Lidiar con el perfeccionismo creativo: 7 retos para abordar los bloqueos

1. Introducción: Hola. Yo soy Emmah, y escuchando tus historias como maestra aquí en Skillshare y como practicante ilustrador y diseñador, sé cómo el perfeccionismo puede menoscabarnos y arrastrarnos cuando estamos tratando de ser creativos. También soy perfeccionista en recuperación y entiendo totalmente cómo algunos de los temas pueden ser increíblemente paralizantes y disruptivos. Por lo que he tratado de crear una clase que tenga un enfoque objetivo pero atenta para explorar cómo ciertas tendencias como el miedo al fracaso o ser autocrítica pueden obstaculizar el proceso creativo. En esta clase, aprenderás a reconocer cuando uno o varios de estos bloqueos de carretera perfeccionistas han entrado en juego. Al familiarizarse y aplicar la importancia del aprendizaje a través de la repetición, así como de nuestros errores, y cometeremos errores. Podemos inclinarnos suavemente en nuestros miedos, la incertidumbre, y también en la necesidad de resultados. Ya sea principiante o creativo experimentado, esta clase está abierta a todos los niveles, incluyendo a aquellos que solo quieren tener una mejor comprensión sobre la dinámica del perfeccionismo que impacta en nuestra creatividad. Realmente espero que a lo largo de siete días podamos empezar a cambiar suavemente nuestra perspectiva y actitudes a través hacer preguntas clave para evaluar nuestras fortalezas creativas, y progresar mucho más eficazmente. 2. Qué es el perfeccionismo: Echemos un vistazo a la definición de perfeccionismo del Diccionario Merriam Webster. Dice: “Es inaceptable una disposición a considerar algo que no falte a la perfección”. Aquí, la palabra inaceptable es la clave para entender los muchos rasgos que limitan el alcance de nuestra creatividad, aunque puede arrastrarse a otras áreas de tu vida y trabajo. Para parafrasear a Elizabeth Gilbert, dijo que el perfeccionismo es sólo el miedo en los zapatos de lujo, fingiendo ser elegante. Realmente nos impide a la gente creativa crear nuestro arte. ocasiones incluso nos detenemos de inicio de proyecto en primer lugar porque hemos decidido de antemano que el producto final nunca va a ser satisfactorio. Ni siquiera nos molestamos en intentarlo, y eso podría ser por letras o por crear un patrón de repetición o caligrafía. Porque ya hemos hecho esa suposición, ya nos estamos tropezando. Como investigación para esta clase, envié un cuestionario a mis seguidores de Skillshare y recibí más de 280 respuestas con las que pude crear esta gráfica. Como puedes ver, las cuatro respuestas principales fueron, muchas veces no puedo decidir qué pintar en el número 1. Tengo que crear una obra de arte guapa cada vez en el número 2. A menudo me distraen fácilmente con otras cosas que toman prioridad en el número 3, y en el número 4 fue tengo demasiadas ideas y no puedo concentrarme. me han ocurrido siete rasgos que siento caen bajo el paraguas del perfeccionismo y se están centrando en los resultados o tratando de evitar esa incertidumbre, dilación, que es donde estamos retrasando o no terminando algo, expectativas poco realistas y comparación con otros artistas. También tenemos miedo al fracaso o a cometer errores, miedo al juicio, y enfocándonos en los resultados y tratando de saltarse la incertidumbre del proceso creativo. Pude colocar las declaraciones del cuestionario dentro de los siete rasgos. Antes de empezar, sé que aquí se presentan algunos conceptos realmente pesados por lo que siempre que sea posible, trataré de afinarlos en viñetas mucho más manejables, gráficos, y diagramas para presentar la información antes de seguir adelante a la verdadera creación de arte. Voy a decir ahora que algunos de los puntos sobre los detalles pueden superponerse porque este no es un tipo de clase de talla única. Por favor intenta tener una mente abierta y piensa en todas las diferentes posibilidades y enfoques que te estoy presentando. No tienes que hacerlas todas. Yo solo quiero que los consideres y también quiero agradecerte de antemano por tener el coraje de ver incluso esta clase porque estás dando el primer paso para reconocer que tal vez tengas algunas tendencias perfeccionistas y puede que no estar sirviendo a tus mejores intereses. Ya sea que estés diseñando o ilustrando o pintando, como parte del reto de siete días, quiero que sepas que no es una solución rápida. Podría tardar bastante tiempo, varias semanas, varios meses en mi caso, lleva años. Ojalá sólo estar atento a las siete tendencias, probablemente haya más, pero esto es lo que estoy presentando. Espero que empieces a hacer resoluciones más firmes para superar algunos de los bloqueos de carretera cuando crees. 3. Mi historia como perfeccionista y mi renuncia: No siempre he sido ilustrador afiliado y diseñador de servicios. Mucho antes en mi carrera, realidad fui ilustradora editorial para revistas de salud y belleza y estilo de vida, y caí en ello por casualidad y mi trabajo se veía similar a éste. Como se puede ver, lo que estaba creando era líneas bastante gráficas. Se trazó tinta sobre líneas de lápiz como guía con color plano colocado en la parte superior y luego escaneada para vectorizar. Esas líneas de lápiz me causaron mucho dolor. Empecé a agonizar sobre cada línea, ya fuera en el brazo o en el cuello o incluso en el talón. Lo que a menudo pasaba fue que frotaba esas líneas y otra vez y dibujaba las líneas una y otra vez. A veces mi lápiz simplemente pasaba por el papel porque me había frotado tanto. Lo que estaba pasando fue que la imagen que vi en mi mente tenía que ser exactamente lo que necesitaba estar en el papel y eventualmente lo que apareció en la pantalla de mi computadora. De verdad sentí que tenía que conseguir esa línea exactamente perfecta porque me estaba pagando por ello. Si el director de arte pidiera enmiendas, volvería a empezar todo de nuevo y trabajaría realmente tarde en la noche para cumplir ese plazo. Sé que no tiene sentido perder tiempo así y esperar tanto de mí misma. Creo que parte de mi tema fue que dejé la universidad queriendo ser grabadora. Nunca pretendía ser ilustrador editorial, así que tuve que ponerme al día con varios años de Photoshop e Illustrator, que pensé que necesitaba probar que podía ser un ilustrador adecuado, y luego iría a compararme con otros artistas del trabajo de figura que percibí tenían un nivel de habilidad mucho más alto y me encontré queriendo. Quiero decir que estaba increíblemente enojado y frustrado en esa etapa de mi carrera y estaba sufriendo probablemente de unos pocos problemas justos de salud mental y física. Eventualmente dejé atrás ese tipo de ilustración después del nacimiento de mi hijo. Hubo muy poco trabajo creativo para los próximos ocho años, hubo esta brecha masiva. Pero cuando volví a este negocio creativo, sin duda estaba mucho más atenta a mis actitudes cuando estaba creando y cómo perfeccionismo podía golpear y realmente mirando las causas de mi dilación. La dilación es probablemente una de mis mayores caídas incluso ahora, pero al menos estoy pendiente de ello. También quiero que recuerden que esta vez hace cuatro años, no tenía un sitio web. No había redes sociales. Todo lo que ves ahora, lo he construido en esos cuatro años. No creo que hubiera llegado tan lejos como tengo si aún me aferrara a muchas de esas tendencias perfeccionistas porque tengo que inclinarme en mucho miedo. A pesar de que sé que todavía tengo esos temas, aún persiste, no quiero que tengas que llevar la carga del perfeccionismo con tu creatividad por el tiempo que yo tenga. También quiero dejar en claro que no soy psicólogo capacitado ni alguna especie de entrenador de vida. Solo estoy dibujando en mis propias experiencias para esta clase y hablo con muchos otros artistas y diseñadores que se encuentran en diferentes etapas de sus viajes creativos y de sus carreras. En realidad sí enfrentamos retos muy similares, como la dilación, el miedo al juicio, el miedo al fracaso, y a veces nos decepcionamos. Pero lo que estoy planteando es un montón de pequeños cambios que hacer para llegar a un punto en el que te sientas realmente exitoso. Es sólo un poquito de apoyarse en esa molestia cada vez que te presentas para crear. A veces va a ser duro, no voy a mentir, pero en última instancia, va a pagar dividendos. De verdad espero que le den una oportunidad algunos de estos consejos y tareas, o al menos leerlos a través de ellos. 4. A QUIÉN ESTÁ DIRIGIDA LA CLASE: Yo quería crear esta clase para gente creativa que pudo haber tomado bastantes escuelas comparten clases, pero lejos de la estructura y seguridad de los tutoriales, pueden sentirse un poco perdidos y atrapados en un ciclo de abrumadora dilación y compararnos con los demás. Quizás quieras progresar creativamente, pero sientes que te estás poniendo a tu manera al tratar con el crítico interno no es divertido cuando estás tratando de encontrar tu propio estilo. Estamos lidiando con un tema grande aquí y grandes temas. Por lo que he tratado de desglosarlo tanto como sea posible, ojalá explicando un breve trasfondo de por qué puede tener estos bloqueos de carretera, te ayudará a entender y progresar. Nuestra información presentada sobre siete bloqueos que pueden entorpecer tu éxito creativo. Yo autoré durante el reto de siete días, las tareas conscientes para cada día están disponibles como PDF los cuales se pueden encontrar bajo la pestaña del proyecto. Pedí que durante el reto de siete días, estarías hiper consciente o consciente de ese rasgo en particular. Diga el miedo al juicio. Te exhorto a mirar los PDF y llenarlos para tus propias tareas creativas personales. Espero mucho que los consejos y acciones que he esbozado sean aplicables a cualquier proyecto creativo que desees asumir. Pero lo mejor es empezar con uno pequeño por la duración de los siete días. Siendo pequeña la palabra operativa, ya que quieres prepararte para el éxito como clases de video opcionales, te estaré mostrando unos tutoriales rápidos usando líquido enmascarador como vehículo para la información que estoy discutiendo para cada barricada, Me concentraré en los conceptos clave de cada día y los usaré para demostrar y resaltar ciertos puntos. Bien pueden ser mucha superposición, pero esta es la naturaleza del tema. Se trata de un tema de múltiples capas. Vuelvo a estresar, no tienes que emprender hacer ejercicio fluido para cosechar los beneficios. Simplemente completa un pequeño proyecto de tu propia elección. A lo mejor uno que has pospuesto por un tiempo, pero desglosado a lo largo de los siete días. Por lo que es manejable. Puedes apuntar o mostrar lo que has completado cada día en los proyectos de la clase y tal vez cómo te sentías al respecto. De verdad quiero resaltar la importancia de la mindfulness durante el proceso aquí, más que el destino final. Si quieres trazar tu reto de siete días en redes sociales o historias de IG. Por favor mencionó esta clase y usa el hashtag omosco share, y haré todo lo posible para gustarme y comentar tu maravilloso trabajo. 5. Zonas de miedo y confort: Antes de comenzar la mayor parte de esta clase, quiero darles el panorama más breve de los orígenes del miedo en los seres humanos. Yo sólo quería darle un poco de contexto a lo que vamos a cubrir en el resto de la clase. Probablemente te preguntes cómo en la tierra esto va a ayudar con tu creatividad, pero por favor escúchame. Millones de años el miedo fue la forma de nuestro cerebro de alertarnos sobre un posible peligro. Entonces nos daría una ráfaga de adrenalina para escapar de ese tigre de dientes de sable o lo que sea parales a los que nos encontramos enfrentando. Desafortunadamente, aunque esta respuesta fue útil hora de evitar el peligro para mantenernos vivos en ese entonces, estos días, la mayoría de nuestras amenazas no son todas que amenazan la vida, pero el mismo sistema en nuestro cerebro sigue trabajando. actualidad, el miedo es más una señal de que debemos mantenernos alertas y cautelosos. Nuestros cerebros simplemente están tratando de mantenerla segura y en nuestras zonas de confort. Zona de confort iguala jugar seguro, pasar por delante y esfuerzos mediocres. Aquí hay muy poco espacio para el crecimiento. El siguiente círculo fuera, he llamado a la zona gemida, porque probablemente no disfrutes de nada desfamiliar o incierto. Pero lo grandioso es que el siguiente círculo fuera se llama la zona de crecimiento, o la zona de aprendizaje, que trata del coraje y la abundancia y la exploración, así como el éxito. Pero también hay una enorme dosis de riesgo. Aquí pueden ocurrir pensamientos de aprendizaje. Cuando llegas al círculo exterior, que es la zona de pánico, que incluye cosas como tener que pagar tus impuestos y paracaidismo. Este no es un gran lugar para aprender. ¿ Por qué nos quedaríamos en nuestras zonas de confort? Es porque se necesita esfuerzo y energía para tomar acción. A pesar de que tal vez no estemos completamente contentos con nuestras habilidades en goulash o tipografía o animación gif, en realidad tememos esa incomodidad al tener que salir de lo que sabemos y que el miedo es mayor que permanecer incumplido. Para crecer y progresar en tu creatividad, me temo que tienes que sentirte cómodo con estar incómodo. Sé que eso no suena muy agradable. Una de las formas es engañarte para salir, solo un pequeño paso fuera de tu zona de confort para que bajes la resistencia a correr ese riesgo. Apenas el acto de hacer eso puede muy bien patearte y empezarás a rodar la pelota donde sientas energía y confianza y justo ese impulso empieza donde puedes dar pasos más grandes fuera de tu zona de confort. Es como tener un músculo. Cuanto más uses ese músculo, más acostumbrado se vuelve a repetir una tarea y más fácil es. En teoría. 