentes, algunos tipos diferentes de firmas, y realmente encontrar uno que funcione mejor para ti. Lo más importante en una firma, en mi opinión, es que es legible. Entonces si alguien termina comprando este patrón o una impresión artística, podrían ver fácilmente mi firma en esa pieza, Google mi nombre, y luego encontrar más ejemplos de mi trabajo. Cuando encuentres una firma que está funcionando para ti, solo sigue adelante y pon una pequeña estrella junto a ella y ese será tu recordatorio de usar esa firma más adelante cuando estemos digitalizando. Estoy usando un lápiz, pero también podrías hacer tu firma con bolígrafo, marcador, sharpie, todo va. Voy a dejar que esto se seque en su totalidad y luego borraré las marcas de lápiz y lo digitalizaré. 7. Digitalización: [ MÚSICA] Es hora de la parte digitalizadora de la clase de hoy. Vamos a tomar nuestra obra de arte dibujada a mano y digitalizarla en un archivo de computadora. Recuerda, tienes dos opciones de cómo digitalizar tu archivo. opción 1 es escanearlo con un escáner y la opción 2 es fotografiarlo. Primero las cosas primero, antes de meternos en nada de eso, tu pintura debe estar completamente seca, y lo primero que quieres hacer es usar un borrador y vamos a borrar todas esas marcas de lápiz. Recuerda, si pintaste sobre una marca de lápiz como lo hice aquí mismo, no podrás borrar eso ya que la pintura está sobre ella, pero aún puedes borrar las marcas de lápiz que están en el papel sin pintura sobre ellos. Aquí es donde uso mi pincel arqueólogo para cepillar las marcas de lápiz de la página en lugar de usar mis manos. Una vez que tenga sus marcas de lápiz completamente borradas de la página, excepción de su firma, es hora de seguir adelante y digitalizar nuestra obra de arte. Voy a manifestarme primero con escaneo. Lo primero que quieres hacer por tu escáner es asegurarte de que la cama de escaneo esté completamente limpia. Usualmente lo mantengo bastante simple, uso mis anteojos más limpios y luego un paño de microfibra, es lo mismo con lo que limpio mis gafas de pantalla de computadora todo con. Spritz el paño y limpio toda mi cama escáner. Siempre es sorprendente cuánto polvo y arena se atascan en la cama del escáner entre los escaneos. Si solo hay unas pocas partículas de polvo, sacaré mi mismo cepillo de goma de borrar y usaré esto solo para mover esas piezas de polvo la cama del escáner también. Cuando escaneo mi obra de arte, como puedes decir, el papel es en realidad más grande que la cama del escáner en sí. Normalmente termino escaneando en unas pocas piezas separadas y luego fusionándolas en Photoshop. Pero para la clase de hoy, todavía estaremos escaneando en pedazos separados porque mi papel es enorme, pero no vamos a estar necesariamente fusionándolos juntos de la manera que hago con mi cuadros independientes que deben mantenerse como una imagen completa. Para este proyecto, no necesariamente necesito asegurarme de que ese escaneo se fusione absolutamente perfectamente porque la idea de pintar los elementos separados es que estaremos tirando ellas aparte, reorganizándolas de todos modos. De nuevo, ese fusible no es realmente necesario. Pero si quieres aprender a fusionar perfectamente dos o más escaneos juntos en Photoshop, echa un vistazo a mi otra clase de Skillshare. Digitalice su arte para vender en línea, preparar tus pinturas para imprimir-bajo demanda. La forma en que voy a escanear estos es que quiero asegurarme de que todos mis elementos estén perfectamente encapsulados en cada escaneo. Eso probablemente va a significar un escaneo de estos elementos más mi firma, un escaneo de los elementos medianos, y luego un escaneo de los elementos de detalle. Existe la posibilidad de que pueda encajar ambos en un solo escaneo, solo veremos qué pasa. Pero lo importante es no quiero cortar ningún elemento de mi piel y tener que fusionarlos juntos. Es solo trabajo extra, prefiero simplemente capturarlos perfectamente en el escaneo para guardar un paso más adelante. En mi caso, voy a empezar por colocar mi papel en la cama del escáner así, voy a cerrar mi cama de escáner, [RUIDO] hacer un escaneo, y pro tip, si estás escaneando en múltiples secciones de tu papel, asegúrese de mantenerlo en la misma orientación para cada escaneo. No lo voltees así, manténgalo consistente para todos tus escaneos. El motivo por el que esto es importante es porque cuando esa luz de escaneo escanea sobre tu papel arrojará una sombra muy sutil sobre el desmoronamiento y la veracidad de tu papel. Entonces si lo voltearas y utilizaras ambos escaneos, la sombra, la textura del papel sería un poco diferente y solo sería mínimamente inconsistente. Una solución rápida para eso es solo para asegurarte de que estás escaneando en el mismo ángulo para ambos escaneos. El escaneo generalmente toma un par de minutos. Entonces lo que haré es que sostendré las manos suavemente sobre la tapa para que ese papel quede muy al ras de la cama de escaneo. No presiones demasiado fuerte o de lo contrario ese escaneo se va a comprometer y obtendrás estas extrañas rayas en tu archivo digital. Cuando se trata de guardar tu archivo, generalmente tienes algunas opciones aquí. Los TIFs te darán mejor calidad que los JPEG, pero generalmente guardé mis escaneos como JPEG de todos modos, porque el tamaño del archivo es masivamente más pequeño y aunque los TIFs tienen una calidad ligeramente mejor, Estoy escaneando en estas resoluciones masivas para que esa ligera diferencia en calidad no va a marcar una gran diferencia para mí. Solo una nota al margen aquí, su cuadro de diálogo de configuración de escaneo probablemente no se vea exactamente como el mío. Cada escáner tiene un cuadro de diálogo ligeramente diferente. Así que solo busca ajustes comparables a los que estoy introduciendo aquí. Quiero que mi configuración de escaneo esté en la fotografía, el modo debe ser foto, nunca documento, y escaneo en una resolución bastante alta. Voy a ir con 1200 DPI para el escaneo, y usaré mi cuadro de miniaturas para establecer cada parte del escaneo que estoy haciendo. Parece que puedo agarrar a mi héroe y a mi medio todo en un solo escaneo, voy a seguir adelante y presionar “Escanear”, capturar eso, y luego hacer lo mismo con mis elementos de detalle. Ahora que tienes los fundamentos del escaneo, te voy a dar mis mejores consejos para fotografiar tu obra de arte. Recuerda, fotografiar tu obra de arte es la opción 2 si no tienes un escáner. El escaneo es mi método preferido, pero fotografiar puede ser un segundo cercano. Si estás planeando escanear, esto no te aplicará, solo puedes seguir adelante y saltar a la siguiente lección. Consejos para fotografiar; para fotografiar tus elementos puedes usar una cámara o tu teléfono. Quiero que esta clase sea lo más accesible posible para ti así que si no tienes una elegante cámara DSLR, siempre puedes usar tu teléfono. Ya sea que estés escaneando en tu trabajo o fotografiándolo con una cámara o un teléfono, el escaneo, digitalización, limpieza, todo lo que hagas en Photoshop va a ser exactamente lo mismo. Si solo vas a estar usando tu teléfono para digitalizar tu obra de arte, y tal vez más tarde decidiste actualizarte a un escáner, todos los pasos que aprendas en esta clase van a ser exactamente los mismos. Realmente no importa cómo se digitalicen tus cosas, lo que hacemos en Photoshop es universal de cualquier manera. Esto es lo que necesitas saber para crear una fotografía de calidad. Uno, la iluminación es lo más importante aquí. La luz natural te dará absolutamente los mejores resultados, no uses flash. Los días nublados son mejores que los días soleados, lo que suena contra-intuitivo, pero cuando la luz del sol se filtra a través de las nubes le dará una apariencia más uniforme a tu obra de arte. La luz solar directa puede causar estas sombras y reflejos realmente duras. Cuando se trata de iluminación, lo que quieres evitar a toda costa es tener tu obra de arte retroiluminada, eso significa que el sol está detrás de tu papel. Si ese es el caso, tu obra de arte se verá súper oscura en la fotografía y los colores no serán precisos en absoluto. Aquí hay un ejemplo de una fotografía retroiluminada, y aquí hay un ejemplo de una fotografía perfectamente iluminada. Dos, posicionamiento, quieres capturar un tiro perfectamente directo de tu obra de arte. Asegúrate de que la lente esté en ángulo en el centro exacto de tu obra de arte. No quieres estar en un ángulo como aquí o aquí, perfectamente arriba está el camino a seguir. La mejor manera de hacerlo es colocar tu pintura sobre una mesa y luego disparar desde arriba así. No te olvides de tocar el centro de tu obra de arte para establecer el foco. Tres, nunca use el zoom de la cámara. Para obtener resultados más nítidos, mantenga la cámara lo más cerca posible sin que su obra de arte se recorte del marco. Cuatro, revisa tu teléfono o cámara para asegurarte de que la foto que está capturando va a tener el tamaño de archivo de la más alta calidad. Estos son todos los conceptos básicos para fotografiar tu obra de arte. Como puedes ver, fotografiar es un poco más complicado que simplemente escanear, pero fotografiar es definitivamente una opción viable si lo necesitas. Una vez que tengas tus escaneos o fotos guardadas en tu computadora, el siguiente paso es abrir Photoshop. 8. Eliminar el fondo: [ MÚSICA] Ahora es el momento de quitar ese fondo de textura de papel. Este paso es crucial ya que vamos a estar moviendo cada elemento por sí solos y uniéndolos en un patrón sin fisuras. Si la textura del papel estuviera en su lugar para esto, simplemente no funcionaría. ¿ Ves lo que quiero decir aquí? Es por eso que es súper importante eliminar ese fondo de textura de papel original. Posteriormente pondremos un nuevo fondo fresco en su lugar. Esa nueva textura de papel va a estar en su propia capa individual, por lo que podremos mover nuestros elementos sin que esa textura de papel se mueva también. Se quedará en su lugar todo el tiempo. Me gusta tener estos fondos de textura de papel acuarela detrás de mis pinturas de acuarela. Esto ayuda a que las acuarelas se sientan un poco más a tierra, además es un bonito guiño de vuelta a tu medio original, que era pintar estos elementos a mano. He abierto Photoshop y se ve así. Seguí adelante y reinicié todos mis elementos esenciales para que veas exactamente lo mismo que estoy viendo. Si en algún momento tus preferencias se ven un poco diferentes a mías y te estás perdiendo, te voy a mostrar cómo restablecer tus esenciales para que todos estemos en la misma página. Aquí arriba en tu menú principal, puedes tocar Photoshop, Preferencias, General. Entonces baja aquí a esta opción donde dice restablecer preferencias al salir. Haga clic en él, presione “Okay ”, y “Okay”, y ahora lo que puedes hacer es dejar Photoshop, reabrirlo, y luego estarás viendo exactamente lo mismo que estoy viendo en mi pantalla porque ambos lo haremos estar en esa página de inicio. Lo primero que voy a hacer es en realidad venir aquí a mi escritorio y se pueden ver estas dos pieles que hice de mis pinturas. Voy a seguir adelante e iniciar una nueva carpeta en mi escritorio y llamarla el título de esta obra de arte. Tengo muchos diseños florales diferentes y quiero asegurarme de que los estoy manteniendo claramente diferentes de los demás. Voy a llamar a este florales dulces. Voy a titular esta carpeta nombre florales dulces. Siempre quiero asegurarme de que mis carpetas coincidan con el nombre del diseño. Ahora podemos seguir adelante click y arrastrar mis escaneos y ponerlos en mi dulce carpeta florales. Ahora todo va a estar contenido en el mismo lugar. Primero lo primero, voy a seguir adelante, seleccionar ambos escaneos y abrirlos en Photoshop. Ahora puedes ver que ambos escaneos están en dos pestañas separadas aquí arriba en Photoshop. Lo primero que voy a hacer es combinarlas en el mismo documento. Cuando elimino ese fondo de papel, se está eliminando de ambos escaneos a la vez. Para ello, sólo voy a ir por aquí, seleccionar una de mis pestañas, hacer clic y desmarcarlo y ahora tengo este documento separado del que está debajo. Entonces usaré mi herramienta Puntero, que es V en mi teclado. También puedes ir por aquí a tu menú y seleccionar V como tu herramienta Mover. Con eso seleccionado, solo voy a hacer click en cualquier parte mi Lienzo y arrastrarlo a mi otro documento. Ahora puedo volver a esa primera pestaña, pincha para cerrarla ya que ya no la necesito. Ahora solo tengo una pestaña abierta y tiene dos capas por aquí. Siempre puedes activar y desactivar estos globos oculares para cambiar la visibilidad de tus capas. La capa que arrastré arriba está aquí arriba, se llama capa 1 y esa capa original se acaba de llamar fondo. Voy a encender la capa 1. Nuevamente, presiona “V” para asegurarte de que esté seleccionada mi herramienta Mover. Sólo voy a hacer clic y arrastrar esto hacia un costado. Después presiona “C” para llegar a mi herramienta Recortar. También puedes llegar hasta aquí en tu barra de menús, clic y mantener presionado, y asegurarte que esta herramienta Recortar esté seleccionada. Si echas un vistazo aquí arriba en el menú superior, verás que no hay relación seleccionada. Eso es genial. Esa es la forma exacta en la que quiero guardarlo. Ahora solo puedo hacer clic en el costado, tirar de ese cultivo y asegurarme de que estoy agarrando el resto de ese escaneo. Ahora puedes presionar “Enter” en tu teclado para configurar ese recorte. Porque no me gusta mirar cosas al revés en mi pantalla, voy a seguir adelante y rotar ese otro escaneo para que todo esté en la misma orientación. Nuevamente, se selecciona esa capa. Voy a ir a mi herramienta Transformar, que es el Comando T en tu teclado. También puedes llegar yendo a Editar, Transformar, Girar. Ahora verás que tu puntero ha cambiado a esta flecha curva de doble cabeza. Sólo voy a hacer clic y arrastrar esto alrededor para rotarlo. Si mantiene pulsada la tecla Mayús en el teclado, la rotación se ajustará a estos incrementos perfectos de 15 grados, que lo hace un poco más fácil. Una vez que esté posicionada en la orientación correcta, presionaré “Enter” para establecer esa transformación. En este punto, tengo ambos de mis escaneos juntos en el mismo tablero de arte. Simplemente puedo hacer clic en esa primera capa, mantener presionada Mayús en mi teclado, clic en la capa de fondo y presionar 'Comando E” para fusionar ambas capas juntas y ahora todo está encendido una sola capa para que cuando eliminemos el fondo, se esté pasando a ambos escaneos en lugar de tener que hacerlo dos veces. Una cosa muy rápida, quiero señalar aquí en tu panel de capas, las capas fondo se bloquean los valores predeterminados, lo que significa que no puedes hacer ajustes tan fácilmente. Si tu capa está bloqueada, solo tienes que seguir adelante y haz clic en ella una vez para romper ese bloqueo y hacer que esa capa sea editable. Antes de hacer algo más, quiero seguir adelante y salvar mi progreso. File, Save As, no necesito volver a mostrar esto ya que siempre guardo mi computadora y ya estamos en esa dulce carpeta florales, que es impresionante. Sólo voy a seguir adelante y cambiar el nombre del expediente por florales dulces. Asegúrate de que sea un formato Photoshop, lo que significa que la extensión termina en PSD y pulsa “Guardar”. No necesito volver a mostrar esto porque siempre quiero la máxima compatibilidad. Ahora puedes ver aquí arriba en la pestaña superior, el nombre de ese archivo ha cambiado de cualquiera que fuera el escaneo original a dulce florals.PSD o lo que sea que estés titulando tu obra de arte. Si por alguna razón no estás viendo ese cambio de nombre aquí en la pestaña, sigue adelante y ciérralo haciendo clic en esa X. Vuelve a tu carpeta, encuentra ese archivo de nuevo, y ábrelo otra vez en Photoshop. Absolutamente quieres asegurarte de que tu nombre de archivo se cambie aquí en esa pestaña. A la hora de quitar tu fondo de textura de papel en Photoshop, el primer paso va a ser definir los puntos blancos. Esto solo se aplica por cierto, si el papel en el que pintaste originalmente es blanco, si hiciste pintura acrílica sobre manualidades o algún Lienzo más oscuro, no necesitas hacer esto. Pero debido a que pinto casi todo sobre papel de acuarela blanco, empiezo por definir los puntos blancos porque a veces mis escaneos se vuelven un poco más oscuros que el original, así que quiero para traerlo de vuelta a esa vitalidad natural de mi cuadro original. Te voy a mostrar cómo hacer eso. Nuevamente, voy a hacer clic en esa capa, asegurarme de que esté seleccionada y voy a entrar en mis niveles, que es el Comando L en tu teclado. También puedes llegar allí yendo a imagen, ajustes, niveles. Por aquí en tus niveles, tienes estos tres cuentagotas. El que queremos es por aquí en el extremo derecho, adelante y pincha en eso y así es como degustar nuestros puntos blancos. Voy a acercar mi acuarela, Command, plus, plus, plus, plus, plus, plus, plus. Encuentre un área blanca en ese papel y simplemente haga clic una vez. Muy, muy ligera diferencia, pero lo que hizo es alegrar la composición general y consiguió que las zonas más anchas sean blancas, lo cual es más natural a la forma en que fue el original pintado. Seguiré adelante y presionaré “Okay” y Luego pondré mi composición a la pantalla, que es el Comando 0 en tu teclado. Te mostraré el antes y el después por aquí en mi historia. Antes de poner el punto blanco, se veía así. Después de poner el punto blanco, se veía así. Cambios muy pequeños. Lo siguiente que quiero hacer es seleccionar esta textura de papel para que podamos aislarla del fondo. Nuevamente, quiero asegurarme de que mi capa esté seleccionada. Voy a duplicar esa capa pulsando el Comando J en mi teclado y luego haciendo clic y ocultando la visibilidad de esa capa original. Vamos a volver a esa capa original un poco más tarde. Pero por ahora, solo puedo seguir adelante y ocultarlo y podemos enfocarnos en esta capa duplicada. Para seleccionar el fondo, voy a usar una herramienta llamada varita mágica. Para llegar allí, puedes presionar “W” en tu teclado o subiendo aquí a la barra de herramientas, haciendo clic y sosteniendo y asegurándote de que la herramienta Varita Mágica esté seleccionada. Lo último que voy a hacer es pinchar donde dice contiguo, para apagar eso. Con contiguo encendido, si fuera a seleccionar, digamos esta zona rosa, sólo va a agarrar los rosados que se están tocando dentro de una tolerancia de 32. Si apago contiguo y hago lo mismo, va a seleccionar todos los rosados en todo el lienzo, pesar de que no se toquen directamente entre sí dentro de esa misma tolerancia