Introducción a la ilustración abstracta con tinta: cómo crear una obra de arte única

1. Introducción: ¿ Te gustaría aprender a hacer ilustraciones abstractas en tinta que sean completamente únicas para ti? Hola, me llamo Hattie Linton. Soy artista digital e ilustrador de tinta con sede en Inglaterra. Llevo trabajando profesionalmente en el arte los últimos años. Mi trabajo va desde ilustraciones abstractas de tinta hasta piezas figurativas, retratos, diseño de patrones de superficie, e incluso me comisionaron poner una de mis ilustraciones abstractas de tinta en la pared de un edificio de departamentos en Londres. hoy, quiero enseñarte todo lo que necesitas saber sobre la ilustración de tinta abstracta, para que puedas crear tus propios patrones de tinta abstracta hermosos. Vamos a cubrir tintas y bolígrafos de tinta y las diferentes formas en que podemos usar la tinta. Vamos a ver superficies incluyendo todo tipo de papeles y tableros diferentes y cuáles funcionan mejor con tintas. También te voy a estar mostrando diferentes formas de usar tintas para que puedas hacer marcas en la página con confianza. También estaré compartiendo con ustedes algunos de mis propios consejos y trucos personales, como cómo agregar equilibrio a una ilustración de tinta abstracta, y cómo crear piezas realmente grandes, como lienzos y murales de pared. También te estaré dando algunos consejos a mano sobre cómo iniciar una pieza y lo más importante, saber cuándo parar. Al final de este curso, vas a tener todo lo necesario para poder crear tu propia ilustración de tinta abstracta única y hermosa. No puedo esperar para empezar y ver qué se produce en esta clase. Vamos a sumergirnos. 2. El proyecto de clase: El proyecto de clase para este curso es una ilustración única de tinta abstracta. A lo largo de las siguientes lecciones, vamos a estar cubriendo todo lo que necesites saber para esta ilustración sea completamente personal para ti. Tu ilustración puede ser de cualquier tamaño, desde una pequeña ilustración hasta un mural de pared. Una vez que entiendes los diferentes tipos de bolígrafos y superficies y cómo aplicarlos juntos, las posibilidades son infinitas. En las próximas lecciones, vamos a estar cubriendo todos mis propios consejos y trucos personales para que tengas todo lo que necesitas para crear tu propia ilustración de tinta abstracta. El proyecto en sí se va a desglosar en cuatro etapas diferentes o mini-proyectos a lo largo de este curso. El primer proyecto es todo sobre la creación de marcas, mirando las líneas y formas que puedes crear usando tinta. El segundo proyecto explora técnicas de tinta más avanzadas, como patrones y sombreado. El tercer proyecto estará mirando el equilibrio y la profundidad, mirando el espacio negativo en la página y cómo mantenemos nuestras obras variadas e interesantes. El cuarto proyecto es tu proyecto final. Aquí es donde llevarás todo lo que aprendiste en esta clase para crear tu única ilustración abstracta hermosa y única. 3. Materiales: bolígrafos, bolígrafos y bolígrafos y otros bolígrafos: En esta lección, voy a estar hablando contigo de todos los diferentes tipos de tintas y bolígrafos de tinta que podemos usar en ilustración abstracta. Vamos a estar buscando fineliners, marcadores, y algunos otros bolígrafos que uso para piezas particulares. Elegir un bolígrafo es una experiencia realmente personal. Te recomiendo si no tienes ya una marca de bolígrafos o bolígrafos favorita, baja a una tienda de arte o a algún lugar donde te dejen realmente probar los bolígrafos y ver cuáles funcionan bien para ti. Dicho esto, voy a estar hablando a través de algunos de mis favoritos personales en este momento y te daré algunos consejos útiles sobre qué buscar cuando elijas bolígrafos para tus ilustraciones. fineliners son mi pluma go-to cuando se trata de ilustración de tinta abstracta. Son fundamentales en las piezas que creo, y las uso prácticamente todos los días en casi todas las piezas que dibujo. Lo más importante que quieres considerar a la hora de escoger un fineliner es el tamaño de la punta. Vas a querer una amplia gama de tamaños de plumín para que tus piezas luzcan variadas e interesantes. Además del tamaño de la punta, la otra cosa que debes considerar es la marca. Ahora esto es mucho más una elección personal para ti, así que sí te recomiendo salir y tener un go para encontrar tu marca perfecta de bolígrafo. Dicho eso, una cosa que puedo recomendar