Transcripciones
1. Introducción: Bienvenido a la pintura al óleo
con Steve Simon. Cuando realmente lo piensas, pintar es una aventura alocada y
audaz, Porque estamos tratando de mirar
hacia un
mundo tridimensional que esté lleno de
luz y de alguna manera
traducirlo una superficie bidimensional
que no tenga luminosidad Eso es un poco chiflado. La pregunta es, como pintores, ¿cómo sacamos
este trago de manos La respuesta a eso es que tenemos que aprender
cierto lenguaje visual. Ese lenguaje visual está lleno de principios de muerte y
principios de luz. Eso es precisamente lo que
vamos a estar enseñando en esta clase entonces estar usando
esta pintura como ejemplo. Vamos a pasar por esos principios
y luego vamos a
aplicar esos principios a aplicar esos principios a nuestro proyecto en los que
espero que se unan a mí. Estaremos haciendo una pintura desde cero y aplicando
esos principios y aprendiendo a subir de nivel,
desde colorear amablemente
bonitas imágenes hasta pintar con alegría y confianza con la
muerte, la luz y Espero que lo disfrutes. Gracias.
2. Principios de la profundidad: Esta es mi cuarta clase en un plan de estudios diez sobre pintura al óleo en el
que estoy trabajando ahora. Las tres clases anteriores no
son prerrequisitos, per se para esta clase Pero o bien hacer la clase tres sobre la mezcla de color
sería muy útil, o tener una
comprensión sólida de mezclar color y
teoría del color sería genial. Con eso en mente,
comencemos. Voy a estar usando
esta pintura para discutir los principios de cómo aportar luz y color a tu obra y cómo darle
un sentido de profundidad. Ahora bien, esta pintura fue creada usando el método de
pintura directa, o un método prima, y estaré dando
una clase sobre eso en la sexta clase de
este plan de estudios de pintura al óleo en el
que estoy trabajando. Pero por ahora,
no nos vamos a
preocupar por cómo se
unió la pintura. Sólo vamos a echar un vistazo
a algunos de los principios
que se introdujeron en él. En términos generales, los principios que
voy a estar
hablando se pueden dividir en principios de
profundidad y principios de luz. Empezaré
hablando de principios de profundidad. Para ello, voy a colocar la foto de referencia que
creé la pintura de al
lado de la obra terminada. De nuevo, aquí somos magos. Estamos tratando de crear
la ilusión de tres dimensiones sobre una superficie
bidimensional. ¿Cómo lo hacemos? El principio más obvio al
respecto es,
por supuesto, la perspectiva. En su mayor parte, sin embargo,
nuestro material de referencia está obviamente en perspectiva. Solo hay un área que necesita un
poco de ajuste. Y este es un problema
que surge con fotografías
con curvatura de lente. Y vamos a echar un
vistazo a esta zona aquí. La fotografía está distorsionando este templo de series
como se le llama Un poco en la pintura, he rectificado esa distorsión Ahora mi objetivo en esta
pintura es atraer
al observador por la terraza y hacia este
templo de series Entonces para ello, también
he cambiado
un poco la composición dedicando más espacio a la terraza y menos
al cielo con esos
fundamentos básicos establecidos Hablemos de cómo creamos la ilusión de profundidad
más allá de la perspectiva básica. El primer principio del lenguaje
visual que
vamos a introducir es
la calidad de los bordes. Específicamente la diferencia
entre un borde afilado y un borde suave y cómo eso
crea la sensación de profundidad. Echemos un vistazo a
estas montañas fondo en
la fotografía, y notarás que los bordes son bastante afilados contra el cielo. Ahora en lenguaje visual, los bordes
afilados hacen dos cosas. En primer lugar, ellos llaman la atención. Está alejando nuestra atención del interés pretendido,
que es la terraza. Pero lo más importante,
en términos de profundidad. Los bordes afilados hacen es llevar
el objeto hacia adelante en el espacio. Los bordes suaves, por otro lado, hacen que el objeto retroceda Para hacer retroceder estas montañas de fondo. Al menos en el