de 32. Si tuviera que llevar esa tolerancia hasta 99 y seleccionar los rosados, se puede ver mucho más se seleccionaron, incluso las cosas que no necesariamente quiero agarrar. pegaremos al “Comando D” para volver a donde estaba. Vuelve a poner esa tolerancia a los 32. Ese es un punto dulce bastante bueno. Asegúrate de que contiguo esté apagado. Con mi varita mágica seleccionada, solo voy a hacer click en cualquier parte del área blanca para seleccionar esa textura de papel. Puedo presionar “Z” en mi teclado y acercar. Lo que busco es asegurarme de que toda esa textura de papel blanco haya sido seleccionada. No me importa demasiado que haya algunos rezagados por aquí porque no están tocando la pintura misma. Mientras se seleccionara esa textura de papel , estoy listo para ir. Si necesitas agregar a tu selección, de nuevo, presionando “W” en tu teclado para cambiar a tu herramienta Varita mágica, puedes mantener pulsada la tecla Mayús en tu teclado, hacer clic y añadir a tu selección. Te voy a mostrar muy rápido, aquí, agarró algunas de las zonas blancas de las zonas más ligeras de ese pétalo. Es por eso que en realidad me gusta pintar un poco más oscuro y no tener ese espectáculo blanco a través. Porque cuando pasan cosas como esta, solo agrega un paso extra para mí. Si tienes muchas áreas blancas en tu ilustración, voy a mostrar cómo puedes quitar el fondo de textura de papel sin cortar en tu ilustración, por lo que probablemente sea algo bueno esto sucede. Comando 0 para caber a la pantalla. Lo primero que voy a hacer es invertir mi selección. Puedes llegar ahí yendo a seleccionar, inverso. Lo que eso hizo es en lugar de tener seleccionado el fondo blanco, se invierte la selección para que ahora sea mi ilustración la que ha sido seleccionada. Ahora voy a ir a Seleccionar, Modificar, Ampliar por un píxel. Acercaré y te mostraré cómo se ve eso. Antes de expandirme por un píxel, se veía así, y después de eso agregó un poco más de espacio para respirar alrededor nuestra ilustración por lo que no estamos recortando ningún elemento vital. último pero no menos importante, voy a ir a Seleccionar, Modificar, Pluma por un píxel y presionar “Okay”. Realmente no se puede decir que pasó algo significativo, pero lo que hace la pluma es que agrega un desenfoque muy leve al borde de tu selección. Sin la pluma, si fuera a cortar la textura del papel, sería una línea muy dura, pero al emplumarla por un píxel, solo agrega un bonito desenfoque suave para que no se sienta como cortada bruscamente. De esa manera cuando lo pongamos en una textura de papel más tarde, se sentirá un poco más natural y se mezclará un poco mejor. Escribiré el Comando cero para que se ajuste a la pantalla. Voy a volver a ir por aquí asegurándome que esa capa esté seleccionada y regrese a la parte inferior del panel Capas y haga clic en este icono donde dice “Añadir Máscara de Capa”. Genial. Este fondo a cuadros es la forma de Photoshop de indicar que se trata de una transparencia. Siempre que veas este cuadro de cheques gris y blanco, eso significa que no hay nada ahí. No hay blancura, no hay fondo de papel, es simplemente completamente transparente que es exactamente lo que queremos. Pero, recuerda, por aquí, tenemos esa área que se seleccionó y si acerco realmente cerca, se puede ver que parte de nuestra ilustración en realidad se cortó. Se pueden ver estas áreas de fondo a cuadros. No quiero que eso suceda. Quiero conservar la integridad de mi obra original así que quiero pintar esa espalda en que es por eso que usamos la máscara. Nuevamente Comando cero para caber a la pantalla. Lo que voy a hacer es por aquí en mi panel de capas, quiero asegurarme de que esta capa esté seleccionada. Voy a bajar aquí a mis efectos que es el icono fx, clic en él y seleccione Superposición de color. Realmente no importa qué color tengas aquí, siempre y cuando puedas ver mucho contraste entre tus elementos y el fondo. Esto no acaba de convertir todos mis elementos negros. Sólo lo estoy usando temporalmente para que pueda ver muy claramente lo que se ha cortado y lo que sigue ahí. Déjame mostrarte lo que quiero decir. Tocaré Z en mi teclado y acercaré, y ahora puedo ver claramente las áreas que se cortaron cuando quitamos ese fondo de textura de papel. Para ilustrar lo que quiero decir, puedes apagar y en la visibilidad de esa máscara de capa y ver exactamente de qué está hablando. Es realmente difícil ver que esas áreas se cortaron aquí, pero cuando se enciende la superposición de color, se vuelve mucho más evidente. Yo uso superposiciones de color como una forma temporal para mí de ver realmente rápidamente lo que se cortó, lo que sigue ahí, y cuando termine de finesarlo, puedo seguir adelante y simplemente quitar eso superposición de color. Es sólo una herramienta temporal para mí para que pueda ver un poco mejor lo que está pasando en mi computadora. Lo que quiero hacer es cepillar de nuevo en aquellas áreas que se retiraron cuando corté ese fondo de textura de papel hacia fuera. Para ello, voy a usar mi herramienta de pincel, que es B en mi teclado. También puedes llegar aquí en tu barra de herramientas, haciendo clic y sosteniendo y asegurándote de que tu herramienta de pincel esté seleccionada. A continuación, voy a hacer click en esta pequeña flecha junto al tamaño de mi pincel, girar la dureza hasta un 100 por ciento, subir el tamaño un poco también, y volver aquí a mi capas. Quiero asegurarme no de la miniatura de la capa, pero la máscara es lo que se selecciona. Ahora puedo presionar Z en mi teclado, hacer clic, arrastrar y buscar áreas que accidentalmente se eliminaron como esta área justo aquí. Entonces B en mi teclado me lleva mi pincel. Aquí hay un pequeño truco práctico. Puedes usar tu soporte derecho y tu soporte izquierdo en tu teclado para cambiar el tamaño de tu pincel sin tener que ir por aquí cada vez y hacerlo manualmente por aquí en el desplazador. Es solo una pequeña manera práctica de cambiar rápidamente tamaño del pincel sin tener que volver cada vez a la barra de herramientas. Lo que quiero hacer es pintar de nuevo en esas zonas que se cortaron. Para ello, quiero asegurarme de que mis colores por aquí sean blancos en primer plano y negro en el fondo. Si no se ven así, adelante y presiona D en tu teclado y eso restablecerá los colores predeterminados. Si presionas X en tu teclado, cambiará cualquiera que sea el primer plano y el color de fondo. Si vuelves a presionar X, volverá a la forma en que estaba antes. Pero al presionar D, irá directamente a tus valores predeterminados y podrás hacer clic y usar tu pincel para rellenar aquellas áreas que se cortaron. Solo busco esas zonas blancas dentro mis pétalos y eso es lo voy a estar pintando de nuevo. Si intercambiara mis colores de primer plano y fondo, que de nuevo es X en tu teclado, y lo pinto, en realidad estaría borrando parte de la ilustración. Si apago mi superposición de color, así es como se ve. Definitivamente no quiero hacer eso. Golpearé el Comando Z en mi teclado un par de veces para volver a donde estaba antes. Recuerda, siempre puedes encender y apagar la visibilidad de esta superposición de color, solo nos ayuda a ver qué se ha cortado y qué no. superposición de color está activada. Voy a golpear al Comando Menos Menos unas cuantas veces, y simplemente desplázate por mi tablero de arte y asegurarme de que no haya áreas integrales dentro la ilustración que se estén recortando. Pinté bastante oscuro en ese original por lo que se ve bastante bien. Aquí hay uno justo aquí. Nuevamente, D en mi teclado para asegurarme de que sea colores predeterminados de primer plano y fondo. Quiero asegurarme de que mi máscara esté seleccionada, no la capa misma, sino la máscara. Pulsaré B en mi teclado para llegar a mi pincel y solo voy a llenar esa zona en. Definitivamente perdí mucho más en este floral frontal. De nuevo, solo lo estoy llenando con mi pincel. Voy a acercar más fuerte a éste, así que Z y tire adentro. Ahora se puede ver cuando apago la superposición de color, esa zona que se cortó antes está ahora de vuelta en la ilustración. No hay rejilla transparente que se muestre a través mi pétalo de flores que es perfecto. Superposición de color de nuevo encendido, Comando Menos Menos, y B para llegar a mi pincel y terminaré de llenar en estas áreas. Recuerda, puedes usar tu soporte derecho para aumentar el tamaño de tu pincel, y tu soporte izquierdo para reducirlo. Esta es una de esas veces en las que es realmente importante tener una pantalla de computadora limpia. De lo contrario, estás tratando de borrar esta parte de la ilustración y resulta que es solo un pedazo de polvo en tu pantalla. Estoy pasando y solo estoy buscando áreas dentro la ilustración que se cortaron que quiero rellenar de nuevo. En su mayor parte, en realidad se ve bastante bien. Estoy bastante seguro de que esta área de aquí son las marcas de lápiz. Veamos, sí, así que esas son las marcas de lápiz que vienen a través porque no las borré todo el camino, razón por la cual te ahorra mucho trabajo digital si vas adelante y borras muy a fondo en tu papel real, pero te mostraré cómo deshacerte de esos. Nuevamente, mi máscara está seleccionada, mi superposición de color está realmente desactivada para que pueda ver las marcas de lápiz. Voy a presionar B para llegar a mi pincel, soporte izquierdo unas cuantas veces para encogerlo hacia abajo. Ahora voy a presionar X en mi teclado para cambiar mis colores predeterminados y ahora simplemente puedo hacer clic y borrar esas marcas de lápiz muy suavemente. Si estás quitando esas marcas de lápiz y accidentalmente vas un poco demasiado lejos, ese no es el fin del mundo y por eso usamos la máscara en lugar de simplemente borrar justo fuera de la capa sí mismo. Cuando tenemos una máscara en su lugar, podemos pintar de nuevo en cualquier área que eliminemos accidentalmente. En este caso, solo quiero cambiar mis colores de primer plano y fondo por aquí, que de nuevo es presionando X en tu teclado. Entonces puedo usar mi pincel y literalmente pintar nuevo en la zona que se retiró en primer lugar. Nuevamente, presionando X y cambiando mis colores de primer plano y fondo, ahora puedo muy delicadamente, pintar las áreas donde está ese papel. Máscaras por aquí, solo te dan más flexibilidad. Voy a seguir adelante y volver a encender esa superposición de color. Entonces Comando menos, menos, menos, menos para alejar unas cuantas veces y asegurarme de que llené el resto de las áreas dentro de mi ilustración que se cortaron. Parece que los tengo todos, lo cual es fantástico. Pero si te estás preguntando qué vamos a hacer todos estos pedacitos y rezagados por aquí que definitivamente no queremos en nuestra final, así es como los quitas también. Podría con mi pincel seleccionado, ir a través y manualmente deshacerme de todos estos. Pero cuando estás mirando todo el Canvas, eso sería mucho trabajo, así que tengo un atajo para ti. Por aquí en mi capa con mi superposición de color encendida, por lo que toda mi capa es negra o cualquier color que estés eligiendo. Voy a controlar click en el nombre de mi capa. Nuevamente, no voy a controlar-click en la máscara ni a controlar click en la miniatura de la capa. Quiero asegurarme de que estoy flotando sobre mi nombre de capa y luego controlar el click, y voy a subir aquí para rasterizar el estilo de capa. Lo que eso hizo es aplanar toda la capa. Ahora, ya no podemos activar y desactivar la visibilidad de esa máscara ya que todo ha sido aplanado. Es exactamente por eso que tenemos nuestra capa original guardada debajo con la visibilidad apagada porque estaremos accediendo a eso en un segundo. Mi capa está completamente aplanada. Está seleccionado, no la capa original, no conoce capa, pero esta capa está seleccionada. Voy a volver a mis varitas mágicas, que recuerdan que es W en tu teclado o por aquí en tu barra de herramientas, la herramienta varita mágica. Ahora, voy a ir volteando contiguo, haga clic en uno de mis pétalos para que sea seleccionado, y recuerde con continuo encendido, sólo está seleccionando las áreas que se están tocando entre sí. Lo que quiero hacer es mantener pulsada la tecla Mayús en mi teclado y hacer clic y seleccionar todas las demás áreas de mi ilustración. Una buena manera de probar para ver si todas tus áreas fueron seleccionadas es golpear el Comando X en tu teclado, cual corta todo excepto olvidé totalmente la firma, así que Comando Z para deshacer. Entonces presionaré Z en mi teclado. Da click y arrastra para ponerme un poco más apretado para que pueda ver lo que estoy haciendo. Entonces presionaré W en mi teclado para volver a mis varitas mágicas. Mantén presionado Mayús y haz clic y agarra todos los bits de mi firma. Enfriar Comando 0 para caber a la pantalla. Ahora si lo recorto de nuevo, Comando X, puedo ver que todas las áreas importantes de esa ilustración ya se han ido, y dejé todos esos pequeños trozos y piezas rezagados atrás, que es exactamente lo que quiero hacer. Comando Z para volver a ponerlo en su lugar, Comando 0 para que se ajuste de nuevo a la pantalla para que pueda ver lo que estoy haciendo. Ahora con todo lo seleccionado, voy a ir por aquí a mi panel de capas, apagar la visibilidad de esa capa negra. Activa la visibilidad de mi clic original y asegúrate de que mi capa original esté seleccionada. Ve a Seleccionar, Modificar, Pluma, un píxel. Presiona “Okay” y ve a Editar, Cortar. Ahora iremos a Editar, Pegar Especial, Pegar en Lugar, y podrás ver que tu ilustración se pegó exactamente donde fue cortada. El motivo por el que esto es tan importante es ahora si vas por aquí a tu panel de capas, puedes seguir adelante y presionar Eliminar en esa capa de fondo y seleccionar esa capa negra. Golpea Delete también, y ahora tienes tu ilustración con el fondo perfectamente eliminado. Así es exactamente como elimino el fondo de cada papel de acuarela que escaneo en mi computadora. Parece que hay muchos pasos, pero si sigues practicando, llegarás a un punto en el que simplemente se sienta muy intuitivo y solo pasarás por todos esos pasos muy a la perfección. Para mí, se tarda unos menos de cinco minutos realmente en eliminar ese fondo de textura de papel porque acabo de ir tan rápido ahora. Es sólo el paso 1, paso 2, paso 3. Cuanto más lo practiques, mejor obtendrás y te sentirás mucho más cómodo con el proceso. Ahora que nuestros elementos han sido aislados del fondo, sigamos adelante y ahorremos. El comando S guardará ese archivo. Esos son los pasos para eliminar ese fondo de textura de papel. Quiero señalar aquí que en realidad hay muchasformas diferentes para eliminar el fondo de formas diferentes para eliminar textura de papel en Photoshop. Esta es sólo la forma en que funciona mejor para mí. Si no puedes decir soy muy preciso sobre la forma en que eliminé ese fondo. Quería sentirme lo más suave y natural posible, razón por la cual paso todo ese tiempo emplumando por un solo píxel, repintando en esa máscara manualmente, ajustando el punto blanco. Todas esas cosas muy minuciosamente detalladas. Al final del día, me estoy ganando la vida licenciando mi obra a nivel profesional, lo que realmente importa la atención extra al detalle. Probablemente te llevará unos cuantos intentos antes de que realmente te metas en el columpio de quitar ese fondo de textura de papel, y eso es totalmente normal. Puedes rebobinar este video tanto como necesites hasta que te sientas cómodo con el proceso. Definitivamente he marcado muchos videos cuando estaba empezando por primera vez con Photoshop y aprendiendo lo básico. Ahora que tus elementos están completamente eliminados del fondo, es hora de prepararlos en un patrón sin fisuras. 9. Preparar tus elementos: [ MÚSICA] Ahora es el momento preparar y pulir tus elementos para que podamos arreglarlos en un patrón sin fisuras. Antes de que hagamos eso, adelante y guarda tu progreso. Siempre es buena idea ahorrar a medida que avanza. Para mí eso es sólo un simple Comando S. Primero lo primero que vamos a hacer es ajustar esa vitalidad de color. Como mencioné con el escaneo, a veces la vitalidad original y la saturación de tus colores se puede perder un poco en ese proceso de escaneo, que no es gran cosa, podemos seguir adelante y traer que de vuelta en Photoshop. Te mostraré cómo. En primer lugar, quiero asegurarme de que esta capa esté seleccionada. Si no está seleccionado, solo sigue adelante y tócala una vez y asegúrate de ver ese cuadro delimitador a su alrededor. Comando 0 para caber en pantalla. Lo primero que voy a hacer es abrir tonalidad y saturación. Puedes llegar pulsando el Comando U en tu teclado o subiendo a ajustes de imagen, tono y saturación. Nuevamente, lo que veo aquí en mi papel es realmente exuberante, vibrante y saturado. pantalla. Está un poco perdido. Vamos a traer eso de vuelta. Con mi menú de tonalidad y saturación abierto, solo voy a hacer clic en el toggle junto a saturación y traerlo un poco. Cuando tengas esta casilla de vista previa marcada por aquí, podrás ver en tiempo real los cambios que estás haciendo. Todo el camino a la izquierda, desatura por completo tu obra de arte. Todo el camino a la derecha, lo hace muy, muy vibrante. No necesitamos nada tan loco. Voy a volver al centro y solo traerlo un poco. Creo que el 22 es un bonito lugar dulce ahí. Seguiré adelante y presionaré “Ok”. De nuevo, puedes ir por aquí a tu historia para ver el antes y el después. Cambios muy sutiles, pero eso es genial. A continuación, cuando miro hacia atrás por aquí a mi original, veo que los tonos son bastante profundos y oscuros en algunas áreas, y quiero seguir adelante y traer eso de vuelta a mi versión escaneada. Para esto, vamos a utilizar nuestros niveles. Nuevamente, asegurándose de que tu capa esté seleccionada, puedes obtener dos niveles pulsando Comando L en tu teclado o subiendo hasta aquí a la imagen, ajustes, niveles. Ahora esta es la misma herramienta que usamos antes cuando estábamos definiendo ese punto blanco por aquí. No vamos a hacer eso esta vez. En cambio, me voy a centrar aquí en los niveles de entrada. Si arrastra este toggle de extrema izquierda todo el camino hacia la derecha, tu ilustración se pone muy, muy profunda y oscura, y si fueras a llevar este toggle de extrema derecha todo el camino a la izquierda, se pone muy, muy ligero. Este toggle en el medio es para establecer esos tonos medios. Generalmente, realmente no uso ese cambio medio con demasiada frecuencia. En cambio, me gusta jugar con los cambios de derecha e izquierda. Lo primero que voy a hacer es ir por aquí a mi toggle izquierdo y ver qué pasa si solo lo traigo cada vez tan ligeramente a la derecha. Me gusta cómo eso