¡Las naturalezas muertas son geniales! Arte contemporáneo y tradicional en gouache acrílico

1. Introducción a las naturalezas muertas con gouache acrílico: Creo, bueno, quiero decir, al menos para mí, la idea de un bodegón solía conjurar imágenes de clases de arte de la escuela media y tratar de dibujar botellas de vino que siempre se ven torcidas y de lado. Claro, la naturaleza muerta puede ser eso. Pero realmente es un lienzo como cualquier otra cosa y se convierte en lo que se hace de ella. Me llamo Dylan Mierzwinski, artista e ilustrador que vive en Phoenix, Arizona. Quiero que pintes dos bodegones conmigo. Uno en un método tradicional que nos ayuda a entender los fundamentos como el valor en la mezcla de color, la construcción de una pintura en etapas. Después otro en un estilo contemporáneo, donde tomamos todos esos fundamentos y los entrecruzamos con nuestra propia autoexpresión y preferencias. Lo mejor de ambos mundos. Juntos, nos inspiraremos y hablaremos de materiales. Te mostraré el lavado acrílico que estaremos usando y te explicaré por qué es impresionante. Cubriremos los fundamentos del color, y luego trabajaremos a través de ambos estudios de pintura. Para el final de esta clase, no sólo tendrás dos piezas de arte terminado, sino que espero que tengas ganas de encontrar tu próxima referencia y conseguir pintura porque se siente realmente bien mirar una imagen y saber exactamente donde vas a empezar con tu página en blanco. Oye, durante días en los que solo estás buscando algo ligero, un pequeño proyecto para jalarte, también te he proporcionado una pintura extra por números bodegón. Ven a pintar conmigo. Déjame mostrarte por qué es bodegones son geniales y una gran parada a lo largo de tu viaje creativo. 2. Proyecto de clase y recursos: En esta lección, vamos a cubrir el proyecto de clase así como los recursos de clase proporcionados y cómo acceder a ellos. También vamos a charlar sobre un divertido proyecto bonus que he incluido. Para tu proyecto de clase, vas a pintar junto a mí para crear dos pinturas de naturaleza muerta a partir de una foto de referencia. El primero será una interpretación tradicional de la foto de referencia, que nos pondrá al día con el boceto, la interpretación de valores, mezcla de colores desde una paleta limitada, y la construcción de la pintura en capas. El segundo bodegón será una interpretación contemporánea de nuestra foto de referencia, tomaremos la información crucial que aprendimos de pintar el tema en el estilo tradicional y lo usaremos para crear un llamativo y autoexpresivo pieza contemporánea. Incluso si pintar tradicionalmente no es tu objetivo final, al aprender el método tradicional, tienes una forma confiable de interpretar imágenes y recrear en tu página. También te ayuda a conocer realmente tu materia. Si bien la versión contemporánea puede ser la que más te guste, se basa en la estructura y los fundamentos de lo tradicional para realmente conducirlo a casa. Supongo que lo que intento decir es que realmente espero que hagas ambas pinturas conmigo para cosechar realmente los beneficios de este curso. He proporcionado algunos recursos de clase para ayudarte con tu proyecto. Cada vez que una clase de Skillshare menciona recursos de clase, están hablando de los archivos adjuntos que han incluido en este proyecto de clase y pestaña de recursos, sobre el lado derecho. Si estás en un dispositivo móvil, la aplicación proporcionará un enlace que dice: “Toca aquí para acceder a los detalles del proyecto de clase y a los recursos de la clase”. Como cabría esperar, te lleva a una página del navegador con los recursos listos para ser accedidos. Estos son los recursos que he incluido en esta clase para ayudarte a lo largo. En primer lugar, te he proporcionado dos versiones de una foto de referencia, una a todo color, la otra en escala de grises con la cuadrícula transversalmente para marcar los puntos centrales. Será más impactante que sigas junto con las referencias que estoy usando, pero si quieres elegir algo más o buscas algo para pintar después de terminar nuestros tazones de cerezas, he proporcionado un enlace a una galería de otras imágenes de referencia creo que harían pinturas realmente encantadoras. Adicionalmente, si estás queriendo configurar una verdadera naturaleza muerta y pintura desde observación, he suministrado algunos artículos con consejos para composición y utilería, así como instrucciones para hacer un plano fotográfico para ayudar a enmarcar tu escena. Vamos a cubrir materiales en la siguiente lección, pero también hay una lista detallada de materiales incluida en los recursos de la clase. He vinculado a algunos de los productos, donde tiene sentido y para tu información, esos no son enlaces de afiliados, solo viejos hipervínculos llanos que te llevan a una página en Internet. En algunas lecciones, vamos a charlar inspiración así que he enumerado a los artistas que mencioné en la clase recursos para fácil hallazgo. Por último, he incluido un divertido proyecto bonus en forma de una pintura por número bodegón contemporáneo. Artistas crean por todo tipo de razones, y así mientras el proyecto de clase principal realmente nos ayuda a construir nuestras habilidades técnicas y estilísticas, quería brindar un proyecto de bonificación para los cansados, quemados, o cansados creativos entre nosotros. Esta plantilla proporcionará áreas marcadas para pintar con colores especificados, junto con instrucciones guiadas para permitirte crear pausado un bodegón en una tarde perezosa. El proyecto de pintura por número tiene su propia lección en video al final de la clase. En la siguiente lección, cubriremos materiales. 3. Materiales: En esta lección, vamos a cubrir todos los materiales necesarios y opcionales para completar tus bodegones, no olvides que se proporciona una lista detallada con los recursos de clase como se muestra en la última lección. En primer lugar está la estrella del espectáculo, Acryla Gouache. Ahora, Acryla Gouache en realidad va a conseguir su propia lección detallada después de esto. Pero básicamente, Acryla Gouache es una pintura mate plana, opaca que hace que los sueños se hagan realidad, Acryla Gouache puede no hacer que los sueños se hagan realidad. Los colores necesarios para completar cada proyecto esta clase se enumeran en la lista de materiales de recursos de clase. Si ya posees una pintura acrílica regular y quieres saltar, absolutamente podrás seguir y crear bellas pinturas. El motivo principal por el que uso Acryla Gouache sobre los acrílicos regulares es por sus cualidades ilustrativas. La planitud de la pintura hace que sea mucho más fácil escanear y manipular en un espacio digital, y me encanta lo poderosamente pigmentada y opaca que es la pintura. Pero como dije, eres bienvenido a seguir junto con lo que tienes. A continuación, necesitamos una superficie sobre la que pintar. En realidad voy a estar trabajando en mi cuaderno de bocetos, es un diario de medios mixtos de tapa blanda de la serie Strathmore 500. Hay dos razones por las que estaré trabajando en mi cuaderno de bocetos lugar de hojas separadas de papel o lienzo. En primer lugar, enfoca la clase en los propios procesos y técnicas de pintura. En segundo lugar, pintar en cámara mientras se trata de demostrar y enseñar es muy intimidante, y mi cuaderno de bocetos se ha convertido en un lugar muy seguro para que me presente. No obstante, si no quieres pintar en un cuaderno de bocetos, aquí te presentamos algunas opciones. Si quieres trabajar en papel, una marca económica amigable me encanta es el papel de acuarela Canson XL. Me gusta comprar en almohadillas y cinta fuera de mi área de pintura con cinta de pintor o cortar las piezas a medida. Si estás buscando un papel de grado artista fino, te recomendaría conseguir un bloque de acuarela Arches Hot Press. El papel Arches está hecho de algodón a diferencia de la celulosa de Canson, y tiene un precio de finos artistas de todo el mundo, el precio refleja esto. La prensa caliente se refiere a la suavidad del papel, que está más cerca de mi papel de cuaderno de bocetos y el papel Canson, aunque eres absolutamente bienvenido para usar una prensa fría más texturizada. El bloque de palabras significa que el papel está pegado hacia abajo por lo que no se necesitan clips ni cinta para evitar que se abadece. Se puede quitar una hoja terminada del bloque deslizando una carpeta de hueso o punta de pincel flaco en la abertura en la parte inferior y deslizándose cuidadosamente alrededor del perímetro. Si quieres trabajar en tableros de lona o madera, ve por ello. Te recomiendo conseguir una ya imprimada con gesso, esencialmente una pintura blanca especializada y adelgazada que ceba tu superficie de pintura. También recomendaría comenzar pequeño si esta es su primera vez, para mantener el proyecto manejable. A continuación, necesitaremos unos pinceles. No quiero que te cuelgues demasiado de conseguir los pinceles exactos que tengo, pero más que conseguir pinceles que te gusten que logran las mismas cosas que las mías hacen. Esto es lo que quiero decir. Tengo tres categorías de pinceles, pinceles para llenar grandes áreas de espacio, pinceles para redefinir formas y agregar trazos expresivos, y pinceles para detalles. Para llenar grandes áreas de espacio, me gusta un cepillo redondo más grande o un cepillo plano. Para refinar formas y agregar trazos expresivos, me encanta un cepillo redondo más pequeño, de tamaño mediano, un pincel filbert, que tiene estos bordes redondeados y un pincel plano. Para detalles más finos, me gustan los pinceles redondos más pequeños así como un cepillo de forro, que tiene cerdas largas que sostienen mucha pintura pero la dispensa de manera uniforme a medida que se desliza por la página. Los pinceles exactos que estoy usando están listados en la lista de materiales en los recursos de clase. Ahora otra cosa que honestamente me tomó mucho tiempo agarrarme es que los pinceles y los tamaños de pinceles no son estándar. Un cepillo redondo talla tres en una marca tal vez un tamaño completamente diferente a un cepillo redondo talla tres de otra marca. Para esto, es útil prestar atención a cualquier medida proporcionada, sobre todo si estás comprando en línea. Además, algunos cepillos tienen asas largas y algunos tienen cortas, y a veces los tamaños de la misma marca entre tamaños de mango pueden cambiar. Un mango largo tamaño tres redondo podría ser más pequeño que un mango corto tamaño tres redondo de la misma marca. ¿ Por qué? Obviamente los fabricantes de pinceles están jugando un juego muy largo tratando de volvernos locos a todos, y está funcionando. Ya que todo es una locura, solo debes saber que no hay derecho ni mejor pincel, compra lo que puedas permitirte, pruébalo y recalibrate. Una última cosa sobre los cepillos de mango largo y mango corto. Con pinceles de mango largo, puedes mover tu mano más arriba por el mango del cepillo, permitiendo que tus trazos se vuelvan más sueltos y expresivos. tanto que un mango corto requiere un agarre más controlado y por lo tanto un trazo más controlado. Durante y después de pintar, no dejes tus pinceles sentados en frascos de agua ya que esto puede descomponerlos prematuramente. Cuando termines de pintar, enjuaga puntualmente tus pinceles con agua tibia y jabón de manos suave si es necesario, y seca el exceso de agua con una toalla de papel o toalla. Entonces necesitaremos una superficie para mezclar nuestras pinturas. Algunos que recomiendo son un plato viejo o un plato que puedes dedicar por completo a propósitos artísticos, o una bandeja de esmalte o una paleta de vidrio o incluso papel desechable recubierto de plástico, que definitivamente es el menos amigable con el medio ambiente del pack, por lo que definitivamente algo importante a tener en cuenta. Necesitaremos un recipiente para retener el agua, así como alguna toalla de papel o una toalla de pintura dedicada. Puedes mirar las fotos de referencia en tu computadora o imprimirlas, pero de cualquier manera quieres tenerlas a mano para referirlas. Algunas otras herramientas que no son necesarias pero pueden ampliar tus opciones son lápices de colores para usar bajo bocetos, me gustan estos lápices de colores Prismacolor Col-Erase porque son borrables, pero sí recomiendo usar tu propia goma de borrar como los de los lápices suelen dejar atrás un residuo rosado. Puedes usar un lápiz regular para esto, o incluso solo un pequeño pincel y pintura. Pero los lápices de colores borrables te permiten bosquejar con la paleta de tonos o colores en mente y no dejes atrás polvo de grafito tan obvio cuando pintas sobre él como con un lápiz normal. Al final sin embargo, lo que elijas va a estar un 98 por ciento cubierto por otra pintura, eso es que este es un material opcional. Notarás que suministre la foto de referencia en todo color así como escala de grises con guías. Esto hace que sea mucho más fácil ver los valores subyacentes en una pieza, además de hacer que la composición sea más fácil dibujar sobre un papel. Si ya tienes y usas Photoshop, esta es una gran herramienta para poder desaturar tus imágenes, aka hacerlas en blanco y negro así como cualquier otra manipulación que pueda facilitarte el trabajo. Si no tienes Photoshop, incluso una aplicación de edición de fotos en tu teléfono es una gran opción para crear una versión en escala de grises de tu foto. Sea cual sea la app que estés usando, quieres buscar un deslizador de desaturación y deslizar todo el camino hacia la izquierda para drenar ese hew hacia fuera. Por suerte, ya me he ocupado de nuestra referencia de cereza, pero si consigues un anhelo de pintar más allá de esta clase, que espero que lo hagas, esta puede ser una manera realmente útil de hacer tus fotos de referencia más informativas. Si solo estás tomando esta clase por diversión, entonces mirar una rueda de color en línea será totalmente suficiente. Pero como he empezado a pintar más, ha sido realmente útil tener a mano una referencia como esta, en realidad vamos a hablar más de ello en la lección de color que viene. Puede que quieras una regla para dibujar pautas en tu papel, aunque tiendo a hacer un globo ocular. También es posible que desee una botella de pulverización para mantener su pintura húmeda en su paleta mientras trabaja por períodos prolongados de tiempo. Un cuchillo de paleta pequeño, mientras que más útil con pinturas acrílicas verdaderas puede ayudar cuando se prueban mezclando colores para no pantanear las cerdas de los pinceles. Esto aparece como opcional aunque debido a la cantidad de Acryla Gouache que se exprime en momento dado no suele ser suficiente para puñetear sin convertirla en una fina capa que se seca rápidamente. Pero como dije, ha sido realmente útil para mí gustarme probar los colores de mezcla con. Si buscas que tu pintura sea lo más económica posible, recomendaría comprar estos contenedores con tapa que te permitan sacar algo de pintura, cerrar la parte superior y mantenerla fresca para pintar más allá de una sesión. Por último, si estás trabajando en un cuaderno de bocetos como yo, querrás que algunos clips de encuadernación mantengan las páginas hacia abajo. Si estás trabajando en hojas de papel separadas o quieres crear un borde alrededor de tu pintura, alguna cinta de pintor te cuidará. En la siguiente lección, comenzaremos a inspirarnos y empezaremos a mojar nuestros apetitos bodegones. 