Ilustración de personajes: crea un personaje con Photoshop y acuarela

1. Introducción: Lo que más me gusta antes de dibujar personajes es que me da oportunidad de canalizar todo tipo de emociones diferentes a través de ellos. Mi nombre es Yana Bogatch y soy Ilustradora y Artista de Cómics. En la clase de hoy les voy a mostrar cómo crear una ilustración de personajes utilizando una combinación de medios digitales y tradicionales. Específicamente usando Photoshop, tinta, y acuarela. Estoy muy emocionado de compartir mi proceso contigo porque pasé muchos años perfeccionándolo. Creo que iniciar el proceso digitalmente, y hacer bocetos en Photoshop crea una base realmente sólida. uso de los medios tradicionales por otro lado requiere mucho compromiso instantáneo donde es realmente difícil arreglar algo. Por lo que hay que desarrollar una habilidad para aprender a trabajar con los errores que cometes, y a veces esos pequeños errores son lo que hace que el dibujo sea mucho más espontáneo y divertido de mirar. En la clase de hoy, estaré compartiendo todo mi proceso contigo empezando por el primer paso de hacer bocetos de calentamiento, y terminando con escaneo a dibujo y haciendo toques finales en Photoshop. Después lo imprimiré y usaré una Caja de Luz para transferir el boceto sobre papel de acuarela. El siguiente paso es entintar el dibujo, y el último paso es ponerle color con acuarelas. Hay algo realmente satisfactorio en sostener una obra terminada en tus manos y poder mirarla desde diferentes ángulos, y espero que puedas seguir este proceso para que puedas experimentar eso también. Por favor, publique su obra en la galería de proyectos, porque me encantaría ver qué se le ocurre. Estoy súper emocionado de que decidieras unirte a mi clase. Empecemos. 2. Proceso y materiales: Entonces en esta clase, te estaré enseñando a dibujar un personaje usando Photoshop, tinta, y color agua. Normalmente empiezo con al menos 30 minutos de bocetos de calentamiento porque encuentro que mis manos están bastante rígidas y ayuda a aflojarse y realmente acelera el proceso de bocetos a medida que voy más allá. Por lo que generalmente vale la pena tomarse el tiempo para hacer eso primero. Una vez que termine de calentarme, generalmente tengo una idea bastante buena de qué tipo de ilustración quiero crear en mi cabeza, pero aún no he hecho ningún bocetos. Entonces haré un poco de miniaturas para bajar la composición y normalmente las hago bastante pequeñas que hace que el proceso sea mucho más rápido y puedo pasar por muchas opciones y elegir la que más me guste. Una vez que escojo un boceto en miniatura con el que estoy contento, una foto rápida del mismo y me lo envío para que pueda abrirlo en Photoshop. Arrastro la foto a un archivo de Photoshop el cual suele ser un tamaño normal de papel por lo que ocho y medio por 11. Lo volaré para que ocupe toda la página y haga otra capa para poder hacer una versión más finalizada del boceto. En el siguiente paso dependiendo de lo clara que sea la miniatura, normalmente haré un boceto muy ligero que muestra una idea de dónde estará todo para que pueda hacer otra capa para hacer una versión más limpia del personaje ojalá, el final. A veces tienes que hacer una capa adicional solo para asegurarte de que todo esté lo más claro posible. Una vez que el boceto de Photoshop está listo para salir, lo imprimo y uso una caja de luz para transferirlo a papel de acuarela. Por lo general tengo una idea aproximada de qué esquema de color voy a estar usando. Entonces dependiendo de eso, usaré un lápiz de color para crear un boceto realmente ligero en el papel de acuarela. Una vez hecho eso, me muevo justo a las tintas. Mi enfoque típico a la hora crear ilustración digital se llamaría sombreado cel. Por lo que empezaré con hacer line art y luego crearé otras capas a medida que avance. Entonces eso también es algo que transferí a mi proceso de pintura tradicional. Por lo que también empezaré con el line art usando tinta y también pondré sombras y manera similar a crear otra capa encima de eso y configurarla para multiplicar para establecer colores planos, solo usaré acuarelas para hacer lo mismo y lograr un efecto similar. Para el último paso, solo trabajaré en los pequeños toques finales usando gouache blanco para un poco de reflejos o lápices de colores para atar la imagen. Por lo que estas son algunas de mis herramientas básicas y utilizo estos lápices de colores para transferir el boceto. Normalmente uso este bolígrafo que obtuve de Muji para bosquejar. Por alguna razón, no he usado un lápiz real para bosquejar en mucho tiempo. mí me gusta mucho usar este bolígrafo porque es muy suave y es relativamente delgado por lo que puedo obtener líneas muy precisas con él. También tengo algunos bolígrafos de tinta micrónica aquí. Normalmente uso un plumín para tinta pero a veces para detalles muy finos, usaré estos. Entonces también tengo este borrador de precisión que ayuda si estoy trabajando con un dibujo relativamente pequeño que tiene mucho detalle en él. Entonces esta es mi tinta go-to que uso, es de Ph Doctor Martin y hay dos tipos diferentes que tengo. Ahí