realmente está profundizando la oscuridad aquí, pero no quiero oscurecer demasiado aquí en mi hoja, así que creo que voy a parar justo aquí a los 23. Del mismo modo, veamos qué pasa si traigo mi toggle derecha hacia adentro solo un poquito. Creo que sólo voy a traerlo siempre tan ligeramente. Si lo traigo demasiado más lejos, entonces estas áreas más ligeras apenas se ponen un poco demasiado blancas. Esto no es una ciencia exacta. Esto realmente sólo está bajando a la preferencia personal. Esta soy yo mirando mi ilustración determinando lo oscuro que quiero que se ponga, cuán ligero quiero que se ponga, cuán saturado, etcétera Para ti, solo inclínate en cuáles son tus preferencias personales y Diviértete con él y juega un poco. Una vez que hayas encontrado un punto dulce por aquí, puedes seguir adelante y presionar “Okay”. De nuevo, te mostraré antes de que hiciéramos todos esos ajustes y después. Por lo que cambios muy leves, pero creo que hace una gran diferencia en general. Nos meteremos en ambas herramientas un poco más tarde cuando estemos jugando con esos ajustes de color, pero por ahora, sigamos adelante y terminemos preparando nuestros elementos para el patrón sin fisuras. Si echas un vistazo por aquí, todos nuestros elementos están en una sola capa. Está indicado por aquí en el panel de capas. Lo que quiero hacer es separar estos elementos para que pueda mover solo una hoja sin que todo lo demás se mueva. Recuerda, vamos a estar juntando estos elementos como un rompecabezas, por lo que es importante poder mover uno a la vez. Para ello, voy a usar mi Herramienta Lasso, que recuerda que es L en tu teclado. O puedes ir por aquí a tu barra de menús, seleccionar y mantener, y tienes tus opciones de Lasso. El Lasso regular significa que solo puedes dibujar exactamente lo que quieres que sea tu selección. Esto es genial porque te da mucha flexibilidad. El Lazo Magnético, Lassos alrededor de formas. Entonces este no soy yo dibujando perfectamente, este es el Lasso determinando dónde están los límites. Yo uso este de vez cuando también, pero no en este momento. El Lasso Tool que en realidad voy a estar usando para esto es el Lasso poligonal. Este es el Lasso que dibuja en estas líneas perfectamente rectas y para mí es sólo un poco más rápido usar esta cuando estoy aislando formas. Literalmente, la forma en que funciona es simplemente hacer clic en sus puntos de anclaje para seleccionar alrededor de toda su pieza. No tienes que conectarlo perfectamente con el principio. Solo puedes hacer doble clic y terminará la selección. Como mencioné, quiero tener cada uno de estos elementos separados en su propia capa. Con mi primera selección terminada, voy a cortarla pulsando el Comando X en mi teclado, y luego pegarlo de nuevo en su lugar, que es turno de comando V, todo de una sola vez. También puedes pegar en su lugar yendo a Editar, Pegar Pasta Especial en Lugar. Solo un consejo profesional aquí, si alguna vez olvidas un comando de teclas, se enumeran por aquí la derecha como un pequeño recordatorio, si quieres usarlos más tarde. Entonces Pegar in Place es literalmente Shift Comando V y ahí lo tenemos. Ahora si echas un vistazo por aquí en tu panel de capas, puedes ver que ese Héroe Elements está en su propia capa. Eso significa que puedes venir aquí y hacer clic, tirar de tus elementos alrededor, rotarlo si quieres. Lo importante es que está en su propia capa, por lo que tenemos más flexibilidad. Queremos seguir adelante y hacer eso por todos los demás elementos de nuestro Lienzo. Propina Pro aquí. momento, esta capa está seleccionada. Si fuera a hacerlo, vamos a seguir adelante y sumergirnos en ella. Lazo alrededor de esta flor, así que L para llegar a mi Lasso, recuerda que estoy usando mi Lasso poligonal. Si fuera a cortar alrededor de esta flor e ir a Edit Cut, voy a conseguir este error y la razón por la que está sucediendo es porque echa un vistazo por aquí, no estoy en la capa correcta. Todo lo que necesitas hacer es asegurarte de que estés en esa capa original del elemento que estás tratando de hacer un lazo y luego intentarlo de nuevo. Editar, Cortar, perfecto. Recuerde Shift Comando V lo pegará en su lugar. Ahora tenemos esa flor orientada al frente enteramente en su propia capa. Sólo voy a acelerar esto un poco y terminar de aislar estos elementos asegurándose estos elementos asegurándose que la capa de elementos principales esté seleccionada. Pulsaré L para llegar a mi Lazo, Comando X para cortar, Shift Command V para pegar y enjuagar y repetir. Vuelve a mi capa. No olvides tu firma por aquí. Corta Shift Comando V para pegar. Vamos a seguir adelante y agarrar el resto de estos elementos usando ese mismo proceso. Voy a presionar Z y tirar estos elementos ya que son pequeñitos y luego presionar L para volver a mi Lasso y Comando 0 para caber a la pantalla. Voy a activar y desactivar la visibilidad de esa capa original. Genial, solo para asegurarse de que ese punto naranja sea el último bit. Puedes volver a comprobar teniendo seleccionada esa capa original y pulsando Comando T para abrir la transformación y deberías ver que ese cuadro de contorno está solo en esa última forma, que es. Escapar para salir de la transformación. Ahora tenemos todos nuestros elementos en sus propias capas individuales por aquí, que es exactamente donde queremos estar. El último paso que tenemos que hacer para terminar de preparar nuestros elementos antes de empezar a organizarnos en un patrón sin fisuras es convertir cada una de estas capas en un objeto inteligente. En el siguiente video, cuando empecemos a organizar ese bloque de patrones, vamos a estar usando una herramienta en Photoshop llamada Preview de patrones. Esta es una herramienta realmente poderosa en Photoshop. Es esencialmente lo que nos permite crear estos patrones sin fisuras muy fácilmente. Pero la clave para hacer este trabajo es cada una de nuestras capas por aquí, cada elemento necesita ser un objeto inteligente. Ahora mismo, no lo son. Nos sumergiremos un poco más en los objetos inteligentes en nuestro próximo video. Pero por ahora, sigamos adelante y terminemos de preparación o elementos, así que acabaré de empezar con la parte superior de la pila aquí, seleccionamos esa capa y suba aquí a mi barra de menú superior y golpeo “Capa”, Objetos Inteligentes Convertir en Objeto Inteligente. Si miras tu Canvas, realmente no puedes ver que algo pasó. Pero por aquí en tu panel de capas, verás este indicador en la parte inferior derecha de tu miniatura de capa y esa es la forma de Photoshop de mostrarte que este es un objeto inteligente, no una capa rasterizada normal. Queremos seguir adelante y hacer eso exactamente lo mismo por todos los demás elementos en nuestro panel de capas. Entonces aquí hay muchas capas. Creo que cuento 17 o 18. Te voy a mostrar cómo agilizar ese proceso creando tu propio atajo personalizado. Aquí arriba en tu barra de menú superior, sigue adelante y haz clic en “Editar” hasta los atajos de teclado inferiores. Alterna el quilate junto a Capa. Y quieres desplazarte hacia abajo hasta que veas objeto inteligente, que si recuerdo correctamente, debería ser hacia abajo. Perfecto, aquí están los objetos inteligentes. Adelante y haz clic en donde dice Convert to Smart Object y aquí es donde puedes introducir tus propios comandos de teclas personalizados. Voy a pensar en un comando clave que realmente no uso para nada más, que es el Comando Y. solo voy a escribir esa acción como si estuviera haciendo el comando key de verdad. Entonces Comando Y y Photoshop me está diciendo que este comando de teclas ya se usa para los colores de prueba. Pero nunca uso esos colores de prueba de mando clave. En realidad, ni siquiera uso esos colores a prueba de herramientas en Photoshop. Voy a seguir adelante y anularlo y hacer de esto mis propios comandos de teclas personalizados. Simplemente voy a golpear “Aceptar”. Perfecto. Ahora puedo presionar “Ok”. Ahora puedo pasar por todas mis capas y simplemente presionar Comando Y en mi teclado y se convertirá automáticamente en un objeto inteligente. Esta es sólo una manera para mí de ahorrar tiempo. En lugar de siempre subir aquí a Capa Smart Object Convert to Smart Object, solo puedo pasar por mis capas y presionar rápidamente el comando de teclas, Comando Y, [RUIDO] y hacer que todos se hagan muy rápidamente . Perfecto. En este punto hemos terminado de preparar nuestros elementos. Vamos a seguir adelante y guardar, lo que Comando S. El siguiente paso va a ser organizar todos estos elementos en un patrón sin fisuras. 10. Organiza el bloque: Ahora que hemos terminado todo ese trabajo de preparación, hemos conceptuado, esbozado, pintado, quitado el fondo, preparado esos elementos. Todo se ha ido acumulando hasta este momento, que está organizando esos elementos en un patrón perfecto sin fisuras. Vamos a seguir adelante y empezar. Rápido recordatorio para seguir adelante y guardar tu progreso, por lo que “Comando S”. Ahora queremos empezar un nuevo lienzo. “ Comando N” en tu teclado, abrirá un nuevo documento. Quiero ir por aquí a donde dice pulgadas y cambiarlo a pixeles y que mis pixeles sean 12,000 por 12,000. La resolución debe ser de 300 PPI, y el modo de color debe ser RGB. El resto de tu configuración debe coincidir con lo que tengo aquí. Doce mil pixeles es el equivalente aquí te mostraré si lo cambiamos a pulgadas, son 40. Doce mil píxeles es lo mismo que 40 por 40 pulgadas. Lo que estamos haciendo aquí es el bloque, que es esa una parte del patrón que se repite infinitamente. Un bloque de 40 por 40 pulgadas es en realidad bastante masivo. Para ser totalmente honesto, cualquier cosa desde 5,000 píxeles adelante va a funcionar aquí como un bloque. Simplemente prefiero trabajar en archivos realmente grandes acaso necesito usar ese bloque completo de 40 pulgadas más tarde. Por eso prefiero usar tipos de archivos más grandes. Nuevamente, cualquier cosa 5,000 pixeles y arriba va a funcionar aquí. Simplemente prefiero trabajar en lienzos ginormosos. Elige un tamaño de píxel que funcione mejor para ti. Pero voy a seguir adelante y traer el mío de vuelta a 12 mil por 12 mil. Una cosa más que quiero señalar es que quieres asegurarte de que la mesa de trabajo esté apagada. Si ves una marca de verificación aquí, sigue adelante y haz clic una vez para desactivarlo. Porque la herramienta que usaremos más tarde llamada Previsualización de patrones no funciona si la mesa de trabajo está activada. Asegúrate de que eso esté apagado. Nuevamente, todos estos otros ajustes siguen siendo los mismos, seguiré adelante y presionaré “Crear”. Lo primero que voy a hacer ahora que tengo este nuevo lienzo creado es guardarlo. Archivo Guardar como, voy a guardar en mi computadora, en mi escritorio en esta carpeta llamada Sweet Florals. Sólo voy a hacer clic aquí abajo donde dice SweetFlorals.psd para auto-poblar mi nombre de archivo. Voy a sumar un bloque al final de esto. En este momento es un PSD, que es un formato de Photoshop. En realidad voy a cambiar eso a un formato de documento grande, lo que cambiará la extensión aquí arriba a PSB. Un archivo de Photoshop, y un archivo de formato de documento grande, son esencialmente exactamente lo mismo. La única diferencia es que Archivo de Formato de Documento Grande te permitirá guardar tu archivo para que sea superior a dos gigabytes. Archivos estándar de Photoshop, que de nuevo nuestro PSD, solo te permiten subir hasta dos gigs o menos. Pero debido a que estoy usando un tamaño de lienzo tan masivo y voy a tener muchas capas aquí cuando empecemos a meternos en ajustes de color, mi archivo muy bien podría ser más de dos gigabytes. Para seguir adelante y prepararme para eso ahora, quiero seguir adelante y asegurarme de que ese Archivo de Formato de Documento Grande esté seleccionado y doble comprobar que mi extensión aquí arriba sea PSB. Nuevamente, la única diferencia aquí es que esto me va a permitir guardar archivos de más de dos gigabytes, que este podría ser. Sweetflorals-block.psb está listo para ir en mi carpeta florales dulces. Voy a seguir adelante y presionar “Guardar”. Nuevamente, quieres subir aquí y mirar tu pestaña y asegurarte de que ese nombre de archivo haya cambiado. Si todavía dice sin nombre, adelante y ciérralo pulsando esa X. Luego vuelve a tu carpeta, encuentra ese archivo de bloque y haz doble clic en él para abrirlo en Photoshop. Entonces echa un vistazo aquí a tus pestañas para asegurarte de que el nombre de archivo correcto esté ahí. En ocasiones Photoshop puede ponerse un poco buggy con ese comando Guardar como, así que siempre quiero volver a revisar mis pestañas y asegurarme de que estoy en el nombre de archivo correcto. La regla de oro de los patrones sin fisuras es lo que se recorte en un lado de tu bloque debe repetirse perfectamente en ese otro lado. De esa manera, cuando este patrón se repite y se apila, se alineará absolutamente perfectamente cada vez. Solía tener que hacer esto manualmente en Photoshop. Pero ahora con esta herramienta de previsualización de patrones, me hace mucho más simple crear mis patrones porque va a hacer esa parte por mí. Te mostraré cómo. Al igual que antes tenemos nuestras dos pestañas aquí arriba. Tenemos la pestaña florales dulces con todos nuestros elementos en ella, y luego tenemos el archivo de bloques por aquí. Lo que quiero hacer es seguir adelante, seleccionar mi ficha florales dulces, romperla aparte de los demás. Después pasa, haz clic en mi capa inferior, desplázate hasta la parte superior, y selecciona todas mis capas manteniendo pulsada Mayús y haciendo clic. Eso siguió adelante y los consiguió a todos. Ahora puedo hacer clic en mis capas y arrastrarlas a este nuevo lienzo aquí arriba. Todos están siendo recortados de la página, pero eso está bien porque los ves por aquí en tu panel de capas. Lo primero que quiero hacer es simplemente llevarlos a todos al centro del lienzo. Quiero que se seleccione mi herramienta de mudanza, que de nuevo es V en su teclado. Entonces aquí arriba en este menú superior, puedo hacer clic en este icono para centrar todo en un eje vertical y este icono de aquí para centrar perfectamente todo. El comando T lo seleccionará todo. Sólo puedo bajarlo aquí al fondo de mi lienzo, fuera del camino y presionar “Enter” para establecer esa transformación. Adelante y haz clic en cualquier parte tu lienzo para desseleccionar todas estas capas. Nuevamente, con esa herramienta de movimiento seleccionada, que es V, quiero subir aquí y volver a verificar y asegurarme de que la selección automática esté activada. Lo que esto significa es que puedo ir por aquí, hacer clic y arrastrar mi capa alrededor. Si la selección automática no está activada y traté de agarrar una de estas capas, solo movería la capa que está seleccionada aquí en mi panel de capas. Si trato de agarrar estas cosas, sigue siendo esa capa la que está seleccionada porque solo puedes hacer selecciones en tu panel de capas. No quiero eso, así que voy a ir por aquí, encender la auto-selección, y ahora puedo agarrar estos elementos a medida que vienen. Recuerda, lo que sea que se recorte en una parte de tu lienzo debe repetirse perfectamente aquí abajo en la parte inferior. Solía hacer esto manualmente, y te voy a mostrar un rápido ejemplo de cómo no tienes que seguir adelante por esta parte aunque. La forma en que uso para asegurarme de que cada vez que se cortara se duplicara perfectamente en la parte inferior era me aseguraría de que esa capa fuera seleccionada. Pulsa “Comando J” en mi teclado para duplicar la capa, “Comando T” para abrir transformar. Porque querría que esto se duplicara perfectamente en el eje vertical, pasaría por aquí a mis números y golpearía más 12 mil. Porque de nuevo, así es lo grandes que mis lienzos cuadrados y luego presionan “Enter” dos veces para establecer la transformación. Ahora ves que lo que se está cortando en la parte superior se repite perfectamente en la parte inferior. Si tuviera esta floración cortando por aquí, haría lo mismo. Con esa capa seleccionada, pegaría “Comando J”, “Comando T” para abrir transformada, y por aquí en el eje x, golpearía más 12,000, Enter dos veces y sería perfectamente rebanado para que la otra parte se repita por aquí. Nuevamente, esa es la vieja forma de hacer las cosas, pero ahora con Pattern Preview, lo hace mucho más sencillo y ya no tengo que hacerlo manualmente. Te voy a enseñar cómo. Primero, voy a eliminar esas piezas extra ya que ya no las necesito. Voy a mover todo de vuelta a donde estaba para que podamos empezar con una pizarra limpia. Voy a subir a View Pattern Preview. Verás aquí que Pattern Preview funciona mejor con objetos inteligentes, por lo que seguimos adelante e hicimos todas esas capas objetos inteligentes en la lección anterior para que funcione con esta herramienta. Voy a seguir adelante y presionar “OK”. Ahora si alejas el zoom, así que “Comando menos”, menos, menos, verás que ya está duplicando este patrón. Lo está haciendo un patrón sin fisuras para nosotros. Es difícil decirlo ahora mismo porque todos nuestros elementos están apretados aquí abajo en esta esquina inferior. Pero una vez que empecemos a moverlos, verás la verdadera magia de esta herramienta. Pulsaré “V” en mi teclado para volver a mi herramienta de mudanza. Ahora si hago clic en uno de estos elementos y lo muevo, puede ver que se mueve por todo el patrón. Por aquí con este cuadrado azul, este es nuestro lienzo real. Ese cuadrado azul es en realidad 40 por 40 pulgadas. Se puede ver aquí mismo cuando la punta de esa flor se está cortando de ese cuadrado azul, está apareciendo justo aquí abajo en la parte inferior. Esencialmente, esta herramienta de vista previa de patrones nos está permitiendo ver exactamente cómo se ve este patrón como una repetición en tiempo real. No tenemos que hacer ninguna de las matemáticas. No tenemos que cortar perfectamente nuestros elementos y repetirlos en el otro lado manualmente. Lo está haciendo todo por nosotros. Voy a golpear “Command plus”, más unas cuantas veces solo para acercarme un poco. La forma en que me gusta construir mis patrones de repetición es empezando por los elementos más grandes y luego moviéndome hacia abajo, tan grande, segundo más grande. Entonces utilizo esos rellenos detallados para llenar los huecos. Te mostraré cómo lo construyo. Tengo mis elementos más grandes aquí mismo. Traeré mi plena floración de cara al lado de ella. Lo que quiero hacer es encontrar zonas donde se sienta como un buen ajuste ceñido. A lo mejor voy a rotar un poco este elemento Héroe. Al hacer clic en él para seleccionarlo, presionaré “Comando T” en mi teclado para abrir la transformación. Podría