4. Inspiración para las naturalezas muertas: En esta lección, vamos a cubrir lo que es y puede ser la naturaleza muerta y algunos artistas en los que me inspiro. Bueno, al menos para mí, la idea de una naturaleza muerta solía conjurar imágenes de clases de arte de la escuela media y tratar de dibujar botellas de vino que siempre parecían torcidas y de lado y seguro, naturaleza muerta puede ser eso. Pero realmente es un lienzo como cualquier otra cosa y se convierte en lo que se hace de ella. En su esencia, la naturaleza muerta es la pintura de objetos inanimados, excepto que se permiten y aceptan plantas y flores. Me encantan las naturalezas muertas ahora porque cuentan una historia rebanando un momento de vida que de otra manera pudo haberse pasado por alto. Tampoco traen consigo la abrumadora de representar personajes o grandes paisajes. Por último, mi parte favorita, solo te están rogando que agregues tu giro. Quieres hacer una pieza tradicional de una vieja silla de estar y una taza de café? Hazlo. ¿ Quieres aplanar totalmente una escena frutal clásica y cubrirla en formas y colores atrevidos? Hazlo. Es un tema realmente emocionante e informativo y amplio y así creo que es una muy buena idea tomarse algún tiempo para mirar alrededor de lo que otros artistas han creado para ver lo que te destaca. Aquí te dejamos unos artistas tradicionales y contemporáneos me inspira si quieres un lugar de partida. Comenzando con obras tradicionales, empecemos con Charles Ethan Porter, un pintor estadounidense que vivió de 1847 a 1923. Estudió arte y fue uno de los primeros afroamericanos en exhibir en la Academia Nacional de Diseño de la Ciudad de Nueva York. Sus piezas de fruta son de especial atención porque eran atípicas en su exclusión de cristalería, platería, porcelana, y otras vajillas a menudo vistas representadas en bodegones. Dejó que la belleza natural del tema fuera la estrella. Cuando miro el trabajo de Porter, me inspira el contraste audaz, los reflejos reflexivos, trazos sutiles y realistas, y la composición infiel e intrigante. A continuación, me gustaría hablar de Rachel Ruysch, una pintora holandesa que vivió de 1664 a 1750. Sus obras fueron apreciadas por su representación dimensional, natural y precisa de una variedad de personalidades florales, todas renderizadas en color brillante contra fondos oscuros de mal humor. Cuando miro la obra de Ruysch, me inspira el drama yuxtapuestos con pétalos ingrávidos y luz bailarina. También aprecio sus sencillas composiciones, permitiendo que el ramo altísimo permanezca alto en el centro del lienzo. A continuación vamos a hablar de Henri Matisse, el pintor francés que vivió de 1869 a 1954. Si bien la pintura de naturaleza muerta no es todo por lo que Matisse es conocido, ciertamente hay algunas de mis obras favoritas del pintor. Me gusta que la naturaleza muerta de Matisse represente un tema aplanado, a menudo amenizado con un color o patrón inesperado aplicado a ellos. Estoy seguro de que los estudiosos del arte no estarían de acuerdo, pero para mí las naturalezas muertas de Matisse frontera con ilustrativas colmando la brecha entre el arte fino y una visión lúdica o mensaje o historia. Pasando a hoy, un artista al que me encanta seguir en Instagram es Heather Ihn Martin. Pinta escenas y objetos cotidianos en gouache y aceite y los transforma en arte. Creo que lo que más me inspira de su trabajo son las referencias y escenas de las que está pintando nunca me parecían tan emocionantes o interesantes. Después las pinta y son hermosas e interesantes. Me recuerda que a veces simplemente renderizar cualquier cosa vieja aburrida en nuestra mano es más que suficiente. Es generosa con su proceso y tiene un Patreon donde comparte demos de pintura y Q&'s. Encuéntrala @heatherihnart y en heatherihnart.com. siguiente paso es Ekaterina Popova, otra artista cuyo trabajo me gusta ver en Instagram. Trabaja en aceites y se enfoca mucho en los interiores, que considero parte de la categoría más amplia de bodegones. Su trabajo es vibrante y audaz, las pinceladas son confiadas y me encanta cómo establece una vibra y estado de ánimo definidos con sus paletas de colores. No sólo es una pintora hábil e inspiradora, también brinda apoyo en clases para compañeros artistas y dueños de negocios. Encuéntrala en Katerinaspopova y ekaterinapopova.art. Otro artista que sigo es Sarah Ingraham. Sus bodegones tienen esa cualidad ilustrativa que hacen los de Matisse, pero son un poco más limpias y me siento como arte folclórico. Ella tiene un don para los florales y dar vida al rosa y al azul. Podrás encontrarla @sarahingraham. Esta es solo la punta del iceberg con creaciones de bodegones. Pero creo que empieza a demostrar lo ampliamente que puede llegar este arte. Así que realiza un recorrido de arte virtual y consigue que tus ruedas giren a medida que avanzamos con nuestro proyecto. En la siguiente lección vamos a hablar de trabajar a partir de fotos de referencia. 5. Trabajar a partir de fotos de referencia: En esta lección, vamos a cubrir la foto de referencia que estaremos utilizando, cómo buscar tus propias referencias, y qué buscar, y cómo manipular tus fotos para ayudar con la pintura. Para mi demostración tanto de las técnicas tradicionales como contemporáneas, vamos a estar trabajando a partir de esta imagen de cereza de Gaelle Marcel en Unsplash. Eres absolutamente bienvenido para armar un verdadero bodegón y pintura desde la observación. He proporcionado alguna información útil en los recursos de la clase si eso es lo que te interesa. Pero si solo estás empezando, usando una imagen de referencia, o incluso tomando una foto de un bodegón que has configurado, quita la presión para imaginarlo todo de una vez sentado, o para capturar la luz en cierto tiempo. Si esta imagen no te llama la atención, o si buscas algo para conquistar después de terminar nuestros cuencos de cereza, he armado una galería sobre Unsplash y vinculado a ella en los recursos de clase. También puedes ir y encontrar tus propias imágenes de referencia. Pero si haces eso, asegúrate de no ir solo a Google o Pinterest y encontrar cualquier imagen antigua. Toda imagen que encuentres en línea tiene derechos ligados a ella, y no quieres robarle a los demás. Unsplash es un recurso increíble para usar porque cualquier imagen que encuentres ahí es libre de usar para uso personal o profesional. Cuando estás mirando fotos de referencia, aquí te dejamos algunas cosas que buscar. El primero es empezar simple. Un solo objeto o punto focal puede parecer aburrido en una foto, pero cuando se trata de pintar, sobre todo empezar, mantener las cosas simples mantiene la abrumadora hacia abajo, dándote una mejor oportunidad de trabajar realmente en, completar, y aprender del proyecto. Piggybacking fuera de la primera punta. El siguiente es mantener las verdaderas naturalezas muertas de tu referencia y evitar figuras o paisajes complejos. No para siempre, sólo para seguir junto con esta clase y demostración. Mi tercer consejo es buscar fotos con una amplia, interesante, o emocionante gama de valores. Si todo está mal humor y oscuro, o soplado y blanco, o similar en tono, será más difícil crear una imagen que haga clic juntos y lleve a casa la forma y el ambiente de tu naturaleza muerta. Cuando mires una imagen, intenta identificar dónde están las partes más claras, dónde están las partes más oscuras, y si el tono va de oscuro a claro, tu dorado. Por último, especialmente para nuestra naturaleza muerta contemporánea, busca una foto de referencia que te brinde oportunidades para mostrar tu personalidad. Esto puede suceder a través del tema, como cócteles bonitos, o cobijas acogedoras, o juguetes retro. Pero también puede suceder a través de superficies, platos, botes, paredes, espinas de libros, todas son superficies para que nosotros agreguemos nuestro giro a través de la impresión, y patrón, color, y o detalle. Por ejemplo, creo que sería realmente divertido crear una representación más realista de una escena clásica del libro como una toma tradicional, pero todas las espinas tienen diferentes títulos absurdos, como Cat Astronautas para Dummies, y Los Secretos de Tacos Altamente Efectivos. Un FYI, solo estoy brindando estos consejos para aquellos de ustedes que deben salir del molde y no quieren seguir junto con lo que estoy haciendo, lo cual está totalmente bien, y para sus aventuras más allá de esta clase. Pero si apenas estás empezando, realmente te recomiendo quedarte conmigo y seguir junto con el tazón de cerezas. Lo último que quiero discutir en cuanto a las fotos de referencia es hacerlas funcionar para ti. Como saben, he proporcionado la imagen de cereza en dos versiones, una a todo color y una escala de gris con marcas de centro. Como escucharás una y otra vez, el valor es una pieza de información realmente importante para extraer de una foto. Cuando tu primer entrenamiento de tus ojos para ver, puede ser difícil diferenciar estos valores de su matiz. Hacer que la escala de grises de la imagen quita la información confusa, por lo que realmente podemos ver esos valores. El marcado central, como verás, hará que el proceso de boceto sea mucho menos abrumador. Si por casualidad ya tienes y usas Photoshop, tomar tus referencias y agregar una capa de ajuste de saturación de tono y guías, realmente puede mejorar el proceso de traducir tu referencia a tu página. Si no tienes Photoshop, enviar la foto a tu teléfono y usar una aplicación de edición de fotos te permitirá ver la foto en escala de grises. Mi aplicación de edición de fotos preferida es Lightroom, pero una sólida y gratuita para probar es Snapseed de Google. A continuación, vamos a hablar de gouache acrílico. 6. Descripción general del gouache acrílico: En esta lección, vamos a cubrir qué es Acryla gouache, cómo usarlo y cómo almacenarlo. Holbein Acryla Gouache es una marca específica de gouache acrílico que es de lo que realmente estamos hablando aquí. Se trata de una pintura acrílica vibrante, es decir, después de que se seca, no se puede reanimar con agua pero a diferencia de la pintura acrílica regular, el gouache acrílico es opaco y la textura seca es plana, mate y un poco aterciopelada. Como ilustrador, lo aprecio mucho porque puedo pintar vibrantemente mientras mantengo mi trabajo plano y mate y totalmente escaneable. gouache regular se parece más a la acuarela en que las capas de pintura seca se pueden reanimar una vez que entra en contacto con el agua. Si bien el gouache regular es capable hasta cierto punto, gouache acrílico es prácticamente ilimitado en su capacidad de capas. Si quieres conocer más sobre el gouache acrílico en el contexto del gouache regular y hasta la acuarela, te recomendaría revisar mi clase, Conociendo Tu Pintura, que te he vinculado en las notas a continuación. Un tubo de gouache acrílico enumera el nombre del color en el frente, así como alguna información sobre el matiz, valor y croma o saturación del color. No te preocupes, estos términos tendrán más sentido en la siguiente lección. El dorso del tubo también suministra los pigmentos dentro de la pintura y califica la opacidad del color. Los colores con una calificación de estrellas bajas son menos opacos y un poco más rayados en una sola capa, mientras que las calificaciones de estrellas altas son muy opacas. Para usar gouache acrílico, querrás mezclar la pintura con agua para crear tu consistencia deseada. Puedes usar agua gouache hacia abajo para crear un aspecto lavado texturizado o puedes mantenerlo grueso y opaco en todas las etapas intermedias. No todos los pigmentos son iguales, por lo que algunos colores serán naturalmente más pegajosos que otros, pero el estratificación encima de una capa previamente seca puede ayudar con esto. Si entras en un área de pintura húmeda con más pintura, puedes mezclar los colores juntos. A esto se le conoce como mojado-on-wet. Si entras en un área de pintura seca con más pintura, puedes crear capas afiladas de luz y oscuridad variables. A esto se le conoce como húmedo sobre seco. Obtendrás una mejor sensación para el gouache acrílico a medida que avanzamos por las demostraciones. Si planeas usar pintura acrílica regular, ten en cuenta que la textura y el efecto pueden no ser exactamente los mismos que se demostró, pero aún así podrás practicar los fundamentos que se enseñan con éxito. Si estás planeando usar una gouache regular, asegúrate de que tus capas estén extra secas antes de estratificar en la parte superior. Dado que el gouache acrílico cura todo el camino, la pintura se queda en el tubo hasta que llega el momento de pintar. Intenta sólo exprimir pequeños pedacitos a la vez para evitar que se seque demasiado rápido y se desperdicie. Si estás mezclando colores personalizados y vas a estar pintando más allá de una sesión, puedes intentar usar una paleta de mantenerse húmeda o poner la pintura en botes con plomo para mantenerla fresca. A mí me gusta mantener mi tubo separado por la temperatura de color, que en realidad hablaremos en la siguiente lección, con los neutrales estando en su propia sección para fácil hallazgo. A continuación, vamos a hablar de color. 