Transcripciones
1. Narración para artistas: introducción: Bienvenido a la narración de cuentos
para artistas. Déjame comenzar con algo
que te pueda sorprender. Dos artistas pueden hacer una obra
prácticamente idéntica, valorarla de manera idéntica, mostrarla en el mismo lugar, y uno venderá consistentemente mientras que el otro
apenas mueve una pieza La diferencia casi
cada vez, es la historia. La historia no es decoración
encima de tu arte. No es una leyenda que
escribas porque el
algoritmo lo exige. La historia es la razón por la que alguien elige tu trabajo
sobre el de otra persona. Es el
puente invisible entre una obra de arte y la persona
que necesita poseerla. He aquí por qué esto
importa prácticamente. Cuando alguien se para frente
a tu obra en una feria de arte, se está haciendo
una pregunta. ¿Significa esto algo para mí? Tu historia es lo que
responde a esa pregunta. Cuando un cliente está decidiendo
entre dos ilustradores, están preguntando, ¿
Confío en esta persona para
entender lo que necesito? Tu historia es lo que
construye esa confianza. Cuando alguien se desplaza más allá de
tu publicación en Instagram, te
preguntan, ¿vale la
pena detenerse por esto Tu historia es lo que
detiene el pergamino. En este curso,
vamos a construir tu kit de
herramientas de narración desde
cero para tres contextos específicos,
clientes y
conversaciones de negocios, clientes y
conversaciones de negocios eventos
en vivo como la semana del arte y estudios
abiertos y redes sociales Cada contexto requiere una
versión ligeramente diferente de tu historia, y al final, los
tendrás todos listos. Permítanme presentarles
las tres capas que lleva cada obra de arte, ya sea que
las conozcas o no. primera capa es la historia
técnica, cómo se
hizo el trabajo, el medio, el proceso, las decisiones
sobre el color y la composición. Esta es la capa que la mayoría
de los artistas prefieren cuando alguien
pregunta por su trabajo. Yo usé acuarela y tinta. Trabajé en papel de prensa caliente. Tomó alrededor de 12 horas. Es exacto. Casi
nunca es lo que hace que alguien compre. La capa dos es la
historia personal, por qué la hiciste. ¿Qué te movió a crear
esta pieza específica, qué estabas
pensando,
luchando o celebrando? Esta es la capa que
crea conexión emocional, y la conexión emocional es lo que convierte a un espectador en comprador. tercera capa es la historia
contextual, lo que significa la obra
en el mundo, cuanto más grande sea
la idea o sensación a
la que habla la pieza, la
experiencia humana universal que toca. Esta es la capa
que hace que tu trabajo se sienta significativo
más que decorativo. Las historias más poderosas tejen las tres capas juntas, pero no necesitas
hacerlo una vez y no necesitas
hacerlo en todos los contextos. En las lecciones que se
avecinan, aprenderás con qué capa
liderar dependiendo de con quién
estés hablando y dónde. Tu paso de acción
para esta lección, elige una pieza de tu
obra de arte existente que
usarás como estudio de caso a
lo largo de este curso. Elige algo con lo que te
sientas conectado, una pieza de la que puedas
hablar fácilmente, aunque nunca antes hayas puesto esa conversación
en palabras. Volverás a esta
pieza en cada lección, construyendo una
historia más rica y rica a su alrededor a medida que avanzamos En la lección dos, construimos el marco
fundacional, una
estructura de historia simple de tres partes que funciona en todos los contextos que
cubre este curso. Nos vemos ahí.