es que no mezcles marcas. Esto se debe puramente a que diferentes marcas tienen diferentes definiciones de tinta negra. Si trabajas en una pieza y particularmente si estás sombreando con mucha profundidad y muchos patrones y estás usando diferentes marcas, empezarás a notar que el tono de una tinta negra es diferente de pluma a pluma. Por lo tanto te recomiendo que te apoyes de una marca que realmente disfrutes. Consigue tantos tamaños de nip en esa marca como sea posible y usa eso para crear tu ilustración de tinta abstracta. Otro tipo de bolígrafo que me gusta usar en mis ilustraciones son los bolígrafos de pincel. Tradicionalmente, estos se utilizan en caligrafía, pero se pueden utilizar en ilustración de tinta abstracta con la aplicación correcta. El plumín, como cabría esperar, se asemeja al de un pincel. Es mucho más largo que un fineliner y produce trazos mucho más fluidos, pero con menos precisión que lo harías con un bolígrafo de fineliner. El 3er tipo de pluma que utilizo a menudo en ilustraciones de tinta abstractas son rotuladores. Estos son geniales para crear piezas más grandes, sobre sombreado en grandes áreas dentro de tu ilustración. Como naturalmente, el tamaño de la punta es mucho más alto que el del fineliner. Mis tipos favoritos de rotuladores son los rotuladores de doble punta. En primer lugar, realmente disfruto usando Winsor & Newton Promarker. En un extremo, tenemos una punta de bala, que es ideal para trabajos de línea y en el otro extremo es una punta de cincel, que es buena para dibujar trazos de tinta muy anchos y gruesos. El otro marcador de doble extremo que me gusta usar es el Colic Ciao Too. Esto tiene un marcador de cincel en un extremo mismo que el Promarker, pero en el otro extremo, hay una punta de pincel. Si estabas buscando marcadores de doble extremo, asegúrate de obtener el tipo en el que la punta se adapte a tu estilo de ilustración de tinta. El otro tipo de marcador que me gusta usar son los marcadores POSCA. Estos tienen una tinta negra muy rica y estos son los bolígrafos exactos que solía dibujar el mural de pared en Londres. Los tamaños de plumín en estos son muy grandes. Comienzan a 1.8 milímetros y van hasta 15 milímetros. Esto los hace geniales para dibujar ilustraciones de tinta abstracta muy grandes. Otro bolígrafo un poco más inusual que me gusta usar es el marcador de pintura. Me encanta trabajar en pintura, pero realmente extraño cuando estoy pintando la habilidad de dibujar. Un marcador de pintura, para mí, es el puente perfecto entre esos dos estilos de arte. Estos bolígrafos están literalmente llenos de pintura en lugar de tinta. La marca que particularmente me gusta usar es Liquitex y su pintura acrílica es fantástica. Se pueden obtener estos en una variedad de tamaños de puntas, igual que los bolígrafos POSCA. Además, estos también subirán hasta 15 milímetros. Estos son geniales para poder dibujar en paredes y lienzos muy grandes. Como has visto, hay tantas tintas y bolígrafos diferentes disponibles. Seguro que vas a encontrar uno que funcione muy bien para ti. Para efectos de esta clase, me voy a centrar en mostrarles demostraciones usando fineliners y en un par de ejemplos, algunos rotuladores para ilustraciones más grandes. No olvides consultar la sección de recursos de esta clase, donde he incluido un práctico documento de referencia descargable esboza todo lo que he mostrado aquí, así como algunas recomendaciones para comprar tus bolígrafos. 4. Materiales: papeles y otras superficies: Diferentes papeles y superficies pueden tener diferentes efectos en tus tintas. En esta lección, voy a estar pasando por algunas opciones diferentes. Lo creas o no, el papel impreso es un papel de inicio perfectamente bueno para simplemente esbozar nuevas ideas y probar nuevas técnicas de bolígrafo. Es una gran opción económica para el artista principiante. En cuanto a la elección de bolígrafos, yo no iría más pesado que un forro fino en papel de impresora ya que no es muy grueso. Si utilizaras un bolígrafo más pesado, como un marcador o un bolígrafo de pincel, la tinta probablemente correría por la página hasta el otro lado o corriendo hacia las otras tintas de tu dibujo. Para tintas más pesadas, vamos a estar buscando papeles de cartucho y tableros de medios mixtos. El papel de cartucho es una grapa para la mayoría de los artistas de tinta y es mi destino cuando se trabaja con tinta. Se puede obtener papel de cartucho en