6. Bloqueo 1: procrastinación: Yo quiero empezar con la dilación porque hablar mucha gente en consultas y como maestra, y alguien que inspira a otros en Instagram, esto es algo que surge tanto. La definición de dilación que encontré fue, dilación es la evitación de hacer una tarea que hay que cumplir. Podría afirmarse además como un retraso habitual o intencional de iniciar o terminar una tarea a pesar de sus consecuencias negativas. Te voy a mostrar mi tarta de dilación. Hacemos todo tipo de cosas para evitar tareas creativas al igual que otras, porque sabemos, probablemente implica mucho esfuerzo y trabajo duro. Como se puede ver, me distraí con desplazamiento sin sentido en diversas plataformas de redes sociales, y también hago excusas para limpiar la mitad de la casa, porque percibo que es mucho más fácil que abordar una persistente letra de mano proyecto o algo más que esté en nuestra lista de tareas pendientes de negocio. Ahora, vamos a traer las declaraciones del cuestionario, porque encontré que siete de los 23 caían bajo este paraguas de dilación, y ese es el máximo de cualquier rasgo que estoy discutiendo. Cosas como mi estilo de vida no me da espacio para practicar como artista X Y Z, o muchas veces no puedo decidir qué pintar o tengo demasiadas ideas, o necesito todos los materiales de arte correctos antes de empezar. Si miramos estas afirmaciones, mirar al fondo de todas ellas sería ese miedo. Este miedo nos impedirá hacer lo que realmente queremos, porque implica riesgo y lo desconocido. Involucraría también salir de esa zona de confort donde nos sentimos seguros, donde conocemos las cosas. Sé que no es fácil admitir que podemos estar autosaboteando nuestras células creativas distrayéndonos con Netflix, o cocinando y comiendo en mi caso. Estas son algunas posibles causas de dilación general, que van desde tareas abrumadoras o desagradables hasta falta de motivación e incertidumbre. Nota, no hay sólo una causa y va a ser diferente para cada uno de nosotros. Sin duda es más fácil y requiere mucho menos esfuerzo para mantenerse dentro de los límites de lo que sabes, que entrar en el malestar y la ansiedad. La buena noticia es que, si te atascas es porque sabes a dónde quieres ir y qué quieres hacer, pero como adivinas, sí implica esfuerzo. Yo quiero plantear estas herramientas para enfrentar la dilación. En primer lugar, es necesario exponer su propósito y por qué podría ser importante para usted, y luego repartirlo en tareas realmente pequeñas. Todo tiene que tener lugar dentro de un marco de tiempo realista. Debes decir no a distracciones como YouTube. Siento que conseguir un compañero de rendición de cuentas es realmente útil, alguien en quien puedas confiar, y al final me voy a dar una recompensa. Quiero subrayar que al anotar tus ideas y tareas, el acto real de sacártelo de la cabeza y ponerlas en papel en un sistema procesable es realmente importante. Por favor recuerda escoger una tarea relativamente pequeña para empezar. Esto es mío, que es crear páginas de cuaderno de bocetos para explorar diferentes formas de usar líquido de enmascaramiento. Es importante para mí porque quiero entender mejor cómo funciona este medio, y tal vez posibles aplicaciones para mi futuro arte. Ahora, lo estoy rebajando. Hay puntos de bala o diagramas de todos los diferentes pequeños trabajos que voy a nee. Digamos, los materiales y la inspiración en Pinterest o Instagram, y qué técnicas podría usar. El marco temporal va a ser, para mí, un boceto de no más de 20 o 30 minutos. Lo voy a hacer en cuanto haya hecho la entrega escolar a las 9:30, y de nuevo, no hay e-mail, ni Instagram ni comer, o que me permitan tazas de té. Mi compañero de rendición de cuentas es Nick, y le mostraré lo que he hecho al final de cada sesión. Mi recompensa será tomar un café matutino con un amigo. La dilación extrema es realmente ineficiente. Nunca empezar algo es una manera realmente buena de nunca fallar. Creo que a todos nos encanta quitarnos nuestras listas de tareas pendientes. Son las pequeñas victorias las que vamos a acumular nuestra confianza y nuestro afán, y esa motivación para continuar con las tareas más grandes, y eventualmente podremos tacharlas también. Puedes usar este mismo método que he delineado para crear otra pieza de arte, actualizar tu sitio web, o empezar a bloguear o llegar a clientes potenciales. No se trata de hacer pequeña tarea para evitar la gran tarea, es incluir los pequeños pasos en tu lista de tareas diarias, para acumular el impulso. 7. Bloqueo 2: expectativas no realistas: Como perfeccionista, solía ponerme altos estándares ridículos y tener expectativas realmente poco realistas de mí mismo y de mi obra de arte con habilidades bastante limitadas. Eso fue desde cuando estuve en la universidad hasta los inicios de esa carrera creativa como artista profesional. Por supuesto que no estaba consciente de que me estaba preparando para el fracaso porque esos objetivos inalcanzables y mi incapacidad para alcanzarlos, muchas veces activarían esa autocharla negativa, que cubriremos en una lección de video posterior. Si estás relativamente temprano en tu carrera creativa o en tu viaje, entonces esto puede ser realmente difícil de comprender, porque ahora vivimos en una sociedad donde las cosas se mueven tan rápido y las imágenes de las obras de arte de las personas se pueden compartir al instante. Es natural como seres humanos que queremos que el cambio suceda rápidamente y nos volvamos realmente frustrados con este ritmo más lento, porque vemos lo que están haciendo otras personas y simplemente nos sentimos como, necesitamos estar al ritmo de ellos. Yo era exactamente igual cuando empecé con acuarelas hace cuatro años. Miraría el trabajo de August Wren y yo diría: “Realmente me encanta cómo es capaz de pintar así”, o “Ella está usando gouache ahora, ojalá pudiera usar gouache. No obstante, hubo una enorme brecha abierta, donde en realidad estaba en mi nivel de habilidad y mi creatividad y donde quería estar. Si tuvieras un tiempo con el gráfico de progresión del arte, idealmente, desearías que ese gráfico se viera así. Una hermosa progresión lineal con una línea clara y concisa que muestra una tendencia al alza, con cada pieza de nuestro diseño, que siempre fue mejor que la anterior. A menudo la realidad se ve así. Para la mayoría de nosotros, es un desorden caliente y está por todas partes, con una tendencia ascendente gradual y un montón de giros y giros. Yo quiero mostrarles la analogía del éxito como iceberg. Como se puede ver, la mayoría de su masa está oculta bajo el agua. Oficialmente, con icebergs, el 90 por ciento se esconde bajo el agua. Todo lo que puedes ver es la punta pequeña, ese es el éxito percibido y luce majestuoso y hermoso. Lo que no se puede ver es el enorme volumen debajo, y esa es la proporción masiva que se compone de decepciones, trabajo duro, fracasos, y si eres artista profesional, rechazo, persistencia, aprendizaje, y mucha disciplina. La realidad es que muchos artistas y diseñadores enfrentan retos similares y lo han hecho por mucho más tiempo si te están inspirando y llevan mucho tiempo en la industria creativa. Ahora traigamos esas declaraciones que siento caen bajo expectativas poco realistas. Cosas como mi trabajo nunca será bueno como artista xyz, así que bien podría rendirme ahora, o siento que he perdido mi tiempo si la obra resultante no se ve bien. Si bien podemos creer que es útil establecer estándares súper altos para nosotros mismos, a menudo son rígidos y no tienen espacio para flexibilidad, lo que es blanco o negro. Esto puede interferir cuando estamos tratando de aprender nuevas técnicas o habilidades porque sientes que no está bien cometer errores y entonces tienes menos probabilidades de correr riesgos. No hay lugar para el error, y no se puede reconocer lo que pudo haber logrado. Surgirá una expectativa fallida, pero esto no significa que no seas capaz o que seas un fracaso. Entiendo totalmente que te decepcionará. Pero todo intento, si pensaste que resultó bien, o pensaste que fue un fracaso abismal, en realidad es una bendición disfrazada, porque podemos aprender de ambos. En este diagrama, se pueden ver las expectativas y su capacidad actual en lo que sea, digamos caligrafía. Por favor confía en mí, he estado ahí, he sido principiante en ilustración también. Creo que vale la pena mencionar que va a surgir la inevitable comparación de nuestras artes o talentos con otros artistas. También voy a decir eso, creo que las redes sociales han creado una arena donde sólo estamos viendo los aspectos más destacados del artista. Su mejor trabajo y sería realmente fácil convencerte de que por cada imagen, los artistas simplemente se agita y es exactamente como se suponía que fuera. Pero detrás de bambalinas, durante los días o semanas anteriores, pudo haber habido 10 o 20 etapas, o bocetos por los que tuvieron que pasar para llegar a esa imagen o diseño. Si miras las fortalezas de otros artistas y luego las comparas con tus debilidades, que es probablemente lo que estás haciendo, quizá estés mirando años de esfuerzo, años de entrenamiento, años de dominar su habilidad, y luego comparando tus inicios con su fin. Estas comparaciones son realmente injustas ya que todos estamos en diferentes caminos creativos. Cuando estás comparando, ves algo que te gustaría para ti. Pero creo que la mejor mentalidad es apagar la atención a los demás artistas y volverla a ti mismo. Pregúntate, ¿cómo pueden inspirarme y motivarme? Pero concéntrate en tu vida artística y cómo va eso. Menos enfoque en lo que están haciendo los demás y concéntrate en tus habilidades y tus fortalezas. De verdad me gustaría que pruebes esto, encuentres una pieza de arte y diseño más antigua que realmente no estuvo a la altura de tus expectativas y vamos a hacer unas preguntas, objetivas, para que podamos aprender de ella antes de seguir adelante. Nuevamente, estas preguntas están disponibles como PDF en la sección de materiales de clase. El primero es, ¿cuánto tiempo atrás creé esta pieza y dónde estaba yo en mi viaje creativo en su momento? Para mí, esto fue muy temprano en mi carrera donde apenas supe crear un patrón de repetición en Illustrator. La siguiente pregunta es, ¿qué aprendí de esta pieza? Esto fue para una competencia de Spoonflower y mucho tiempo en aquel entonces, no entendía cómo la gente usaba tela en sus proyectos de manualidades. Yo sólo pensé que se veía realmente bonito, estas cucharas se solapan, pero no me di cuenta de que quieren poder cortar alrededor de las cucharas. La siguiente pregunta es, he pasado estilísticamente o creativamente desde que se creó esta pieza? Ahora estaba armado con el conocimiento de crear patrones para Spoonflower, que son mucho más simples, y los iconos están dispuestos de manera diferente, por lo que menos de esta superposición. Otra pregunta que hacerte es, ¿esta pieza de arte cambia quién soy o de qué soy capaz? De lo que me di cuenta cuando volví a los dibujos de línea originales que hice, fue lápiz y tinta, que en realidad soy muy fuerte con mi trabajo de línea y debería utilizar esto mucho más. Eso en sí mismo fue toda una revelación para mí. La última pregunta es, ¿entiendo que esto fue sólo un intento que no funcionó del todo? Para mí, me decepcionó, no conseguí casi ningún voto. Pero pensé, quiero aprender de los diseños que sí obtuvieron más votos, que llegaron en el top 10. Me hizo querer aprender más y aunque no he vuelto a esta pieza, creo que si lo hiciera ahora, estaría en un lugar mucho mejor con los cuatro años de experiencia. Ahora pasamos a la Tarea 2, nuevo, vamos a estar viendo el viejo trabajo, pero esta vez escogiendo aspectos del mismo en los que realmente creemos que hicimos un buen trabajo. Una de las cosas que hago cuando me encuentro comparándome con otros artistas, es ir al principio o cerca del inicio de mi feed de Instagram y escoger piezas de arte que realmente disfruté creando o pensar : “Me gusta el manera que arreglé eso, "o, “me gustan los bolígrafos Posca sobre esa zona de ahí”, o, “En esta tetera, me encanta la forma en que creé los reflejos dejando el papel blanco compartiendo”. Sí te exhorto a que solo busques los aspectos de tu arte o bocetos o ilustraciones que realmente te gustan, aunque sea solo un rincón diminuto donde pienses, “Wow, el trabajo de línea en estas lilas es realmente bueno, lo hice un buen trabajo ahí”. Cuando te comparas con el trabajo de los demás, piensas que falta tu trabajo. Pero ojalá al hacer esto, te darás cuenta de que has tenido algunas piezas increíbles y un éxito increíble y no olvides eso. Olvidé que he tenido mis ilustraciones sobre productos y solo para recordarte que debes estar consciente de dónde estás en tu viaje y ver hasta dónde has llegado. Este fue trabajo que hice hace tres años. Pasa al menos 15-20 minutos mirando tu arte y encontrando partes de él que realmente te gusten. Las coles de Brussel no son geniales, pero hice un dibujo de pluma realmente bueno de coles de Bruselas y raíz de remolacha y bok choy aquí. Por favor, anote una lista de 10 cosas en las que crees que has hecho un gran trabajo o logrado en los meses o años que has estado practicando tu oficio. Realmente tenemos que celebrar cada cosa que tienes bien, porque tanto que has hecho en tu viaje creativo y no debes olvidar eso. 8. Bloqueo 3: miedo a fallar o cometer errores: Sé para muchos de nosotros que el miedo al fracaso o el miedo a cometer errores es un tropiezo realmente grande, y a veces, para mí en el pasado en realidad ha llevado a parálisis donde no estoy creando nada porque tengo tanto miedo, y es algo que es tan difícil de superar. Pero espero que lo que estoy presentando sea un método mucho más suave para aliviarte a esa posición incómoda donde no tienes tanto miedo de crear. Hay una cita de Woody Allen que dice : “Si no estás fallando de vez en cuando, es una señal de que no estás haciendo nada innovador”. Me temo que ser innovador y creativo significa que puede que tengas que enfrentar el fracaso, o al menos cometer algunos errores. Dondequiera que estés en tu viaje creativo, todos tenemos que enfrentar nuestro miedo al fracaso, pero es cuando en realidad nos detiene de hacer las tareas creativas que nos mueve hacia adelante que se convertirá en un tema. En este punto vale la pena mencionar que todos tenemos diferentes definiciones de fracaso porque todos estamos utilizando diferentes puntos de referencia para medir el éxito, y esto depende de dónde podamos estar en nuestros viajes creativos. El fracaso para un