Paisaje soleado en acuarela: luz, distancia y atmósfera

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando una escena campestre iluminada por el sol en acuarela Lo que realmente me gusta de este tema es cómo nos invita a pintar tanto con libertad como con intención. El cielo abierto, las montañas distantes y los amplios campos, nos dan espacio para trabajar libremente, mientras que la casa, los árboles y el camino proporcionan la estructura suficiente para mantener todo unido Exploraremos relaciones cálidas y frescas y cómo sugerir riqueza en la tierra sin sobredescribir cada detalle He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde la vida silvestre y los retratos hasta paisajes de la ciudad y Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International watercolor Society, la Masters of watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarlas en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y pintemos un paisaje que se sienta amplio y acogedor. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse a la clase de hoy. Piense en esta pintura como un viaje hacia la profundidad y la atmósfera. El sinuoso camino se convierte en una invitación a la escena, guiando el ojo desde el primer plano hacia el calor de la casa y más allá hacia las suaves colinas azules Alrededor de eso, tenemos un hermoso contraste entre la estructura y la flojedad natural, techos limpios y árboles contra hierbas rotas, flores y cielo cambiante Esto lo convierte en un tema maravilloso para explorar dónde ser precisos y dónde dejar que la acuarela permanezca abierta, suave y llena de vida. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la pestaña de proyectos y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la Galería de Proyectos del estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de esbozar esta escena, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás seguir. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul silan, lavanda, morado, ridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton, o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato qwinkles fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel Arches porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar el cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás seguir en la clase de hoy. Vamos a seguir adelante y esbozar esta escena. 4. Preparación de la composición: Entonces, antes de que baje cualquier pintura, tenemos que esbozarla. Y si no estás usando la plantilla de rastreo, que sí te aconsejo que uses porque solo ahorra tiempo y hace que las cosas sean más precisas para el proceso de pintura. Pero si quieres hacer tu propia pintura original, definitivamente es una parte del proceso que vale la pena ralentizar porque cuando gente mira una acuarela suelta como esta, menudo asumen que la libertad fue lo primero Ellos ven los bordes rotos, los pastos suaves, el lavado del cielo a la deriva, y todo ese precioso papel abierto E imaginan que la pintura debió haber sido improvisada desde el principio Pero en realidad, lo que permite que la pintura se sienta libre después es esa estructura que ya se ha pensado con esmero. Entonces por eso ayuda asegurarse de que el dibujo sea exacto para empezar y por qué aconsejo usar esa plantilla en la sección de recursos si tus habilidades de dibujo no son seguras o cómodas. Por supuesto, es algo que tienes que practicar de todos modos. Entonces tal vez puedas esbozarlo en una hoja de papel separada solo para practicar. Y luego usa mi plantilla para tu pintura principal. Entonces en esta etapa, no estoy tratando de producir un hermoso dibujo a lápiz por sí mismo. Simplemente estoy tratando de crear un mapa tranquilo, algo ligero, algo unobtruse Pero algo lo suficientemente claro como para no tener que cuestionar la ubicación principal más adelante. Entonces las formas de la nube están ahí. Ahí está la línea de los cerros distantes. El pueblo, los cipreses, el sinuoso camino está todo ahí para ayudarme a guiarme. 5. Creación de capas inferiores: Una de las cosas más singulares de esta pintura es que no vamos a empezar por el cielo. Vamos a comenzar con los edificios, que es el punto focal. Pero no estoy empezando solo porque sea el punto focal. Es porque el cielo es en realidad mucho más oscuro que los edificios. La mayor parte del tiempo en la acuarela, el cielo es más ligero. Entonces estoy siguiendo la regla típica de la acuarela de pintar cosas ligeras primero. Y esto es solo una capa inferior ligera solo para obtener un poco de textura Estoy usando un poco de siena quemada, tal vez un toque de ocre amarillo, un bonito color cálido Yo también estoy tocando ligeramente en el camino ahí. Otras veces al pintar, comenzamos con el cielo y en cierto modo establece el ambiente para la pintura. Pero con este procedimiento particular que estamos haciendo, en realidad comienza con la intención más que con la atmósfera. Todavía no estoy tratando de hacer que el mundo entero se sienta aireado y expansivo todavía. Solo estoy pintando estos techos de terracota usando las líneas diagonales que coinciden con el ángulo del techo Estoy estableciendo silenciosamente el lugar donde finalmente se asentará el ojo. Los techos van primero con ese tipo de nota cálida de terracota Y de inmediato, ya hay un poco de pulso de vida en medio de la página. Unas notas cálidas pálidas donde se iluminará el sol. Más adelante agregaremos sombras. Más adelante agregaremos más definición. Esto es solo un poco de una capa inferior. Por supuesto, hemos agregado ese lavado muy ligero al camino también solo porque no quiero que sea un blanco puro. Yo sólo quiero que sea blanquecino. Lo justo para comenzar a conectar al espectador con el pueblo desde el principio. Es algo muy útil de recordar en la pintura de paisajes. No siempre tenemos que comenzar con el lavado más grande. A veces es más poderoso comenzar con el emotivo resaltado de la pintura, estas casas, la zona que le da todo una razón para existir. Y en este caso, esos techos cálidos simplemente no son pequeños detalles. Son como pequeñas brasas resplandecientes en medio de un espacio más fresco que agregaremos más adelante con el cielo azul y la vegetación fresca Así que hasta ahora sólo me quedo con esa siena quemada. Eso es básicamente todo lo que he usado. A lo mejor puedas añadir un toque de roble amarillo. No creo que lo haya hecho. Manteniendo las cubiertas bastante limitadas. 