2. El marco de trabajo de la chispa, la lucha y el cambio: El marco de chispa, lucha,
cambio. Cada historia convincente
en el cine, en la literatura, en una leyenda de
Instagram de dos oraciones sigue la misma forma básica. Sucede algo que
pone las cosas en movimiento. Hay tensión o
dificultad en el medio y algo cambia
o se resuelve al final. Para los artistas, esto se
traduce en tres elementos a los
que llamo
la chispa, la lucha y el cambio. La chispa es lo que
desencadenó la pieza, no el punto de
partida técnico, el emocional o conceptual. ¿Qué te hizo necesitar para hacer esto? Podría ser algo
que observaste, algo que sentiste, algo
que leíste o experimentaste. La chispa es el momento
del encendido creativo. Por ejemplo, hice esta pieza la semana después de la muerte de
mi abuela. Seguí pensando en la luz
específica de su cocina, esta cálida, ámbar, luz de
tarde que
sentía que le pertenecía
solo a ella. Eso es una chispa. Es específico, es humano e
inmediatamente hace que el
oyente se incline La lucha es con lo que
luchaste, técnica, emocional o conceptualmente,
en la realización de la pieza Cada pieza tiene una lucha, y compartirla hace
dos cosas importantes. Te hace identificable porque
la lucha es universal, y comunica la profundidad de tu inversión en la obra La gente paga más por el trabajo, entiende, cuesta algo. La lucha no
tiene que ser dramática. Yo repinté el
fondo cuatro veces antes de que me pareciera que el
tono correcto es una lucha Seguí abandonando esta pieza
porque tenía
miedo no poder hacer el tema la
justicia es una lucha Tuve que desaprender
todo lo que sabía sobre proporción para que esto
se sintiera bien es una lucha El turno es la resolución. Qué cambió, a qué
llegaste, o lo que quieres que sienta
el espectador. Esta es la invitación a la obra. Responde a
la pregunta. ¿Qué le pide esta pieza a
la persona que la mira? Quería que quien mira esto sintiera la
cualidad específica de la luz en una habitación que han amado y
perdido. Eso es un turno. Se mueve de tu experiencia
a la experiencia de los espectadores, que es el
movimiento más poderoso que cualquier narrador puede hacer Aquí está el marco completo
aplicado a un ejemplo. Chispa. Yo hice esta pieza la semana después de la muerte de mi
abuela, pensando en la
luz de su cocina. Lucha. Pinté el
fondo seis veces tratando de capturar una calidez que se sentía como memoria
más que observación. Turno. Yo quería que quien mira esto sintiera la luz en una
habitación que han amado y perdido. Las sentencias. Profundamente humano. Imposible desplazarse más allá. Tu paso de acción, escribe un borrador. Chispa, lucha y cambio por la obra de arte
que elegiste en la lección uno. No edites mientras escribes. Sólo tienes que bajar los tres
elementos. Los refinaremos a lo
largo del curso. En la siguiente lección,
miramos tu historia de origen, la
narrativa personal más amplia que da contexto a todo lo
que haces. Nos vemos ahí.
3. Tu historia de origen como artista: Su historia de origen de artista. Tu historia de origen es la
respuesta a la pregunta. Cada cliente potencial, coleccionista y seguidor
se pregunta silenciosamente, ¿por qué eres artista? ¿No cómo aprendiste a dibujar? Eso es una biografía.
¿Por qué eres artista? ¿Qué te atrae
a hacer las cosas una y otra vez,
incluso cuando es difícil? ¿Qué le faltaría a tu vida y al
mundo si te detienes? Tu historia de origen es la
base de tu marca de artista. Es lo que hace que valga la pena leer tu página
acerca de, tus redes sociales que valga la
pena seguir y tu trabajo en el que valga la pena
invertir. Cuando alguien entiende
por qué haces lo que haces, no solo compra una pieza. Ellos compran en una práctica. Aquí está la estructura para una historia de origen de artista
convincente. Cuatro elementos en orden. Elemento uno, la memoria
más temprana. La primera vez que
recuerdas haber algo y sentir
que importaba, no necesariamente la
primera vez que dibujaste La primera vez que
creaba algo se sentía como si fuera tuyo. Los detalles específicos
lo hacen poderoso. ¿Cuántos años tenía?
¿Qué estabas haciendo? ¿Cómo se
sintió? Elemento dos, el punto de inflexión, el
momento o la serie de momentos que te movieron de persona que hace
las cosas a artista. Este podría ser un maestro
que vio algo en ti, una pieza
que hiciste que te sorprendió, una decisión de tomarte en serio tu
práctica. Podría haber sido
un giro largo y lento en lugar de un solo
momento. O bien funciona. Elemento tres, qué
haces y por qué. Una descripción clara y específica de su trabajo actual y la razón
más profunda detrás de ella. No solo el medio y el sujeto, el
territorio emocional o conceptual que estás explorando. Hago ilustraciones botánicas
porque estoy obsesionado con la forma en que las formas naturales mantienen memoria es un elemento de
historia de origen Hago ilustraciones botánicas en acuarela es
una línea de biografía. Elemento cuatro, lo que quieres que haga
tu trabajo en el mundo. La versión más grande de
tu intención creativa, ¿qué esperas que alguien sienta, piense o experimente
por tu trabajo? Esta es la línea que convierte una historia personal en
una universal, y las historias universales son
las que se difunden. Una historia de origen completa
no necesita ser larga. tres a cinco frases que
golpean los cuatro elementos es suficiente para una biografía en las redes sociales o una introducción sobre la página. Para una declaración de artista más larga
o una entrevista de prensa, expandirías cada elemento. Pero la
estructura de cuatro partes permanece igual. Tu paso de acción,
escribe un borrador aproximado de tu historia de origen
usando los cuatro elementos. Nuevamente, no edites, escribe. El objetivo es materia prima, no un borrador terminado. Le daremos forma en la fase cinco cuando construyamos su kit de herramientas
completo. En la siguiente lección,
analizamos qué hace que las historias
visuales sean diferentes a las
escritas o verbales y cómo usar el
lenguaje específico de tu medio para que
tus historias sean más vívidas y
precisas. Nos vemos ahí.