artista podría ser una gran experiencia de aprendizaje para otro, y depende enteramente de nosotros decidir cómo mirarlo. Volvamos a ver las afirmaciones que creo que pertenecen a este apartado. Intenté acuarelas y pasteles en el pasado pero fui horrible en ello, así que no lo volveré a hacer. Sí escucho mucho este, una página de libro de boceto en blanco o una hoja de papel me pone nervioso. Mi cuaderno de bocetos o mis pinturas eran realmente caras, así que no quiero desperdiciarlas. Yo sí siento que el tiempo y la experiencia que ponemos en diseñar un logotipo que puede haber sido rechazado o crear un desorden en tu cuaderno de bocetos nunca se desperdician. Cuando creamos, siempre estamos lidiando con lo desconocido y el camino que nos lleva ahí tiene valor, cualquiera que sea el resultado. Cuando cambiemos nuestro punto de vista hacia el diseño o la fabricación de arte, ese pedazo de papel en blanco seguirá ahí frente a nosotros. Pero si estamos en un espacio de cabeza donde nos sentimos más capaces, y confiados, y entusiasmados de que cualquier posible error pueda ser visto en una luz diferente. En una de mis otras clases de Skillshare, Secret Life of a sketchbook. Comparto en tiempo real cómo llenar algunas páginas de mi último cuaderno de bocetos con un comentario corrido de lo que estoy haciendo, pero también cómo me siento, y a pesar de llenar más de 16 cuadernos de bocetos, pero también cómo me siento, y a pesar de llenar más de 16 cuadernos de bocetos, todavía siento justa cantidad de miedo. Este miedo me hace contener la respiración y hay tensión en mi cuerpo, y estoy muy consciente de que lo que creo puede no verse muy bien y puede que no funcione en absoluto. De hecho me postergé unos 20 segundos sobre qué hacer a continuación, porque tenía mucho miedo de que iba a pintar algo mal. Está aquí. Naval cruza así, un poco más grueso, y aquí hay una pancarta. Dejémoslo en eso porque voy a dejar que la línea de tinta haga el resto de ella. A menudo, cuando quieres que algo realmente funcione, sí te apegas más emocionalmente al desenlace. Pero si no funciona, lo pintaré de nuevo. Considera esta cita de Edison: “No he fallado. Acabo de encontrar 10 mil formas que no funcionarán. Es el inventor de la bombilla. Thomas Edison se da cuenta de que el fracaso es realmente solo un escalón y sólo es un revés temporal para encontrar el éxito con el diseño y un producto que funcionó. Cada vez que producimos una pieza de trabajo y no estamos del todo satisfechos con ella, podemos optar por buscar la lección como hicimos en la clase de expectativas poco realistas. Yo quiero recalcar de nuevo, que al evaluar dónde podemos haber ido mal, digamos que sobreaplicamos la línea de tinta, por ejemplo, nos puede ayudar a crecer en nuestro arte para que la próxima vez podamos entender mejor qué no hacer. doctora Brene Brown es Profesora Investigadora de coraje, vulnerabilidad y vergüenza, y ella dice que: “Es él o ella quien está dispuesto a ser el más incómodo quien puede elevarse fuerte”. Sé que esto se está poniendo un poco profundo para algunos de ustedes, pero por favor tomen alrededor porque quiero decirles por experiencia personal, que apoyarse en este malestar a veces es realmente abrumador y a veces es agotador. Pero sin abrazar algunos de estos sentimientos de hieleza temporales de una incertidumbre, no pude progresar. Echemos un vistazo a otro gráfico, así es como creo que se vería si tuvieras un fracaso veces la tasa de aprendizaje en los ejes. Esto demuestra cómo el fracaso en realidad fortalece e intensifica la tasa de aprendizaje. No tienes que hacerlo bien la primera vuelta de tiempo o incluso la tercera o novena vez, el objetivo es avanzar sobre la perfección percibida. En lugar de ver esos errores creativos como fracasos masivos, podemos optar por adoptar una mentalidad de crecimiento en su lugar. Cuando tenemos una actitud que se basa hacia el crecimiento, estamos más inclinados a ver los errores como una parte normal y en realidad una parte útil del proceso de creación de arte. En lugar de tratar de evitar errores, vale la pena volver a enmarcarlos como inesperados una parte esencial de tu crecimiento como artista o diseñador. A pesar de que siempre es genial iniciar una nueva pieza de arte o un proyecto con una mentalidad de, puedo totalmente hacer esto y voy a estar en el balón, va a haber ocasiones en las que sientas que esto va horriblemente mal, y hay aspectos donde, tal vez, he fallado en este proyecto. Pero hay formas de abordar estos sentimientos y de aprender realmente de ellos. Nuevamente, al igual que las otras videolecciones, nos vamos a estar haciendo una serie de preguntas atentas para ayudar con nuestro miedo a cometer errores. Lo que te voy a mostrar es cómo lo llené, pero vas a tener actitudes completamente diferentes ante el miedo al fracaso y cómo lo vas a enfrentar y apoyarte en ello, así que depende enteramente de ti, no hay respuesta correcta o incorrecta. La primera pregunta es, ¿qué puedo hacer para sentirme más cómoda con un posible fracaso antes de empezar a crear, y luego pensar en eso durante el proceso de creación, y luego después de que hayas creado? Entonces serás mejor lugar para lidiar con esto. He escrito cosas como no cunda el pánico, aléjese unos minutos, y para evaluar áreas donde he tenido éxito y donde puede necesitar más trabajo. El siguiente conjunto de preguntas a considerar es, ¿cómo puedo cambiar mis sentimientos hacia fallas percibidas? ¿ Cómo podría aprender a apreciar o inclinarme en esos sentimientos incómodos? y además, ¿qué podría hacer para asociar errores como progreso dentro de mi camino creativo? Hay una cosa que se sabe en teoría que las fallas están dando pasos al éxito, pero es otra cosa cambiar lo que te estás diciendo en tu cabeza y cuando realmente estás creando. Las dos últimas preguntas considerando es, ¿qué me gustaría hacer hoy creativamente que no estoy haciendo por miedo? y también ¿cómo me recompensaré por probar algo diferente? Estos son realmente válidos y espero que los tomen nota. Quiero terminar diciendo que reconocer nuestro miedo al fracaso o a cometer errores es a menudo un paso vital en un proceso creativo exitoso, porque nos dará mayor libertad creativa lo que nos permite explorar más, tomar más riesgos, y también innovar formas más grandes. Al salir de la zona de confort, también estás dejando atrás esos deudos, y los mostos, y debería tos y todos los demás pensamientos negativos. Yo sí siento que poner en ese enorme esfuerzo y entender que va a haber fracasos a la vuelta de la esquina, conducirá a grandes recompensas, mucho progreso, y también a aprender. 9. Bloqueo 4: miedo a ser juzgado o criticado: Creo que para muchos de nosotros que creamos, este es un tema bastante consumidor porque esperamos que nuestro arte sea juzgado y queremos mucho evitar cualquier crítica. Ahora estamos inundados de likes, seguimientos, y emojis de corazón como diversas formas en que nuestro arte puede ser evaluado de alguna manera. O quizá si envías tu trabajo a un cliente potencial y ellos dicen que no, espantosamente, lo siento, todavía duele. O le muestras a tu pareja y tal vez no te den el comentario que esperabas, por todos estos ejemplos que probablemente esa sensación de hundimiento en tu estómago o te cuesta tragar o respirar porque se siente como una bofetada en la cara. Tratemos con algunas de las afirmaciones del cuestionario. Y si no consigo muchos likes en mis posts de Instagram o mi arte se ve torpe y estúpido y no vale la pena compartirlo de todos modos. A menudo sentimos que el arte y los diseños que creamos, son una extensión de nosotros mismos e incluyendo todas las lágrimas y el riesgo de crearlo. El rechazo es doloroso y sí tiende a acechar en nuestras mentes durante bastante tiempo después, por lo que sí tratamos de evitarlo tanto como sea posible. obstante, al tratar de evitarlo, al no compartir ni publicar en redes sociales y no enviar muestras de tus ilustraciones o diseños a directores de arte, o simplemente al no terminar un proyecto, puedes evitar ser juzgado o recibir retroalimentación. Lo que estás haciendo es esconder tu arte para evitar la vergüenza y todos esos sentimientos y emociones incómodas que se están apuntalando. La estrategia para evitar críticas o retroalimentación o juicio de los demás es más dañina de lo que piensas. Dijo Aristóteles, sólo hay una forma de evitar las críticas, no hacer nada, decir nada y no ser nada, así que evitar la crítica significa que también le estás ocultando tus dones y talentos al mundo, y soy un firme creyente de que la creatividad debe ser compartida y celebrada. No puedo recalcar lo suficiente que tu arte no puede ser validado ni medido por los números de corazones o pulgares arriba, y no hay necesidad de perseguir la aprobación, y ciertamente no es un concurso de popularidad, tu valía como artista y creador no está atado a los caprichos de un algoritmo fecal, por ejemplo, no todos están interesados en mi ilustración de comida en comparación con mis acuarelas, sin embargo no cambia la forma en que me siento cuando creo ilustraciones de la Remolacha, o rojo pimientos. Absolutamente todo el mundo tiene gustos diferentes, y la realidad es como ilustrador profesional, se le paga por ilustrar guisantes o repollo o rebanadas de naranja, al final del día, estoy buscando calzoncillos y me pagan trabajan de diseñadores senior y editores de arte, y la única manera de hacerlo es ser visto ya sea a través de las redes sociales o enviando cosas, no hay manera de evitar esto. También me gustaría señalar por cada trabajo que cito, sólo la mitad llega a buen término, así que estoy muy acostumbrado a escuchar no. Dijo María Ferloe, si haces arte, tendrás críticos porque es más fácil criticar que hacer una cosa. Cómo reaccionas a la retroalimentación o crítica, aunque sea constructiva, juega un papel realmente importante en tu respuesta a la misma. El clave es no ponerse excesivamente emotivo o exagerar, solo tomar unas respiraciones profundas y alejarse por unos minutos si es necesario, la gran mayoría de las veces, crítica no está destinada a ser un ataque personal, probablemente sea no sobre ti, así que no pienses en ello como exponer supuestos defectos en tu arte o diseño, sino en cambio, ayudándote a hacer nuevos autodescubrimientos, piensa en tus actividades creativas como en la capacitación laboral. Algunas de las cosas más importantes sólo se pueden aprender en el proceso de hacerlas, así que si no terminas un arte de liberación en el mundo por miedo a equivocarte o hacerlo mal, nunca obtendrás retroalimentación, y por lo tanto, es posible que nunca llegues a mejorar. Al llegar y pedir juicio o retroalimentación, podrías aprender más sobre tu público, tus clientes, construir tu confianza en ti mismo y convertirte en un mejor artista. preocupamos por los críticos, pero es mejor seguir adelante sin importar, por lo que no nos paraliza en nuestro camino creativo. dureza mental es una habilidad como cualquier otra, y se puede desarrollar. Superar tu miedo al juicio es como cualquier otro hábito, empezar poco a poco y aumentar lentamente. Conoce tus fortalezas y limitaciones, conoce en qué eres bueno, también, dónde puedes tener retos y ponte cómodo con ellos. Puedes reenmarcar el miedo a las críticas, crear sistemas de apoyo y siempre recompensarte por tus logros. Considera estas preguntas, copias de las cuales están en los materiales de la clase, cuáles crees que son tus fortalezas creativas. Nuevamente, aquí, solo estoy poniendo ideas que me entraron en la cabeza cuando intentaba llenarlo y tú, por favor rellena la forma en que crees que te va a ayudar mejor. Lo que crees son algunas de tus debilidades creativas, cosas que sabes que podrías mejorar aquí. ¿ Qué te han dicho otros sobre tu creatividad que no era verdad? A menudo esto puede ser retroalimentación o crítica que has recibido en el pasado. Esperemos que ahora se encuentre en un mejor lugar para entender que no se trataba necesariamente de usted, y además, por favor considere, estaban en buena posición para juzgar? ¿ Son creativos y sacan su arte? Además, ¿qué pasos puedo dar para mejorar y disminuir algunas de mis debilidades? Siempre es genial tener una red de apoyo o un grupo de personas a las que puedas acudir para una crítica válida. Una comunidad solidaria es realmente importante para aguantar las tormentas de crítica y rechazo. La segunda parte tiene que ver con compartir tu arte en Instagram o cuando llegues a los clientes, y puede que tengas miedo de hacer esto porque sí temes que te van a rechazar, por lo que tienes que sopesar si el resultado es realmente ser beneficioso para usted, considere cuál es el mejor resultado posible para hacer esto, y también cuál es el peor resultado posible para hacer esto? ¿ Se ve mi arte supera el costo de no compartirlo con un director de arte o en redes sociales? Por último, ¿compartir mi arte me acercará un paso más a lo que me gustaría que ocurriera o metas creativas que tengo? 