hay un tapete y una versión brillante. Normalmente voy con tapete cuando añado acuarelas más adelante para que no distraiga con el brillo. También utilizo tinta negra Winsor y Newton también. Pero he estado usando mucho este últimamente y me gusta. Estas son las tintas de colores que me gusta usar, también son Winsor y Newton. Lo que realmente me gusta de ellos es que son realmente brillantes y vívidos y en realidad son un poco como la acuarela. Pero lo bueno de ellos es que no se reviven con agua después de que estén secos. Entonces por eso uso estos en lugar de acuarela para mezclar con mi tinta negra. En ocasiones cuando quiero dar una ilustración como un toque extra, también mezclaré ya sea en esta tinta de plata Winsor y Newton o en esta tinta de Mica de oro Kuretake. Estos son los pinceles que se usan. No soy muy quisquilloso cuando se trata de pinceles. Normalmente consigo pinceles de acuarela regulares disponibles en cualquier tienda de arte. Estas dos tallas son mi go-to así que son una talla cuatro y dos. A mí me gusta tener el pincel más pequeño para el trabajo detallado. Este pincel de tamaño mediano es uno que uso más comúnmente y también me gusta tener uno un poco más grande para llenar áreas más grandes con acuarela o tinta y uso estos pinceles para tinta y acuarela de manera intercambiable. Para la mayoría del trabajo de tinta, uso un plumín de marca deleter, es el genoma. Creo que es muy popular entre los artistas del cómic en Japón, pero es una línea realmente bonita y delgada y por lo general tienen un par de esos por si acaso. Este es mi conjunto de acuarelas favorito. Ahí la acuarela transparente sincromática del Dr. Martin. Me gustan mucho estos porque son muy brillantes y se mezclan muy limpiamente. Por lo que puedo conseguir una amplia gama de colores y también líquido para que pueda ser muy preciso con cuanto color pongo en mi paladar. Por lo que además de las acuarelas del Dr. Martin, me gusta usar las regulares también. Creo que estos son pentel y vinieron en tubos poco exprimidos. Entonces solo las puse todas en un paladar para que sean fáciles de llegar. A veces me gusta usar estos porque sí dan un poco de un efecto diferente y cuando se secan, no reviven tan fácilmente como los del Dr. Martin. Por lo que son un poco más fáciles de usar en ese sentido pero el color no es tan brillante. Esta es la almohadilla de papel de acuarela que utilizo con mayor frecuencia. No soy muy quisquilloso con el tipo de papel que se usan. En ocasiones también usaré papel Bristol si no quiero textura pero últimamente he estado usando papel de acuarela la mayor parte del tiempo. Mi mayor preocupación usualmente es asegurarme de que el papel no sea demasiado grueso para que pueda usarlo en la caja de luz para transferir el boceto. Este es mi cuaderno de bocetos favorito actual para usar. Llevo usando estos desde hace un par de años ahora consistentemente y lo que me gusta mucho de ello es que es muy delgada por lo que es fácilmente portátil y puedo llevarlo donde quiera. Además, cuando lo abro, se queda relativamente plano y no hay demasiado alto de un borde para que pueda dibujar todo el camino hasta los bordes del papel. Entonces esta es la caja de luz que uso, artograph es la marca y me gusta mucho porque la llevo usando desde hace bastantes años y nunca tuve ningún problema con ella en absoluto. A mí me gusta cómo el brillo es relativamente alto. Entonces puedo usar un papel bastante grueso, pero además no es tan brillante que me duele los ojos cuando trabajo en él no cuando lo uso por un largo periodo de tiempo. Para la parte digital de la ilustración, utilizo Photoshop y un Cintiq 22 HD, pero puedes usar cualquier tablet que tengas y ni siquiera tiene que ser Photoshop. Entonces, cualquiera que sea el programa digital con el que te sientas cómodo funcionará bien para hacer bocetos. 3. Boceto de calentamiento: El motivo por el que realmente me gusta iniciar el proceso con algunos bocetos cálidos, es porque me parece que mis manos suelen estar muy rígidas. Esto es algo que ni siquiera necesariamente noto. Pasé tantos años dibujando y la mayor parte del tiempo estaba bastante impaciente, así que me sentaba y me pondría directo a trabajar, pero encontré que haciendo calentamientos y pasando al menos 30 minutos y hasta una hora y tal vez incluso más a veces, realmente ayuda a acelerar el proceso más adelante. Ayuda en gran medida en la precisión y simplemente generalmente hace que sea mucho más fácil dibujar. Esto es algo que definitivamente tuve que aprender de la manera difícil, y es realmente fácil de olvidar. Pero yo recomendaría empezar siempre con calentamientos, porque definitivamente vale la pena. Al hacer bocetos de calentamiento, no me gusta poner demasiado tiempo en una sola pose porque todo el punto es simplemente usar mucho la mano, para calentar. Entonces tal vez me tomaré un par de minutos proponer, tal vez hasta cinco como mucho, pero normalmente es alrededor de dos o tres minutos. Normalmente me gusta trabajar a partir de imágenes de referencia para los bocetos de calentamiento. Normalmente me gusta usar poses dinámicas, varios