4. El lenguaje de la narración visual: El lenguaje de la narración
visual. Los artistas tienen una ventaja
natural como narradores que la mayoría de la gente
en otros campos no tiene Trabajas en un medio
que comunica directamente a las emociones sin pasar primero por el
lenguaje, una pintura, una
ilustración, una impresión. Estos aterrizan en el cuerpo antes de
que aterricen en la mente. Tu trabajo como artista
narrador es honrar esa franqueza
en lugar de combatirla Lo que esto significa en la práctica
es que el lenguaje que
usas para hablar de tu
trabajo debe ser tan visual, sensorial e inmediato
como el propio trabajo. Lenguaje abstracto,
palabras como explorar,
recorrer , conectar, inspirar,
crear distancia. El lenguaje sensorial específico
crea presencia. Compara estas dos descripciones
de una misma pieza. Versión uno, esta pieza explora la conexión
entre la memoria y la naturaleza, invitando al espectador
a un viaje por la
experiencia personal de pérdida del artista. Versión dos, este es el árbol
del jardín de mis padres, el que solía
escalar cuando era niño Lo pinté en invierno
sin hojas, la forma en que lo sigo viendo ahora
que el jardín se ha ido. Misma paz, mismo
territorio emocional , impacto completamente
diferente. La segunda versión
te pone dentro de la experiencia. El lenguaje abstracto de la primera versión te
mantiene fuera de él. Aquí hay cuatro principios
del lenguaje para la narración visual Principio uno, nombra lo
específico, no el general. No un árbol sino el
encino específico en el jardín de mis padres. No una figura, sino mi
hija, de 3 años, el abrigo amarillo, se negó a quitarse todo ese invierno Principio dos, utilizar el
lenguaje sensorial más allá de lo visual. Temperatura, textura,
sonido, olor. Estos activan la memoria
en el oyente y crean una
experiencia más rica de la obra El azul frío de la
madrugada antes de que alguien más esté despierto le da al espectador un recuerdo corporal para que se
adhiera al color. Principio tres, que el
proceso sea parte de la historia. El acto físico de hacer, el olor de la pintura, la
resistencia del papel,
el momento en que una pieza entra
en su lugar es inherentemente interesante y comunica
inversión y artesanía Forma principal, terminar en una puerta
abierta, no en una cerrada. Historias que le dicen al espectador exactamente qué sentir
cierran la experiencia. Historias que invitan
al espectador a su propia
respuesta, la abren. Quería capturar el
dolor, cierra la puerta. Seguí pensando en la cualidad
específica de la ausencia. La forma en que una habitación
tiene la forma de alguien que la dejó la abre. Tu paso de acción,
vuelve a la chispa,
lucha, turno que
escribiste en la Lección dos. Reescribe cada elemento usando estos cuatro principios del lenguaje Observe lo mucho más específica y viva que se vuelve la historia. En la Lección cinco, cerramos la fase uno con una mirada
a cómo hacer coincidir tu historia con
tu audiencia porque
la historia que cuentas a tu audiencia porque
la historia que cuentas un cliente es diferente la que cuentas en una feria de arte, que es
diferente a la que publicas en Instagram. Nos vemos ahí.
5. Haz que tu historia coincida con tu público: Empareja tu historia
con tu audiencia. La misma obra de arte,
el mismo artista, la misma historia contaba tres formas diferentes a
tres públicos diferentes. Esto no es falta de autenticidad. Esto es comunicación.
Piensa en cómo describes una película significativa a
tu mejor amigo versus a tu
jefe versus a un niño de 10 años La película no cambia. Tu experiencia de
ello no cambia, pero instintivamente
ajustas lo que enfatizas, cuánto tiempo hablas y qué idioma usas en
función de quién está escuchando La narración de historias para tu arte
funciona exactamente de la misma manera. Aquí están los tres públicos
principales para contar historias de
artistas y
lo que más necesita cada uno Los clientes y compradores necesitan comprender el valor y el
resultado del trabajo. Están preguntando, ¿es esta la pieza
correcta para lo que necesito? ¿Es este artista la
persona adecuada en quien confiar mi breve? Lidera con tu historia contextual, qué hace el trabajo,
qué comunica, qué problema resuelve para ellos. Usa un lenguaje profesional y
claro. Tu historia personal es textura de
fondo,
no el titular. Los visitantes de la semana del arte y del evento en vivo
deben sentirse invitados. A menudo están navegando,
a menudo un poco abrumados, a menudo no esperan comprar Tu trabajo es crear un
momento de conexión genuina que haga que esta pieza y
este artista sean memorables. Lidera con tu historia personal. Sea cálido, específico, breve. La mejor
historia de eventos en vivo es aquella que
hace que el visitante sienta que le han dejado
entrar algo. Los seguidores de las redes sociales
necesitan una razón para dejar de desplazarse y una
razón para regresar. Necesitan la historia personal y la historia contextual
entretejidas en un formato que
funcione para la plataforma. Instagram premia honestidad
emocional y la especificidad
visual. Pinterest premia
la aspiración y utilidad. Un boletín premia la
profundidad y la intimidad. Construiremos
versiones específicas para las tres audiencias en
las siguientes tres fases. Por ahora, el principio a
seguir adelante es éste. La historia no cambia, pero el énfasis sí. Conoce con quién estás hablando
antes de empezar a hablar. Tu paso de acción. Para la obra de arte con la que has
estado trabajando, escribe una frase
describiéndola para cada una de las
tres audiencias. Tres frases, tres énfasis
diferentes, una obra de arte Observe cómo su idioma cambia forma natural cuando la
audiencia es clara. En la fase dos, pasamos a la
narración de historias para los clientes, el contexto donde su historia tiene el impacto
financiero más directo Nos vemos en la Lección seis.