10. Bloqueo 5: controlar los resultados o evitar la incertidumbre: Como expliqué en la parte anterior de esta clase, mi experiencia con la necesidad de control se me salió realmente de las manos porque realmente no me gustó lidiar con la incertidumbre. Parte de ello fue mi ansiedad por ser autónomo y autónomo. Se trata de una carrera que es impredecible. Sigue siendo impredecible. Pero traté de minimizar cualquier cosa que pudiera provocar que fallara. Entonces por eso cada boceto, cada línea tenía que ser increíble. El director de arte dijo, sí de inmediato, esta necesidad de controlar los resultados, nuevo, está arraigada en el miedo. Estaba tan rígidamente apegado al desenlace que ya me había preparado para decepcionar porque estaba estilísticamente atascado donde estaba dibujando el mismo tipo de personas dibujando las mismas cosas una y otra vez. No me estaba desarrollando, no iba a ninguna parte. Yo también estaba realmente infeliz. Estaba descansando por completo en mi zona de confort y sé que no es un buen lugar para estar si intentas ser artista. Empecemos con algunas de las declaraciones que vimos de la encuesta. Algunas personas dijeron, tengo que saber exactamente qué voy a pintar antes de pintar y tengo que crear una buena pieza de arte cada vez una persona que contestó el cuestionario dijo que hubiera sido mejor decirlo, a veces yo hay que saber exactamente lo que voy a pintar, lo cual habría tenido más sentido seguro. El caso es que aún estarían enfocados en un tiempo futuro y tu mente ya está corriendo adelante porque quieres saltarte esa incertidumbre en el medio y evitar esos duros sentimientos. Incluso con la mejor voluntad del mundo y años de experiencia, no hay forma de que puedas mandar un cuadro o un boceto para lucir increíble cada vez. Es ese patrón familiar de querer controlar las cosas para prevenir el fracaso percibido y hay que encontrar un equilibrio saludable. Otra afirmación que surgió fue, no sé cuándo dejar de pintar y trabajo demasiado mis piezas. Sé por experiencia propia que el exceso de trabajo proviene de un lugar donde quieres que tu pintura o tu ilustración, se vea como lo que tienes en la cabeza. En realidad he hecho que la gente se burle de mí porque usé la frase no se me pase a pensar en casi todos los videos de Skillshare que produje. Lo que quiero decir con eso es que no pases demasiado tiempo reflexionando o analizando lo que podría suceder o podría suceder o debería suceder. Porque esto sólo restringirá tu flujo creativo. Te volverás demasiado cauteloso y temeroso de asumir riesgos más creativos. Este control percibido en realidad da una falsa sensación de seguridad porque sólo conduce a más ansiedad y frustración. Con el fin de crecer. Tienes que abandonar el control y aceptar siempre habrá resultados inesperados incluso después de años y años de pintura y perseverancia. En realidad es lo que hace interesante una pieza de arte o diseño. Una forma de descontrolar esto es disfrutar del proceso sobre el desenlace. Por lo que ahora estoy en la mente de crear en el momento presente. Disfrutar del proceso implica confiar en el proceso, que a su vez implica pasar por el proceso sin adormecernos porque tememos que los resultados no sean como esperábamos. Para la tarea, quiero decir que dejar ir no significa renunciar a esos resultados deseados. Es más de dejar ir la lucha asociada a crearla. Estas son algunas preguntas que pueden ser beneficiosas de hacerte antes de crear una pieza de arte o diseño, ¿qué quiero pasar? ¿ Cuál es el resultado previsto que desea? ¿ A qué me temo que pueda pasar? Pones mal un pincel eliges el color equivocado. Hay un sinfín de cosas que podrían suceder. Pero también pregúntate, ¿sé con certeza que mi pieza saldrá así o se desarrollará de esa manera. Para re-enmarcarlo, pregúntate, ¿ existe una forma más empoderadora de pensar en esta tarea o proyecto? Al igual que vamos a ver cómo resulta que estoy realmente emocionado de averiguar, qué sería alguien que realmente admiran. Entonces voy a poner a August Wren. ¿ Qué haría August Wren en esta situación? ¿ Cómo resolvería esto? Entonces finalmente, antes de empezar, piensa qué expectativas serían más beneficiosas o útiles antes de empezar a crear, como esta pieza es solo un escalón y voy a aprender de cualquier manera. Hay algunas preguntas que puedes hacer después, y sé que suena repetitivo a lo largo de este proceso. Se trata de estar atento a lo que estás pensando. Entonces la primera pregunta podría ser, ¿funcionó como se esperaba? ¿ Importa si no funcionó como pretendías? ¿ Hubo alguna nueva área de conocimiento que haya surgido porque pasé por este proceso. Para que puedas afirmar al menos tres, estoy seguro de que habrías aprendido algo. ¿ Hay alguna otra conclusión a la que hayas llegado y ha cambiado tu creencia sobre tus habilidades creativas? Por último, ¿hay alguna manera de que pueda ser más flexible sobre cómo creo arte en el futuro. El modo en que respondas estas preguntas va a ser único para ti. Único a la forma en que trabajas y tu mentalidad entrando en el proceso y saliendo del proceso. 11. Bloqueo 6: autocrítica, o el crítico interior: Creo que todos somos conscientes del crítico interno o del comentario interno que nos acompaña todo el día más o menos en algunos casos, no sólo cuando estamos creando arte. Es enormemente importante recordarte que los mensajes que te estás dando antes, durante y después del proceso de creación son realmente importantes porque la forma en que hablas contigo mismo hace un enorme impacto en la forma en que ves tu arte. Creo que ya puedes adivinar pero esa voz interior o el crítico interno en realidad está tratando de protegerte del daño como forma de esa autosupervivencia muy temprana. Esa parte de tu cerebro siente que estás en una situación amenazante por ejemplo cuando te enfrentas a esa página de cuaderno de bocetos en blanco y se inicia en la era moderna cuando piensa que es una amenaza. Si alguna vez has intentado tranquilizarlo, lidiar con ese crítico interno es agotador. Seguro que has tenido pensamientos similares a estos cuando hemos estado creando cosas como tú chupas completamente a esto deberías parar ahora o has creado algo y solo piensas que fue una pérdida total de mi tiempo o cosas como, “ Soy demasiado viejo para estar aprendiendo sobre Photoshop” y a veces incluso aquí, “quiero arrancar esta página de mi cuaderno de bocetos. Se ve tan basura”. Con toda honestidad, ¿hablarías con un buen amigo usando este tipo de lenguaje? ¿ De verdad serías viciosa y cruel con ellos? Estos son el tipo de pensamientos poco útiles que probablemente están dando vueltas en un bucle donde tenemos esos otros miedos y dilaciones haciendo las rondas. Esto es lo que parece, estás creando a partir de un ya negativo espacio de cabeza como no puedo pintar como tal y así así por qué molestar. Entonces te afliges y no creas lo que habías imaginado en tu cabeza y entonces ese crítico interno te hace dudar aún más de tus habilidades. Porque lo que te están susurrando te parece tan real te desmotivas y de nuevo, estás creando a partir de un espacio de cabeza creativo negativo o bajo. Cuando tienes estas conversaciones mentales en realidad considera si estás siendo amable mismo porque todos cometemos errores y nos sentimos inadecuados a veces. Para hacerse cargo de tu voz crítica, sería prudente tomar conciencia de los pensamientos que acechan justo antes, durante y después del proceso creativo. Esto comienza tomando el control de tus patrones de lenguaje. En lugar de criticarte a ti mismo, intenta practicar la autocompasión. Piensa en esta nueva voz como un mentor compasivo y solidario o amigo de confianza que realmente es alentador y te ayuda a ver las cosas claras y de una manera mucho más equilibrada. Este nuevo amigo también puede ayudarte a recordar que nadie es perfecto y ayudarte a ver que aunque las voces críticas estaban tratando de ayudarnos, estaban siendo duras porque estaban equivocadas en sus esfuerzos por protegerte. Cuando llevemos la autocompasión a la creatividad junto con todo lo demás de lo que hemos estado hablando en esta clase, te darás cuenta de que sí tienes opciones y podrás permitirte hacer una pausa y ten presente lo que estás haciendo antes de tomar más acción para que estés al tanto de la situación. Aprenderás de tus experiencias y serás mucho más paciente contigo mismo mientras estás aprendiendo estas habilidades y desarrollando tu técnica. También siendo autocompasivo, eres menos crítico y te vas a comparar menos con los demás y si lo haces, será un factor motivador más que un negativo. Si estuviéramos conscientes de con qué frecuencia, dónde y cómo golpea ese crítico interno, podemos aprender a ser conscientes cuando surge la situación. Intenta rastrear la voz interior o cualquier pensamiento cuando empieces a compararte con otros artistas o diseñadores. Pruébalo unas horas o más. He incluido un práctico PDF para ayudarte con esto. A menudo ver estos pensamientos escritos se mostrarán ciertos patrones y se puede aprender de ellos. Una vez que hayas observado la autocharla negativa, solo tienes que hacer una pausa. No te des una paliza ni te sientas mal. Simplemente reconoce que tenías estos dos pensamientos. Vuelve a echar un vistazo a tus fortalezas creativas porque estoy seguro de que estas son únicas y se te recordará lo dotado que estás en muchas áreas y lo que contribuyes a la comunidad artística y cómo puedes inspirar a otros. Otra tarea que tal vez te guste probar es escribir una carta de pretensión a tu crítico interno. Sé que suena loco pero ya lo he hecho antes y de verdad me ayudó. Puedes seguir el formato esbozado en el PDF o hacer el tuyo propio. Mi querido crítico interior, has sido una voz fuerte y constante en mi vida. Sé que pensaste que me mantenías a salvo y entiendo que mantenerme en mi zona de confort es importante para ti. Agradezco sus años de buen servicio. No obstante, me gustaría decirles algunas cosas. Me hiciste sentir pequeño cuando intentaba crear un cuadro de esos aguacates porque la pintura se salió de la página. Cuando traté de dibujar esos pimientos, me hiciste ansioso porque empecé a adivinarme porque no eran proporcionalmente correctos y realmente no me gusta cuando dices que mis opciones de color están todas equivocadas porque entonces realmente empiezo a dudar si tengo algo de ello bien. Recuerda la vez que quise crear una pieza abstracta y dijiste que parecía que alguien había vomitado en la página. No creo que eso fuera muy amable. Me gustaría que diera un paso atrás de sus deberes y quiero hacerle saber que ahora estoy enfocado y confiado en mi trabajo. Estoy libre de juicio y mi creatividad fluye libremente. Estoy liberando por todo el pensamiento y voy a seguir adelante. Te doy permiso para estar más ausente en mi vida a partir de ahora. Eres sinceramente, Ohn Mar Win, Artista e Ilustrador. Algunas otras frases empoderadoras que te gustaría usar son cosas como, reconozco mi propia autoestima y mi confianza en toma de arte está aumentando y confío en mi intuición y siempre tomo decisiones sabias. Cosas como que estoy dejando ir todas las creencias negativas que se han interpuesto en el camino de mi éxito. Si no es por ti, eso está absolutamente bien. Yo solo quiero decir a lo largo de los años, mi crítico interno definitivamente ha callado mucho pero simplemente se abalanzará en los momentos más inoportunos como cuando estoy un poco estresado crear una nueva obra de arte para un cliente y ella me empezaré a molestar. Pero porque soy consciente de que tiene tendencia a brotar en esas situaciones, es casi como si lo estuviera esperando y he acumulado resiliencia hacia ella y solo diré, mira, aguanta, dale un descanso. Sé lo que estoy haciendo. ¿ Puedes simplemente dar un paso a un lado por favor y dejarme seguir con lo que necesito para seguir adelante con ello. A veces es más fácil que en otras ocasiones. Sinceramente sí creo que ha llegado al punto en que tengo mucho más control sobre lo que está pasando aquí dentro y espero que eventualmente te pase lo mismo. 12. Bloqueo 7: vulnerabilidad: Quizás te estés preguntando por qué está aquí esta clase de video, cuál es la conexión con la creatividad, y yo no la entendí por muchos años. Es sólo en los últimos tiempos que realmente consigo la conexión entre crear una nueva pieza de arte o diseño o conferencias que nunca antes había existido, y todas las diferentes emociones por las que tienes que pasar para llegar a un pieza bastante terminada de la que estás orgullosa. Se puso para todas las diferentes cosas que aquí hemos discutido, como el miedo al fracaso, el juicio, y la voz autocrítica. Esta es una cotización de Brené Brown. “ La vulnerabilidad se trata de aparecer y ser visto. Es difícil hacer eso cuando estamos aterrorizados por lo que la gente podría ver o pensar”. Ella continúa diciendo que la vulnerabilidad es todo lo que hemos estado discutiendo en esta clase. La incertidumbre, el riesgo, y la exposición emocional. Dibujar, diseñar, pintar, esculpir, lo que sea que estés creando es un acto valiente porque estás compartiendo una pieza de ti mismo con el mundo, y por ello, abarca todo el círculo creativo desde el forma en que pensamos en nuestro mundo y compartimos esos talentos. Cuando constantemente estamos preocupados y temerosos de lo que la gente piensa o ese crítico interno que constantemente está susurrando “Oh no eres muy bueno en esto, ¿verdad?” Es realmente difícil aparecer en nuestro Estudio o en cualquier lugar que creemos. Ella continúa diciendo : “Terminamos buscando nuestra dignidad. Es cuando quien creo que debería ser volverse más importante que quien soy, porque te escondes en partes de tu viaje creativo por miedo al rechazo y al juicio, y buscas aprobación con gustos y seguidores. Quiero decir en este momento, apuesto a que cada uno de ellos tiene historias en la creativa Marina es una hermosa misa. Sé que esto se está poniendo bastante profundo y tal vez, es una forma de salir de tu zona de confort para escuchar cosas como esta. Pero recuerden, nuestra propia mente humana es sensible a situaciones potencialmente dañinas, y en este caso, bueno, tener ideas o trabajo rechazados. Si bien no es una amenaza para la vida, puede sentirse devastador porque nos sentimos muy expuestos. Esos sentimientos de vergüenza o ansiedad que tu trabajo es poco atractivo. Tratamos de protegernos con diversas defensas incluyendo su dilación o tratando de enmascarar y escondernos. Esto puede tomar la forma de jugar pequeño o permitir que el miedo y la duda de sí mismos oculten que estamos pasando un momento realmente difícil con tipografía o canales Alpha o patrones de repetición. No queremos que otros vean nuestra lucha porque sí juega en ese miedo al juicio y al fracaso. Quiero volver a decir, el acto de crear algo nuevo cuando antes no había nada, siempre lleva un elemento de riesgo e incertidumbre, y es algo que no podemos dejar de lado. Tienes que ser valiente. De lo contrario, no puedes ir más allá de esos bocetos o concepto iniciales, y estarás atascado en esta tierra creativa de nadie, donde no puedes progresar más. Para vivir una vida creativa, debes actuar a pesar de tus miedos y dudas. Vulnerabilidad significa ser auténtico y ser honesto, y para mí, es algo que