6. Capa inferior del campo: A medida que el techo se estaba secando, solo lo rasqué un poco con un cepillo porque parecía un poco demasiado ordenado, así que puedes ver cómo un poco manchados los techos de terracota, y eso es intencional, por lo que es un poco Ahora estoy mezclando algunos de los colores verdosos, y voy a explorar todos los diferentes tipos de verde Tengo el verde ridian mezclado con un poco de amarillo cadmio, secándolo con un pañuelo para crear un poco Entonces el verde superior, el viridiano puro en mi paleta es algo genial. Es un verde fresco. Y ese verde debajo de él, con el amarillo adentro, eso es más cálido. Entonces, lo bueno de los greens o la forma de hacer que los greens se vean atractivos es crear un poco de variedad con ellos. Y esto es solo una capa inferior. Entonces no vamos demasiado fuertes. Incluso estoy usando amarillo puro aquí. Por supuesto, eso va a mezclarse con algunos de los verdes que ya tenemos en el papel. Entonces empezamos con esos ligeros lavados para los edificios y el techo Ahora, una vez que los tengamos colocados, podemos comenzar a pintar que se extienden hacia afuera hacia la tierra circundante. Y lo que quiero aquí no es definición completa y detalle. Esto sigue siendo solo una capa inferior. Esa frescura, esa transparencia y una sensación de que la escena apenas comienza a despertar para facilitarnos la entrada en la pintura. No necesitamos hacer nada demasiado difícil en este momento. Ahí tengo muchos amarillos puros, algo de fuidan verde, dije, tal vez mezclando un poco de esa Apenas lavados muy ligeros, amarillos pálidos, verdes claros, nada demasiado intenso. Podemos empezar a dejar caer unas naranjas suaves y cálidas y tal vez para contrarrestar esos ligeros toques de azul frío, solo para mantener esa capa inferior un poco más interesante Lo clave en esta etapa es que se mantengan transparentes. No queremos agregar mucho grosor ahí. Todavía podemos ver las líneas de lápiz debajo. No queremos cargar el paisaje demasiado pronto. Quiero que la tierra se sienta bastante iluminada por el sol y abierta y transpirable. Esa sensación de aire en el interior y el paisaje a menudo comienza con la ligereza que podemos colocar estos primeros lavados ahí Este lado izquierdo va a ser un poco más delicado porque ahí tenemos algunos viñedos a lo lejos, así que tengo que asegurarme de que no sea demasiado abstracto, así que es un poco más delicado. Comparado con el lado derecho, pintaremos a continuación. Esa es otra razón por la que quiero mantenerlo ligero y abierto porque agregaremos más detalles más adelante, mientras que el lado derecho, será un poco más abstracto. 7. Capa inferior expresiva: Así que ahora podemos pasar a la zona derecha del primer plano. Y esto va a ser un poco más fuerte, un lavado temprano que es más fuerte que el lado izquierdo porque estoy tratando de conseguir un poco de asimetría Evita que la pintura se sienta demasiado organizada de manera uniforme. Este lado derecho empieza a cobrar un poco más de peso, y va a ser un poco más azul-verde en lugar de amarillo calidez un toque de verde. Entonces vamos a tener algo de blues, vamos a tener algo de suavidad. Yo pre mojé el papel para asegurarme de que estamos pintando mojado sobre mojado, y estoy empezando con un tipo similar de colores Ese amarillo es un poco más verde apagado porque lo estoy mezclando con la sienna quemada Entonces comenzarás a ver que hay un poco de contraste entre los dos lados que ya preparan el escenario para los valores futuros y las capas que vienen más adelante en la pintura. Por supuesto, todavía no se va a explicar completamente, pero es el comienzo o está insinuando los colores y expresiones más potentes más adelante Agregar este tipo de azul serlean al amarillo lo convierte en una especie de verde turquesa Entonces en realidad no es tan natural, pero da una explosión de color que podemos salirnos con la suya en acuarela. Si ambos lados juntaron demasiada oscuridad temprana, el camino central, que va a ser un poco más ligero, y, por supuesto, vamos a tener una sombra este camino en primer plano Entonces el pueblo empezaría a perder ese sentido aireado de atención y no se sentiría tan atractivo. Y en una pintura como esta, los campos no sólo ocupan espacio. Están creando esta apertura psicológica, esta vegetación Hacen que el pueblo se sienta acogedor, ese verano sintiéndose accesible A menudo pienso en la zona de tierra de término medio en una pintura como parte que enseña a la vista cómo viajar. Entonces por eso es muy importante este camino. No debería parar el ojo, debería cargarlo. Y ahí también hay algunos trazos horizontales. Así que solo estoy usando estos colores otra vez para hacer algo de capa inferior para los árboles de fondo también Nuevamente, no están tratando de convertirse en la mayor exhibición de pinceladas Sólo nos estamos divirtiendo jugando con él. Voy a conservar mucho del camino. No obstante, aquí tengo algunas marcas oscuras o rotas alrededor del centro, y me gustan estas marcas porque impiden que el camino se sienta demasiado vacío o artificial, y aumentan esa línea de dirección. Siguen siendo bastante sobrios y abstractos. Y el camino en este punto es solo más una forma guía que una superficie texturizada. De nuevo, volveremos a eso tal vez al final del cuadro. Lo que es igualmente importante es lo que permanece intacto. Entonces, por el momento, ni siquiera hemos tocado el cielo. Sigue siendo blanco, y las colinas distantes aún esperan hacerse para que todavía estamos en esa divertida etapa de expresión de estar sueltos y crear esa energía 8. Mixing The Sky Colours: Entonces ahora lo he secado todo, y se puede ver que tenemos algunas marcas expresivas. Es muy orgánico, nada demasiado controlado. Y a la izquierda aquí, estoy empezando a implicar esos viñedos, solo un sentido de perspectiva y dirección, realmente, usando solo un clásico color verde. Mezclé usando Vidian y ocre amarillo. Estos no tienen que estar demasiado limpios porque, nuevo, llegaremos al final después. Se trata de generar esa energía dentro de nosotros mismos para divertirnos, aflojarnos, ser expresivos, no ser demasiado apretados. Aún no se ha resuelto. No es una prisa llenar la página. Esta es una de las razones por las que las primeras etapas de la acuarela pueden sentirse tan hermosas. Llevan tanta promesa y potencial y emoción porque son lo suficientemente ligeros como para sugerir muchas posibilidades, pero al mismo tiempo, lo suficientemente claros como para ayudar a guiar la pintura hacia adelante con nuestros colores y la estructura. Y si somos pacientes con ellos, a menudo conservan esa frescura sobre la que pueden construir etapas posteriores en lugar de luchar. Así que ahora hemos terminado con la capa inferior para la vegetación de la casa, y vamos a trabajar en el cielo Aquí sólo estoy mezclando los colores, y estoy mezclando bastante porque va a ser un cielo muy profundo. Principalmente, estoy usando azul cobot, también hay serllan y ultramarinos Entonces estoy mezclando todos los azules que tengo en mi paleta. 