Ilustración gráfica: Diseñar con audacia el color y la forma | Olimpia Zagnoli | Skillshare
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Ilustración gráfica: Diseñar con audacia el color y la forma

teacher avatar Olimpia Zagnoli, Illustrator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:33

    • 2.

      El lenguaje del color

      9:40

    • 3.

      Inspiración y recursos

      7:14

    • 4.

      Hacer bocetos de las ideas

      10:53

    • 5.

      Bocetos de tu ilustración

      4:43

    • 6.

      Digitalización de tu boceto

      10:26

    • 7.

      Dibujar con formas

      10:03

    • 8.

      Perfecciona tu ilustración

      10:08

    • 9.

      Aplicación de color

      4:28

    • 10.

      Experimenta con el color

      10:04

    • 11.

      Cierre

      3:38

    • 12.

      ¿Qué sigue?

      0:37

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

24.599

Estudiantes

398

Proyectos

Acerca de esta clase

El color y la forma son poderosos comunicadores en el diseño y la ilustración, y esta clase perfeccionará tus habilidades.

Únete a la afamada ilustradora Olimpia Zagnoli para una clase perspicaz que explora su uso reflexivo e inesperado del color. Inspirada en su educación italiana y en los artistas que admira, sus ilustraciones son el medio perfecto para explorar la interacción de la inspiración y las técnicas, y las formas en que puede combinarlas en su propio trabajo de ilustración gráfica.

Cada lección da vida a la forma en que la ilustración puede ser una herramienta para comunicar un mensaje. Explorarás lo siguiente:

  • Inspiración y recursos
  • El poder de las formas simples, tanto en el boceto como en la ilustración digital
  • La selección de colores que se ajustan a tu historia artística y editorial
  • Pulir tu ilustración con toques finales

Tanto si estás empezando como si eres un ilustrador experimentado, saldrás con un enfoque más considerado y reflexivo de tu trabajo, así como con técnicas que añadir a tu repertorio estilístico. Se anima a todos los estudiantes a que prueben y compartan el proyecto final: crear una ilustración de autorretrato de principio a fin.

______________

Lo que aprenderás

  • Introducción. En este tutorial de ilustración, aprenderás a plasmar tu personalidad e identidad en un autorretrato expresivo.
  • El lenguaje del color. Aprenderás a usar el color con sabiduría mientras Olimpia Zagnoli te lleva por su viaje personal con la exploración del color. Sabrás cómo usar el color de forma "responsable", lo que significa enfrentarse a las connotaciones políticas y culturales asociadas a ciertos colores utilizados en contextos específicos y entender cómo evitar excederse en el uso del color.
  • Inspiración y recursos. Antes de empezar este curso de ilustración en serio, tendrás que cultivar tu propia singularidad. Aprenderás a hacerlo haciéndote una serie de preguntas, empezando por: "¿De dónde vienes?". Olimpia compartirá cómo su origen y su ciudad natal siguen inspirando su trabajo hoy en día y te inculcará la importancia de la calidad sobre la cantidad.
  • Bocetos de ideas. Aprenderás a combinar varios conceptos en una sola ilustración gráfica. Por último, al poner el lápiz sobre el papel, definirás un marco para tu ilustración y trabajarás dentro de él para crear un boceto de ti mismo. Recuerda pensar en cómo la acción puede plasmarse en una imagen fija y comunicar una sensación de ti.
  • Bocetos de tu ilustración. Ahora puedes refinar la idea que se te ocurrió en tus bocetos iniciales y crear la versión que planees digitalizar. Aprenderás a equilibrar tu composición en términos de color y a ver qué colores puedes utilizar en tu diseño.
  • Digitalización de tu boceto. Verás cómo Olimpia realiza una pintura digital a partir de su boceto original, dibujando en una tablet conectada a su MacBook Pro. Aprenderás en qué elementos debes centrarte primero cuando empieces a dibujar en Adobe Illustrator y qué partes del cuadro puedes guardar para más adelante.
  • Dibujar con formas. Aprenderás a detectar dónde Illustrator y otros programas de ilustración por computadora "arreglan" automáticamente tu trabajo por ti y cómo evitarlo para conseguir un producto final más individualizado. Olimpia te enseñará algunas técnicas para ayudarte a detectar errores en tu pintura digital jugando con su orientación física.
  • Perfecciona tu ilustración. Recibirás consejos sobre cómo obtener tus propias y únicas imágenes de referencia y cómo plasmar las fotografías en ilustraciones digitales. Aprenderás a doblar la realidad mientras mantienes la sensación de realidad física en tu trabajo, y a realizar pequeños ajustes en Illustrator que te permitan "mantener tu voz cuando uses las herramientas de otros".
  • Aplicar color. Practicarás la exploración de colores con una composición ya terminada. Olimpia te llevará a un recorrido por los artistas que han inspirado su uso del color y te mostrará cómo llegar a una paleta de colores que exprese el estado de ánimo que buscas representar en tu trabajo.
  • Experimentar con el color. Obtendrá ideas para inspirarte en el color y los patrones, y aprenderás a evitar la idea de la perfección para crear algo interesante. También aprenderás a evitar que las imágenes que copies y pegues en del mismo diseño se vuelvan repetitivas aplicando patrones y tonos sorprendentes.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Olimpia Zagnoli

Illustrator

Profesor(a)

Olimpia Zagnoli was born on a leap day in a small city in Northern Italy. She moved to Milan at an early age and graduated from the Istituto Europeo di Design in 2006. She has been working as an illustrator ever since. Her client list includes, among others, The New Yorker, Taschen, Google, Vanity Fair, The New York Times, The Guardian, Fendi. Her work has been exhibited in several galleries worldwide. Her style is characterized by soft shapes and chameleonic colors. She lives in Milan in a house with kaleidoscopic floors.

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Transcripciones

1. Introducción: Realmente no importa lo que tengas a tu alrededor en todo, cosita que podrías encontrar una fuente de inspiración. Entonces, estamos aquí para cultivar eso y convertirlo en algo fantástico. Hola, mi nombre es Olimpia Zagnoli, y soy Illustrator con sede en Milán, Italia. Si tuviera que describir mi trabajo, probablemente diría que es realmente colorido, pero sencillo al mismo tiempo, ya que la ilustración se está volviendo cada vez más popular, creo que es esencial saber de dónde vienes, conoce cuáles son tus referencias para convertirte en un ilustrador único y ser feliz y exitoso. hoy, vamos a echar un vistazo a mi proceso creativo y ver cómo trato incorporar todos estos elementos a una ilustración y lo vamos a hacer creando autorretratos. Trabajé muy duro para encontrar mi propia voz. Al principio, fue realmente duro porque sabía lo que me gustaba, pero no sabía cómo traducirlo a mi manera en papel, y así me tomó mucho tiempo solo tratar de incorporar todos estos elementos que me encantaron en algo eso era mío, casi lo que sea que haga habla mi idioma, así que tengo suerte de estar ahí ahora. 2. El lenguaje del color: Una vez cosa que para mí es realmente importante es el color. Cuando empecé a trabajar, era realmente tímida en el departamento de color de mi trabajo. Porque sentí que ese color era tan poderoso que realmente podría cambiar el estado de ánimo de una pieza sobre todo si estaba emparejado con otro color o con más colores. Cuanto más comencé a explorar este idioma, porque creo que efectivamente es un idioma, más lo comencé a usar de manera más responsable o no, dependiendo del caso. Me ha llevado años llegar a ser más valiente en el uso del color y muchos colores que odiaba los se convirtieron en mis colores favoritos. Muchos de esos colores tenían una connotación muy específica en mi memoria. Por ejemplo, los amarillos y los marrones juntos eran algo que odiaba porque me recordaban a los potes de mi abuela y luego con el tiempo cambiaron y empecé a usarlos un poco e incorporarlos un poco en mis piezas hasta ahora que las amo juntas porque se convirtieron en algo nuevo y más emocionante y ahora tienen una connotación totalmente diferente en comparación con lo que tenían hace años. Al principio, usaba muchos fondos grises sobre todo y usaría el rojo, azul y el amarillo como opción segura. Los colores primarios quitan la presión de tu elección de color y te permiten trabajar en la estructura de la ilustración, en el concepto detrás de ella sin dejar de hacer una elección muy segura y elegante. Te sugeriría a estudiantes y principiantes que usen esos colores cuando no sabes qué color elegir, como el azul, el rojo y el amarillo son siempre una gran opción y cuanto más los vas a usar, más aprendes a agregar algunos más otros colores a ellos y cambiarlos y hacer interesante mezcla a partir de ellos. El color te permite establecer el estado de ánimo para una escena. También puedes darle a un color muchas interpretaciones si sabes usarlo. Por ejemplo, el negro es un color que suele ser muy oscuro y sombrío. Pero si lo mezclas con otros colores, con colores más vibrantes, se vuelve muy alegre y muy vibrante. Podría ser como el fondo de una composición gráfica. Podría ser una ilustración sobre la luz en la oscuridad. Podría ser un hermoso vestido elegante. Realmente depende de cómo lo utilices. Por ejemplo, el rosa solía ser tan femenil para mí que ni siquiera podía usarlo en mis trabajos cuando empecé trabajar y luego aprendí a usarlo y a combinarlo con otros colores y ahora no me siento nada de niña. Se siente como un color neutro muy grande que se siente tan bien para mezclar con otros colores, especialmente colores que son aburridos una manera como los marrones y grises y funcionan tan bien juntos. En realidad se convirtió en un color que uso mucho y me encanta ahora. Cuanto más vas a usar colores, más vas a descubrir nuevos significados a los colores. Nunca puse límite en el uso de colores que voy a usar para una pieza. Pero tiendo a usar de tres a cuatro colores en cada ilustración que hago. Especialmente con los estudiantes, descubro que es realmente importante darles un límite a veces. Porque los colores son tan emocionantes y quieres usarlos. A lo mejor tienes un juego de lápices nuevo o lo que sea y quieres usarlos todos. Pero de nuevo, como dije, el poder del color es tan importante y tan pesado que a veces cuando pones demasiados colores, se vuelve demasiado pesado y pierdes la concentración y no sabes cuál es el foco principal de la imagen. Preguntarse, cuántos colores quiero usar para esta pieza siempre es una buena pregunta para empezar a trabajar en una pieza. Entonces mientras estás en él, puedes agregar un color más o puedes quitarte uno de los colores y te van a mostrar una diferencia tan grande en la pieza final. negro puede tener tantos significados. Por ejemplo, hay una pieza de Fortunato Depero, que es un futurista italiano y uno de mis artistas favoritos, donde utiliza el negro para subrayar los personajes que tiene en su pieza. Lo empareja con el blanco y el rosa y se vuelve muy vibrante y muy alegre de alguna manera. Bueno, hay otra pieza de Dick Bruna. Se trata de una portada de libro y usa el negro en pareja con el rojo y ese es un contraste muy fuerte. Lo utiliza para describir una escena misteriosa. Siempre que obtengo una nueva asignación, siempre me pregunto ¿a qué personaje quiero representar? Digamos que me encargo de ser el jefe de una gran corporación. Tengo mucha suerte porque puedo parar un segundo y preguntarme, ¿quiero representar a una mujer? ¿ Quiero representar a un hombre? ¿ Quiero representar a una persona negra, azul, blanca, amarilla para ser el jefe de esta corporación? La mayoría de las veces, mis elecciones son aceptadas por un director de arte. Para parar un segundo y preguntarte, ¿cuál es la historia que quieres contar? Creo que es muy importante y es una responsabilidad que todos los que trabajan con imágenes visuales deben tener y deben hacer. Porque una vez que se imprime el trabajo, entonces tu público va a reconocer la elección que hiciste y si no tomas una elección, haces una elección de todos modos. Creo que es realmente importante abordar tu pieza acuerdo a tus necesidades y tus pensamientos sobre el mundo. Cuando llegué por primera vez a Nueva York, tomé el metro obviamente y me di cuenta de que había tanto arte a mi alrededor. De inmediato traté de encontrar quién estaba a cargo de esto de este programa de arte. Y descubrí que MTA realmente tenía un programa de arte y envié un correo electrónico, creo que era 2008 y nunca me enteré de ellos desde hace años. Hace dos años, tal vez hace tres años, recibí este email de uno de sus directores y me invitaron a formar parte de este proyecto y estaba súper emocionado. El encargo era crear un cartel sobre la Ciudad de Nueva York. Fue concepto superamplio. Sólo tenía que decidir qué historia quería contar. Empecé a pensar en la idea de esta mujer de Harlem que caminaría hasta la Estatua de la Libertad y llegaría al atardecer. Y cuando empecé a bosquejar y empecé a hacer todo esto como relojes de colores alrededor de mis bocetos, inmediatamente supe que quería que fuera una mujer de color porque pensé que eso era realmente auténtico para mi historia. Construí la paleta de colores alrededor de eso. Escogí el color para su piel, y luego a su alrededor, escogí los otros colores de acuerdo a eso. Sabía exactamente lo que quería retratar al principio y elijo los colores principales y luego empecé a jugar con ellos y pensé que sería interesante introducir un color o algunos colores que no eran tan esperados. Por ejemplo, ella tiene el pelo naranja brillante, que tal vez no son lo esperado. Creo que es interesante cambiar la perspectiva de lo que crees que va a ser natural y normal y tratar de verlo desde otro punto de vista. Los carteles que hice estaban acostumbrados a estar en las plataformas del metro dentro de los trenes y han sido vistos por tanta gente. Fue realmente inesperado para mí. Fue realmente emocionante porque tuve la oportunidad de interactuar con tanta gente que normalmente no son mi público. Conseguí fotos, recibí correos electrónicos de personas que eran de viaje, que iban en el tren todos los días con sus hijos, con sus familias, para el trabajo y eso es realmente como una ventana en un mundo que rara vez llego a ver desde mi pequeño estudio. Fue realmente un proyecto muy especial para mí. 3. Inspiración y recursos: Lo que descubrí impartiendo clases es que, la mayoría de las veces los estudiantes sienten que necesitan salir al extranjero para hacerlo o necesitan inspirarse en otros ilustradores que tal vez son de EU o son asiáticos, y eso es genial porque obviamente copiar ilustradores es una gran práctica. Pero creo que olvidan que la razón por la que esos ilustradores se sienten tan exóticos y emocionantes es porque son únicos. Entonces, necesitamos cultivar estas singularidad que tenemos dentro de nosotros. Para hacer eso, siempre es muy bueno hacerte algunas preguntas antes de empezar a trabajar. Una de las preguntas es, ¿de dónde vienes? Se podría pensar que el lugar de donde vienes es el lugar más aburrido de la tierra, y que no hay nada bueno en ello. Pero apuesto a que cada lugar tiene un potencial. Por ejemplo, crecí, quiero decir nací en Reggio Emilia, que es una ciudad muy pequeña en el norte de Italia y es en un avión. Entonces, si tomas un tren por horas, todo lo que vas a ver desde la ventana son dos rayas. Una es raya azul para el cielo y una raya para el pasto. Entonces, no hay nada realmente interesante en ello, pero creo que al crecer a su alrededor, que me gusta tenerlo en el fondo de mi mente durante tanto tiempo, y esa es probablemente la razón por la que, por ejemplo, cuando dibujo paisajes utilizo una especie de forma muy bidimensional de contar sobre lugares, y también quizá esa podría ser la razón por la que me encantan tanto las rayas. Siempre uso rayas, siempre pongo rayas en la ropa de mi personaje. De nuevo, tal vez sientas que tu vida no es tan emocionante, pero si solo estás mirando a tu alrededor, verás algo que es especial y eso es tuyo. Por ejemplo, cuando yo estaba creciendo, mi mamá tenía muchos libros de arte en la casa, que por supuesto eran muy útiles. Pero cuando eres niño, realmente no te interesa el arte per se. Entonces, miraba las portadas del libro y la mayor parte del tiempo, abría el libro y el libro era totalmente aburrido para mí. Entonces, me limitaría a mirar las portadas del libro. Recuerdo que mi mamá tenía este libro sobre arquitectura, era como una arquitectura fantástica. En la portada, tenía esta casa, eso es básicamente una cara y me enteré años y años después que en realidad es un edificio de Nikki de Saint Phalle. Me pareció tan interesante porque este artista podría tomar algo que es una cara, con ojos grandes y una boca grande con una lengua afuera y convertirlo en una arquitectura. Entonces, creo que de todas estas cosas que miraría a mi alrededor, que encontraría en la casa por lo que realmente nunca pensé que fueran especiales. Tomé pedacitos de eso de ellos y los convertí en algo que ahora es mi estilo. Otra cosa que tuve al crecer, fue la música. Solía escuchar mucha música y creo que hubo un momento donde la música me salvó la vida. Cuando era adolescente, mis padres se separaron y sentí que necesitaba algún tipo de comunidad como a mi alrededor que pudiera entenderme y no la pude encontrar en mi aula. Entonces, fue entonces cuando descubrí que el punk y el punk era realmente importante para mí porque me daba alguna especie de consuelo y en punk, descubrí muchas cosas que no esperaba. Por ejemplo, vi no sólo la música, sino también el estilo de la misma, y vi especialmente que el papel de la gente en punk donde era muy diferente a lo que imaginaba. Especialmente el papel de las mujeres fue muy interesante para mí porque las mujeres en punk podrían ser libres, podrían ser excesivas, podrían estar usando una minifalda y luego tener el pelo azul, y cantar en una banda, y ser el centro de la atención sin sentirse juzgado. Eso fue algo que era tan poderoso y me pega tanto que creo ahora, mis personajes como las mujeres que sí representé pero también los hombres no tienen miedo de ser diferentes, y no tienen miedo de tener el pelo loco, o llevar cosas que no suelen estar asociadas con su género, por ejemplo que es otra característica del punk. De nuevo, debe sentir que no son cosas tan importantes de tu vida, pero luego siempre hay una manera de usarlas en tu arte. Hoy en día, veo a muchos estudiantes y principiantes tratando de encontrar inspiración en su Instagram, en Pinterest, en Google Images, y eso es genial porque hay mucho material y eso es fantástico. Pero creo que si das un paso atrás, es más interesante detenerse un segundo y hacerte algunas preguntas antes de producir. Producir es genial y te hace sentir activo, y es genial compartir lo que has hecho. Pero creo que es más importante trabajar en la calidad de la pieza que estás haciendo, más que en la cantidad y cuánto se ve en Internet. Para dar un paso atrás un segundo y trabajar en la calidad de la pieza, creo que es realmente importante preguntarte de nuevo como, ¿quién eres? ¿ De dónde vienes? En lugar de tener este miedo a producir y hacer, es realmente más importante concentrarse en lo que hay detrás de la pieza, en quién eres como artista, y sólo encontrando tu verdadera forma de decir las cosas, creo que tú se van a convertir en un artista que es único. Creo que desarrollé mi lenguaje y estilo de vida. Pero cada día es un nuevo reto. No quiero seguir haciendo las mismas cosas una y otra vez, y cada vez que siento que lo hago, me siento un poco incómodo con ello. Entonces, siempre trato de usar nuevas técnicas y aunque no las comparta en Internet o si no las ves en mi trabajo, están ahí en mi estudio. Están en el piso. Están en los cajones. Entonces, creo que es realmente importante no apegarse a una cosa porque va bien porque piensas que es agradable, pero también es muy importante seguir trabajando en tu práctica todos los días y encontrar nuevas formas. De lo contrario, tu trabajo se va a poner muy aburrido muy pronto, y el propósito de tu trabajo no es solo hacer una imagen bonita, sino convertirse en un mejor artista. 4. Hacer bocetos de las ideas: Entonces, hablamos mucho de lugares de donde venimos y ahora que íbamos a empezar a bosquejar, voy a pensar en el lugar donde estoy ahora mismo, estoy en Nueva York. Como dije, me gustaría hacer un autorretrato pero también quería incluir el hecho de que estoy en Nueva York en este momento y que me encanta Nueva York y es una ciudad donde paso mucho tiempo. Entonces, estoy tratando de armar estos dos conceptos y ver qué surge. Entonces, vamos a empezar a bosquejar, voy a usar mi cuaderno de bocetos habitual y solo el lápiz. Por lo general, empiezo definiendo un marco alrededor de mi ilustración, un área donde va a ser mi trabajo. Entonces, creo que es realmente importante definir si vas a trabajar en un cuadrado, horizontal o verticalmente y luego empezar a bosquejar dentro de la caja o al menos eso me funciona. Entonces, voy a definir un área. Digamos que lo hago verticalmente, que por alguna razón es uno de mis formatos favoritos, y pensaré en mí mismo cuando esté en Nueva York. Entonces, tengo una forma muy específica de representarme. Entonces, suelo dibujarme con gafas porque las llevo todo el tiempo, y pensaré en lo que hago cuando esté en Nueva York por lo general, camino mucho. Entonces, para conocer amigos, conocer clientes, ir de compras, ir a librerías y esas cosas. Entonces, al final del día, mis piernas están completamente destruidas y es una buena sensación porque me relacioné con la ciudad de Nueva York y me gusta. Entonces, una cosa podría ser, por ejemplo, trabajar en esta idea y tratar subrayar cómo se sienten mis piernas después de un día de caminar en Nueva York. Entonces, esta podría ser una forma de dar esa sensación de piernas locas, piernas onduladas después de un día fuera en la ciudad. Me he dado cuenta de que últimamente me gusta usar mucho el espacio que me da mi caja. Por lo que últimamente, todas mis figuras tienden a utilizar todo el espacio. Todos casi van a las fronteras. Entonces, casi tocan las fronteras, que me gustan, y creo que expresa su necesidad vivir en este espacio y me recuerdan un poco a Fellini. Federico Fellini es Director de Italia. Normalmente dibujaba y representaba a estas mujeres que son muy grandes, muy icónicas, y se sienten tan poderosas y tan importantes en sus películas que creo que es genial referirlas en mis obras de alguna manera. Entonces, este es mi pelo más o menos ahora. Por lo general, me gusta mucho representar el cabello que no son solo pelo lacio por muchas razones. En primer lugar, porque mi cabello suele ser ondulado y crecí pensando que el cabello lacio era mucho más sexy tal vez o socialmente aceptable que el cabello ondulado o rizado. Entonces, agregar cabello rizado o cabello ondulado a mi ilustración es una venganza hacia todos que me hicieron sentir así. Entonces, siempre trato de incluirlos en mis ilustraciones y también creo que son más interesantes en cuanto a la composición de la pieza. Podría haber tal vez un fondo que cuente un poco sobre la ciudad donde estamos pero podría ser un poco aburrido tal vez. Por lo general, una ilustración cuando no sabes cómo mostrar dónde estás, usas un skyline en la parte trasera, que a veces funciona y a veces es un poco aburrido. Entonces, no sólo sigamos con esto. Empezaré de nuevo aquí y cambiaré la posición del personaje. Nuevamente, casi estamos tocando los bordes del marco. Ya que estoy en Nueva York, podría ser yo misma sentada en un parque, tomando un café. Eso va a ser muy grande porque estamos en Nueva York. Entonces, esa es una copa grande. Entonces, cuando bosquejo siempre tengo que recordar que no uso un contorno negro en mi ilustración. Entonces, todo lo que pudiera parecer que está funcionando en el boceto, podría no funcionar tan bien cuando es digital porque no tengo todas estas líneas que me dicen dónde termina una pieza y cuándo empieza la otra. Entonces, solo eliminaré todas las líneas que me ayudarán a definir dónde comienza y termina mi personaje. Para definir las áreas que quiero separar, usaré algo así como un color, como un color completo o un patrón. Algo que me gusta hacer cuando estoy aquí es ir a tiendas de segunda mano y encontrar unas camisas vintage de los años 60 o 70, las que se derritían si fumas a su alrededor. Pero por lo general, tienen hermosos patrones y me gustaría comprarlos y luego casi nunca los usan pero creo que funcionan muy bien en personajes. Entonces, utilizo el color ahora solo para definir las áreas. No sé si voy a usar amarillo o rojo en la pieza final pero es como dar una sensación de todo pesado todas estas partes estarán en la ilustración final. Aquí, ya podemos tener un sentido de cuántos colores queremos usar en las ilustraciones finales. Por ejemplo, si solo estás usando dos colores, los zapatos van a ser amarillos y tal vez el color podría ser rojo y tal vez todo lo demás podría ser, hagamos un azul. Al igual que sólo el fondo será de un color. Creo que es realmente bueno cuando trabajas con unos colores para tener también blanco o negro, que sé que es otro color pero ayudará tal vez defina algunas formas mejor y tal vez tendré algún lápiz labial en ese día y algún esmalte de uñas, y el café puede hacer una gran nube detrás mí o algo así. Entonces, como que me gusta el dibujo ahora pero creo que podría ser más interesante en cuanto a la composición de la imagen. Entonces, ella podría o salir fuera del marco, tal vez sólo algunas partes podrían salir afuera como el zapato de nube y el brazo, o tal vez podría ser interesante verla duplicada. Entonces, probemos eso en la siguiente página. 5. Bocetos de tu ilustración: Una cosa que puedo hacer es que voy a usar el cuaderno de bocetos aquí para ayudarme a dividir las dos partes. A ver. A lo mejor podría estar de este lado o de ese lado. Pongámosle el sombrero aquí e intentemos trabajar en simetría. Entonces, si estaba bebiendo café en la otra imagen, tal vez podríamos hacerla tener su café americano en esta foto como con la taza grande, y tal vez podría tomar un café italiano en esta otra imagen, así que con la taza más pequeña. Entonces, ella podría tomarse una linda taza de espresso y aquí, podría tener su gran taza. A lo mejor el humo podría ir en esta dirección y reunirse con el otro. Entonces esto, creo, es una composición más interesante que la otra. Funciona mejor y creo que también describe un poco mejor la situación. Nuevamente, como puedes ver los bocetos son bastante sucios y ásperos, y es genial tener este tipo de espacio. En ocasiones, cuando ya se empieza a trabajar en un archivo digital, se siente como si hubiera menos espacio para cometer errores, y probar una y otra vez, y encontrar el momento adecuado para concentrarse en la composición y en el concepto de la pieza. Entonces, ya que esta imagen se volvió simétrica ahora, creo que podría ser interesante usar el color también de la misma forma de espejo. Entonces, ella podría tener, por ejemplo, pantalones verdes y el otro podría tener una camiseta verde, y viceversa con el otro color. Entonces, empieza con rojo. Podría tener un esmalte de uñas verde. Entonces, podemos encontrar un color más para el fondo. Obviamente tiene zapatos rojos y otro color para el fondo aquí. Creo que es un buen ejercicio, si quieres probar, definitivamente puedes hacer esta ilustración con solo dos colores. Entonces, digamos que recoges el verde y el rojo, definitivamente puedes arreglar la ilustración para apoyar solo dos colores. Creo que podría ser un ejercicio interesante ver cuántos colores puedes evitar usar. Entonces, aquí está. Este es más o menos el boceto para nuestra ilustración. Entonces, vamos a ver cómo funciona digitalmente. Entonces, ahora que el boceto está hecho, lo vamos a hacer digital. Justo ahí, vamos a ver si todas estas cosas funcionan y probablemente vamos a usar ese espacio también para agregar más detalles a la ilustración. Podría usar un patrón, por ejemplo, para la ropa. Podría ver si esta nube encima de ellos funciona o no. Entonces, este es solo el primer paso. Entonces, desde aquí, vamos a aprender muchas cosas nuevas en la parte digital. 6. Digitalización de tu boceto: Ahora, vamos a recrear el boceto que he hecho en mi cuaderno de bocetos en estas tablet Wacom que está conectada a mi MacBook Pro. Voy a empezar definiendo el área. Como hice en el boceto, voy a dividir la pantalla en dos partes, y voy a empezar a dibujar. Nunca uso un contorno negro en mi dibujo, así que solo voy directo a una forma plana de color. En realidad no me importan los colores ahora porque voy a trabajar con ellos más tarde, pero solo escogeré algunos colores aleatorios para que tenga una idea del peso de la imagen. Seguiré adelante y dibujaré el cuerpo, y de nuevo, vamos a poner una forma plana aquí. Cuando fui a la escuela, tomé clases de Adobe Illustrator, pero tengo que decir que no fue lo mejor, y así mi forma de usarlo, probablemente va a hacer llorar a algunas personas, pero creo que también está en la forma en que se utiliza el que tienes a tu manera y tomas tus propias decisiones personales. A veces desearía ser más rápido o conocer muchos atajos y cosas, pero luego cuanto más llego a conocer mejor la herramienta, menos se sienten mis cosas auténticas, así que tal vez sea bueno tener un equilibrio entre lo que sabes y lo que no sabes, que suena terrible, pero a veces es verdad. Como se puede ver, el cuerpo ahora se va fuera de la rejilla, el marco. Lo vamos a ampliar más tarde, sólo lo dejaré así por un segundo, que sepamos cuánto del espacio que toma. Creo que si está bebiendo una taza de café, tendría que tener algo de espacio para sus brazos. Estas piernas definitivamente están demasiado altas, así que las voy a bajar. Algo que me gusta mucho la simetría entre la imagen y la siguiente, que podemos ver ya sólo para hacerse una idea, es que realmente me recuerda a la arquitectura. Me gusta mucho la arquitectura y algunos arquitectos. Cuando estoy de viaje, siempre estoy ansioso por conocer y ver nuevas arquitecturas. Creo que hay tantas cosas en común entre la ilustración y la arquitectura porque básicamente estás creando un equilibrio entre formas y definitivamente hay pesos en la imagen. Por ejemplo, la parte inferior es muy pesada, así que vamos a pensar si nos gusta mantener eso o si queremos mover la atención a otro lugar. Un ejemplo de arquitectura que realmente funciona con simetría y con muy, yo diría que limpia cortes formas, pero también tiene un lado romántico al mismo. Racionalista puede tener todas estas arquitecturas que están realmente limpias, y muy cuadradas y esas cosas, pero entonces también tiene hermosos detalles como ventanas redondas, y grandes columnas, y grandes arcos, y a veces la entrada de un palacio lo haría ser decorado con una gran cantidad de mosaicos y hermoso arte. De nuevo, creo que es genial referirse a ella para la composición del trabajo. Esperemos ir un poco en esa dirección. Ahora, que sabemos que las dos cifras podrían quedarse en un lugar como este, tal vez agreguemos un poco más arriba. Podemos deshacernos de éste y lo vamos a utilizar más adelante cuando esta parte se haga. Es un poco estático ahora mismo, así que vamos a tratar de que sea un poco más suave y natural. Todas estas mujeres, quisieran piernas largas y formas interesantes y las hacen muy, nuevamente presentes en la imagen. También me gusta representarlos como no los, hermosos modelos photoshopped que se ven en la portada de revistas, porque creo que esto se ve más la forma en que las mujeres se sienten por sí mismas, o al menos es más parecido a la forma en que me siento sobre mí mismo. Soy una persona bastante alta y siempre he estado un poco fuera de tamaño comparado con mis compañeros de clase y mis amigos, y creo que es bueno darle voz a otros tipos de cuerpos, y tipos de cuerpos extraños, creo o no raro, pero diferentes tipos de cuerpo funcionan muy bien en el mundo de la ilustración, así que por qué no representar diferentes tipos de cuerpo cuando se puede. Como puedes ver, fui a la escuela de arte, pero no me entrenaron durante muchos años, como dibujo de figuras y esas cosas, así que todo lo que sé en cuanto a formas corporales y cosas, aprendí de lo que veo a mi alrededor. La percepción que tengo sobre los cuerpos más que la forma real del mismo, y podría sonar muy mal, pero creo que también es una buena manera de construir tu propia forma de hacer las cosas. Por supuesto que son los límites, muchas veces es límite, pero creo que también puedes convertir ese límite en tu propio idioma, así que no está tan mal. Como puedes ver, solo meto algunas formas y las coloreo muy brevemente, y luego empiezo a trabajar en las formas y luego las afino poco a poco. Se siente un poco como una escultura donde pones toda la materia sobre la mesa y empiezas a darle la forma, y luego toma mucho tiempo tomar la primera forma, y luego a partir de ahí comienzas a refinar la obra una y otra vez. Lo que busco es una forma que no se sienta demasiado forzada y demasiado falsa. Al refinar y refinar, trato de encontrar un buen equilibrio entre el resto de la imagen y el único detalle, sobre todo en términos de lenguaje. La mayoría de las veces empiezo a trabajar y añado diferentes líneas, diferentes pesos, diferentes colores. Una imagen se vuelve muy compleja muy fácilmente. Creo que agregar un buen nivel de refinación, pero no demasiado, es muy útil mantener un buen equilibrio en la imagen. Por ejemplo, si hiciera esta mano de una manera muy definida, como de una manera muy, muy definida, no se sentiría orgánico con el resto del cuerpo porque las piernas no están definidas. Especialmente a las personas que son realmente buenas dibujando, cual es una gran cosa obviamente, lo cual es una gran cosa obviamente, pero también te puede distraer, y si puedes pasar 20 minutos con esta mano y luego tenerlo completamente equivocado con el resto de la imagen. Creo que necesitas encontrar un buen equilibrio entre lo que estás refinando y lo que no eres. Sólo voy a dejar la mano así por un segundo. 7. Dibujar con formas: Algo que creo que es realmente importante a la hora de dibujar en Illustrator o en otros programas digitales, es que, como puedes ver, Illustrator te ayuda un poco a hacer que todo sea un poco más redondo y más perfecto. Eso obviamente es genial. Pero creo que es realmente importante que la computadora esté siguiendo lo que querrías hacer y no lo contrario, no sigues lo que te dice la computadora. Entonces, por ejemplo, ir una y otra vez y tratar de refinar cada pequeña forma es muy importante porque de lo contrario será visible. Puedes reconocer dónde te ayuda la computadora, y cuanto más lo uses como artista, más eres capaz de reconocerla en las obras de otras personas. Entonces, por mucho que sea emocionante que obviamente alguien más te ayude, creo que es realmente importante que estés a cargo y no lo contrario. Antes de tener Illustrator o Photoshop, creo que era realmente complicado para mí trabajar y quedarme satisfecho con mi trabajo, porque mi inspiración provenía de muchas fuentes diferentes. Pero el resultado que me gustó mucho fueron las obras de diseñadores gráficos e ilustradores de los años 60 o 70 y la mayoría de ellos usaban serigrafía. Pero la serigrafía es muy cara sobre todo si estás empezando y no te permite usar muchos colores. Pero entendí que esa era la forma más cercana de imprimir o representar una imagen a mi gusto. Fue realmente frustrante porque ninguna otra técnica podía permitirme ser tan plana y hacer que mi trabajo se viera simple pero aún así colorido y vibrante. Entonces, ya he hecho algunas serigrafías antes, pero de nuevo, es realmente caro y hay que tener un estudio para hacer eso. Entonces, creo que las herramientas digitales me ayudan a encontrar ese efecto que yo quería, que era tener colores buenos, planos, vibrantes. Si imprimes, también puedes imprimirlo como serigrafía o también puedes imprimirlo como una impresión digital muy buena y el resultado es hermoso de todos modos. Entonces, creo que estoy muy contento con esto no sólo porque es fácil y rápido, sino también porque refleja un poco mi forma ideal de dibujos. Además, me gusta mucho trabajar bastante rápido y no porque tenga otras cosas que hacer, sino porque me gusta mucho ser muy instintivo mientras trabajo. Entonces, cuando trabajé en libros por ejemplo, para mí fue una pesadilla porque para un libro, tienes que estar conectado al proyecto por tantas horas, tantos días. Hay tantas cosas que necesitas cambiar y al final estás muy satisfecho obviamente, ojalá. Pero al mismo tiempo creo que es realmente difícil estar en el proyecto durante tanto tiempo. Creo que realmente me gustaría ver el resultado de inmediato, y creo que de alguna manera funciona muy bien con mi estilo y con mi personalidad. Entonces, yo sólo lo tomo como es, supongo. Una cosa que es realmente útil también es imprimir lo que estás haciendo. Que es un poco vieja escuela pero es realmente cierto que no vas a poder entender exactamente cómo sale una pieza hasta que la imprimas. Tengo que ser honesto, apenas lo hago. Pero cuando tengo la oportunidad de hacerlo o cuando tengo que hacerlo, descubro tantas cosas nuevas sobre la pieza. Por lo general, hay errores. Hay pequeñas cosas que no he visto en la pantalla, por eso trato de acercar tanto como puedo para ver si todo es correcto. Pero también, imprimir el trabajo fuera, aunque sea con una mala impresora, te dará la sensación de la pesadez de la pieza así, el peso de la pieza. Creo que es realmente importante entender si la composición es correcta o incorrecta. También me resulta muy útil imprimir una obra. Cuando estés perdido y no sabes si te gusta el trabajo o no, imprímalo y luego usa la impresión como quieras. Simplemente córtelo, péguelo, ponle algo más, triturarlo en pedazos. Creo que es realmente bueno porque Es de la forma opuesta, pasas de lo digital a lo manual, básicamente. Pero eso realmente te ayuda a ver las cosas en perspectiva. Entonces, muchas veces cuando me perdí y no me gustaba una pieza, simplemente la imprimía y luego simplemente la ponía sobre la mesa, lo cortaba y lo cambiaba, lo volvía boca abajo. Te da una relación más real también con tu pieza, que creo que a veces es muy útil. Me ha salvado tantas veces, así que, definitivamente lo recomendaría. Tratemos de replicar esto del otro lado y ver cómo funciona. Creo que me gustaría que se toquen aquí sólo muy brevemente. Entonces, eso significa que este cabello no funciona muy bien juntos. Además, verás si volteas una imagen, no necesariamente es buena del otro lado. Entonces, por ejemplo, me gusta esta cara pero no me gusta esta cara. De nuevo, tal vez no tuviste que voltear todas tus imágenes pero si lo haces a veces, verás si hay algunas cosas de las que no estás contento. Entonces, de nuevo, usa tu imagen, muévala, dale la vuelta y verás cosas nuevas en perspectiva. Entonces, lo que podemos hacer aquí es, definitivamente cambiar el cabello porque ahora la forma es extraña y no me gusta. Como puedes ver, siempre acerco y alejo porque me da un poco de distancia a la pieza y así es más fácil entender si algo está funcionando o no. Otra cosa buena que puedes hacer es, solo deja ahí la ilustración y solo ponte de pie y tal vez ir un poco más allá y ver si te gusta o no desde lejos. Entonces, el de la derecha está tomando una taza de café americano. Entonces, hagámoslo grande. Para cosas como las manos y las posiciones de las manos, siempre es genial tomar una foto y ver cómo se siente y cómo se ve tener una pesada taza de café en la mano. Otra cosa es que, por supuesto, formas como cuadrados, rectángulos, lo que sea realmente útil. Pero mira todas las demás formas, son más suaves y redondeadas. Si guardas aquí este rectangular, creo que se va a sentir un poco demasiado computerio, no sé usar otro término para describirlo. Entonces, siempre es mejor no usar la forma o al menos nunca lo hago, y simplemente redibujarla. Un poco imperfecto, pero definitivamente va a ser más orgánico con el resto del dibujo. Al menos con mis dibujos porque ninguno de ellos es perfecto, perfecto. Entonces, tener un poco de irregularidad aquí y allá, creo que es realmente bueno. 8. Perfecciona tu ilustración: Cuando no sé dibujar algo, como las manos y los pies son realmente complicados para mí. Entonces, cuando no sé cómo dibujarlo, suelo tomarme una foto conmigo mismo con mi iPhone haciendo lo que quiero mostrar en la imagen. Tengo una colección de fotos muy estúpidas de mí en posiciones muy diferentes en el estudio. Pero creo que es realmente bueno y también es mucho mejor que inspirarse en una imagen de Google que todo el mundo tenía en sus pantallas. Entonces, también te puede dar un poco de variedad y no tienes que ir por la misma mano una y otra vez y tener la misma mano que tienen todos tus compañeros, si están usando Google Images obviamente. Está bien. Entonces, justo casualmente tuvimos una taza de espresso aquí. Entonces, voy a tomar una foto de mi mano sosteniéndola. Está bien. Entonces, voy a escoger la imagen que más me gusta, la que conozco que gráficamente funcionaría mejor. Se lo voy a enviar a mi e-mail. No necesita ser una imagen hermosa como puedes ver. Lo repasaré con el lápiz y veré si funciona. Ya que puedes ver cosas que podrían verse bien en la imagen realmente no se ven bien en la ilustración. Entonces, vamos a necesitar trabajar un poco en esto. Entonces, solo déjalo ahí por un segundo. Voy a trabajar en la copa. Entonces, realmente no me gustó la imagen, la silueta de las fotos que he tomado. Entonces, voy a trabajar desde ahí y ver si puedo recrear una forma que me guste. Si alguien quiere ser contratado en mi estudio solo para hacer manos, es bienvenido. Probablemente paso más tiempo en las manos que en todo lo demás. Veamos cómo se ve en este espacio de lo contrario no tiene mucho sentido. Recuerda que naturalmente la ilustración no necesita estar demasiado cerca de la realidad, lo que obviamente es un potencial de ilustración. Entonces, si te puedes imaginar una posición diferente, una perspectiva diferente, creo que es genial solo ir por ella y no te asustes, oh Dios mío no va a parecer en la vida real. Esa es una buena parte de la ilustración y no es sólo una excusa para no poder dibujar una mano. Solo digo que a veces también es divertido doblar un poco la realidad. Yo quiero que las dos copas estén más o menos en el mismo nivel. Entonces, sólo voy a, no necesito guía, sólo voy a tener la sensación de que están en el mismo nivel. Entonces, voy a tratar de torcer un poco esta mano. Entonces, ahora tenemos a los personajes principales. Tenemos el saldo. Pongamos un fondo. ocasiones pongo un fondo al principio mismo del proyecto para que tenga una mejor idea de cómo funciona. Esta vez sólo lo puse al final. Entonces, nunca hay una regla en mi vida. Simplemente pasa. Entonces, veamos si nos gusta la nube que sale de ella. Pongo en el boceto para sólo tener un sentido. Yo sólo voy un rápido ponerlo ahí para ver si nos gusta la cosa, extender un poco el fondo y tal vez también extender esto un poco. Entonces, obviamente, cuando obtienes una asignación, generalmente obtienes el tamaño de la ilustración. Entonces, vas a trabajar con lo que tienes. Pero en este caso, somos libres de irnos para que podamos seguir expandiendo el panorama tanto como queramos. Entonces, creo que por ahora me gusta. Entonces, solo lo puliré un poco. Como puedes ver el programa en sí hace algunas formas extrañas. Entonces, siempre tienes que asegurarte de que todas estas pequeñas cosas estén hechas de la forma en que quieres que estén o al menos lo más cerca posible. Creo que eso sigue siendo a pesar de que las herramientas son increíbles y súper evolucionadas, creo que es realmente importante poder estar a cargo de lo que estás haciendo. Entonces, nunca va a haber una cosa que en realidad sea exactamente como dibujar en un pedazo de papel o tal vez lo habría, pero por ahora, creo que todas las herramientas digitales que tenemos son fantásticas y súper actualizadas y son simplemente geniales. Pero aun así hay una diferencia entre un lápiz en un trozo de papel y un lápiz en una tableta. Entonces, tienes que sacarle el máximo partido sin importar cuáles sean tus herramientas. Pero siempre es importante mantener tu identidad muy clara y cuando trabajas con lápices o un marcador en un trozo de papel eso es más evidente que lo que haces con tu tableta a veces. Entonces, es importante que mantengas tu voz aunque estés usando las herramientas de otras personas. Entonces ahora, tenemos la composición. Es casi final, pero tenemos que trabajar en la elección de colores, claro. Entonces, voy a mantener la nube blanca porque creo que es un buen efecto y crea un agujero en la página. Entonces, voy a quedarme con eso. A ver si hay demasiado blanco o no. Simplemente voy a hacer las gafas diferentes a la boca. Entonces, hagamos esto y entonces estas dos cosas serán del mismo color, probablemente. Entonces, como pueden ver, es similar al boceto pero en el primer boceto, elegí dos fondos diferentes. Entonces, voy a ir a asegurarme de que llene el mismo lugar. Voy a replicar el fondo. Entonces, este lado será de un color diferente. Yo solo lo dejo así por un segundo. Ahora, veamos si tiene pantalón negro, la otra va a tener una camisa verde y eso es lo contrario. Entonces, ella tiene la copa roja. Ella tiene la copa verde. Entonces, este podría ser un buen ejercicio si quieres intentar hacer una ilustración con blanco negro y apenas otros cuatro colores. Por supuesto, podrías trabajar como si ella estuviera usando sólo un traje rojo y ella solo usara un traje verde. Podrías trabajar y hacer que el fondo de esta zona sea verde y el otro rojo. Entonces, esto podría ser un gran ejemplo de cómo hacer una ilustración con tan solo cuatro colores en general. Entonces, blanco, negro, rojo y verde. Por supuesto, necesitas arreglar las copas y esas cosas pero puedes hacerlo totalmente y es un gran ejercicio. Entonces, hagamos un paso atrás por un segundo porque podríamos ir en esa dirección, pero aún no lo sabemos. Ahora que la estructura de la ilustración está hecha, vamos a trabajar en el color, en la elección de colores, ya sea si quieres usar el patrón o no. Vamos a explorar más sobre eso y ver cuáles son las posibilidades que tenemos con los colores. 9. Aplicación de color: Entonces, ahora casi terminamos. El trozo casi ha terminado. Ahora vamos a trabajar en los colores. Creo que ese va a ser un momento en el que vamos a ver algunas de las referencias de las que antes estábamos hablando en acción, y vamos a ver de dónde me inspiro en cuanto al estado de ánimo de la pieza y los sentimientos a su alrededor y el look final al respecto. Entonces sí, entrémonos en ello. Entonces, realmente no me gusta cómo es ahora. Los colores se sienten bastante tristes. Entonces, voy a tratar de encontrar alguna otra combinación. Por supuesto, como dije antes, más color vas a usar, más lo va a complicar para equilibrarlos. Entonces, lo que hago en esta fase es pasar mucho tiempo tratando de encontrar un buen equilibrio entre los colores, y es un proceso que podría llevar mucho tiempo. Esperemos que ahora sea bastante rápido. Pero, a veces también es bueno dejarlo reposar un rato y tal vez echarle un vistazo si tienes tiempo al día siguiente y ver si aún te gustan los colores. En cuanto a colores, mis referencias son muchas. Me gusta mucho el diseño italiano. Entonces, por ejemplo, realmente creo en el principio de diseñadores italianos como Bruno Munari, que también fue ilustrador de libros infantiles, el diseñador. Pudo tomar parte del principio del diseño y agregarles imaginación. Entonces me gusta mucho su trabajo. También me gusta el trabajo de diseñadores de los años 80 como Sottsass y Mendini, Alessandro Mendini, porque llevaron las lecciones de Munari a otro nivel. Se volvieron mucho más locos por los propósitos del diseño. Sus diseños no sólo estaban hechos para servir, sino que también fueron hechos para ser divertidos y excesivos. Hay muchos de sus colores que encuentro en mi trabajo accidentalmente, así que eso definitivamente es una fuente de inspiración para mí. Lo que me gustaría transmitir en esta imagen es como un estado de ánimo feliz y un efecto muy pop, algo así como vibrante. Como pueden ver, sigo yendo de ida y vuelta por la combinación correcta. Otra inspiración para mí es el futurismo, el futurismo, y también las vanguardias de los años 20 y los años 30, porque creo que el uso del color que hacen es bastante impresionante. Utilizan muchos tonos naturales en comparación con colores más audaces, y eso es realmente interesante. Utilizan muchos marrones y grises. Artistas como Sophie Taeuber-Arp o Sonia Delaunay, utilizan colores impresionantes que son una mezcla de, de nuevo, como tonos que vienen del suelo como marrones y lo emparejan con rosas o morados muy brillantes. Es realmente interesante cuando encuentras un color, como un color muy básico como este podría ser, y lo emparejas con algo que es más vibrante, creo que los resultados suelen ser muy interesantes. Creo que ahora es el momento de intentarlo. Aún no ha terminado, obviamente. Pero, creo que podría estar bien ver si hay algún patrón que podamos agregar a la ropa. Entonces veamos si funcionan. 10. Experimenta con el color: Entonces, sólo voy a poner unas flores en la parte superior. A veces pienso que incluso las tiendas vintage son una gran fuente de inspiración. Si pasas por las camisas que tienen, probablemente vas a encontrar muchos patrones que son tan interesantes y tan intrincados a veces. Normalmente voy a la tienda vintage cercana a mi estudio solo para echar un vistazo a los patrones y tomar fotos de ellos, y a veces comprar algunas cosas. Incluso cuando estás copiando y pegando algo, creo que debes prestar atención que no se vea demasiado repetitivo. Entonces, si puedes girarlo y moverlo un poco para que se sienta menos repetitivo y al igual que copiar y pegar, se vería bien. Como puedes ver, la Imagen sigue siendo la misma, pero el estado de ánimo cambia mucho. Ahora es mucho más decorar y tiene, creo que una vida más interesante. Si queremos hacerlo aún más, también podemos agregar algún patrón a los pantalones. Veamos cómo es. Probemos con algunos puntos. No las hagamos demasiado similares a las flores, que podamos hacer las más pequeñas. Déjame intentar hacer una muestra. Lo que puedes hacer es usar estas muestreas o crear otras nuevas lo cual siempre es la mejor opción porque todo lo que ya está en la computadora será más reconocible, obviamente. Entonces, lo que hago es usualmente, dar un paso atrás. Yo me quedo con los pantalones como antes, marrones. Estoy bastante seguro de que hay una mejor manera de hacer esto, pero solo colocaré una gran parte de ello. Digamos que los quieres más grandes. Entonces, solo prepararé este archivo y luego lo extenderé todo lo que quiera. Entonces, Es el mismo patrón, pero de esta manera, se verá menos reconocible que lo que teníamos antes. Entonces, me gusta la ropa como están y creo que el fondo todavía necesita alguna edición. Entonces, probablemente voy a poner el rosa en el lado más marrón y algo aquí. A mí me gusta sin los dos fondos ahora que lo veo así, pero vamos a ver. Esto podría ser agradable. Está un poco demasiado cerca del marrón y de los zapatos, así que voy a tratar de hacerlo un poco diferente. Cuando hago un trabajo por mí mismo, suele ser más complicado de lo que es con un trabajo de cliente porque tengo menos límites. Entonces, en el inicio de mi carrera, siempre fui ilimitada, así que fui realmente bueno para lidiar con ello. Ahora que estoy más acostumbrado a tener asignaciones y trabajos que hacer, se ha ido complicando cada vez más mantenerse al día con el trabajo personal, el espacio personal. Y así, a veces es difícil convencerme de que me gusta algo o no me gusta nada. Ya que no tengo fecha límite la mayor parte del tiempo, es aún más difícil saber cuándo se hace un trabajo. Entonces, sí, definitivamente es más complicado ahora trabajar en una pieza personal de lo que solía ser. Creo que es agradable también porque significa que para hacer cosas bonitas, necesitas tomarte algún tiempo y mayoría de las obras maestras no se hicieron en dos días o solo unas horas. Entonces, es agradable a veces ser recordado que a veces se necesita tiempo. Entonces, con cosas personales, puedes hacer eso y tomarte todo el tiempo que quieras. Además, no soy fan de la perfección misma. Entonces, no busco que conozcas el equilibrio perfecto, la forma perfecta, el sujeto perfecto. Simplemente trato de ir con el flujo y ver qué funciona para mí en ese momento. Si no funciona dos días después, no es un problema. Definitivamente puedo deshacerme de todo lo que he hecho hasta ahora o empezar de nuevo. No estoy como conmocionado por la idea también porque trabajo bastante rápido. Entonces, aunque tenga que deshacerme de todo, no va a ser demasiado complicado para mí. Mis colores suelen estar bastante saturados, así que nunca me voy apenas en esta zona de la rueda de color. Normalmente escojo colores brillantes y tienen que estar bastante saturados. Apenas trabajo con transparencia, a menos que el propósito de la obra sea trabajar en un collage y hacer que algunas formas se encuentren como interactuar entre sí. Pero apenas voy de este lado. Cuando lo hago, es encontrar colores neutros que pueda emparejar con colores más brillantes, sobre todo con tonos de piel. Yo me gustaría ir por esta zona para tratar de encontrar algunos grises, algunos marrones, algunos rosados que están en esta zona de la rueda de color. Creo que cuanto más límite tengas, mejor es. Si tan solo decides trabajar con tres colores, vas a encontrar una solución que podría ser más interesante de lo que tendrías si tuvieras todos los colores del mundo. Creo que es importante darte algo de contención para que puedas operar entre los límites, y creo que los límites son una gran manera de romperlos. Entonces, es importante creo, si aún no tienes una asignación, darte algunos límites para que encuentres tu propia manera de superarlos. En algún momento te voy a dejar ir, porque de lo contrario podría tomar horas encontrar un buen equilibrio. Porque pasa tanto en la ropa que creo que un doble fondo agrega demasiado, hay demasiado pasando demasiado, creo. Entonces, si te quitas esta capa, creo que es mucho mejor porque los dos personajes pueden respirar mucho más fácil ahora y tienen espacio para estar vivos. Creo que se puede leer tanto mejor la composición. Entonces, ahora tenemos tres colores; el marrón, el amarillo y el rosa en la parte posterior. Y luego, claro que también tenemos el blanco y negro. Veamos si podemos quitarnos el negro solo para hacerlo aún más consistente, porque el negro era el único elemento que estaba fuera de la paleta. Entonces, cuando tienes una paleta tan corta, a veces cuando solo tienes un color en un pequeño lugar en la Ilustración, podría ser distrayente, y el negro como el blanco crea un gran agujero en la Ilustración. Entonces, es realmente importante que consideres el peso de ese color. Creo que eso funciona mejor con el marrón. Pero ahora, déjame ver si puedo hacer estas gafas rosas y estas pintalabios rosa. Debería funcionar mejor. Entonces, creo que esto podría ser. Está muy cerca de lo que tenía en mente. Esta elección de color me recuerda un poco a los colores que solían usar los modernistas. Entonces, soy un gran fan de Ray y Charles Eames y Alexander Gerard. Fueron realmente buenos incorporando el paisaje a su alrededor en su trabajo. Entonces, en cuanto veo su trabajo, pienso en California y las Fronteras con México. Entonces, hay mezcla de sol y tradición y folclore. Me gusta mucho la forma en que sintetizaron ese sentimiento, ese estado de ánimo en un diseño muy limpio y colorido, e ilustraciones, y objetos, y todo. Entonces, eso realmente me recuerda eso y definitivamente es como una gran fuente de inspiración para mí. 11. Cierre: Entonces, creo que ya terminamos. Antes trabajamos en los bocetos, hemos hecho un par de opciones, y lo tomamos digitalmente, y lo cambiamos. Como se puede ver, el dibujo inicial es un poco diferente en comparación con el final, y siempre sucede, y siempre es como una sorpresa. Entonces, colocamos una caja para ilustración. Decidimos que íbamos a usar dos personajes, y no sólo uno. Después trabajamos en el tipo de arquitectura de la pieza. Entonces, son sólo dos figuras las que están conectadas por una nube de humo. Después trabajamos mucho en la elección de los colores, y agregamos algunos patrones a la ilustración. Entonces básicamente, toda la estructura cambió un poco porque los patrones son tan decorativos. Entonces al final, elegí esta opción de color, que es una especie de sensación springy. Entonces, sí, creo que ese es un buen equilibrio. Por supuesto, podría estar aquí escogiendo otras opciones de color para siempre. Podría sentarme aquí y solo hacer cambios una y otra vez, pero creo que hay un momento, donde encuentras que el equilibrio entre todos los colores es algo correcto, y hay que confiar en ese instinto, y tal vez como yo dijo antes, tal vez puedas dejarlo sentado, y luego volver, tal vez al día siguiente, o dos días después para ver si aún te gusta. Como estudiantes, creo que siempre puedes preguntarte a qué dirección vas. Si el concepto que escogiste es claro o si solo está en tu mente y solo tú podrás entenderlo. Hacer un autorretrato, creo que es un gran ejercicio porque te pone frente a un espejo, y hay que encontrar la manera de describirte a otras personas y a veces incluso describirte a ti mismo. Entonces, no tiene que ser una bonita imagen de cómo te ves ese día, el mismo suéter exacto que llevas puesto, el cabello que tienes ese día, pero podría ser una proyección sobre cómo te sientes por ti mismo, cómo te piensa que te ves, cómo te gustaría lucir, cuáles son las cosas que te importan y quieres poner ahí fuera. Entonces, creo que un autorretrato es un muy buen ejercicio para solo hacer un punto, y ver dónde estás con tu vida y quién eres? Entonces, cuanto más puedas incorporar sobre tu vida sin ser demasiado literal, mejor es. Mirando atrás en mi carrera, creo que hice probablemente miles de autorretratos, y los primeros se parecían mucho más a mí en la vida real, pero luego empecé a tratar de sintetizarlos, y hacerlos siempre más cerca de lo que tenía dentro en lugar de lo que tenía fuera. Entonces, el autorretrato que vas a hacer después de esta clase, va a ser sólo uno de muchos. Entonces, cada año, cada mes, cada semana, cuando quieras, intenta hacer un autorretrato rápido para saber dónde estás. Entonces, diviértete con tus retratos, y no puedo esperar a verlos en la Galería de Proyectos en Skillshare. 12. ¿Qué sigue?: [ inaudible]