apenas acabo de empezar a entender. Apenas en los últimos meses, he podido abrirme más sobre retos, cuando creo y cuando comparto mi arte. A pesar de haber llenado 17 cuadernos de bocetos, e ilustrados para libros de cocina, y marcas conocidas, todavía tengo inseguridades sobre mi arte, y probablemente nunca desaparezcan. Pero la diferencia es ahora puedo manejarlos y no tratar de combatirlos. Cuando nos humildeamos para abrirnos lo suficiente durante esos tiempos difíciles, y cuando compartimos algunas de las dudas que podamos tener, probablemente te sorprenderías con las respuestas que recibes. Brené Brown dice: “Cuando estamos aceptando que fueron vulnerables, seremos recompensados con los dones de la imperfección, que son el coraje, la compasión y la conexión”. Esta es una publicación reciente de Instagram donde hablé de un proyecto que hice para UNICEF. Tenía mucho miedo de compartirlo, y no lo hice por edades absolutamente. A pesar de que el UNICEF es un gran problema. Sí, es un proyecto realmente digno para combatir la desnutrición infantil en Birmania, que es un país del tercer mundo, y allí nací. Pero estaba realmente preocupada por las recientes noticias negativas sobre el país de mi nacimiento. Que me iban a juzgar y criticar por ilustraciones para un proyecto basado en ese país. Sé que suena ilógico. Al elegir contar mi historia sobre esta ansiedad que tuve, abriéndome sobre mi miedo, recibo mensajes tan cariñosos de apoyo. De verdad me asombré y ahora me ha dado mucho más valor para hablar con franqueza, y compartir las partes del iceberg que no se ven a menudo, y también ver mi arte como una fuerza para el bien. Estos comentarios que recibí fueron realmente comprensivos, y compasivos, e increíblemente amables, y siempre es una gran idea practicar la autocompasión cuando vemos nuestro arte, y ser realmente amables con nosotros mismos cuando crear y más si no resulta como se esperaba. En lugar de juzgarte y criticarte sin piedad por diversas insuficiencias o deficiencias, ser autocompasivo significa, eres amable y comprensivo cuando te enfrentas a creaciones imperfectas. El cometido de esta sección es tomar una pieza de arte que has creado recientemente, tal vez para tu proyecto Seven Day Challenge, y quiero que describas genuina y veraz cómo te sentías al respecto. Alrededor de cinco o seis frases, sobre los sentimientos que experimentaste durante el proceso, incluyendo todos los retos, y el revés, también los positivos y cómo te sentiste después de haberla completado. Puedes crear una publicación de Instagram para describir esto o simplemente puedes decírselo a tu compañero de rendición de cuentas. La segunda tarea es totalmente opcional. Te daré un enlace a una página web, eso es una prueba autocompasiva, y si lo hubiera hecho hace 12-18 meses, no creo que lo hiciera [inaudible] tan bien, y es sólo en los últimos 12 meses que he podido la importancia de la autocompasión y la amabilidad en mi vida creativa y personal. Me siento mucho más satisfecho y creo que he desarrollado mucho mejor resiliencia emocional. Yo soy más feliz, soy más optimista, y también he dejado ir mucha de la autocrítica. 13. Alternativa: aspirar a logros: En esta videolección, sólo voy a repasar rápidamente las diferencias entre ser un alto logro y un perfeccionista. Puede parecer similar en algunas formas, pero la diferencia es, la primera es sana y la segunda no. Cuando trabajas para ser un alto logro, estás haciendo lo mejor de ti, pero no estás tratando de ser perfecto o no estás tratando de ponerte abajo porque, ninguna pieza de trabajo es sin esfuerzo. No te va a causar tanta ansiedad que no puedes seguir adelante con la tarea porque entiendes que lo suficientemente bueno es suficiente. Si va bien, está bien. Si no lo hace, eso también está bien porque la próxima vez haces que funcione mejor. Como se mencionó en el último video, practicando algo de autocompasión cuando creas, te ayudaremos a entender que cometer errores no significa que seas un mal artista. El modo en que he establecido las videoclases, con las tareas atentas al final para que lo consideres, es para ayudarte a ver dónde puedes hacer ajustes y mejorar y progresar. Tus respuestas deberían ayudarte a autoanalizarte y encontrar soluciones que te ayuden en situaciones, especialmente durante el proceso de creación de arte, para ver dónde te podrías haber pinchado y producido mejores resultados moviéndose hacia adelante. perfeccionista tiende a preocuparse de que no hayan hecho lo suficiente, incluso cuando las cosas van bien. De alto logro, cuando ves que has hecho algo bien, te palmaditas en la espalda y te das crédito por hacer un buen trabajo y reconoces que estás mejorando. Entonces lo haces bien, cada vez más a menudo, cometiendo menos errores. En esta tabla se enumeran sólo algunas áreas en las que se puede comparar ser un alto logro creativo con ser un perfeccionista. Altos logros investigarán el proyecto, le darán su mejor esfuerzo, y lo completarán de manera oportuna y luego se sentirán bien con lo que han creado. [ inaudible] también proyecto de investigación, posponerlo un rato y luego trabajarlo una y otra vez para llegar a una versión de lo que creen que es perfecto. Entonces quizá, abandonarlo porque piensan que no es lo suficientemente bueno. altos logros reconocen sus logros y se sienten orgullosos de sí mismos por lograrlos. Perfeccionista puede haber logrado muchas cosas, pero no pueden sentir satisfacción porque su arte nunca es absolutamente perfecto. Los logros entienden que cometen errores en su arte, pero los aprecian porque aprendieron de ellos. Pueden evaluar lo ocurrido y pensar en cómo evitarlo para la próxima vez. No obstante, perfeccionista, cuando cometen errores, se sienten muy ansiosos y tratan de esconderlos para que nadie sepa que los cometieron. altos logros están entusiasmados por aprender nuevas habilidades y practicar su oficio porque conocen el valor de su arte y creatividad. Perfeccionista sabe, aunque hay una curva de aprendizaje masiva cuando aprendes algo nuevo y los errores son comunes, evitan ponerse en esa posición porque no pueden lidiar con algunos de los sentimientos que vienen con ello. 14. Reflexiones finales: Me alegra mucho que hayas llegado hasta aquí. Sé que ha habido un montón de terreno por cubrir y algo probablemente no era familiar y también incómodo. Cuando salimos de nuestro camino para evitar el riesgo y el fracaso, aunque no seamos conscientes de ello, realidad estamos evitando el crecimiento y nuevas experiencias que son realmente importantes para alimentar tu creatividad, sea cual sea el campo en el que te encuentres las bellas artes a la fotografía a un escritor, fracaso es necesario para el crecimiento y la expansión. A veces lucir torpe, incómodo y estúpido cuando no producimos la mejor pieza de arte o escribir o fotografía es necesario para expandir nuestros talentos creativos. Para parafrasear a Brene Brown en su libro, Los regalos de la imperfección, Ella dice que necesitamos bajar ese escudo 20 veces de perfección porque no nos está haciendo ningún favor, y es realmente lo que nos impide ser nosotros mismos. Hay una cita que dice: “La vida pasa al borde de tu zona de confort”, y ese borde es realmente desordenado, enojado y aterrador. Pero también significa que intentas cosas nuevas y tomas riesgos calculados a pesar de los temores que te podrían frenar. Al referirme a mi clase, La vida secreta de un cuaderno de bocetos, quería demostrar que incluso con varios años de mindfulness; cuando estoy en un espacio creativo, todavía tengo problemas casi cada vez que llena una página de mi cuaderno de bocetos. Tener el conocimiento intelectual no es suficiente. De verdad tienes que ponerlo en práctica. Si miras los videos opcionales de esta clase, verás que muchas veces tengo que alejarme o animar a alejarme cuando las cosas no salen según lo planeado. Y ciertamente no produzco piezas perfectas. Me gustaría terminar compartiendo algunos consejos más con ustedes. “ La acción imperfecta es mejor que la inacción perfecta” de Harry Truman. Es mejor tener proyectos terminados, pintar bocetos de los que estás orgulloso a pesar de tener algunos defectos que no haber creado nada porque el miedo te retuvo. Habrías descubierto lo que funciona y lo que no, qué lecciones se aprendieron y no tan buenas ideas se descartaron. Dentro de un año, serás mejor artista o diseñador por haberlo probado. Hay otra cita, “La vida es 10 por ciento de lo que te pasa y 90 por ciento de cómo reaccionas a ella”. La actitud lo es todo cuando estás tratando de crear y determinará tu realidad. Tenemos el poder dentro de nosotros mismos, cómo acercarnos a nuestra creatividad y cómo la aplicamos. Sé que no es fácil tener nuestros pensamientos en jaque pero al menos podemos monitorizar y estar atentos a ellos. Miedos y ansiedad; uno nos controla. Sí tenemos el poder de dar vuelta a las situaciones más creativas cambiando nuestra actitud hacia los resultados. Defina qué significa el éxito para usted. Recuerda, el éxito no es medido igual por todos. No hay dos personas que se esforzarán por exactamente lo mismo en función de sus propias necesidades y metas individuales. Mi definición de éxito ha evolucionado y cambiado a lo largo de los años. Llegas a decidir cómo se ve y lo que sea será poderoso y significativo para ti. Hay una cita maravillosa de Theodore Roosevelt, a menudo se le conoce como el discurso del Hombre en la Arena. No te aburriré repitiéndolo en su totalidad. Pero básicamente está diciendo que no hay errores en la vida. Si eres el que hay afuera, tratando de ser creativo poniéndote en la arena, la arena creativa, requiere enormes cantidades de coraje y tenacidad. El éxito y los fracasos son inseparables. Te tropezarás, pero te levantarás, y cada vez que esto suceda, no solo con el arte, sino con la vida también, sino con la vida también, creceremos y aprenderemos y tropezaremos de nuevo y creceremos y aprenderemos de nuevo y construiremos y construiremos construir a partir de tus fracasos. Llevo muchos años probando varios ejercicios y rutina para abordar la dilación y el control de los resultados. En algunos días es más fácil que en otros días. Pero la única forma que tenemos es ahora mismo. Estar presente cuando creas es realmente importante. También quiero estresar sobre el reto de siete días. solo estar consciente y ser consciente, sobre todo si estás creando, es un paso en la dirección correcta. Yo sí te exhorto a probar los ejercicios, digamos evaluar el intercambio entre la necesidad de mantener todos tus materiales artísticos ordenados y en realidad salir de la zona de confort y hacer un lío con todo el arte materiales. Esto puede no venir naturalmente después de siete días o incluso siete semanas, pero sólo tienes que seguir recordándote que ¿qué te cuesta quedarte atascado? El aprendizaje y el crecimiento realmente da miedo. Pero en el otro lado, también hay emoción y emoción, una vez que te pongas en marcha. ¿ Estamos discutiendo al inicio de cada video? 15. Mi reto de 7 días: Yo solo quiero decir unas palabras sobre el Desafío de 7 Días. Puedes o seguir junto con los tutoriales que te voy a mostrar ahora, o elegir una materia ligeramente diferente o un proyecto diferente en su totalidad. Lo principal aquí no son los resultados finales, es más del proceso y quiero que estés atento durante el proceso. Piensa en las tareas que presenté en cada sección. Intenta al menos mirar lo que había en ese PDF, o completar algunos de ellos antes de intentar la creación de arte. Durante la creación de tu proyecto, si comienzas a sentirte ansioso, lo mejor es simplemente tomarte un descanso. Aléjate y da un paseo por tu jardín, luego volver con una cabeza mucho más clara. Con la práctica y la mindfulness, sabrás cuándo es momento de evaluar, haciendo pausas cortas, mirando alrededor de tu pieza y viendo qué acciones debes realizar a continuación. Creando arte y diseños, ya sea que estés pintando o creando un patrón de repetición, tienes que ser realmente paciente contigo mismo y con el proceso. Ve fácil contigo mismo y reconoce que a veces vamos a tener un paseo duro. Pero eso es absolutamente parte del proceso. Es algo que vamos a aprender a apreciar cuando el ir es fácil. Al final de cada sección de creación de arte, quiero que evalúes tu pieza usando estas preguntas: ¿Qué aspectos disfruté más? ¿ Qué áreas creo que me gustaría explorar más? ¿ Dónde podría mejorar para la próxima vez? Además, ¿en qué podría tener presente seguir adelante? A veces en realidad se me ocurren las respuestas a estas preguntas mientras estoy creando. Hago notas mentales para tratar de recordarlas para mi próxima práctica. 