9. Starting The Sky: Antes de agregar pigmento al papel, solo estoy ensayando mis pinceladas sin ningún pigmento A veces premojo todo el cielo, pero eso es si es un cielo muy suave, húmedo sobre mojado. Por el momento, con esta pintura, quiero que haya algunos bordes duros para las nubes blancas. Así que es un cielo un poco más dinámico y audaz. He usado mis marcas de lápiz para averiguar y planificar dónde van a estar las nubes, pero todavía va a haber mucha espontaneidad en ella E incluso mientras estoy aplicando este azul, todavía voy a tocar otros colores como este morado, este violeta que tengo ahí. Entonces puedo usar un cepillo limpio y húmedo que vuelve entre mi recipiente de agua para crear algunos bordes lisos para que no sean todos duros, tal vez algunas técnicas de pincel seco. Está siendo muy espontáneo. Es uno de los mayores cambios en toda la pintura, en realidad, el momento en el que finalmente entra el cielo y la escena repente gana su atmósfera plena. Porque hasta ahora, todo ha estado silenciosamente en la mitad inferior y alrededor de la zona focal. Pero una vez que llega el skywah, especialmente con esas grandes formas de nubes blancas conservadas, toda la imagen respira De pronto, hay este inmenso aire sobre el pueblo. Ese sentido de la altura. De pronto, está todo este mundo más allá del camino y de los campos. Y esa es una de las grandes alegrías de agregar un cielo más tarde en una pintura como esta porque no simplemente llena el espacio, transforma la sensación El azul es obviamente más fuerte en la parte superior, y tal vez lo haga en capas separadas en lugar de una sola vez para obtener los tonos correctos. mejor en la parte superior izquierda, lo mejor en la parte superior izquierda, va a ser más fuerte porque creo que aquí va a ser una buena opción porque ayuda a equilibrar la pintura a la vez que permite que las masas de nubes dominen el mismo centro. No quiero simplemente hacer un lavado plano azul. Quiero mucha variación, bordes rotos, suavidad en algunos lugares, un poco de textura en otros. Las nubes necesitan algo a su alrededor para que se sientan vivos. Y si el cielo estuviera demasiado parejo o demasiado pulido, las formas de las nubes se sentirán recortadas en lugar de luminosas. Por supuesto, estamos cortando al blanco del papel, así que tenemos que tener cuidado para conservarlo. Es muy fácil ir demasiado lejos, y es casi imposible recuperar esos blancos puros una vez que los sobrepintamos. Así que solo vale la pena tenerlo en cuenta para tener un poco de cuidado. 10. Cómo dar forma a las nubes: Entonces las nubes que estoy tratando de pintar no son todas diminutas o incluso tan quisquillosas o ni siquiera tan esponjosas, de verdad. Algunos de ellos lo son. Algunos de ellos son bastante duros, aunque. Tienen formas amplias o se conservan de manera bastante generosa Ahí hay muchos bordes con textura dura. Y eso es bastante importante porque grandes formas de nubes le dan a esa pintura una sensación de confianza. También hacen eco de la escala de ese paisaje bajo pequeñas nubes quisquillosas sobre una amplia escena rural, se siente bastante desconectada, no realmente en armonía No va con el mensaje principal o intención de la pintura. Así que estoy tratando de usar nubes bastante generosas, grandes masas, y he secado el papel, y voy a volver a entrar aún más audaz ahora Entonces estoy haciendo el cielo en diferentes capas para que no me sobrepinte accidentalmente los blancos Quería rellenar en armonía con los amplios campos abajo y eventualmente conectarlo a los campos distantes. Otra razón por la que el cielo necesita ser bastante audaz es para que tenga suficiente contraste con el terreno cálido porque sobre todo el edificio, estamos pintando negativamente el edificio porque el cielo va a ser más oscuro que el edificio. Si el cielo estuviera demasiado débil, no le daría a la escena lo suficiente de esa frescura. Y el azul también ayuda a establecer el lado frío del rango de temperatura de las pinturas, lo que luego hace que todos los ocres iluminados por el sol y los amarillos y los verdes de abajo se sientan más cálidos Una de las cosas que más me parece hermoso pintar cielos es que piden una mentalidad ligeramente diferente a casi cualquier otra parte del paisaje Cuando pintamos los edificios o el árbol o el camino, generalmente estamos pensando en la forma y la colocación de una manera bastante directa. Pero cuando pintamos un cielo, a menudo estamos pintando algo menos sólido, menos fijo, mucho más emocional, realmente. El cielo no es sólo otro objeto en la escena. Es parte que nos dice cómo se siente el día. Influye en toda la escena, realmente. Por eso creo que los cielos en una pintura merecen un poco más de paciencia o pensamiento Todavía se puede hacer muy rápido. No sólo en un sentido técnico, sino también en un sentido mental. Porque antes de pintar uno, me gusta preguntar ¿qué tipo de sentimiento de emoción debe transmitir? ¿Es un cielo quieto donde todo se siente tranquilo y suspendido? Es un cielo cambiante, donde la luz se siente como si estuviera cambiando todo el tiempo, muy parecida a esta. A lo mejor tenemos múltiples colores diferentes. Es una puesta de sol. Comienza del azul, luego va al morado, a las naranjas, se enfría, es casi bastante poético, realmente, pensando en preguntas poéticas para ayudar a guiar la forma en que queremos que se sienta la pintura 11. ¡Desde el cielo hasta las colinas!: Ahora bien, aquí es cuando la pintura del cielo se vuelve un poco más ambigua ya que hacemos una especie de transición del cielo a colinas y montañas distantes Por supuesto colinas en la distancia, estar tan lejos será azul de todos modos. Entonces este es del mismo color que el cielo. Sin embargo, en realidad es una colina o montaña lejana. Entonces a medida que bajemos, los vamos a estar haciendo la transición a un color más cálido Entonces vamos a estar trayendo algunas violetas y cosas así A lo mejor un poco más verde azul es el diferente El azul es el color más cool que existe Entonces, aunque nos volvamos verdes, técnicamente todavía se está calentando un poco. Y de inmediato entra en juego esa perspectiva y el pueblo da un paso adelante un poco. Eso es lo que estoy tratando de capturar en una escena campestre cuando profundidad no se describe a través de los detalles, sino a través de la temperatura del color y el control del valor, la distancia más fría, más suave, más alejada, permite que el pueblo más cálido se sienta más cerca sin ninguna tensión Este es un buen momento para hablar profundidad atmosférica porque esta etapa comienza a mostrar con qué claridad se puede crear el espacio en un paisaje sin depender demasiado de los detalles. Cuando la gente comienza a pintar paisajes, a menudo hay una tendencia a pensar que la profundidad solo viene de líneas de perspectiva o de hacer cosas lejanas más pequeñas Por supuesto, eso realmente ayuda. Pero en la pintura, especialmente la acuarela, profundidad a menudo proviene tanto de la suavidad, la temperatura y la moderación. Las cosas distantes tienden a perder intensidad. Tienden a enfriarse un poco, ablandar un poco, fundirse más entre sí Por eso estoy rompiendo muchos de estos bordes conectando las nubes con las colinas de agua pura. Las cosas cercanas tienden a llevar un contraste de valor más fuerte, una variación de borde más fuerte. Por supuesto, todavía no hemos pintado ninguna de esas cosas porque eso será más adelante. Esto lo sabemos intelectualmente, por supuesto, pero el verdadero reto es aprender lo poco que realmente se necesita para que todas estas cosas sean creíbles Estos cerros son un buen ejemplo de ello. No están siendo sobredescritos, estoy siendo bastante