tipos de acciones porque son mucho más fáciles de capturar y ver. Me gusta mucho usar Pinterest y en realidad lo uso para muchos otros aspectos de mi trabajo, no solo bocetos de calentamiento. Pinterest también es realmente útil cuando estás iniciando un proyecto. Normalmente me gusta crear una carpeta llena de inspiración a la que siempre puedo ir y mirar, eso ayudará a que fluyan los jugos creativos. Entonces al hacer bocetos de calentamiento, me gusta empezar por encontrar la jaula costilla, seguida de pelvis y es como una forma básica de almohada. A partir de entonces establecer una línea de acción es bastante bueno. Por lo que te da un buen sentido del movimiento dentro de la pose. Es bastante importante colocar los pies. Por lo que me gusta hacer eso temprano sin entrar en los detalles. Entonces, la cabeza. Normalmente trato de conectarlo al torso lo antes posible para que la colocación sea relativamente precisa. Entonces, encontraré más o menos adónde irán las manos. Al igual que así. A lo mejor indicar un gesto rápido de lo que la pose de las manos. Sí. Entonces, después de lo básico sólo está listo para salir. Voy a llenar un poco de los detalles. Por lo general, en este proceso, voy a encontrar que, tal vez me perdí la marca en cierto lugar especialmente cuando apenas empiezo a calentarme, así que haré ajustes a medida que vaya. El punto aquí es no conseguir ningún bonito dibujo ni nada por el estilo, es solo para que tu mano se mueva y para capturar la pose. Si no resulta que son geniales, siempre hay la siguiente. Adelante y haz tus propios calentamientos, intenta pasar al menos 30 minutos. En ocasiones pasas hasta una hora, lo cual es realmente bueno. Realmente cuanto más tiempo pases en esto, mejor, más fácil será, cuando pases a los siguientes pasos. Sí, simplemente no te enfoques demasiado en cómo se ven los dibujos. Todo el punto es solo calentarse y aflojar las manos. El siguiente paso, vamos a empezar a planear la ilustración dibujando pequeñas miniaturas para bajar la composición básica. 4. Planificación de tu personaje: Por lo que el siguiente paso es elegir Miniatura, la ilustración para bajar la composición básica y averiguar cómo quieres que se vea. Normalmente tengo una idea aproximada de lo que voy a dibujar, así que ayuda tener un personaje en mente por supuesto y tal vez como algún tipo de acción que te gustaría que estuvieran haciendo, o tal vez incluso sólo una sensación que te gustaría atravesar. Entonces con esta ilustración en particular, quiero dibujar este único personaje mío y en lo que quiero enfocarme es su expresión facial. Por lo general, solo empezaré con algo así y veré a dónde me lleva. Entonces con este pequeño boceto que dibujé aquí, estoy bajando el ángulo de la cara que estaba pensando y también se me ocurrió tal vez tenerla sujetando el pelo así. Entonces es sólo un poco de exploración para que en la siguiente miniatura, pueda averiguar cómo va a ser toda la pose. A mí me gusta mucho adónde va esto, pero siento que debo dibujar algunas opciones más solo para ver a dónde puedo llevarla. He hecho algunas miniaturas más para explorar la idea con la que iba. Empecé con bosquejar esta pose por aquí. A pesar de que me gustó, me pareció un poco demasiado formal y no me gustaba ella, ella estaba directamente frente a la cámara. Entonces probé estos dos y estaban mucho más cerca de lo que tenía en mente pero en éste, su rostro no era lo suficientemente visible así que decidí probar una pose donde ella estaba acostada. Pero esta otra vez, no me gustó mucho composicionalmente, pero me gustó mucho la idea de usar hongos como follaje a su alrededor y como un pequeño tronco que pueda estar acostado. Después dibujé un par de opciones más y con esta, fue una buena combinación de su rostro siendo lo suficientemente visible para poder incorporar la expresión facial que me gustó al principio y también pude usar los hongos como follaje alrededor. Al venir con poses para usar para mi personaje, me gusta evitar cualquier cosa que sea demasiado estática, así que generalmente no tiendo a hacer poses de pie. Para este dibujo en particular, me gusta mucho la idea de que se aferre a su cabello. Creo que salió bien con su expresión facial y desprendió cierta sensación ligeramente nerviosa a pesar de que aquí está relativamente relajada en el árbol. Entonces sí, tener un poquito de una idea como esa ayuda mucho a crear una pose interesante. Entonces cualquier acción diminuta como un personaje sosteniendo su pelo es más que suficiente para salir de, para llegar a una composición interesante. En el que aterricé fue esta miniatura, así que voy a seguir adelante y llevar esto a Photoshop para hacer un boceto finalizado. Me gusta mucho esta parte del proceso porque me permite explorar rápidamente mis opciones sin quedar demasiado atrapado en los detalles. En el pasado, a veces, intentaba esbozar poses mucho más grandes en la página y desafortunadamente, eso me hizo centrarme en los detalles y me llevó demasiado tiempo. Entonces con estos, a veces cuanto más pequeños, mejor. Yo encuentro y no tengo que preocuparme demasiado por hacer