rotarlo un poco más así, por lo que se siente un poco más agraciado. Perfecto. De nuevo, se puede ver cuando muevo este elemento, todas las otras replicaciones del mismo elemento héroe también se están moviendo, lo cual es bastante cool. Entra para establecer la transformación y de nuevo con mi herramienta de movimiento seleccionada, que es V en mi teclado y otra vez, busca oportunidades para meter estos elementos en donde se sientan agradables y naturales y suave. Aquí está la cosa genial. no solo tienes que usar elementos de un héroe. Podemos duplicarlo y usarlo unas cuantas veces diferentes en nuestro bloque. Voy a seguir adelante y hacer eso ahora antes de empezar a moverme por todos estos elementos medianos y detallados. Porque de nuevo, estoy trabajando de grande a pequeño. Eso me dará la mejor oportunidad para encajar las cosas de una manera que se sienta agradable y natural. Con mi herramienta de movimiento seleccionada, que es V, voy a seguir adelante y haga clic en “Once “en nuestros elementos héroe. Se puede ver que eso significa que se selecciona aquí en nuestro panel de capas y luego presionaré “Comando J” para duplicar esa capa. Ahora por aquí en nuestro panel Capas, se puede ver que en realidad hay dos aquí mismo. Es difícil decirlo en la mesa de trabajo porque la capa superior está cubriendo perfectamente la capa inferior. Pero podemos usar nuestra herramienta de movimiento, romperla un poco, y encontrar otro lugar en el Lienzo para ello. Una cosa con patrones sin fisuras es que no necesariamente quieres ver dónde comienza y se detiene ese bloque. Toda la idea es que todo el patrón debería simplemente sentirse como una imagen muy fluida. Para ello, no quiero que mis elementos se vean demasiado repetitivos así que un truco que tengo es usar la herramienta de transformación, voy a darle la vuelta. Con mi segundo elemento héroe por aquí, ya está seleccionado. Pulsaré “Comando T” en mi teclado y luego Control-clic en él y escogeré “voltear horizontal”, perfecto. Con la herramienta de transformación aún seleccionada, voy a ir por aquí hasta que vea esa flecha curva de doble cabeza y sólo voy a volver a colocar esto ligeramente. A lo mejor esto es aquí abajo en la parte inferior de los elementos. Presiona “Enter”, de nuevo, vamos a llegar a todos esos tipos en un poco no estresen que están ahí. Vamos a seguir adelante y duplicar este elemento héroe también, así que voy a hacer clic una vez para asegurarme de que esté seleccionado aquí en el panel Capas. Entonces presionaré “Comando J” para duplicar esa capa, “Comando T” para abrir la transformación. De nuevo, voy a Control-click y voltearlo horizontalmente. A lo mejor voy a poner este aquí arriba. Nuevamente con una transformada seleccionada, voy a redimensionarla un poco para que se ajuste muy bien en esta área y luego presionaré “Enter”. Genial. Ahora es el momento de empezar a pasar a los elementos medianos. En este momento tenemos a nuestro otro héroe bloqueando el camino. Lo que voy a hacer es hacer clic en ese héroe una vez para seleccionarlo en el panel de capas y luego moverlo hacia abajo hasta la parte inferior del panel Capas. Puedes hacerlo manualmente pulsando y arrastrando tu capa todo el camino hacia abajo o puedes hacer lo que hago, que son los comandos clave, que es “Shift Command Left bracket” y que la mueve todo el camino a la parte inferior del panel Capas para que ahora todos estos elementos medianos y de detalle estén por encima él para que sean fáciles de hacer clic y moverse. En este punto, voy a usar esas herramientas que acabo explicar y arreglar este bloque para que se sienta bien y ceñido, V para conseguir mi herramienta de mudanza y sólo voy a estar buscando oportunidades para encajar estos elementos en, de una manera que se siente realmente natural. Puede ayudar a comenzar con una esquina del lienzo y poco a poco hacer su camino a los otros cuadrantes. Una cosa que quiero probar es que estos elementos se superpongan entre sí. Después de todo, el original fue pintado en acuarela por lo que tener diferentes secciones superpuestas podría verse realmente bonito. Si acerco aquí, que de nuevo es Z, y luego tirando, si tengo estas dos hojas superpuestas, una está muy claramente encima de la otra y no se siente muy natural como la acuarela. Lo que voy a hacer es aplicar un modo de fusión a todas las capas. Me desplazaré hasta la parte superior de mi panel de capas, seleccionaré esa capa superior, desplázate hasta la parte inferior, pulsado “Shift” en mi teclado y seleccionaré nuestra capa final para que todas nuestras capas se seleccionan. Entonces voy a subir aquí a donde dice normal y cambiar el modo de fusión para multiplicar. Genial. Adelante y haz clic en cualquier parte de tu Lienzo para anular tus capas y ahora cuando mueves capas unas encima de otras de esta manera, verás cómo esos dos colores mezclan de una manera realmente hermosa. Porque así funcionan las acuarelas, hay un medio transparente. Usar un modo de fusión como multiplicar puede ayudar a que se sienta mucho más natural. “ Comando cero” para caber a la pantalla y como aplicé ese modo de fusión multiplicar a todas las capas, vas a ver eso con todo. Cualquier parte que superpongamos, verás que el modo de mezcla de transparencia viene a través, lo cual es bastante genial. Voy a seguir organizando mis elementos en el tablero “Mando Minus” para ver mi tablero en su totalidad nuevo y sólo voy a terminar esa selección. Una cosa que voy a hacer es duplicar este elemento héroe una vez más. Nuevamente, al hacer clic en esa capa para seleccionarla, voy a golpear “Comando J”, “Comando T” para abrir transformar y en realidad voy a reducir ésta hacia abajo haciendo clic en una esquina y arrastrando abajo un poco. Ahora sólo tengo que encontrar un lugar para ello. Es por eso que es realmente útil trabajar de grandes a pequeños de lo contrario te quedas sin manchas para tus elementos. Esa zona se ve bastante bien. Pulsaré “Enter” para establecer la transformación y empezar a reorganizar. Recuerda pincha para seleccionar la capa “Comando J” para duplicarla, "Comando T” para abrir la transformada y puedes moverla y encontrar un buen lugar para ella. Si una zona se ve un poco demasiado homogénea en un color, voy a traer otro color solo para separarlo un poco. Porque recuerda, quiero que este patrón se sienta bien e incluso cuando se repita, voy a bien e incluso cuando se repita, agarrar mi otra hoja para que V consiga mi herramienta de movimiento, haga clic y seleccione “Comando J” para duplicar esa capa, “Comando T “para abrir transformarse y ahora voy a encontrar algunos spots para ello. Puede hacer una buena superposición aquí también, tengo estos puntos por aquí. Podría empezar a ponerlos en zonas que son un poco más refinadas. No olvides que tienes tu firma por aquí también. Voy a esperar hasta que mi bloque esté completamente arreglado antes de que me ocupe de eso. En este punto, busco huecos en mi patrón que deban llenarse. Puedes alejar en cualquier momento y ver cómo esta inconsútil se está uniendo, y obtener una agradable visión general para asegurarte de que se sienta realmente agradable y fluido e incluso. Pero ahora mismo estoy viendo estas brechas aquí mismo, que está aquí mismo en mi cuadra. Quiero seguir adelante y llenar eso. Comando más, más, más, más, más. Voy a seguir adelante y llenarlo con esta floración aquí abajo. Lo seleccionaré, presionaré “Comando J” para copiarlo, “Comando T” para abrir transformar y quiero encontrar un bonito lugar cómodo para ello. Ahora si vuelvo a alejar el zoom, se puede ver que la brecha se ha llenado y se ve mucho más agradable. En este punto solo voy a pasar, empezar a duplicar mis puntos, y realmente llenando y realmente llenando estos vacíos extra para que se sienta muy lleno. “ Comando 0" para caber a la pantalla, y empecemos a afinar. Lo que quiero hacer aquí es poner los puntos de colores cálidos en zonas que tienen colores fríos a su lado, y poner estos puntos fríos en zonas donde hay muchos tonos cálidos. Esto ayudará a romper un poco el patrón, y sentir mucho más tonos pares. Una cosa que quiero señalar aquí es estos puntos azules siendo perfectamente horizontales unos de otros va a ser un poco distraer en el patrón para tener una línea tan fuerte. En cambio, podría traer un poco este punto aquí para romper la monotonía. Te darás cuenta que estoy girando estos puntos cuando los pongo en su lugar, y eso solo les ayuda a sentirse un poco más variados, sobre todo con este punto donde tiene este fuerte contraste entre el índigo y la turquesa. Simplemente girarlo en diferentes ángulos ayuda a que se sienta un poco más variado en ese patrón general. A medida que llegamos a zonas más estrechas, es posible que desee disminuir el tamaño de algunos de esos elementos de relleno. Creo que es hora de otra prueba de globo ocular, así que voy a alejarme. Comanda menos, menos, menos y mira cómo se ve este patrón. Honestamente, creo que eso se ve bastante impresionante. Se siente muy parejo tonificado. No hay huecos ni racimos obvios de un color que no estén uniformemente rotos con otro color. Incluso en estas zonas donde hay mucho rosa pasando, tengo algunas de estas hojas turquesa e índigo que ayudan a romperlo un poco. Si sigues alejando el zoom, así que “Comando menos”, menos, menos, menos, verás lo apretado que realmente se pone ese patrón, que es un poco loco. “ Comando 0" para volver a encajar en mi lienzo y ajustarse a la pantalla. Lo último que quiero hacer es encontrar un bonito lugar para meter en mi firma. Voy a hacer clic en mi firma. Es difícil agarrar en realidad, así que presionaré “Z” y tire adentro, V para llegar a mi herramienta de movimiento y ahora voy a hacer clic en ella, perfecto. “ Comando 0" para ajustarse de nuevo a la pantalla, y “Comando T” para abrir la transformación. La clave para agregar tu firma a tu bloque de patrones es encontrar una manera en la que puedas meter tu firma, donde no sea demasiado obvio o distraer, pero fluye muy bien con el ilustración. Si tu firma fuera gigante y enorme y ese bloque se repite cada 10, 20, 30 pulgadas, podría parecer un poco distraente. Dentro de esta cuadra, quiero encontrar un lugar para esta firma donde simplemente pueda meterla y no sobresale demasiado. Creo que el lugar para ello en realidad va a estar justo aquí en esta hoja oscura. De nuevo, lo rotaré alrededor, lo encogeré un poco para que quepa, y presionaré “Enter” para establecer esa transformación. Si estás mirando eso y crees que estoy loco porque acabo de esconder mi firma, escúchame. Con esa capa de firma seleccionada, voy a subir aquí a mi modo de fusión y cambiarla a Pantalla. Ahora se vuelve mucho más evidente. Voy a acercar aún más apretado, por lo que Z y tire adentro. Lo único que no me gusta es que tenga este efecto halo. Esta es en realidad una solución realmente rápida. Sólo voy a invertir esa firma. “ Comando I” en mi teclado; o subiendo aquí a Imagen, Ajustes, Invertir. Es un poco demasiado débil ahora mismo, así que quiero sacar a la luz esa blancura. Golpearé “Comando L” en mi teclado para abrir mis niveles y agarrar este toggle de extrema derecha y traerlo en palabras para que mi firma sea de color blanco brillante. Pulsaré “OK”. “Comando 0" para caber a la pantalla. Voy a alejar unas cuantas veces y ver cómo se ve esto. Creo que voy a encogerla y hacerla un poco más pequeña porque incluso esto es un poco demasiado intenso para mí. De nuevo, quiero que mi firma en ese bloque refuerce realmente mi branding, pero no quiero que sea tan obvio donde va a ser un ojo. Z, y voy a tirar, de nuevo se selecciona esa capa de firma, así que voy a golpear “Comando T”. Adelante y presiona “OK”, eso no me molesta. Voy a encogerlo, sólo hazlo un poco más pequeño en esa hoja. Pulse “OK”, y ahora de vuelta a pantalla completa, “Comando 0". Veamos cómo se ve eso. Perfecto. Definitivamente la firma está ahí, pero no está demasiado en tu cara. Esa es exactamente la forma en que lo quiero. Nota rápida aquí sobre tener tu firma dentro de tu bloque. Eso significa que cada vez que se repita tu bloque, esa firma también se repetirá. Conozco a algunos artistas que nunca incluyen su firma para patrones que están destinados especialmente a telas o papel tapiz, porque no quieren ser demasiado molestos al tener esa firma repite cada vez más, cinco pulgadas, 10 pulgadas, 15, sean cuales sean tus parámetros. Definitivamente entiendo de dónde vienen esos artistas. En realidad es sólo una preferencia personal. Para mí, tener mi firma en todos mis productos cuando tiene sentido, es realmente importante. Absolutamente quiero reforzar ese reconocimiento de marca. Si alguien pide una impresión de arte mía o una taza de café o una almohada en algún lugar de ese producto, muy pequeña, ojalá, mi firma esté ahí para que siempre puedan ver al artista original detrás el diseño. Nuevamente, esta es una preferencia personal para mí y la forma en que priorizo mi reconocimiento de marca, no a todos los artistas les importa tanto tener su firma en todo, pero definitivamente lo hago. Si te está costando encontrar un lugar donde meter tu firma dentro de ese bloque de patrones. No te estreses, aún puedes tener tu firma incluida en el siguiente archivo que vamos a crear hoy, que va a ser el archivo completo en patrón. Pero antes de llegar allí, no se olvide de seguir adelante y salvar al “Comando S”. Maximizar siempre la compatibilidad. No vuelvas a aparecer y revisa aquí arriba para asegurarte de que ese es el nombre de archivo correcto que está salvando bloques florales dulces. Quiero mostrarles muy rápido chicos si subimos aquí a ver y apagar Previsualización de Patrón, se puede ver que estamos perdiendo algunos de los elementos que se cortaron el borde aquí arriba. No se están repitiendo automáticamente aquí abajo. Eso se debe a que esa repetición solo está sucediendo dentro de Preview de Patrón. Volveré a Ver; Previsualización de patrones, no necesito volver a ver eso. Ahora verás que se adelantó y llenó el resto de esa cuadra. Dónde están los elementos se cortan por un lado, se repiten por el otro. Si eres elementos alguna vez simplemente desaparecen por completo y te estás preguntando qué pasó, quieres seguir adelante y asegurarte de que View; Pattern Preview esté habilitado. Ahora te voy a mostrar cómo puedes guardar este patrón y llenarlo enteramente en un lienzo separado. 11. Llenar el patrón: [ MÚSICA] Muy rápido, solo quiero darte una gran felicitación por llegar a este nivel con tu patrón sin fisuras. Los patrones sin fisuras son sin duda el tipo de patrones más complicados para crear, por lo que llegar a este punto es un cumplimiento masivo por lo que [Aplausos] felicitaciones. Vamos a seguir adelante y optimizar esto un poco más. Ahora que tu bloque está completamente lleno y luce perfecto, es hora de seguir adelante, copiar este patrón, y llenarlo en un lienzo separado. En este punto, tenemos algunos archivos separados dentro de nuestra carpeta. Tenemos esos dos escaneos originales, tenemos esos elementos escaneados, limpiados, y todos por sus propios elementos individuales, y luego tenemos nuestro archivo de bloques que es lo que acabamos de completar. Recuerda, el bloque es esencialmente la columna vertebral de todo nuestro patrón sin fisuras. Ahora que tenemos este archivo de bloque completamente arreglado y guardado, es el momento de crear nuestro archivo de trabajo final para la clase de hoy, que es donde empezamos a caer en ese patrón. Si aún no has guardado tu bloque, adelante y hazlo, Comando S en tu teclado. Vamos a crear nuestro expediente final de trabajo, por lo que Comando N para iniciar un nuevo documento. Voy a mantener todos los ajustes por aquí,exactamente igual, exactamente igual, 12,000 píxeles por 12,000 píxeles, 300 PPI, y el modo de color RGB. Ahora bajaremos aquí y presionaremos “Crear”. Antes de ir más allá, quiero seguir adelante y guardar este nuevo lienzo, lo que Shift Command S para guardar as. Voy a tocar “Sweetflorals-Block” y cambiar Bloque a Patrón. Nuevamente, quiero asegurarme de que soy un formato de documento grande, por lo que termina en psb. Estamos guardando en esa misma carpeta SweetFlorals. Vamos a seguir adelante y presionar “Guardar”. Nuevamente, quieres echar un vistazo aquí en tu pestaña y asegurarte de que ese nombre de archivo haya cambiado. Si no lo hizo, adelante y ciérrala, Comando W. Vuelve a tu carpeta y ábrela de nuevo en Photoshop. ¿ Por qué hicimos un archivo de 12,000 por 12,000 pixel que, recuerda, es lo mismo que 40 pulgadas por 40 pulgadas? Este es el punto dulce para mí cuando se trata de tamaños de archivo para dos de los sitios primarios de impresión bajo demanda que utilizo, que es Redbubble y Society6. Si voy más de 40 por 40 pulgadas en Redbubble, le cuesta subir y a veces no funciona y si voy menor a 40 por 40 pulgadas, entonces no habilitará todos los productos en Society6, especialmente a los grandes como muebles y ropa de cama, lo que 12,000 pixeles por 12,000 pixeles, que es lo mismo que 40 pulgadas por 40 pulgadas, es perfecto para mí. Lo que quiero hacer en este archivo de patrón es literalmente solo rellenar el patrón de mi bloque de aquí. El motivo por el que esto es importante es porque por aquí en nuestro archivo de bloque, es sólo eso, es sólo el bloque. Puedes ver nuestro lienzo se indica aquí con esta caja azul. Todo pasado que en realidad no es parte de nuestro lienzo. Si tratáramos de salvar esto, lo único que se salvaría es el bloque en sí, nada por aquí. Es por ello que creo un archivo separado para rellenar el patrón en su totalidad. Esto es para el bloque, eso es perfecto, se queda como está. Ese archivo separado tendrá ese patrón inundado completo en él. Te mostraré cómo hago eso. Nuevamente, este archivo de bloque es definitivo, listo para ir. Subiré aquí a Editar, Definir Patrón. Realmente no me importa cómo lo nombre así que solo presionaré “Ok”. Ahora si vuelvo a cambiar a mi siguiente pestaña, que es mi archivo Pattern, así que iré a Capa, Nueva Capa de Relleno, Patrón. Adelante y presiona “Ok”. No queremos esta hiedra verde, así que adelante y encuentra ese caret junto a esa miniatura, tengo muchos patrones aquí en Photoshop, así que desplázate hacia abajo hasta el fondo y tu último patrón estará en el fondo mismo de esa pila. Adelante y tócala una vez, y se llenará automáticamente con ese nuevo patrón. Te voy a mostrar mi truco favorito en relleno de patrones. Está por aquí bajo la escala. En realidad puedes ajustar el tamaño de este patrón haciendo clic en el caret junto a la escala y bajando tu deslizador para hacer el patrón más pequeño, y luego hacia arriba