suelto con ellos. Estoy rompiendo algunos de los bordes, manteniéndolos amplios, capas frías. Porque en realidad son amplios y frescos y retroceden de una manera interesante, y en realidad no piden atención o no necesitamos sacar el pincel pequeño y pintar mil árboles a el pincel pequeño y pintar la distancia que apenas podemos ver Simplemente crean un lugar para que el pueblo se pare frente a él. Y ese es realmente el secreto. La distancia lejana en la pintura suele funcionar mejor cuando se comporta como un escenario Está ahí para proporcionar el contexto, la escala, la atmósfera, pero no demasiado definido y completo. Si los cerros distantes se vuelven demasiado contrasteros, demasiado ocupados o de colores demasiado ricos, empiezan a aplanar la pintura porque el ojo empieza a tratarlos como elementos iguales Pero si siguen siendo suaves y modestos, pueden permitir que las formas más cercanas tengan más presencia O. 12. Arbustos de distancia: También creo que hay algo profundamente calmante profundidad atmosférica y la acuarela Estas capas que retroceden y esas distancias suavizadas o las suaves transiciones del cielo fresco y las colinas a la tierra cálida Mira, ahora estoy usando un poco más de púrpura ya que nos estamos acercando un poco más, creando un color distinto que no es lo mismo porque la calidez obviamente se acerca. Crea una especie de quietud dentro de la pintura, teniendo la atmósfera detrás. Se siente quieto. Se siente como que a pesar de que hay movimiento, tiene un ritmo lento porque es un poco más grandioso Es un poco más colosal. Entonces tengo que recordarme todo el tiempo ese tipo de cosas, especialmente en un tema como este, ese sentimiento importa igual, si no más que la ubicación real y los temas que estoy pintando. Porque no sólo estamos pintando campos y algunos edificios. Estamos pintando al aire libre, el sol, la distancia, la tranquilidad. Ese es el verdadero mensaje de la pintura. Quiero que se sienta amplio. No sólo me pregunto, ¿qué necesito pintar? Pero también, qué necesito simplificar o cómo puedo simplificarlo tanto como sea posible sin dejar de transmitir ese sentimiento. Porque la profundidad a menudo se protege más por la simplificación que por la adición La mayor parte del tiempo en esta pintura es realidad corregir o simplificar las cosas en lugar de agregar detalles Pinto algo y lo miro, pienso, ¿Qué puedo editar de él? Idealmente, en un mundo ideal, simplemente se pintaría en esa forma simple, pero no todo el tiempo. Entonces cada vez que hay ir y venir, remolcar y tirar la pintura, es porque estoy pensando en áreas que pueda suavizar o deshacerme de los detalles Podemos ver ahora que el término medio izquierdo es un poco más oscuro, también, a medida que se acerca. No es tan ligero como las colinas distantes, sobre todo con esa franja azul más profunda que conecta el campo de primer plano Eso me gusta porque fortalece ese tipo de estratificación espacial Evita que el paisaje se convierta en un campo continuo de color pálido. Crea una nota media entre el pueblo y las montañas, que es exactamente lo que la profundidad de las necesidades. No es solo la parte delantera y trasera, sino unos intervalos convincentes en el medio También he empezado a incursionar en los árboles también. En el lado izquierdo, hay un ciprés sutil, que irá mucho más fuerte y más oscuro después Yo solo quería agregar un poco de verde para un poco de capa inferior ahí Y luego lo que sea que este árbol sea más tupido, más gravoso, usándolo como elemento de diseño para que ese contraste entre el techo encuentre la forma del 13. Creación de sombras.: Entonces ahora lo he secado de nuevo con un secador de pelo, y voy a empezar a agregar un poco más de forma a los edificios pintando algunas sombras sobre ellos para aumentar algo del contraste. Porque los edificios, por supuesto, son los puntos focales. Están destinados a ser el centro de interés, y hay muchas líneas de guía que llevan la mirada hacia ellos. Muchas veces, la gente piensa que el punto focal es solo sobre la oscuridad más oscura o la luz más clara o el área más detallada Y a veces es una de esas cosas o una combinación de ellas. A veces son todos juntos. Pero lo que realmente hace que un punto focal funcione es la relación. Un punto focal no es solo un área fuerte. Es un área que se hizo fuerte, por cierto. Todo lo demás lo apoya. Entonces en esta pintura, esa masía, la casa del viñedo, funciona como centro de interés, no porque sea inmediatamente lo más dramático de la página, sino porque se coloca en la composición de una manera que se sustenta en el camino. Está calentado por esos primeros colores de techo que pintamos antes, y se le permite suficiente espacio para respirar a su alrededor. Es como plantar una semilla en el parche correcto de tierra. Por supuesto, más adelante, vamos a agregar un poco más de contraste para que realmente sea pop. Y estas sombras van a hacer mucho de eso por nosotros también. También pintaremos en árboles oscuros que ayudarán a enmarcarlo que una distancia más fría lo empuja hacia adelante o lo empuja hacia adelante. Pero el punto focal comienza con la colocación mucho antes de que comience con la intensidad. Y creo que es muy útil pensar en este principio en la pintura en general. Si el punto focal está mal colocado, entonces ninguna cantidad de detalle lo guardará. Pero si está bien colocado, incluso un diseño muy simple puede hacer que se sienta bastante significativo. Entonces, para elaborar estos diseños, practico dibujar bocetos en miniatura todos los días como hábito Y solo toma 5 minutos o menos hacer un boceto muy simple, nada demasiado detallado o definido, solo para resolver cómo organizar una composición de una manera que sea agradable. Y luego después de un tiempo, haciéndolo todos los días durante rotondas de cinco a diez años Puedes llegar a estas escenas casi en tu imaginación y simplemente encontrar referencias extrañas solo para ayudar a guiar un poco mejor los detalles o la estructura. Pero la composición se puede hacer u organizar de muchas maneras diferentes. Y, por supuesto, mirar a otros artistas que te gustan puede ayudar a formar tus decisiones y ayudarte a planificar tus pinturas también. Si puedes trabajarlo en una miniatura, el ojo puede sentir esa importancia antes de que realmente entienda por qué Simplemente tienes una especie de sensación por ello corto plazo antes de comprometerte con un cuadro grande. 