16. Día 1: De verdad espero que hayas escogido un proyecto realmente convincente que te va a ver a través de los próximos siete días y aún te sentirás emocionado durante ese periodo. Además, es genial tener un plan de acción áspero de lo que vas a hacer cada día, incluyendo ahora. Empieza siempre con algo pequeño y sencillo y no gastes más de 20 minutos. Cuando se trata de procrastinación creativa, no estoy hablando del lado empresarial de dirigir una carrera artística, es realmente importante que elijas un proyecto que te obligue a tomar acción. No algo que te vas a encontrar aburrido. Siempre hago mucha investigación para que me inspiren y emocionen con lo que estoy a punto de embarcarme. Puede que tome un tiempo, pero empezarás a tener una mejor sensación sobre lo que va a ser una prioridad para ti en lugar de, “yo debería hacer esto. Otras personas están haciendo esto”. Estamos hablando de lo que te excita. Este tipo de cosas que acabo de mencionar sí me recuerdan a batik. Entonces solo voy a ver si hay alguna cosa del tipo batik. A lo mejor porque me siento atraído porque soy del sudeste asiático y estoy acostumbrado a esa iconografía. Esto me gusta mucho. En realidad dice que es un diseño de tipo africano. Pero mira qué más se acerca. Cuando me escucharon decir, ooh, oh, es por lo que me siento atraído. Directamente debajo dice Ropa de Boro Japonesa. A pesar de que esto no tiene nada que ver con la técnica de resistir, me encanta ese tipo de simple libro imágenes audaces. Veamos qué más surge. Todo esto es bordado. Está trayendo emociones realmente felices para mí. Sería maravilloso si pudiéramos captar la esencia de emoción desde cuando inicialmente tenemos una idea y dejar que esa emoción construya nuestro impulso tomando acción. Sé que no siempre funciona así. Tu propio y convincente por qué. El por qué quieres hacer un determinado proyecto o crear un cierto patrón. Eso debería ser suficiente para seguirte a través ese momento difícil en el que podrías estar enfrentando dilaciones. En primer lugar, vamos a trabajar dentro de nuestros límites. Esta es nuestra primera imagen que vamos a intentar y crear. Yo quiero hacer algo que esté dentro de lo que realmente soy capaz. Esto me gusta. Esto es realmente simple pero sin embargo efectivo. Acabo de ver algo más aquí. Esto es tan sencillo, pero creo que este sería un buen comienzo para mí. Es literalmente una serie de puntos. Yo podría hacer eso con solo pinchar en pedacitos de líquido de enmascaramiento y ver cómo vamos con este. Podría usar esto como inspiración. Estos son los materiales que voy a estar usando. Eso realmente no es mucho. Yo sólo voy a ir rápidamente a través de ellos. En primer lugar, es el líquido de enmascaramiento. En realidad tengo dos. Este es de Winsor & Newton y el otro de Daler Rowney. Ellos prácticamente funcionan igual. Cualquier líquido de enmascaramiento hará por este ejercicio. No tengo preferencia por ninguno de ellos. Elegí líquido de enmascaramiento por la misma naturaleza que es ligeramente impredecible. Puedo usar cierto grado de control. Pero no es hasta que te lo quitas que realmente empiezas a calibrar dónde ha funcionado bien y dónde no se ha adherido del todo al papel. A continuación se presenta un conjunto de colores de agua bastante básico. Este es el Winsor & Newton Cotman. Es sólo el set de un estudiante. Para este ejercicio, literalmente sólo voy a usar un color. Que es índigo, o más o menos una versión de índigo. Voy a ver cómo funciona con un color de agua primero. En días posteriores, podría ver si puedo traer otros médiums. Pero no lo sé en esta etapa. Para el líquido de enmascaramiento también necesitarás un cepillo que no sea bueno. Este es en realidad el pincel de mi hija. No le he dicho que lo estoy usando. El carácter del líquido de enmascaramiento significa que se arruinará casi. Se puede lavar con agua caliente y jabonosa. Pero puedes ver ya he usado este cepillo para enmascarar líquido. No necesito un pincel perfecto. También necesito un pincel grande para extender sobre la pintura o cualquier medio que voy a usar. Esto tiene punta grande y no voy a estar entrando muy apretado. Yo sólo quiero esparcir esa pintura por ahí. Por último es de goma para despegar el líquido de enmascaramiento una vez que esté completamente seco. Este es el boceto que voy a estar usando. Te voy a mostrar rápidamente eso. Este es mi desordenado cuaderno de bocetos. Es literalmente papel de cartucho. Si has visto mis otras clases de práctica de cuaderno de bocetos hago todos mis ejercicios y esto es lo que uso. No voy a ser preciosa. No tienes que gastar mucho dinero. No puedo hacer la excusa de que mi papel fuera caro o mis materiales eran caros. Toda la razón por la que lo estoy haciendo aquí es para demostrarles que aún crean preciosas piezas de arte con pocos materiales de arte y no usar productos caros. Vamos a trabajar pequeño porque queremos lograr algo en un periodo de tiempo relativamente corto. Yo sólo voy a sumergir este pincel directamente ahí. Tienes que trabajar muy rápido porque tiene tendencia a secarse rápidamente en ese cepillo. Empecemos a poner unos pequeños puntos en un patrón circular. Voy a empezar aquí. Apenas puntos weeny. Veamos qué tan rápido puedo hacer esto. No son exactos y no son perfectos. Voy a dejar un espacio ahí porque ahí va a haber alguna forma floral y hacer más o menos lo mismo aquí. Como puedes ver, algunas manchas son más grandes que otras manchas y eso está absolutamente bien. No sabremos hasta que nos quitemos todo el asunto cómo va a salir. Eso es un poco cabalgada. Pero eso va a estar bien. Lo principal es que estoy bajando este fluido de enmascaramiento, que es el primer paso. Creo que eso es suficiente por ahora. Ahora voy a hacer los pequeños detalles florales, como pétalos que parecen. Haré lo mejor de mí usando este pincel. Podría tener que cambiarme a otra cosa. No estoy seguro. Eso no está mal. Este va a tener siete pétalos encima porque no juzgué muy bien la distancia. Pero eso está bien. Si bien como se afirma en el cuestionario que necesitaban todos los materiales de arte adecuados antes de comenzar, o parece que sólo pueden comenzar en condiciones ideales. Esta es una forma de dilación porque al esperar a que todo esté justo en lo correcto sientes que tienes una mejor oportunidad de triunfar. Esto de nuevo es autosabotaje. Voy a ir rápidamente a remojar este cepillo en un poco de agua caliente y jabón y dejar que esto se seque. Se puede utilizar un secador de pelo para acelerar el proceso. Pero debes asegurarte de que esté completamente seco. De lo contrario, esta técnica no va a funcionar tan bien. Ahora he empezado a mezclar una versión de un índigo usando las acuarelas que tengo. En realidad no creo que esto vaya a estar bastante oscuro para lo que quiero así que intentemos agregar un poco de esta siena quemada trópica. Es un tono mucho más deseable. Intentaré mezclarme tanto como pueda. No estamos tratando de crear una textura pareja. Shibori es un poco como teñido profundo por lo que no es ciencia perfecta. Yo tampoco estoy aquí por la perfección. Esto está completamente seco. Eso lo he comprobado dos veces. Empecemos a poner algo de esta pintura hacia abajo. De nuevo, no estamos tratando de cubrir un área grande. Mide aproximadamente 10 centímetros por tal vez 12. Acabo de darme cuenta, creo que podría haber usado esta página para el experimento de resistencia a la cera. Bueno, eso es un apagón para el libro, ¿no? No esperaba eso, pero está bien. Solo sigamos agregando un poco más azul porque esto está un poco lavado. En realidad podría tener que dejarlo secar y luego pegarle otra capa sólo porque no es tan intensa como me gustaría. Esto ahora está completamente seco. Se puede ver que donde he usado el secador de pelo se ha ido de los ángulos. Pero eso está bien porque estamos más interesados en las texturas que podemos crear a partir del fluido enmascarador. Se puede ver donde está seco, hay algo de floración rizada sucediendo ahí, y eso se está sumando a esta calidad textural que realmente quería lograr. Voy a ponerme otra capa porque es un poco demasiado insípido para mí. Entonces hagámoslo. Más adelante en la clase, voy a entrar en muchos más detalles de diferentes formas en que puedes evaluar tu after design antes, durante, y después de la creación. Pero justo en este momento, sólo quería oscurecerlo. Tenemos que asegurarnos de que esté completamente seco. De lo contrario lo vamos a manchar cuando le quitemos el líquido de enmascaramiento. Aquí es donde entra el caucho. Nuevamente, estas son mis hijas. Ella ha dicho, sí, puedo usar esto. Sólo vamos a restregárselo. Puedes usar las yemas de los dedos, pero es mucho más fácil usar una goma como esta. Ahora que está seco, realmente me gustaría valorar ciertos aspectos de la misma. La primera pregunta que me hago es, ¿ qué parte disfruté más? Para mí, en realidad lo estaba frotando como siempre. Las áreas que realmente me gusta ver es este rincón en particular donde ha jalado la pintura. Se ha creado todo tipo de cosas misteriosas que suceden ahí dentro y realmente lo disfruto. También lo que me gusta con el fluido de enmascaramiento es que a veces se une, por lo que crea formas que ni siquiera esperabas. 17. Día 2: El Día 2, vamos a estar mirando expectativas poco realistas e intentar confiar en tus capacidades y entender, estás donde estás en tu camino, pero vas a estar avanzando completando este reto. A lo largo de la fabricación de arte de hoy, date pequeños complementos como me gusta mucho esa zona, me gusta mucho la forma en que aplico la pintura ahí, solo para mantenerte presente e involucrado con el aspecto positivo de hacer tu arte. Después al final, compare los resultados del Día 1. Vuelvo a mirar mi inspiración de Pinterest. Podrás crear tu propio tablero si quieres. Este patrón aquí realmente me gusta la imprevisibilidad real al respecto. Hay una formalidad al respecto pero también me gusta que haya una serie de formas grandes y pequeñas sucediendo ahí y su en fila. Podría recrear eso. Ya sé, en el ejemplo en Pinterest, es rojo, pero sigo queriendo seguir con el azul índigo así que estoy bajando líquido enmascarador. Creo que empecé un poco a regular. Voy a tratar de hacerlo un poco más irregular y blobby porque eso es lo que realmente me gusta de ese ejemplo que estoy viendo. El borde fila que arriba y abajo. Estoy tratando de no tener mi mano en el camino. Probemos algo. A mí me gusta cómo en el ejemplo se unieron algunas de las splotches. Entonces intentemos eso. Cuando estás viendo este tutorial y los otros que están en esta sección. No quiero que copien servidumbre exactamente lo que estoy haciendo. Por favor intenta dar un paso un poquito fuera de tu zona de confort y crear un patrón único que es algo que te interesa.Finos patrones que te atraigan. No te vas a mal.Te vas a enterar de algo que es mucho más acorde con tus gustos y preferencias. Mira este video por todos los medios pero por favor intenta hacer algo que te interese más. Eso podría ser bueno. Continuando con esa cosa, se puede ver donde estoy probando cosas nuevas y me está dando ideas para otras cosas. No sé exactamente cómo va a salir y está absolutamente bien. Sea lo que resulte, porque estamos construyendo sobre lo que sabemos poco a poco, literalmente minuto a minuto en algunos casos. Creo que quiero guiones aquí abajo. Ah, sí. Así tal vez. Eso podría ser bueno y sólo porque puedo y tengo el espacio, voy a añadir una fila de algo más bien. A pesar de que no había planeado el patrón en mi cabeza, sabía por la referencia aproximadamente lo que iba a hacer a continuación. Podría ser un poco aterrador para ti no tener un plan completo.Por eso es importante hacer una pausa cada pocos minutos y evaluar dónde podría necesitar tu pieza un trabajo extra o mejorar la composición. Porque ayer tuve que repasar la acuarela dos veces para obtener la profundidad del color. Creo que voy a probar gouache y mezclarlo hasta una consistencia bastante delgada, pero podría darme un poco más de profundidad de color, no estoy seguro. No he hecho esto, pero sólo voy a darle una oportunidad y ver qué pasa. Simplemente poniendo ese gouache en un plato, creo que esto me va a dar un azul más bonito, más profundo para seguro.Este es el gouache de los diseñadores ultramarinos Winsor y Newton. Pero no es del todo índigo para mí.Espero que al agregar un abismo de negro, solo lo vaya a profundizar. A ver. Creo que eso definitivamente va a funcionar mucho mejor que el mío. Podría haberla mezclado un poco demasiado, pero sólo lo voy a aplicar. Esto definitivamente está seco, dice. Sí, sí se ve seco. Pongámonos eso. Eso es mucho mejor. ¿No es así? Eso es mucho más profundo.Muy bonito, pero sigo queriendo ese gouache tono ligeramente desigual sí da mucho más textura uniforme, pero sólo voy a mezclarlo, solo el ultramarino por sí mismo y añadir un poco de eso también. Sólo para darle contraste para que no sea un solo color. Eso es lo mío. Obviamente, puedes hacer lo que te plazca. Voy a darle a esto otro seco y luego podemos despegar ese pegamento enmascarador y ver cuáles son los resultados.Tomando el tiempo para dejarlo secar, te da una gran oportunidad de evaluar, a dónde has venido en esta etapa, tal vez en comparación con ayer y para comprobar cómo se está sintiendo tu cuerpo y aprovecha la oportunidad de estirar y tener algo de beber. No estoy seguro de cómo va a salir esto, pero sólo hay una forma de averiguarlo y es quitárselo con la goma ahora. Hay zonas que no estoy seguro si he añadido un poco demasiada pintura, pero veamos. Si hacemos de nuevo las mismas preguntas.Lo que más disfruté, con esta práctica en particular fue crear los bordes que tenían la línea desigual. Me gusta la línea suave, pero también creo que me gustaría explorar más si estamos usando pinceles que van a crear marcas así. Es muy desigual, pero realmente me atraen esa textura. Las áreas con las que me siento más feliz es el índigo intenso, donde está contrastando maravillosamente bien con el blanco del papel cartucho que se está mostrando a través y creo que definitivamente es intensidad que yo quería lograr. En cuanto a qué idea me pudo haber dado, es me di cuenta que puedo lograr efecto de línea bastante bonito usando ese pincel y luego otra línea aquí abajo. Es un poco desigual, pero voy a mirar eso con seguridad y tratar de incorporarlo. Acabo de hacer esa segunda imagen, el segundo salto. A pesar de que realmente quería que se viera muy similar a la técnica de tinte añil arbusto que vi en Pinterest. Estoy usando resistente a la cera. Están usando como técnicas avanzadas de teñido de corbata y nunca va a verse igual. A pesar de que estoy satisfecho con el resultado, no fue realista de mi parte pensar que podría lograr un parecido muy cercano a él porque estoy usando dos técnicas completamente diferentes. Pero aún así, sigo aprendiendo algo que es realmente genial desde mi punto de vista. 