para hacerlo un poco más grande. Pero para mí, quiero llenar ese patrón en que se sienta agradable y lleno en el bloque. Cuarenta y cinco en realidad se ve bastante bien. Creo que iremos con eso. Nuevamente, esta es una preferencia personal, por lo que lo que ajuste aquí ya que la escala solo depende de ti y de lo grande que quieras ver tu patrón en los productos. Pero creo que para mí, 45 se ve bastante bien. Seguiré adelante y presionaré “Ok”. Aquí está lo genial con relleno de patrón, puedes seguir adelante, haz doble clic en esa miniatura de “Capa”, nuevo, no estamos haciendo clic en la “Máscara”, estamos haciendo clic en la miniatura “Capa”, y puedes ajustar el tamaño en cualquier momento. Nunca es permanente. Aquí tienes mucha flexibilidad, lo cual es impresionante. Seguiré adelante y presionaré “Ok”. Una pregunta que obtengo mucho de los alumnos es, ¿cuál es la diferencia entre tu archivo de bloque y tu archivo de patrón? ¿ Cuál es el punto de tener dos expedientes separados aquí? Esta es una gran pregunta y en realidad hay algunas razones diferentes para separar los archivos como este. La primera y más importante razón es que el archivo de bloque tiene todas esas capas editables. Si vuelvo por aquí, vuelve a la pestaña de mi archivo de bloque, verás todas estas capas individuales en la lista. Si alguna vez necesito pasar en algún momento y hacer un ajuste y deshacerme de algo o moverlo, siempre tengo esa flexibilidad aquí en mi archivo de trabajo porque todas estas capas son intacto. Por aquí en mi archivo de patrones, todo está aplanado. Si necesito cambiar un elemento individual, se vuelve mucho más complicado porque no está separado en capas individuales. Si alguna vez necesitas volver atrás y hacer un cambio, es muy fácil hacerlo aquí en tu archivo de bloques porque tienes todos estos elementos individualmente en su propia capa. Tu archivo de bloque es tu archivo editable y tu archivo de patrón es una versión aplanada de ese patrón. El segundo motivo por el que me gusta tener mi archivo de bloque separado de mi archivo de patrón es que me ayuda a mantener todos mis archivos mucho más organizados. Esto es bueno para mí y para mi propia cordura mental, y también es genial para mis clientes licenciados que quieren tener fácil acceso para mis archivos. Si tuviera todo, esos elementos, el archivo de bloques, el patrón, todo contenido dentro de un solo archivo, sería súper caótico. En cambio, es mucho mejor para ellos ser sus propios archivos distintos. Esto es aún más importante cuando nos metemos en crear todas esas alteraciones agradables y jugosas de la paleta de colores más tarde. Notarás que tu panel de capas solo se pondrá cada vez más lleno de capas. este momento, por ejemplo, en nuestro archivo de patrones, sólo tenemos esta capa. En realidad podemos seguir adelante y eliminar esa capa de fondo. Pero una vez que creamos todas nuestras paletas de colores adicionales, verás que el panel de capas realmente comienza a llenarse. Por el bien de la organización, es agradable tener todo el patrón llena en ese archivo y todos los elementos individuales que componen el bloque en un archivo separado. El tercer motivo por el que mantengo el archivo de bloque separado del archivo de patrón es por el propósito previsto de cada uno de esos tipos de archivo. Algunas empresas de impresión bajo demanda requieren que solo subas el bloque, y otras requieren ese patrón completo lo que es por eso que me gusta tener ambos a mano. Echemos un vistazo primero al bloque. Recuerda cuando guardemos este archivo de bloque, no vas a ver todas estas cosas a un lado. Sólo vas a ver lo que contiene dentro de esta caja azul. Posteriormente en esta clase, vamos a estar guardando este archivo de bloque como un JPEG aplanado. Estaremos haciendo eso por esta paleta de colores y todas las paletas de colores adicionales que creamos en esta clase. Una vez que tenga un JPEG aplanado guardado de todas esas alteraciones de color individuales, cargaré este archivo de bloque directamente en Spoonflower y lo apilarán automáticamente y lo repetirán en su productos, que son tela y papel tapiz. Más tarde en esta clase, vamos a estar dando una profunda inmersión en las cargas de archivos como esta. Pero por ahora, solo quiero mostrarte un ejemplo rápido de la diferencia entre ese archivo de bloque y patrón cuando está en una aplicación del mundo real como aquí en Spoonflower. Recuerda, todo lo que hice en Spoonflower fue subir ese bloque original y Spoonflower se está apilando automáticamente y repitiendo justo por aquí. puede ver que es una repetición básica. Si fuera solo ese bloque original, se vería así, pero estamos teniendo a Spoonflower que repita por nosotros. Spoonflower requiere que subas un JPEG del bloque, mientras que otros sitios web de impresión bajo demanda requieren el patrón completo. Aquí, te mostraré un ejemplo con Sociedad6. Aquí, simplemente me sumergiré en un producto en particular. Echemos un vistazo a la alfombra. Aquí, el archivo que he subido no es el archivo de bloque, es ese patrón completo porque dentro de Sociedad6, no tienen la capacidad repetir el bloque por ti. Tienes que hacerlo tú mismo antes de subir. En su lugar, subirás un JPEG aplanado de ese archivo de patrón completo y luego lo dimensionará para que se ajuste a cada producto individual. No es un bloque que se apila automáticamente en el back-end, como lo hace Spoonflower. En cambio, ya tienes ese archivo de patrón guardado y aplanado y cargado como JPEG. Es por eso que quiero tener ambas opciones de archivo guardadas, el bloque y el patrón. Subiré el bloque a Spoonflower porque automáticamente se apilará y repetirá en sus productos porque así funciona su sitio web y luego subiré eso patrón a Sociedad6 y luego escalar hacia arriba y hacia abajo ese patrón para adaptarse a cada producto individual porque recuerda, Society6 no va a repetir y apilar ese bloque automáticamente como hace Spoonflower, razón por la cual tengo que subir el archivo de patrón allí en su lugar. Recuerda la regla dorada de los patrones sin fisuras, lo que sea que se corte el lienzo en un lado debe repetirse perfectamente en el borde opuesto. Pero cuando se trata de mi archivo de patrones, ese no necesariamente tiene que ser el caso. puede ver este floral cortando este borde y no se repite perfectamente en este lado, pero eso está totalmente bien porque el archivo de patrón no está destinado a ser una repetición apilada perfecta. Para eso es el bloque. Esa es la diferencia entre el archivo de bloque y el archivo de patrón. Usa el bloque cuando esté destinado a ser apilado y repetido infinitamente como en los productos de Spoonflower. Usa el patrón como una ilustración plana para productos que no habiliten el apilamiento como lo hace Spoonflower. Esta es la mayoría de los productos en Society6, por eso es por eso donde subo el archivo de patrón. Ahora que todo lo técnico está fuera del camino, adelante y guarda tu progreso. Ahorrar debe ser de segunda naturaleza para ti ya. siguiente es una de mis partes favoritas absolutas de ser diseñador de superficies, está explorando varias paletas de colores. Vamos a bucear. 12. Exploración de colores: [ MÚSICA] Cuando se trata de diseñar patrones, color es manos abajo mis partes favoritas absolutas. Con solo algunos ajustes en Photoshop, puedes crear tantas hermosas paletas de colores a partir de una sola pieza de arte. Personalmente, hago esto por casi cada diseño individual en mi portafolio. Además de ser algo divertido de hacer, crear alteraciones de color es en realidad una estrategia realmente inteligente si quieres optimizar e impulsar tu potencial para ganar ventas. Esta original paleta de colores rosa y azul es realmente encantadora, pero ¿qué pasa si un cliente o un cliente está buscando específicamente algo más como amarillo o verde azulado? En lugar de perder en un posible acuerdo o venta de licencias, puede ajustar fácilmente el color dentro de su obra de arte para crear múltiples versiones fuera del mismo diseño exacto. A veces incluso terminan gustando un color particular alt más que el diseño original. Además explorar el color es una forma fabulosa de expandir tu portafolio. Si estás planeando subir tu patrón para imprimir sitios bajo demanda como Spoonflower o Society6, crear cinco o 10 paletas de colores te dará cinco o 10 diseños más para subir. Todo esto se trata de trabajar más inteligente, no más difícil. Vamos a meternos en ello. La forma en que vamos a estar creando nuestros alts de color hoy es justo aquí en este archivo de bloque. Entonces haremos ese mismo paso que hicimos antes de definir el patrón y luego llenarlo en el archivo de patrón, pero por ahora, adelante y abre tu bloque aquí mismo, y aquí es donde vamos a inicio. Lo primero que voy a hacer es por aquí en mi panel Capas, es bastante caótico. Aquí está pasando mucho. Lo que voy a hacer es desplazarse hasta la parte superior de mi panel Capas, seleccionar esta primera capa, desplazarse hasta la parte inferior, seleccionar esta última capa. No me importan los antecedentes. Voy a presionar el Comando G para agrupar todas estas capas dentro del mismo grupo. Voy a hacer doble clic en el nombre de la capa [NOISE ] y cambiarlo a Trabajando. Trabajar simplemente indica que esto tiene todas las piezas editables todas dentro de esa misma carpeta. Vamos a estar aplanando esto más adelante cuando hagamos nuestras alts de color, por lo que siempre es agradable tener una carpeta que tenga todos esos elementos individuales en ella. De esa manera, si alguna vez quieres volver más tarde y hacer algunos ajustes, todavía lo tendrás aquí dentro de ese expediente de Trabajo. Seguiré adelante y tocaré ese quilate al lado del ícono de carpeta para consolidarlo en mi panel Capas. Recuerda que los antecedentes no están en la carpeta de Trabajo, es aquí abajo debajo de ella. Lo que queremos hacer es hacer clic en tu carpeta de Trabajo para seleccionarla, y vamos a hacer una copia de esa carpeta. Con esa capa seleccionada, el Comando J en tu teclado la duplicará. Esto puede tardar uno o dos minutos porque hay tantas capas dentro de esa carpeta, por lo que eso es lo primero que vamos a tratar. En realidad vamos a consolidar todas estas capas y aplanarlas. Por eso es realmente importante que ese fondo no esté en esa carpeta. Si cambias hacia abajo ese caret y desplázate hasta la parte inferior de tu carpeta, deberías ver que allí no hay fondo. Está aquí abajo fuera de nuestras carpetas en la parte inferior del panel Capas. El motivo por el que esto es importante es porque vamos a aplanar toda esa carpeta. Desplazando hacia arriba hacia arriba de mi panel Capas, puedo seguir adelante y hacer clic en este quilate junto a Copia de trabajo para consolidarla, y ahora con esa capa seleccionada, voy a golpear el Comando E en mi teclado. Ahora lo que esto ha hecho es que se toma todos los elementos dentro de esa carpeta y los aplanó en una sola capa. Ahora, si quieres mover una pieza individual, toda la capa se va a mover porque ya no tenemos esos elementos individuales, todos se han fusionado en una sola capa. Pero eso está bien porque tengo este expediente de Trabajo justo debajo, por lo que siempre estará ahí para mí si lo necesito. Adelante y da click en esa capa superior para seleccionarla, y lo primero que vamos a hacer es jugar con el tono y la saturación. Voy a subir aquí a Capa, Nueva Capa de Ajuste, Tono y Saturación. Adelante y presiona “OK”. Ahora por aquí en nuestro panel Propiedades, podemos ajustar la saturación como lo hicimos antes con muy brillante y saturado y muy desaturado. Puedes traer eso de vuelta a cero para restablecer, pero lo que quiero hacer aquí es jugar con ese espectro de tonalidades. Si haces clic en el toggle debajo de Hue, puedes llevarlo a lo largo del espectro y ver en tiempo real cómo se pueden ajustar esos colores. En el extremo izquierdo del espectro, estamos obteniendo este bonito verde brillante y azul, y si lo traemos de vuelta al centro, y lo llevamos a la derecha, conseguiremos algunas otras variaciones de color fresco como bien. Sea cual sea lo que parezca la extrema derecha va a ser exactamente lo mismo que el aspecto de la extrema izquierda. De cualquier manera, es una diferencia de 180 colores. Cuando estoy jugando con tonalidad y saturación como esta, una de mis formas favoritas de posicionar el toggle es traerlo aquí todo el camino hasta el 180. En mi opinión, tener estos colores polares opuestos generalmente hace resultados bastante interesantes. Sin embargo, en este caso, me gusta mucho lo que está pasando por aquí con esta paleta de lavanda y salvia. Creo que es realmente interesante, así que creo que esta va a ser la primera con la que vaya. Parece que está en negativo 112 aquí arriba en mi panel Hue. Creo que eso se ve muy bien. Voy a seguir adelante y asegurarme que esa capa de tono y saturación esté seleccionada, mantenga presionada Mayús y haga clic en mi “Copia de trabajo”, y luego presione Comando G en mi teclado para agrupar esos dos juntos. Ahora haré doble clic en el nombre del grupo y lo titularé el nombre de mi paleta de colores. En este caso, [RUIDO] Lavendar Sage. Así así, tenemos terminada nuestra primera paleta de colores. Una cosa que quiero abordar muy rápido es por qué fui con esta capa de ajuste en lugar de simplemente ir a Imagen, Ajustes, Tonalidad y Saturación como hicimos antes, y luego jugar con el tono aquí. Lo que hicimos fue ir a Capa, Nueva Capa de Ajuste, Tono y Saturación. Es exactamente la misma herramienta, matiz y saturación. La única diferencia es al convertirla en una capa de ajuste, tenemos un poco más de flexibilidad. Esto es lo que quiero decir. Esta capa de ajuste realmente vive encima de esa paleta original. Eso significa que en cualquier momento siempre podemos volver a esa capa de ajuste y hacerles mis nuevos cambios si nos gustaría. La forma en que ajustamos color no estaba en la capa misma, por lo que siempre permanece perfectamente preservado. En cambio, es una capa justo encima de ella. De esa manera si después estoy tratando recordar cómo logré este color exacto, siempre puedo abrir mi archivo aquí, alternar hacia abajo en las capas, y echar un vistazo exacto para ver los cambios que hice. Nuevamente, esto es sólo una preferencia personal porque me gusta tener un poco más de control con mis archivos. Voy a seguir adelante y toca este quilate al lado Lavendar y Sage para consolidar esa capa. Impresionante. Ahora que tenemos una alteración de color creada, sigamos adelante y hagamos otra. Para esta siguiente, va a ser una técnica llamada color de edición de puntos. Ahí es donde se ajusta el color de una parte de la ilustración, pero luego deja el color en las otras partes de la ilustración consistente. En este caso, voy a cambiar sólo los pétalos de mi ilustración, esas zonas rosadas , naranjas, y voy a dejar las hojas exactamente igual. Te mostraré cómo. Lo primero que vamos a hacer es asegurarnos de que esa capa Lavendar Sage esté seleccionada y luego presionar Comando J en tu teclado para duplicar esa capa. Mientras estoy por aquí, solo voy a seguir adelante y apagar la visibilidad de esas otras capas porque realmente no necesito ver qué está pasando ahí abajo en este momento. Voy a hacer clic en el caret para bajar mi capa, y seleccionar la miniatura de capa para Tono y Saturación. Voy a traer esto de vuelta a cero. Ahora estamos de vuelta a nuestra paleta de colores original. En este punto, voy a sacar esa varita mágica otra vez. Voy a bajar aquí, pincha mi capa para seleccionar todas estas ilustraciones. Entonces voy a presionar W en mi teclado. También podrías llegar allí viniendo aquí a tu barra de menús y asegurándote de que tu Herramienta Varita Mágica esté seleccionada. Aquí arriba en esta barra de menú superior, voy a llevar esta tolerancia hasta 50. Eso significa que va a seleccionar mucho más rosa de lo que de otra manera sería si todavía estuviera a los 32. Quiero asegurarme de que contiguo esté apagado. Recuerda, eso significa que si selecciono ahora una zona rosa, todas las áreas rosadas seleccionarán todas las áreas rosadas dentro de nuestra mesa de trabajo. Es un poco confuso en este momento porque estamos en esa previsualización de patrones, pero recuerda, todo lo que está en el exterior de esta caja azul es solo Photoshop mostrándonos lo que el patrón sin fisuras va parecerse a. Voy a seguir adelante y acercar, Command Plus, Plus, y voy a seleccionar todos los tonos cálidos dentro de mi ilustración. Sostendré la tecla Mayús en mi teclado, y haré clic en las otras áreas que son de color naranja y rosa. Al mantener presionada Shift, voy a hacer click aquí. Aún manteniendo presionada Shift, solo voy a seguir haciendo click y seleccionando hasta que consiga todos estos tonos cálidos seleccionados por mi varita mágica. Si alguna vez quieres revisar y ver si lo seleccionaste todo, puedes seguir adelante y cortarlo golpeando al Comando X, y todavía parece que nos quedan algunas áreas rosadas, así que presionaré Z en mi teclado y zoom en algunas de esas áreas, y luego Comando Z, para deshacer ese corte. Ahora presionaré W para volver a mi varita, mantén presionado Mayús en mi teclado, y hago clic y seleccionaré estas áreas restantes. Parece que hay algunos pedacitos por aquí y tal vez por aquí. Impresionante. Creo que lo conseguí todo. Voy a seguir adelante y revisarlo. Comando X. Sí. Casi. Comando Z, presione W para llegar a mis varitas, mantenga presionada Mayús, y hagamos clic y agarremos estas áreas también. Comando Zero, para caber a la pantalla y al Comando X para recortarlo todo. Impresionante, creo que tenemos casi todos esos tonos cálidos. comando Z, deshará ese corte, y ahora tengo todos esos tonos cálidos seleccionados para los que me gustaría editar el color y la forma en que voy a hacer eso es haciendo una máscara por aquí en mi capa de ajuste. Ya hay una máscara en su lugar. Es esta caja blanca de aquí mismo. Adelante y haz clic en esa casilla para seleccionarla, Controlar click y pulsa Eliminar máscara de capa. Ahora con la selección en su lugar, vamos a sumar la nuestra propia. Nuevamente, se selecciona esa capa de matiz y saturación. Voy a bajar aquí a este pequeño ícono que dice, Añadir Máscara de Capa, y voy a hacer clic en ella. Impresionante. No parece que haya sucedido mucho en pantalla. Verás que esa máscara de capa tiene muchas formas ahí dentro. Todas las áreas negras de esta caja indican esta capa debajo de ella mostrando a través. Pero porque por aquí en nuestro tono y saturación, estamos de vuelta a cero, realmente no se puede ver ningún cambio. Vamos a seguir adelante y cambiar