14. con pincel seco, tonos oscuros: Entonces cuando pienso en la masía aquí, no estoy pensando solamente, cómo puedo hacer de eso el punto focal. También estoy pensando, ¿cómo puedo dejar que todo el cuadro conduzca hacia eso? El camino hace eso, como mencioné antes, las bandas horizontales de tierra también lo hacen. Algunas de las nubes se curvan alrededor de eso, también. Los campos llanos abiertos hacen eso. Al hacer retroceder un poco los árboles distantes, eso ayuda también. A lo mejor puedas aumentar algo del contraste un poco más tarde. Puedo ver que alrededor de los tejados de la casa, podemos hacer las colinas detrás de ella un poco más oscuras para hacerla estallar un poco más. Con estas sombras, solo estoy usando un tono muy neutro. El gris va a funcionar bien, pero puedes mezclar tus propios grises usando Sienna quemada Eso es lo que tiendo a hacer. Utilizo cualquier color que tenga en mi paleta para hacer un color neutro. Pero si siento que hace demasiado calor, agrego el ultramarino ahí para enfriarlo y si siento que está demasiado frío, agrego la sienna quemada para calentarla Realmente no uso el rojo porque eso es demasiado potente y a veces antinatural para una sombra El marrón tiende a ser de un color agradable para calentar las sombras sin exagerar. Ahora tengo una consistencia muy espesa y pastosa en mi pincel. Y es un marrón muy oscuro, un verde oscuro, lo siento. Entonces usaré ridian con un poco de marina caliente ahí dentro Sólo para conseguir esa oscuridad. Esta es la primera vez que tenemos la parte más oscura de la gama tonal en nuestra pintura También usando un poco de azul serlean, pero es tan grueso que casi parece negro cuando se contrasta con el fondo Entonces así es como voy a pintar el follaje y los arbustos alrededor del árbol. Empiezo con este pigmento muy espeso, y luego voy a volver más tarde para agitarlo, reactivarlo, crear esos bonitos efectos Es decir, técnicamente, todavía está mojado sobre húmedo el pigmento, aunque es de consistencia muy espesa, sigue húmedo. Crea efectos interesantes porque las partículas y los pigmentos, la granulación interactuarán con el agua porque cuando echemos agua pura sobre esta, como haremos en un minuto, tomarán estos gránulos gruesos y irán en las pequeñas grietas y texturas del papel para crear sus propias Entonces no voy directamente a pintar el follaje yo mismo. Estoy manipulando la acuarela para que lo haga por mí. Pintar en este ciprés. Crea una especie de puntuación vertical. Hay un montón de horizontales pasando. Entonces estos cipreses también se ponen más a la derecha después son una buena contradicción a eso, buen contraste Hay algo visualmente agradable tener verticales claras y horizontales claras Y eventualmente el primer plano oscuro, la sombra será una fuerte horizontal Y en cierto modo, funciona como marco. No lo hemos pintado, pero se pueden ver las líneas de lápiz. Tenemos el ciprés bajando en el lado izquierdo del edificio, y casi va a conectar con las sombras debajo para enmarcar los edificios. 15. Árboles y arbustos: Entonces es por eso que en muchas pinturas, el punto focal no tiene que ser excesivamente detallado. Si la composición está funcionando correctamente, ya tiene algún tipo de aura a su alrededor. Ya tiene una gravedad visual, y los detalles se convierten en algo más como refinamiento, no rescate Estoy pintando esto a un nivel de detalle que siento que quiero expresar, y como que encuentro mi propio disfrute en él. Pero es perfectamente comprensible si las personas tienen sus propios gustos y tal vez no quieren pintar sus propios detalles, pueden ser un poco más flojas, un poco más abstractas A lo mejor no quieren dedicar tanto tiempo a ello. Eso también está perfectamente bien. Entonces como antes aplicamos un poco de verde grueso, ahora estoy aplicando un poco de siena quemada marrón gruesa Y ahora se puede ver que estoy poniendo un poco de agua casi pura ahí. No lo estoy cubriendo todo. Estoy permitiendo que se conserven algunas brechas para que ese verdor sea preservado Tan puro verde viridiana ahí, sobre todo en la parte superior porque si te imaginas la luz, claro , se está reflejando en las hojas superiores, no en las hojas inferiores Así que siempre va a ser más oscuro en la parte inferior que en la parte superior. Pero va a haber algunos buhes que están en capas en la parte superior. Entonces vamos a tener algunos momentos destacados dentro de los oscuros, pero todavía no me estoy enfocando en esos momentos destacados. Para empezar, solo lo estoy bloqueando. Definir el borde de ese techo y cómo conecta la pared. Entonces estamos pintando negativamente esa pared con contraste. Entonces esta área en este momento es posiblemente el punto focal central del centro muerto Entonces por eso tenemos el contraste más agudo ahí. Porque todos los edificios son el principal punto focal. Pero al aumentar esa textura y contraste de tener la oscuridad más oscura con la luz más clara, eso deja súper claro que ahí es donde quiere ir el ojo Construyendo en el ciprés también con más pigmento. Los cipreses son más del color viridiano. Así que puedes ver que ya tenemos una gran variedad de diferentes greens en marcha. Tenemos más greens de base amarilla, algunos greens de base azulada, algunos más verdes de aspecto artificial Esta no es una pintura realista en absoluto. Es usar la licencia artística de manera bastante generosa. Algo es bastante fluorescente. Pero cada vez que uso greens, trato de o me gusta crear alguna variedad ahí dentro. Rara vez solo uso viridiano puro. A veces ni siquiera toco al viridio. Hago mis greens usando azul cerrillano con amarillo cadmio Y muchas veces esos son un poco más naturales. Pero no voy por lo natural en esta pintura. Casi me inspira Van Gogh en esta pintura. Tenemos el tipo de campos arremolinados, los árboles, los cipreses y las nubes 16. Líneas de perspectiva: Observe cómo el follaje y los árboles en esa zona media son básicamente una forma grande. Por supuesto, hay mucha textura sucediendo, y hay algunas áreas divisorias ligeramente diferentes, pero si entrecerras los ojos, todo está básicamente conectado Y ahora estoy usando estas líneas de guía ahora usando la punta de mi pincel, nuevamente, para ayudar a llevar el ojo al pueblo o a la zona de la masía. Se puede ver ahora que hemos hecho el edificio y los árboles a su alrededor, que no es súper detallado. Ciertamente no es realista. Es un buen ejemplo de cómo algunas personas, pintores luchan con la diferencia entre claridad y detalle. Yo también. La gente suele usar esas palabras como si significaran lo mismo, pero en realidad, no lo son. En ocasiones, un pasaje o un área de pintura pueden ser muy detallados y aún así no están claros. Y por otro lado, un pasaje puede ser muy sencillo pero bellamente claro y comprensible. Por supuesto, realmente depende del tema que estés pintando. A veces es fácil simplificar los temas, a veces es realmente difícil, y eso me cuesta todo el tiempo. Entonces tenemos que descomponerlo en los conceptos. La claridad se trata de legibilidad. Se trata de si el ojo entiende la forma, la estructura y las relaciones de valor o la jerarquía. El detalle es simplemente información adicional. A veces esa información adicional ayuda a la legibilidad, pero muchas veces en realidad no lo hace Es más una distracción y se convierte en una debilidad, debilita la estructura En este pueblo y en los arbustos que lo rodean, lo que hace que funcione el área vocal no es que cada edificio esté detallado completamente renderizadas al máximo. 