18. Día 3: Ahora estás casi a mitad de la semana y tal vez tu ansiedad sigue ahí, intenta apoyarte en ello. Toma muchas respiraciones profundas. Ve esta ansiedad y tus miedos como un paso en el viaje creativo y los errores que bien podrías estar cometiendo, son señales de que todos estamos progresando y luego comparar y contrastar los resultados de los días anteriores y ver cómo estás carenado. Recuerda, estaba tratando de lograr este look aquí, y luego cuando me desplazé por Pinterest me gustó mucho este patrón también, y voy a tomar lo que he aprendido de las dos últimas sesiones y crear algo que sea formal, digamos, pero informal porque no quiero que sea demasiado rígido. Eso es algo que no estoy demasiado interesado, pero podría ser algo que te guste explorar, pero voy a ver qué puedo lograr con el líquido de enmascaramiento y si podemos hacer algo similar a eso. Con el tercer día de práctica, voy a estar combinando puntos con los que estoy bastante familiarizado, haciendo ahora con el trabajo de línea. La última vez probé líneas rectas. Esto es más curva como una hoja en forma de que estoy formando aquí se puede ver que los puntos siguen siendo bastante desiguales. Eso se debe a que el cepillo que estoy usando, el líquido de enmascaramiento se está secando, está creando esto resultados mucho más desiguales. No tenía un plan de cómo iba a crear la regularidad de las formas. No tenía una línea de lápiz ahí. Sé que para algunos de ustedes, sería bastante complicado para ustedes crear un patrón como este sin una guía lápiz, y si funciona para ustedes, está bien. No siento que lo necesite. Crear arte en esto, digamos estilo libre podría ser bastante aterrador porque hay tanto que potencialmente podría salir mal. Creo que cada artista en algún momento se volverá más cómodo. El Sentimientos de la asunción de riesgos. Recuerda que gran parte del tiempo solo puedes crear fuera de tus zonas de confort para poder crecer y tienes que sopesar el costo. ¿ Quieres quedarte donde estás o salir de esa zona de confort? Quizás enfrentar el fracaso, quizá enfrentar la incertidumbre. ¿ Cuánto quieres realmente vivir esa mentira creativa? Yo de nuevo, usé gouache porque me encantó ese índigo que venía y era tan intenso y no tuve que mezclarlo a fondo. Podría parecer que estoy aplicando la pintura bastante al azar. Creo que en esta instancia donde estamos aplicando primero la resistencia, la pintura es en realidad secundaria y no sabremos hasta que se desprenda ese líquido enmascarador, cuáles van a ser los efectos y con qué resultados tenemos que jugar. Como habíamos aplicado ese índigo en gouache, sentí que podíamos jugar agregando un poco de agua para ensuciar un poco las cosas porque sentí el punto en concordancia con el tie-dye que llevaba que estaba viendo. Simplemente tomé un pincel mojado y lo aplicé en algunos lugares, empujando la pintura alrededor. Algunas zonas eran de color blanco brillante y algunas más apagadas, azul-gris casi. Los contrastes se mezclaron mucho más, y esto tiene mucho más interesante para mí de todos modos. Yo estaba muy consciente de lo mucho que estaba disfrutando esta parte del proceso. No he hecho nada como esto antes. Estaba tan emocionada con los resultados que estaba logrando y sabía que quería explorar esto mucho más para futuras prácticas. Encuentra otras formas de utilizar este método. En cuanto a lo que haría un poco diferente patrón de la próxima vez que creé es un poco desequilibrado, así que si hubiera pasado tal vez sólo otros 30 segundos trabajando donde centro de cada una de esa estrella, entonces habría estado capaz de construir la forma a su alrededor de una manera mucho más regular. Pero creo que todavía puedo usar esto para crear un patrón de repetición. Creo que la parte favorita para mí es la irregularidad de ese color. Se desvanece dentro y fuera y es tan imperfecto, y en realidad me encanta ese aspecto de la misma. 19. Día 4: Si no te has registrado con tu pareja de rendición de cuentas, este sería un buen momento para hacerlo y mostrarles lo que has creado en los últimos días. Echa también un vistazo a lo que has creado y busca los pequeños éxitos. Si decides compartir en redes sociales, explica qué estás haciendo y por qué es importante para ti. Las patentes que estoy viendo ahora son un poco más elaboradas y me pregunto si puedo lograr algunas de estas tonalidades tonales, claras, y oscuras ponderadas , no estoy seguro si puedo sacarlo, pero de verdad quiero darle un go sólo para estirar un poco más allá. Sigo usando el mismo pincel, porque todavía me da un bastante buen grado de diferentes grosores y texturas. Estoy creando formas mucho más elaboradas. Mi competencia está creciendo un poco, así que, estoy creando marcas mucho más elaboradas. Nuevamente, es freestyle, no voy a ninguna guía, solo estoy mirando el espacio negativo y viendo dónde puedo caber en algunas de estas barreras en círculo estelar, digamos, o las dos rondas de puntos. Crear así para mí viene de bastantes años de práctica y ahora lo hago de manera bastante intuitiva. Puede que te resulte un poco más complicado conseguir que el espaciado sea correcto, pero incluso para mí, es bastante complicado. De nuevo, sí tengo plan pavimentado en lo que estoy haciendo basado en la referencia que he mirado en Pinterest, pero todos los días estamos entrando en un territorio un poco más desconocido, aunque estamos construyendo sobre lo que hicimos el día anterior, sigue siendo un riesgo porque no he hecho esto antes. Digamos que le dices a tu compañero de rendición de cuentas el viaje que estás tratando de hacer en esta semana o publicas al respecto en redes sociales, por favor di: “Dame algo de gracia porque estoy probando algo nuevo y está fuera de mi zona de confort, y me siento incómodo”. Decidí usar lista de goulash bastante aguada para que tuviera fondo mucho más claro, y luego encima de eso, mi intención era agregar capas mucho más intensas de azul en ciertas áreas. Esa fue mi intención. De nuevo, no he hecho esto antes y sólo tuve que seguirlo. Empecé a agregar añil muy grueso al centro de los pisos estelar no sé cómo llamarlos, solo para ver si podía acumular ese color, me pareció que los bordes eran demasiado duros, entonces, lo veo las esquinas y hay un poco o flujo sucediendo de vuelta. En esta etapa, pensé que esto va a ser bueno, esto en realidad se ve bastante bien. Después me quité la teoría del enmascaramiento y realmente no estaba muy contento con los resultados. Correcto. Dejé de filmar porque estoy un poco preocupado por el color de fondo de este experimento que estoy haciendo. Es realmente pio y no hay suficiente contraste entre lo que estaba enmascarando el fluido de enmascaramiento y el fondo. Lo mejor que hay que hacer si esto sucede, es alejarse, hacerse una taza de té, ir y hacer otra cosa por unos minutos. Tan solo aléjate de tu pintura, o de tu cuaderno de bocetos, o de tu computadora. Sé que parece contra-intuitivo, pero necesitas darte espacio para pensarlo. Lo peor que puedes hacer es simplemente seguir trabajando en ello, trabajando en ello. Ahí es cuando tienden a suceder muchos errores porque estás tan obsesionado en ordenarlo por ahí y luego, respirando hondo y alejándose, todavía va a estar ahí cuando regreses cuando regreses [ FONDO]. Darme ese descanso de cinco minutos para decidir sobre el siguiente curso de acción fue realmente importante porque me di cuenta de que todavía podía seguir adelante con esa intención. Hice aún más notable el contraste agregando más índigo a las secciones centrales del estallido, y sentí que este ya era un enfoque mucho mejor. Dejé secar esta capa y luego la evalué de nuevo y me di cuenta de que había demasiado espacio negativo en el fondo. Entonces lo que decidí hacer, fue agregar un dispositivo sencillo que lo iba a llenar. He visto una cruz [inaudible] de, hice mi investigación en miniatura de Pinterest, y espero que esta fuera la manera perfecta de agregar un poco más de interés a ese fondo porque realmente se veía muy llano. Entonces usé mi bolígrafo de punta, es la pluma de mapeo geológico y solo algo de tinta azul que tenía. Esto absolutamente no formaba parte del plan cuando me propuse hacer la pieza de hoy, estaba totalmente improvisando. Ese descanso me hizo darme cuenta de que tenía que llenar ese espacio negativo. Es una decisión realmente complicada de tomar, porque ya sea donde no sabes si va a funcionar y realmente tienes que aceptar e inclinarte en ese miedo a lo desconocido y tener fe en que tienes las habilidades para sacar esto adelante. A pesar de que podría parecer una idea realmente simple, simplemente crea un poco encantador de [inaudible] y contraste en comparación con esas formas más grandes y sueltas. Estas cruces son un poco más geométricas y rígidas, y también más pequeñas en escala, lo cual es importante para crear contraste también. Creo que en general, realmente me gusta bastante esta pieza por el hecho de que salió mal a mitad de camino. Pude rescatar la situación y disminuir mi pánico y ansiedad. Piensa mucho más recto y entiende lo que hay que hacer en esta situación. Yo había estado enviando a Nic pequeños reportes de lo que he estado haciendo, y ella fue tan solidaria, y en realidad me dio algunas palabras más de sabiduría. Nic es una dama realmente sabia, y estoy muy contenta de que entendiera que era una experiencia de aprendizaje. Es realmente importante enfocarse en ese aspecto del viaje creativo de hoy en día en lugar de reproducir la ansiedad en tu mente, considero que esto es un gran éxito. Ya hemos llegado por días, y solo quiero pasar una pequeña cantidad de tiempo solo para repasar lo que hemos logrado, y es realmente importante evaluar lo que has logrado cada pocos días y entonces no perderás la pista de de donde has venido y una dirección en la que estás entrando, entonces, él empezó muy simplemente aquí, y sólo estamos construyendo y construyendo. Es sólo el proceso paso a paso y una progresión que puede que no pienses que está sucediendo, pero realmente lo es. Como mencioné, estaba un poco preocupado por esto en un momento dado. No obstante, mirando esto ahora, a intervalos más blancos, me gusta mucho este look orgánico. Esto es rígido, pero ahí hay algo de flujo, pero me gustaría producir algo que es un poco más orgánico, creo. Entonces eso es lo que voy a intentar y hacer a continuación, porque es lo que me interesa. Te puedes ir y a tu propia tangente, no hay bien ni mal, se pone lo que te interesa, es lo que te presentan las ideas a medida que te desplazas por cada etapa. 20. Día 5: Espero que para el quinto día todavía estés usando la tarea para estar atento y estar en un espacio de cabeza realmente bueno antes de empezar a crear. Todavía es realmente importante entender que el proceso sigue siendo parte muy importante del aprendizaje. Incluso cuando las cosas salen mal, todavía se puede aprender de ello. ¿ Te acuerdas de mantener la calma si ocurre algo inesperado como verás más adelante, y por favor ten en cuenta cómo ves hoy tus habilidades creativas. Lo bueno de Pinterest es que a medida que te desplazas, sugiere cosas que están vinculadas con lo que era tu término de búsqueda. Este de aquí, sobre este hecho y acercar un poco más, es realmente lo que buscaba. Lo que me acabas de ver hacer el día 4, creo que me gustaría explorar mucho más trabajo de línea orgánica. Quería crear una línea más precisa. Entonces en realidad voy a usar un bolígrafo de inmersión. Este es el bolígrafo mapeo [inaudible], pero cualquier pluma dip debe hacer y va a estar bien siempre y cuando limpie ese lapicero dip después. No causará demasiado daño mientras lo cuide. Yo sólo voy a crear unos hinchados. Simplemente se ven como líneas aleatorias en este momento. Sí me pareció un poco torpe usar este bolígrafo de inmersión y no se comportaba del todo de la manera que pensaba que iba a hacerlo, pero seguí con ello, y creo que todavía ha creado algunos efectos agradables ahí. En esta etapa, pensé que sería bueno agregar diferente contraste en grosor. Tengo un cepillo viejo, ya estaba importado de un lado. Lo usé para crear estos remolinos para contrastar con el más delgado inclinado. Ahí está pasando bastante textura. Quiero recalcar que no lo planeé de esta manera. Acabo de tomar esa decisión en el acto. Como perfeccionistas, tendemos a enfocarnos en los mismos resultados finales que sucederán en algún momento del futuro y olvidarnos del proceso que se necesita para llegar allí. Tomé una decisión basada en lo que estaba viendo. Sí, es un proceso desordenado, pero también es increíblemente importante porque está sucediendo en este momento en el presente. Parte de la alegría radica en lo inesperado, si los accidentes felices brindan más oportunidades. Te dije en mis años más jóvenes odiaba la incertidumbre, pero desde entonces me he dado cuenta de que tengo que pasar por esta etapa increíblemente desordenada donde no sé cómo va a salir y me pongo ansioso por ello como cualquier otro. Pero eso es totalmente parte del proceso y tengo que acostumbrarme. Creo que podría intentar hacer es mezclar estas dos tintas juntas. No sé cómo va a salir porque esta es una tinta de caligrafía y esta es tinta india. El único modo de averiguarlo es probarlo. Veamos qué pasa. Acabo de usar un plato de conejo blanco para mezclar las tintas. Yo no lo regé. Acabo de tener una vaga noción de cómo se vería antes de aplicarlo a mi fluido de masterización seco. Creo que eso es un poco verde para mi gusto. Podría tener que añadir un poco más del azul, pero no me importa demasiado. Usé la tinta azul directamente de la botella y sí le dio un efecto realmente intenso. Se ve casi un poco como vidrieras y realmente disfruté ver que esto cobrara vida. Como he estado diciendo, siempre toma tiempo para evaluar aunque sea sólo un minuto antes de empezar a dibujarlo, porque realmente va a ayudar cuando hagas tu próximo movimiento y tengas una mejor comprensión de lo que hay que hacer. Mis pensamientos eran el azul simplemente no era lo suficientemente intenso. Parecía un poco para aquiescar, así que decidí ponerme otra capa de la tinta azul antes de dejarla secar de nuevo y luego limpiarla. Yo sólo quería agregar que después de quitarme ese líquido enmascarante, fui un poco retomado por lo pesadas manos o en inglés podríamos gato candid que se veía, y yo estaba buscando algo mucho más refinado. Pero no lo hubiera sabido, iba a resultar sin refinar a menos que lo hiciera. entrar al día siguiente, pensaré en otro instrumento con el que pueda poner el líquido de enmascaramiento, algo que me va a dar una definición mucho mejor. A pesar de que deseaba no haberlo visto casi, me alegra que me haya hecho consciente que mañana voy a tener que hacer algo ligeramente diferente. Vamos a repasar esas preguntas otra vez. Mira esto