las cosas bien, porque esto es mayormente por conseguir lo fundamental de cómo va a ser el dibujo. El grandioso de llevarlo a Photoshop es que puedo acercar y usar la miniatura como un dibujo bajo directamente para el boceto final. Entonces en este punto, una vez que tengan miniatura con la que me siento bastante cómoda, tomaré una foto rápida de la misma y solo llevaré la imagen directamente a Photoshop. Entonces ahora que te he mostrado mi proceso básico, puedes seguir adelante y empezar a dibujar unas miniaturas propias y recordar divertirte con el personaje y meterte en cómo es su personalidad y usarla como un trampolín para ideas para poses. Asegúrate de no quedar demasiado atrapado en los pequeños detalles porque esto es sólo el principio. El siguiente paso es llevar la imagen en miniatura a Photoshop y hacer un boceto más limpio. 5. Bocetos en Photoshop: Por lo que el siguiente paso en mi proceso es llevar el boceto en miniatura a Photoshop para hacer una versión más limpia. Yo sólo voy a seguir adelante y empezar un nuevo expediente, y vamos a ir con un ocho y medio por 11. El motivo por el que lo estoy haciendo ocho y medio por 11 para que pueda imprimirse fácilmente en una impresora regular que podría tener en casa. Entonces para el archivo, solo tienes que asegurarte de que al menos 300 dpi en resoluciones para que puedas imprimirlo a buena calidad. Entonces voy a seguir adelante y arrastrar en la foto. Entonces ahora, solo voy a redimensionar el boceto, para que encaje mejor. En este punto, no necesariamente tienes que tener el tamaño exacto, siempre puedes ajustarlo más adelante. Entonces ahora, voy a bajar la opacidad a algún lugar alrededor del 20 por ciento, por lo que todavía la puedes ver fácilmente. Así que acabo de crear una nueva capa en la parte superior de la miniatura para hacer una versión más limpia. Mi pincel favorito con el que dibujar en Photoshop es el cepillo basalto áspero de Kyle Megapack, y lo llevo usando desde hace mucho tiempo. Creo que sí lo ajusto ligeramente. Por lo tanto, si vas a Ajustes de pincel, normalmente me aseguro de que la transferencia esté activada y de que el jitter de capacidad de generación y un jitter de flotador estén configurados en presión de lápiz. En este paso, voy a empezar haciendo un gesto, un gesto áspero pero pero muy a la ligera para que pueda establecer la figura con un mayor grado de precisión que la miniatura. Por lo que también puede fijar cualquier anatómica y consistencias. Por lo general en este paso, seré mucho más preciso con el ángulo de la cara. Aquí, puedo hacer pequeños cambios a medida que surjan. Por ejemplo aquí, estaba planeando dibujar la mano subiendo así, pero ahora que miro, creo que se vería mejor si la dibujo así. Planearé más o menos a dónde irán algunas de las características solo para asegurarme de que la colocación sea correcta. Por lo que a estas alturas, todavía estoy tratando de sacar lo esencial de la pose, pero con más precisión estas veces. Una vez aún estoy estableciendo la pose en el primer pase del boceto final, por lo general pondré en forma rugosa para el cabello, así puedo averiguar cuánto espacio quería ocupar y cuál será la forma general. Ahora que tengo un primer pase contorno áspero de la pose del personaje, estoy pensando que quizá quiera cambiar cómo se posicionan las piernas. Entonces solo voy a volver atrás y borrar esto y probar algunas opciones diferentes. Esta es una de las mejores cosas de hacer bocetos en Photoshop es que es realmente rápido deshacerse de algo y probar algo nuevo. En este punto del proceso de bocetos, ya no necesito ver la miniatura, así que sólo me desharé de eso. Entonces ahora que he terminado con el contorno áspero, he establecido la colocación de todas las extremidades y la pose. Para que pueda entrar en detalles. Después de completar el primer pase del boceto, siempre puedes agregar otra capa solo para retener esta en caso de que quieras volver atrás y rehacer los detalles. ocasiones lo haré o en otras ocasiones cuando me sienta más seguro de adónde va la competencia, solo seguiré con los detalles en la misma capa. También es buena idea comenzar en una capa diferente si el boceto resulta demasiado desordenado de lo que es mucho más fácil limpiarlo más tarde cuando está debajo. Pero como esto es relativamente limpio, solo voy a seguir adelante y dibujar en la misma capa. En este paso, me concentraré más en ciertos elementos donde pondré más detalles y dejaré otras cosas para el proceso de entintado. Entonces es un poco más orgánico y no tengo que pasar demasiado tiempo en el boceto. Normalmente me gusta empezar con la cara porque me ayudará a establecer el tono para el resto de la ilustración y es la parte más importante de la ilustración también. Por lo que al esbozar la cara, normalmente trato de conseguirla lo más finalizada posible para que cuando pase a tinta, no quede nada que resolver y pueda rastrearla uno a uno para que la expresión facial se mantenga lo más cerca de la boceto como sea posible. El rostro suele ser el punto focal y suele ser lo primero que verá el espectador cuando vea la ilustración por