17. Expressive Right Side: Lo que hace que los edificios funcionen es que las formas del techo se leen con claridad o las paredes tienen este tipo de estructura de luz y sombra que es bastante convincente, pero no es demasiado compleja. Los cipreses proporcionan ese fuerte acento vertical. Y hay algo de vegetación oscura alrededor de los edificios que ayuda a enmarcarlos. Entonces eso es lo que deja claro, no que haya montones de detalles ahí dentro. Si empezara a agregar un montón de pequeñas marcas simplemente porque sentía que el punto focal debería estar ocupado, fácilmente podría perder esa claridad. Los techos pueden volverse un poco quisquillosos o las sombras pueden romperse en demasiados pequeños pedazos, y el ojo podría tener para entender el área Por eso creo que es útil preguntarnos, ¿el pasaje necesita más detalle o simplemente necesita más claridad? Y por lo general, por supuesto, es claridad, una forma de sombra más fuerte, un borde más limpio, una silueta más deliberada Un grupo simplificado de oscuros tratando de mantener todas las sombras prácticamente del mismo color, por ejemplo Un pequeño acento en lugar de un montón de medianos. Estas son las cosas que fortalecen el área focal. Por supuesto, existe la tentación de sobredetallar, sobre todo cuando empiezas a sentirte un poco ansioso, estresado. A mitad de un cuadro, no sabes a dónde va a ir No sabes si va a ser un éxito o no. Y esa presión puede afectar ese tipo de cosas. De nuevo, yo también lo siento. Nos preocupa que una pintura no esté diciendo lo suficiente, así que naturalmente queremos agregar más información. Pero las pinturas rara vez se vuelven más convincentes solo porque estamos alimentando más hechos A menudo se vuelven más convincentes cuando la información que ya está ahí está bien organizada Nuevamente, por eso hago tantos bocetos en miniatura todos los días porque si puedes trabajarlo a lápiz y papel, entonces puedes hacerlo mucho más fácil con pintura Todo está descrito para ti, simplificado para ti. Yo muy raramente, no creo que alguna vez haga una pintura sin antes hacer un boceto para averiguarlo para empezar. Muchos bocetos. Incluso ahora, tengo más control con un lápiz que con pintura y pigmento. El lápiz ayuda a diseñar la estructura. Y no sólo estoy hablando del dibujo a lápiz para esta pintura en particular, hablando de los dibujos preliminares, de los bocetos en miniatura que practico todos los días Eso básicamente explica los mapas toda la pintura hacia fuera. Y luego, claro, hacemos con la acuarela, lo que no podemos hacer con el lápiz. Creamos estas divertidas marcas expresivas, especialmente ahora usando húmedo sobre húmedo, experimentando con diferentes bordes, dejando caer diferentes consistencias de pigmento, pigmento muy diluido con pigmento extremadamente espeso o agua pura Usando un poco de pincel seco para marcar y luego rotar algo de él. Así que parte de esa marca de pincel seco se vuelve extra húmeda y otros trozos, el agua simplemente corre a través de ella, dejando pequeñas islas de papel en el medio. Entonces ahí es cuando pienso que pintura suelta realmente funciona al tener un plan fuerte para empezar. 18. Trabajar hacia el primer plano: Ahora voy a seguir construyendo los tonos del lado derecho aquí. Será un muy buen ejemplo de cómo una masa oscura puede hacer mucho más que solo describir unos pocos árboles o un grupo de arbustos. No solo está ahí para decirnos algo oscuro está creciendo al lado de la casa. Es hacer un poco de trabajo de diseño también en toda la pintura, el panorama más amplio. Cuando pensamos en los oscuros y el paisaje, es muy fácil pensar en ellos sólo en términos literales Vemos un árbol a la sombra, entonces pintamos un árbol oscuro, o vemos un arbusto a la sombra, así pintamos un arbusto oscuro. Pero las formas oscuras suelen estar haciendo dos trabajos a la vez. Describen el tema, sí, pero también organizan la pintura. Crean contraste. Sostenen el ojo en ciertas zonas. Rompen el espacio abierto. Y les dan a los pasajes más ligeros a su alrededor algo para empujar contra ellos. Y eso es mucho lo que está pasando aquí. La forma oscura de la derecha que estamos pintando ahora está ayudando a contener ese centro lleno de luz de la pintura, los edificios. Sin ella, toda la escena se sentiría mucho más abierta por ese lado, quizá demasiado abierta. Los edificios seguirían ahí. El camino aún nos llevaría, y el cielo aún se sentiría grande, pero la composición no tendría el mismo sentido de apoyo. Se sentiría como si la sección de luz media simplemente se desviara al espacio con demasiada facilidad. Este pasaje más oscuro le da la pintura una especie de peso visual en ese lado. Actúa casi como una cortina o un telón de fondo, algo que permite que los edificios más ligeros y los techos más cálidos se sientan más cómodamente. Esta es una de las formas más útiles pensar sobre las masas oscuras en general, no como objetos aislados, sino como soportes. Soportan la estructura de pintura. Soportan las formas más claras y el estado de ánimo general, el movimiento del ojo. Y en ese sentido, una masa oscura suele ser menos de detalle y más de colocación, porque se puede ver ahora mismo, no estoy pintando exactamente nada refinado. Es bastante abstracto, en efecto. Y es la colocación de esta oscuridad, lo que importa. No me gustaría pintar esto en el lado izquierdo. Si se sienta en el lugar equivocado, puede bloquear el movimiento de la pintura o hacerla sentir demasiado pesada. Pero si se encuentra en el lugar correcto, puede crear exactamente la cantidad correcta de contención y contraste. Entonces aquí, ayuda a evitar que el ojo se desvíe demasiado hacia la derecha Gira suavemente el ojo hacia adentro, y ayuda a mantener esa zona central del pueblo sintiéndose retenida en lugar de expuesta. Otra cosa que me gusta de esta sección es que la oscuridad no es sólo una oscuridad plana. Es muy importante mantener tu oscuridad emocionante. No es sólo una mezcla muerta con un color o un genérico, oscuro, verde o azul porque eso la haría sentir menos sólida o demasiado sin vida De todas formas, eso está seco y estamos avanzando. Estamos conectando la carretera con el primer plano ahora, la casa con el primer plano, usando la Y claro, en perspectiva, los detalles serán más pequeños en la distancia, por lo que apenas son perceptibles Entonces estoy usando pequeñas líneas horizontales delgadas en el camino que se conectan con hierbas en el borde gradualmente haciéndose grandes y más grandes pinceladas a medida que nos acercamos A lo mejor algunas marcas de pincel derecho en el lado derecho, también. 