diferentes pesos. Estos están representados en gsm. gsm representa gramos por metro cuadrado y para decirlo de manera sencilla, significa lo grueso que es ese papel. Cuanto más grueso sea el papel, más pesada se puede usar sin arriesgar a sangrar, o correr, o tener la tinta que pase por la página hasta el otro lado. Para el trabajo usando solo revestimientos finos, me gusta usar papel de cartucho estándar. Esta almohadilla es de Cass Art y tiene un gsm de 120. Es genial para revestimientos finos y el peso es fantástico. Para trabajos de tinta más pesados, me gusta usar el papel de cartucho pesado. Esta almohadilla en particular tiene un 200 gsm. El papel de cartucho es tradicionalmente lo que se compone en cuadernos de bocetos y vale la pena mirar cuál es tu gsm para tu cuaderno de bocetos antes de empezar a trabajar con tinta. El papel de acuarela es otra opción para trabajos de tinta más pesados, aunque se puede dejar con un paso el fondo de la página. De lo que esto puede crear efectos interesantes con tus piezas, yo personalmente prefiero el aspecto limpio del papel cartucho. En cuanto al gsm como contraste con el papel cartucho que estábamos mirando antes, se trata de un conjunto de postales de acuarela y una almohadilla de acuarela, tanto de Cass Art de nuevo como el gsm para este papel es de 300. Cuando se trata de trabajo de tinta muy pesado, los tableros de medios mixtos son mi favorito absoluto. Estas están diseñadas para pinturas increíblemente gruesas o obras de arte más intensas, pero las encuentro realmente agradables para trabajar fuera de mis enormes piezas de color. Mix media boards es lo que uso como superficie cuando creo mis vidrieras en obras de arte. En cuanto al gsm, esto no tiene uno. Es simplemente porque es literalmente un tablero. Se puede ver desde la página aquí. Tenemos una junta real con la que estamos trabajando aquí. Esto no es papel, esta es otra superficie enteramente. Como has visto, hay tantos papeles y estilos de papel diferentes disponibles. Para los propósitos de esta clase, me voy a centrar en mostrarles demostraciones utilizando tanto papel de cartucho pesado como papel de cartucho ligero. Consulta la pestaña de proyectos y recursos de esta clase donde encontrarás un documento de referencia descargable donde hablo más de todos estos diferentes trabajos que hemos cubierto hoy y algunas otras recomendaciones. 5. Fabricación de marcas que se parta: líneas y formas: En las siguientes dos lecciones, vamos a estar viendo un montón de diferentes técnicas de fabricación de marcas utilizando revestimientos finos. En esta lección, vamos a estar viendo cómo las líneas y formas crean la estructura de nuestra ilustración abstracta de tinta, y en la segunda parte de esta lección vamos a estar viendo cómo los patrones y el sombreado pueden agregar profundidad a una pieza. Estos son los fundamentos en la creación de ilustración de tinta abstracta. Una vez que entiendes la versatilidad de tu bolígrafo, hace que sea mucho más fácil para ti poder crear patrones y formas más interesantes y variados dentro de tus ilustraciones. Conforme cubrimos en la lección de plumas al principio en esta clase, tener una variedad de tamaños de nip es realmente importante para crear ilustraciones abstractas variadas e interesantes. Esta imagen muestra una gama de los diferentes tamaños disponibles en mi propia colección y lo diferentes que se ven las líneas. Esta delgada línea a la izquierda se dibujó con un delineador fino de 0.05 milímetros, y la línea gruesa a la derecha se dibujó con un 1.2. La velocidad en la que utilizas tus bolígrafos puede tener un efecto en la tinta producida, voy a dibujar una línea ahora en velocidad normal y esta es la misma línea dibujada muy lentamente, y la misma línea otra vez sólo dibujada rápidamente. Se puede ver lo diferente que pude producir líneas usando exactamente el mismo bolígrafo, aquí hay una selección de los diferentes tipos de líneas que puedes dibujar e incluir en tu ilustración de tinta abstracta. Además de líneas rectas, puedes incorporar diferentes versiones de líneas onduladas o zigzags, también puedes agregar pequeños embellecimientos a tus líneas para agregar variedad, como líneas perpendiculares, cuadrados, cruces, triángulos, zigzags, la lista es interminable. Formas y líneas forman la estructura básica de tu ilustración de tinta abstracta, por lo que es importante entender las diferentes combinaciones que puedes