7. ¡Color!: En esta lección, vamos a cubrir los conceptos básicos del color, la temperatura del color, las relaciones de color, mezcla de colores y los colores de swatching. Vamos a empezar hablando de los colores primarios; azul, rojo y amarillo. Ahora, estos son colores puros que no se pueden mezclar de ningún otro color. Puedes mezclar prácticamente cualquier tono de color de estos tres colores. Déjame mostrarte pintando una rueda de color. Empezaré por picar nuestro rojo o primario magenta, amarillo, y azul, en este caso, azul ultramarino. Cualquier color que obtengo al mezclar dos de estos colores se conoce como un color secundario. Mezclando rojo y amarillo, obtengo naranja, mezclando rojo y azul, me pongo morado, y mezclando amarillo y azul, me pongo verde. Ahora si mezcle un color primario con un color secundario vecino, como el rojo y el naranja, obtengo un color terciario. En este caso, el rojo, naranja, naranja y amarillo hacen amarillo naranja, amarillo y verde hace amarillo verde, etc a medida que nos movemos alrededor de la rueda de color. A lo que exploramos aquí se le conoce como matiz, y es una parte de lo que compone el color. Cuando alguien dice que algo es azul o algo es verde, están hablando del tono del color. valor es la segunda parte de una definición de color, y se refiere a la ligereza u oscuridad de un color. blanco es el valor más ligero, y el negro es el valor más oscuro. Tonos de gris conforman la escala intermedia. Trabajando aquí con mi rueda de color, si mezco un color y agrego blanco, soy capaz de aligerar el valor de ese matiz, y esto se llama el tinte. Si mezco un color y agrego negro, soy capaz de oscurecer en el valor del tono, y esto se llama sombra. Si simplemente decir azul describe el tono, decir azul oscuro describiría el valor y el tono. La última parte de la definición del color es la saturación, a veces llamada chroma, y se refiere a la intensidad del color. Aquí podemos ver cómo nuestra definición de color es mucho más descriptiva si traemos de vuelta nuestro ejemplo azul. Si digo azul oscuro silenciado o azul oscuro audaz, somos capaces de imaginarnos dos azules diferentes en nuestra cabeza. Hablaremos más de esto en un minuto. Pero si mezcle el color y agrego gris, soy capaz de bajar el tono del color o bajarlo un poco la saturación. Para alegrarlo copia de seguridad, querrías agregar más pigmento puro o tonalidad para devolverlo a la vida. Adicionalmente, puedes mezclar un color con su complemento u opuesto en la rueda de color para tonificarlo o para mezclarlo en neutro. Pero de nuevo, vamos a cubrir eso en un minuto. Otro descriptor útil para el color es su temperatura. Esto funciona de dos maneras. En general, se acepta que los colores del amarillo al rojo violeta son colores cálidos. La otra mitad de la rueda de color, los verdes, los azules, y los morados son colores fríos. Piensa en el sol amarillo caliente versus el agua azul fría. También podemos usar la temperatura para comparar dos colores similares. Si bien el verde es técnicamente un color fresco, un verde amarillo es más cálido que un verde Kelly. Amarillo, un color cálido puede tener amarillos fríos y amarillos cálidos. Ahora que estamos hablando de esto, podemos volver a las primarias que jalamos para crear nuestra rueda de color. Algo a destacar es que el ultramarino es un azul muy cálido. Cuando los azules cálidos se mezclan con amarillos cálidos o fríos, crean muy cálidos y a veces un poco desaturados de un verde, rosa oliva y verde hoja. Si bien el azul es sin duda un color primario, no todos los pigmentos azules se crean iguales. Si traigo en cian primario, un azul más fresco y mezcle eso con mi amarillo. El verde, que obtenemos es mucho más gema tonificado, fresco y crear tonalidades mucho más brillantes de turquesa y verde brillante que el ultramarino simplemente no puede conquistar del todo. Si realmente quieres poder mezclar todos los colores, especialmente tu gama completa de greens, te resultará útil tener tanto un azul cálido como un fresco. Si tan sólo tuviera que elegir uno, en realidad podría ir azul fresco porque creo que tendrías una mejor toma de calentar un azul frío que enfriar un azul cálido. ¿Sigues? Cuando trabajemos en nuestro estudio tradicional, vamos a utilizar una paleta mínima de blanco titanio, umber quemado, ultramarino, magenta primario y amarillo primario. El motivo de esto es que el ultramarino es generalmente más adecuado para pintura tradicional ya que los verdes y los colores que mezcla no son excesivamente vívidos ni intensos. Sin embargo, a medida que avanzas en tu viaje de pintura, puedes asumir referencias que tengan colores más vivos, en cuyo caso, te será útil tener esta comprensión si prefieres mezclar desde una paleta limitada. Cuando llega el momento de combinar colores para hacer una paleta de colores, existen ciertas relaciones de color que cantan en armonía juntas. Uno con el que ya puede estar familiarizado, es monocromático o pegarse a un solo tono y variando la saturación y el valor. Otro común es análogo, lo que significa usar colores que están uno al lado del otro. Los colores de cortesía son aquellos que se sientan uno frente al otro en la rueda de color. Estas paletas son agradables por sus contrastes que traen a una pieza. A partir de ahí, las armonías se vuelven un poco más complejas. Tengo esta rueda de color aquí y en la parte trasera en realidad tiene una referencia rápida genial para crear paletas con estas relaciones. Si pongo el spinner en un color, puedo seguir las flechas para ver qué colores puedo emparejar con el tono principal para crear una paleta cohesiva. Pero aquí tienes una de mis formas favoritas más utilizadas y prácticas usar la rueda de color y estas relaciones de color mientras pintas. Cuando mezclas dos colores de cortesía juntos, haces un neutro. Estos colores funcionan como un remolcador de guerra afectando la saturación de los demás. Por ejemplo, muchas veces los verdes salen de los tubos simplemente demasiado vívidos y realmente necesitan ser tonificados. Ahora, antes hablamos de usar una mezcla de gris para bajar el tono de un color. Pero quiero mostrarles la diferencia entre mezclar un color gouache con gris y mezclar ese mismo color con su complemento. Usemos el verde, ya que lo mezclo con una mezcla pareja de negro y blanco o gris, puede ver que el color se vuelve más opaco y ciertamente menos saturado. Es un poco más aburrido, pero también salió con casi una filminess a ella. Este es el efecto del gouache blanco, incluso como parte de una mezcla gris que se está agregando a un color. Es una mezcla hermosa, pero a veces se quiere domesticar la saturación de un color sin hacerlo lechoso. Aquí es donde entran los cumplidos. A través de la rueda de color es cálido, rojo audaz. Voy a añadir sólo un toque de pintura escarlata a este verde. Si me estuviera pegando a las primarias, necesitaría un poco de amarillo y magenta para hacer un rojo más cálido para compensar el verde. Observe cómo inmediatamente tonifica el verde sin aligerar la pintura ni hacerla más opaca. Ese es el poder de los cumplidos y realmente ayuda a bajar un color una muesca e intensidad. Ahora quiero mostrarte el proceso para intentar mezclar un color que veas. Esta muestra de color aquí está mostrando uno de mis colores gouache acrílico favoritos oliva. Si me quedara sin aceituna, no tendría que temer porque lo que sé de la teoría del color, apuesto a que puedo mezclarla. En primer lugar vamos a empezar escogiendo el tono más obvio, que en este caso es amarillo. Si el tono principal fuera un color secundario como naranja, verde, o morado, lo mezclaría y luego empezaría por ahí. Pero como sucede que esto es una primaria, puedo exprimir un poco de amarillo en mi paleta y comenzar. Voy a ensayar a medida que voy para que podamos ver la evolución del color. A continuación, vamos a comparar este color con nuestra referencia y ver qué notamos. Lo primero que veo es la temperatura del color. El amarillo que tengo es mucho más fresco que mi aceituna y sé que puedo calentar esto agregando un poco de magenta. Ya que una mezcla pareja de los dos haría naranja, voy a ir un poco más claro en el magenta sólo para teñirlo. Ahora cuando comparo los colores, puedo ver que el color es más cálido pero aún no del todo correcto. Se ve demasiado naranja. ¿ Qué hago si quiero bajar la intensidad de un color? Yo miro su cumplido, que es azul. Voy a añadir un poco de azul. El matiz está empezando a lucir realmente bien, pero ahora el valor no está del todo bien. Voy a ajustar eso agregando un toque de blanco y si agrego demasiado de un color, puedo equilibrarlo agregando en los pigmentos que faltan. Yo soy capaz de acercarme bastante aquí. Por supuesto, si el color que estás tratando de mezclar es mucho más oscuro o más claro que el color, entonces vas a necesitar traer esos neutrales para que el valor de la mezcla sea correcto. Antes de entrar en la demo tradicional, tengo dos consejos para tu gouache. El primero es hacer muestras de color. Puede ser tan simple como poner algunas manchas en un pedazo de papel y etiquetar los colores, pero te recomiendo hacer muestras separadas que puedes barajar y agrupar, sobre todo porque el color de la tapa en el tubo suele ser no una representación precisa del color real de la pintura. Utilizo hojas grandes de papel de acuarela Canson XL y uso cinta de pintor para crear una cuadrícula. Pinto las muestras y las ventanas, lo dejo secar, remuevo la cinta, y las corto. Hago una rápida nota del color en la espalda y estoy bien para irme. Ya verás cómo los usaremos en el estudio contemporáneo. Por último, si crees que estarás pintando regularmente en el futuro, y realmente espero que lo hagas. Yo altamente, altamente recomendaría hacer un gráfico de mezcla de colores. Es una referencia para que puedas ver rápidamente cómo se mezclan todas tus pinturas, permitiéndoles ir realmente la distancia. Comparto el proceso de cómo hacer uno en mi clase, conociendo tu pintura específicamente en la lección 4, se vincula como nota sobre esta lección. Esa fue mucha información, pero ojalá haya podido darte conocimientos realmente prácticos en torno a la mezcla de color y color. En la siguiente lección, repasaremos el estudio tradicional. 8. Resumen del estudio tradicional: En esta lección, vamos a repasar el proceso para el estudio tradicional. En nuestro estudio tradicional, nuestro objetivo es recrear nuestra foto de referencia utilizando observación, mezcla de colores a partir de una paleta limitada y capas de pintura. lo he dicho antes en el curso, pero aunque la pintura tradicionalmente no sea tu objetivo final, practicar esta habilidad realmente nos ayuda a tomar toda la información pertinente de una foto de referencia y ejercerla intencionalmente. Aquí está el orden en el que construiremos nuestra pintura. En primer lugar, escogeremos un color para usar para cubrir nuestra página. Este color ayuda a tonificar inmediatamente el blanco brillante de la página y nos da un terreno medio para construir en valores oscuros y claros. Este terreno tonal puede establecer un estado de ánimo para la pintura, y a menudo este color subyacente brillará a través de los bits de la pieza terminada, agregando profundidad e interés. Después de que la capa de fondo se seque, haremos un boceto de contorno utilizando guías de centro para facilitar el proceso. Después usaremos el umber quemado para empezar a bloquear en valores más oscuros usando nuestra foto de referencia en escala de grises para ayudar. Después de agregar nuestros valores oscuros, es hora de agregar los reflejos más ligeros con el blanco titanio. Con la finalización de este paso, nuestro subpintura y esqueleto para la pintura está listo. El siguiente paso es comenzar a aplicar bloques de color. Mezclaremos colores de nuestra paleta limitada, acercándolos lo más cerca posible de la foto de referencia. A partir de ahí, el nombre del juego es estratificar la pintura para corregir valores y completar la imagen. Lo terminaremos usando nuestros pinceles pequeños para agregar detalles de acabado, y nos pondremos a cinco nosotros mismos porque ni siquiera sabíamos que podíamos pintar de esta manera, pero totalmente acabamos de hacerlo. En la siguiente lección, sacaremos la pintura y trabajaremos en nuestro estudio tradicional. 9. T1: fondo tonal: Está bien. Estamos listos para saltar directo a nuestro estudio tradicional. Tengo ambas referencias impresas aquí. Tengo el de todo color y también tengo el de escala de grises que tiene las guías de centro en él. Tengo mi paleta de colores limitada aquí arriba: blanco titanio, umber quemado, y ultramarino, amarillo primario, y magenta primario. Tengo un cuchillo de paleta, tengo mis pinceles aquí. Tengo un poco de agua lista para ir, paleta de mezcla, cuaderno de bocetos. Se puede ver que está recortado con este clip que va a ayudar a mantener segura la página. Entonces también tengo mi rueda de color, handy-dandy y listo para ir a referencia según sea necesario. Yo también tengo a mi gobernante aquí, por si acaso. El genial es que, es el primer paso de un estudio tradicional, no se puede estropearlo. Incluso si te equivocas, se puede corregir más adelante. Entonces es agradable. El primer paso es la pintura y el subpintura. Ni siquiera tenemos que bosquejar primero. Literalmente solo vamos a cubrir toda esta hoja de papel en color para empezar con el tono o el estado de ánimo. En este caso, voy a elegir un neutro porque el tono abrumador de esta imagen es la neutralidad. Tenemos estos taupes y marrones y bronceados aquí y luego el fondo es gris. Entonces por supuesto tenemos los pops de amarillo y rojo profundo de las cerezas. Cuando estás considerando el underpainting, o bien quieres ir con el color que es la mayoría que te habla, o simplemente tu idea artística de qué color quieres tener brillando. El underpainting, como dije podríamos pintar sobre él, pero en realidad sólo va a echar un vistazo y todos estos lugares y nos da un punto de partida realmente agradable para que no estemos tratando de crear valores fuera de blanco. Voy a tratar de mezclar un marrón-gris claro. Voy a empezar con el taco que está más cercano a eso, que es mi umber quemado. Voy a exprimir algo de eso. Ahora ya puedo ver con mis ojos que este color va a ser demasiado oscuro, y así probablemente lo voy a aclarar con un poco de blanco. No siempre me aligero con blanco. A veces me aligero con amarillo o con un color diferente, pero en este caso sabemos que el valor de esto necesita subir mucho. Simplemente vamos a agarrar uno de los pinceles que es más grande y genial para cubrir una gran cantidad de área. Me gusta usar mi talla 10 o talla 16 redonda. En este caso, creo que me voy a ir muy grande. En ocasiones cuando todavía estoy consiguiendo un color, averiguando cuál va a ser el color, uso mi cuchillo paleta sólo para que no me pongan las cerdas todas desgastadas. Voy a agarrar un poco de marrón y rasparlo por aquí. Puedo ver, obviamente es muy oscuro, está casi cerca del valor que necesita ser para todas estas áreas más oscuras, así que solo me mezclaré un poco de blanco y veré de qué color llegamos ahí. Eso se ve más bonito. Eso es mirar más cerca a los tonos más cálidos de la tela aquí abajo. No es tan cool como el fondo aquí arriba, pero creo que este marrón medio va a ser un buen comienzo. Si quiero ver cómo es enfriarlo con un poco de azul, vamos a hacer un golpe, puedo mezclar eso. No creo que lo vaya a necesitar, pero nunca se sabe. Eso pudo haber sido demasiado. Sí encaneció aunque amablemente. Ves al principio ese azul se veía tan fuerte, y luego añadí un poco de blanco y ahora tenemos un tono mucho más cercano al fondo. Depende de mí en cuál quiero usar. Creo que lo que voy a hacer es solo