ojo de la mente del observador. Pintaremos los bordes suaves. Ahora bien, el segundo principio del que
vamos a hablar en términos de profundidad es el valor y el contraste
de objetos distantes. Esto puede parecer bastante obvio, pero los efectos atmosféricos
hacen que los objetos sean más ligeros y de
menor contraste que si esos objetos
estuvieran más cerca de nosotros. Como se puede ver en la pintura, he pintado las montañas un valor mucho más ligero y he
utilizado un bajo contraste, sugiriendo al que mira que
las montañas están retrocediendo a la
atmósfera El tercer principio, en términos de profundidad, es la temperatura de color. Tal vez recuerde de nuestra
clase sobre la mezcla de colores. Estos son nuestros colores fríos y
estos son nuestros colores cálidos. Principio número tres,
los colores fríos en general retroceden, mientras que los colores cálidos se
adelantan Ahora hay un par de razones
prácticas para ello. Primero, por qué retroceden los colores azules. Los gases y vapores nuestra atmósfera
dispersan la luz azul Cuanto más miras
a lo lejos, más estás, en efecto, mirando a través de un velo azul. La teoría de por qué los colores cálidos saltan hacia adelante tiene que ver
con la biología evolutiva. Las cosas que son
peligrosas o de carácter
urgente para nosotros
tienden a ser de color cálido. Como algo así como
fuego, o no sé, una serpiente venenosa
son de color cálido. Estas cosas saltan hacia adelante en nuestra conciencia y correspondientemente
hacia adelante en el espacio Como pintores, si queremos que
algo salga adelante, lo
pintaríamos con
un sesgo hacia rojo, naranja o amarillo
en la pintura. He exagerado un
poco
este principio pintando la terraza,
este amarillo cálido, que lo
trae adelante en el espacio Pero como se puede ver, a
medida que la terraza retrocede hacia el templo de
Seres, se vuelve menos cálida y comienza a convertirse en
un amarillo más fresco, lo que sugiere que esa terraza
está retrocediendo en Las montañas, por su parte, están pintadas de
azules y verdes fríos, haciéndolas retroceder
aún más en la composición El cuarto principio es
bastante evidente, pero es sorprendente
lo difícil que puede ser a veces
ponerlo en práctica. Y esta es la noción de que el
detalle reduce con la distancia. Podríamos estar inclinados,
por ejemplo, a incluir estos detalles
en la distancia de la costa Pero hacerlo realmente no agrega nada a la composición
y en realidad tiene un efecto deletéreo al
tratar de crear esta
ilusión de profundidad Lo mejor es simplemente
omitir estos detalles. También se puede ver que he reducido el nivel de detalles en la las estatuas
retroceden a lo largo de la La primera estatua al frente
tiene una buena cantidad de detalles, y luego cada estatua
que regresa se renderiza con
cada vez menos detalle. Esto también es evidente en
los azulejos de la terraza, que los azulejos del frente
tienen buena cantidad de textura. A medida que continúas de nuevo
hacia el templo seras, la textura comienza a caerse. El quinto principio
de profundidad es realmente solo una reformulación de los cuatro
primeros principios, pero con
énfasis en el primer plano Los bordes más nítidos, el
contraste más fuerte, los colores más cálidos y los detalles más pequeños están
reservados para el primer plano Ahora aquí es donde
es instructivo comparar
la pintura
con la fotografía en
términos de bordes más afilados Si echamos un
vistazo a la fotografía, encontramos bordes afilados por
todo el lugar. Esto, en lenguaje visual, es el equivalente a un montón de gente te
grite
al mismo tiempo y no
estás seguro a
quién escuchar
en la pintura Por otro lado,
los bordes más afilados están reservados para esta estatua, la barandilla en primer plano, y luego también el templo
al final de la terraza Ahora podrías estar diciendo, espera un minuto, ese templo no
está en primer plano ¿Por qué pondrías ahí un filo
afilado? La razón de eso es más
como una herramienta compositiva. Los bordes afilados no solo llevan
los elementos hacia adelante, que también se utilizan
composicionalmente para
ayudar a dirigir la mirada de los miradores. Si estoy tratando de tirar del contemplador por la terraza
y hacia la sien, está
bien usar esos bordes
más afilados para
ayudar a los miradores a
mirar en Ahora vamos a evaluar el contraste
en la fotografía. El contraste entre
las luces más ligeras y las oscuras más oscuras se produce en dos lugares en
primer plano con la barandilla,
y luego también en la zona
de atrás aquí junto al templo Esto crea un poco de
tira y vuelta indeseable, que se rectifica
en la pintura marcando hacia abajo el contraste de atrás
por el templo en términos
de
los colores más cálidos
que residen Ya indiqué
estos amarillos cálidos siendo utilizados en
primer plano de la Términos de establecer los detalles
más pequeños
en primer plano, esto tuvo menos que ver con agregar detalles
al primer plano, luego tuvo que ver
con eliminar detalles
innecesarios en
el material
fuente en el material
fuente Y quizás también por toda la estatuaria retrocediendo por la
terraza Para recapitular lo que hemos
estudiado hasta ahora, la ilusión de profundidad se ve afectada por el uso
relativo de bordes Los bordes suaves retroceden,
los bordes afilados se adelantan. contraste entre los colores
claros y oscuros reduce con la distancia. Los colores fríos retroceden,
los colores cálidos se presentan. Y luego finalmente,
los detalles de detalle se minimizan en la distancia y se vuelven más prevalentes a medida
que avanzas. Cada una de estas propiedades
también se puede utilizar como herramientas para captar la atención
de tu contemplador y dirigir su mirada Ahora bien, esto es algo de lo que
vamos a estar hablando más en la novena clase
de este plan de estudios, donde abordamos la
composición y la narrativa. Pero por ahora,
centrémonos en usarlos como herramientas para crear la
ilusión de profundidad. Por favor, únase a mí en
el siguiente video mientras
discutimos las herramientas para crear
la ilusión de luz.
3. Principios de LIGHT: Bien, entonces estamos listos para
estudiar la ilusión de la luz. El primer principio tiene que ver con el color de los cielos azules Ahora nuestro ambiente es por
supuesto, esférico. Y es la naturaleza
esférica de nuestra atmósfera la que hace que la
luz se refleje y refracte de manera diferente
cuando miramos luz en el horizonte frente a la luz
directamente sobre la cabeza Al pintar un
llamado cielo azul,
el cielo en el horizonte
aparecerá bastante cálido y se volverá progresivamente más fresco y oscuro a medida que vayas por encima. Para discutir nuestro próximo
principio de luz, tendremos que introducir los
conceptos de color local. Luz ambiente, color observado. El color local es el
color nativo del objeto. En este caso, una mesa blanca, una hoja verde, y una cereza roja. La luz ambiental, o la luz en la que se baña la
escena, es una luz blanca regular Y por lo tanto, los colores
observados de cada uno de los objetos siguen siendo consistentes
con su color local. Sin embargo, si tuviéramos que colocar esta mesa al aire libre
bajo un cielo azul, la escena estaría bañada
en luz ambiental azul Esta
luz ambiental azul influiría el color observado en las sombras de cada uno de los
elementos de la escena. Las sombras grises observadas sobre la mesa
se convertirían en un gris azul. Las sombras de color verde oscuro en las hojas
se convertirían en un azul verde. La sombra, al menos la sombra que mira hacia el
cielo sobre la cereza, se
convertiría en un color violeta
más profundo. Es importante
entender en este ejemplo, que existen, en efecto,
dos fuentes de luz. Ahí está la fuente
de luz directa de la luz solar arriba, y luego está
esta cúpula ambiental de luz
azul que golpea
esta escena desde el cielo. El poder de la luz solar directa domina la luz
azul ambiental del cielo Las piezas de la composición
que están a la luz solar directa no
están influenciadas por
la luz azul ambiental, solo las sombras están
Resumiendo estos puntos, nos ocurre nuestro
segundo principio en la creación de la
ilusión de luz Ese es el
color observado de las sombras es una mezcla de
color local y luz ambiental Veamos cómo se
aplica esto a nuestra pintura. La luz directa
del sol baña
los azulejos de nuestra terraza
bajo la cálida luz del sol El sol es, en efecto, una luz de alfiler en la distancia, aunque muy potente que está golpeando nuestra escena desde
una dirección específica. En tanto, está esta
segunda fuente de luz, esta cúpula ambiental azul, que golpea nuestra escena
desde todas las direcciones. Esta luz ambiental tiene una influencia sutil, pero muy importante en los colores de nuestras sombras. Es importante destacar que es aquí
en esta interacción de luz y sombra donde
podemos dar rienda suelta a cierta creatividad de
color No podemos simplemente aplicar color
willy nilly, sin embargo, tenemos que operar dentro de
dos parámetros importantes Primero, tenemos que mantenernos
fieles al color, la temperatura de la
luz y las sombras, que ya hemos establecido. Debemos permanecer fieles
a los valores en nuestro material de referencia,
en la pintura. He exagerado un poco este
punto
pintando los azulejos de
la terraza muy cálidos, un amarillo muy cálido Pero como puedes ver, es aproximadamente
el mismo valor. Eso es la ligereza y la oscuridad
como material fuente. También he llevado ese calor
hasta el templo, la parte iluminada por
el sol del templo En tanto, he
pintado las sombras en la cubierta de un violeta frío. Y también he llevado esa calidad
de sombra
fría hasta
el templo. También puedes ver que estas sombras frías proyectadas
en la cubierta tienen aproximadamente el mismo valor que el valor de las sombras
en el material de referencia. Como puede ver, podemos agregar un tono de color
dramáticamente más
interesante a nuestras pinturas.
Pero aquí está el roce. Una vez que establecemos las temperaturas
de
color tanto de la luz
como de la sombra, necesitamos llevar
esas temperaturas de color de
manera consistente a esas temperaturas de color lo largo de
la pintura. Necesitamos utilizar nuestro material de referencia como
nuestra guía para el valor del color. Ahora echemos un vistazo a la estatua en primer plano inmediato
derecho Está casi completamente
en sombras aquí de nuevo, la luz ambiental del
cielo jugará un papel. Pero hay otra fuente
interesante de luz
ambiental que viene
de la cubierta amarilla. La luz solar reflejada
que rebota en
la cubierta amarilla influirá en el color observado
de la estatua Partes de la estatua en ángulo
hacia la cubierta
tendrán un sesgo cálido. Las partes de la
estatua en ángulo
hacia el cielo
tendrán un sesgo fresco. Y entonces el resto
de la estatua sólo
llevará el tono violeta medio. Reformemos todo esto en nuestro tercer principio al crear
la ilusión de luz Cuando use su
licencia creativa para el color, juegue con el tono del color, pero mantenga la consistencia de la temperatura del color y
sea fiel al valor del color. Ahora bien, si hacemos un
inventario rápido de mi pintura, veremos que ya estoy violando el
principio que acabo de exponer. Es decir, los valores de color
en estas áreas de mi pintura no son consistentes con los valores
en el material fuente. Pero si recuerdas de
nuestro video anterior, estos valores fueron alterados, establecen un mayor
sentido de profundidad. Esto me lleva a mi
cuarto y último principio de crear la
ilusión de luz. Es decir, al aplicar
los principios de la luz, primero
debemos establecer
todos los valores de color. Ahora en las siguientes dos clases
de este plan de estudios, voy a estar presentando dos
métodos claramente diferentes de pintura al óleo Ambos métodos
tienen diferentes formas de abordar este
desafío del valor del color. Por ahora, vamos a tener en cuenta este importante
principio. Por favor, únase a mí en el
siguiente video ya que reunimos todos estos principios
en nuestro proyecto de clase.
4. Proyecto - Parte 1: Bien, bienvenidos al
proyecto para esta clase. Vamos a estar pintando
esta escena sobre lienzo. Y voy a estar pintando esto
en un lienzo de 12 por 16. Te animo a hacer lo mismo, o un lienzo de la
misma relación de aspecto, como un nueve por 12. También es necesario
descargar la imagen. puedes encontrar en el área de recursos de
descarga de la
sección de proyectos y recursos de esta clase. Cuando termines
con el proyecto, por favor toma una fotografía
del mismo y
subirla al área de mi proyecto de esta sección para compartirla
conmigo y con otros estudiantes. Ahora en este proyecto, pondremos en práctica
los principios aprendidos en esta clase respecto al lenguaje
visual. Específicamente, nos
centraremos en crear las ilusiones
de profundidad y luz Tomaremos esta foto ordinaria
del paisaje y infundiremos de
profundidad atmosférica y luminosidad Vamos a empezar
dibujando la imagen sobre lienzo, ahora en realidad la estoy
pintando sobre lienzo. Si te sientes cómodo con eso, adelante y hazlo. Estoy usando en realidad un lavado de azul
ultramarino
y siena quemada Si no te sientes cómodo
dibujando con tu pincel, siéntete libre de dibujar
esto usando carbón o lo que sea con lo que te sientas
cómodo. realidad no es
tan importante que obtengamos la imagen perfectamente
dibujada en lienzo. Solo trata de conseguirlo más o menos para que
se vea como la imagen de origen. Cuando termines,
deberías tener algo que se vea más o menos así. Siempre es bueno pintar
de atrás hacia adelante. Vamos a estar comenzando con el cielo justo por encima de
la línea del horizonte, solo para mostrarte de antemano, aquí
es hacia donde nos
dirigimos con el cielo. Como aprendimos, queremos tener un cielo cálido y relativamente
ligero en el horizonte, procediendo a un azul ligeramente
más oscuro y
luego a un azul cada vez más oscuro
a medida que vas por encima. Empiezo con un amarillo frío, ligeramente desaturado
y bastante ligero, tal vez como un valor de
dos en el horizonte, tal vez con solo un pequeño
toque de azul seriliano Entonces aquí estoy aumentando lentamente la cantidad de
azul seriliano en la mezcla Y solo fusionando eso junto con la capa que está ligeramente
más baja hacia el horizonte. Entonces seguiremos ese proceso. Cada vez que vamos un poco
más arriba desde el horizonte, añadimos un poco
más de azul seriliano, que nuestra mezcla se está volviendo un poco más oscura y
un poco más azul Eventualmente llegamos a
esta etapa donde
solo somos serrilianos heterosexuales
sin más influencia del amarillo Ahora el serriliano no es solo seriliano directo
del tubo Es un cerriliano ligero, tal vez como un número tres
en la escala de valores Entonces una vez que hemos colocado
esa capa de cerriliano,
comenzamos a agregar un poco de azul
ultramarino y a agregar
correspondientemente un poco
más cada vez que vamos más arriba comenzamos a agregar un poco de azul
ultramarino y a agregar correspondientemente un poco más cada vez que vamos más Nuestro cielo se vuelve más oscuro y azul
más profundo en azul ultramarino
a medida que vamos subiendo desde aquí Ahora estamos listos para comenzar con la hierba verde en el horizonte. Usando nuestro
lenguaje visual para hacer que esta área retroceda
a la atmósfera. Vamos a estar
mirando a través este velo azul de luz. Nuestro verde va a ser un poco más ligero y
un poco más azul. En otras palabras, un poco más fresco. También voy a usar mi pincel
sintético aquí para mezclar esta área cubierta de hierba
con el cielo siempre tan sutilmente en la línea del horizonte para
crear un borde mucho más suave Nuevamente, los objetos en la distancia
deben tener bordes más suaves. Entonces vamos a empezar
a pintar los árboles en la distancia colores
mucho más fríos que los
que vemos en el material
fuente. Estoy usando un verde fresco y
una violeta fría aquí. Los valores también deben ser
más claros que la fotografía. Estamos teniendo un menor contraste entre estos árboles
y la hierba que lo que vemos
en la fotografía. Y esto va a ayudar a que nuestros antecedentes retrocedan
en la distancia, retrocedan a la atmósfera Ahora podemos empezar a trabajar en nuestro próximo parche de pasto verde. En general, estos grandes parches de pasto
verde que están comenzando en el fondo
y saliendo adelante. Cada parche sucesivo
que se presente debe estar de acuerdo con
nuestros principios de profundidad. Cada parche debe
comenzar a calentarse y saturarse a medida
que se acercan a nosotros. Por supuesto, estaremos jugando un juego
similar con los árboles. Los árboles también deberían estar calentándose a medida
que se adelantan, más saturados, y debería
haber más contraste en ellos a
medida que se adelanten. Además, aceleraremos esto medida que veas que estos principios se aplican en todo el
término medio de la pintura. Aquí se puede ver que los greens
realmente empiezan a calentarse. Y también calidez y saturación
llegando a los árboles. Pero sobre todo mucho más
contraste en valor también. Por favor, únase a mí en
el siguiente video mientras nos abrimos camino hacia
el primer plano
5. Proyecto - Parte 2: Bienvenidos de nuevo al proyecto. Cuando lo dejamos
en el último video, apenas
estábamos
terminando el término medio. Ahora vamos a pasar
al primer plano. A medida que nos dirigimos
hacia el primer plano, comenzaremos con las
sombras oscuras en la hierba Ahora estas sombras están
apuntando hacia el cielo, lo que serán influenciadas
por la luz azul del cielo. Ahora, cuanto más lejos aparezcan
las sombras proyectadas del árbol, más clara
aparecerá la sombra y más suaves aparecerán
sus bordes. Al pintar las sombras de
esta manera, estás, en esencia, comunicándote con
el espectador La luz se refracta
alrededor del árbol. Tendremos la
oportunidad de suavizar esos bordes una vez que agreguemos el
resto de la hierba Recordarás que
una de las formas en que
adelantamos los elementos es pintar con más detalle
en primer plano En realidad no
vamos a estar pintando detalles como en brizna de hierba. Lo que vamos a hacer
es crear una variedad de diferentes greens
en primer plano que hacen que parezca que
hay muchos más detalles Vamos a usar
tal vez tres o cuatro greens
diferentes
en primer plano Y las otras formas en las
que recuerdas que sacamos los elementos hacia adelante es agregar calidez. Tus greens más cálidos, casi bordeando
al borde del amarillo Debe reservarse para este espacio de la hierba
en primer plano Antes de empezar a
pintar el árbol, quiero señalar
algo sobre las fotografías. Las cámaras tenderán a
exponer objetos oscuros bajo frente a cielos claros Las sombras de este
árbol serán a nuestro ojo, nuestro ojo desnudo parece ser mucho más claro que lo que estamos
viendo en la fotografía. Voy a estar pintando la corteza que está la sombra un poco más clara, y voy a estar usando tres colores
diferentes. Este
color verde desaturado se utilizará para las sombras que están siendo influenciadas por la
luz reflectante de la hierba Este color azul será utilizado
por las sombras que están siendo influenciadas por el color
ambiental del cielo. Entonces se
utilizará el color violeta para el
resto de la corteza. Las sombras que estoy
pintando en el árbol ahora se conocen como sombras de forma. Son las sombras
que aparecen en los objetos que están mirando
lejos de la luz. Esto se opone a
las sombras proyectadas que se crean sobre la
hierba proyectada por el árbol. La línea donde la luz se encuentra con oscuridad se conoce como el terminador En la zona de sombra, lo más cercano al terminador se
conoce como la sombra del núcleo Estas sombras centrales
que estoy pintando este momento representan áreas
del objeto que menos se ven afectadas por la luz ambiental
o reflejada. Por lo tanto, aparecerán
más cercanos a su color local. En otras palabras, el
color real de la corteza del árbol, estoy usando una siena quemada
para representar ese color Habiendo establecido
las sombras centrales, es hora de agregar los reflejos cálidos y besados por el
sol
del árbol. Dado que estos aspectos destacados
están en nuestro primer plano, puede usar dos o tres valores
diferentes
para los Ahora, hay una sombra más y se llama sombra de
oclusión Aparece como la sombra
más oscura, son las grietas de
una Al sumar estos, esto
nos permitirá otro nivel diferente de contraste en primer plano y con ello llevar a
nuestro árbol más adelante Ahí tienes nuestra pintura
terminada. Al aplicar nuestros principios
del lenguaje visual, primero
hemos creado
mucha más profundidad. Las colinas retroceden
agradablemente al fondo,
y el primer plano
se siente mucho y el primer plano
se siente El árbol ya no se siente como un cartón cortado de sí mismo, sino que su forma sombras y sombras proyectadas bailan y
juegan con la luz. Gracias por pintar
junto a mí. Y no olvides
subir tu proyecto al área de mi proyecto de la sección de proyectos y
recursos de esta clase. Gracias de nuevo.
Steve Simon, Simon Fine Art