6. El discurso de creación de una frase: Fase dos, narración de historias
para clientes, el tono artístico de una oración Cuando un cliente potencial pregunta,
cuéntame sobre tu trabajo. La mayoría de los artistas o
sobreexplican o subvenden. Se lanzan a una descripción
técnica que no significa nada
para un no artista o se desvían
con que es difícil de
explicar y pierden el
momento por completo El
tono de la obra de arte de una oración resuelve esto. Es una frase única, clara y
convincente que
describe lo que haces, para
quién es y qué
hace en el idioma con el que un cliente se conecta de
inmediato. La fórmula es, hago tipo
específico de trabajo para
un tipo específico de cliente, ese
resultado específico o sentimiento. Ejemplos. Hago ilustraciones
botánicas para marcas de bienestar
que se sienten como un soplo de aire fresco
en un mercado abarrotado. Creo ilustraciones
editoriales impulsadas por personajes para editores que hacen que las ideas
complejas se sientan
inmediatamente humanas. Diseño patrones de superficie para marcas de
artículos para el hogar que aportan la sensación del
mundo natural a los objetos cotidianos Observe lo que hace cada uno de estos. Nombra la obra específicamente. Identifica un tipo de cliente
claro, y aterriza en un
resultado, un sentimiento, un resultado, una razón por la que el trabajo es importante para
el negocio del cliente. Esa última parte es la que
más artistas dejan fuera, y es la que
hace aterrizar el pitch. Tu discurso de una oración no
es tu línea de etiqueta, tu biografía o tu discurso de
ascensor. Es la frase
con la que lidera en el correo electrónico de un cliente, una llamada de tono o una conversación de
networking. Una vez que lo tienes,
puedes adaptarlo sin cesar, pero primero necesitas la oración
central Tu paso de acción, escribe cinco versiones de tu tono de una oración
usando la fórmula. Cinco iteraciones, no
una versión perfecta. Entonces léelos todos en voz alta y
rodee el que más se
parezca a ti Pasemos a la
siguiente lección sobre la narración de historias en propuestas
y lanzamientos.
7. Narración en propuestas y discursos: Cuentacuentos en
propuestas y lanzamientos. Una propuesta no es una lista de precios. Es una historia sobre por qué esta colaboración
tiene sentido para los dos. Las propuestas de
clientes más efectivas siguen una estructura narrativa. Esto es lo que entiendo
de tu necesidad. He aquí por qué mi trabajo es la respuesta
correcta a esa necesidad. Esto es lo que voy a crear y cómo y esto es
lo que va a costar. Esa es la historia. Situación,
respuesta, plan, inversión. La sección que más artistas
omiten es la respuesta, el momento en el que conectas
explícitamente tu enfoque creativo con
la necesidad específica del cliente. Aquí es donde tus habilidades
narrativas hacen más trabajo de negocios Aquí hay una fórmula para la
sección de historia de cualquier propuesta. Tu marca, publicación
o producto comunica lo que has observado sobre su identidad
visual o valores. Mi trabajo, describe tu estilo o enfoque
relevante, aporta una cualidad específica que
creo que habla directamente a
su público o objetivo. Para este proyecto específicamente, lo
abordaría mediante
una breve descripción de su dirección creativa, que creo que
resultaría para ellos. Ese párrafo le dice al
cliente tres cosas. Les has prestado atención. Entiendes la conexión entre tu trabajo
y su necesidad, y ya estás
pensando en su resultado en
lugar de solo en tu proceso. El otro
elemento narrativo que transforma las propuestas es la especificidad
sobre tu proceso Los clientes que nunca antes habían trabajado con un ilustrador
suelen estar ansiosos por lo que sucede entre el
briefing y la entrega. Una breve y clara narrativa
de cómo trabajas. Comenzamos con una conversación
de mood board. Envío bocetos aproximados
dentro de cinco días. Tenemos dos rondas de revisiones
antes de la entrega final, elimina esa ansiedad
y genera confianza. Tu paso de acción, escribe
el párrafo de la historia para una propuesta de
cliente real o imaginada usando la fórmula anterior. Usa la obra de arte en la que has
estado desarrollando tu historia como
base si ayuda. En la siguiente lección,
estaremos buscando usar
la historia para
justificar su precio.