hacer una mezcla acuosa de todo esto y simplemente ponerlo en la página. Esta capa va a ser más delgada porque siempre podemos acumular más pintura pero es difícil volver alguna vez a esta primera etapa cuando es la primera capa de pintura que va sobre el papel. A mí me gusta que sea acuoso. Por si quiero aferrarme a esa textura, tengo la opción de, y entonces si no me gusta, puedo repasarlo con otro abrigo. Se puede ver que mis trazos son un poco salvajes. De verdad me gusta crear un sentido de movimiento con el subcuadro. No quiero que sea perfecto golpes arriba y abajo. No hay nada de malo en eso. Es solo una preferencia personal de lo que te gusta y lo que quieres. Estoy usando agua para mantener la pintura moviéndose a través la página para que ninguno de estos bordes se ponga demasiado duro antes de que pueda ponerle pintura. Solo volvamos a marcar el brillo del blanco porque cuando miramos el blanco y negro, se puede ver que los valores más ligeros son todos los aspectos más destacados de las cerezas. Esos son en realidad nuestros puntos más brillantes. Todo lo demás es de tono medio y más oscuro que eso. En realidad nos estamos dando una pierna arriba tintando el papel para que no sea tan brillante. Siempre puedes volver a agregar esos blancos brillantes, pero hace mucho levantamiento pesado para nosotros. Eso es todo. Ese es el paso 1. Digamos que empezaste y pintas una página entera y te das cuenta de que querías tener un subtono fresco y realmente quieres que sea azul, solo puedes mezclar otro color, esperar a que esto se seque, y luego hacer otro abrigo. Pero sí quiero que esto se seque todo el camino antes de llegar al siguiente paso, que será bosquejando arriba. Entonces voy a dejarlo secar, hacer lo suyo. 10. T2: bocetado de contornos: Mi primera capa, mi sub-pintura, que nos proporcionará algo de calidez, después nos da más de un valor medio para empezar, es totalmente seco, seco al tacto. Si estuviera mojado aún, sobre todo porque usamos tanta agua para extender esto, aunque solo estuviera un poco húmeda, cuando vamos a hacer esta siguiente parte, potencialmente podría sangrar esos colores. Por eso queremos que se seque todo el camino. Ahora vamos a seguir adelante y bosquejar. Voy a usar esta versión en blanco y negro que tiene la barra central. Normalmente cuando dibujaría, usaría como hablé en el video de materiales, estos Prismacolor colorean lápices y lo usaría con un borrador diferente a éste. Pero como enumeré estos como material opcional, no quiero usarlos. Yo quiero mostrarte lo que puedes hacer solo usando la pintura. Hay algunas formas en que escogeré colores. A veces. Escogeré un color prominente como lo hicimos para el subcuadro. A lo mejor incluso sólo usando umber quemado porque ese es un tono que va con la pintura y estará en su mayoría encubierto. Eso es lo que necesitamos recordar. Este color va a estar cubierto en su mayoría. Pero la palabra importante es mayoritariamente y va a haber algunos lugares a menos que seas diligente y realmente quieras pintar sobre ellos. Pero es algo bueno. Hay algunos lugares en los que esto podría brillar. Nosotros sí queremos ser un poco reflexivos. No quiero escoger un color que vaya a ser chillón con esto. No me gustaría escoger tal vez un verde lima muy vibrante porque ese color realmente no significa nada para esta imagen y si brilla a través, podría ser más distrayente. tanto que si tuviera un poco de umber quemado o incluso un rojo o un rosa que brillara a través de él se le añadiría. Simplemente mostraría el proceso del artista. Dicho todo eso, solo voy a usar mi magenta primario y un pincel flaco para hacer mis bocetos. El motivo por el que elegí el magenta es solo por la calidez de las cerezas y si brilla a través, creo que voy a estar bien con un poco de magenta pop-up. Yo sólo voy a poner un poco en mi paleta. No voy a agarrar mi pincel más pequeño. Tengo estos dos pequeños cepillos redondos. Uno es una talla 2 y uno es una talla 6. Pero mi más pequeña, es solo que estas cerdas se van a quedar sin pintura y agua tan rápidamente y me va a ser frustrante y puedo conseguir una punta lo suficientemente fina con esta más grande y tiene un poco más de kilometraje en ella. Vuelve a mi centro una y una cosa que quiero hacer con un lápiz, ya sea un [inaudible] o no, solo puedes hacer esto con un lápiz regular, es que quiero dibujar donde están estas líneas centrales y no quiero solo como dibujarlos con demasiada fuerza porque entonces esos van a mostrar pero sí quiero al menos saber. Puedes usar una regla si quieres, pero si no tienes una, solo pondré mis dedos a cada lado y trataré de moverlos a la misma velocidad hacia el centro, y luego donde se encuentran es mi punto central. No siempre es preciso, pero es lo suficientemente bueno para mí. Voy a solo trazar fantasma para que pueda encontrar dónde está ese punto central y ahora eso realmente me va a ayudar con orientar dónde está esta pintura. Yo sólo voy a rastrear ligeramente fantasmas esas líneas. Ahora con mi pintura rosa y mi pincel flaco, voy a seguir adelante y transferir parte de la información de esta página a esta. Vamos a utilizar estas líneas centrales para ayudarnos a averiguar exactamente cuál es nuestra escala. Voy a empezar con el tazón. Voy a mirar al centro y voy a bajar y voy a ver dónde cruza estas líneas y puedo ver eso. A ver, aquí está a mitad de camino, cuarto. Es como un octavo de este espacio, iré como un octavo y haré una marca. Ahí es donde va ese tazón por ahí y luego tenemos esa segunda ventaja. Entonces el tazón se va a curvar debajo de esta línea. Vea cómo el cuenco comienza a curvar debajo. Sé que no voy a ir demasiado alto. Entonces por aquí donde cruza por esta línea, puedo ver que ha pasado el punto medio aquí, así que voy a ir un poco más allá que a medio camino, hacer una marca ahí y eso me va a dar un buen comienzo a descifrar la forma de este tazón. Se puede ver que estoy suelto, así que no estoy tratando de ser demasiado preciado aquí. Tampoco estoy tratando de sobredibujar. Realmente queremos que nuestras líneas sean mínimas aquí y no confusas. Yo estoy aquí donde estos se alinean en esa línea central y estoy tratando de determinar cuánto más necesito bajar por esa curva del tazón. [ inaudible] y luego el tazón se curva. Sin tener que saber dibujar estos o saber sobre perspectiva, somos capaces de bajar la escala de estos con bastante facilidad, lo cual es realmente agradable. Por eso me gusta mucho este método. Ahora, los travesaños, ahí es donde está una de esas cerezas y así que sólo voy a poner eso ahí dentro. No necesito dibujar todo. Es cualquier cosa con la que pueda necesitar ayuda. Bajando por la barra central, tenemos estas cerezas en primer plano, y tengo este pliegue en la tela que esconde esas cerezas. Eso es bastante prominente. Voy a meter eso ahí dentro. Parece que sube así. Ahora podemos empezar a usar todos los puntos de referencia que tenemos abajo más allá de solo las barras centrales para ayudarnos a colocar las cosas. Por ejemplo, esta cereza de aquí, el lado derecho de la misma va más allá del lado izquierdo de este tazón, aquí está el tazón. Eso significa que el lado derecho de esa cereza va a aterrizar en algún lugar por aquí. Es así como puedes ver que dibujar es realmente solo ver y prestar atención a qué información ya tienes. Esta cereza, sé que esta curva no va a ir demasiado lejos en esta y sólo pequeños puntos clave que podemos usar. La otra cosa es que tengo este borde de este pliegue en la tela y sólo quiero llegar a donde va a estar eso. Tenemos estas cerezas en primer plano. Si notas mis bocetos más largos que mi área de trabajo, la relación de aspecto no es la misma. Pero eso está bien porque tengo todo este espacio vacío aquí arriba, lo que significa que no voy a perder ningún detalle importante. A pesar de que este espacio se estira más que el mío, no va a cambiar la integridad del trazado. Sé que voy a tener unas cerezas aquí en primer plano y así que sólo voy a trabajar en añadirlas. Este es un buen ejemplo, fui demasiado rápido. Ve cómo los fondos de éstos están casi alineados. Se puede ver en la foto de referencia que esta de aquí está en realidad bastante arriba por el fondo de la misma y eso es un error en mi lo que vi, estaba confiando en lo que sé de la imagen en lugar de mirarla. Pero de nuevo esta foto de referencia es muy indulgente y así hasta errores como ese están bien. Yo también sólo quiero agarrar hay estas dos cuties de fondo y como están de fondo, mira el tamaño de esta cereza frente a ésta, ve cómo es un poco más pequeña. Yo sólo quiero poner atención a eso y simplemente no hacerlo tan grande como esos otros. Entonces tiene un amigo aquí. Creo que las últimas cosas que quiero conseguir es que hay un poco lleno, ¿ves el borde de esa servilleta de tela o mantel de ahí? Entonces sólo quiero conseguir mi línea de horizonte. Yo quiero sacar el filo de esto. Es un poco difícil de ver porque la profundidad de enfoque en la foto es borrosa. Es muy superficial y así podemos adivinar, pero no quiero que sea perfectamente recto. A mí me gusta el movimiento que esta tela está proporcionando y así sólo voy a tratar de seguir esas formas que veo allá atrás, que parece que se hunde y luego vuelve por aquí. Eso no fue tan duro se puede ver que bosquejar no tiene por qué ser tan difícil o intimidante tan difícil o intimidante y ni siquiera se tiene que “Saber dibujar” para hacerlo. Simplemente puedes usar las piezas de información que estamos obteniendo solo de los travesaños del centro y tener esa misma cosa en la nuestra para empezar a transferir la información a tu página. 11. T3: agregar valores oscuros: Terminamos nuestro boceto. El boceto no se ha secado del todo. Veo que hay algunaspartes de pintura más gruesas y acuosas, partes de pintura más gruesas y acuosas, pero eso no me va a impedir para este siguiente paso. Lo que vamos a hacer a continuación es que vamos a empezar a mirar los valores de esta foto y empezar a tratar de sumar en algunas de las zonas más oscuras. El primer paso que hicimos cuando pintamos todo esto de color marrón fue intentar bajar el tono a toda la pieza porque no va a ser tan vibrante como la página. Lo llevamos a un terreno medio. Sigue siendo bastante ligero, así que ni siquiera llamaría a esto un tono medio. Se trata de un tono medio claro. Pero al menos lo tonificamos un poco, pero ahora queremos empezar realmente a sacar esos valores. Voy a usar mi umber quemado y mi cepillo redondo grande. Creo que para el paso principal hice mi cepillo redondo talla 16, estoy usando mi un poco más pequeño pero aún grande, mi talla redonda 10 en este momento. Yo sólo voy a seguir con el umber quemado y empezar a sumar en estos valores más oscuros que veo. Como veo aquí atrás. No me preocupa pintar sobre esa cereza porque si solo estamos mirando los valores, puede ver que esa cereza realmente se mezcla de nuevo con esa sombra allá atrás. En realidad se va a convertir en parte de esos valores. Tengo algo de sombra y plegado aquí, definitivamente alrededor de la copa. Sé que no me gustó escuchar esto cuando empezaba, pero trata de confiar en tus instintos, trata de confiar en lo que tus ojos están viendo aquí, en lugar de lo que crees que sabes de la escena. Aquí estoy en esta zona oscura, y ya sólo con la adición de algunos valores más oscuros, podemos empezar a sumar en alguna dimensión. Aquí abajo, mira cómo este valor es más oscuro que el paño justo al lado, va a tomar esa información y replicarla aquí abajo. Es un cambio de valor bastante notable en los tazones aquí abajo. Ese es un comienzo bastante bueno pero lo que tengo que añadir son estas cerezas, las cerezas son en realidad el tema más oscuro del papel. Yo sólo voy a sumar. Ahora tenemos un paso más oscuro desde nuestro tono medio pero en realidad quiero ir un paso aún más oscuro que ese ahora para realmente hacer estallar estas cerezas. Simplemente puedo usar umbre quemado más grueso menos agua abajo para hacerlo más oscuro solo, que normalmente es lo que hago independientemente del esquema de color, o uso umer quemado o umber quemado y ultramarino para bloquear en las zonas oscuras. Pero en este caso, ya que esas cerezas, sabemos que les tienen un tinte rojo, en realidad voy a usar algo de este magenta ya he apretado en mi paleta para hacer un rojo oscuro grueso para empezar a bloquear en estos formas de cereza más oscuras. Voy a ser un poco más cuidadoso con esto porque este valor más oscuro realmente está dedicado en la imagen a las cerezas y así no quiero mezclarlo demasiado con las sombras ahora mismo. Yo quiero ver esa separación entre ellos. Se puede empezar a ver cómo ya estamos cubriendo ese dibujo rosa al boceto. A pesar de que esto es como una gran cerezas masivas, sigo tratando de tallar donde pueda ver formas claras de ellas para que no sea solo una gran pila de rojo y marrón oscuro. De verdad lo voy a regar, volver atrás y añadir algunas de esas medias marrones que nos ayudan a ver la forma. Algunos de mis magenta se han mezclado con el umber quemado y eso está bien. Bueno, cuando cocinas, si cocinas algo en una sartén, hay todos estos pedacitos negros y marrones en el fondo de la sartén y se ven como simplemente clavados en desorden. Pero esa es en realidad la magia de lo que estás cocinando, ahí es donde está todo el sabor y así quieres todos esos bits negros y marrones. Eso es lo que pienso como el subcuadro, el boceto y estas pequeñas marcas tonales que estaban haciendo, esas son todas pequeñas piezas de sabor que van a brillar al final a medida que nos acumulamos. Te sientes bastante bien con estos valores, voy a añadir un toque de azul para oscurecer un poco todo esto. Yo sólo de verdad quiero que estas cerezas sean mucho más oscuras. Con eso, creo que estamos listos para pasar al siguiente paso. Voy a dejar que esto se seque todo el camino. Una vez más, necesitamos que éste esté totalmente seco antes de pasar al siguiente paso. 12. T4: agregar resaltados: Ahora que tenemos unos tonos medios, tenemos unos tonos más oscuros, queremos entrar y agregar donde están los reflejos más brillantes. Para esta imagen donde están las luces más brillantes, por lo que las cosas más cercanas al blanco son estos reflejos realmente agudos en las cerezas, esas son las más brillantes. También tenemos un diminuto reflejo blanco realmente brillante en los tazones justo aquí, y luego hay un valor más ligero yendo alrededor del borde de los cuencos, y luego la luz también atrapa algunas de estas partes de la tela. Yo sólo me voy a llevar mi blanco titanio puro y voy a mantenerlo bastante grueso para esto. Yo sólo voy a pasar y a dab, conseguir esos valores más blancos ahí dentro. Ya se puede ver que así son los valores poderosos. Suenan, al menos a mí, sólo suena a aburrido, como lo que sea, ese tipo de cosas. Pero entonces, cuando realmente comienzas a practicarlo y utilizarlo, ves como, oh, esto es lo que hace que una imagen se sienta completa, es que los valores se sientan correctos. Es realmente emocionante entrar aquí y agregar estos aspectos destacados. Como puedes ver, la imagen empieza a hacer clic en su lugar, pesar de que realmente no hemos trabajado en el color todavía. Se puede ver que realmente no me preocupa demasiado la precisión o las pinceladas hermosas, solo quiero conseguir la información aquí para poder construir encima de ella. Solo está el resaltado de delgadez bajando por el borde de este pliegue que lo separa del fondo. Se puede ver que fui mucho, exageré mucho eso, pero vamos a poder cubrirlo, pero al menos quiero asegurarme de que lo meto ahí dentro. Entonces hay un poco de destaque yendo aquí y estos no lo son, como puedes ver, como este valor no es tan brillante como el blanco más brillante pero es más ligero. Para mí, sólo estoy tratando de dejarme notas para mí mismo para que pueda saber qué estoy construyendo en este cuadro. Creo que eso es todo. Voy a dejar que esos reflejos se sequen, y luego pasaremos a la siguiente parte. 