crear para dibujar interesantes obras de arte. Hay tantas formas diferentes que puedes estar incluyendo todo el camino desde formas simples, como cuadrados, círculos, triángulos, diamantes, lágrima, y tantas más. Dibujar formas dentro de otras formas es una forma muy interesante de agregar variedad a tu ilustración, esto se llama formas concéntricas. Pueden parecer realmente interesantes en la página, puedes dibujarlos simplemente así, donde es solo un cuadrado con un cuadrado más pequeño y otro más pequeño. Alternativamente, se puede variar el grosor de la línea dentro la forma por lo que este círculo con una pluma delgada, y luego esto sucede con una pluma más gruesa, y luego el círculo final es con otra pluma delgada. Una vez dibujé una pieza entera comprendida únicamente por círculos dibujados en diferentes espesores de pluma y concéntricos entre sí. Me encanta cómo se ve esta pieza y no creo que se hubiera visto tan bien si hubiera usado el bolígrafo del mismo tamaño en toda la pieza. Como ves, hay montones de diferentes formas de usar tus liners finos para crear líneas y formas. El siguiente paso es combinarlos para crear la estructura de tu ilustración de tinta abstracta. Todas mis propias ilustraciones son una combinación de líneas y formas, a veces hay que mirar de cerca para poder verlas y luego otras veces es obvio. Entender cómo usar tus liners finos para crear diferentes líneas y formas diferentes maneras te dará más confianza en tus probabilidades en el futuro. Es hora de que crees tu proyecto de primera clase. Para este proyecto, quiero que vuelvas a pensar en todas las técnicas que hemos cubierto en esta clase y elijas tus favoritas. Necesitaré que dibuje una pequeña colección de líneas y formas para crear el contorno para una ilustración de tinta abstracta. Intenta utilizar tantas como sea posible pero al menos cinco técnicas diferentes para mantener tu pieza interesante y variada. No olvides publicar una foto de tu proyecto en la galería de proyectos y echa un vistazo a mi documento de referencia descargable en la pestaña de proyectos y recursos de esta clase, cubre todo lo que hemos visto en esta lección. 6. Fabricación de marcas parte dos: patrones y sombreado: En la última lección, miramos cómo las líneas y la forma crean la estructura de nuestros abstractos e ilustraciones. En esta lección, vamos a estar buceando un poco más profundo y vamos a estar viendo cómo los patrones y el sombreado pueden agregar profundidad a nuestras ilustraciones. Stippling es el efecto de dibujar pequeños puntos para crear sombreado en una obra de arte. Cuanto más cerca estén los puntos, más oscuro es el sombreado. Cuanto más separados estén, más ligero se pone. El tamaño de tu bolígrafo también tendrá un impacto en el efecto de tu punteado. Los bolígrafos delgados se verán diferentes a los bolígrafos de tamaño mediano, que a su vez se ven diferentes a los de mayor tamaño. Puede utilizar este efecto para rellenar un área determinada, o dar forma a su dibujo, o como efecto de degradado aumentando lentamente el espacio entre los puntos. En efecto, el eclosionamiento se crea dibujando muchas líneas juntas y cruzando unas sobre otras. Esta es otra técnica de sombreado y a menudo la uso en mis ilustraciones. Se puede cambiar el efecto dibujando las líneas juntas o muy separadas. También puedes crear el mismo efecto dibujando las líneas solo en una dirección en lugar de cruzarlas. Una forma de agregar profundidad a una ilustración es rellenando áreas de la forma. Si tienes un patrón como el zigzag, hay muchas maneras diferentes en las que podrías agregar profundidad. Una forma es con líneas de sombreado, o podrías llenarlas completamente, o podrías hacer una combinación de los errores alternando entre los triángulos. Incluso podrías agregarle más elementos antes de empezar a rellenar. Una partes en particular y me fui para dibujar es un oleaje, no a diferencia de un amonita. Me encantan los fósiles y tengo varias amonitas en mi casa. Vi dibujando oleaje, luego cierro el centro de la misma, y agrego líneas a lo largo. En ocasiones añadiré una forma concéntrica al interior de cada segmento, luego crearé otros patrones y sombreado para completarlo. Incluir estos patrones en mis ilustraciones son solo una de las formas en que hago que mis dibujos sean únicos para mí. Otro patrón que me encanta incluir en mis ilustraciones son los cuadros de ajedrez o los tableros de ajedrez. A