eso. Nuevamente con esa miniatura de tonalidad y saturación seleccionada, no la máscara, sino la tonalidad y la saturación, voy a venir por aquí a mi tonalidad y empezar a jugar con ella en el espectro. Esto es bastante genial. Ahora estamos viendo cambiar el color de esos pétalos, pero esas hojas siguen siendo exactamente las mismas, y eso es porque esa es la capa de hojas aquí abajo que se muestra a través. Nuevamente, voy a hacer click, asegurarme de que la miniatura de tono y saturación esté resaltada, y voy a jugar por aquí en mi espectro de tonalidades hasta que encuentre algo genial. Me gusta mucho lo que está pasando por aquí con estos pétalos azules realmente vibrantes, creo que es una paleta de colores monótono realmente agradable con todos estos azules que vienen a través. Una cosa que quiero ver sin embargo, es lo que si tengo todas las hojas completamente desaturadas para que los pétalos de flores realmente estallen. Te mostraré cómo hacer eso. Lo primero que voy a hacer es venir aquí a mi panel Capas, asegurarme de que esta capa de tonalidad y saturación esté seleccionada, y luego golpear, Comando J en mi teclado, [RUIDO] que duplica la capa. Eso duplicó la acción, así que estamos consiguiendo unos colores bastante locos aquí arriba con los pétalos de flores, pero vamos a arreglar eso rápido. Nuevamente, quiero asegurarme de que esa máscara esté seleccionada, no la miniatura de tono y saturación, sino la máscara misma, y voy a invertir esa máscara, por lo que Comando voy a invertir. Ahora puedo venir aquí, seleccionar mi miniatura de tono y saturación, y bajar esa saturación hasta desaturar por completo esas hojas. Ahora Comando Menos, Menos, Menos, Menos. Esto es realmente genial, tener estas flores y pétalos azules muy vibrantes y luego estas hojas negras y grises completamente desaturadas, creo que es realmente agradable. Voy a seguir adelante y llamar éste una paleta de colores finalizada. Voy a venir aquí al nombre de mi carpeta, hacer doble clic en él, y cambiarlo a [NOISE] azul-gris, y luego puedo hacer clic en ese caret para consolidar las capas. Genial, por lo que ese es nuestro segundo color alt terminado. Te voy a mostrar cómo hacer otro usando colores complementarios. Hago esto todo el tiempo dentro de mis ilustraciones. Creo que los tonos complementarios se ven realmente bien en un diseño, y cuando digo complementarios, me refiero a los colores que se encuentran entre sí en la rueda de color. Rojo y verde, azul y naranja, morado y amarillo. Se obtiene la idea, así que vamos a seguir adelante y probar una paleta de colores complementaria por aquí en nuestro archivo. Lo primero que voy a hacer, por aquí con mi capa azul-gris seleccionada, es golpear el Comando J, para duplicarlo en mi panel Capas. Puedo seguir adelante y apagar la visibilidad de esa capa original y luego alternar hacia abajo en esta zanahoria para abrir nuestras capas. Voy a seguir adelante y ocultar la visibilidad de ambas de estas capas de ajuste y empezar desde cero. Voy a hacer clic en mi copia de trabajo. Sube a capa, nueva capa de ajuste, y esta vez voy a ir por el balance de color. Adelante y presiona, Ok. Esta vez vamos a conseguir un menú ligeramente diferente por aquí en nuestro panel de propiedades. Vamos a jugar con estos en un poco pero primero vamos a ir por aquí y ajustar nuestras máscaras. Recuerda que hicimos estas máscaras usando la Varita Mágica y seleccionando todo el rosa y naranja dentro de nuestra composición. No quiero tener que volver a hacer eso de nuevo, así que quiero usar esa máscara existente. Por aquí en mi panel de capas. Voy a hacer clic en mi máscara de capa junto a balance de color, Controlar click en ella y golpear, Eliminar máscara de capa. Ahora, puedo agarrar esta máscara aquí arriba formando mi tono y saturación, arrastrarla encima del balance de color, y ahora podré ajustar los colores solo para ciertas partes de la ilustración. Ya no necesito estos dos, así que puedo seguir adelante y seleccionar esta capa y presionar “Eliminar” en mi teclado, lo mismo con este de aquí arriba eliminar dos veces. Impresionante. Ahora pasemos y comencemos a editar este color para crear una paleta de colores complementaria. Porque esta máscara representa el color de los pétalos eso es lo que vamos a cambiar primero. Voy a venir aquí a mi icono de balance de color y primero, solo jugar alrededor, ¿qué pasa si traigo el cian todo el camino a la izquierda o rojo todo el camino a la derecha? Lo mismo con magenta o verde, estamos consiguiendo algunas cosas realmente geniales aquí. El amarillo todo el camino a la izquierda, todo el camino a la derecha. Eso es divertido. Pero recuerda, lo que vamos a por aquí es una paleta de colores complementaria. En este caso, quiero ver cómo se ve con flores anaranjadas brillantes y luego las hojas azules, porque recuerda, el naranja y el azul se encuentran uno frente al otro en la rueda de color, lo que significa que es un paleta complementaria perfecta. De nuevo asegurándose de que tu miniatura de capa de balance de color esté seleccionada, volvamos a subir aquí, y voy a llevar estos amarillos todo el camino a 100 negativos porque lo que soy ir por aquí es una paleta de color naranja para estos pétalos y flores. Pero no me consiguió todo el camino, todavía hay mucho rosa y rubor viniendo, creo que lo que tenemos que hacer es pinchar aquí donde dice “Midtones” y lo vamos a cambiar a sombras. Al igual que cambiamos los valores de tono medio antes, podemos hacer lo mismo con sombras y llevarlo todo el camino a la derecha o izquierda para todos estos espectros, cosas tan bonitas divertidas. Pero recuerda que voy por una naranja, así que voy a traer ese rojo ligeramente hacia arriba, traer ese verde todo el camino a la derecha y nos estamos acercando realmente por aquí, y creo que esto podría hacer el truco. Traeré el amarillo todo el camino a la izquierda. Perfecto. Eso nos consiguió un tono naranja realmente bonito para estos pétalos y flores. Ahí lo tenemos. Nuestra paleta de colores complementaria perfecta. Eso es en realidad el color detiene tres de las paradas de color que vamos a explorar hoy. Voy a seguir adelante y cambiar el nombre de esta capa a azul naranja. A continuación, te voy a mostrar cómo puedes dominar colores juntos para que se sienta más armonioso como paleta. Volveré a mi panel de capas, toque ese caret para consolidar la capa azul naranja, y con esa capa seleccionada, presionaré “Comando J” para duplicar. Adelante y desactiva la visibilidad de esa capa inferior, y vamos a bajar ese caret. Voy a seguir adelante y hacer clic en toda esta capa de balance de color [NOISE] y eliminarla de mi panel de capas, y vamos a empezar de nuevo aquí donde empezamos. Para que los colores clave, lo que eso significa es que voy a elegir un color para superponer en todas estas capas y realmente hundir estos colores juntos. Te mostraré lo que quiero decir. Con esa capa de copia de trabajo seleccionada, voy a bajar aquí a la parte inferior de mi panel de capas y hacer clic en “Crear una nueva capa” y ahora tengo una capa en blanco justo encima de ella. Lo que quiero hacer es llenar esta capa con un color sólido. Voy a ir todo el camino por aquí a mi barra de menú izquierda, haga clic en este cuadrado negro y voy a cambiar mi color de primer plano, vamos a probarlo púrpura, y luego presionaré “Ok” y Quiero rellenar esta plaza con morado. Pulsaré “G” en mi teclado para llegar a mi herramienta de cubo de llenado, también puedes llegar hasta aquí en tu barra de menús, y bajando a seleccionar la herramienta de cubo de pintura, y ahora solo haz clic en cualquier parte dentro tu mesa de arte. Recuerda, eso está dentro de esta plaza justo aquí. Ahora todo mi patrón se ha vuelto morado. Te mostraré cómo arreglar eso, y aquí es donde pasa la verdadera magia. Si haces clic aquí arriba en tu modo de transparencia donde dice “Normal ”, puedes explorar tantos modos de transparencia diferentes. Vamos a alternar y encontrar uno que esté funcionando muy bien. La quemadura de color es en realidad realmente agradable, esa inundación de púrpura realmente hunde a los colores existentes. Creo que eso es realmente bonito, así que eso es un fuerte contendiente. Veamos algunos otros. Aclarar es realmente muy agradable también. Eso es algunos pasteles realmente hermosos que vienen a través. Pantalla y aligerar son muy similares, pero sí, esos son agradables. Color dodge, me gusta el color más claro también. Todos estos modos de mezcla de transparencia te dan algunas oportunidades bastante geniales para dominar color y hacerlo un poco más armonioso, pero el que más me inclino es la quema de color aquí mismo. Voy a seguir adelante y haga clic en “Deseleccionar”. Impresionante. Me encanta lo profunda y vibrante que consiguió esta paleta con solo tener esta capa justo sobre ella. Puedes activar y desactivar la visibilidad para ver cómo se ve sin y con. Muy cool. Voy a seguir adelante y nombrar esta paleta magenta índigo. [ RUIDO] En realidad hay otro modo de transparencia me gustó mucho para esto, así que voy a seguir adelante y crear eso muy rápido ya que ya sé que funciona. Voy a seguir adelante y consolidar el caret, presionar “Comando J” para duplicar la capa, apagar la visibilidad de la capa debajo de ella, alternar ese caret hacia abajo, volver a mi capa púrpura. Voy a cambiar eso para aligerar porque realmente me encantó ese pastel si se pone realmente hermoso, sobre todo con este maridaje de menta contra los rosados y púrpuras, hermoso. Voy a seguir adelante y nombrar esta carpeta periwinkle, y esa es una forma realmente sencilla crear una paleta de colores adicional, que tardó dos segundos. Un recordatorio rápido para seguir adelante y guardar su progreso, por lo que “Comando S.” Eso es una envoltura para alteraciones de color. Voy a parar justo aquí antes de que te arrastre a una docena más. Confía en mí, es realmente fácil bajar por ese agujero de conejo. Mencioné anteriormente, por cada diseño que creo, generalmente haré unas cinco o 10 alteraciones de color. Puedes seguir explorando el tuyo hasta el contenido de tu corazón. Si quieres sumergirte aún más en exploración del color y jugar en Photoshop, tengo otra clase de Skillshare llamada cultivar color. Varía paletas en el arte original y hacer crecer tu portafolio. En esa clase, aprenderás a crear aún más alteraciones de color en Photoshop. Puedes verlo haciendo clic en mi nombre arriba arriba y desplazándote por mi perfil hasta que veas todas mis clases. Eso es una envoltura para el color. Pasemos al siguiente paso, que es infundir acentos metálicos directamente en tu obra de arte. 13. Detalles metálicos: [ MÚSICA] Ahora que tienes una variedad de fabulosas paletas de colores diseñadas, te voy a mostrar una técnica más cool, jazzing tu obra de arte con acentos metálicos. Como parte del bono por inscribirse en esta clase, estoy proporcionando 20 texturas metálicas de alta res para que lo descargues e infundas directamente en tus diseños. Entonces primero lo primero, recuerda que puedes encontrar todos estos regalos yendo a catcoq.com/sin fisuras. También puse un enlace a eso abajo en la descripción de la clase. Una vez que estés ahí, podrás descargar todos los archivos metálicos directamente desde Dropbox. Para mí, una vez que se descargan, aparecen aquí abajo en mi carpeta Descargas. Voy a seguir adelante y abrir mi carpeta Metallic Textures. Aquí es donde tengo las 20 de esas texturas metálicas listas para ti. Yo junté estas texturas específicamente para la clase de hoy, por lo que todas tienen el tamaño para adaptarse perfectamente a tu mesa de trabajo. Todos están a 40 pulgadas por 40 pulgadas. Entonces voy a seguir adelante y agarrar uno de estos para usar como ejemplo. Creo que iré con el Glitter Dorado. Con ese archivo seleccionado, solo voy a hacer clic en él y arrastrarlo directamente a mi archivo de bloque. Se ve supermasivo. Si alejo el zoom, el oro solo cubre todo y eso es porque de nuevo, tenemos activada esa previsualización de patrón. Como dije, esta lima de oro, está exactamente a 40 pulgadas por 40 pulgadas, que significa que se ajusta perfectamente a mi mesa de trabajo. Pulsaremos “Enter” para establecer la transformación. Primero las cosas primero, no puedo ver nada, así que vamos adelante y apaguemos la visibilidad de ese oro, volveremos a él en un segundo. Entonces creo que lo que voy a hacer es infundir ese oro justo en mi paleta de colores bígaro. No quiero que todo sea oro. Creo que con texturas metálicas, funcionan mejor como acentos puntuales por donde solo ves algunos de ellos entrando, así que eso es exactamente lo que voy a hacer aquí. Para esta ilustración, creo que voy a tener todos los puntos que sean ese mismo oro y luego tendré esta paleta de vinwinkle viniendo a través. Te mostraré cómo puedes ver metales infundidos así. Entonces primero las cosas primero, voy a seguir adelante y bajar el caret de la paleta de bígaro. Haga clic en mi capa de ilustraciones para seleccionarla. Ahora voy a usar mi Herramienta Lasso para agarrar todos estos puntos. Recuerda, sólo necesitamos agarrar los puntos que están dentro de nuestro lienzo, por lo que todo lo que está contenido dentro de este cuadrado azul. Recuerda que mi Lasso Tool es L en el teclado. También puedes subir aquí a tu barra de herramientas y seleccionar tu Lasso de elección. Para esto, me voy a quedar con la Herramienta Lazo Poligonal. Ahora, voy a acercar un poco, Command Plus Plus. Voy a empezar simplemente seleccionando todos los puntos dentro de mi lienzo. Entonces como puedes ver aquí, traté de agarrar todo este punto así, pero la Herramienta Lasso me está restringiendo solo a lo que hay en mi lienzo, eso está totalmente bien. Sólo tengo que recordar seguir adelante y agarrar ese punto inferior también, que se hace por mí porque sabe lo que estaba tratando de hacer. Recuerda si quieres obtener múltiples selecciones con tu Herramienta Lasso, deseas presionar y mantener pulsada la tecla Mayús en tu teclado y luego hacer clic. Si no tienes seleccionado Shift e intentas agarrar otro elemento, elimina tu otra selección. Así que recuerda solo tienes que mantener presionada Mayús en ese primer clic y luego puedes dejar ir Shift, y se agregará a la selección de todos modos. En realidad puedo agarrar tres en una sola vez con esta. Nuevamente, manteniendo pulsada la tecla Mayús para ese primer clic, ahora puedo soltar Mayús y terminar de seleccionar este punto. Voy a pasar y agarrar todos los puntos de nuevo, no por todo el patrón, sino justo dentro de ese lienzo. Creo que los tengo todos. Para seguir adelante y comprobar, le pegaré al Comando X para cortarlas. No veo nada a la izquierda, así que eso es todo. Los volveré a meter al golpear el Comando Z. ahora lo que quiero hacer es asegurarme de que solo se seleccionen los puntos. No necesito toda esta sala alrededor de los puntos, así que lo que voy a hacer es presionar “V” en mi teclado para cambiar a mi Herramienta Move. Ahora voy a usar las teclas de flecha de mi teclado, y solo toque la flecha derecha una vez, para moverlas todas en una dirección y luego la flecha izquierda una vez, para moverlas hacia la derecha hacia atrás donde estaban. Entonces lo que eso hizo es ahora en realidad agarró los propios puntos, no ese espacio extra alrededor de los puntos. Sólo un pequeño truco rápido ahí. Ahora que tengo los puntos seleccionados, voy a subir a Seleccionar, Modificar, Ampliar, por 1 pixel. Ahora Seleccione Modificar, Pluma, 1 pixel. Ahora, voy a ir por aquí a mi textura dorada, encender el globo ocular para volver a mostrar la visibilidad de esa capa. Mi selección sigue en su lugar, así que voy a bajar aquí a mi icono Agregar máscara de capa y tocarlo una vez para lanzar una máscara ahí. Perfecto. Mientras estamos por aquí en nuestro panel de capas, solo voy a seguir adelante y agarrar esa capa de oro y ponerla dentro de esa carpeta de vinwinkle en la parte superior de la pila de capas. Si lo pongo debajo de ese tono púrpura, los puntos se vuelven morados, lo que en realidad se ve bastante cool, pero no es lo que quiero ahora mismo. Así que lo volveré a poner en la parte superior de la pila. Impresionante. Ahora, si alejo el zoom, se pueden ver todos estos adornos dorados realmente frescos vienen por encima de ese color bígaro. Me acercaré para que podamos ver toda la gloria de esa textura. Eso es realmente encantador en realidad. Sí, eso se ve impresionante. El motivo por el que amplié esa selección antes, es porque no quería que el punto original viniera. Así que cuando amplié esa selección solo por un píxel, aquí, me acercaré aún más, lo que eso significa es que el oro va a cubrir por completo esa capa debajo. Voy a seguir adelante y volver a encender la visibilidad de ese oro, Comando 0 para caber a la pantalla, y ahí lo tienes. Por lo que en realidad es bastante fácil infundir estos metales directamente en tu obra de arte. Algo más que quiero mostrarte muy rápido, ya que ya tenemos esa máscara en su lugar justo por aquí, podemos caer en otras texturas metálicas y ver cómo podrían verse como los acentos de punto también. Te mostraré muy rápido. Si vuelvo a mi archivo Metallic Textures, probemos esta purpurina turquesa en su lugar. Arrastraré eso a mi lienzo. Nuevamente, tiene un tamaño perfecto para caber a 40 pulgadas por 40 pulgadas. Por lo que presionaré “Enter”. Ahora si comando-haga clic en mi máscara misma, no en la miniatura de la capa, sino la máscara. Entonces Comando+click, se puede ver que se replica esa misma selección exacta. Ahora con mi capa de purpurina turquesa seleccionada, si vengo aquí y hago clic en el icono para añadir una máscara de capa, puedo ver cómo se ve también la turquesa. Eso en realidad es bastante genial. Voy a acercarme. Algunos bonitos efectos de brillo suceden aquí. Comando 0 para caber a la pantalla. Entonces esto solo va a mostrar que una vez que tienes una máscara creada, no tienes que aislar esos puntos cada vez. Puedes simplemente Comando+click en tu máscara de capa para replicar la selección y ponerla en su lugar para una nueva. Eso es solo un hackeo rápido para trabajar un poco más inteligente, no más difícil. Creo que prefiero esta capa de oro debajo, así que voy a seguir adelante y con esa capa turquesa seleccionada, acaba de presionar Eliminar en mi teclado. Ahora, voy a cambiar el nombre a Periwinkle Golds para recordarme que esta es la opción de oro metálico. Voy a hacer clic en ese caret para consolidarlo. Ahora tengo una variedad de paletas de colores realmente encantadoras por aquí en mis capas, además del colorway original en sí. Como siempre, puedes seguir explorando acentos metálicos por tu cuenta. Usualmente tengo al menos un par de opciones de color metálico infundido para cada diseño que creo. Eso es una envoltura para los metales, vamos a seguir adelante y pasar al siguiente video, que se trata de guardar tus archivos en la configuración más optimizada posible. 