13. T5: bloques de color, 1a parte: Todo lo que hemos hecho hasta ahora es lo que considero el subcuadro. Algo de esto va a brillar a través, pero todo esto que acabamos de hacer fue armar una estructura realmente bonita para que pintemos encima de para seguir renderizando nuestra pintura. Este siguiente paso es que vamos a empezar a sumar en bloques de color. Voy a seguir adelante y volver a mi referencia a todo color aquí. Con el primer paso del color es, lo pienso más como corrector. No necesitamos clavarlo, pero queremos al menos corregirlo de lo que es aquí. Algunas de las cosas que veo es el fondo aquí arriba. Yo quiero que sea un poco más fresco que aquí abajo para imitar lo que estoy viendo aquí con este fondo más fresco. Voy a querer agregar en un tono más parejo marrón y bronceado para empezar a rellenar esto. Esto no va a ser tan ligero como aquí. Las cerezas, quiero empezar a refinar esos un poco. Quiero agregar sus tallos en y luego por supuesto, el amarillo en el tazón. Empecemos con esta área de fondo, que pudimos mezclar un poco antes con nuestro cuchillo de paleta. Voy a necesitar un poco más umber aquí. Probablemente sea demasiado. Al igual que antes, voy a usar mi cuchillo de paleta, sólo porque no quiero que un montón de pintura atrapada en las cerdas mientras trabajo. Sé que voy a poder usar la pintura rápidamente para ponerla en la página así que va a estar bien si se extiende de ser mezclado. Fregar algo de este umber quemado y algo blanco. Esa es la mezcla que hicimos antes para el fondo. Tengo ese color mocha cremoso. Pero para el fondo necesitamos que se enfríe un poco. Tan solo un poco de ultramarina. También puedo ver voy a necesitar más blanco porque mi color que mezclé es demasiado oscuro. Transcribe el resto de ese blanco de ahí dentro. También agarraré justo ese azul dabble. Creo que nos estamos acercando a la temperatura, pero está demasiado oscuro. puede ver que es más oscuro que incluso nuestro subtono. Los cuchillos de paleta realmente funcionan mejor con pintura acrílica completa o aceites. Pero es agradable y me gusta que se pueda ver que el color se mezcla. Ha sido realmente bueno para mi propia educación. Mucho más blanco. Eso se ve realmente bonito. Sostén eso. Todavía poco caliente, ¿puedes ver eso? Nunca hay que mezclar colores exactamente, si quieres ser un pintor realmente tradicional, realista, entonces eso es genial. Pero para esto, estamos tratando de acercarnos porque estamos tratando entender los colores que se están mezclando y cómo funcionan aquí. Eso está más cerca. Todavía está un poco más caliente que la imagen. Pero realmente me gusta este color. Esa es la otra cosa. Estamos tratando de acercarnos, pero también usa tu propio cerebro y tu propio gusto para decidir si te gusta. No es bueno si mezclas un color exactamente como se muestra en la pintura, pero estás en la referencia, pero odias ese color. Entonces, ¿cuál es el punto? También se va a poner un poco más de blanco aquí. Genial. Hermosa. Por lo que sigue usando mi pincel talla 10 solo porque estoy llenando esta gran área de fondo. En este punto ahora que estamos avanzando desde el subcuadro, realidad comenzaría a dimensionar hasta una ronda talla 6 o incluso comenzaría a usar tal vez mi filbert o mi pincel plano. Pero esta zona va a ser bastante fácil de llenar con este gran tamaño 10. Entonces sólo voy a seguir usándolo. Mi pintura es realmente gruesa ahora, esto es todo pintura porque estábamos usando el pincel de paleta. Voy a seguir adelante y empezar a introducir agua. Simplemente empieza a corregir aquí arriba. Todavía quiero ese movimiento que empecé a introducir. También estoy de acuerdo con algunos de estos tonos brillando. Si miramos la imagen, se puede ver que el fondo es más claro en esta zona media, y luego se pone un poco más oscuro a los lados. Si quiero desvanecerme esto, me voy a poner un poco de agua en mi cepillo, y mientras aún está mojado, métanse aquí y muévala por ahí. Ahora se mezcla más bien yendo de ese gris oscuro, más oscuro, más fresco a la parte superior más cálida en el medio. Cada capa que hacemos ahora vamos a empezar a ser un poco más cuidadosos con nuestros pinceles, tratando de refinar formas donde podamos. No necesito definir totalmente estas cerezas ahora mismo, pero mientras estoy aquí, al menos puedo tener cuidado e iniciar ese proceso. Como puedes ver ya estamos pintando sobre mucho del rosa que trajimos con nuestro boceto. Ese es un buen ejemplo de cómo el espíritu de la misma seguirá brillando, pero en su mayor parte, se cubrirá. Si quieres que esté completamente cubierto como yo siento, puedes ir y pintar sobre todos los lugares que está sobresaliendo. Si estás usando un cuaderno de bocetos como yo y quieres pintar debajo del clip, vamos a quitármelo un segundo. Pinta esa zona y luego vuelve a ponerla. Ya que esta es una gran área de espacios en blanco que equilibra nuestra pintura, realmente estoy dejando que la textura tenga un momento aquí arriba porque no va a ser mucho más pasando aquí arriba. Thumbprint ahí. Está bien. Lo que realmente me encanta de este proceso y trabajar con estas pinturas, es nueve de cada 10 realmente está bien, y puedes corregir cualquier error que creas que has cometido. Simplemente cúbralo y hay un montón de accidentes felices en el camino. Voy a dejar el fondo por ahora y voy a empezar mientras mi umber quemado sigue aquí en mi paleta, voy a empezar a añadir eso en para la tela. Este color, solo el umber quemado solo, no es lo suficientemente cremoso. Realmente no representa lo que se está mostrando aquí, así que agregó un poco de blanco y eso ayudará para los tonos más claros. Voy a ir por estas zonas más ligeras, a estas alturas, voy a tapar estos tallos de cereza porque podemos volver a pintarlos. Dado que esto es gouache, el color más claro podría cubrir algunas de estas áreas más oscuras. Donde tengo estos valores por aquí, voy a dejar que esos valores más oscuros se queden. No voy a pintar sobre ella. A ver cómo esto es más ligero aquí. Voy a conseguir una mezcla mucho más acuosa y sólo ligera entrar aquí porque no quiero cubrir todo eso, si ahí es donde está ese resaltado. Yo sólo voy a mejorarlo con agua. Un color más cremoso muestra aquí también a lo largo de este borde donde pongo ese resaltado. Se puede ver cómo soy capaz de usar las capas antes para guiarme, como si fuera útil. Cuando miro por aquí y veo que hay tonos más claros, y luego miro hacia atrás a mi pintura y veo que ahí pongo una raya de blanco, estoy como, vale, estoy orientado, estoy en el lugar correcto en mi pintura. Es casi como dejarte migas de pan para seguir en el camino. Acabo de mezclar el umber quemado con algo de este gris sobrante que teníamos desde arriba. Es agradable usar colores que ya están en tu paladar para ayudar a juntar todo. Ahora tengo un color realmente ligero, más fresco, cremoso que aún va con el marrón, pero me va a ayudar a determinar algunos de estos puntos más claros. Llegamos a usar una pintura que ya estaba en nuestros pellets, por lo que una cosa mutuamente beneficiosa aquí. Voy por encima de estos puntos más claros en este color más fresco. Eres bienvenido a intentar conseguir cada doblez que se está mostrando aquí en esta servilleta. Pero para mí, solo quiero conseguir lo general, quiero que parte de la geometría de la misma sea correcta, algunas de las perspectivas. sólo crear este pequeño swoosh aquí mismo, soy capaz de comunicar un poco esa tela, y aquí está mucho más oscuro. Volveré aquí con el color más oscuro. Yo quiero dejar justo esta tira de blanco. Simplemente vamos a ir de ida y vuelta con hacer luces y oscuros. Tenemos unas luces aquí dentro. Esta zona va a ser más oscura y tenemos algunas zonas más oscuras aquí atrás, pero voy a dejar que esas se sequen. Seguiré adelante y empezaré a trabajar en el tazón amarillo. Para mezclar el amarillo, obviamente sabemos que va a tener algo de amarillo en él, así que vamos a empezar por ahí. En realidad antes de que se seque este color más claro, quiero cubrir este tallo porque vamos a pintarlo de nuevo, pero no quiero que sea tan gruesa y no quiero que esa gran línea rosa sea demasiado distraedora. Empezaremos a cortar cerca de esta línea rosa también. Se puede ver lo bien que se cubre ese boceto. En realidad no es demasiado difícil de hacer. Ahora ya terminé con este pincel más grande. Necesito ir más pequeño. 14. T5: bloques de color, 2a parte: Tengo mi confiable tamaño redondo seis aquí. Empecemos de nuevo con el cuchillo de paleta. Este es el amarillo con el que empezamos y lo primero que noto es la temperatura. Este amarillo es demasiado frío para el amarillo y la referencia. Voy a seguir adelante y calentar eso con mi magenta. Empezaremos con un poco de chapuzón, por lo que definitivamente lo calentó. Nos estamos acercando, pero ahora es demasiado vibrante, esta es una naranja muy vibrante. Aquí es cuando llegamos a usar la magia de nuestra rueda de color. Si mi color es demasiado naranja, entonces puedo agregar su cumplido para empujar esa naranja hacia atrás. Si me cruzo, puedo ver que es cumplido es azul. Yo sólo voy a añadir un poco de azul y ver qué hace eso por nosotros. Podría necesitar un poco más de pintura de la que estoy mezclando aquí. Se puede ver que todavía tenemos naranja, pero acaba de bajar el tono un poco, simplemente no es tan vibrante. Si hay algún truco que te pueda dar, es como cuando puedes ver que un color está mal, si puedes identificar ese color, entonces puedes agregar su cumplido para ayudar a tonificarlo. Acercándose, es como si en realidad pudiera necesitar otro toque de magenta. El cool con estos es que si te equivocas, si crees que necesita más magenta y entonces eres como, oh, eso no es lo que necesitaba, puedes agregarle más uso y seguir corrigiéndolo. No harás barro si lo sigues corrigiendo. Me pregunto si necesitamos un poco de blanco para aligerarlo. ¿ Ves cómo prefiero exprimir la pintura varias veces que exprimir un montón al principio y luego todo se seca? Echemos un vistazo a dónde estamos en este color. El blanco titanio es realmente fuerte, por lo que pudo haber sido demasiado. Nos estamos acercando sin embargo, se ve bien. Ahora, al menos conozco el maquillaje de este color. En su mayoría es amarillo, pero tiene tanto magenta como azul para ayudar a tonificarlo y también tiene un poco de blanco en él. Voy a seguir adelante y mezclar en el resto de este amarillo y voy a seguir adelante y mezclar de verdad el color que voy a usar. Esto de nuevo podría ser demasiado vibrante, un poco más rojo. Ese magenta es tan poderoso, siempre agarro más magenta de lo que necesito. De nuevo, si aquí se muestra demasiado rojo, demasiado rojo, naranja. Nos vamos por aquí, el cumplido a eso es verde, que sabemos hacer verde, eso es azul y amarillo, así que eso significa que necesitaré un poco más azul añadido y necesito poner más amarillo en ella. Así es realmente como funciona este proceso, es solo de ida y vuelta y usando la teoría del color para averiguar qué hay que hacer para mezclar el color correcto. Creo que con un poco de amarillo, vamos a estar lo suficientemente cerca aunque no sea exacto. Tengo un bonito amarillo cálido, lleno que está tonificado un poco, no demasiado vibrante y eso va a ser genial. Este color más oscuro que estoy consiguiendo aquí que estoy mezclando en realidad va a ser realmente agradable para estos tono más oscuro. Voy a dejarlo, voy a dejar de usar mi cuchillo de paleta, y solo adelante y límpialo y voy a empezar a usar mi pincel. Voy a llevar algo de esto por aquí y sólo añadir un poco de blanco para que pueda tener ambas mezclas. Voy a seguir adelante y empezar a pintar y voy a pintar justo sobre ese valor más oscuro y se puede ver a qué me refiero por estructura. ¿ Ves cómo ese valor más oscuro está brillando y nos ayuda a aferrarnos a la forma a pesar de que pintamos sobre ella con ese amarillo? Muy cool. Ahora, voy a entrar en mi color más oscuro que mezclamos, voy a empezar a añadir eso en. Porque puedo ver que se oscurece a medida que vamos de lado por aquí. No tienes que empezar a preocuparte por los valores de inmediato, podríamos haber pintado en absoluto ese color claro después entrar. Pero si notas que mientras estás pintando y eres capaz clavar los valores que necesitas, entonces eso es bueno. Pasé por encima de mi punto culminante donde está este segundo tazón. Simplemente voy a usar el borde de mi pincel para raspar eso de nuevo para que no olvide que está ahí. Estoy pensando que todo esto se está acercando demasiado en tono, sé que todavía necesito arreglarme aquí abajo. Voy a añadir un poco de blanco a mi mezcla gris aquí abajo y voy a repasar eso otra vez porque creo que realmente va a ayudar al valor si esto sale un poco más ligero. De nuevo, voy a tener cuidado dando vueltas por mis cerezas y saber que cada vez que entro aquí, las puedo refinar un poco más. Tengo un poco demasiado amarillo pegado en mi pincel. No lo limpié lo suficientemente bien, así que estoy viendo un pequeño cambio de color aquí que no quiero. Yo sólo voy a añadir un poco más azul, este blanco. Este fondo más claro contra dónde están estas cerezas oscuras y oscuras sólo les va a ayudar a pop más, que es lo que queremos. No tenemos mucho pasando en este bodegón, las cerezas. Estas cerezas juguetonas son las estrellas del espectáculo y así que realmente queremos asegurarnos de que puedan ser la estrella. Una forma de hacerlo es jugar con el contraste para asegurarse de que estén realmente afilados. Estaba tratando de