19. Sombra en primer plano: Ahora voy a empezar a pasar a la zona principal de primer plano, y vamos a aplicar esa sombra audaz que llega justo al otro lado del camino y las hierbas en Entonces aquí estoy mezclando algunos colores profundos. No estoy limpiando mi paleta, estoy siendo tan fuerte con el azul que como que lo cubre todo. El azul ultramarino, es decir. Pero no quiero que sea tan vibrante, así que no me importa que esté un poco contaminado con otros colores. A lo mejor voy a añadir un poco de negro ahí de todos modos para neutralizarlo. O le agregué un poco de camium rojo y un isarin carmesí para hacerla un poco más morada Porque no quiero que sea un lavado plano aburrido. Puedo sumergirme en algunas de las áreas azules o algunas de las áreas moradas para que sea un poco variada. Estoy usando un pincel más grande, claro, para esto. Y quiero algunos huecos del papel, así que estoy usando fuertes marcas de pincel verticales, perdón, horizontales. Y estoy logrando un poco de una marca de pincel seco vez en cuando solo para permitir que parte del papel debajo se conserve y también en el medio. Apenas estoy empezando a bloquearlo de una manera bastante orgánica, bastante abstracta. Puede parecer que es bastante específico, pero tratando de ser bastante expresivo y no pensarlo demasiado Cuando aplico un trazo muy rápido, fomenta el efecto de pincel seco. Y si está demasiado seco, entonces sólo puedo volver sobre él otra vez y llenarlo un poco más. Luego en el centro, estoy usando un bonito verde audaz mientras todavía está mojado sobre mojado, así que no hay o no hay mucho borde duro. Y conectando eso con el azul. Hasta ahora, esta parte inferior ha estado bastante abierta, pero sumar este gran y fresco lavado de sombras es donde realmente comienza el camino. Es uno de los aspectos de valor más importantes de toda la pintura, en realidad, porque cambia la imagen de una disposición mayormente abierta y aireada a algo mucho más fuerte y mucho más profundidad estructural a la misma. Este lavado de primer plano está cubierto de violeta azul, algunos tonos verdes Entonces, al hacer eso, agrega frescor al primer plano Nuevamente, hace que esa casa pop con calidez en el medio. Porque como decía antes, los colores fríos sí retroceden, pero también los colores de sombra son bonitos, así como con colores fríos Entonces voy a agregar algo de calidez a los lados para conectarme a estos colores fríos que acabamos de pintar. Entonces eso fue bastante rápido de hacer. Casi de inmediato, la mitad inferior gana alguna sustancia. Ya no es mayormente blanco en primer plano. En cambio, comienza a moverse a través de la sombra con una franja central más clara apenas ligeramente conservada allí algunas grietas en la sombra. Se suma a ese sentimiento de perspectiva. 20. Primer plano izquierdo: Ahora que eso está seco, voy a empezar a pintar pastos pequeños Estoy usando una variedad de diferentes greens, comenzando con ese clásico cerrillano y cavium amarillo verde, usando la punta mi pincel solo para guiar la dirección de estos pastos en las Y luego a medida que bajemos, van a ser más gruesos. Y usaremos mojado sobre húmedo para conectarlo realmente a la sombra, aunque la sombra en la carretera esté seca en este momento, la volveremos a mojar y mezclarla para que quede perfecta, así que esté todo conectado y fluido. Esta es una parte fuerte del patrón de valores. Ya tenemos esas verticales en marcha. Ese gran lavado de primer plano en la carretera conectará con estos arbustos en el costado, los Y, por supuesto, es más que nada con la pintura, cada elemento. Es más que simplemente poner una sombra ahí por el bien de ello. Está remodelando toda la lectura de la pintura. El patrón de valor es otro aspecto importante en cualquier pintura porque antes admiramos el color, antes de que notemos la textura, incluso antes de interpretar correctamente los detalles, respondemos al valor para empezar. Respondemos a cómo la luz y la oscuridad organizaron la página. Y en un paisaje como este, el diseño de valor es lo que crea esa sensación de ser dibujado, retenido y guiado. Antes, la pintura tenía una hermosa frescura, pero seguía siendo relativamente abierta en esa mitad inferior. Ahora con esta sombra de primer plano más fuerte, hay una progresión mucho más clara Frente oscuro, suelo medio claro, área focal rica y distancia fría Ese tipo de progresión es increíblemente poderosa porque ayuda al ojo a moverse a través de la profundidad casi inconscientemente Y mientras estoy aplicando estos trazos, estoy siendo bastante al azar. Tengo los greens adentro. Yo tengo el blues, tengo las violetas. Yo sólo meto los marrones, pero ya ves que voy a volver sobre ellos. Se ve detalle porque solo quiero crear un poco de detalle casi como una capa inferior, pero voy repasándolo mucho para suavizarlo, así que no necesitas igualarlo en absoluto, exactamente como es Puedes mirar el resultado final de la pintura y ver cómo pasa de esto a aquello y luego interpretar cómo quieres hacerlo. A menudo pienso en los oscuros de primer plano como el umbral de la pintura Son como la puerta por la que pasa el espectador. Y eso no siempre es necesariamente parte de una pintura de paisaje. No siempre animo ese tipo de elemento de composición. Pero si son demasiado débiles, la pintura puede sentirse un poco distante o intocable Y si son demasiado pesados, incluso puede bloquear la entrada si lo hago un poco demasiado oscuro. Entonces es encontrar ese equilibrio. Tratando de juzgarlo bien. Se necesita un poco de ida y vuelta para hacerlo bien. 21. Right Foreground: Entonces la mitad inferior comienza a sentirse un poco más inmersiva porque la estructura de valores se está volviendo un poco más completa ahora Aconsejarte que dejes caer algún ocre amarillo puro ahí dentro en las tinieblas para aclararlo Entonces tenemos una mezcla de tonos oscuros, tonos medios. Pero en cuanto a todo el cuadro, es bastante oscuro. Tenemos un poco de turquesa en la esquina inferior izquierda. Los arbustos, por supuesto, aún no están completamente detallados. Pero el ojo ya entiende su masa. Tenemos las puntas en la parte superior. El lado derecho aún está por hacer, claro, pero vamos a igualarlo de la misma manera. Sé un poco más expresivo a la derecha, creo. Esta es una de las razones por las que encuentro valor tan calmante para pensar, en realidad Mucha gente puede aburrirse o estresarse tratando de romper estas cosas de la teoría, pero el color a veces puede resultar abrumador, aunque el color suele ser lo que emociona a la mayoría de la gente, en realidad puedo sentirme abrumador a la hora de hacerlo Pero el valor es mucho más fundamentado porque hace preguntas más claras ¿Esta área es más clara o más oscura? ¿Debería adelantarse o retroceder este pasaje? ¿Quiero algo de apertura aquí o algo de peso? ¿Dónde debería descansar la vista? ¿Debería descansar aquí o seguir adelante o ser dirigido a otro lugar? Y una vez que todas esas preguntas son respondidas, Guau, entonces el color realmente cae en su lugar. Se vuelve un poco más liberada porque tiene una estructura fuerte para vivir dentro Entonces, al colocar esta sombra fuerte, sobre todo la frescura, eso es lo que transmite para empezar, esa Una vez que hayamos resuelto el valor, ese lavado amplio y fresco de primer plano, no se trata simplemente de oscurecer la parte inferior de la página Le estoy dando a toda la pintura un esqueleto más fuerte. Una dimensión de luz y oscuridad. Y ahora que básicamente hemos terminado el lado izquierdo, como que instruye cómo quiero hacer el lado derecho Así que no necesito pasar tanto tiempo en absoluto, de verdad. Yo sólo podría igualar los valores. Con la