14. Guardar: Ahora que hemos completado todos estos pasos y hemos creado algunos diseños verdaderamente impresionantes en Photoshop, es hora del paso final. Vamos a llenar el resto de nuestros patrones y luego vamos a guardar esos archivos, el archivo de bloque y luego el archivo de patrón con los ajustes de guardado más óptimos requeridos para sitios de impresión bajo demanda como Cuchara, Sociedad6 y Redbubble. Empecemos. mi dulce carpeta florales abierta aquí mismo. Quiero seguir adelante y abrir el archivo de bloques y el archivo de patrón en Photoshop. Propina Pro, adelante y salvarlos a ambos si aún no lo has hecho. Comando S, perfecto. Si voy primero a mi archivo de patrones, veré que ya tengo uno de esos patrones completamente rellenados. No he hecho ningún cambio a este patrón desde que lo llené primera vez por lo que el primero ya está terminado. Lo que voy a hacer es venir aquí a mi panel de capas, doble clic en el nombre de la capa y cambiarlo por el nombre de mi paleta de colores. Para esto, lo voy a llamar azul rosa. Perfecto. El primero ya está terminado. Ahora volveré a mi archivo de bloqueo. Nuevamente, estamos alterando entre estas dos pestañas. Antes de llegar más lejos, quiero hacer doble clic donde dice trabajar y escribir en ese mismo nombre de paleta de colores, tan rosa azul. Nuevamente, mi paleta de colores está indicada en ambos. Recuerda que éste se llama el archivo de trabajo porque tenemos todas las capas individuales dentro de este archivo. A continuación, apagaré la visibilidad de trabajar, encenderé la visibilidad de lavanda y salvia y luego haré ese mismo paso que hicimos antes, donde subo a editar, Definir Patrón. De nuevo, no me importa el nombre. Entonces volveré a mi archivo Pattern PSB. Ven aquí a mis capas, asegúrate de seleccionar rosa y azul y luego pulsa Comando J en mi teclado para duplicar esa capa. Ahora puedo hacer doble clic en la miniatura Pattern y hacer clic en la Zanahoria y bajar a la última creación de patrones, que es ese paladar salvia lavanda. Recuerda aquí es donde puedes jugar con escala y tener tus elementos muy pequeños o muy grandes. Pero encontré antes que 45 por ciento en realidad funcionó bastante bien para ese patrón así que voy a mantenerlo consistente. Pulsaré “Okay” y luego haga doble clic en el nombre de la capa y lo cambiaré a salvia lavanda. En este punto, solo voy a enjuagar y repetir ese proceso y conseguir que todos mis archivos de bloque se repliquen también en mi archivo de patrón, para que todas las paletas de colores sean representado en ambos expedientes. Escribiré volviendo a mi archivo de bloque. Apaga la visibilidad de la salvia lavanda. Encienda la visibilidad de azul-gris, editar, Definir patrón. Volver a mi archivo de patrones. Nuevamente con salvia lavanda seleccionada, voy a golpear el Comando J, haz doble clic en la miniatura de la capa, desconectaré la zanahoria y seleccionaré mi último patrón. Luego presiona “Okay”, no olvides actualizar tu nombre de capa azul-gris y repetir. Esa fue la última. Ahora tengo todas mis paletas de colores por aquí en mi archivo de bloques, rellenadas como patrón y replicadas por aquí en mi archivo de patrones. Quiero seguir adelante y guardar mi fichero de patrón Comando S, para que no pierda ningún progreso. Este es el punto si no pusiste su firma en el bloque porque no quiere que se repita con tanta frecuencia. Aquí me acercaré y te mostraré cómo se ve la mía. Mi firma se repite aquí, aquí, aquí, y aquí. Si no te gusta esa mirada, entonces está bien. Puedes poner tu firma no en el archivo de bloque sino en el propio archivo de patrón. Te mostraré cómo. Volveré a mi cuadra, encenderé la visibilidad de mi expediente de trabajo y quiero encontrar mi firma. Simplemente acercaré, presionaré “V” para llegar a mi herramienta Mover y haga clic derecho en mi firma, que resaltará esa capa. Ahora si separo esta pestaña solo tirando de ella hacia un lado, puedo agarrar esa capa, hacer clic y arrastrarla a la derecha a mi archivo de patrón. Es blanco por lo que desapareció así que sólo voy a golpear el Comando T, pulse “Ok”. Ahí está. Se esconde por aquí. Este es el punto donde podría ponerlo en algún lugar mi archivo de patrón si no está ya en el bloque. Si no tienes firma repetida ahora, este es el momento de seguir adelante y meterla en algún lugar dentro del diseño. Normalmente me gusta en la esquina inferior derecha así que tal vez lo pondría dentro de este pétalo aquí mismo así que “Enter”. Por eso no puedo verlo. Está debajo de esta capa de oro vinwinkle. Adelante y haz clic en él y arrástralo hacia arriba. Ahí está, Z y pull in, Comando T para abrir transformar y puedes dimensionarlo para que quepa. Comando 0 para caber a la pantalla. Este es el momento de nuevo para enchufar tu firma si ya no se está repitiendo, pero como la mía ya se está repitiendo, voy a seguir adelante y eliminar lo que acabo de hacer. Eso fue solo un ejemplo para mostrarte. Lo final que quiero hacer en este archivo de patrón es caer en esa textura de papel. Ya lo he descargado de Dropbox, así que está por aquí en mi carpeta Descargas. Simplemente voy a hacer clic y arrastrarlo directamente, porque recuerda que ya tiene un tamaño 40 pulgadas por 40 pulgadas. Adelante y presiona “Ok”. Si te estás preguntando por qué acabamos bloquear toda nuestra ilustración, lo que tenemos que hacer es ir por aquí a nuestro modo de fusión y cambiarlo para multiplicarlo. También se asegura de que esa textura de papel esté en la parte superior de su pila de capas. No está escondido en algún lugar en el medio, pero está en la parte superior de la punta. Ahora si presiono “Z” y tire adentro, usted será capaz de ver que la textura del papel viene a través de la obra de arte. Esa textura de papel se multiplica sobre absolutamente todo por lo que estás viendo venir a través de una manera realmente sutil a través de la obra de acuarela misma. Aquí te mostraré cómo se ve sin la textura del papel, donde está muy limpio pero también muy cruda y luego con la textura del papel. Porque mi cuadro original era acuarela, prefiero mucho esto. Tener ese fondo de textura de papel de acuarela en ese archivo de patrón, marca una gran diferencia y ayuda a esta pintura se sienta mucho más natural. De nuevo, te mostraré sin esa textura y anchura de papel. Encantadora. Comando 0 para caber a la pantalla. En este punto he terminado de optimizar mi archivo de patrón y mi archivo de bloque. Voy a seguir adelante y guardar mi archivo de patrón, Comando S. Ahora que tenemos ambos archivos de trabajo terminados, tenemos el archivo de bloque y el fichero de patrón, 100 por ciento listo para funcionar. Es hora de guardarlos como JPEG individuales para que estén listos para ser subidos para imprimir sitios bajo demanda como Spoonflower, Society6, Redbubble, Etsy, o lo que sea que esté usando. Te mostraré cómo exporto esos. Lo primero que voy a hacer es volver a unir estas pestañas para que sea fácil cambiar entre las dos. Veamos. Tengo mi archivo de bloqueo por aquí. Sólo voy a hacer clic en él y meterlo justo aquí. Tengo mis dos pestañas de fácil acceso entre las dos. En este punto, solo voy a estar yendo entre estos dos archivos y guardando cada una de las formas de color como su propio JPEG individual. Voy a empezar con un bloque aquí mismo, y primero, voy a ir a mi panel de capas, consolidar ese archivo de trabajo de nuevo, y voy a empezar de abajo a arriba aquí. Voy a empezar con mi paleta original. He escondido la visibilidad de todas mis otras capas. Voy a ir a File, Save As, y esto es un bloque. Entonces empezaré aquí, excepto que voy a empezar el nombre de archivo con la opción de paleta de colores. Llamé a este PinkBlue. El nombre completo va a ser la opción de paleta de colores PinkBlue, Sweet Florals, que es el nombre del diseño que le di, y luego Block porque eso es lo que es esto. Estamos en el expediente del bloque justo aquí. Lo único que quiero cambiar ahora es el formato. No quiero guardarlo como cualquiera de estas opciones. En realidad quiero guardarlo como copia para que pueda guardarlo como JPEG. Ahora te darás cuenta aquí arriba en la parte superior, la extensión ha cambiado a JPG, lo que indica JPEG. Un JPEG es un archivo aplanado, por lo que va a tomar todas esas capas que tenemos aquí en nuestro panel de esas capas que tenemos aquí en capas y las aplanará hacia abajo en una sola capa. Una vez que mi obra está completamente finalizada, este es el momento de los JPEG. No necesito tener ninguna capa en mi JPEG, que no tengo de todos modos porque todavía tengo las capas en mis archivos PSB que funcionan. Entonces JPEG es sólo un tamaño de archivo mucho más pequeño que nuestros archivos de trabajo masivos, pero tiene todo nuestro diseño allí en alta resolución, listo para funcionar. Vamos a seguir adelante y presionar “Guardar”. Siempre quiero guardarlos a la máxima calidad. Pulsaré “Ok”, y tenemos una salvada. Voy a volver a nuestra carpeta SweetFlorals muy rápido, y te mostraré cómo se ve ese JPEG. Está justo aquí. Se guarda como JPEG. Voy a abrirlo en Photoshop, y esto es todo, así que es nuestro archivo de bloque exacto. No tenemos ese patrón extensible saliendo porque no estamos en preestreno de patrones con esto. Esto es solo nuestro JPEG. Si echas un vistazo por aquí en nuestro panel de capas, verás que es solo una capa. No tiene todas esas capas individuales como las que tenemos en nuestro archivo de trabajo, lo cual es genial porque el JPEG es solo esa imagen aplanada. Para eso lo necesito. Si echa un vistazo por aquí, el tamaño de imagen de nuestro JPEG es exactamente el mismo que el tamaño de imagen de nuestro archivo de trabajo. Por lo que sigue siendo 40 pulgadas por 40 pulgadas. Que si cambiamos eso a pixeles, es que 12,000 por 12,000, la resolución es de 300. Todo se ve impresionante. Por aquí en nuestro modo de color, todavía estamos en color RGB, que es perfecto. Uso el color RGB para cada uno de mis diseños porque cada sitio de impresión bajo demanda que vendo a través requiere un modo de color RGB, no CMYK. Me quedo con RGB para todo. Puedo seguir adelante y cerrar este JPEG. Acabo de abrirlo como ejemplo. Ahora voy a ir a mi carpeta de patrones, y voy a hacer exactamente lo mismo. Desactivaré la visibilidad de todas las capas que no son mi PinkBlue, y ahora guardaré esta como JPEG aplanada también. Archivo, puedes saltarte un paso aquí con solo ir a Guardar como copia. Voy a hacer click donde dice PinkBlue, y cambiar bloque a patrón. Quiero asegurarme de que estoy guardando esto como JPEG y que la extensión de aquí esté cambiando a JPEG y presionaré “Guardar”. Nuevamente, a máxima calidad, que es 12, y pulse “Okay”. Genial. Ahora solo voy a repetir esos mismos pasos exactos y guardar todas mis paletas de colores individuales como sus propios archivos JPEG. Volveré a mi cuadra. Apaga la visibilidad del PinkBlue, enciende la visibilidad de la salvia lavanda, y haz lo mismo. Archivo, Guardar Como copia. Voy a hacer clic donde dice PinkBlue. Cámbialo a LavenderSage, y asegúrate de que lo estoy guardando como JPEG, y que la extensión esté cambiando a JPG. Pulsaré “Guardar”, y vendré aquí a mi archivo de patrones y haré lo mismo. Apaga la visibilidad de PinkBlue. Enciende la visibilidad de LavenderSage. Expediente. Guardar una copia. Haga clic en “LavenderSage”, cambie bloque a patrón y guárdelo como JPEG. Ahora sólo voy a acelerar un poco el proceso. Genial. He terminado de salvar todos mis JPEG. Te mostraré cómo se ve mi carpeta. Ahora, de repente esa carpeta se llenó mucho más. Tenemos todas nuestras paletas de colores individuales guardadas como JPEG, así como nuestros tres archivos de trabajo. Tenemos los elementos originales, tenemos el patrón, el bloque, y luego todas estas variaciones de nuestros archivos JPEG tanto en bloque como en patrón. Ahora que has aprendido a guardar todos tus archivos en los tipos de archivos óptimos, te voy a mostrar cómo subo esos para imprimir sitios bajo demanda. Esto va a ser un pequeño bono detrás de escena echar un vistazo a mi proceso de carga. 15. Subir a POD: Antes de sumergirnos en un poco detrás de escena donde te muestro cómo subo mis patrones a sitios de impresión bajo demanda, quiero tomar un segundo y darte mi primicia interior en sitios de impresión bajo demanda respondiendo esta gran pregunta. ¿ Es posible hacer dinero a través de la impresión bajo demanda? Después de todo, hay tanta competencia. Contesta, absolutamente. Aquí están mis mejores consejos para tener éxito en print-on-demand basado en mis ocho años de ser un top seller en Society6. Consejo 1, su tienda personal en un sitio de impresión bajo demanda lo convierte en una cartera fabulosa. De hecho, así es como muchos de mis licenciantes realmente me encontraron. Encontraron muchos de mis diseños en Society6 primero, y luego hicieron clic en mi biografía y encontraron un enlace a mi dirección de correo electrónico, mi página web, o a mis redes sociales maneja todo en mi biografía. Es por ello que es tan importante tener tu información de contacto enumerada en tu biografía, ya sea tu correo electrónico, enlace a social o página web, o todo lo anterior. Esto hace que sea realmente fácil para los clientes encontrarte y llegar. Consejo 2, puede y debe vender sus diseños a través de múltiples sitios de impresión bajo demanda. Siempre y cuando las plataformas a través de las que estás vendiendo estipule que todos los diseños que subes son no exclusivos, estás listo para ir. Lee siempre los términos y condiciones para asegurarte de que el acuerdo de licencia sea no exclusivo y que siempre conserves el derecho de autor completo de tus diseños. Consejo 3, busca nuevas empresas de impresión bajo demanda para que estés primero en la puerta si lo hacen grande. Society6 es un fabuloso sitio de impresión bajo demanda, pero han existido desde 2009 y tienen muchos creadores de contenido, al igual que yo, vendiendo a través de su plataforma. Esto es bueno y malo. Es bueno porque son una empresa bien reconocida, y como mencioné, muchos de mis clientes inicialmente me encontraron porque encontraron primero mi trabajo en Sociedad6. Pero puede ser difícil darse cuenta cuando estás compitiendo con miles o cientos de miles de otros artistas. Una estrategia es buscar nuevos sitios web de impresión bajo demanda para que puedas crecer con ellos. Mixtiles es uno con el que me involucré a finales de 2019, y al mismo año que viene, 2020, fueron en realidad mi tercer sitio de impresión bajo demanda más rentable. Puede pagar mucho tiempo para ser el primero en la puerta. Nuevos sitios de impresión bajo demanda se están abriendo todo el tiempo. Recomiendo hacer algunas investigaciones en línea para encontrar otras nuevas antes de que se vuelvan masivamente populares. Consejo 4, sube tu obra de arte de manera consistente. Mi objetivo es subir un nuevo diseño cada día a los sitios web de impresión bajo demanda, y por supuesto, al crear diez paletas de colores diferentes de un diseño, eso me da diez días completos de subidas, lo cual es impresionante. No subo todas mis paletas de colores a la vez. En cambio, trato de extenderlos a lo largo de unas semanas o meses para que toda mi alimentación no sea solo un diseño en múltiples colores. Es hora de que el ejemplo de bonificación te muestre cómo agilizo el proceso para subir mis diseños a los tres sitios primarios de impresión bajo demanda que estaré mostrando hoy, Sociedad6, Spoonflower, y Redbubble. Escucho de mucha gente que subir tus archivos a sitios de impresión bajo demanda puede ser un gran dolor, y confía en mí, definitivamente he estado ahí. Te voy a mostrar mi método además te mostraré cómo optimizo para palabras clave y títulos para sacar la mayor tracción de mi obra de arte. Voy a empezar bajo el supuesto de que ya tienes cuentas configuradas en estos sitios. Si no, es realmente sencillo configurar tu tienda. Voy a empezar subiendo mi dulce patrón floral en las paletas de colores originales. Además, un recordatorio rápido de que si seguiste usando mi misma ilustración floral exacta, no puedes subirla para venderla online ya que soy quien la diseñó. No obstante, si tienes tu propio patrón que digitalizaste en esta clase, ese no es mío, ve por ello. Empezaré abriendo Sociedad6. Voy a empezar aquí mismo con Sociedad6. Le pegaré a vender. Entonces ve aquí para agregar nueva obra de arte, selecciona archivo, y en mi carpeta florales dulces, voy a empezar de nuevo con esa paleta de colores rosa azul original como el archivo de patrones, no el bloque, pero el patrón para Sociedad6. Voy a seguir adelante y presionar “Abrir”, y se llama florales dulces rosados y azules. Perfecto. Voy a seguir adelante y el Comando A para seleccionar eso, Comando C para copiar. Entonces ve aquí a Redbubble. Subiré a mi cuenta, agregaré nuevas obras de arte, subir trabajo nuevo, y agarrar ese mismo patrón exacto. Presione “Abrir” y haga clic bajo Título Comando V para pegar. El siguiente es Spoonflower. Iré a mi tablero. Da click donde dice “Agregar Diseños”, y ahora algo que quiero señalar, tus archivos para Spoonflower tienen que ser menos de 40 megabytes. Si voy aquí a mi carpeta, mi archivo de bloque es en realidad un poco más grande. Voy a seguir adelante y redimensionar eso abajo solo para Spoonflower, pero no justo sobre mi original. Abriré ese bloque en Photoshop e iré a Imagen, Tamaño de Imagen, y bajémoslo a 20 por 20 pulgadas. La mitad del tamaño original. Presione “Ok”, Archivo, Guardar como. Recuerda, no queremos escribir sobre el bloque original porque eso es mucho más alto res así que si un cliente o socio de licencias lo necesita después, todavía tenemos el bloque de alta resolución para enviarlos. Haremos una res más baja para Spoonflower ya que estamos por encima de ese límite de archivos. Después del bloque, solo voy a hacer Spoonflower, y ese es mi recordatorio para mí mismo de que este bloque es en realidad una imagen de res más baja. Nuevamente, es un JPEG. Voy a seguir adelante y presionar “Guardar”. Ahora echemos un vistazo por aquí en nuestros archivos. Perfecto, ahora estamos bajo ese límite de 40 meg, que es exactamente lo que queremos. Ahora puedo volver a Spoonflower, haga clic en “Elegir archivos”, agarra esa opción de Spoonflower y pulse “Abrir”. He confirmado mis derechos de autor y quiero subir. Mientras estamos esperando esos Subidas, te voy a mostrar un pequeño truco que uso en mis carpetas. Estamos de vuelta aquí en mi dulce carpeta florales, y aquí están pasando muchas cosas. Lo que acabo de hacer es cargar esta paleta de colores a los tres sitios de impresión bajo demanda. Quiero crear un pequeño recordatorio para no volver a subir esto en unas semanas, meses o años a partir de ahora. Voy a usar una herramienta llamada etiqueta de color, que es algo que puedes hacer con MacBooks. Lo que voy a hacer es seleccionar todos mis archivos, Comando A, presionar Comando, y hacer click para desseleccionar esos escaneos originales, y voy a Controlar click y poner ahí una etiqueta roja para recordarme subirlos a Redbubble, control-click de nuevo. Pon ahí una etiqueta morada para recordarme que subas estas a Sociedad6, y pon ahí una etiqueta verde para recordarme que las suba a Spoonflower. Ahora, como ya he subido la versión rosa azul, puedo seguir adelante y apagar esas etiquetas desde que ya he hecho esa acción. Nuevamente, control-click, ve a mis etiquetas y borra las tres. Ahora si abro esta carpeta en unos días o meses o años a partir de ahora, sabré que todo lo que tiene una etiqueta de color en ella es un archivo que aún necesita ser cargado a estos sitios web de impresión bajo demanda. Ya que tengo miles de diseños en mi cartera, esta es una muy buena manera de simplemente darme un recordatorio rápido de lo que se ha subido y lo que aún no se ha subido. Volviendo a Sociedad6, terminó de subir. Voy a seguir adelante y presionar “Continuar”. Sí, este es mi trabajo. No, no es maduro. Continuar. El rubro para esto es la pintura. Antes de añadir mis etiquetas, en realidad voy a seguir adelante y hacer eso por aquí en Redbubble. Las etiquetas de palabras clave son cualquier que se relacione con lo que podría ser tu obra de arte Estos son realmente valiosos para incluir cuando subes tu diseño porque muchos usuarios encontrarán tu trabajo porque han buscado tal vez una de estas palabras de etiqueta. Para esto, voy a usar etiquetas como flor, flores, florales, patrón, floración, primavera, verano, naturaleza, hoja, hojas, acuarela, jardín, vacaciones, colorido, y mi marca, catcoq. Creo que esa es una cantidad bastante buena de etiquetas, y ahora que están en la lista, haré el Comando A para seleccionar todas, Comando C para copiar, y luego volver aquí a Sociedad6 y pegarlas aquí. Perfecto, y la razón por la que lo hago de esta manera es así que sólo tengo que escribir las etiquetas una vez y luego puedo simplemente copiar y pegar en Sociedad6 y Spoonflower, hablando de, vamos a ir aquí a Cuchara y pegar esas etiquetas en. También voy a seguir adelante y revisar el título, suite florales. Rosa y azul. Mantengo mis títulos consistentes en todos los sitios Print On Demand. Volvamos a Sociedad6. Por valores predeterminados, muchos de los productos empiezan a ser alterados así que quiero encontrar los que están apagados y volver a encenderlos. Ahora para algunos productos como este póster, creo que este diseño es demasiado pequeño para este producto exacto. Quiero seguir adelante y agrandarlo en este cartel, así que iré a Editar. No olvides guardar tus cambios. Aquí es donde puedo subir un poco esa escala para que se vea un poco más natural en un cartel. Una cosa que quiero tener en cuenta es que mi firma siempre es visible. En este caso, está aquí arriba dos veces. Creo que está bien. Quiero señalar aquí con la escala, esto es el 100 por ciento de lo que soy capaz de escalar esta obra de arte como en este producto. Sociedad6 no me deja escalarlo más allá de lo que es capaz de seguir imprimiendo con una resolución de alta calidad. Debido a que estos archivos vuelven a ser tan masivos, en realidad puedo conseguir esto bastante grande. No lo necesito tan grande, pero solo quiero señalarlo para que puedas ver un ejemplo. Sociedad6 nunca te permitirá escalar tu producto más allá de lo que es capaz de seguir imprimiendo con una resolución de alta calidad, lo cual es bastante impresionante. Vamos a bajar eso de vuelta. Creo que esta colocación se ve muy bien y ahí está mi firma ahí mismo así que vamos a seguir adelante y Save & Habilitar. Esta es una de las cosas geniales. Society6 te permite habilitar por lotes tus productos, lo que significa que no tenemos que hacer exactamente lo mismo de ampliación y redimensionamiento para cada producto. Para productos que tienen dimensiones comparables, podemos seguir adelante y marcar más de uno en. Bandeja para servir, colgar en la pared y bandeja de acrílico, vamos a seguir adelante y hacer que se vean exactamente así. Habilitar. Genial. Ahora puedes ver cómo se ve esto con un diseño más grande. Creo que se ve mucho mejor. Lo que voy a hacer es simplemente pasar, alternar los que son buenos para ir y tal vez editar y ajustar los que necesitan tener ese patrón, ser un poco más grande. Por ejemplo, esta almohada de tiro, realmente no me gustó la forma en que se veía con un patrón muy intrincado y fino. Creo que los patrones se ven un poco mejor cuando son modernos y agrandados así que voy a volar éste un poco también. De nuevo, mi firma se está cortando aquí y aquí así que sólo voy a ajustarla para asegurarme de que mi firma aún sea visible. Perfecto. Siempre puedes generar una vista previa para ver cómo se ve esa escala en el producto. Esta es solo una herramienta útil para ver tu diseño en tiempo real en un producto. Eso me parece impresionante. Ahí está mi firma agradable y evidente, pero no demasiado abrumador. Seguiré adelante y presionaré “Save & Enable”. Quiero esa misma dimensión para la bolsa de asas, para las artes de la madera de la pared, y casi todos estos excepto el papel pintado. Vamos a llegar allí en un segundo. Genial. Ahora puedo ver cómo se ve mi diseño ampliado como arte de pared de madera. Porque recuerda que habilitamos esto cuando editamos la almohada. También veo cómo se ve más grande en cosas como relojes de pared y esa almohada de piso. Pero lo que quiero abordar a continuación es el fondo de pantalla porque esto sí requiere un patrón de repetición. Voy a ir a Editar, y recordar este archivo de patrón no es una repetición perfecta. Se puede ver la flor que se recorta en el lado izquierdo no se repite perfectamente en el lado derecho. Aquí es donde el bloque es útil para Sociedad6. Voy a subir un nuevo archivo, seguir adelante y agarrar ese bloque y presionar “Abrir”. papel pintado es el único producto en Society6 que en realidad requiere un patrón sin fisuras. Este es el único producto al que realmente subo ese bloque. En Sociedad6, todo lo demás es ese archivo de patrón, que recordar no es una repetición perfecta. Guardé ese bloque para solo fondo de pantalla en Sociedad6. Mientras esto se está subiendo, voy a ir por aquí a Redbubble y empezar a habilitar algunos productos. Generalmente apago patrones en camisetas como esta. No creo que se vean muy bien. Funcionan mucho mejor como estampado full on, como en estas camisas de aquí mismo. Pegatinas. ¿Por qué no? Alguien podría estar interesado en eso. Simplemente seguiré desplazándome hacia abajo. Lo mismo, quiero seguir adelante y escalar el patrón en la almohada, que se puede ver en tiempo real, lo cual es realmente útil y llevarlo a un lugar agradable aquí. ¿ Dónde está mi firma? Ahí está ahí abajo. Genial. Voy a seguir adelante y aplicar cambios. No puedes habilitar por lotes productos en Redbubble como puedes con Society6 por lo que es un poco más de mantenimiento. Bajaremos aquí, habilitaremos las faldas y más o menos adelante y encenderemos todo. Para algunas cosas, tal vez quiera redimensionarlas y hacer el patrón un poco más grande. Simplemente pasaré y habilitaré productos que sean buenos para ir y redimensionar los que necesitan un poco más de trabajo. Te voy a mostrar algo aquí abajo. Voy a usar la bolsa de duffle como ejemplo. Creo que este patrón se ve demasiado grande en ese producto y en realidad quiero que se vuelva mucho más pequeño y afinado. A pesar de que ese archivo de patrón está cargado, todavía podemos llegar allí con Redbubble. Voy a ir a Editar, y no puedo traer mi patrón más pequeño porque ahí es literalmente donde termina. Si quiero que mi patrón sea más pequeño en el producto, ¿qué hago? El bloque. Iré a Reemplazar Imagen, voy a agarrar este bloque y subirlo. Una de las cosas geniales con Redbubble es que en realidad te permiten subir tu bloque y luego controlar cómo se apila y se repite y lo grande y pequeño que se pone. No se puede hacer esto con Sociedad6 por lo que Redbubble es bastante cool de esa manera. Necesito esperar a que esto suba antes de mostrarte cómo. Si bien eso sigue subiendo, voy a ir por aquí a Spoonflower. Mi diseño ya está subido. Tengo mi título, todas mis etiquetas, y lo que quiero hacer es posicionar esto por lo que se ve bien en un producto. Recuerda que ese bloque era realmente grande por lo que nuestro patrón es enorme en tela. Es difícil hacerse una idea de escala aquí mismo en Redbubble incluso con el gobernante. Soy una persona visual así que necesito ver cómo se ve en un producto real. Puedes hacerlo eligiendo Ver Todos los Productos. Voy a hacer clic derecho y abrir esto en una nueva pestaña para que esto se quede aquí y pueda ir a mi nueva pestaña y ver cómo se ve en un producto real. Papel pintado, interesante. Aquí vamos. El patrón se ve realmente genial en los productos en realidad, pero es demasiado grande. Incluso aquí en esta almohada, eso es demasiado masivo de un patrón. Definitivamente quiero escalarlo un poco, tal vez mucho. Para hacer el patrón un poco más apretado y más pequeño, puedo ir justo por aquí y hacer clic en “Más pequeño 21". Eso es literalmente la mitad del tamaño de donde estábamos antes con 40. Vamos aún más pequeños y veamos qué pasa. 10.5, éste se ve bastante bien. Voy a seguir adelante y guardar el diseño. Si bien eso es ahorrar, voy a volver atrás y revisar mi progreso en Sociedad6. Genial. El bloque ha subido completamente aquí mismo a nuestros productos de papel tapiz. Vamos a seguir adelante y hacer clic en Generar vistas previas para ver cómo se ve. Impresionante. Eso se ve realmente bien como fondo de pantalla en realidad. Se puede ver que ese patrón sin fisuras hizo un trabajo perfecto de repetir, apilar y baldosas absolutamente perfectamente sin bordes desalineados. Eso se ve impresionante. Voy a seguir adelante y haga clic, “Guardar & Habilitar”. No necesito esto en ningún otro producto así que voy a hacer clic, “Saltar este paso”. Genial. En este punto, sólo voy a pasar por Society6, habilitar productos que se ven bien y seguir adelante y editar productos donde quiero ajustar un poco esa escala. Al igual que esta alfombra, podría traer eso un poco y asegurarme de que mi firma aún esté incluida en algún lugar de ese diseño. Presiona “Guardar”, y habilita eso también para los otros tipos de productos. Sociedad6 tiene muchos productos diferentes. Una vez que termines de pasar y habilitar a todos ellos, puedes venir aquí y publicar tu obra de arte. Cuando se publique, el estado aquí cambiará para indicar eso y podrás verlo en vivo en tu tienda Society6 en todos los productos que habilitas, lo cual es bonito cool. Sociedad6 está terminada. Pasemos aquí a Redbubble y revisemos nuestro progreso. El bloque terminó de subir para nuestras bolsas de lona. Como se puede ver, los elementos se hicieron aún más grandes en esas bolsas de duffle, que no queremos, pero en su lugar, subimos ese bloque para que podamos escalarlo. Tienes la opción de remarcar tu patrón y de esa manera, puedes hacerlo tan pequeño y detallado como quieras o tan grande como este, que de nuevo, no queremos para la bolsa de duffle. De nuevo, puedo ver esto en tiempo real ya que lo escalo y puedo encontrar un bonito tamaño que funciona muy bien. En realidad me gusta mucho eso, así que presionaremos “Aplicar cambios”. Con Redbubble, tienes ambas opciones. Puedes subir tu archivo de patrón o puedes subir tu bloque y luego apilar y repetirlo en productos. Una vez terminados tus productos Redbubble, puedes seguir adelante y guardar tu trabajo. Una vez que esté completamente procesado, podrás verlo en vivo en la página web de Redbubble. Tanto para Society6 como para Redbubble, a veces puede tardar hasta 15, 20 minutos antes de que lo veas en vivo en tu tienda. Es sólo procesamiento en los backends. último pero no menos importante, volvamos aquí a Spoonflower. Ahora que se guarda este nuevo tamaño, veamos cómo se ve en los productos. Impresionante. Este tamaño más pequeño en realidad se ve mucho mejor en los productos que el más grande así que creo que esto va a ser bueno para ir. Aquí es exactamente donde voy a guardarlo. Volveré a Spoonflower, y quiero seguir adelante y habilitarla para todos los productos. Spoonflower es un poco diferente a Society6 o Redbubble. Para Spoonflower, en realidad tienes que comprar una muestra de muestra de tu diseño antes de poder habilitarla para la venta. El motivo por el que hacen esto es otra vez, porque esos patrones de repetición son tan difíciles de hacer. Quieren asegurarse de que en realidad se va a alinear y lucir bien cuando apruebes esa muestra antes de que otras personas puedan comprar su obra de arte. Si quieres tener un diseño particular venta en Spoonflower, primero tienes que comprar una muestra. Pero para los otros dos, Society6 y Redbubble, una vez que se publique tu diseño, cualquiera puede comprarlo. Eso es una envoltura para el detrás de escena con Print On Demand. Espero que haya disfrutado esto detrás de escena echar un vistazo a mi proceso de carga. A continuación tengo algunas reflexiones finales que compartir con ustedes en nuestro último video de la clase de hoy. 16. Reflexiones finales: [ MÚSICA] En primer lugar, solo quiero decirte lo impresionante que eres por llegar hasta el final de esta clase. diseño de patrones sin costuras es el tipo de patrón más desafiante y me tomó años dominar completamente el proceso. Ya estás por delante de la curva cuando se trata de diseño de superficies. Puedes tomar las habilidades que aprenderás hoy y crear tantos diseños geniales que tienen aplicaciones del mundo real en la industria del diseño de superficies. No puedo esperar a ver cómo se juntó tu patrón. Por favor, siéntase libre de compartir su obra de arte en la galería de proyectos estudiantiles abajo. Puede encontrar la galería en la pestaña Proyectos y Recursos. A la derecha, verás un botón verde que dice Crear proyecto. Haga clic en eso y una vez que esté ahí, tendrá la opción de subir una foto de portada, agregar un título y escribir una pequeña descripción. Puedes incluir tanto texto como imágenes aquí. Si pasara a tomar algunas fotos de proceso a lo largo del camino, me encantaría verlas, también. Por favor, considere compartir una foto de su boceto o pintura entonces cómo el patrón final se unió en Photoshop. Dado que los archivos de Photoshop que creamos hoy son masivos, funcionará mejor si solo tomas una captura de pantalla de tu archivo de Photoshop. Después sube esas capturas de pantalla a la galería del proyecto. Las capturas de pantalla se cargarán mucho más rápido a Skillshare que nuestros archivos masivamente gigantes de Photoshop. Una vez subido tu proyecto, aparecerá en la galería de proyectos estudiantiles. Puedes ver otros proyectos aquí y te animo a que te gusten y comenten el trabajo del otro. Si quieres compartir tu proyecto en Instagram, por favor etiquetame, @catcoq, y Skillshare @skillshare para que podamos gustar y comentar allí, también. Bonificación, de vez en cuando, decido resaltar el trabajo estudiantil en mis correos electrónicos, por lo que siempre hay una posibilidad de que puedas conseguir tu futuro de obra de arte ahí, también. Hablando de correos electrónicos, si quieres conseguir una cabeza arriba tan pronto como inicie mi próxima clase, por favor, haga clic en ese botón de seguimiento arriba para seguirme en Skillshare. No sólo serás el primero en saberlo en cuanto salga mi próxima clase, sino que también envío mensajes a mis seguidores y están repletos de consejos útiles, obsequios y recursos de artistas, y el sorteo ocasional gratuito de membresía de Skillshare. Me encanta dar a mis alumnos estas divertidas ventajas. También puedes seguirme en Instagram para ver nuevas obras de arte que estoy creando y donde en el mundo estoy viviendo en este momento. este momento, estoy en mi Airbnb en México donde he estado viviendo dentro y fuera durante el último año. Mi próximo destino es España, donde estaré acogiendo un retiro de artistas durante el verano y después de eso, ¿quién sabe? He estado viviendo de una maleta durante los últimos seis años así que la vida es una aventura completa. Lo último, quiero recomendarte unas clases para ti ya que hoy tomaste mi clase de patrones sin fisuras. Si te gustó este y quieres echar un vistazo a más de mis clases a lo largo de la misma cosa, te recomiendo ver, Cultivando Color, Vary Palettes en Arte Original y Grow Your Portfolio. En esa clase, te sumergirás profundamente en la exploración del color en Photoshop. Además, dejo caer muchas bombas de valor en términos de crear paletas de colores que se venden especialmente bien, y cómo rastrear las tendencias de color para que tus ilustraciones puedan elevarse a la crema del globo. Puedes encontrar esa clase haciendo clic en mi nombre encima este video y desplazándote mi perfil para ver todas mis otras clases. Otra que te podría interesar es una Guía paso a paso para Licencias de Arte. Venda su primera pieza de obra en línea. En esa clase, básicamente obtendrás un headstart en la venta de tus obras de arte en línea, centrándote en sitios de impresión bajo demanda como Society6. Desde que he vendido más de 100,000 productos en Sociedad6, esta clase es esencialmente yo diciéndote todo lo que me ha funcionado muy bien. último pero no menos importante, si quieres aprender a crear un patrón de repetición en tu iPad usando la app de dibujo Procreate, checkout, mi clase, dibujando patrones sin fisuras en Procreate plus professional consejos de diseño de superficie. Esa es otra clase amigable para principiantes. Así que incluso si nunca has usado Procreate antes, podrás seguir lo largo muy bien. Si disfrutaste hoy mi clase, por favor, deja una reseña. Estas críticas significan mucho para mí y me encanta leer sobre lo que pensabas de mi clase. Llevo más de cinco años enseñando en Skillshare. En el cumplimiento que salgo de ser maestra es lo que me mantiene motivado para seguir inspirando a mis alumnos. Ustedes son impresionantes. Bueno, muchas gracias por acompañarme hoy, no puedo esperar a ver tus patrones sin fisuras. Cuídate y te veré la próxima vez. [ MÚSICA]