primera vez. Por lo que es realmente importante hacerlo bien. Después de terminar de finalizar la cara, suelo pasar a las manos porque son lo siguiente más importante. El motivo por el que me gusta enfocarme tanto en la mano en el boceto es porque normalmente, es un sorteo bastante muerto por falta de conocimiento anatómico. Por lo que tampoco me gusta dejar eso al azar por entintado. Por lo que me gusta acercarlo lo más a la final posible en el boceto que más tarde solo tengo que repetirlo cuidadosamente con tinta. Por lo general, cuando termine de finalizar la cara y las manos, me limitaré a alejar otra vez y miraré el panorama general y me aseguraré de que me parezca bien, y pongo algunas formas básicas para la ropa, dondequiera que le falte. Entonces como puedes ver aquí, ya he indicado adónde irá la falda pero, realmente no he hecho nada en las zonas del torso. Entonces solo voy a entrar y hacer eso. Por lo general en esta fase, no entraré en demasiados detalles, solo estableceré a dónde irán los pliegues más o menos. Algunas de las cosas más importantes para asegurarme de que tengo abajo son las formas. Me centraré en cómo cae la ropa y qué tipo de forma crea alrededor las extremidades solo para asegurarme de que nada se vea extraño, y todo es dinámico y nada realmente pelea demasiado. No suelo hacer un elemento a la vez. Por lo que viajo alrededor de toda la ilustración y agrego líneas aquí y allá como les parezca conveniente. Entonces ahora mismo, voy a pasar al pelo y terminar eso un poco más. Dibujar el cabello suele ser lo más divertido de una ilustración para mí. Realmente disfruto cuánta libertad y permite y por lo general no me importa demasiado cómo se supone que se vea en la realidad. Por lo que la romperé en hebras y formas más grandes para que sea más manejable y ayude a organizar la imagen y hacer que se vea más coherente, y luego puedo volver atrás y agregar pequeñas hebras donde me sienta necesario. También puedo hacer eso mientras entintaba también. Por lo que no paso demasiado tiempo metiendo en los pequeños detalles en el proceso de bocetos. Entonces una vez que tenga la mayoría de los elementos de los personajes bastante trabajados, volveré a acercarme y decidiré cuánto detalle poner en segundo plano. Entonces como mencioné el boceto, me gusta mucho la idea de poner unos champiñones y follaje. Por lo que he indicado algunas zonas ásperas donde me gustaría que fuera eso y aproximadamente a qué forma me gustaría que tomara. Por lo que en base a eso, sólo voy a dibujar. Este tipo de cosas son bastante rápidas y fáciles de dibujar, así que no tengo que dibujarlo cada una. Estos son el tipo de detalles que realmente me gusta dejar por tinta porque es más espontáneo de esa manera, y por lo general terminarán luciendo más interesante. Entonces siento que este no es un lugar bastante bueno, pero trabajaré en él un poco más solo para bajar las líneas que falten y para apretar un poco antes de poder pasar al paso final del boceto. Por lo que en este punto, el boceto es más o menos bueno para ir y me quedé un poco llevar por agregar detalles. Entonces esto es un poco más detallado de lo que normalmente iría, pero noté que es un poco difícil decir lo que está pasando alrededor de la cara y el cabello. Por lo que decidí agregar un tono plano al cabello solo para que sea fácil ver a través del papel una vez que transfiera el boceto usando la caja de luz. Entonces esta es una cosa realmente rápida y sencilla. Normalmente voy a entrar a los pinceles y recoger algo regular. Entonces desde pinceles generales, iré con cepillo redondo duro y me aseguraré de que el flujo sea del 100 por ciento. Simplemente iré a revisar la configuración y asegurarme de que la transferencia no esté encendida. Entonces es un pincel sólido. Sin preocuparme demasiado por quedarme dentro de las líneas, solo escogeré letra gris, a media dos tonos letras. A pesar de que cuando se imprime, no está demasiado oscuro, así que todavía puedo ver las líneas a través de él. Pondré el tono en una capa separada, generalmente debajo del boceto o si lo vas a poner encima, asegúrate de que esté configurado para multiplicarse. Porque hay tantas líneas en el boceto, es un poco difícil decir dónde termina el cabello y comienza el vestido. Por lo que solo hace que sea más fácil y más rápido tinta cuando hay un tono plano por ahí. Entonces en este paso, intenta enfocarte en atender realmente a tu propio nivel de habilidad y ver en qué detalle quieres entrar. Por lo general, cuanto más detallado sea el boceto y cuanto más finalizado sea, más fácil serán dos tinta. Para mí, generalmente me gusta enfocarme en la cara y las manos solo para asegurarme de que esas cosas estén realmente finalizadas, y tal vez estar un poco más suelto con el pelo o la ropa sólo porque lo he hecho tantas veces y me gusta añadir un poco de experimentación en. Pero solo establece tu nivel de comodidad y asegúrate de que te sientas muy bien con el boceto antes de pasar al entintado. En este punto, me siento bastante cómodo con el boceto. Entonces solo voy a seguir adelante e imprimirlo, para poder usarlo con mi caja de