evitar charcos y cualquier trazo que se vea demasiado recto o demasiado uniforme. Se puede ver cada paso más ligero que voy, hace que esas cerezas estallen más. Mi instinto me está diciendo que me estoy acercando peligrosamente al territorio sobrecargado, por lo que esta es una vasta mejora desde antes. Nosotros, al menos, tenemos un buen cambio de valor que sucedió, así que eso va a ayudar. Pero necesito pasar a otras partes para que desarrolle la pintura en su conjunto. Déjame seguir adelante y arreglar esta zona aquí abajo. Estamos usando umber quemado, le da un poco de rojo. En realidad se pone bastante oscuro por aquí. Intento realmente mezclar cosas sin negro si puedo, pero solo siento que necesito poder puñetear estos valores solo un poquito. Necesito hacer mi umber quemado un poco oscuro para algunas de estas áreas y el negro es muy poderoso. No necesito mucho, probablemente ya agregué demasiado. Solo estoy queriendo golpear algunas de estas áreas más oscuras con esta mezcla más oscura, quiero tener cuidado de no arruinar este punto culminante que creé. Aquí es cuando comienza el ida y vuelta de la que hablé. Trabajamos en valores antes, pero no están hechos. Tenemos que movernos de ida y vuelta hasta que se sientan correctos con el color que agregué. Recuerda cuando hablé de pedacitos de sabor, ese pequeño lavado que hice antes que tenía algo de ese magenta en él solo está mostrando a través un poquito y es realmente bonito, solo agrega interés. No quiero preocuparme demasiado, podemos afinar el fondo a medida que avanzamos. De verdad solo quiero agregar los primeros bits de color. Adelante y trabajemos en las cerezas ahora. Lo principal que quiero hacer es solo agregar un poco más de rojo a las cerezas. Hacer estallar un poco más su color. Voy a tomar magenta y volverlo a mezclar con ese umber quemado. Hagamos un rojo cereza oscuro realmente bonito. Hasta puedes tocar mi negro ya que lo conseguí aquí. Ahora, tengo una mezcla de color oscuro realmente poderosa y así quiero tener cuidado. Esta siguiente capa realmente les va a ayudar a pop a volver a poner esa historia de valor en su lugar porque se supone que las cerezas son lo más oscuro y ahora su valor se está enlodando aquí con algunos de los marrones, así que realmente quiero entrar y corregir su color. Yo quiero conservar los aspectos más destacados, porque las reflexiones sobre las cerezas realmente fue el punto más brillante de mi referencia, así que quiero aferrarme a eso. No quiero tapar todo esto porque queremos que se muestre esa variedad de tintos. Solo estoy usando este color más oscuro para bloquear con seguridad dónde están las cerezas más oscuras y luego dejaremos pasar ese rojo de diferentes maneras. También podemos separar un poco la masa aquí. Tenemos nuestra primera capa de color en. Terminamos construyendo capas como lo estábamos haciendo y corrigiendo, pero al menos desde la última etapa, al menos ahora sabemos como los colores principales con los que estamos trabajando. Sabemos que el tazón es amarillo, sabemos que este tejido de aquí abajo es un neutro, sabemos que las cerezas son de color rojo oscuro, sabemos que el fondo es un poco más fresco. Voy a dejar que esto se seque y luego vamos a seguir construyendo sobre ello. 15. T6: refinamientos: Ahora la mayoría de lo que queda es simplemente ir de ida y vuelta y corregir lo que nos parece mal o lo que podría refinarse aún más. Entonces la última etapa estará agregando cualquier detalle muy fino. El mejor modo de acercarme a esto, porque en este punto la pintura de todos va a ser un poco diferente y va a necesitar cosas diferentes y entonces lo que me pregunté es, ¿cuál es el más malo de esto? Cuando miro de esto a esto, ¿cuál es la cosa más deslumbrante equivocada? Para mí lo que más honestamente destaca es la ligereza de este tejido aquí y cómo esa ligereza se imita aquí y aquí. Simplemente se ve un poco plano aquí. Voy a ver qué puedo hacer para arreglar eso y darle vida. Voy a tener algo de este gris que usamos para el fondo para mezclar con algún umber. Podría tener que empezar a exprimir algo más de pintura. Cuando lo mezcle con este gris, parece que necesita refrescarse un poco, honestamente. Voy a refinar. Ver estas áreas oscuras donde esa sombra, voy a afinar eso un poco aquí. Esto parece un poco gris y un poco turbio aquí. Solo me preguntaba si toque de amarillo es todo lo que necesito. Demasiado amarillo. ¿Qué debo hacer? Es demasiado amarillo, necesito violeta, que es un poco de azul y un poco de magenta. Estamos de vuelta a ese color mocha, pero tiene que ser más ligero en valor. Lo que significa que quizá lo hayamos enfriado un poco justo ahora, pero eso ya está mejor. Yo solo quiero tratar de definir esto un poco mejor. Ya eso ayudó mucho. Al lado del otro, ¿ves lo gris y fangoso que fue el primero que bajé y cómo éste es mucho más bonito? Voy a entrar aquí y tratar de atrapar esa luz y entonces eso también aparece aquí. Voy a rastrear sobre esto. Destacaré con este color más claro también porque eso es más preciso para la imagen que ese blanco brillante. Will sombra aquí que me perdí. Voy a dejar eso por ahora. A continuación lo que veo es el tazón. Ahora el tazón parece demasiado vibrante y plano. Yo quiero este tono más oscuro y sólo voy a entrar aquí imitando esta sombra. Incluso sólo eso lo ayudó tanto solo para no sentirse como esta forma grande y plana que se destacaba. Ahora lo que más me destaca son los tallos. Si miro muy de cerca, los tallos son en realidad como un verde amarillo. Si bien tengo este amarillo mezclado para el tazón, lo voy a hacer más opaco. Es muy acuosa, así que lo voy a hacer más opaco con solo un toque de blanco y creo que puedo. Tengo una punta lo suficientemente fina en mi ronda talla 6. Pero si estás nervioso por esto, puedes usar un cepillo más pequeño. Sólo voy a añadir estos tallos en muy bien. Ahora la parte de sombra de la copa se tapó bastante. Simplemente usaré el negro dabble y totalmente diezmado ese color amarillo. El negro es un pigmento muy potente. Por eso, y sobre todo cuando estás empezando como si fuera agradable poder mezclar cosas sin negro, pero a veces lo necesitas. Voy a dejar que estos tallos se sequen porque vamos a necesitar volver a repasarlos para hacerlos más sólidos de todos modos. Pero si lo hago ahora, hay una posibilidad de que los interrumpa y los haga más gruesos y quiero que se mantengan amables y bien así. Voy a tomar algo de mi amarillo, algo de mi azul, que por supuesto va a hacer un verde, entonces podemos sacar algo de eso verde agregando en el magenta. Lo que busco es que voy a mezclar unos tonos más oscuros que me ayuden a meter algunas de estas sombras aquí. Todavía un poco demasiado verde, vuelve a meter un poco de magenta ahí. Hay una sombra muy, muy, muy fina que separa esos cuencos y así me acabo de dar cuenta de eso. Entonces ese es un pequeño detalle que quiero clavar para más adelante. Yo quiero recordar eso. Ese poco de color está ayudando a que los tallos parezcan captar la luz. Este tallo es en realidad mucho y eso podría ni siquiera ser un tallo, realidad podría ser justo lo que hay en la toalla. Es mucho más oscuro, así que probablemente en realidad repasaré esa con un color más oscuro. En realidad sí tienen un tallo que no pinté aquí. Sale, es bastante lindo. Es realmente satisfactorio tener estos pequeños tallos delgados y frágiles junto a estos grandes y atrevidos trazos. Como dije, ahora es solo un juego de ida y vuelta. ¿Qué ve mi ojo? ¿ Qué tiene de incorrecto esto por aquí que no es incorrecto por aquí? Yo sí creo que llegué a embarrarme aquí. No estoy seguro de cuánto podré rescatar esto. A ver si puedo volver a hacer ese color mocha. Porque esto parece solo un plano plano ahí atrás y está haciendo estas cerezas. Ve cómo en esto el valor de esto es mucho más ligero que las cerezas. Bueno, aquí atrás es casi lo mismo que las cerezas. Eso fue un error. Para este ejercicio, estamos tratando de ver, eso es lo que estamos haciendo. Estamos tratando de ver correctamente. Aunque no nos guste la pieza final, que esta es bastante guay. Yo estoy de acuerdo con ello. Pero aunque no nos guste, es una forma tan valiosa de ayudar a entrenar tus ojos para saber lo que están mirando. Esto va a ayudar mucho creo. Voy a entrar por ahí alrededor de esta cereza ya que eso es lo que me estaba quitando que el valor por aquí era incorrecto. Creo que eso va a ayudar mucho. 16. T7: detalles finales: Ahora, lo último que quiero hacer para este estudio tradicional, me siento bastante bien al respecto, pero solo quiero hacer algunos detalles finos. Voy a sacar mi pequeño cepillo redondo. Es una talla 2. Voy a ir junto con este color rojo cereza oscuro que hice. Yo sólo voy a mirar a ver como si hubiera esta alineación aquí que ayuda a separar la copa. Eso fue mucho más grande y más oscuro que el que está en la foto de referencia, pero hace el trabajo. También voy a seguir adelante y agregar un poco de valor a estos tallos de cereza. Voy a pintar casi todo el camino sobre éste, porque éste está en la oscuridad, esa sombra. Además, tal vez tener esas cerezas, mira cuanto más altas están mis cerezas en mi dibujo. Ni siquiera lo noté. Este debería estar alineado a la parte superior de él con ese tazón, y como ni siquiera mi segunda cereza está ahí. Creo que tal vez eso es parte del problema que yo también estoy viendo, es que no es necesariamente un tema de valor, es que esas cerezas estallan la composición. Se vería mejor si estuvieran aquí abajo. Pero eso está bien. A medida que volvemos a caer en la sombra por aquí, consigue una pequeña línea. Entonces nosotros también, una cosa que podría ayudar, vemos cuánta separación hay justo aquí. Tenemos esta pequeña sombra de vuelta aquí detrás del tazón, y no voy a conseguir eso aquí mismo. Me preguntaba si entrar y exagerar eso a lo largo del tazón ayudará. Eres bienvenido a seguir yendo de ida y vuelta en tu pintura hasta que sientas que está completa. Me siento bien con este. El único es que podría simplemente agregar algunos valores más oscuros a esos tallos de cerezas, y estamos bien. Después de dejar de grabar y después conseguí un poco de espacio para mi pintura, sí regresé y alterarlo un poco. Se puede ver que agregué en algunos valores diferentes en el fondo con las cerezas después de aligerar esa zona que me estaba molestando. Esto ayudó a crear algo más de dimensión allá atrás en lugar de que solo fuera esta raya negra en el fondo. También agregué algunos tonos más claros a la parte delantera izquierda de la tela. Se puede ver ahí hay algunos tonos grisáceos. También agregué solo unos detalles a los tallos de cereza y oscurecí un poco la sombra en el tazón. 17. Resumen del estudio contemporáneo: En esta lección, vamos a repasar el proceso para el estudio contemporáneo. En el estudio contemporáneo, nuestro objetivo es sacar nuestros bits favoritos e importantes del estudio tradicional y convertirlos en una interpretación expresiva y fresca de nuestra foto de referencia. Estaremos usando los mismos elementos e incluso el mismo vocabulario que hicimos en el estudio tradicional, pero el proceso va a ser un poco diferente y el resultado final va a ser muy diferente, menos depender de un representación precisa de nuestra foto de referencia, y más una oportunidad para la autoexpresión. Este proceso ejercerá la construcción de paletas de color, utilizando trazos gestuales, y simplificando nuestra referencia. El proceso irá así, empezaremos dibujando en la página en blanco, luego cubriremos la página en bloques de color para colorear las diferentes partes de nuestra página como un libro para colorear. Después de esos secos, corregiremos cualquier bloque que necesite ajustes de color, luego usaremos trazos expresivos y gesturales para agregar en valores oscuros, seguido de agregar en subrayados, remataremos nuestra pieza agregando en detalles finos y aplicando cualquier estampados o patrones divertidos. En la siguiente lección, comenzaremos nuestro estudio contemporáneo. 18. C1: boceto de contornos: El primer paso en lo contemporáneo es hacer el boceto. A diferencia de lo tradicional cuando hicimos un terreno primero, sólo vamos a entrar justo en el boceto, y solo para mantener las cosas consistentes, voy a volver a usar mi pintura magenta y un pincel fino. Esta es mi talla seis redonda, y sí quiero agarrar un lápiz para hacer mis marcas centrales. Es el mismo proceso que ayer. Voy a usar estas marcas a lo largo las guías para ayudarme a averiguar dónde necesito estar colocando mi boceto. ayer, puse las cerezas de fondo demasiado arriba, y así que realmente voy a tratar de conseguir eso más preciso hoy. Puedo sostener mi pincel para ver donde el fondo del mismo golpea el tazón. Golpea como casi justo donde el tazón se cruza esa línea central. De nuevo, no necesito conseguir todas las cerezas, pero sí me ayuda si al menos las dibujo para que no sólo esté haciendo una gran blob. Creo que tengo mis principales elementos ahí dentro. No me voy a preocupar tanto. Cuando esbozamos ayer, esbozamos en más de los pliegues de la tela, pero el estilo contemporáneo va a ser aplanado y simplificado un poco. Yo quería atrapar a éste porque interactúa con esas cerezas, pero aparte de eso, no me voy a preocupar por esas. Nuestro boceto está completo. 19. C2: primera capa de pintura: Para la siguiente parte del proceso, vamos a hacer color costa a costa. A mí me gusta pensar en ello como similar a nuestro subcuadro que hicimos en el paso uno de los tradicionales. Simplemente queremos cubrir la página y cubrir todo el blanco y queremos reemplazarlo por color. Queremos empezar a pensar en cómo queremos repartir colores entre esta pintura. Para mí, por ejemplo, sé que quiero que todas las cerezas sean del mismo color. Sé que el tazón será de un color, la tela aquí abajo será de un color separado, y el fondo aquí arriba será de un cuarto color. Con eso en mente, voy a seguir adelante y usar mis muestras de color que tienen todos mis colores aquí dentro, y sólo voy a empezar a escoger colores. Si ya conoces un color, como por ejemplo, sí sé que mis cerezas, que se desprendan como cerezas en esta pieza contemporánea, quiero que sean de color rojo vibrante. En realidad voy a empezar por sólo encontrar mi rojo, y luego puedo construir el color alrededor de eso. Sí, bonito rojo ardiente. Pero también miraré a mis otros porque no tiene que ser rojo rojo. Yo también podría hacer rosa. No quiero ninguna fluorescencia. Rosa. Podría ir rosa durazno con las cerezas, pero no creo que quiera eso. Creo que sí quiero apegarme a un rojo más verdadero, pero no puedo evitar no puede hacer daño para pasar y ver. Creo que el caliente, o va a ser este rojo carmín o este rojo escarlata. No creo que quiera hacer rosa. Yo quiero pegarme al rojo para las cerezas por esto. Me encanta un rojo caliente. Es difícil para mí pasar de escarlata. A partir de ahí y ahora, la mejor manera en que puedo describir este proceso es porque no es intuitivo, y es realmente difícil enseñar a la gente a usar su intuición o a confiar en un sentimiento o a notar un sentimiento. Pero eso realmente es lo que estoy haciendo aquí. Estoy pasando por un color a la vez, asegurándome de que no quiero ver todos los, solo quiero ver el color superior, y estoy mirando el otro color para ver si me gusta cómo interactúan. Eso es este verde y rojo no me va a pegar hoy. Yo sólo voy a pasar, y sólo voy a tirar de colores que sobresalen. No tengo que preocuparme en este punto de si trabajaban juntos. Yo sólo puedo sacarlos. Esta es solo una forma realmente divertida de construir paletas de colores e intentar hacerlo de forma intuitiva. A mí me gustan mucho estos tres juntos. Tan difícil para mí pasar de amarillo. Miren esos juntos. No olvides los neutrales, los neutrales ayudan a romper las cosas. Esa violeta es bonita ahí dentro. Si recuerdas, solo necesito cuatro colores, y ya tenemos uno. Por lo que quiero encontrar tres colores que vayan con esto. Cuando estamos pensando en los colores para estos artículos, ahora mismo estoy escogiendo un solo color para las cerezas, un solo escarlata, pero vamos a estar sumando en diferentes valores. Es importante recordar que esta es solo la paleta base. Estamos tratando de pensar en cuál es el color medio tono que quiero estar presente para cada uno de estos. Siempre puedo construir sobre colores más oscuros para sombras y colores más claros para reflejos. Pero solo busco esa paleta base que todo va a funcionar juntos. Conozco escarlata para las cerezas. Ya que lo más cercano a las cerezas es el tazón aquí mismo, tal vez empiece a buscar cuál de estos colores funciona mejor con el tazón. Amor rosa y rojo juntos. Todo podría ser demasiado duro al lado de ese rojo. El verde brumoso es tan bonito, creo que quiero eso para el color de fondo. Si hago fondo verde brumoso, cerezas rosadas, tazón rosa, probablemente este rosa más claro, creo. Entonces así ahora solo buscamos un color para el mantel. Eso me gusta mucho. Me gustaron mucho esos cuando estaba haciendo esto por primera vez. Eso definitivamente es un contendiente. El morado realmente no funciona ahí para mí. Esto es demasiado oscuro. Lo mismo para estos dos. Bueno, me gusta ese tipo de neutro amarillo. No quiero el neutral ahí dentro, así que es entre estos dos. Creo que el punto focal de ésta son las cerezas, y así les dejaré tener su momento. Usaré este color para el mantel. Tengo mis colores descubiertos. Si ese proceso fue demasiado desalentador para ti, entonces una alternativa es, digamos que comienzas, solo empieza con un color al que te atraen, ya sepas lo que va a ser o no. Digamos que realmente te atraía este color violeta, y aún no sabes a dónde va a ir, pero sabes que esta es tu estrella norte. En realidad puedes agarrar tu rueda de color, y puedes ir a donde está ese color. Eso parece que es violeta. En realidad puedo recordar, usa estos esquemas de color para tratar de ayudarme. Si estuvieras realmente inseguro, entonces podrías, veamos si señalo esto recto, entonces puedo empezar con una tríada y decir, vale, tengo esta luz púrpura. Creo que me gusta ese morado claro aquí con este verde claro. Entonces para equilibrarlo todo voy a traer este color naranja siena oscuro. Si tu intuición aún no está ahí o no estás confiando en ella, o simplemente estás atascado. Adelante y prueba y usa tu rueda de color y prueba y usa las familias y relaciones de color tradicionales para ver si eso te ayuda. Podemos ver que en realidad tengo un esquema de cortesía pasando aquí. El rojo y el verde son cumplidos, y así a pesar de que este es un verde muy pálido, sigue siendo rojo y verde. Tengo un esquema de color de cortesía pasando aquí, sobre todo porque estas rosadas son solo un tono de rojo también. Por lo que terminó trabajando en ambos frentes. Ahora la diversión que llegamos a tener es realmente exprimir estos colores, y sólo vamos a colorear esencialmente, es un libro para colorear en color en las áreas donde están esos artículos. Ya que estoy haciendo áreas de color más grandes, definitivamente quiero un pincel más grande que este. Voy a empezar con el área más grande, que es mi fondo verde brumoso. Ya que estoy usando un color de tubo, realmente puedo empezar por solo apretar un poco y agregarle más si necesito. Puede ser realmente fácil. Incluso exprimí demasiado magenta para el boceto. Es realmente fácil ser exprimido feliz, y luego desperdiciar pintura. Mi cepillo redondo talla 10. Al igual que con la pieza tradicional, quiero que mi gouache sea más acuosa porque esta es solo una gran zona vacía. Creo que tener algo de textura aquí arriba va a ser realmente exitoso y ser agradable. Ya que esto es de color costa a costa, lo que significa que no queremos que se escabullen partes blancas. Vamos a solapar algunas de estas áreas esbozadas. Voy a entrar un poco a las cerezas, bajar aquí solo para que si no nos cubramos completamente con el rojo, no tengamos blanco asomando, tendremos el fondo asomando. Siempre puedo agregar más pintura y hacerla más opaca, pero nunca podré volver a esta primera capa pura donde es solo el papel de la pintura acuosa interactuando. Siguiente color. Trabajaré de más a más pequeño sería el color de la carne para el mantel. Yo sólo voy a hacer lo mismo y sólo empezar a cubrir aquí abajo. En la foto de referencia, se puede ver que aquí abajo la mesa está sobresaliendo un poco. A pesar de que dibujamos esa línea y la voy a llamar más tarde con algunos valores. Simplemente lo voy a pintar del mismo color que el mantel porque personalmente, realmente enciendo el bloqueo de color y manteniendo mis colores lo más mínimos posible. Simplemente no creo que le agregara mucho al cuadro tener esta tira de color aleatorio aquí abajo siendo otra cosa. Voy a dejar que esto se seque un poco y luego volveré a tratar de cubrir un poco estas líneas más audaces. Haz las cerezas a continuación. Estoy usando un color realmente claro ahora, melocotón pálido, y así lo voy a mantener realmente grueso para que cuando pase por encima de estas líneas rosadas, pueda cubrirlo. Ahora sólo voy a volver y tratar de cubrir con un poco de pintura más gruesa donde el magenta se está mostrando a través. Última parte de este paso, solo puedo ver un poco de ligereza y blancura asomando por aquí. Voy a agarrar mi color de fondo y sólo realmente asegurarme de que no tengamos esas manchas blancas. Primera capa de pintura está abajo. 20. C3: corrección de colores: Este siguiente paso es corregir los colores que acabamos de poner. A veces incluso si realmente amas la paleta aquí, bajas y te das cuenta de que algo no está funcionando juntos. A lo mejor un color necesita ser iluminado u oscurecido o simplemente cambiarse por completo. Algo que estoy notando al mirar esto es cuando miré esto juntos, me gustó mucho que realmente pudieras ver el rosa y cuando veo esto aquí abajo, todo esto se ve realmente plano y luego estas cerezas simplemente salen de la nada. Me pregunto si tal vez un rosa más oscuro, este rosa concha va a ayudar con ese contraste un poco más. Ya que esta capa está seca, voy a seguir adelante y entrar con un poco de concha rosa y cubrirla y ver si eso lo satisface. Esto es bonito porque si eres nuevo en escoger colores o aún aprendiendo a confiar en ti mismo, puedes como que al menos bajen la pintura y luego gracias al lavado acrílico, solo puedes seguir cubriéndola para averiguar qué va a estar bien por ello. No estoy seguro si se está encontrando en la cámara pero este color es como un solo paso abajo en valor y un paso arriba en saturación por lo que es solo un poco más rosa. Pero incluso viendo esto aquí abajo, creo que todavía no está bien en realidad. Incluso una vez que agrego algunos valores más oscuros, desconozco el tono del mismo. Simplemente hay algo que no sé ni siquiera puedo ponerle el dedo encima. Simplemente todavía no se ve como pensé que lo haría. No se ve como veo cuando veo estos colores juntos así que en realidad voy a corregirlo de nuevo. Normalmente sólo necesito una capa de corrección, pero en este caso todavía no lo estoy consiguiendo del todo. Guardé esos colores, los que me interesaron desde el principio, los mantuve separados para poder volver a pasar por estos. Ahora el morado no parece tan malo de una idea. El morado podría sacarlo. El amarillo no va a funcionar. Yendo neutral, eso va a ser demasiado ligero. A mí me gusta la audacia del verde. Me gusta eso, cosa que pensé que lo iba a hacer todo, pero luego pensé que serían demasiado cercanos y demasiado intensos pero mirándolo ahora, me pregunto si traerá el énfasis al tazón que busco. Ah sí, esta fue la elección correcta. Ya lo siento. Mi gouache es un poco acuosa y se puede ver a través la racha que ese rosa está brillando. En realidad es un poco agradable. Le da una sensación realmente resplandeciente. Pero si quiero que sea perfectamente mate y plano, entonces puedo dejarlo secar y luego hacer otra capa y será bonito color uniforme. Este color más oscuro apenas está llevando el tazón al primer plano más. Es una especie de colores más claros derivan hacia atrás y como el mantel ya es ligero, solo hizo que todos retrocedan y simplemente parecía que estas cerezas flotaban sobre nada pero ahora, es prominente. Es como ahí está. Ahí está el tazón de cerezas. Si solo sigo pintando sobre esto mientras está mojado, solo voy a hacer más rachas y así dejaré que eso se seque y luego trataré de decidir si me gusta la racha o si quiero la planitud. Creo que quiero un look más plano, así que voy a dejar que eso se seque y hacer otro abrigo. A ver cómo va bajando realmente opaquely por aquí pero por aquí me estoy poniendo alguna rareza, eso es porque no dejé que se seque todo el camino ahí. Por eso es realmente importante ser más paciente de lo que yo solo si quieres cobertura plana. No voy a seguir repasando ese spot porque sé que sólo va a seguir agravándolo. Eso es todo para mi corrección de color. Voy a esperar a que esto se seque una vez más. Yo quiero que este sea de un color plano solo para este estilo. Eso es lo que realmente estoy sintiendo ahora mismo. Hay otras veces en las que tal vez hubiera dejado la primera capa rayada y realmente me hubiera metido en esa textura pero por esto justo ahora, estoy queriendo colores más opacos. Adelante y corrige tus bloques de color. Aunque eso signifique volver a pintar literalmente todo, está bien. Si decides que el fondo necesita cambiar y luego cambias eso, te das cuenta de que esto necesita cambiar, solo tienes que seguir ese hilo. Sigue tu intuición. Si llegas a un punto en el que has hecho diez capas encima de esta cosa, tal vez despacio e intenta escoger una paleta de colores diferente que sabes que amas con seguridad, pero adelante y corrige tus colores. 21. C4: agregar valores oscuros expresivos: Mientras espero que esto se seque y para agregar otra capa voy a seguir adelante y pasar al siguiente paso, que es mi favorito porque las cosas realmente empiezan a estallar y es cuando empezamos a sumar en nuestros valores oscuros. Si miro mi referencia o si solo miro mi cuadro de ayer, soy capaz de mirar y ver dónde estaban esas zonas más oscuras. Obviamente, sabemos que pasa mucho con las cerezas, así que sé con seguridad que estaré estratiendo sobre un valor oscuro encima de las cerezas. Tenemos este valor bastante oscuro en el tazón, así que necesitaremos algunos ahí. Entonces quiero algo que muestre algunos de estos pliegues, pero no necesariamente meta todo en esos valores. Similar a lo que hicimos antes, me gusta luego pasar por mis colores. Aquí es donde realmente podemos hacer algunas cosas interesantes. Podemos traer algunos colores inesperados para amenizar nuestra paleta. Incluso puedo traer de vuelta este verde oscuro, lo cual es interesante, y usar el verde oscuro para crear los oscuros y usar los para las sombras. Eso es interesante. El azul vuelve a entrar en juego. Obviamente, solo estoy mirando las muestras de los colores directamente desde el tubo, pero si tienes mezclas favoritas también puedes mirar tu tabla de mezclas de colores para ver si algo sobresale. Esto es inesperado. No pensé que el umber quemado me llamara la atención, pero me encanta lo oscuro que es y cálido que es y podría ser interesante aunque lo mezcle con un poco de la escarlata para hacerlo un poco más roja. Es realmente difícil para mí pasar el negro recto a veces, sólo me encanta el poder que tiene. De todas estas que escogí la que más me excita; no sé si eso va a funcionar, en realidad es el umber quemado. Entonces creo que voy a montar esa ola. Voy a usar este tono oscuro por toda la pintura. Estos van a ser los valores oscuros no sólo para las cerezas, sino para el tazón y algunas de estas áreas más oscuras. Creo que esto va a ser demasiado fuerte para meter aquí los valores en esta tela. Podría entonces empezar a parecer fangoso, no se puede decir qué sombras son cuáles, y no quiero que esto domine. Ya que este mantel es un color tan claro, creo que voy a encontrar un color de valor sólo para eso, eso no es tan oscuro como este. Por ejemplo, incluso esto. A lo mejor este será el ganador, Jaune Brilliant. No sé si es Jaune Brilliant, o si es una j suave y es Jaune Brilliant. Pero se puede ver que esta es casi sólo una versión más oscura del color y va muy bien con la historia, por lo que eso podría funcionar. Similar, es muy similar a ese color. Eso también me gusta. Creo que el Jaune Brilliant va a ganar. Creo que es lo suficientemente audaz que lo notemos, pero no tan audaz que va a hacer un lío. También voy a cambiar mi pincel. He estado usando un cepillo redondo, y voy a necesitar que todavía se vaya. A lo mejor esto es finalmente lo suficientemente seco, vamos a ver. He estado usando mi cepillo redondo para llenar esas formas y para usar el punto para entrar justo ahí. Acabo de terminar levantando eso, verdad sólo necesito dejar esto en paz. Ya ves como toda esa agua acaba de despojarse de esa pintura que aún no estaba del todo seca, así que solo estoy haciendo un lío. Pero, ¿ves cómo por aquí conseguimos ese color uniforme realmente bonito? De todos modos, he estado usando mi cepillo redondo para llenar esas formas, pero ahora voy a cambiar a un pincel que realmente me encanta por los trazos expresivos. Aquí es cuando voy a traer un piso o un filbert, porque donde en lo tradicional estamos tratando de que las cosas funcionen juntas y las cosas se mezclen entre sí; en lo contemporáneo, realmente quiero que esto sea audaz y fuerte, y quiero que estos trazos sean