veces los lleno de tinta, son en blanco y negro, y a veces, relleno los cuadrados negros con la técnica de eclosión. Piensa en las cosas de tu hogar y tu vida que podrías traducir en un patrón para ayudar a mantener tus ilustraciones únicas para ti. Podría hablar y demostrar diferentes técnicas de patrón y sombreado durante horas. Una vez que te metes en esto, hay muchas combinaciones diferentes, estoy seguro que estás encontrando lo mismo ya que tienes una jugada por ahí también. Es por ello que tener un cuaderno de bocetos de ideas es tan importante, ver patrones fuera en la naturaleza, ver patrones alrededor de tu casa mantener el registro de esos, y poder referirme de nuevo a ellos cuando estás creando sus ilustraciones es realmente importante. Es hora de tus proyectos de segunda clase. Para este proyecto, quiero que se te ocurra un patrón que signifique algo para ti personalmente que podrías incorporar a tus proyectos de ilustración finales. Yo quiero que encuentres algo en tu vida, en tu casa, pero algo que signifique algo para ti, y encuentres una manera de traducirlo a tinta usando todas las técnicas que hemos cubierto en las dos últimas lecciones. Dibujarlo, tomar una foto y publicarlo en la galería del proyecto. 7. Balance: En las dos últimas lecciones, miramos cómo las líneas y formas crean la estructura de tu ilustración abstracta de tinta y cómo el sombreado y los patrones añaden profundidad. Sin profundidad, eres obra de arte se va a quedar muy plana. Pero, ¿cuánta profundidad es demasiada? Ahí es donde entra el equilibrio. El equilibrio es fundamental en la ilustración abstracta de tinta. Sin equilibrio, tu arte es literario va a lucir desequilibrado. En esta lección, vamos a estar cubriendo todo tipo de consejos y trucos para que puedas mantener equilibradas tus obras de arte. Todo se trata del espacio negativo en tu ilustración. Quiero que estés pensando en lo que no estás dibujando tanto como en lo que estás dibujando para mantener tu pieza equilibrada. En caso de duda, empieza pequeño. Dibuja tus líneas y formas y obtén la estructura de tu pieza, luego añadir tu profundidad progresivamente. Tocé esto brevemente en la lección de bolígrafos de materiales más temprano en esta clase. El tamaño de tu pieza dictará el tamaño de la pluma que necesitas, que a su vez dictará cuánto equilibrio necesitas. Echemos otro vistazo a un fineliner de 0.05-milímetros versus un marcador de pintura de 15 milímetros. Estos son extremos. No usarías algo así de enorme en una pieza de arte A4. De igual manera, no usarías una punta diminuta para el trabajo de línea en algo de tamaño A2. Ese es el fundamental del equilibrio. Mirar el tamaño de la obra dictará el tamaño de tu bolígrafo. Igual que con todo lo demás, si no estás seguro, empieza pequeño. Recuerda, siempre puedes agregar tinta, no puedes quitársela. El cheque rápido es una gran técnica para entender instintivamente qué le pasa a tu pieza, sobre todo si la has estado mirando desde hace mucho tiempo. Te voy a mostrar un dibujo muy rápido, y quiero que, sin pensarlo, en una reacción instintiva, decidas si se trata de un dibujo equilibrado o desequilibrado. ¿ Estás listo? Ahora bien, eso fue rápido, pero ese era el propósito de ello. ¿ Cómo te quedó? ¿ Te dibujó el ojo a un lado del dibujo más que al otro? Probemos eso una vez más. Echemos un vistazo a este cuadro juntos más de cerca. Como se puede ver, se trata de una ilustración abstracta de tinta. Tiene un montón de diferentes técnicas de marcado de línea. Tiene muchos patrones diferentes, sombreado, todo tipo y mucha profundidad. Pero en una inspección más cercana, ¿es ahora obvio que hay un lado de este dibujo que tiene más profundidad que el otro, o mejor dicho, el fondo de este dibujo? Se puede ver esta parte aquí. Hay mucho más negro y sombreado pasando en comparación con el espacio negativo a su alrededor. Todas estas otras áreas tienen un bonito, incluso equilibrio de blanco y negro, pero éste, sobresale como un pulgar dolorido. Yo usé esta técnica constantemente cuando estaba trabajando en mi mural de pared, sobre todo algo de esa escala. Entender dónde estaba aplicando no suficiente tinta era realmente importante. Simplemente daría un gran paso atrás, vuelta, y podía ver instintivamente dónde estaba desequilibrada la pieza. Es hora de tu tercer proyecto de esta clase. Para este proyecto, quiero que tomes ya sea tu dibujo desde el primer proyecto o si prefieres empezar algo nuevo, pero quiero que estés realmente pensando en el equilibrio de la pieza. Quiero que estés pensando en el negro del blanco, el espacio negativo, el espacio negativo, y ¿has estado usando los bolígrafos correctos para el tamaño de tu ilustración? 