luz. 6. Dibuja el boceto: Entonces, en este paso estamos listos para transferir el boceto al papel de acuarela. Entonces tengo el boceto impreso aquí mismo y un pedazo de papel de acuarela que es un poco más grande que el papel de la impresora, por lo que será fácil de adjuntar. Para pegarlo en el papel de acuarela, solo voy a usar cinta washi. No se adhiere demasiado al papel. Para que cuando me lo quite más tarde no se desgarre. Ahora, estamos listos para pasar a transferir el boceto, y ver cómo agregar el tono plano realmente ayuda, ver dónde va a terminar el cabello. Por lo que ya puedes imaginar el dibujo se va a quedar así. Llevo bastante tiempo haciendo este proceso y al principio, solía ir directamente a tintas sin antes recrear el boceto con un lápiz de color pero de probarlo un par de veces, me di cuenta que en realidad es mucho más fácil pasar algún tiempo en trazar el boceto para que no tenga que mantener la caja de luz encendida todo el tiempo, pues ya que la luz pasa, sobre todo cuando quiero llenar una gran área de tinta regada, así que si quiero acostarme tono plano, a veces es difícil determinar cómo se va a ver porque parece más claro cuando se enciende la caja de luz. Por lo que es más fácil simplemente transferir el boceto, para que pueda simplemente apagarlo y tinta sin que la luz brille a través del papel. Me gusta trazar el boceto usando un lápiz rojo específicamente un prismacolor, así puedo borrarlo fácilmente por si acaso cometo un error. Se derrite bastante fácilmente en la tinta una vez que empezamos a repasarla para que no tenga que volver realmente y borrarla después cuando termine. A mí me gusta, tengo un montón de colores disponibles, por lo que suelo elegir un color que complementará el resto de la paleta de colores que estoy planeando usar. Normalmente imprimo dos copias del boceto. Entonces una solía cinta detrás de la hoja pero la otra, me quedaré justo a mi lado para que pueda mirarla como referencia, porque a veces cuando los papeles se pegan realmente no se ven los pequeños detalles. En esta particular ilustración la cara es bastante pequeña en relación con el resto del papel por lo que realmente no puedo verlo demasiado bien con la caja de luz. Por lo que me gusta mantener aquí la segunda impresión como referencia solo para poder echar un vistazo rápido y replicarla en el acto. Entonces mientras seguía trabajando en el boceto en Photoshop decidí ponerle unas ramas en el pelo. Las cosas que sólo estoy poniendo un poco más de detalle en esas. Algo que me gustaría señalar es buscar patrones que sí busquen automáticamente. Por ejemplo, para mí tipo de zona fuera y a veces tiendo a colocar las cosas a distancias iguales separadas entre sí. Entonces si miras aquí hay una rama ahí y aquí y allá y parece que la distancia entre ellos es igual lo que se ve un poco raro, y se ve un poco demasiado ordenada. Entonces, aquí sólo voy a omitir esta rama para que no esté ahí en absoluto y se verá un poco más orgánica de esa manera. Entonces de igual manera, como en Photoshop, omitiré los detalles para aplicarlos para ponerse con la tinta. Por lo que retrasa. De nuevo, solo estoy rastreando el contorno básico no me estoy metiendo en los pequeños detalles aquí. Si bien para este boceto sí pretendo ser un poco más limpio que el Photoshop. Es importante recordarme que quiero que el boceto sea bastante ligero para que se derrita fácilmente en las tintas. Por lo que ahora estamos listos para empezar a entintar. 7. Entintado de tu personaje: Lo primero con lo que empiezo es mezclar el color correcto. Entonces a veces lleva un poco de tiempo hacer eso pero me gusta asegurarme de que lo hago bien. Siempre guardo un pequeño trozo de papel alrededor. Ese suele ser el mismo papel en el que estoy haciendo la ilustración solo para poder ver cómo interactúa la tinta con ella y para asegurarme de tener el tono correcto. Normalmente me gusta agregar un poco de tinta coloreada a la tinta negra solo para agregarle un matiz para que esté más cerca del esquema de color con el que estoy planeando hacer la ilustración. Para esta ilustración, voy a mezclar un color marrón cálido. Estaba pensando en un humor sombrío para una especie de entorno de bosques nublados. Voy a mantenerlo muy minimalista con colores mayormente pegados a una pareja y veré tal vez pueda introducir un color extra pero usualmente me gusta mantener esquemas de color muy simples porque aún no he encontrado exactamente la relación perfecta pero sí siempre es bueno simplemente experimentar. Entonces ahora que he añadido un poco de marrón y rojo o como un color rosado lo voy a probar. Hago un tono más claro para que las líneas no sean demasiado pesadas. También lo uso para sombrear también. Normalmente me gusta premezclar el oscuro, el tono más oscuro y uno más claro también y tener los listos para ir. Ya que estoy entintando si es necesario tener algún tipo de tono medio solo lo mezclaré en el acto y luego siempre me aseguraré de probarlo antes de usarlo en la ilustración. Por lo que el paso de entintado es probablemente el paso más desafiante hasta ahora porque los errores son mucho más