izquierda, no teníamos mucho contexto, así que tuvimos que hacerlo poco a poco. Pero sé que en el lado derecho, puedo ir grueso con pigmento puro de inmediato, y eso es lo que he A lo mejor un poco de violeta en este lado. Porque hay pequeños toques de violeta alrededor, y sigue en armonía. No está permitido el pigmento. Está bastante silenciado. Entonces, como que coincide con esa sombra con ese pigmento lavanda. Disfruto mucho aplicando marcas gruesas de pincel seco y luego repasando con pigmento muy diluido y solo viendo lo que pasa. A lo mejor algunas películas horizontales ahí. Solo una forma divertida de entrar en la pintura, creando una forma para que el ojo viaje adentro. Preparando el terreno para todos los pastos de primer plano y textura que crecerán entre aquí y 22. Hierbas en el fondo: Entonces ahora que hemos construido esa masa, podemos empezar a pensar en la textura, la parte final de la transformación de esta pintura. Y aquí es donde empiezo a emocionarme de una manera diferente porque la mayor parte del trabajo duro ya está hecho ahora y estamos llegando hacia el final. Por lo que es parte del proceso que empieza a sentirse casi físicamente habitable Hasta ahora, el primer plano, la escena es básicamente principalmente una especie de patrón de valor, pero ahora estamos creando un poco más de atmósfera a ella Estoy rascando mi espátula ahí para sacar algo de la ligereza que hay debajo. Solo estoy siendo muy expresivo, tratando de crear texturas interesantes, aplicando salpicaduras, tratando de convertirlo en pastos, arbustos, interrupciones, esas ricas texturas en capas que hacen que el espectador se sienta mucho más cerca del Entonces los pastos y los arbustos a ambos lados de la pintura están tratando ser bastante fuertes y audaces a propósito, bastante la parte más abstracta de la pintura, pregunta, porque todo lo demás es un poco más directo La casa obviamente tiene un detalle un poco más directo. A lo mejor las nubes son bastante abstractas, pero todavía hay cierta precisión en ellas. Los oscuros en estas áreas de primer plano son muy abstractos, pero la mayoría de ellos son trazos ascendentes, claro, pero marcas ligeramente rotas y no No están súper limpios. Pequeños hilos, pequeñas interrupciones, todos esos signos de vida que un lavado grande y ancho no puede proporcionar Así puedes ver que realmente estoy apuñalando y retorciendo mi pincel en mi paleta para crear montones de pequeños puntos Y quiero que esté bastante seco, no va a funcionar si está muy húmedo. Lo giro alrededor y crea, ya ves, muy pequeños puntos Y entonces solo puedo arrastrar eso a lo largo del papel para crear esa ilusión de muchos mechones de hierba. Yo sólo puedo construir eso poco a poco. Entonces el primer plano izquierdo es un poco más cálido sobre la hierba, un poco más variado Entonces tenemos unos ocres ahí, naranjas, marrones. Introducimos eso sobre los oscuros más fríos debajo. Detiene que el primer plano se sienta como una sombra fría continua Ahí hay algún tipo de separación. Casi como si hubiera quemaduras por el sol o crujientes porque es una escena veraniega, de verdad Tengo ese calor contra el carbón, que siempre es agradable exagerar. Entonces en el lado derecho, el primer plano también se desarrolla con un poco más de abstracción, pero tal vez enfatiza más en colores azulados, y tenemos una especie de división ligera Entonces, en el lado derecho, tenemos la hierba y se va parche claro, y luego tenemos un parche oscuro y luego un parche aún más oscuro. Así que tenemos diferentes capas y niveles a diferentes profundidades. 23. Making It Pop: Así que ahora básicamente tenemos todo trazado. Sólo tenemos que empatar o ordenar con algunos toques porque ahora estamos en las etapas muy tardías. Y, por supuesto, la mitad inferior de la pintura finalmente ha atrapado en riqueza al resto de las áreas Y aquí es donde toda la escena comienza a sentirse un poco completa sin necesidad de ningún nuevo invento dramático. Tenemos la variación cálida y fresca que está sucediendo. Y los bordes del camino se vuelven un poco más naturales. También estoy agregando un poco más de textura en el medio. Unos acentos oscuros, no demasiado, tratando de conseguir ese efecto de pincel seco para hacer mucho del trabajo por mí. Así que solo pequeñas marcas aquí y allá para ayudar a atar la textura de primer plano en la masa de valor más amplia debajo Aquí es cuando damos un paso atrás y valoramos un poco. Tratando de asegurarse de que toda la pintura ahora tenga una estructura muy clara pero muy natural viendo si algo en particular sobresale por estar equivocado. Así que tenemos el primer plano de textura oscura, el pálido suelo medio iluminado por el sol, el tipo de edificios focales más fuertes que buscan atención en el medio y, por supuesto, la distancia atmosférica más fría y el cielo luminoso arriba Y esa progresión se siente bastante satisfactoria porque es tanto visual como emocional. Comenzamos, entramos en escena en la sombra y la textura y viajamos a través de la luz. Usando aguada aquí con un poco de verde para resaltar algunos acentos agudos, algunos reflejos en esa área de sombra porque incluso en la sombra, tal vez haya un pequeño parche de tierra o pasto que está captando la luz Nunca pensé en lo que está causando esta sombra porque básicamente la uso como herramienta compositiva, pero a lo mejor es un árbol y hay huecos en el árbol por lo que pequeños destellos de luz vienen a través de él, atrapando estas diversas hojas Es algo que sólo estoy haciendo con moderación, pero estos pequeños toques le dan un poco más de vitalidad Pero siento que esta pintura definitivamente necesitaba esta sombra en primer plano porque sin ella, no se sentiría tan Simplemente se sentiría bastante vacío. También se sentiría algo inconcluso. Entonces ahora sólo voy a implicar algunos viñedos. No sé cómo llaman a este pequeño tipo de pinchos de madera que se hacen un poco más pequeños y menos detallados a medida que avanzamos en la distancia. Estos son otro elemento vertical de la pintura, pequeños detalles para agregarle un poco más de nitidez, no necesariamente detalle, sino claridad. Y eso es todo. 24. Reflexiones finales: Bienvenida de nuevo. Y enhorabuena por terminar esta clase de acuarela sobre la pintura de una escena campestre. Exploramos cómo un punto focal claro puede sentarse dentro una pintura mucho más suelta y cómo los techos cálidos y los campos iluminados por el sol pueden brillar contra colinas frías y distantes También vimos cómo los bordes variados ayudan a separar el primer plano, distancia media y el fondo, al tiempo que mantienen toda la pieza fresca y Estas mismas ideas se pueden llevar a tantos otros paisajes donde quieras para equilibrar la atmósfera con el diseño. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento arriba para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que esta clase te brinde nuevas ideas para pintar lugares tranquilos y llenos de ambiente. Espero verlos a todos juntos en futuras clases hasta entonces, pintura feliz y adiós por ahora.