8. Cómo utilizar la historia para justificar el precio: Usando historia para
justificar tu precio. Aquí hay una verdad que la mayoría de los consejos
de precios echa de menos. Los clientes no solo pagan por el trabajo. Pagan por la confianza, y la historia es una de las formas más poderosas de construir
esa confianza. Cuando puedes articular
la profundidad de tu proceso, la especificidad de
tu experiencia y los resultados que crea
tu trabajo,
tu precio se siente inevitable
en lugar de arbitrario La historia justifica el número. Esto funciona de tres formas
específicas. Primero, la historia del proceso
comunica la inversión artesanal. Esta pieza tardó 12 horas,
le dice a un cliente la hora. Repinté el
fondo seis veces para encontrar la cualidad específica
de luz que buscaba, les
dice el estándar al
que te aferras Uno es un hecho. El otro
es motivo para pagar más. Segundo, la historia de pericia
comunica valor especializado. La historia de cómo desarrollaste
tu enfoque particular, las influencias, el entrenamiento,
los años de práctica
que producen
esta voz visual específica hacen que esta voz visual específica hacen tu trabajo se sienta insustituible
en lugar de intercambiable En tercer lugar, la historia de resultados conecta el
precio con el valor del cliente. Cuando cuentas la historia de un proyecto similar y
lo que logró para un cliente
anterior, el diseño de empaque que creé
para una pequeña marca T
les ayudó a aumentar sus pedidos
al
por mayor en un 40% en la primera temporada. Ya no le estás pidiendo al
cliente que confíe en tu precio. Les estás mostrando pruebas. No necesitas una larga
historia para ninguno de estos. Una o dos oraciones
elegidas específicamente hace la obra. La clave es tenerlos listos para que cuando un cliente
duda a tu ritmo, tengas una historia que ofrecer
en lugar de una justificación Tu paso de acción, escribe una oración de historia de
proceso, una oración de historia de experiencia y una oración de historia de resultado que podrías usar en una conversación
sobre precios. Mantenga cada uno por debajo de 30 palabras. A continuación, estamos ante la
narración de historias para eventos en vivo.
9. Introducción a obras de arte en 30 segundos: Cuentacuentos para eventos en vivo, la 32ª introducción de Artwork Semana del arte, estudios abiertos, ferias de
arte, inauguraciones de galerías. Estos son los
contextos en vivo donde tu narración tiene el impacto
más inmediato Alguien está parado
frente a tu trabajo. Son curiosos. Podrían
comprar. ¿Qué dices? La introducción a la 32ª obra de arte
tiene tres partes, y se mapea
directamente en la lucha de chispa, cambiar el marco de la Lección dos, comprimido para una conversación
en vivo Abre con la
chispa. Una frase sobre lo que desencadenó la pieza. Hazlo específico e inmediato. Esto comenzó con una
fotografía que tomé de la
cocina de mi abuela la semana anterior a la venta de la casa. Pasar a un detalle sensorial. Una observación sobre la calidad
visual o emocional del trabajo que invita
al visitante a
mirar más de cerca. Estaba obsesionado con conseguir esta particular luz ámbar justo como se sienta en
la esquina inferior izquierda Cerrar con el turno,
la invitación. Quería que se sintiera como una
habitación en la que has estado antes, aunque no lo hayas hecho, entonces haz una pausa. Déjalos responder. 30 segundos. Las oraciones son una
historia completa que crea
conexión sin presiones. Algunos
principios de narración de eventos en vivo dignos de destacar. Haz contacto visual
cuando entregues la línea final, la invitación. Señala que estás
realmente interesado en su respuesta,
no solo en actuar. No llenes el silencio
después de terminar. La pausa es donde ocurre la
conexión. Y si empiezan a
hablar, escuchan, las mejores
conversaciones de venta de arte son
aquellas en las que el artista hace más
preguntas de las que responden. Para artistas introvertidos que encuentran agotadora esta conversación, prepara tres o cuatro versiones
diferentes de tu 32ª introducción Tener opciones evita
la sensación de repetición que hace que los eventos
en vivo sean agotadores Tu paso de acción, escribe tu 32ª introducción para
tu obra de estudio de caso Entonces practícalo en voz alta solo, con un amigo o grabado
en tu teléfono hasta
que suene como conversación
en lugar de actuación La siguiente lección es sobre leer la sala en la semana del arte o en un evento de estudio abierto porque no todos los visitantes son compradores.