realmente confiados. Por lo que realmente me encanta un pincel plano para esto. Puedo mirar a la pintura de ayer; la demo tradicional, o puedo mirar mi foto de referencia para volver a encontrar los valores. Antes teníamos múltiples valores, así que teníamos luces, y medios, y oscuros, y mezclamos. Ahora mismo lo estamos bajando para que haya un tono claro y hay un tono oscuro. De verdad al principio solo quiero sacar las principales áreas que lo necesitan, para que esto no se ponga desordenado. Obviamente, la principal es ésta que esbozamos. Yo sólo voy a entrar ahí y sólo realmente dejar que la integridad del pincel haga mis formas. Estoy dejando que más de esos bordes planos y rectos se muestren a través para darle una sensación más geométrica y contemporánea. Tenemos este pliegue de tela aquí. Aunque ya no lo desarrollemos para parecerse más a un pliegue de tela, sigue siendo una forma interesante. Corta la sombra alrededor del tazón, intentemos conseguir eso. Se puede ver que mis trazos son mucho más audaces con este. Ni siquiera me voy a preocupar por este valor más oscuro y la tela aquí porque los trazos que tengo abajo ya me están dando eso. Han empezado a comunicar que hay algo de valor, hay algo de textura pasando aquí, así que no tengo que alimentarlo tanto con cuchara. En el contemporáneo, puedo dejar que menos trazos hablen por sí mismos. Si lo hubiera hecho con el umber quemado, solo creo que hubiera sido demasiado intenso. Ahora ya estoy listo para pasar a los valores más oscuros en las cerezas, así que voy a hacer un poco de umber quemado. Voy a mezclarlo sólo con un poco de la escarlata para que sea un rojo-marrón y no sólo marrón. Lo mismo, voy a dejar que mis trazos sean audaces. Ni siquiera estoy tratando de rodearlos por estas cerezas. Quiero que esos trazos confiados y rígidos ayuden de verdad a poner esto fuera. Estoy dejando un poco de color rojo mostrando a través para mostrar lo más destacado. Entonces estos van a estar casi completamente cubiertos porque están de fondo ahí atrás. ¿ Se puede ver cómo sólo está estallando? Este es el poder del valor. Si no sabes pintura tradicional o si no sabes por los fundamentos de la pintura lo importante que es el valor, tal vez no habrías pensado en poner un marrón realmente oscuro encima de estas cerezas rojas. Yo no lo hubiera hecho. Voy a usar este marrón súper oscuro para el color más oscuro aquí, pero como puedo ver que aún está mojado creo que si lo repaso solo voy a hacer un lío aún más grande. Entonces lo voy a dejar para ahora mismo y puedo volver a visitarlo porque sé que quiero hacer eso. Bueno, tengo este color oscuro. Voy a terminar con este pincel. Voy a seguir adelante y añadir sus pequeños tallos. No voy a hacer una línea perfectamente recta. A pesar de que el pincel es plano, ese se puso un poco grueso. Perdón. Yo cometí ese error mientras hablaba. Lo que acabo de hacer es que el tallo es un poco más grueso de lo que quería, y así mientras aún estaba mojado entré y sacé toda la humedad de ahí. Voy a dejarlo secar, y luego puedo volver a repasar con algo del color de la carne y luego volver a intentarlo con el tallo porque ese solo era un poco demasiado grueso. Pero lo que digo es a pesar de que estoy usando un pincel plano y quiero que esto sea geométrico, no quiero que sea perfecto. Sigo queriendo que tenga interés. Una computadora puede hacer líneas rectas, pero una computadora no puede decidir que un tallo vaya a girar de esta manera y luego eso. Estoy fuera de cámara. Simplemente voy a dejar que esto se seque todo el camino. Podría en realidad calentarlo con un secador de pelo solo para realmente asegurarme de que lo estoy secando, y lo que voy a hacer es cubrir este punto con la aceituna para que quede plana. Voy a dejar que eso se seque todo el camino. Entonces voy a mezclar un poco más de este umber quemado y escarlata sólo para entrar aquí y agregar esas sombras oscuras. Pero aparte de eso nuestros valores oscuros están dentro, y realmente han proporcionado un contraste realmente satisfactorio. 22. C5: agregar resaltados: Como prometí, seguí adelante y pinté los valores más oscuros sobre el tazón aquí. Ahora lo único que recuerdo que necesito hacer es volver a añadir este tallo de cereza. Voy a seguir adelante y hacer eso. El último se hizo demasiado grande porque tenía demasiada agua en mi pincel, así que conseguí una mezcla un poco más seca de pintura aquí. Ese es un resultado mucho mejor. Estoy contento de haber corregido eso. Pero nuestro siguiente paso en el proceso, como habrías adivinado, igual que antes, tenemos los valores oscuros en, ahora es el momento de entrar y agregar cualquier destaque. cual para este cuadro en particular es el borde del tazón que atrapa la luz y también los blancos de los reflejos de cereza. Puedes usar un neutro, como el blanco o un blanco marfil. Ya que en realidad tengo este color de carne claro aquí, eso ya forma parte de mi paleta, trataré de comprar mi paleta primero. Voy a ver si esta carne en realidad va a ser lo suficientemente ligera para los aspectos más destacados. Porque de ser así, será bueno no introducir otro color. Yo sólo quiero entrar aquí y dab donde están estas reflexiones de cereza. Puedes usar tu meñky si no quieres acostar la muñeca hacia abajo, si no sabes dónde está la pintura húmeda. Puedes usar tu meñky como soporte. Pero mi pintura está seca para que pueda poner el talón de mi mano hacia abajo. Creo que esos son los únicos puntos destacados que quiero añadir. Supongo que en la foto de referencia, igual que desde ayer, tenemos estas diminutas líneas que captan la luz ahí mismo. Voy a meter esos ahí dentro. Eso es todo por nuestros aspectos más destacados. 23. C6: detalles y decoración: Ya casi terminamos con nuestra pintura, y honestamente podrías llamarla hecha aquí. Este es un cuadro hermoso y se puede ver que he hecho otros así antes donde una vez que he agregado en los detalles finales, se acaba de hacer. Pero lo que quiero mostrarles es que ahora es un realmente divertido especialmente para aquellos de ustedes que son diseñadores de superficies. Este es ahora un momento divertido que podemos agregar decoración y patrón a las cosas, o simplemente pequeños detalles que no capturamos antes. Para mí el mantel, los tazones, y esta pared de aquí atrás son todas oportunidades a las que podría agregar patrón. De hecho, creo que tengo un cuadro, sí. Mira este bicho raro que hice el otro día. Yo sólo estaba jugando por ahí. Pero quería ver cómo era tratar de poner una impresión en múltiples superficies y es simplemente agradable. Es sólo una forma de sumar intereses y ayudar con la forma del objeto y la perspectiva. Entonces así definitivamente puedes usar múltiples superficies. Pero en este, en realidad sólo quiero agregar algo a este muro aquí atrás. Me encantan los trazos que he creado aquí abajo para crear la textura de la tela y me encanta que las cerezas estallen. No quiero ocuparme algo aquí abajo y distraerme de eso, pero aquí arriba tenemos esta gran pared de verde y creo que sería realmente bonito solo tener un poco de papel tapiz allá atrás. Pasé por mis muestras de color ya que realmente no sabía como abierto a nuevos colores siendo introducidos a esto. Había considerado incluso traer este extraño rosa chicle, y sabes que realmente me interesaba esta rosa de ceniza. Pero lo que terminó destacándome fue justo este blanco marfil, neutro y yo había considerado al principio usar el color de la carne porque ese es el color más claro aquí y es el color que usamos para los reflejos, y así que pensé que compraré mi paleta primero y podemos usar esto. Pero me preocupa que el valor de este color de carne en este verde brumoso estén demasiado cerca que vas a conseguir esa extraña vibración que es como si tus ojos casi no puedan distinguir lo que está pasando. Entonces creo que solo mantener un neutro y solo golpearlo con este blanco marfil les va a ayudar realmente a jugar bien en segundo plano sin distraer lo que está pasando aquí arriba. Tengo mi blanco marfil. Aprieta algo de eso en mi paleta, y voy a agarrar un pincel pequeño. Soy diseñador de superficies. Hago muchos patrones y repeticiones y así para mí esta parte es igual que lo que me viene a la mente solo pinto. No es difícil para mí llegar con pequeños patrones y estampados que se pondrían en cola en las cosas. Pero si esta es tu primera vez, no estás acostumbrado a pensar de esa manera. Vuelve a Pinterest y Google y solo echa un vistazo a diferentes tipos de patrones. Incluso podrías pintar un patrón floral completo en la pared o algo así y realmente hacerlo divertido. Pero para esto, voy a hacer algo que sea un poco más sencillo y repetitivo. Creo que quiero hacer cadenas de estos cuadrados de diamantes. Yo sólo voy a pintar los diamantes primero, y no quiero que estos sean perfectos. Eso es lo importante. El resto del cuadro tiene un look muy casual, expresivo y no quiero de repente que el patrón aquí arriba sea realmente apretado. Dentro de las plazas, quiero hacer un poco de margaritas. Me encantan las flores y mientras no quiero pintar un patrón floral distrayente aquí atrás. Un poco de margarita es un bonito toque. Yo sólo voy a seguir adelante, y voy a cubrir mi fondo de pantalla con este patrón. Ya pasé y terminé de agregar ese patrón floral de diamante y como puedes ver es muy débil. Con el fondo, se desvanece dentro y fuera y le da este efecto realmente fresco. Estoy realmente contento con el diseño, pero todavía se siente un poco vacío. Se siente un poco inacabado y no quiero colorear en cada cuadrado porque creo que eso va a ser demasiado audaz y no quiero agregar contornos porque creo que eso va a ser demasiado audaz. Pero creo que lo que quiero hacer es que usamos para vivir en una granja centenaria, y había este viejo papel pintado de pollo y tetera en la cocina. Era realmente viejo y así partes de él parecían que no estaba del todo coloreado. En realidad me gustó mucho ese efecto y así que estoy pensando que solo voy a usar este color oliva dorado para entrar ahí e imitar ese efecto donde parece que no va a ser coloreado en todo el camino. No va a ser este peso uniforme audaz aquí arriba, pero sólo ayudará a colorear y tal vez tallar algunos de estos que son más ligeros y le agregan un poco de interés. Realmente no tengo rima ni razón. Yo sólo voy a tratar de ser imperfecto y suelto y sólo seguir mi tripa con agregar y marcas aquí arriba. Sí. Ya me encanta ese efecto. Es justo lo que buscaba lo suficiente para sacar tu ojo aquí para saber que lo que hicimos aquí arriba fue intencional, pero no tanto que le roba el show a sus cerezas. Al traer este color hasta aquí, también ayudamos a evitar que la forma del tazón sea demasiado dominante, ya que es solo un sólido bloque de color aquí abajo tirándolo hacia arriba, es casi como si la estuviéramos raspando por el área superior de este cuadro. Con eso, hemos concluido nuestro estudio contemporáneo. En realidad, una cosa que quiero decir es que siempre debes tomar un minuto aunque te alejes y vuelvas y solo estar al pendiente de cualquier pequeño detalle que tal vez quieras agregar. Por ejemplo, en este tazón en el estudio tradicional, me gustó mucho la pequeña línea diminuta, la línea oscura que teníamos aquí en el tazón y también me gustaron mucho los tallos de dos tonos cerezas. A lo mejor tengo algo de esta aceituna y algo del blanco marfil en mi paleta. Los mezclaré juntos y solo entraré aquí y le agregaré solo un pequeño toque a los tallos donde atrapan la luz. Creo que sólo voy a exprimir un poquito de umber quemado y sólo añadir esa diminuta línea ahí. Ahora se hace nuestro estudio contemporáneo. 24. ¡Publica tu proyecto!: Cuando estés listo para compartir tu proyecto de clase, toma una foto con tu teléfono o cámara de ambos bodegones y súbelos a Skillshare. Si utilizas una foto de referencia distinta a las cerezas, nos encantaría ver eso también. Tendrás que crear tu proyecto de clase desde una computadora o computadora portátil ya soporte móvil para cargas de proyectos no está disponible al momento de publicar esta clase. Esto se puede hacer desde la pestaña Proyecto y Recursos haciendo clic en el botón verde grande “Crear proyecto”. En el proyecto se encuentran dos partes principales. El cover, que es como una portada de libro que muestra en el proyecto se alimentan con trabajo de todos los demás y el cuerpo del proyecto donde se pueden agregar fotos, textos, y otros medios de comunicación. Cuando hayas agregado todo, haz clic en “Publicar”. Tu proyecto siempre es editable si quieres volver más tarde. No olvides desplazarte por la galería de proyectos para ver lo que están haciendo otros estudiantes y dejarles una nota alentadora para difundir algo de positividad y comunidad a tus compañeros artistas. Entonces de verdad, de cinco a ti mismo, porque ni siquiera sabías que podías pintar de esta manera y totalmente acabas de hacerlo. 25. Extra: proyecto de pintura por números: Si buscas un proyecto de baja presión para trabajar, no busques más allá de esta pintura cítrica muerta por número que te he proporcionado. He proporcionado una paleta de colores y una guía para que sigas junto con, pero también he proporcionado una en blanco en caso de que quieras asignar tus propios colores sin confundirte. El primer paso es imprimir la plantilla. Está pensado para crear alrededor de una pintura de 8 por 10 pulgadas, pero eres bienvenido a escalarla un poco hacia arriba o hacia abajo si necesitas ajustarla. El siguiente paso es transferir la plantilla a tu papel. Se puede utilizar el método de transferencia de ventana, donde se cinta la plantilla y el papel a una ventana durante el día y traza el boceto en el papel, o se puede colorear por toda la parte posterior de la plantilla con un grafito regular lápiz y usarlo como una hoja de carbono en la parte superior del papel de pintura. Después usarás tu lápiz para trazar suavemente sobre la plantilla, cuidando de transferir todas las líneas y marcas. Después yendo de un color a la vez, sigue la plantilla para pintar en las áreas de color. Para áreas estrechas, use un cepillo más pequeño o el punto de un cepillo redondo, y vaya despacio. Voila, bodegón cítrico. 26. ¡Gracias!: Muchas gracias por pasar el día pintando conmigo. Espero que seas A, impresionado con tu nueva capacidad para recrear una foto de referencia en un método tradicional, así como una pieza contemporánea autoexpresiva, y B, alentada a seguir pintando y probando, y apareciendo. Porque tu creatividad importa, y no me canso de recordarte. Para ser notificado cuando publique nuevas clases, dame un seguimiento aquí en Skillshare. Para un estímulo regular, sígueme en Instagram @bydylanm, y también me puedes encontrar en bydylanm.com. Hasta la próxima vez.