objetivamente. De lo que más disfruté de esto fue, no sabía cómo iban a funcionar esas dos tintas. A pesar de que en realidad no es índigo, todavía me encantan los efectos que he logrado dentro de eso. Sí tiene mucho más flujo, que es más, estaba después. Yo sí pensé que depender iba a funcionar mejor, y el pincel sobre sí mismo, se ve un poco pesado con las manos. Todavía puedo trabajar con esto. No quiero dejarlo así. Creo que ya casi estamos ahí. Lo que voy a hacer, es agregar alguna línea de pluma. Si miras mis otras clases de haberes, sí uso un bolígrafo posca en algunas de ellas, y esto es como una pintura en un bolígrafo y voy a usar un gel blanco uni-ball. Yo solo quiero escoger algunos detalles y añadir a este relleno decorativo. No estoy del todo seguro de qué le voy a hacer en este momento, pero en realidad podría empezar con la posca de tamaño mediano porque eso me da mucho mejores líneas. El asunto con posca es, es cooperativo bastante uniforme, y no estoy necesariamente tras uniforme, no para esta práctica. A pesar de que no pude recrear exactamente lo que quería solo usar líquido de enmascaramiento, ya estoy sintiendo una versión mucho más feliz para mí ahora. Cuando estoy trabajando en mi cuaderno de bocetos, un buen 80 -90 por ciento del tiempo, no estoy seguro de que me guste lo que he hecho o incluso lo odio, pero una buena proporción del tiempo 20 segundos después, creo que esto es genial. Lo que estaba haciendo antes hace apenas unos minutos era poner los puntos blancos en unas zonas bastante aleatorias. Como lo estoy haciendo solo incluso en el último minuto soy capaz de asnos. A mí me gusta más cuando agrupo estos puntos juntos, creo que son más impactantes así, así que ya no se viene ciegamente adelante, solo espero que todo salga bien. Hay un ligero método a mi locura. Esta es la esquina con la que empecé, y se puede ver que los puntos son bastante aleatorios. Si me muevo a esta esquina aquí, vieron que lo hice hacia el final, y se puede ver donde incluso en los últimos momentos estaba pensando aguantar, hay mucho más efectivo si los agrupo juntos. Estoy construyendo sobre estas acciones aleatorias. ¿ Conoces alguna teoría que solo puedas aprender de hacer? El acto de coraje de bajar esa pluma posca y no saber si va a funcionar bien con las dos rondas. ¿ Va a ser composición equilibrada? Sí viene con la práctica, y habrá un punto en el que sabes que tienes ese equilibrio correcto. Yo sí le escribí a Nick, y le mostré lo que he hecho, y dije que era un poco de mano pesada, pero ella no ve las imperfecciones como yo hubiera hecho. Creo que me voy a dar una palmadita en la espalda porque creo, [inaudible] hizo un buen trabajo considerando que fui un poco incómodo e inseguro parte del camino a través. 21. Día 6: El día 6, vamos a mirar al crítico interno y probablemente sepamos que siempre está al acecho. Puede ser realmente complicado no dejar que te afecte, pero intentémoslo de todos modos. Si sí aparecen dicen: “No gracias, hoy no”. Una última cosa que me gustaría decir es que por favor reconozca cualquier avance que pueda haber experimentado hasta ahora. A pesar de que es sólo una cosa pequeña, todo suma y siempre es un paso en la dirección correcta. Todavía estoy en la zona del índigo, pero estoy explorando más del Batik, que ya he mencionado bastantes veces. Es sólo algo por lo que naturalmente me siento atraído. Al mirar la pieza que acabo de crear, creo que al seguir adelante, me gustaría probar algo un poco más elaborado. Sé que tuve problemas usando el lápiz dip para crear algunas de estas líneas. Creo que la próxima vez voy a usar un lápiz dip diferente y ver si puedo lograr un resultado ligeramente mejor. Por ejemplo, esto es precioso. Esto es realmente encantador, pero necesitaría algo mucho más fino para bajar el líquido de enmascaramiento. Creo que sí quiero bajar por una ruta más floral, tal vez a mitad de camino entre ésta y ésta. A ver cómo me pongo con el bolígrafo dip. Estos son los otros dos bolígrafos de inmersión que tengo. Voy a darle una oportunidad a estos porque estaba un poco decepcionado. No tiene nada de malo. Yo le di una oportunidad, no funcionó del todo así que voy a probar algo diferente y sólo construimos sobre la experiencia y aprendemos de ella. Esto en realidad es lo [inaudible] Sólo vamos a darle una oportunidad. Veamos si el fluido de enmascaramiento fluye fuera de éste. Eso es mejor. Normalmente encuentro que lo [inaudible] para mí es un poco, tengo que presionar hacia abajo muy fuerte. Pero para este método en realidad podría funcionar a mi favor. Mira que se despliega de forma creativa o hoja. Permítanme añadir unos cuantos más. En realidad podría poner primero el marco. Quiero señalar de nuevo, no había ninguna línea de pintura debajo de todo esto, pero si sientes la necesidad, posiblemente podrías agregar una línea de lápiz muy tenue justo como guía. Realmente disfruto trabajar como esto es muy gratuito y siempre tuve la opción de manipular cosas en Photoshop. Eso es crear esta parte del boceto. Yo estaba mucho en la zona y no estaba al tanto de esa voz crítica para nada. A pesar de que había sido bastante prevalente en los días anteriores, creo, porque estaba mucho más cómoda usando esta técnica y mucho más cómoda usando esta pluma dip en particular que me funcionaba bien, realmente no lo hizo importa si esa voz crítica aparece. Creo que hubiera sido fácil apagarlos. Yo sí siento que tenemos cada día que pasa, me estaba volviendo mucho más resistente a ese crítico interno porque estaba construyendo sobre lo que ya sabía. También quiero señalar, no creo que hubiera podido utilizar el bolígrafo de inmersión así en mi primer día, tuve que construirlo gradualmente para ganar la confianza y ganar la experiencia. Aprendiendo de lo que hice en días anteriores, realidad voy a volver atrás y usar la ceniza azul. Simplemente sentí que podría tener un poco más de control sobre la sombra. A pesar de que me encanta la vitalidad de este azul no es exactamente lo que busco. Voy a volver atrás y mezclar un poco más de Indigo. principio, mezclé un poco la pintura a especie de gris azul. Acabo de agregar en algunos más de ese ultramarino para asustar al alfabeto y da mucho más de un ponche, solo aplicarlo bastante suelto con un pincel número 14, por lo que cubre un área bastante grande rápidamente. Paro aquí y lo evalúo, lo dejo secar, trabajo cuál va a ser mi próximo movimiento. A menudo voy a tomar una taza de té, y esos pocos minutos que te vas y vuelves y te tomas el tiempo para reflexionar sobre ello realmente pagará dividendos. solo darte esa parte de tu tiempo de espera cerebral es bastante crucial, siento al crear una pieza más exitosa y disminuirá la posibilidad de que trabajes demasiado. Tan pronto como pienses, podría estar yendo un poco demasiado lejos aquí solo a un paso. Como puedes ver, decidí agregar un poco más posco pen work. Esta vez he decidido utilizar el bolígrafo de gel blanco señal universal para añadir los detalles realmente finos. Siempre estoy tratando de encontrar un poco de contraste entre líneas gruesas, y líneas delgadas, y líneas uniformes, y líneas más texturizadas. Esto es algo que personalmente busco en mi trabajo. Puede que no se relacione con la forma en que haces tu trabajo, pero siempre estoy tratando de encontrar formas que me interesen que me obliguen a terminar esta pieza y sacar algo nuevo de ella. Estoy tan tremendamente complacido con esta parte particular del cuaderno de bocetos. Simplemente parecía ir tan suavemente. Había encontrado un lugar feliz con la pluma dip, el trabajo de línea apenas fluía, esa voz crítica simplemente no podía aparecer porque estaba teniendo una pelota. La próxima vez que aparezca la voz crítica, di: “Recuerda esa pieza que hice, bueno, eso es bastante buena evidencia para decirte que soy un artista bastante increíble. Por lo que puedes simplemente retroceder”. Creo que todos estos bocetos índigo harían maravillosos patrones repetitivos. En realidad podría escanearlos y usar el filtro de desplazamiento. Debería ser bastante fácil. 22. Día 7: Por lo que hemos llegado al último y último día de este reto de proyecto. En este día, ha sido genial hacer una evaluación completa de todo lo que has logrado en los últimos siete días, incluyendo todos los avances que has hecho y estoy seguro de que tienes. Si los buscas, los encontrarás, y prefiero que te concentraras en esto, que tratar de decir, “eso no lo hice muy bien”. Sólo di que te desafiaron algunas secciones y las encontraron difíciles. De verdad te pido que seas amable contigo mismo a la hora de hacer esta evaluación. Sé que este bolígrafo funciona bien con lo más [inaudible], voy a seguir usando eso. Yo sí quiero hacer algo ligeramente floral. Estoy mirando referencia y lo que me gusta de la referencia es, hay una mezcla de líneas gruesas y delgadas. Voy a volver y usar el cepillo de mi hija. Justo el tallo aquí. Este es el comienzo de una flor, en realidad se pone realmente bastante grueso hacia el fondo. Voy a tratar de seguir esa guía. En realidad hay una hoja elaborada que voy a probar y luego agregar aquí. Lo que me estás viendo haciendo es en realidad una combinación de diferentes referencias que vi en el diseño [inaudible]. Nuevamente, es completamente a mano alzada y es como me gusta trabajar plenamente aquí [inaudible]. Estoy incorporando todo lo que he aprendido en los últimos siete días. Las gotas más gruesas y la línea delgada. Todo sobre los contrastes que me interesan particularmente, pensando en esta última pieza como una combinación de todo lo que has aprendido en los seis días anteriores. Has dado un paso adelante todos los días, tal vez varios pasos adelante cada día. Ahora has llegado a la etapa en la que estás increíblemente confiado produciendo algo similar a esto, sería fácil haberte rendido en algún momento durante los días anteriores. He aprendido de mis propios tratos con la ansiedad y la inseguridad a la hora de crear que es mejor dejar de definir nuestro valor por lo perfecta que se ve una pieza de arte. Es mucho mejor si podemos re-enmarcarlo, al reconocer que tenemos valor porque creamos. Lo que separan artista y diseñadores de los que tienen éxito y los que permiten que el miedo los retenga es la voluntad de actuar, la voluntad de crear a pesar de ese miedo. El mejor modo de superar ese miedo es caminar directamente hacia él. En algunos días se necesita una increíble cantidad de coraje. Pero entrar en el miedo nunca es tan malo como crees que va a ser. Quería mostrarles un primer plano del pincel que estaba usando justo en ese video camilla anterior. Es en realidad un cepillo que enmascarar flotadores se secaron sobre él y lo dejé secar y ahora soy capaz de usarlo como un implemento como un palo, casi porque es desigual, me da un trazo ligeramente desigual. Vale la pena saberlo. Etapa de secado es una mezcla de aprehensión y también excitación porque realmente quiero saber cómo va a salir. Si va a salir de la forma que esperaba y qué haría al respecto si no lo hiciera. Si no lo has hecho levantate, da un paseo por el jardín, o algo deja que esto se seque de forma natural. No seas impaciente. De verdad espero que por el día siete te hayas relajado en tu práctica, y realmente estás disfrutando de tus 20 minutos que estás con tu pintura o cuaderno de bocetos o lo que sea que te esté pasando con tu proyecto. Es un momento para entender que has llegado a un punto en el que tienes un mayor grado de control sobre lo que estás haciendo. Por eso siempre he estado enfatizando del día 2 al día 4, siempre evalúa de dónde has estado y de dónde has venido. Di que sí aprecias que has avanzado. Si tienes un tramo de siete días, puedes trazarlo desde el primer día. ¿ Cómo me sentía entonces al día siete. ¿ Cómo me siento acerca de lo que estoy creando ahora? Se puede ver que he estado agregando más trabajo Pascaline y línea Joel para los finos detalles. Absolutamente no podría haber hecho esto el día dos o tres porque aún no he llegado a ese punto donde entendí que para crear este tipo de contexto decorativo, tuve que afinar un poco mi técnica y también trayendo muchos más elementos orgánicos que hicieron que el flujo de trabajo de línea en lugar de ser tan estático. A pesar de que los patrones ligeramente geométricos tienen ese lugar, lo que realmente espero haber inculcado durante los últimos siete días es que no se pueden evitar ciertas situaciones. Las cosas se van a poner blobby, las cosas se van a poner desordenadas. Simplemente acepta que esto va a suceder acepta que hay que lidiar con los errores. Está bien lidiar con los errores porque estamos aprendiendo de ellos cada vez que creamos y no hay nada de malo en eso. Todo es parte de este gran proceso y te convertirás en un mejor artista a partir de él. De verdad quiero enfatizar de nuevo, el viaje que tienes que tomar, el progreso que haces, es todo una combinación de tener que lidiar con la voz crítica, para hacer frente al juicio que esperas lidiar con el miedo al fracaso o las otras cosas de las que hemos estado hablando. Esta es la versión del día 7. Es el resultado de muchas decisiones creativas tomadas a lo largo de bastante tiempo. No es algo a lo que llegué de inmediato. En la mayoría de los casos, la creatividad es algo sobre lo que se construye y se construye, y se demuestra mejor así. Si cada paso representa un día y en cada día creamos una pieza de arte, cualquier proyecto que tuvieras es algo sobre lo que construyes y aprendes para el día siguiente y llevas lo aprendido y progresas al día siguiente. Ya sea complicado, si fue desafiante lo que aprendiste, lo has tomado a bordo. Entonces cuando finalmente llegas al paso número siete, unos días después, ha valido la pena. Probablemente tuviste que lidiar con la dilación para llegar incluso a esta etapa, mira el progreso que habrías hecho, su progreso incremental, pero es progreso y realmente tienes que estar orgulloso de lo que has logrado porque lo que se ha tenido que lidiar con las expectativas y el miedo al fracaso y los resultados controladores junto con todo lo demás para haber llegado a esta etapa. Entonces eso es magnífico.