10. Cómo leer la habitación en la Semana del Arte y Open Studios: Lectura de la habitación en la
semana del arte y estudios abiertos. No todos los visitantes de un evento de
arte son compradores. No todos los compradores se parecen a uno, y la historia que le cuentas a un coleccionista
serio es
diferente a la que le cuentas a
alguien que está deambulando
por el vino gratis Aprender a leer a tu
audiencia en un contexto en vivo es una de las
habilidades más valiosas que un artista puede desarrollar, y comienza con la observación antes de comenzar con la conversación. Aquí hay cuatro
tipos de visitantes que encontrarás en cualquier evento de arte y cómo acercarte
a cada uno. El navegador se mueve rápidamente, echando un ojo en lugar de detenerse.
No los interceptes Si disminuyen la velocidad
cerca de tu trabajo, ofrézcalo un breve abridor. Este es nuevo o simplemente, siéntete libre de preguntar si
quieres saber más sobre algo y
dejar que lideren. El curioso visitante se detiene y
mira pero no se involucra. Esta es tu apertura.
Su 32ª presentación entregada calurosamente y sin
presión es perfecta aquí Vigila su cara mientras hablas. Lo que dices que los
hace inclinarse es tu gancho de historia más fuerte. El visitante comprometido
hace preguntas, recoge cosas, lee
tu lista de precios. Esta persona está interesada. Responde a sus preguntas
específicamente y luego pídele una de vuelta. ¿Hay alguna pieza en particular
que te haya llamado la atención? Esa pregunta cambia
la conversación de dar información
a la construcción de conexiones. El comprador serio a menudo ha hecho investigaciones antes de llegar. Es posible que ya conozcan tu trabajo. Con esta persona, ir más profundo. Tu historia de origen, tu proceso, tu mayor cuerpo de trabajo. No solo están comprando una pieza, están invirtiendo en una práctica. Dales la historia que
justifique esa inversión. El principio general,
dejar que el visitante marque el ritmo. Tu trabajo es estar
disponible, cálido, y genuinamente interesado,
no para realizar o persuadir Los vendedores de
eventos de arte más efectivos son los que hacen que la gente se sienta
vista, no vendida a. Tu paso de acción, escribe un
breve abridor para cada uno de los cuatro tipos de visitantes anteriores adaptado a tu propio
trabajo y personalidad. Mantener cada una a una oración. La siguiente lección se
trata de convertir una historia en una misma
sin el tono.
11. Convertir una historia en una venta: sin presentar tu discurso: Convertir una historia en una
venta sin el terreno de juego. Hay un momento en cada conversación de eventos
artísticos donde se ha hecho una
conexión genuina, el visitante está comprometido,
le encanta la pieza, la historia ha aterrizado y luego no pasa nada. El artista no sabe
cómo pasar de la historia a la venta y el visitante
no sabe cómo comprar. Esta lección trata sobre cerrar esa brecha sin hacer que ninguna de las personas
se sienta incómoda El principio clave es este, una venta no es una transacción
que le hagas a alguien. Es una decisión que les
facilita llegar ellos mismos. Tu historia hace el trabajo
emocional. Tu trabajo al final es simplemente eliminar la fricción
práctica. Aquí hay tres
puentes naturales desde la historia hasta la venta. Puente uno, la oferta práctica. Si hoy quieres
llevártelo a casa, te lo
puedo envolver. También tengo tarjetas si
quieres pensarlo. Sin presión, solo un siguiente paso
claro y fácil. Puente dos, la cuestión de la
conexión. ¿Es este el tipo de trabajo
que te gusta en general, o hay algo
específico en esta pieza? Esta pregunta a menudo revela
lo que significa la pieza para ellos, y ese significado suele ser
la verdadera razón por la que compran. Puente tres, la
futura invitación. Estoy trabajando en una nueva
serie en esta dirección. Puedo agregarte a mi lista de correo si quieres
verla cuando esté lista. Aunque hoy no compren, has iniciado una relación. Muchas ventas significativas ocurren en el segundo o
tercer encuentro. Lo que notarás de los tres es que ninguno
de ellos ejerce presión. Todos crean aperturas. Ese es el
enfoque de la narración de historias para vender. Construyes la conexión, luego mantienes la puerta abierta y dejas que la otra
persona atraviese. Siguiente es la fase cuatro. En la siguiente lección,
estaremos viendo narración
de historias
para redes sociales
12. Redes sociales: los cinco tipos de subtítulos: Fase cuatro, narración
para redes sociales,
los cinco tipos de subtítulos narración de historias en redes sociales para artistas no se trata de
publicar más Se trata de publicar
con más intención. Los cinco tipos de subtítulos que estoy a
punto de darte cubren toda
la gama de
lo que tu audiencia necesita de ti a lo largo de
un mes de contenido. Utilizados en rotación,
mantienen tu feed variado, tu audiencia comprometida y tus
músculos narrativos activos Leyenda tipo uno, la leyenda de la historia de
origen. Una versión corta de tu historia de
origen personal o un capítulo de la misma, el recuerdo más antiguo, el punto de
inflexión, el por qué. Estos funcionan excepcionalmente
bien porque son raros. La mayoría de los artistas publican el proceso
y el trabajo terminado. Los subtítulos de la historia de origen
crean intimidad. Publica uno de estos una
o dos veces al mes. Subtítulo Tipo dos,
el proceso revela. No es una descripción de lapso de tiempo, sino una historia sobre una decisión
específica en la toma de una pieza. Yo repinté este
fondo seis veces. He aquí por qué funcionó el séptimo. La narración técnica
que comunica artesanía y compromiso
funciona en todas las plataformas Leyenda tipo tres, la
lucha y la lección. Un relato honesto de
algo que salió mal, algo que evitaste,
algo que finalmente enfrentaste. Tengo miedo de pintar
figuras desde hace tres años. Esta es la pieza donde
dejé de esperar para sentirme lista. Estos generan la mayor cantidad de
comentarios y guarda porque la vulnerabilidad
invita a la reciprocidad Leyenda tipo cuatro, la publicación de significado, la historia
contextual. qué trata realmente esta pieza más allá del tema, la experiencia humana universal a la
que está llegando. Esto no se trata realmente de flores. Se trata de lo que nos aferramos cuando todo lo demás cambia. Estos son los subtítulos
que se comparten. Leyenda tipo cinco,
la invitación. Una pregunta directa o prompt que invita a la audiencia
a su propia respuesta. ¿A qué habitación de tu infancia más
te gustaría
poder volver a entrar? La leyenda de la invitación
construye comunidad
porque hace que el público sea el
tema más que el arte. Tu paso de acción, escribe una leyenda de cada tipo para
tu obra de estudio de caso, cinco subtítulos, una obra de arte Este es también tu proyecto de clase. Lo formalizaremos
en la lección final.
13. Narración específica de una plataforma: Storytelling específico de plataforma. La misma historia contada de
manera diferente para cada plataforma. Aquí tienes
una guía rápida. Instagram premia honestidad
emocional y la especificidad
visual. La primera línea de tu
pie de foto es tu gancho. Necesita ganar más toque
antes de que el texto se corte. Lidera con tu línea más
específica más humana, la lucha y la
lección y significado. Los formatos de publicación funcionan mejor aquí. Apunta de 150 a 300 palabras para tus subtítulos de
narración más fuertes Puedes usar el formato que
otros artistas han adoptado no solo publicando
el texto en el pie de foto, sino que en realidad lo integraste
como texto en la imagen y
haciendo que el post completo se pueda deslizar
con cinco a diez diapositivas Párrafos de la historia. Utilice saltos de línea generosos. Los párrafos densos pierden
lectores en el móvil. Pinterest premia
la aspiración y utilidad. Los subtítulos aquí son más cortos
y más funcionales. Enfócate en el resultado
y la invitación. La luz en esta pieza tomó
12 capas para acertar. Esto es lo que aprendí
de los pacientes. El lenguaje que se puede buscar
importa en Pinterest. Nombra tu sujeto, tu medio,
tu estado de ánimo específicamente. Newsletter y correo electrónico es donde vive tu
narración más profunda Tus suscriptores han
optado por más de ti. Dárselos,
la historia de origen, la narrativa de proceso más larga, el relato honesto de la lucha. Estos pertenecen en el correo electrónico. Escribe como si estuvieras escribiendo a una persona específica a la que
realmente le importa porque eres. TikTok y los carretes recompensan el ángulo inesperado y
el detalle específico Video de proceso de voz en off
con un guión de narración. No aquí está mi proceso, pero aquí está el momento en que
esta pieza dejó funcionar y lo que hice al
respecto, se desempeñó bien. El formato de lucha y lección se traduce particularmente
bien en video corto. Un principio para todas las plataformas, terminar en una apertura,
no en un cierre. Una pregunta, una invitación,
un pensamiento sin resolver. Las historias que terminan
con una puerta abierta obtienen más respuestas que historias que atan todo pulcramente. A continuación, estaremos viendo narración de historias para una
serie o cuerpo de trabajo
14. Narración para una serie o cuerpo de trabajo: Cuentacuentos para una
serie o cuerpo de trabajo. Las
historias de piezas individuales son poderosas, pero la narración de
artistas más convincente opera a nivel de una serie o de todo un
cuerpo de trabajo, la narrativa más amplia
que conecta múltiples piezas en una declaración
coherente y creativa La narración de series
importa por cuatro razones. Da a coleccionistas y compradores una razón para invertir
en múltiples piezas. Da a la prensa y a las galerías una narrativa coherente sobre
la que escribir. Le da a tus redes sociales una línea
a través que mantiene a los
seguidores regresando, y te da, como artista, una idea más clara de lo que
realmente estás haciendo y por qué. Aquí se explica cómo construir una narrativa de
serie usando el mismo
marco de tres partes. La chispa de la serie. ¿Qué pregunta, obsesión
o experiencia más grande está impulsando
este cuerpo de trabajo No el tema,
más profundo por qué. Llevo tres años haciendo trabajo sobre la
impermanencia, es una chispa de serie Hago ilustraciones botánicas, es una descripción temática. La serie lucha,
¿qué tensión o contradicción está explorando
la serie Las mejores series se sientan dentro de
una tensión productiva entre permanencia y cambio entre pertenencia y exilio, entre lo doméstico
y lo salvaje Nombrar la tensión le da a tu serie profundidad intelectual
y emocional El cambio de serie. ¿Qué quieres que haya hecho este cuerpo
de trabajo para cuando esté completo?
No es una respuesta fija. Una aspiración. Quiero
haber hecho algo que cambie la forma en que la gente ve espacios domésticos
ordinarios
es un cambio de serie. Su narrativa de serie
puede ser tan corta como tres oraciones
usando esta estructura. Se convierte en la base
de su declaración de artista, sus solicitudes de subvención, las imágenes de
su galería y su contenido de redes
sociales más poderoso. A continuación viene la fase cinco, donde estaremos completando
tu kit de herramientas de narración
15. Proyecto: crea tu kit completo de herramientas de narración: Fase cinco, tu kit de herramientas de
narración. Construyamos tu kit completo de herramientas de
narración. Esta es tu lección final y tu lección de proyecto de clase,
y al final de la misma, tendrás un kit de herramientas de narración completo
ensamblado que cubre todos los contextos que
este curso ha abordado Déjame guiarte a través de
los siete componentes de tu kit de herramientas y
cómo finalizar cada uno También he preparado una descarga describe los siete componentes Lo puedes encontrar debajo de
los recursos del curso. Componente uno, tu chispa,
lucha, historia de cambio para
tu obra de arte de estudio de caso. Has estado
redactando y refinando esto desde la Lección dos. Escribe ya tu versión final. Tres frases, lenguaje
específico, que terminan en una puerta abierta. Componente dos, su tono de obra de arte de una
oración. De la Lección seis, la fórmula frase que
describe lo que haces, para
quién es, y lo que hace, la versión que más te
suena. Componente tres, su 32º presentación al evento
en vivo. De la Lección nueve, tres frases para una
conversación cara a cara en una feria de arte, estudio
abierto o evento de la semana del arte. Practícalo hasta que
suene como conversación. Componente cuatro, tus cinco leyendas de redes
sociales. Uno de cada tipo de la Lección 12, historia de
origen, proceso de revelado, lucha y lección, significado
post e invitación, todo escrito para su obra de estudio de
caso. Componente cinco, la historia de origen de tu
artista. De la Lección tres, cuatro elementos en secuencia, la memoria más temprana, punto de
inflexión, lo que
haces y por
qué, lo que quieres que haga tu trabajo
en el mundo. Escríbelo como un
párrafo fluido en lugar de una lista. Componente seis, tu serie
o cuerpo de trabajo narrativo. De la Lección 14, tres oraciones
usando el marco de chispa de
serie, lucha de
serie y cambio para su cuerpo
principal de trabajo actual. Componente siete, el párrafo de
la historia de tu propuesta. De la Lección siete, el párrafo de
conexión que vincula tu enfoque
creativo con una necesidad específica del cliente. Escribe una versión generalizada, puedes adaptarte para
diferentes clientes. El proyecto de tu clase es subir estos siete componentes
como un solo documento, tu kit completo de herramientas de
narración Incluya una imagen de la obra que utilizó como su caso de estudio. En la descripción de tu proyecto, comparte la única historia
que se sintió más difícil escribir y qué
te sorprendió del proceso
de encontrarla. Antes de cerrar, quiero
decir algo sobre por qué la narración importa
más allá de lo práctico Tu arte lleva
experiencias, observaciones y formas de ver que
no existen en ningún otro lugar del mundo. Cuando no cuentas
la historia detrás de ella, parte de ese significado permanece
encerrado dentro de la obra, visible solo para las personas que pasan a conectar
con ella de manera intuitiva Cuando cuentas la historia, le das a ese significado
una forma de viajar. Dejaste entrar a la gente. Haces que tu obra no sólo
sea visible sino entendida. Eso no es marketing.
Eso es generosidad. Gracias por estar aquí. Yo soy Ricarda, y es un placer guiarte
y apoyarte Por favor, consulta mi perfil
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