propensos a ocurrir y realmente no se puede volver atrás para arreglarlo o borrarlo. Pero también lo hace mucho más divertido porque a veces cometes un pequeño error espontáneamente y terminan sumando a la pieza y además es una experiencia de aprendizaje realmente buena porque aprender a arreglar algo que es relativamente permanente en la página es una habilidad realmente buena para tener. Por lo que en este punto me gustaría agregar algunas líneas. Normalmente empiezo con la cara porque es la parte más importante de la ilustración porque casi siempre es lo primero que el espectador va a mirar. Para mí personalmente me gusta mucho enfocarme en las expresiones faciales. Entonces me gusta asegurarme de que lo hagamos bien primero y por si acaso cometa algún tipo de error que no puedo arreglar. A veces eso sucede que tengo que volver a empezar y por eso es mejor simplemente empezar con la parte más importante en mezcla para hacerlo bien porque todo lo demás puede dejar deslice el error si sucedieron más adelante en el proceso pero definitivamente no en la cara. Ahora voy a entrar al fondo y añadir un tono mojado sobre mojado para crear un ambiente agradable de mal humor y para establecer el tono para que pueda contrastar el cabello y el vestido contra él. Entonces lo primero que voy a hacer es simplemente mojar el papel y luego sólo tengo que asegurarme de hacerlo rápido para luego poder volver rápidamente. Yo sólo voy a seguir y buscar más agua donde esté empezando a secarse. En su mayoría estoy haciendo esto para crear un efecto de desvanecimiento. Entonces no tengo que mojar el papel en todas partes solo lo voy a hacer donde quiera desvanecer el código de tinta. Entonces ahora voy a sumar un poco más de detalle más cerca del punto focal que es el rostro. El motivo por el que dejo estos detalles al paso de entintado como porque siento que es redundante hacerlos y otra vez porque es realmente fácil hacerla punto abierto lo cual también le agrega un elemento orgánico. Nunca sé exactamente con qué tipo de patrón voy a ir. Por lo que es bastante divertido dejarlo al azar. Pero de nuevo también es porque ya lo he hecho tantas veces antes. Por lo que definitivamente debes mostrar lo que sea con lo que te sientes cómodo y si querías incluir más detalle en el proceso de bocetos que siempre ayuda si sientes que es difícil tomar una decisión. Entonces en esta etapa del proceso de entintado puse prácticamente la mayor parte de las cosas importantes alrededor de la cara y voy a tratar de poner menos detalle en el área circundante como en el fondo y esas cosas para que lo no le quita al punto focal de la imagen. Normalmente cuando el detalle está demasiado uniformemente repartido crea un poco de confusión y para mí personalmente es un punto bastante grande sobre el que estoy tratando de mejorar porque siempre tiendo a perderme en los detalles y los repartí uniformemente a lo largo de la imagen. Estoy tratando de trabajar muy duro en eso. Entonces creo que en este punto estoy bastante terminado con la etapa de entintado. Estoy bastante contenta con cómo resultó. Como recuerdan realmente no entró en la iluminación ni nada por el estilo en el boceto. Por lo que me gusta dejarlo al azar. Entonces decidí en el acto, no quería ir por nada demasiado realista. Sólo quería enfocarse mayormente en la cara y crear una atmósfera espelorizante y un poco de una sensación fantasmal. Por lo que ahora estoy listo para agregar algo de color. 8. Agregando acuarela: Mientras entintaba esta pieza decidí usar un esquema de color análogo, lo que significa que voy a estar usando colores que están uno al lado del otro en la rueda de color. Ya que usé un tono marrón cálido para tintar, solo voy a usar naranja, como un esquema de color naranja o marrón a rojo. Si eres alguien como yo que está bastante intimidado al usar esquemas de color complicados, análogo es una opción realmente buena porque casi está garantizado que se vea bien pase lo que pase. Porque los colores están tan cerca uno del otro. Se complementan muy bien. Entonces como con el entintado, voy a empezar por sólo poner algo de color en la paleta y asegurarme probarlo primero antes de añadirlo a la ilustración. Entonces estoy pensando en usar tonos naranja más cálidos o marrones en el fondo justo aquí y dejarlos tal como está, luego agregar tal vez un poco de rojo en la cara para crear contraste adicional. Entonces usando tal vez un poco de un marrón más brillante para resaltar las ramas que están en el cabello. Entonces tal vez pondré un tono bajo en el vestido pero veremos cómo se ve con todos los demás elementos primero. A mí me gusta tomar muchas decisiones en el lugar. Porque me ayuda a aprender y experimentar. Esta pintura en particular está muy concentrada. Por lo que me gusta añadir mucha agua. Entonces aquí estoy usando la técnica húmeda sobre húmeda otra vez; como con la tinta pero esta vez acuarela. Quiero crear un gradiente suave alrededor de los bordes, como aquí mismo, para un efecto interesante y también para retener el tipo de atmósfera neblina. A pesar de que en este punto esto es bastante brillante, así que tal vez