8. Confronting la página en blanco: Enfrentarse a la página en blanco, es un verdadero miedo. Como artistas, es nuestra versión de susto escénico. Particularmente cuando se trata de una ilustración de tinta abstracta, es difícil saber por dónde empezar en esa página en blanco. Si estuvieras dibujando algo figurativo, digamos un gato o un paisaje o retrato, probablemente habría un punto de partida realmente obvio, en algún lugar del dibujo para decir que ahí es donde voy a empezar mi ritmo. ¿ Cuál es el punto de partida para una ilustración abstracta de tinta? En esta lección, voy a estar compartiendo contigo algunos consejos y trucos para empezar en tu ilustración cuando el miedo se apoye, algo que me gusta llamar el truco Just Do It es dibujando literalmente una garrapata en la página. Tomando una pluma, cualquier pluma en absoluto, puede estar fluyendo o puede ser angulada. Literalmente solo vas a empezar. A partir de ahí, puedes empezar a agregar más formas al patrón. Yo recomendaría también comenzar con algo no demasiado grueso ya que no quieres ser dominante con la primera línea que dibujas en la página. Una vez que tengo marcas en eso, de repente se vuelve mucho más fácil empezar a ver por dónde agregar más formas a tu patrón y cómo puede crecer naturalmente por sí mismo. Esta fue una técnica que utilicé en todos mis dibujos de estilo destrozados. Yo quería que se parecieran a un panel de vidrio destrozado en una ventana o un espejo. Yo siempre empezaría dibujando un borde. Empezaría con el tipo medio de bolígrafo de tamaño dependiendo del tamaño de la página en la que estamos trabajando. Aquí por supuesto, un trozo de papel de 8-5. Voy a usar un 0.2 y empezaría dibujando un borde delgado alrededor del borde de la página entonces lo que me gusta hacer es tomar un bolígrafo más grueso, en esta instancia, un 0.5. Ahora me gusta hacer una segunda frontera dentro de esa frontera. Ya, a pesar de que todo lo que estamos haciendo es dibujar un borde, tenemos una profundidad y variedad interesantes en nuestros espesores de tinta. Ahí vamos, dos fronteras. A partir de aquí, puedes empezar a llenar el centro de la página o como hago con mis piezas destrozadas, entonces creo formas sobre las que construir. Aquí es de donde vino la idea de cristal destrozada. Para estas formas, estoy usando el mismo lápiz 0.5 que utilicé para el segundo borde de la página. Este no tiene por qué ser el caso sin embargo, puedes tener tu borde más grueso o más delgado que tus formas. Podemos elegir tener formas muy gruesas. Pero recuerda si no estás seguro, ve más delgado, siempre puedes agregar tinta a tu página más adelante. Pero si te pones demasiado al principio, es muy difícil entonces equilibrarlo y no puedes quitar la tinta de la página. Entonces ahí lo tienes, un contorno con muchas formas y tamaños diferentes de la misma, que ahora son perfectos para rellenar con tu línea haciendo patrones. Similar al truco Just Do It, puedes empezar con una forma, decir absolutamente cualquier forma en absoluto, y puedes crecer fuera de eso. Por ejemplo, aquí, usando una pluma 0.3, sólo voy a dibujar un cuadrado. Esto no quiere decir que tu dibujo sea un cuadrado. Simplemente va a significar que va a contener una forma cuadrada en algún lugar dentro de ella. A partir de aquí, puedes empezar a construir a partir de eso y añadir líneas y formas adicionales a tu dibujo. Eventualmente a medida que construyes y añades más formas y profundidad y patrones, ni siquiera recordarías que empezaste con un cuadrado para empezar. Este enfoque donde comienzas con una forma simple y creces sin ninguna dirección específica es lo que me gusta llamar crecimiento orgánico. En realidad creé toda una serie de dibujos que llamé organica en base a este enfoque exacto. Cada uno acaba de empezar con una forma sencilla en el medio. Ahí lo tienes. Tres consejos garantizados para ayudarte a desterrar cualquier miedo a la página en blanco. Una vez que la página ya no está en blanco, no da tanto miedo simplemente dibujar. Si aún te sientes nervioso, te recomiendo que empieces poco. Comience con sólo una línea simple en la página y simplemente construya a partir de ahí. Recuerda, cuanto más trabajes con tinta, más seguro te volverás, y más fácil lo encontrarás para empezar a dibujar. 9. Consejos para ilustraciones más grandes: A medida que empieces a tener más confianza trabajando con tinta, es posible que quieras empezar a ramificarte en ilustraciones más grandes, como lienzos, hojas grandes de papel como A2 o más grandes, o incluso tu propio mural de pared. Todo lo que hemos cubierto en las lecciones hasta ahora es relevante independientemente del tamaño de la pieza en la que estés trabajando. Pero hay algunos consejos y trucos útiles que he recogido a lo largo de los años, particularmente cuando se trabaja en ilustraciones más grandes, que voy a estar compartiendo con ustedes ahora. Como ya he dicho antes, elección de bolígrafos cuando se trata de ilustración de tinta es tan importante. Ya sea que estés trabajando en algo diminuto o en un mural de pared entero, tu elección de bolígrafos va a dictar cómo se ve la ilustración y lo fácil que es para ti dibujarla. Los apéndices gruesos en ilustraciones más grandes hacen que tu vida sea mucho más fácil. Si para tus pequeñas ilustraciones has estado usando liners finos, considera actualizar tus bolígrafos a algo más grande, no solo un delineador fino más grande pero considera si un rotulador o un rotulador de pintura es relevante para el tamaño de la pieza que deseas para dibujar. En la última lección, cubrimos diferentes formas de dar estilo a la ilustración. Eso es relevante independientemente del tamaño de la pieza en la que vas a estar trabajando. Pero para mí, cuando estoy trabajando en ilustraciones más grandes, además de pensar en dónde voy a empezar a dibujar, también me gusta pensar en dónde voy a terminar. Esto no significa planear tu ilustración. Una de las grandes cosas del trabajo de tinta abstracta es que es completamente gratis. No estás pensando en planear cómo exactamente se va a ver. En tanto escojas las herramientas adecuadas y las mantengas equilibradas, no hay necesidad de un plan. No obstante, cuando estás trabajando en algo más grande, sí necesitas tener un elemento de pensar en cómo vas a llenar el espacio. Cuando estaba trabajando en el mural de pared, no sabía exactamente cómo iba a mirar hacia arriba, pero no sabía tres cosas. Sabía que quería que cubriera el panel de palabras que estaba detrás del escritorio, sabía que quería que llegara sólo tan lejos a la derecha, y en el lado izquierdo, sabía que quería que cubriera la esquina superior derecha de la puerta. Más allá de eso, no sabía exactamente cómo se iba a ver. No había planeado exactamente qué patrones iba a usar por delante y no había planeado la forma general de la pieza, y eso está bien. Pero si hubiera empezado sin tener idea de a qué distancia, alto o bajo, o derecha o izquierda iba a ir, hubiera hecho mucho más difícil mi trabajo. Te voy a mostrar tres de mis dibujos destrozados en comparación directa, cada uno en un tamaño diferente. Aquí tienes un tamaño A5. Esto se toma directamente de mi cuaderno de bocetos y ese es mi dibujo en tamaño A5. El mismo estilo exacto de dibujo pero en A4. Se puede ver si los sostengo juntos, cada uno está completamente equilibrado. El estilo es el mismo, puedes ver que van juntos muy bien, la principal diferencia aquí es el tamaño de la pluma que utilicé. A modo de comparación completa, aquí está el mismo dibujo, pero en A2. Nuevamente, es exactamente el mismo estilo pero comprensiblemente los bolígrafos que utilicé en esta pieza, son completamente diferentes a los que utilicé en la A5. El estilo es el mismo, las plumas son muy diferentes. Para la pieza A5, la pluma más grande que probablemente usé fue una 0.5 milímetro. Para las líneas más gruesas y para las áreas donde más estaba sombreando, 0.5 probablemente habría sido la pluma más grande que usé. Para la A4, probablemente fue un 0.8. Obviamente, tengo líneas muy gruesas rodeando los bordes de las formas en mi pieza. Esto se habría hecho con tal vez un marcador de cincel inclinado, pero todo para el trabajo de línea nunca habría ido más alto que 0.8 o posiblemente uno. En cuanto a la pieza A2, la más grande que hubiera ido aquí fue todo el camino hasta un marcador negro. Se puede ver para el borde alrededor del borde de esta página, es una línea muy gruesa y tengo áreas donde he sombreado específicamente. Nuevamente, marcador muy grueso. Para mantener esto equilibrado, probablemente no hubiera ido mucho más pequeño que 0.5, así que mi bolígrafo más pequeño de esta pieza era el más grande que utilicé en esta pieza. Ahí lo tenemos, tres piezas todas de la misma serie, todas en el mismo estilo, pero usando plumas muy diferentes. En resumen, al igual que cada superficie que elijas, piensa en los bolígrafos que vas a escoger, cuando te embarques en una ilustración más grande. Te prometo que va a hacer mucho más fácil tu vida y tus obras de arte. 10. Saber cuándo detener: Las obras de arte abstractas, por su propia naturaleza, son difíciles de predecir. Es una de las cosas que me encanta de trabajar con tinta. Pero también es una de las cosas que pueden dificultar mucho a la hora de decidir cuándo dejar de trabajar en una pieza, particularmente en abstracción, donde es una experiencia muy subjetiva y personal. Puedes terminar trabajando en exceso una pieza de arte sin siquiera darte cuenta de que lo estás haciendo. Puedes agregar profundidad a un área luego comprobar el equilibrio, agregar profundidad a otra área, y puedes terminar atrapado en este bucle de agregar profundidad y equilibrar una y otra vez, y eso es sobretrabajar una pieza de arte. Lo mejor que puedo recomendar en esta instancia es tomarme un descanso. Aunque realmente sientas que aún no has terminado, solo haz algo más. Puede ser una pieza de arte diferente o puedes hacer algo completamente ajeno. Pero lo importante es simplemente alejarse y venir a mirarlo de nuevo más tarde. También recomendaría volver a visitar la técnica de verificación rápida que cubrimos en la lección de balance de esta clase. Esa reacción instintiva a tu obra de arte realmente te ayudará a determinar si una pieza está terminada o no. Es completamente comprensible. Es difícil ver el final cuando el arte es abstracto. Todo lo que puedo decir es confiar en el proceso y confiar en tus tripas. Siempre toma un descanso, aléjate, y mira de nuevo tu pieza antes de decidir que estás absolutamente terminado. 11. Tu proyecto final: Enhorabuena. Has visto todas las lecciones de esta clase, y ahora estás listo para crear tu ilustración final de tinta abstracta para tu proyecto de clase. Quiero que te lleves todo lo que hemos aprendido en las últimas lecciones, escojas las cosas que realmente te hablaron y realmente significaron lo más para ti personalmente, y las aplíquelas a tu ilustración. Es así como vas a crear algo hermoso y completamente único para ti. Antes de empezar, quiero que te tomes un momento, pienses en las últimas lecciones y te hagas las siguientes preguntas. ¿ En qué tipo de papel o superficie vas a dibujar? ¿ Qué tipo y tamaño de bolígrafos necesitará? ¿ Cómo vas a empezar? ¿ Qué técnicas de elaboración de líneas usarás? ¿ Qué métodos está planeando utilizar para agregar profundidad? Recuerda, no hay respuestas equivocadas a estas preguntas. Todo esto se trata de encontrar una forma de crear ilustraciones abstractas en tinta que significen algo para ti personalmente. No te olvides de los documentos de referencia descargables que creé y puse en la pestaña Proyectos y Recursos de esta clase. Puedes referirte a ellos en cualquier momento que quieras, si quieres recordar las últimas lecciones. Si también has estado siguiendo junto con tu propio cuaderno de bocetos de técnica, te recomiendo referirme a eso para recordarte qué patrones y técnicas te gustan más. Estoy tan emocionado de ver tus ilustraciones abstractas. No olvides publicarlos en la galería de proyectos. 12. Reflexiones finales: Muchas gracias por tomar mi clase sobre ilustración de tinta abstracta. Significa tanto para mí que estuviste aquí y realmente espero que hayas disfrutado de esto tanto como yo. En esta clase, hemos cubierto todo lo que necesitas saber sobre la ilustración de tinta abstracta. Hemos mirado plumas y superficies. Hemos mirado cómo empezar en una pieza así como cómo terminar una. Hemos cubierto la confección de líneas y el equilibrio y todo para que crees tu proyecto final. Espero que lleves estos consejos y técnicas al mundo y crees más obras de arte que sean completamente únicas para ti. Si te dejara con un último consejo, sería éste. No hay bien ni mal cuando se trata de arte. Si estás nervioso, empieza poco, y recuerda, menos es más. No olvides publicar tus proyectos en la galería de proyectos. Haga cualquier pregunta que tenga en la pestaña de discusión y consulte todos mis documentos de referencia descargables en la sección de proyectos y recursos de esta clase.