el estado de ánimo está cambiando un poco pero sí me gustan las palabras desaparecidas. Es una especie de proceso espontáneo. Ahora solo estoy mezclando una versión ligeramente más brillante de este color. Yo solo estoy coloreando en las ramas que no lean como parte del cabello tanto como lo hacen ahora mismo, y también crea pequeños pops de color a lo largo de la figura porque este momento se ve muy escala gris en comparación con el fondo. Entonces solo quiero integrarla al resto de la imagen sin poner demasiado color. Creo que voy a añadir un poco de rojo. Ahora voy a sumar algo de derecho a la cara para fortalecer el contraste y llamar más la atención sobre el punto focal. Entonces siento que ahora la ilustración está en un lugar bastante bueno y estoy lista para seguir adelante y agregar algunos toques finales. Normalmente tiendo a no trabajar demasiado porque a veces puedo arruinar el dibujo agregando demasiado color o simplemente pasando demasiado tiempo en el escalón. El siguiente paso es agregar algunos toques finales con diversos medios mixtos. Me gusta usar gouache para agregar algunos reflejos blancos y tal vez algún lápiz de color para atar la imagen. 9. Toques finales: Por lo que ahora voy a añadir algunos toques finales a la pieza. En primer lugar, voy a usar gouache blanco para tal vez agregar algunos reflejos y arreglar algunas partes. Oh, cometí pequeños errores. Por lo que agrego algunos aspectos destacados aquí y allá. Normalmente uso gouache blanco para repasar y arreglar algunas de las áreas que cubrí con pintura, solo para agregar más precisión y dibujar el ojo de vuelta al punto focal. A mí me gusta usar gouache porque es opaco, pero también puedo mezclarlo con agua si quiero que tenga algo de transparencia. Bueno, sé que es bastante común usar un bolígrafo de gel blanco para este tipo de suave, pero me parece que un gouache me da más precisión y una gama más amplia de calidad de línea. Estoy aquí por las mezclas de hombro en el fondo un poco. Entonces solo voy a agregar una línea de manchas para crear un borde. Yo sólo voy a añadir un poco de detalle al fondo ahora también sólo para ver qué pasa. Ahora, sólo voy a entrar con un pincel más ancho y ver si puedo reducir un poco esta mancha oscura por aquí. Me gusta cómo mezclar el blanco y crea un poco de un tono fresco. Por lo que es un bonito contraste con el resto de los más, le da una sensación más neblina, como yo inicialmente quería. Entonces solo voy a derribar o derribar algunos de los mechones de pelo para crear un poco más de profundidad. Ahora, sólo voy a añadir algún último toque nosotros con un lápiz rojo. Estoy usando el mismo lápiz que uso para transferir el boceto. Lo que estoy haciendo en este momento es en su mayoría agregar algunos ingredientes para fortalecer aún más el punto focal que es la cara. Creo que este es un buen momento para llamarlo se rinde. Es difícil decir cómo exactamente decido cuando está hecho, pero siento que si pongo un nuevo más detalle entonces se sentirá sobrecargado. Yo sólo quería dejar sueltas algunas partes. Creo que crea un tipo de ambiente más interesante. Entonces en este paso, usé gouache para agregar algunos detalles adicionales y solo para arreglar cualquier pequeño error que cometí en el camino, y además para llamar la atención extra sobre el punto focal, y luego usaron un lápiz rojo solo para atar el toda la imagen juntos y añadir algunos gradientes sutiles aquí y allá. Ahora, puedes seguir adelante y hacer lo mismo con tu ilustración de personajes. 10. Cierre: Por lo que ahora has visto todo el proceso comenzando con el boceto en miniatura y terminando con la ilustración final, y ahora por fin puedes tener la satisfacción de sostener una obra de arte terminada en tus manos. Entonces a pesar de que he hecho este proceso muchas, muchas veces en el pasado, me parece que la mayoría de las veces la obra terminada luce muy diferente a lo que originalmente pretendía, cual está totalmente bien porque tiendo a hacer decisiones en el acto y yo solo rodo con lo que pase. Por lo que crea un nivel extra de emoción sobre dibujar en general, y estoy realmente contento con cómo resultó esto. Después de terminar la obra de arte, me gusta escanearla y traerla de vuelta a Photoshop para que pueda ajustar aún más los colores si es necesario, y tal vez arreglar algún pequeño detalle acercando. Entonces a medida que continúas usando esperanzadamente este proceso, espero que aprendas algo nuevo cada vez. De verdad te aconsejaría que no te enfoques demasiado en hacer algo perfecto porque incluso esta pieza, aunque estoy muy contento con ella. Todavía hay un montón de cosas que puedo quitarme en adelante y definitivamente haría algunas cosas de manera diferente la próxima vez. Por lo que cada ilustración es una experiencia de aprendizaje. Entonces si has estado siguiendo junto con mi clase, realmente espero que hayas aprendido algo nuevo y me encantaría ver lo que se te ocurrió. Entonces por favor, sube tus creaciones a la Galería de Proyectos. Muchas gracias por tomar mi clase y no puedo esperar a ver qué crees. 11. Explora más clases en Skillshare: